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Pirineos en Llamas lanza su disco ‘Aguapanela’ y calienta para el Festival Estéreo Picnic 2026
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Pirineos en Llamas lanza su disco ‘Aguapanela’ y calienta para el Festival Estéreo Picnic 2026

Pirineos en Llamas es una banda de rock alternativo de Medellín (Colombia) fundada en 2020. El proyecto está integrado por Fabián Buitrago (guitarra y voz), David Giraldo (batería), Manuel Orrego (bajo), Miguel Restrepo (guitarra y voz principal) y Maclovin (guitarra y voz). El grupo nace del deseo de crear, más allá de las canciones, experiencias y vivencias.

«Nos gusta crear matices y contrastes, por ejemplo, canciones oscuras con melodías felices. Nos gusta crear atmósferas y jugar con cambios de tempo y de ritmo para que las canciones se sientan más cinematográficas. Experimentamos con estructuras poco convencionales tipo: canciones sin coro, sin estrofas o con todos los coros distintos, etc. Nuestras letras hablan sobre la nostalgia y la esperanza, la desidia y la resiliencia, la melancolía y el júbilo, lo profano y lo divino», comenta la agrupación con influencias de Interpol, The Stone Roses, IDLES, Blink-182, The Cure, Gustavo Cerati, Soda Stereo, Charly García, Hipsum, Margarita Siempre Viva y Volcán.

‘Aguapanela’ es el nuevo disco de Pirineos en Llamas y el resultado de un proceso de 2 años donde la banda enfrentó retos y experiencias que se plasmaron allí y fueron moldeando el concepto de este. El concepto del disco se erige sobre el fuego, que es un elemento identitario de la banda. Parte de su dimensión dual: como símbolo de guerra y caos, y a la vez de purificación y renacimiento. El álbum se desarrolla como el viaje de un héroe que camina batallando desde la oscuridad hasta encontrar dentro de sí el fuego purificador que lo conduce hacia la luz. En la primera mitad del disco se le canta al dolor, la ansiedad, el apego al pasado, la desesperación y el desconcierto: es la oscuridad. En la segunda, se exploran la dimensión divina y mística del ser, los actos de fe, la intuición, el momento presente y la victoria: es la luz. Al final, el héroe renace una vez transmuta y resignifica su dolor. Es un disco para los momentos difíciles, pero también para celebrar los triunfos.

Según Pirineos en Llamas, «‘Aguapanela’ hace referencia al focus track del álbum y es producto de una dinámica que tuvimos durante nuestro proceso creativo que consistía en nombrar los temas de acuerdo a lo que estuviera pasando en el momento de su composición. La aguapanela, para nosotros como colombianos, no es sólo una bebida sino también parte de nuestra cultura, símbolo de hogar, lucha y resistencia. Es para muchos la primera bebida del día, la que nos da la energía suficiente para afrontar el diario vivir. Es medicina emocional cuando estamos enfermos, tristes o cansados. Es la bebida que encarna el amor familiar, que congrega y da fuerza. La aguapanela es en este sentido el elixir del héroe que todos llevamos dentro de nosotros mismos».

‘Aguapanela’ explora múltiples sonoridades, desde cumbia, rock, pop, punk, shoegaze, new wave y postpunk: hasta sonidos de rituales ancestrales. Es un disco con más atmósferas, más cambios de ritmo y de tempo, con más texturas y sonidos más frenéticos.

«Queremos enviar un mensaje de resiliencia, que la lucha no es hacia afuera sino hacia adentro, que atravesando y resignificando nuestras angustias es como podremos encontrar luz en medio de la oscuridad, esa llama interna que revela el camino cuando parecemos estar perdidos», comentan.

Para este álbum, la banda trabajó con Juan Antonio Toro de Armenia en la producción de tres tracks (‘Palacio Egipcio’, ‘Canto al Fuego’ y ‘La Batalla’), y con David Ospina de Volcán en la grabación, mezcla y máster en su estudio Brona Records.

«Sentimos el álbum como si un mensaje divino se hubiera manifestado a través nuestro. Apostamos por lo instintivo y lo espontáneo. Cada canción la llamábamos de acuerdo con lo que nos remitiera en ese instante, y muchas veces ese nombre terminaba siendo un insumo para crear la letra. Con el tiempo entendimos que cada canción llegaba como la pieza de un rompecabezas que nos transmitía ese mensaje que luego se convertiría en el concepto del disco», enfatiza la banda.

‘Aguapanela’ de Pirineos en Llamas tiene misterio e introspección en ‘PRANA’, emoción en ‘Aguapanela’, vulnerabilidad y valor en ‘La Batalla’, derroche, atrevimiento y delirio en ‘El Playerito’, nostalgia, frío y añoranza en ‘Lo que el Viento se Llevó’, oscuridad, maldad y desconcierto en ‘Palacio Egipcio’, transformación y limpieza del alma en ‘PURIFICACIÓN’, mística y transmutación en ‘Canto al Fuego’, milagros y enigmas en ‘El Milagro’, esperanza y honestidad en ‘La Penumbra’, invita a vivir el presente y a creer en sí mismo en ‘Perdidos en el Alba’, júbilo y victoria en ‘Olímpica’ y renacer y vitalidad en ‘El Firmamento’.

‘Aguapanela’ es el focus track del disco, una canción que nació Santa Elena (Antioquia), entre árboles, neblina y mañanas frías. En ese lugar donde el silencio deja espacio para respirar… y también para ponerse melancólico. Surge en medio de una relación fallida, dolorosa, cuando el corazón ya no puede seguir guardando lo que pesa. Es la reclamación del ser, la necesidad urgente de decir lo que se piensa y lo que se siente, pero hacerlo a través de una canción. La letra refleja el dulzor que aparece cuando por fin se permite soltar lo que llevaba dentro, aunque duela y queme.

Las melodías de la guitarra atraviesan la canción como un rayo que rompe la oscuridad. Aunque el contexto es melancólico, su sonido es luminoso, casi alegre. Es una contradicción: tristeza que se transforma en claridad, dolor que encuentra luz, una herida que empieza a sanar mientras se canta.

El video estuvo a cargo de Juan José Narváez y su productora La Montaña Cine. Mezcla lo criollo y cotidiano con lo mitológico y lo divino. Muestra a un personaje escapando del amor y pidiéndole ayuda a sus dioses para enfrentarlo, en un universo en el que la aguapanela es un brebaje sagrado.

«Queremos que el disco alimente el espíritu de quien lo escuche, que sea ese elixir que a diario necesitamos para enfrentarnos a la vida y a nosotros mismos, y que tenga su lugar especial en el corazón del público», menciona el grupo de Medellín.

La portada del álbum nace de la misma búsqueda conceptual de ‘Aguapanela’. Pensando en el recorrido circular del viaje del héroe, la imagen parte de un círculo atravesado por muchas culturas, religiones y mitologías. La imagen funciona como una especie de mapa visual del disco y de su viaje.

Pirineos en Llamas se presentará en el Festival Estéreo Picnic 2026 el domingo 22 de marzo, un día donde también estarán artistas referentes de la banda como Interpol y Deftones.

«Participar en un festival tan importante como el FEP representa una victoria más en nuestra carrera. Como banda y como individuos tuvimos muchos desafíos que superar para lograr esto, y que este álbum hable precisamente sobre superar las dificultades para luego celebrar las victorias hace que todo sea mucho más mágico y especial. Estamos preparando un show con lo mejor de la banda, una experiencia sonora y visual que prenderá los corazones del público capitalino», cuenta el grupo.

Durante el 2026, Pirineos en Llamas hará un tour nacional que recorrerá varias ciudades del país donde su música ya tiene un espacio. De igual manera, la banda trabaja desde ya en nueva música que espera dar a conocer en el último trimestre del año.

«Más allá de nuestro sonido, somos una banda cuyo mensaje invita a creer más en nosotros mismos, en el poder que tenemos como pueblo latinoamericano, y a mantener siempre vivo el espíritu de lucha que nos acompaña día a día», concluye la agrupación colombiana.

Escucha ‘Aguapanela’ de Pirineos en Llamas en tu plataforma musical favorita

https://orcd.co/aguapanela
Un trabajo irreverente y de resignificación, así es el disco debut de Animal de Monte
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Un trabajo irreverente y de resignificación, así es el disco debut de Animal de Monte

En medio de una selva de cemento dominada por la industria, en 2021 fue sembrada la semilla de un proyecto musical que, poco a poco, ha comenzado a brotar sus primeras ramas. Esta vegetación sonora es el inicio de un monte mágico que el compositor, Víctor Agudelo, ha creado para el Animal de Monte y sus amigos salvajes. Luego de dos años de abonar el terreno creativo, en 2022 el Animal lanza su primer sencillo y, en 2023, sale de su cueva para aullar en distintos escenarios de la ciudad con sus especímenes oníricos. El proyecto rota constantemente de integrantes, pero en este momento lo conforman Víctor Agudelo, compositor, productor, teclados y voz líder; David Hernández, bajo y coros; Valeria Angulo, percusión menor y coros; Johan Cano, saxofón y coros; y Juan Esteban Quintero, batería.

La propuesta busca resignificar la expresión ‘Animal de Monte’, normalmente empleada con fines despectivos hacia un individuo salvaje y con comportamiento antisocial. En este caso, el término es una antítesis del malo, es el ser puro, sincero y sin filtros diplomáticos que llevamos dentro y ha sido domado por el sistema de la falsa, hipócrita y doble moral sociedad. El proyecto se desprende de las modas y del main stream, y así, crear música desde la libertad, sin ataduras ni prejuicios.

«Desde el punto de vista de la expresión personal, por medio de este proyecto busco, no solo comunicar mis necesidades filosóficas y mis posturas políticas, empleando el símil y la metáfora a través de personajes de fábula, sino también criticar el entorno en el cual he crecido y evolucionado como individuo», cuenta Víctor. «Personajes oníricos, como Don Hipócrito, La Abejita Diabética, Zangui y Nario, nacen de canciones con letras metafóricas e irreverentes que reflexionan críticamente sobre nuestra sociedad actual», agrega.

Animal de Monte presenta su disco homónimo debut, un trabajo que culmina una etapa en donde Víctor Agudelo, contando historias personales y de su entorno de forma metafórica, fue el compositor y arreglista de todos los temas. El álbum está creado bajo el concepto original e irreverente del Animal de Monte y toca temas como el chisme, la ternura, el amor, el desamor, la absurdidad, el agradecimiento, la sanación y la falsedad, entre otros. Se pueden escuchar mezclas de rock, ska, blues, timba, urbana, folclor colombiano, cumbia, balada pop, reggae y swing.

El disco ‘Animal de Monte’ es una compilación de los sencillos que se han venido lanzando desde 2022 junto a la canción principal, ‘Animal de Monte’ (focus track), que fue concebida en 2021, pero solo hasta 2025 se terminó de producir. Va dirigido a un público abierto a escuchar una amalgama de sonidos que sorprenden por su irreverencia y unas letras que invitan a pensar y a reflexionar.

La base instrumental empleada en las canciones es la de una banda tradicional de rock -bajo, guitarra, batería y teclados- pero en algunos temas se emplean vientos como clarinete, trompeta, saxofón, melódica y armónica. También hay uso de sonidos y efectos electrónicos, instrumentos tradicionales colombianos como tiple, charango y tambora. Dependiendo de la canción, se hace alusión a efectos extra musicales como aullidos, agua corriendo, rebuznos, gritos, respiraciones y gruñidos. También se explora el beatbox y percusiones no tradicionales como utensilios de cocina -pailas, chocolatera, rallador y cucharas-.

‘Animal de Monte’ presenta en su primer track ‘Animal de Monte’ una canción de catarsis y sanación, en ‘Abeja diabética’ una historia de empoderamiento y resiliencia, en ‘La balsa e’ huesos’ un tema de dolor y memoria, en ‘Igualitas, pero no se parecen’ una canción de amor y aprendizaje. ‘Eso pega’ es esnobismo y falsedad, ‘Puro cuento’ es decepción y desamor, ‘Vestido blanco’ es absurdidad y locura, ‘Escucho algo’ es ternura y agradecimiento, ‘Tengo derecho’ es un grito de auxilio, ‘Rabo de paja’ es chisme y calumnia y ‘Yellow Donkey’ es soberbia y arrogancia.

‘Animal de Monte’ es el focus track del disco, una canción que cuenta la historia de un ser que ha sido encaminado por una serie de autopistas recién pavimentadas, jardín, kínder, primaria, bachillerato, pregrado, maestría y doctorado, sin tener la oportunidad de detenerse y pensar si en realidad eso sí era lo que quería ser en su vida. De ser un ‘prestigioso’ profesor titular con doctorado y un ‘reconocido’ compositor de música para marcianos, este personaje, se decepciona del sistema y emprende una nueva ruta en su vida, la de reencontrar a ese animal de monte que lleva dentro y que hace mucho tiempo dejó abandonado en un matorral.

La canción retrata a un personaje con ‘cartón de doctorado’, pero con el instinto intacto, engañado por un sistema que promete progreso mientras mutila sueños, dignidad y afectos. Entre imágenes crudas y potentes —bozales rotos, cadenas, colas cortadas— narra el cansancio del encierro y la necesidad urgente de huir para sobrevivir. El monte aparece como metáfora de regreso a lo esencial: no como derrota, sino como acto de resistencia y sanación. Es un canto incómodo y honesto sobre la exclusión, la rabia contenida y la búsqueda de identidad en un mundo que empuja a reaccionar con garras cuando ya no deja espacio para la ternura.

«El momento propio para escuchar este disco, es cuando te encuentres harto de la industria musical actual y su aberrante manipulación a través de los algoritmos de las plataformas digitales, cuyo objetivo, más que exponer calidad musical, es obtener resultados numéricos», menciona. «Esperamos que el público que esté ávido por escuchar sonidos nuevos y fuera de lo que les obliga a escuchar el algoritmo y la industria, escuche nuestra música, la disfrute y se apropien de ella. Sabemos que ciudades como Bogotá, Ciudad de México, Buenos Aires y Madrid son sitios que cuentan con un público deseoso de experimentar nuevas experiencias sonoras, es por ello que creemos que, con este lanzamiento, podemos alcanzar nuevos oídos en estas ciudades», puntualiza.

La fotografía empleada en la portada del disco fue tomada por Deisy Thokora y muestra en primer plano las manos del Animal de Monte encadenadas y en segundo plano el bozal, reflejando parte de la letra de la canción «rompe su bozal y las cadenas de hierro» y del concepto general del proyecto. El mensaje básicamente es: reacciona, despierta y libérate de los prejuicios y perjuicios de esta falsa, hipócrita y doble moral sociedad de la selva de cemento y sé libre en el monte.

Para este año, Animal de Monte promocionará su disco en diferentes espacios que ofrece la ciudad de Medellín como: Altavoz, Medellín Music Week y Circulart, además de proponer conciertos a bares y demás escenarios que quieran acoger este proyecto. A partir de 2026, el Animal de Monte comenzará a mutar y a explorar otras fuentes de inspiración colectiva con los miembros de su banda.«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Animal de Monte en Colombia y Latinoamérica porque es un proyecto con gran fuerza músico-conceptual, reforzada a través del vestuario, las máscaras, las letras y el riesgo estético-musical que no cae en la repetición y siempre busca que cada canción sea un escenario diferente», concluye Víctor Agudelo.

Desamor y nostalgia en ‘Bolerito’, lo nuevo de Manu
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Desamor y nostalgia en ‘Bolerito’, lo nuevo de Manu

Manu es un cantante y compositor colombiano de pop latino que le dio vida a su proyecto a partir de la necesidad de expresar historias y realidades de la vida cotidiana personal y al escuchar historias contadas por personas cercanas.

«Me considero un artista auténtico, real y genuino que busca siempre mostrar y expresar lo que siento con el fin de tocar los corazones de la gente que me escucha», cuenta Manu.

«A través de mis canciones quiero dejar claro que el amor siempre puede lograr hacer mucho en la vida de la gente», agrega el artista con influencias de la música pop fusionada con el folclor colombiano y los sonidos tropicales afrocolombianos en artistas como Fonseca, Carlos Vives, Gusi Gilberto Santa Rosa, Guaco, Gian Marco y Sin Bandera.

‘Bolerito’ es el más reciente lanzamiento de Manu, una historia de desamor de una amiga del artista con su expareja. En la canción, el musico se adueña de la historia y se convierte en el protagonista.

‘Bolerito’ explora sonoridades de son cubano, bolero vieja guardia y pop. Aborda temáticas y sentimientos de desamor, nostalgia y esperanza porque el amor es un resurgimiento constante de emociones.

«Me inspiré mucho en la canción ‘Colección de recuerdos’, una colaboración que hizo el maestro Chucho Valdés junto a Fonseca y Gilberto Santa Rosa; y en el afrobeat ‘Esta es tu casa nena’ de Kapo y Camilo», menciona Manu.

El concepto del lyric video es una oda a los sonidos de antaño como los boleros, los sones cubanos, las milongas, el jazz, el blues y la salsa. Es un trabajo audiovisual que nos transporta al pasado.

«Con este lanzamiento quiero tener un gran impacto en el público y los medios de Colombia, España y Latinoamérica. Quiero conquistar nuevas audiencias y que quienes me escuchen se sientan identificados con la canción para que se unan a este movimiento musical llamado Manu», enfatiza el cantautor.

Descubrimientos de Xonny en submithub de Febrero 2026 | Vol 16
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JadJones presenta I’m gonna explode – Usa

Rosalin x Quena.K presentan Solo Mi Vision – Reino Unido y Japón

A Vibrational Boost presenta Off The Grid – Canadá

SarabiXp presenta INSIDE MY HEAD – Brasil

DJ Rory Boyee presenta Move Your Body (House Mix) – Irlanda

Carlos Peniche presenta Karla – México

D’Vo presenta LOOK UP LOOK UP LOOK UP – Usa

JadJones presenta You got this – Usa

Dos silencios presenta Eso No Es Bueno – España

Ilay Sonoro presenta Assassinatus Ruber – Brasil

Escucha ‘Sense of Reality’, lo nuevo de Love My Robot
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Escucha ‘Sense of Reality’, lo nuevo de Love My Robot

Love My Robot presenta el primer capítulo de su segundo trabajo discográfico ‘Sense of Reality’.

Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress es el inicio de la era: el mundo se enamora de la promesa de la IA, mientras aprende que todo avance tiene sombras. Musicalmente es club futurista: tensión cinematográfica, pulso urbano y narrativa tecnológica, pero emocionalmente humana.

1) Smart Cities — homenaje a Startup Shibuya Support

‘Smart Cities’ es un homenaje a Startup Shibuya Support, una organización gubernamental japonesa que impulsa a creativos y startups con infraestructura, acompañamiento y comunidad. La canción captura esa energía de ciudad-laboratorio donde la innovación también es cultura y colaboración. Aborda temáticas de ecosistemas creativos, movilidad, comunidad, datos y confianza cívica. A nivel sonoro se destaca el pulso urbano, la energía de neón y una sensación de movimiento constante.

2) Quantum Computing — cuando lo cuántico desafía la realidad

Es un track sobre el vértigo de lo cuántico: la realidad deja de ser binaria, aparecen posibilidades simultáneas y la ciencia se vuelve cotidiana. Habla de incertidumbre, futuro y los límites de lo comprensible. Sus sonoridades tienen texturas abstractas, cambios inesperados y tensión elegante.

3) Synthetic Humans — avatares, clones, consentimiento, biotecnología

La belleza y el riesgo de copiar lo humano: identidad replicable y dilemas sobre consentimiento, derechos y deseo en la era de datos. Aborda temas de deepfakes, consentimiento, biotecnología y derechos digitales. Su sonido es sensual y oscuro; orgánico vs mecánico.

4) ChatGPT — crítica a la tensión nonprofit vs for-profit

La canción nace como crítica artística a la tensión entre promesa de misión pública y el giro hacia el lucro. Cuestiona incentivos, concentración de poder y el choque entre eficiencia y responsabilidad. Sus temas principales son ética, incentivos, transparencia y confianza pública. Su sonido es contundente y directo; vibra de debate en la pista.

«Este primer capítulo es perfecto para escuchar de noche en la ciudad o estando en movimiento por la carretera. También funciona como soundtrack de enfoque creativo (escritura, diseño, construcción) y como «reset» mental antes de salir: energía de club con narrativa y propósito», cuenta Love My Robot.

‘Sense of Reality’ es el segundo álbum conceptual de Love My Robot. Está estructurado en 3 capítulos con 12 canciones (4 por capítulo). El mensaje central: la IA no es solo tecnología; es cultura, poder y decisión humana. El lanzamiento será por capítulos para darle vida editorial y audiovisual a cada track.

‘Sense of Reality’ trata de cómo la IA reescribe lo que se entiende por realidad: lo que se ve, lo que se cree, lo que se compra, lo que se siente y lo que se le conoce como «humano». El álbum plantea preguntas: ¿qué se gana y qué se pierde con la eficiencia?, ¿dónde empieza el consentimiento en un mundo de avatares y clones?, ¿quién captura el valor cuando todo se vuelve dato?

Aborda elementos y temáticas como IA y ética (incentivos, poder, transparencia, responsabilidad), Identidad digital (avatares, clones, deepfakes y consentimiento), Ciudades inteligentes (sensores, movilidad, privacidad y confianza cívica), Realidad alterada (sesgos, «alucinaciones», y futuros posibles) y Creatividad en la era algorítmica (autoría, derechos y trazabilidad).

‘Sense of Reality’ tiene un mapa conceptual que funciona como un viaje en tres capas: Infraestructura: datos, cómputo, redes, sensores, modelos, estándares; Interfaz humana: identidad, cuerpo, deseo, creatividad, consentimiento; y Consecuencia: autonomía, regulación, cultura, economía y poder. Cada capítulo ofrece un lente diferente para observar la misma era: progreso, espejo humano y dilema ético.

Escucha ‘El baile de los que sobran’ en una nueva versión de Bonus Trak
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Escucha ‘El baile de los que sobran’ en una nueva versión de Bonus Trak

La banda colombiana Bonus Trak lanza su nuevo sencillo ‘El Baile de los que Sobran’, una reinterpretación de uno de los grandes himnos del rock latino, originalmente popularizado por Los Prisioneros.

Luego del lanzamiento de ‘Si No Fuera Yo’ en noviembre —primer adelanto de su segundo álbum— Bonus Trak continúa construyendo su narrativa musical con una canción que sigue siendo incómoda, vigente y necesaria. Más que un ejercicio de nostalgia, esta versión conecta el mensaje original con una sensibilidad actual, manteniendo intacta su carga social y emocional, pero llevándola a un terreno sonoro propio de la banda.

«‘El Baile de los que Sobran’ es una canción que sigue hablando por muchos. Nosotros crecimos con ella y hoy sentimos la necesidad de volver a decirla desde nuestro lugar y nuestro tiempo», comenta la banda.

No es casualidad que Bonus Trak lance este cover en temporada de regreso a clases. La temática de la canción que hace crítica al sistema de educación fallido parece más vigente que nunca, y el inicio de clases es el momento para levantar la voz con un tema que sigue conectando a las nuevas generaciones, afirma la banda.

El sencillo fue producido por Juanda Morales y masterizado por Emily Lazar, ganadora de múltiples premios Grammy, reconocida por su trabajo con artistas como Foo Fighters y Bomba Estéreo, entre otros. Su aporte le da solidez y carácter a una versión que respeta el espíritu del original, pero lo interpreta desde una mirada contemporánea, directa y honesta.

Durante los próximos meses, Bonus Trak tendrá lanzamientos constantes de nuevas canciones, así como conciertos en los meses de febrero, abril y mayo. Además, el grupo está apuntándole a varios festivales y convocatorias a nivel nacional e internacional.

El Concierskazo Fest 2026: un festival internacional gratuito que mezcla ska, circo, teatro y artes gráficas
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El Concierskazo Fest 2026: un festival internacional gratuito que mezcla ska, circo, teatro y artes gráficas

Bogotá vivirá una nueva experiencia cultural con El Concierskazo Fest 2026, un festival internacional gratuito que une ska, teatro y artes gráficas en un solo escenario. El evento se realizará el domingo 1 de marzo de 2026 en el Teatro al Aire Libre La Media Torta, con una jornada continua de 8 horas de programación, desde las 11:00 a. m. hasta las 7:00 p. m., y entrada libre hasta completar aforo.

Esta será la primera edición de El Concierskazo en formato festival. En 2024, el proyecto se desarrolló a través de seis fechas bajo el nombre ‘El Concierskazo de El Punto Ska’, realizadas en distintos espacios de Bogotá, donde la agrupación El Punto Ska propuso un formato híbrido que mezclaba música en vivo y teatro. Lo que comenzó como un show protagonizado por la banda y un DJ hoy evoluciona hacia un festival de gran formato, ampliando su propuesta artística, su duración y su impacto cultural.

El festival es posible gracias a que El Punto Ska resultó ganador de la Invitación Cultural ‘¡Arma tu festival! Eventos artísticos en los Escenarios Móviles o en el Teatro al Aire Libre La Media Torta – IDARTES 2025’, lo que permite que El Concierskazo Fest 2026 haga parte de la programación oficial del escenario y garantice el acceso gratuito para el público. Así mismo, el evento cuenta con el respaldo de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño (FUGA),tras ser ganadores de la convocatoria ‘Más Cultura Local’ para la producción y circulación de agentes artísticos, culturales y creativos en La Candelaria, resultado del trabajo realizado por la agrupación en esta localidad de manera independiente desde 2019. Con estas alianzas y trabajos público-privados se fortalece el alcance territorial y comunitario en la localidad de La Candelaria.

En cuanto a su programación musical, El Concierskazo Fest 2026 reunirá a Triciclo Circus Band (México), El Punto Ska, La Real Skademia, Breska, La Raska y Skartone. La jornada se complementa con la participación de los selectores Big Dirty Beat, Christine Keeler y Black Rooster Selectah, y una curaduría pensada para ofrecer una experiencia continua, diversa y de alta calidad para los públicos que siguen el ska y sus cruces con otras expresiones urbanas.

Los presentadores de El Concierskazo Fest serán Diana ‘Amaranta’, gestora cultural y bailarina bogotana, e Iván Samudio, periodista, locutor y podcaster, fanático del ska bogotano, director de Anti*Cast (podcast) y 4LT3R (único programa radial en FM dedicado al ska, al punk y al hardcore).

Más allá de la música, el festival propone una experiencia cultural integral abierta a todo el público bogotano que vibra con el ska, el reggae, la música circense, el balkan, entre otros géneros. El Concierskazo Fest apuesta por una magnitud similar a la que tuvo el Ska Para Todos Fest 2022, realizado también en La Media Torta y que congregó a más de 2.500 asistentes. En ese sentido, este festival se consolida como la nueva apuesta gratuita de gran formato de estos procesos culturales, en un contexto donde otros festivales históricos del género han pasado a modelos privados.

La programación incluirá, además, una feria de emprendimientos en alianza con Memorias Colombia, fundación de excombatientes de la localidad de La Candelaria; una estampatón, donde el público podrá llevar su camiseta y estamparla por $10.000 COP; y una intervención de pintura en vivo y arte graffiti a cargo de Mat Creativo (SIC), fortaleciendo el cruce entre música, memoria, economía cultural y artes visuales.

El día anterior al festival, el 28 de febrero, se realizará un Meet & Greet en Fátima Hostels, reconocido hostal de La Candelaria, donde los fanáticos del festival podrán asistir a tomarse fotos con sus artistas favoritos, así como disfrutar de un pequeño show acústico realizado por la agrupación Triciclo Circus Band.

Como parte central del festival, El Punto Ska realizará el lanzamiento de su videoclip ‘Sweet Loretta’ en el escenario de La Media Torta. Además, la banda llegará al evento tras estrenar su nuevo sencillo ‘Babylon’ en el marco de las Ska Punkie Reggae Parties, una colaboración en versión rap junto a Desorden Social Rap, reafirmando el espíritu colaborativo y experimental de su proyecto.

Una reflexión sobre la pequeñez humana y el sentido de existir, así es ‘Partícula’ de Rastro MC
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Una reflexión sobre la pequeñez humana y el sentido de existir, así es ‘Partícula’ de Rastro MC

El rapero bogotano Rastro Mc, reconocido por su original estilo y sus más de 15 años de trayectoria en la escena Hip Hop, presenta su más reciente sencillo titulado ‘Partícula’.

La canción propone una mirada profunda y poética sobre la condición humana, partiendo de una poderosa metáfora: la de ser partículas diminutas viajando en un universo inmenso.

A través de una lírica introspectiva, ‘Partícula’ reflexiona sobre lo efímero del tiempo, la fragilidad de la existencia y la importancia de aprovechar ese breve instante que llamamos vida para comprender —o al menos intentar comprender— qué significa realmente vivir. La canción invita a una escucha consciente, donde la palabra se convierte en herramienta de cuestionamiento y autoconocimiento.

En lo sonoro, el tema se construye sobre una atmósfera envolvente y minimalista que acompaña el mensaje sin distraerlo, permitiendo que la voz y la idea central se mantengan al frente. Fiel a su estilo, Rastro MC apuesta por un rap honesto, sin artificios, donde el contenido y la emoción son el eje principal.

‘Partícula’ continúa el camino artístico que Rastro MC ha venido desarrollando desde 2013 como solista, consolidándolo como una de las voces del hip hop colombiano que dialoga entre lo social, lo espiritual y lo existencial.

Este lanzamiento se suma a la antesala de ‘Místico’, su próximo álbum programado para abril de 2026.

Escucha ‘Tirado en el sofá’ y ‘María José’, lo nuevo de Samuel Osorio
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Escucha ‘Tirado en el sofá’ y ‘María José’, lo nuevo de Samuel Osorio

Samuel Osorio es un productor musical bogotano de 22 años. Egresado de la Universidad de Berklee en Boston y actualmente cursando su maestría en Chicago, tiene como intención en su propuesta musical retratar situaciones de la vida cotidiana suyas o de personas cercanas. Hacer música es un acto liberador por eso, sus canciones hablan de amor, confusión, de no entender por qué las cosas se dan de tal manera con sus palabras. Le encanta pintar escenarios y llenarlos de colores y texturas musicales para poder imprimir una foto con significado y estética.

«Quiero que mis canciones tengan un espacio en el oyente para que entiendan que las situaciones normales, felices o complicadas también son candidatas a ser arte. Que puedan acompañar a quién las escucha dentro de momentos en los que de verdad se hallen dentro de ellas», cuenta el artista con influencias de Juan Pablo Vega, Monsieur Periné, Vicente García, Esteman, Luis Miguel, Diamante Eléctrico, Bandalos Chinos, Earth Wind and Fire, Bill Evans, Jamiroquai y Bon Iver.

‘Tirado en el sofá’ es el más reciente lanzamiento de Samuel Osorio, una canción que, musicalmente, es inspiración de Kings of Convenience, guitarras y folklor estadounidense. Inspirado en ello, grabó violines, síntesis modular, guitarra lapsteel, bajo, percusiones y demás elementos que se adecuan a ese folk. La historia se basa en la experiencia de un amigo suyo quien tenía una relación en donde siempre se hallaba «solo», pues su pareja estaba ocupada todo el tiempo y la relación era más esperar y recordar momentos, que vivirlos.

«Es difícil cuando los tiempos en las relaciones no encajan, y cuando alguien queda libre, el otro se ocupa. Esta canción es una demostración de esos momentos donde los relojes no son capaces de coordinarse. El video (totalmente DIY), muestra a una persona en donde la tarde pasa, y solo se le ve esperando por alguien que no llega o no se hacer sentir. Algo muy común de esos momentos, que es cotidiano, pero no le quita lo difícil», enfatiza el músico.

Otro de sus lanzamientos es ‘María José’, una canción de amor que nació en 2022, durante la etapa de enamoramiento, cuando conoció a su novia. El tema les ayudó a entender que estaban en la misma sintonía y que estaban destinados a estar juntos. Aborda el amor, el esperar, y la reciprocidad.

«Tiene un sonido ochentero, pero a la vez moderno. Es algo que hubiera podido ser creado por Benny Sings o por Christopher Cross. La producción fue muy de síntesis y guitarras en un arreglo donde todo pudo respirar, sonidos muy positivos y brillantes. El video es analógico, y somos los dos siendo felices por un parque en Usaquén en Bogotá. Quería tener esa sensación retro, de algo dañado, de algo que podrían encontrar en un disquette viejo que lleva tiempo acumulando polvo», menciona.

Las dos canciones hacen parte del EP debut de Samuel Osorio llamado ‘Tirado En El Sofá’. Todos los temas manejan una misma estética sonora y emocional, un momento de singular en su vida.

«Quiero empezar a compartir quién soy, que la gente empiece a encontrarse en mi música y que llegue a las personas adecuadas, que pueda haber un disco ahí afuera que represente fielmente quién era durante esa etapa de mi vida. Me encantaría llegar a más gente para poder escuchar qué les genera la música y en qué momentos de su vida la escucharían. Adoraría llegar al público hispanohablante y empezar a hacer recorrido, poder abrir más puertas, poder tocar en vivo y colaborar con más artistas», puntualiza el artista colombiano.

Actualmente, Samuel Osorio trabaja en una sesión en vivo grabada en Boston del sencillo ‘Lejos’, una versión muy rockera de la canción original. De igual manera, el artista publicará en marzo un sencillo titulado ‘2is (dosis)’, con música inspirada en Dana & Alden y Anatole Muster, una sonoridad indie jazz. Adicionalmente, el músico ya tiene un EP de 6 canciones nuevas de un momento emocionalmente más duro y desafiante del amor que vivió durante el 2025.