Seis propuestas compiten por abrir el Ska Para Todos Fest 2026

El 25 de septiembre, Boro Room recibirá a seis agrupaciones seleccionadas mediante convocatoria abierta. La ganadora obtendrá el cupo para realizar el show de apertura del Ska Para Todos Fest, el 21 de noviembre en Bogotá.

El Ska Para Todos Fest abre una nueva plataforma de circulación para proyectos independientes vinculados al ska, reggae, punk y sus fusiones. La jornada reunirá a DELASIERRA, SIN PUDOR, JUAN CAMACHO & LA ROOTS BAND, LADY JOSEPHINE Y LA SEGUNDA ADOLESCENCIA, LA VIEJA TRAMPA y SR. MOSKATO.

Las seis agrupaciones llegan después de un proceso abierto de selección y compiten por un único cupo: abrir el Ska Para Todos Fest 2026, el 21 de noviembre en Bogotá.

PRE SPTF: UN NUEVO ESPACIO DE CIRCULACIÓN

La realización del Pre Ska Para Todos Fest es posible gracias a la Invitación Cultural Chapinero Late 24/7 – Rutas Culturales, convocatoria pública de la que Ska Para Todos Fest resultó ganador en 2026. El estímulo permite sumar una etapa previa al festival y abrir un espacio de visibilidad, circulación y encuentro para nuevas propuestas.

Ska Para Todos Fest nació en Bogotá en 2019 como una iniciativa independiente, de la mano de Pablo Marroquin y Angie Ramírez, enfocada en fortalecer la circulación del ska y sus músicas cercanas. El Pre SPTF amplía esa vocación y pone a las bandas frente al reto del directo, ante público y en condiciones reales de festival.

SEIS BANDAS, SEIS SONORIDADES DIFERENTES

DELASIERRA

El proyecto liderado por Wenche Delasierra cruza reggae, rocksteady, ska y rock con una puesta de alta energía. Su recorrido incluye Rock al Parque 2024, Festival Centro y otros circuitos nacionales.

SIN PUDOR

Con más de dos décadas de trayectoria, Sin Pudor es una referencia del punk colombiano. Su historia incluye Rock al Parque, circulaciones internacionales y giras por América y Europa, con un discurso de crítica social y libertad.

JUAN CAMACHO & LA ROOTS BAND

Juan Camacho articula reggae roots, jazz moderno y canción latinoamericana. Su etapa solista comenzó en 2025 y ya registra circulación en espacios del reggae bogotano mientras prepara su primer álbum.

LADY JOSEPHINE Y LA SEGUNDA ADOLESCENCIA

Una propuesta transfeminista y performática que cruza punk, glam, metal y ritmos urbanos. Su identidad escénica convierte la resistencia, la transición y la libertad en parte central del discurso artístico.

LA VIEJA TRAMPA

Activa desde 2011, mezcla punk, rock, hardcore y ska con letras de crítica social y experiencias cotidianas. Ha construido un recorrido sólido dentro del circuito underground y ha circulado por distintas ciudades del país.

SR. MOSKATO

Desde el Valle de Aburrá, propone un ska punk directo y enérgico, con sección de vientos protagonista. Formada en 2009, la banda convierte historias cotidianas y experiencias de parche en canciones para el movimiento y el encuentro.

Un cupo en juego para el 21 de noviembre

El eje de la noche será la presentación en vivo de las seis agrupaciones. Todas compiten por el cupo de apertura del Ska Para Todos Fest 2026, programado para el 21 de noviembre en Bogotá. La fecha servirá además como una antesala para descubrir proyectos y acompañar la escena independiente.

LissA, Plastic Jungle & TOZZ — «Too Far»: Cuando la distancia empieza a sentirse demasiado cerca

Hay canciones que llegan con una energía tranquila, pero que esconden algo más profundo debajo de la superficie. «Too Far», la colaboración entre LissA, Plastic Jungle y TOZZ, se mueve precisamente en ese punto: un sonido cálido y envolvente que permite dejarse llevar mientras algo parece estar sucediendo emocionalmente entre las líneas.

Construida desde una base de Deep House, Chill House y Tropical House, la canción apuesta por un equilibrio entre atmósfera y movimiento. Con sus casi tres minutos de duración, no necesita sobrecargar la producción para generar esa sensación de escapada: el groove avanza con naturalidad y deja espacio para que la melodía y la voz respiren.

El lanzamiento llegó el 28 de agosto de 2026, y rápidamente comenzó a encontrar espacio dentro de playlists dedicadas a los sonidos electrónicos más relajados y bailables. «Too Far» aparece actualmente en selecciones como Chill House 2026, Ibiza Deephouse, Soft Deep House 2026 y otras playlists centradas en house y música para desconectar.

La colaboración tampoco llega de la nada. LissA y Plastic Jungle ya habían coincidido anteriormente en «The Part That Stays», junto a Lane Boy, una colaboración publicada en noviembre de 2025. Ese antecedente muestra que existe una conexión creativa previa entre ambos proyectos y que «Too Far» continúa explorando ese territorio electrónico melódico y accesible.

En el caso de LissA, además, 2026 ha sido un año particularmente activo, con lanzamientos como «Walk Away» junto a Moglii y «Last Love (Don’t Forget Me)», mostrando una presencia constante dentro de distintos espacios de la electrónica y el house.

Pero quizás lo que más funciona en «Too Far» es precisamente su capacidad para no exigirle demasiado al oyente. Es de esas canciones que pueden acompañar un viaje, una tarde tranquila, una noche de verano o simplemente ese momento en el que necesitas música que fluya sin interrumpir tus pensamientos.

Y mientras el groove sigue avanzando, el título deja una pregunta flotando: ¿cuándo exactamente algo que parecía estar a una distancia segura empieza a sentirse demasiado lejos?

«Too Far» encuentra su respuesta en el movimiento: una producción suave, bailable y atmosférica que convierte esa sensación de distancia en algo que, paradójicamente, dan ganas de repetir.

Vitamina — «Appreciate»: Aprender a agradecer también es aprender a estar presente

Hay canciones que intentan convencernos de que todo estará bien. «Appreciate», de Vitamina, propone algo más interesante: aprender a valorar la vida incluso cuando no todo está bien. Su mensaje parte de una palabra sencilla —appreciate— y la convierte en una especie de mantra para atravesar los momentos de luz, pero también aquellos que vienen acompañados de dudas, cambios y dificultades.

Musicalmente, el tema se mueve entre indie folk, raíces latinas y sonoridades andinas, combinando charango, guitarra acústica y un bajo profundo que sostiene el recorrido. La mezcla tiene una calidez muy orgánica y, al mismo tiempo, un pulso que mantiene la canción en movimiento. No es una pieza contemplativa que se quede quieta: hay groove, hay ritmo y hay una sensación de viaje.

Uno de los detalles más interesantes está en el contraste entre tonalidades menores y mayores. Esa transición funciona como un reflejo de la propia experiencia humana: momentos de tensión que terminan abriendo espacio para la esperanza, tristeza que convive con alegría y dificultades que también pueden convertirse en aprendizaje. La canción no intenta borrar los contrastes; los abraza.

Detrás de Vitamina está Joshua Castro, cantautor y productor ecuatoriano-estadounidense, cuyo proyecto ha evolucionado a partir de una relación muy cercana con la naturaleza, la transformación personal y la búsqueda de una vida más consciente. Su tercer álbum, Vitamina Psicodélica, reúne precisamente estas inquietudes y expande su sonido hacia una combinación de rock alternativo, instrumentos andinos y arreglos de inspiración cinematográfica.

«Appreciate» forma parte de ese álbum y cuenta con la participación de Freddy Larrosa, productor y multiinstrumentista vinculado a Gardenhouse Records. El tema apareció como sencillo en 2026 y posteriormente quedó integrado en las nueve canciones de Vitamina Psicodélica, publicado el 7 de agosto.

Pero quizá lo más poderoso de «Appreciate» está precisamente en su sencillez. Agradecer no significa fingir que todo es perfecto. Significa reconocer que la alegría y la dificultad pueden formar parte de la misma historia, y que incluso los momentos complicados pueden enseñarnos a mirar de otra manera aquello que tenemos.

Con su combinación de ritmos cálidos, instrumentos acústicos y una atmósfera envolvente, Vitamina convierte una palabra cotidiana en una invitación: bajar el ritmo, mirar alrededor y apreciar el momento que estamos viviendo.

Porque a veces la vida no necesita otra respuesta. A veces solo necesita que aprendamos a decir: appreciate. 🌿

Azzido Da Bass, YP@X & Bruno Verdugo — «Fuego (Dale Dale)» (Glitter and Disco, Wolfgang Dembowski Remix): Cuando el fuego se convierte en groove

Hay canciones que simplemente invitan a bailar, pero algunas parecen tener una misión mucho más clara: hacer que la pista completa se mueva al mismo tiempo. «Fuego (Dale Dale)», en esta nueva versión a cargo de Glitter and Disco y Wolfgang Dembowski, toma la energía del original de Azzido Da Bass, YP@X y Bruno Verdugo y la lleva hacia un territorio mucho más disco, funky y abiertamente clubero.

El resultado es un remix construido alrededor de bajos cálidos, guitarras brillantes, ritmos funk y un contundente pulso four-on-the-floor. La producción conserva ese espíritu latino y contagioso del tema original, pero lo transforma en una experiencia más cercana al Disco House y al Jackin House, con un groove diseñado para mantenerse en movimiento. La versión figura oficialmente como un track de House de 119 BPM.

La historia de «Fuego (Dale Dale)» comenzó en junio de 2026, cuando Azzido Da Bass, YP@X y Bruno Verdugo presentaron el single original. La nueva lectura llegó el 28 de agosto a través de Ton Liebt Klang, acompañada además por una versión instrumental del remix.

En esta ocasión, Wolfgang Dembowski, junto a su proyecto Glitter and Disco, lleva la canción hacia una estética donde la nostalgia de la disco clásica se encuentra con la producción House contemporánea. Dembowski es DJ y productor radicado en Hamburgo y su proyecto Glitter and Disco explora precisamente influencias del nu-disco y el classic house, una combinación que encaja perfectamente con la dirección de este remix.

Y hay algo que funciona especialmente bien en la propuesta: «Fuego (Dale Dale)» no parece querer complicar la experiencia. Su objetivo es mucho más sencillo —y mucho más efectivo—: crear buen ambiente. Es música para un atardecer frente al mar, una terraza llena de gente, un rooftop, un festival al aire libre o esa parte de la noche en la que la pista deja de ser un conjunto de personas y empieza a sentirse como un solo cuerpo.

La combinación también demuestra cómo una misma canción puede adquirir nuevas dimensiones cuando cambia el lenguaje de producción. Del House original, que se mueve alrededor de los 120 BPM, pasamos a un remix ligeramente más contenido en tempo, pero con una textura más funky y disco que pone el énfasis en el groove.

«Fuego (Dale Dale)» termina siendo justamente eso: una invitación a soltarlo todo durante unos minutos. Sin demasiadas reglas, sin demasiadas vueltas y con una idea muy clara: subir el volumen, encontrar el ritmo y dejar que el fuego se extienda por la pista.

LION BABE — «Fashion Week»: Cuando vestirse también es una declaración de poder

Hay canciones que acompañan un outfit. Y hay otras que prácticamente se convierten en el outfit. «Fashion Week», el nuevo single de LION BABE, llega con esa actitud: elegante, provocadora, segura de sí misma y lista para convertir cualquier entrada en una pasarela.

El dúo neoyorquino formado por Jillian Hervey y Lucas Goodman (Astro Raw) vuelve con una producción a cargo de Never Dull, construyendo un groove bailable que conecta el universo del R&B, el soul y la electrónica con la energía de la cultura fashion. El resultado es una canción dinámica y descarada, pensada para moverse, salir y, sobre todo, sentirse imparable.

La elección del momento tampoco es casualidad. Lanzada el 4 de septiembre de 2026, «Fashion Week» llegó justo cuando Nueva York comenzaba a prepararse para su temporada de moda. LION BABE incluso llevó esa conexión un paso más allá: Jillian Hervey participó en la pasarela durante la Fashion Week, haciendo que música, imagen y moda terminaran formando parte de una misma historia.

Para el dúo, la canción busca capturar todo lo que rodea esta época del año: los looks, las fiestas, la atmósfera y esa sensación de entrar a un lugar sabiendo exactamente quién eres. La moda funciona aquí como una forma de expresión y como una extensión de la confianza personal.

Y esa idea encaja perfectamente con el recorrido de LION BABE. Desde su aparición en 2012, Hervey y Goodman han construido una identidad que se mueve con naturalidad entre música, moda, arte y cultura contemporánea. Su sonido combina influencias del R&B y funk de los 70 y 90 con producción electrónica, mientras su propuesta visual ha sido una parte fundamental de su personalidad artística.

Además, «Fashion Week» llega después de una etapa de bastante movimiento para el dúo, incluyendo presentaciones junto a Khalid y su reciente colaboración con Will Sass, «ZaZaZa». En esta nueva canción, sin embargo, el protagonismo está puesto directamente sobre LION BABE y esa mezcla de groove, sensualidad y seguridad que ya forma parte de su ADN.

«Fashion Week» es para subir el volumen mientras te arreglas, caminar como si la calle fuera tu pasarela y recordar que la confianza también puede tener ritmo.

AL 29 — «Vois-tu ma blonde»: Cuando el amor aprende a quedarse

Hay canciones que hablan de enamorarse. Y hay otras que hablan de algo mucho más difícil: permanecer. « Vois-tu ma blonde », de AL 29, se mueve precisamente en ese territorio donde el amor deja de ser solamente ilusión y empieza a mezclarse con recuerdos, años compartidos, dificultades y esa nostalgia que aparece cuando miramos hacia atrás.

Con una propuesta de pop-rock francófono, AL 29 construye una canción cercana y emocional, en la que la energía rock acompaña una escritura sensible. La canción tiene ese carácter de historia personal que parece estar dirigida a alguien concreto, pero que fácilmente puede terminar conectando con nuestras propias experiencias.

Detrás de AL 29 está Alain, compositor canadiense que durante años escribió canciones pensando en que fueran interpretadas por otros artistas. A partir de 2025 comenzó a darle una nueva vida a esas composiciones y a desarrollar un proyecto propio, inspirado en historias personales, emociones cotidianas y reflexiones sobre la vida. De ese proceso nació también Paradoxal, álbum al que pertenece esta canción.

Y justamente ahí está uno de los encantos de « Vois-tu ma blonde »: no parece hablar únicamente del comienzo de una historia de amor, sino de todo lo que viene después. Los años, los recuerdos, las pruebas y esa pregunta silenciosa sobre qué queda cuando la vida ha cambiado tantas cosas.

La canción también empieza a encontrar su espacio dentro de circuitos de descubrimiento musical. Actualmente aparece, por ejemplo, en una playlist alternativa que reúne propuestas de pop-rock, indie y otros sonidos contemporáneos.

Hay algo especialmente cálido en escuchar una canción de amor desde esta perspectiva. Porque a veces amar no significa vivir una historia perfecta, sino seguir reconociendo a esa persona después de todo lo vivido.

Con « Vois-tu ma blonde », AL 29 convierte la nostalgia, el paso del tiempo y los sentimientos que permanecen en una canción de pop-rock íntima, honesta y profundamente humana.

Una canción para quienes saben que algunas historias no se miden por cuánto duran, sino por todo lo que dejan en el camino.

DJ Xarrit — “Pedacitos de Tiempo”: Los recuerdos también tienen ritmo

El tiempo tiene una manera curiosa de quedarse con nosotros. A veces lo encontramos en una fotografía, en una canción o en esos pequeños momentos que parecían insignificantes cuando ocurrieron, pero que años después siguen teniendo un lugar especial. “Pedacitos de Tiempo”, de DJ Xarrit junto a Luna Prothec, parte precisamente de esa idea para convertir la memoria en movimiento.

El tema combina producción electrónica con influencias latinas, incorporando piano y elementos de metales dentro de una propuesta que se mueve entre el Latin Pop, el Latin Hip-Hop y la World Music. El resultado tiene energía suficiente para la pista, pero también una dimensión emocional que permite escucharlo más allá del baile.

Uno de los puntos interesantes de la canción es justamente ese equilibrio. “Pedacitos de Tiempo” no plantea la nostalgia desde un lugar completamente melancólico. Hay ritmo, dinamismo y una sensación de celebración: como si esos recuerdos no fueran solamente algo que mirar hacia atrás, sino pequeñas piezas de nuestra historia que todavía pueden hacernos mover.

DJ Xarrit cuenta que escribió la letra y dirigió personalmente el proceso creativo de la canción, desde la estructura y el ritmo hasta los arreglos, las dinámicas y la interpretación vocal. Esa participación integral ayuda a entender el carácter cohesionado del tema y la manera en que sus distintos elementos terminan funcionando como una sola pieza.

La colaboración con Luna Prothec suma otra dimensión al proyecto. Juntos construyen una canción en español que puede moverse cómodamente entre diferentes espacios: tiene el pulso de la música electrónica, la identidad de los ritmos latinos y una narrativa emocional que no necesita grandes artificios para conectar.

El lanzamiento también ha comenzado a encontrar eco fuera de las plataformas de streaming. El diario La Mañana, de Lleida, destacó la unión de DJ Xarrit y Luna Prothec alrededor de “Pedacitos de Tiempo”, mientras que el tema aparece actualmente en los rankings de descubrimiento de Groover en España.

Al final, “Pedacitos de Tiempo” propone algo bastante sencillo pero poderoso: aceptar que nuestra historia está hecha precisamente de esos fragmentos. Instantes pequeños, personas, lugares y emociones que pasan… pero que de alguna manera siguen sonando.

Y quizás por eso esta canción funciona tan bien: porque convierte esos pedacitos de pasado en algo que todavía podemos bailar. 💛

AstroMonkey — “conceptually flawless”: Las contradicciones también forman parte de nosotros

¿Qué pasa cuando dejamos de intentar resolver todas nuestras contradicciones y simplemente aprendemos a vivir con ellas? AstroMonkey parece partir justamente de esa pregunta en “conceptually flawless”, una pieza que combina Alternative Hip-Hop, Glitch Hop y elementos de Trap Metal para construir un universo tan oscuro como provocador.

El propio artista describe la canción como parte de su álbum nothing is real anymore y la relaciona directamente con las contradicciones y la convivencia con ellas. No se trata entonces de buscar una versión perfectamente coherente de uno mismo, sino de reconocer que podemos estar llenos de ideas, emociones y comportamientos que incluso parecen enfrentarse entre sí.

Musicalmente, AstroMonkey se mueve en un terreno bastante más agresivo que el hip-hop convencional. El Glitch Hop aporta ese carácter fragmentado y electrónico, mientras que los elementos de Trap Metal empujan la canción hacia una atmósfera más pesada. El resultado encaja perfectamente con el tono oscuro que acompaña al proyecto.

“conceptually flawless” forma parte de nothing is real anymore, un álbum de nueve canciones que incluye títulos como “get ready to crumble”, “pre-existing conditions”, “hate to agree”, “fucking figures” y “unnegotiated consequences”. El conjunto deja entrever una obra construida alrededor de tensiones, ironías y preguntas incómodas, más interesada en explorar el caos que en ofrecer respuestas sencillas.

Y quizá ahí está lo más interesante del concepto. Ser “conceptualmente perfecto” puede ser precisamente una contradicción. Intentar encajar cada parte de nuestra personalidad en una explicación ordenada puede resultar mucho menos honesto que aceptar que somos una colección de versiones, impulsos y contradicciones que cambian constantemente.

Con “conceptually flawless”, AstroMonkey convierte esa tensión en sonido: oscuro, agresivo, electrónico y deliberadamente poco convencional. Una propuesta para quienes disfrutan del hip-hop cuando decide salir de su zona de confort y meterse de lleno en terrenos más experimentales.

Un canto a la traición y a la decepción en ‘Lo Peor’, lo nuevo de Los Inconformes

‘Lo Peor’ es una canción que habla sobre descubrir el lado oscuro que alguien mantenía oculto, pero también sobre ese momento en que se debe aceptar que quizás no se conocía a esa persona tan bien como se pensaba.

A nivel sonoro, ‘Lo Peor’ conserva la energía y la identidad de Los Inconformes, pero se mueve hacia un ambiente un poco más oscuro y agresivo. Hay una combinación de ska y rock, guitarras con fuerza y una base rítmica muy marcada.

«Queríamos que la música tuviera la misma tensión que existe en la historia, pero sin convertirla en una canción triste o contemplativa. De hecho, una de las cosas que más nos gusta del tema es precisamente ese contraste: la letra habla de traición y decepción, pero la música tiene una energía que te invita a cantarla, bailarla y disfrutarla», enfatiza la banda puertorriqueña.

Los Inconformes buscan que ‘Lo Peor’ conecte con su audiencia de siempre, pero también esperan conquistar audiencias que aún no los conocen. La historia de la canción parte de una experiencia con la que mucha gente puede identificarse: confiar en alguien y descubrir después que las cosas no eran como se pensaban.

Este lanzamiento sigue representando el desarrollo de la banda, sus integrantes trabajan la música, las liricas y las melodías como partes de un mismo concepto, siempre evolucionando sin perder su esencia. Al final, más que buscar únicamente números, el grupo anhela que la canción provoque algún sentimiento o sensación en quien la escucha.

«‘Lo Peor’ es perfecta para escuchar en esos momentos en que descubres que alguien no era quien tú pensabas que era. Puede ser después de una decepción, un desamor, una traición o una ruptura, especialmente cuando empiezas a conectar cosas y a entender situaciones que quizás antes no querías ver. También es una canción para todo lo contrario: para subir el volumen, cantarla con los amigos y convertir una experiencia negativa en energía», puntualizan Los Inconformes.

La portada del sencillo simboliza visualmente una relación que se ha fracturado. Los dos rostros representan a dos personas que alguna vez estuvieron conectadas, pero que ahora aparecen separadas por una grieta. Esa grieta roja representa la ruptura, la herida y la tensión provocada por una traición. El uso del negro, blanco y rojo crea una atmósfera oscura y dramática, mientras que las partes ocultas de los rostros muestran que nunca se conocen las intenciones de las personas.

Según Los Inconformes, «La frase de la portada resume todo el concepto: «No fue el error, fue la intención escondida. La pregunta detrás es ¿cuándo alguien nos traiciona, realmente fue un error o existía una intención que simplemente no habíamos descubierto? La portada no intenta explicarlo todo. Queremos que provoque una pregunta antes incluso de que la persona escuche la canción».

Zach Seabaugh — “One By One”: A veces cambiar de vida empieza con una sola decisión

Hay transformaciones que no llegan de golpe. No existe un momento cinematográfico en el que todo cambia y, de repente, sabemos exactamente quiénes queremos ser. A veces simplemente empezamos a mover una pieza… y después otra. “One By One”, de Zach Seabaugh, nace precisamente de esa idea.

El nuevo single encuentra a Seabaugh en un territorio de indie folk cálido, íntimo y ligeramente marcado por el indie rock, donde la instrumentación deja espacio para que la canción respire. Es una producción de apenas 2:58, pero su mensaje se siente mucho más grande: el cambio como una suma de pequeñas decisiones que, con el tiempo, terminan convirtiéndonos en alguien diferente.

Y la historia personal detrás del tema le da todavía más profundidad. Después del enorme éxito de su debut Mr. Nobody, que acumuló alrededor de 500 millones de reproducciones, Seabaugh decidió alejarse de su vida habitual. En febrero de este año emprendió un viaje por el Appalachian Trail, recorriendo aproximadamente 1.400 millas desde Georgia hasta Nueva York, un recorrido que terminó en mayo.

Durante buena parte del trayecto estuvo completamente solo, llegando incluso a pasar varios días sin encontrarse con otra persona. Esa experiencia de aislamiento terminó alimentando las canciones de su próximo álbum, Now And Then, previsto para el 2 de octubre a través de Cloverdale Records. Y “One By One” parece ser uno de los retratos más claros de ese proceso de reconstrucción personal.

Lo bonito es que la canción no presenta el crecimiento como una gran revolución. Todo lo contrario. Habla de esos cambios silenciosos que casi no notamos mientras ocurren. Decisiones pequeñas, momentos aparentemente insignificantes, pasos que se van acumulando hasta que un día miramos atrás y descubrimos que ya no somos exactamente la misma persona.

Y musicalmente esa filosofía encaja perfectamente. “One By One” avanza sin prisas, con una calidez folk que resulta cercana y una textura indie que evita que el tema se quede anclado en la tradición. No necesita exagerar sus emociones: deja que la melodía y la interpretación hagan el trabajo.

Además, el lanzamiento ya está encontrando espacio en playlists editoriales como Fresh Folk y Folk Pop de Spotify, confirmando que el nuevo capítulo de Seabaugh está conectando con el universo folk contemporáneo.

“One By One” termina siendo mucho más que una canción sobre cambiar. Es una invitación a recordar que quizá no tenemos que reconstruir nuestra vida completa de una sola vez. A veces basta con dar el siguiente paso. Uno por uno.