Descubrimientos de Xonny en Groover de Agosto 2026 | Vol 07

Cinco canciones, cinco nuevos descubrimientos y cinco razones para darle play a sonidos que quizá todavía no conocías. En FRECUENCIA ALTERNATIVA abrimos una ventana a nuevos artistas y propuestas que llegan desde distintos rincones del mundo. En cada volumen reunimos canciones que nos llamaron la atención por su sonido, su personalidad y aquello que las hace diferentes. Dale play, descubre nuevos nombres y déjate sorprender por la música que encontramos en el camino.

La próxima canción que te guste podría estar aquí. 🎧

Ruben Spera — “Xke’ non mi vuoi?”: una vieja pregunta que vuelve a sonar

Hay preguntas que no pierden fuerza con el tiempo. “Xke’ non mi vuoi?” —¿Por qué no me quieres?— es una de ellas. Ruben Spera recupera esta canción de su catálogo y vuelve a ponerla en circulación dentro de una etapa marcada por su próximo álbum, Dangerous Water.

El tema, originalmente incluido en Call Me (2024), se mueve dentro del alternative rock y el pop rock, con una clara inclinación hacia el sonido del rock clásico. Con sus 3:33 minutos, la canción apuesta por una estructura directa y una identidad guitarrera que encaja con la faceta más rockera del artista.

Su regreso durante 2026 resulta especialmente interesante porque “Xke’ non mi vuoi?” ha comenzado a encontrar nuevos espacios de difusión. El tema apareció en Worldwide Millennial, un programa dedicado a descubrir música internacional, y también en Indie Gente, espacio especializado en rock independiente.

Cosmonauta Radio también destacó la canción en julio como un adelanto relacionado con Dangerous Water, el proyecto que Ruben Spera prepara para esta nueva etapa.

Y quizá esa sea la parte más interesante de esta historia: una canción no siempre necesita ser nueva para volver a sentirse nueva. A veces basta con que encuentre otro momento, otra audiencia y otros oídos dispuestos a escucharla.

“Xke’ non mi vuoi?” vuelve así a escena con una pregunta sencilla, emocional y universal: ¿por qué no me quieres? Y en el rock, algunas preguntas suenan todavía mejor cuando vienen acompañadas de guitarras.

Xawaro — “Clavos”: metal latino que golpea en español

Desde Minneapolis–Saint Paul, la banda latina Xawaro presenta “Clavos”, el primer sencillo de su EP debut homónimo. La propuesta entra de lleno en terrenos de heavy metal, con una combinación de guitarras pesadas, ritmos contundentes y una energía agresiva que también incorpora elementos asociados al death y black metal.

Pero lo que realmente distingue a “Clavos” está en su identidad. Toda la canción está interpretada en español, llevando las raíces latinas de la banda directamente al corazón de una producción metalera intensa y visceral. No se trata de un elemento decorativo: el idioma forma parte de la personalidad de Xawaro y refuerza la conexión emocional de sus letras.

La canción utiliza una estética oscura y agresiva para explorar emociones relacionadas con el dolor, la traición, la lucha y el deseo de venganza. Los “clavos” funcionan como una imagen central de las heridas emocionales y del conflicto entre dejarse consumir por el rencor o encontrar una salida a través del perdón.

Musicalmente, Xawaro apuesta por riffs densos, guitarras de gran peso, una base rítmica poderosa y voces cargadas de intensidad. El resultado tiene la musculatura del metal clásico, pero también una sensibilidad más extrema que acerca la canción al death y black metal, creando un sonido particularmente oscuro para una canción cantada íntegramente en español.

“Clavos” abre así el camino para un EP de seis canciones que gira alrededor de conceptos como perseverancia, identidad, transformación y resiliencia. Más que presentar solamente una nueva banda, Xawaro utiliza este debut como una declaración de identidad: demostrar que las raíces culturales también pueden sonar enormes, distorsionadas y furiosas.

Earshot x Judge & Jury — “Love Left”: encontrar una luz cuando todo parece romperse

Hay preguntas que aparecen después de una pérdida y que no tienen respuestas sencillas. “Love Left”, la nueva colaboración de Earshot y Judge & Jury, nace precisamente de una de ellas: ¿queda amor y esperanza cuando todo alrededor parece consumirse?

El tema tiene un origen especialmente personal para Wil Martin, vocalista de Earshot. La muerte de Chris Cornell en 2017 lo enfrentó con una realidad que le produjo un profundo impacto: incluso alguien que desde afuera parece tenerlo todo puede estar atravesando una batalla interna que nadie alcanza a ver. Esa experiencia terminó convirtiéndose en el punto de partida emocional de la canción.

Musicalmente, “Love Left” conserva la identidad de alternative rock/alternative metal de Earshot, con riffs contundentes, grandes melodías y una atmósfera pesada que acompaña el contenido emocional de la letra. La canción fue escrita por Martin junto a Blair Daly, mientras la producción estuvo vinculada a Howard Benson y Neil Sanderson, fundadores de Judge & Jury.

Pero el verdadero centro de la canción no está únicamente en la oscuridad. Está en esa pequeña chispa que permanece cuando todo lo demás parece perdido. Martin plantea que, aunque no podamos controlar lo que sucede a nuestro alrededor, todavía podemos intentar proteger el amor que llevamos dentro.

Esa idea cobra una dimensión visual muy potente en el videoclip oficial: un escenario oscuro y deteriorado sirve como representación de un mundo que se desmorona, mientras una bombilla encendida simboliza esa última chispa interior que alguien intenta mantener viva. La estética industrial y destructiva funciona como reflejo de una batalla que, en realidad, ocurre dentro de la mente.

El lanzamiento llega además en un momento de renovado interés por Earshot. Durante el último año, sus oyentes mensuales en Spotify se han más que duplicado y la banda supera actualmente los 700.000 oyentes mensuales, mientras su álbum Humaning ya superó el millón de reproducciones.

“Love Left” no intenta negar el dolor ni convertirlo en una historia de superación fácil. Su mensaje es mucho más humano: podemos estar rotos, agotados o perdidos y, aun así, conservar algo dentro de nosotros por lo que vale la pena seguir luchando.

Y quizás esa sea la verdadera fuerza de la canción: cuando todo se apaga, todavía puede quedar una luz.

McGraw Project — “Change of Heart”: cuando los sentimientos cambian de dirección

Hay momentos en una relación en los que no ocurre una gran ruptura, ni existe necesariamente un culpable; simplemente algo cambia. “Change of Heart”, de McGraw Project, se instala justamente en ese territorio incómodo donde los sentimientos dejan de ser los mismos y aparecen preguntas para las que no siempre existe una respuesta clara.

El tema forma parte de Imaginary Rain, álbum debut del proyecto familiar liderado por David McGraw junto a sus hijos, una propuesta que recupera elementos del rock clásico y el indie rock para contar historias profundamente personales.

Con una duración de 3:58, la canción encuentra su fuerza en la composición y en una interpretación que mantiene el carácter orgánico del rock, sin necesidad de sobrecargar la producción. La guitarra tiene un papel protagonista —algo que incluso el propio envío destaca al señalar un solo especialmente memorable hacia el minuto 2:40— mientras la estructura permite que la canción avance desde una primera parte más contenida hacia un desarrollo instrumental de mayor intensidad.

El concepto de “Change of Heart” encaja perfectamente dentro del universo de Imaginary Rain: la incertidumbre, la transformación y esa sensación de intentar comprender cuándo y por qué algo dejó de sentirse igual. No es una canción sobre una respuesta definitiva, sino sobre ese momento en que empiezas a reconocer que las emociones también pueden cambiar de rumbo.

Y quizás ahí está su encanto: el rock sirve como vehículo para una historia sencilla, humana y reconocible, demostrando que incluso un cambio aparentemente pequeño puede convertirse en una canción completa.

VamViper — “Young and Godless”: pop oscuro entre sintetizadores y actitud

Con “Young and Godless”, VamViper se mueve dentro de un universo de indie pop, synthpop y alt-pop, un territorio donde las melodías pop conviven con una estética más oscura y electrónica.

El tema forma parte de PHANTFM, un álbum de 13 canciones publicado en julio de 2026, dentro de una etapa especialmente activa del proyecto. El disco también incluye temas como “The Bad Moon”, “Supernatural”, “CROWN $hAKE” y “I go down with the ship.”, mostrando un imaginario artístico que se mueve cómodamente entre lo pop, lo alternativo y lo electrónico.

El propio título “Young and Godless” ya plantea una combinación interesante: juventud, libertad y una cierta distancia frente a las certezas establecidas. Dentro de una producción de synthpop/alt-pop, esa idea encuentra un espacio perfecto para jugar con contrastes entre melodías accesibles y una estética más provocadora.

Más que buscar una fórmula pop convencional, VamViper parece construir un universo propio alrededor de canciones de fuerte identidad visual y conceptual. “Young and Godless” funciona así como una pieza dentro de ese mundo: electrónica, alternativa y con una actitud que no parece interesada en pedir permiso.

Y eso es precisamente lo que hace que el track resulte atractivo: no necesita alejarse del pop para sentirse diferente. Le basta con darle un poco más de oscuridad, personalidad y riesgo.

Auro — “Stay”: una invitación a quedarse un poco más

Con “Stay”, Auro se mueve en un territorio donde el dance pop y la electrónica encuentran un punto de equilibrio entre melodía y energía. Con una duración de apenas 2:59, el track apuesta por un formato directo y accesible, pensado para entrar rápidamente en la atmósfera sin perder su carácter bailable.

La canción ha comenzado a aparecer en distintas selecciones recientes de EDM, dance pop, progressive y melodic house, lo que refleja su capacidad para moverse entre diferentes espacios de la electrónica contemporánea.

Hay algo especialmente interesante en el propio concepto de “Stay”: una palabra sencilla que puede contener muchas emociones. Quedarse puede ser una petición, una decisión o incluso una forma de aferrarse a un momento que sabemos que podría desaparecer. En el contexto de una producción electrónica, esa idea adquiere una dimensión diferente: el ritmo avanza constantemente, mientras el título parece pedir exactamente lo contrario.

Auro ya cuenta con otros lanzamientos dentro de un universo pop y electrónico, y “Stay” continúa esa línea, combinando accesibilidad melódica con una energía diseñada para funcionar tanto en playlists como en contextos de escucha más dinámicos. Su presencia en diferentes playlists de música electrónica durante estas últimas semanas confirma que el tema está encontrando espacio dentro de la escena dance.

“Stay” es, en definitiva, una canción que convierte una palabra sencilla en una sensación: la de querer prolongar un momento antes de que la música —o la noche— llegue a su final.

Mara V — “El Mesías”: rock oscuro para cuestionar a los falsos salvadores

Con “El Mesías”, la artista argentina Mara V lleva su propuesta hacia un territorio más pesado, oscuro e industrial. La canción utiliza el lenguaje simbólico de las imágenes religiosas y apocalípticas para hablar de algo mucho más terrenal: el poder, las promesas de salvación y la facilidad con la que ciertos discursos pueden convertir a un líder en una figura mesiánica.

Musicalmente, el tema se instala en un alternative rock de mayor intensidad, incorporando elementos asociados al metal gótico y a la música industrial. Las guitarras densas y la atmósfera oscura acompañan una interpretación vocal que mantiene el componente melódico mientras aumenta la sensación de tensión y confrontación.

La fuerza de “El Mesías” está precisamente en ese contraste: una estética casi apocalíptica para hablar de problemas muy presentes. La canción pone en cuestión las promesas de quienes se presentan como la solución mientras persisten realidades como la desigualdad, el miedo, la violencia y la dependencia.

Este lanzamiento también representa una evolución dentro del recorrido de Mara V. Su catálogo anterior ya exploraba territorios oscuros y alternativos, pero “El Mesías” profundiza esa identidad desde una producción más contundente y una narrativa de marcado contenido social.

El resultado es una canción que no busca simplemente crear una atmósfera sombría: utiliza la oscuridad como lenguaje para cuestionar aquello que ocurre cuando dejamos de pensar por nosotros mismos y depositamos nuestra salvación en alguien más.

Y ahora viene un dato que me gusta muchísimo para cerrar la nota: “El Mesías” también cuenta con un visualizer producido por la propia Mara V, difundido a través de sus canales digitales.

ViVii — “Temporary”: bailar mientras el momento todavía existe

Con “Temporary”, el trío sueco ViVii convierte una reflexión sobre la fugacidad de la vida en una canción luminosa, cálida y sorprendentemente bailable. Publicado por Dumont Dumont, el tema es el segundo adelanto del próximo álbum de la banda, previsto para comienzos de 2027.

La canción fue escrita y grabada en Estocolmo y construye su identidad a partir de un groove inspirado en el dansband, una tradición de música de baile sueca, combinado con líneas de guitarra vibrantes, armonías psicodélicas y melodías brillantes. El contraste es precisamente lo que hace especial a “Temporary”: debajo de una producción alegre y envolvente existe una reflexión profundamente introspectiva sobre el paso del tiempo y aquello que inevitablemente cambia.

En la letra aparece una idea poderosa: todo es temporal, y precisamente por eso importa. La canción no plantea la impermanencia como algo necesariamente triste, sino como una razón para vivir con mayor intensidad el presente. Es una invitación a disfrutar mientras el momento está sucediendo, incluso sabiendo que eventualmente terminará.

Musicalmente, las guitarras de aire psicodélico, los sintetizadores y las armonías vocales de Caroline y Emil Jonsson crean esa sensación casi suspendida que caracteriza a ViVii. En los créditos también aparecen Anders Eckeborn en bajo, guitarra y sintetizadores, además de Johan Eckeborn en batería, mientras Jack Lawtey participa como coproductor e ingeniero de mezcla.

El resultado es una canción que consigue algo muy bonito: hablar de lo efímero sin sonar triste. “Temporary” parece decirnos que saber que una canción terminará no debería impedirnos bailar mientras está sonando.

Y quizás ahí está su mayor encanto: no podemos detener el tiempo, pero sí podemos decidir qué hacemos mientras pasa.

Maple Sun — “Floating”: dejarse llevar entre melodías y emociones

Con “Floating”, Maple Sun continúa desarrollando una propuesta donde el progressive house y el melodic house se encuentran con una sensibilidad profundamente atmosférica. El productor italiano Fabio construye su música desde una perspectiva narrativa, combinando electrónica y elementos orquestales para crear piezas que buscan transmitir emociones más que simplemente ocupar la pista de baile.

El track avanza a 123 BPM, un tempo que permite que el groove se mantenga constante sin perder ese carácter contemplativo que define buena parte del melodic house. Su tonalidad en Sol bemol mayor contribuye a una sensación luminosa y expansiva, mientras la estructura mantiene el movimiento propio del progressive house.

El título “Floating” resulta especialmente apropiado para esta propuesta: la canción parece construirse alrededor de la sensación de flotar, avanzar sin resistencia y dejar que el sonido marque el camino. No necesita recurrir a una energía explosiva para mantener la atención; encuentra su fuerza en el desarrollo progresivo y en la relación entre melodía, atmósfera y ritmo.

La trayectoria de Maple Sun también ayuda a entender este enfoque. Su catálogo combina melodic house, progressive house y electrónica de inspiración orquestal, mientras sus composiciones suelen partir de momentos personales, paisajes y experiencias que después transforma en sonido.

Con “Floating”, esa filosofía se traduce en una pieza elegante y envolvente, capaz de funcionar tanto en una playlist de escucha contemplativa como dentro de una sesión de electrónica melódica. Es música para moverse, pero también para dejarse llevar.