JAKI BLUE — “The Love You’ve Been Given”: aprender a reconocer el amor que ya está ahí

“The Love You’ve Been Given” funciona como una pieza especialmente significativa dentro del universo de JAKI BLUE: una mirada íntima hacia el amor, la identidad y ese proceso silencioso de aprender a aceptarnos. La canción forma parte del EP debut que lleva el mismo nombre, un proyecto construido alrededor de la búsqueda personal, la vulnerabilidad y el regreso hacia uno mismo.

Musicalmente, JAKI BLUE se mueve entre el Alternative R&B y el Alt-Soul, combinando una sensibilidad soul con una escritura profundamente personal. Su manera de construir canciones parte de melodías y palabras que surgen casi como confesiones, dejando espacio para que la emoción sea tan importante como la propia narrativa.

En “The Love You’ve Been Given”, esa búsqueda adquiere una dimensión particularmente humana: mirar el amor recibido, reconocer su valor y entender que el camino hacia la propia identidad también puede comenzar cuando dejamos de buscar respuestas únicamente afuera. Es una propuesta cálida, introspectiva y vulnerable, de esas que invitan a escuchar con calma y quedarse un rato dentro de la canción.

Y aquí tenemos una artista que no utiliza la vulnerabilidad como adorno: la convierte en el centro de su lenguaje musical. 💙

Wilbur Sargunaraj — “Dance Around The World”: cuando la música convierte las fronteras en ritmo

“Dance Around The World” es una celebración musical de la diversidad y de aquello que puede conectar a personas de culturas diferentes: el ritmo. Wilbur Sargunaraj construye esta propuesta desde su trabajo alrededor de la inteligencia cultural, llevando esa idea al terreno musical mediante una producción que reúne influencias y colaboradores de distintas partes del mundo.

Más que presentar una mezcla de estilos como simple recurso sonoro, el proyecto busca que cada encuentro cultural forme parte de la identidad de la música. El álbum fue desarrollado junto a productores como Roberto Linares Brown, Jean-Meyer y Mike Schlosser, y cuenta con músicos de diferentes procedencias, entre ellos el percusionista ganador del Grammy Keisel Jiménez, además de artistas vinculados con Nueva Zelanda, India y Hawái.

En “Dance Around The World”, esa filosofía se traduce en una experiencia dinámica, bailable y abierta al intercambio: una propuesta de world music con electrónica, groove y elementos provenientes de distintas tradiciones, donde el movimiento funciona también como lenguaje universal.

El lanzamiento llega como parte de un proyecto que entiende la música como una herramienta para acercarnos a otras culturas. Y quizá ahí está su mayor atractivo: no se trata solamente de bailar alrededor del mundo, sino de descubrir el mundo a través del baile. 🌎🎶

Un disco de metal que aborda las dualidades del ser humano, así es ‘Entre fuego y sombras’ de AIn Ad Hominem

‘Entre fuego y sombras’ es el disco debut de In Ad Hominem, un trabajo con un concepto que gira en torno a la dualidad del ser humano: la rabia y la esperanza, la destrucción y el renacer, la fe y la ausencia de ella.

Cada canción es una historia distinta, pero todas hablan de procesos internos. La banda chilena aborda temáticas como la crisis de fe, la muerte, la ira, la soledad, la crítica social y la búsqueda personal en un mundo que se cae a pedazos.

«El mensaje que queremos enviar con este lanzamiento es simple: está bien arder y está bien estar en la sombra. No todo es luz. Queremos que la gente que escuche el disco sepa que sus demonios también tienen música. Que gritar también es sanar», agrega el grupo austral.

‘Entre fuego y sombras’ explora sonidos desde el thrash metal rápido y cortante, pasando por pasajes progresivos con cambios de tiempo, hasta riffs más pesados y melódicos del heavy metal. Como power trio, In Ad Hominem busca que cada instrumento suene grande. Hay mucha guitarra líder, bajo presente y líder y batería aplastante que marca todo; pero también hay guitarras limpias y dinámicas para que no sea solo golpe tras golpe.

«La inspiración que tuvimos para este álbum viene de vivir en Chile post-estallido, de pérdidas personales y de ver cómo la gente se va apagando o encendiendo, de vivencias humanas que muchas veces son mucho más crudas que historias de fantasías y demonios. También de ensayar encerrados en San Sebastián con el mar al lado. El fuego y la sombra estaban ahí todo el tiempo», enfatiza IAH.

‘Entre fuego y sombras’ de In Ad Hominem presenta una canción desoladora en ‘Ciudad sin Dios’, una intensa y esperanzadora en ‘Renaciendo’, una melancólica y furiosa en ‘El Fin’, una ansiosa y crítica en ‘Esperando una opinión’, una fatalista y épica en ‘He de morir’, una oscura en ‘Ciego’, una melancólica e inspiradora en ‘Ecos de ausencia’ y una explosiva y liberadora en ‘Toda mi ira’.

‘Ciudad sin Dios’ es el focus track del disco, es una canción que nace de una pesadilla de uno de los integrantes y habla del sentir que estamos solos, que todo se derrumba y que cada uno se salva como puede. Es una crítica a la indiferencia social. Sonoramente, parte con un riff thrash muy directo, una batería agresiva y un coro que se queda pegado. Tiene un puente más groove antes de explotar de nuevo. La letra habla de una ciudad donde «Dios se fue de gira y no volvió».

El videoclip se grabó con imágenes IA editadas, dirigidas y producidas por el productor Matias Tapia (Mato), intercaladas con la banda tocando y actuando. El concepto es mostrar esa soledad colectiva: mucha gente, nadie se ve, nadie se ayuda, es solo caos en 4 minutos de intenso metal.

Según In Ad Hominem, «Esperamos que ‘Entre fuego y sombras’ nos abra puertas fuera de Chile. Queremos tocar en Colombia, Argentina, Perú, México y en todo el mundo. El impacto que buscamos es conectar con gente que está cansada del metal en inglés y quiere escuchar algo que le hable directo, en su idioma y con sus problemas. Que el disco se vuelva banda sonora de alguien que está pasando por sus propios «fuegos y sombras»».

Descubrimientos de Xonny en Groover de Agosto 2026 | Vol 01

Cinco canciones, cinco nuevos descubrimientos y cinco razones para darle play a sonidos que quizá todavía no conocías. En FRECUENCIA ALTERNATIVA abrimos una ventana a nuevos artistas y propuestas que llegan desde distintos rincones del mundo. En cada volumen reunimos canciones que nos llamaron la atención por su sonido, su personalidad y aquello que las hace diferentes. Dale play, descubre nuevos nombres y déjate sorprender por la música que encontramos en el camino.

La próxima canción que te guste podría estar aquí. 🎧

Alexa Kate — “good for long”: cuando todo va bien, pero algo dentro de ti espera lo peor

“good for long” explora esa sensación tan humana de no poder disfrutar completamente de un momento feliz porque, en el fondo, existe el miedo de que algo salga mal. Alexa Kate convierte esa ansiedad silenciosa en una pieza de indie pop emocional, construida alrededor de la vulnerabilidad y la incertidumbre.

La canción comienza desde un lugar íntimo y contenido, reflejando esa calma aparente que poco a poco se transforma en tensión. Su desarrollo de suave a intenso acompaña perfectamente el conflicto emocional: querer confiar en que todo está bien mientras una parte de ti sigue esperando que llegue “el otro zapato”.

Con una propuesta centrada en la sensibilidad de la interpretación y unas letras introspectivas, “good for long” conecta especialmente con quienes conocen esa sensación de cuestionar la felicidad incluso cuando no existe una razón concreta para hacerlo. Es un retrato sencillo, honesto y emocional de la ansiedad que puede esconderse detrás de los momentos aparentemente perfectos.

Cap’n Marble – “Garden Dreams”: elegir el sueño antes que la realidad

“Garden Dreams”, de Cap’n Marble, explora el deseo de vivir en un estado de felicidad e ignorancia antes que enfrentarse a una realidad que puede resultar demasiado dura. La canción se construye alrededor de esa contradicción entre la comodidad de permanecer en un mundo idealizado y la necesidad de reconocer aquello que preferimos no ver.

Desde una propuesta de indie pop e indietronica, el tema transforma esta reflexión en una experiencia sonora de carácter soñador y envolvente. Su concepto encuentra fuerza precisamente en el contraste entre una atmósfera aparentemente luminosa y una idea mucho más inquietante: ¿qué ocurre cuando elegimos la ilusión porque la verdad duele demasiado?

“Garden Dreams” fue escrita, grabada y mezclada por Cap’n Marble en su estudio casero de Los Ángeles, un proceso que refuerza el carácter personal de la propuesta. El sencillo también funciona como adelanto de su segundo LP, previsto para este año, abriendo una nueva etapa en el universo creativo del proyecto.

Más que una invitación a escapar de la realidad, la canción parece preguntarnos cuánto estamos dispuestos a ignorar para conservar nuestro propio jardín de sueños.

SAER – “My Heart Has Been Caged”: un corazón atrapado entre el amor y el silencio

“My Heart Has Been Caged” es una íntima propuesta de indie folk en la que SAER explora el peso de un amor guardado durante demasiado tiempo. La canción se construye desde una perspectiva profundamente emocional, utilizando imágenes de heridas, puertas cerradas y un corazón atrapado para representar esa sensación de permanecer prisionero de sentimientos que nunca llegaron a expresarse por completo.

La composición transmite una atmósfera melancólica y reflexiva, en la que la vulnerabilidad se convierte en el principal recurso narrativo. SAER aborda el deseo, la incertidumbre y el dolor de querer a alguien que quizá nunca llegue a conocer la verdadera dimensión de esos sentimientos.

Más allá de hablar simplemente de un amor no correspondido, “My Heart Has Been Caged” funciona como una reflexión sobre el momento en que es necesario dejar atrás aquello que nos mantiene emocionalmente detenidos. Entre nostalgia y esperanza, la canción plantea la posibilidad de recuperar la libertad emocional y permitir que el corazón vuelva, finalmente, a abrirse.

Un manifiesto de resistencia que rinde homenaje a las raíces, así es ‘La Sangre Latina’ de Estado de Sitio

Estado de Sitio, una de las bandas más representativas del rock panameño, lanza su nuevo álbum ‘La Sangre Latina’, una producción que celebra más de tres décadas de trayectoria. Más que un disco de rock, es una declaración de identidad, fuerza y resistencia desde Panamá para toda Latinoamérica.

Con más de 35 años de historia sobre los escenarios, Estado de Sitio ha marcado un camino sólido dentro de la escena del rock en Panamá y la región. ‘La Sangre Latina’ es mucho más que un disco: es un manifiesto sonoro que rinde homenaje a las raíces, la resistencia y la unión de nuestros pueblos.

Integrada por Billy Mata, Luis Gotti y Juan Iribarren cada canción refleja el pulso de una generación que sigue creyendo en el poder del arte para transformar, unir y despertar conciencia.

«Este álbum es una celebración de nuestra identidad, de todo lo que somos como latinos. Es rock con alma, con historia y con corazón», cuenta Juan Iribarren baterista de Estado de Sitio.

El disco reúne poderosos riffs de guitarra, letras cargadas de contenido social y la madurez musical de una banda que ha sabido evolucionar sin perder su esencia. Grabado y producido por Nathan Bonalde de Venezuela y los estudios de Emilio Cárdenas de Panamá.

‘La Sangre Latina’ cuenta con colaboraciones especiales de músicos invitados, y consta de 12 canciones interpretadas junto a grandes colegas de la escena musical iberoamericana como Saurom de España en ‘Libertad’, Sinergia de Chile en ‘Revolución’, Antibanda de Uruguay en ‘Los Padres de la Patria’, Los Perros de Costa Rica en ‘La Revolución de las Masas’, Adaptados de Costa Rica en ‘Qué Hacen con el Dinero’, Fernando Madina de Reincidentes de España junto a Juan Cabrera de Acción Directa de Venezuela en ‘Estado de Sitio’, Notoken de Ecuador en ‘A la Mierda tu Vida’, Los Violadores de Argentina en ‘Viejos Patéticos’, Radiocrimen de País Vasco en ‘Caos y Muerte’, Mal Agüero y Desarme de Colombia en ‘En el Nombre de Dios’, Los Rabanes de Panamá en ‘La Historia de mi Vida’ y ‘La Sangre Latina’ en donde participan los músicos panameños Eric Pinzón de Cabeza de Martillo, Sidsagi Inatoy / Kuna Revolution y el percusionista Ademir Berrocal miembro de la Orquesta de Rubén Blades y la orquesta de Roberto Delgado.

Este nuevo disco incluye éxitos de la banda y 3 temas inéditos: ‘Libertad’, ‘La Revolución de las Masas’ y ‘La Sangre Latina’, que marcan un antes y lo que será el nuevo rumbo de la banda en términos musicales.

‘La Sangre Latina‘ es la canción que le da nombre al disco y cuenta con la participación de importantes músicos panameños como Eric Pinzón de Cabeza de Martillo, Sidsagi Inatoy /Kuna Revolution grupo de rap originario de Guna Yala y el percusionista Ademir Berrocal, miembro de la Orquesta del Maestro Rubén Blades yla Orquesta de Roberto Delgado.

El clip cuenta con las actuaciones especiales de la actriz Rosa García y el actor Lucho Gotti, conocido por sus apariciones en películas como El Sastre de Panamá, James Bond 007/ Quantum of Solace, Chance, Escobar, La Ruta de la Luna entre otras.

Realizado bajo el lente del equipo de Dirty Diablo Films Panamá y Musa Producciones, el videoclip muestra a Estado de Sitio como parte de una energía colectiva, con músicos, artistas, identidad visual, presencia escénica y una estética que conecta con Panamá y Latinoamérica.

El concepto de la portada está ligado al nombre del disco. Habla de raíces, historia, pueblos conectados, ataduras que se rompen, memoria y resistencia. La portada del álbum representa identidad, fuerza y unidad. Visualmente mantiene el carácter directo del grupo: un puño en alto rompiendo las cadenas en un claro gesto de lucha. Simboliza el anhelo de liberación de los pueblos en América Latina, no solo del yugo físico, sino el mental, invitando a romper las barreras colonialistas y las auto-impuestas e ir en la búsqueda de la verdadera libertad.

‘La Sangre Latina’ de Estado de Sitio presenta en ‘Revolución’ una consigna de protesta hecha canción, en ‘Estado de Sitio’, energía e identidad; en ‘Libertad’ muestra rebeldía y esperanza, ‘Viejos Patéticos’ es inspiradora y agresiva, ‘¿Qué Hacen con el Dinero’ es un cuestionamiento directo, ‘La Historia de mi Vida’ es la canción fiestera del grupo, ‘En el Nombre de Dios’ es oscura y cuestionadora, ‘La Revolución de las Masas’ es un análisis a la tecnología y el control popular, ‘Caos y Muerte’ es cruda y explosiva, ‘Los Padres de la Patria’ es sarcástica y política, ‘A la Mierda tu Vida’ es peligrosa y potente y ‘La Sangre Latina’ es un homenaje a la Pachamama.

COMOTUEX convierte su disco ‘La AnEXdota’ en una experiencia audiovisual que va más allá de la música

La banda panameña de rock alternativo COMOTUEX lanza su 2da producción, el álbum ‘La AnEXdota’, encabezando con el sencillo ‘Panty Water’, una canción que no solo llegará acompañada de música, sino de un universo narrativo que combina humor, cine y rock.

Como parte de esta propuesta, la banda también trabaja actualmente en la preproducción del videoclip de «La AnEXdota», una historia protagonizada por un Cupido convertido en un peculiar villano que dispara flechas para sembrar el caos sentimental. Con un tono cinematográfico y una estética inspirada en la comedia de acción, el video promete convertirse en una pieza central del proyecto.

La estrategia también incluye un Live Session grabado junto por Pulso Sinergia, donde la banda presentará versiones en vivo de sus canciones, acercando al público a la energía que caracteriza sus presentaciones.

Además, COMOTUEX desarrolló un formato original de «noticiero» en su canal de YouTube, una serie de contenidos audiovisuales que conectan las historias del álbum y amplían el universo narrativo de la banda, mezclando ficción, humor y música para ofrecer una experiencia diferente dentro de la escena del rock independiente.

Con esta apuesta multimedia, COMOTUEX demuestra que un álbum puede vivirse más allá del audio, convirtiéndose en una experiencia visual y narrativa que invita al público a descubrir cada canción desde distintas perspectivas.

Alanna Matty — “Kitchen Scissors”: ansiedad, intimidad y vulnerabilidad

“Kitchen Scissors”, de la canadiense Alanna Matty, forma parte de Epilogue, su lanzamiento de agosto de 2026. La canción explora la ansiedad y la vulnerabilidad que aparecen cuando una conexión emocional comienza a sentirse demasiado importante.

Con una propuesta cercana al indie-folk y pop, Matty convierte situaciones cotidianas en imágenes íntimas y honestas, mientras la letra refleja el deseo de confiar y, al mismo tiempo, el miedo a no significar lo mismo para la otra persona.

La imagen central de las tijeras de cocina resulta especialmente llamativa porque transforma un objeto doméstico y aparentemente insignificante en parte de un momento de tensión emocional. Es una muestra del modo en que Matty utiliza detalles cotidianos para representar estados internos mucho más complejos, haciendo que la canción se sienta cercana y vulnerable.

El resultado es una pieza profundamente personal, donde lo cotidiano se convierte en una forma de hablar sobre el miedo, el deseo y esa incertidumbre que aparece cuando empezamos a sentir demasiado.