Escucha ‘Delirio y resiliencia’, el nuevo disco de Dimas y Los Pexes

Dimas y Los Pexes o simplemente Los Pexes es una agrupación colombiana conformada por cinco músicos profesionales que se conocieron estudiando en la universidad. El proyecto surgió a finales de 2021 cuando Willie Vargas decidió, con firmeza, emprender todo lo pertinente para consolidar una banda indie (y todo lo que esto implica). Hacen música propia, pero también trabajan haciendo covers de rock. Durante su carrera, han publicado cinco sencillos, cuatro sesiones en vivo y un videoclip animado, además de hacer múltiples presentaciones en grandes venues de Bogotá.

Quienes escuchan a Dimas y Los Pexes dicen que no suenan parecido a casi nadie, marcando una intención que parece olvidada por estos tiempos: ser auténticos. La intención de su propuesta es rock con vertientes indie llevando casi todo su proceso de producción (pre-producción, captación de audio, edición, mezcla, y master) de forma autogestionada, logrando uno de sus objetivos: lograr autonomía musical con canciones que evocan la resiliencia, el amor y desamor, la cotidianidad, lo apolíneo y lo dionisiaco y en sí, el derrotero de la esperanza o de algo que puede llegar a ser, inclusive, como lo postula Coltrane, espiritual.

«A través de nuestras canciones queremos enviar mensajes de amor y esperanza. Asimismo, la amalgama de un mensaje que evoque una atmósfera de virtud, pero también un ambiente de lo festivo. Un poco de despecho, pertinente en la música popular. Diversión, también. Queremos que las canciones sean recordables, que no rayen por lo complejo, sino que cale directo en un público objetivo no experto», comenta la banda con influencias del indie-rock e indie-pop en general, rock en español, funk, indie Iberoamericano, post-punk, rock clásico e indie nacional en artistas como Foals, Motorama, The Whitest Boy Alive, Soda Stereo, El Mató a un Policía Motorizado, Arctic Monkeys y hasta Pastor López y las músicas tropicales o populares.

‘Delirio y resiliencia’ es el disco debut Dimas y Los Pexes, un trabajo que de entrada usa dos sustantivos que contrastan y eso precisamente evoca: la dualidad o lo binario, lo angelical y demoníaco, la luz y oscuridad, lo apolíneo y dionisiaco o, en síntesis, la naturaleza humana.

El disco explora principalmente sonidos no programados, todo hecho como lo harían The Strokes, algo sencillo, limpio, tangible. Casi todo lo que suena en estudio se puede hacer en vivo. Hay una que otra técnica compleja en la suma de bajo y batería, ya que Héctor (bajista) viene de la escuela del metal con su popular banda nacional Darkness y Juan Manuel (baterista), por su parte, gusta de las complejidades rítmicas a pesar que casi todo el álbum está en métrica de 4/4. No obstante, desde las guitarras, que son interpretadas por dos cantantes de profesión, hay algo que tiende más bien a lo Nirvanesco o a la propuesta estética del género grunge que creó Kurt Cobain, algo rayano en reírse de lo virtuoso y quizá más bien esmerado en crear contundencia y lo inteligible. Las cerezas del pastel son los sonidos de dos sintetizadores, factor que da el distintivo sobre la banda de rock usual y el hecho que todos los cinco cantan, a veces en polifonía, elemento que los acerca de manera relativa a una súper banda de indie-pop/funk como lo es Parcels.

«Con este disco queremos enviar un mensaje recordable, no complejo, que se expanda, positivo, que transite todas las emociones posibles, pero que deje un hálito de esperanza y amor», agregan.

El trabajo explora la naturaleza humana en canciones como ‘Como un ángel’ (apolíneo), un tema que le canta a la soledad (que muchos sintieron en pandemia), pero también a la resiliencia de un gran cambio que parte desde la individualidad, para así aportar a la sociedad. Por su parte, ‘Todos estamos locos’ (dionisiaco) aborda el delirio que muchos sintieron en pandemia o después, y el paliativo que es saber que todos tenemos algo de locura y que, a partir de esa premisa, podemos soltar el control de todo (budismo) y bailar tranquilos al ritmo de las olas del mar de Bogotá.

‘Delirio y resiliencia’, como parte del concepto, utiliza también un «caballito de guerra», que es hacerle canciones al despecho, como ‘Gritando tu nombre’, la historia de una traición marcada por la mentira y ‘Esa voz’, una lamentable asíntota, el anuncio de un amor que nunca será. Asimismo, como concepto, busca «lo divertido» con un par de canciones de amor cómico en los tracks 3 y 4, temas que hablan de vender un PlayStation por amor (tema que ha calado muy bien entre el público de preámbulo) y otra dualidad: una rara pareja formada por un tipo pacato y una mujer farrera. Al final, en el último track, llamado El Pez, se buscó amalgamar un sonido indie-pop, evocando también cierta influencia de la descarga del Hillsong, propio de los ámbitos protestantes. En este tema, Willie buscó hacer una canción llena de simbolismo o ambigüedad dedicada a Jesús Nazareno.

‘Delirio y resiliencia’ de Dimas y Los Pexes presenta canciones complejas y largas que hablan de tusas como ‘Gritando tu nombre’, historias dramáticas en ‘Esa voz’; momentos cómicos, dramáticos y postmodernos en ‘YPTVMPS’, temas divertidos y con voltaje en ‘450 voltios’,sonidos fuertes, enérgicos y resilientes en ‘Como un ángel’, le canta a la fiesta y al baile en ‘Todos estamos locos’ y cierra con una historia amorosa, linda y serena en ‘El pez’.

‘Como un ángel’ es el focus track del disco. Compuesta por Willie Vargas Lozano, fundador de la banda, producido y grabado por Dimas y Los Pexes, Santiago García y Sebastián Abril en Groove Studios y Dimas Records, es un canto a la resiliencia, basada en el individuo que entra, trasciende y sale de la pandemia y el paro nacional como aquella persona que sale de la tormenta: más fuerte, distinto. La canción explora, desde la espacialidad y las reverberaciones, propias del post-punk, un viaje introspectivo, que cuestiona asuntos como la soledad benigna, el sentido y el renacer de un sobreviviente, quizá protegido por una fuerza superior.

Respecto a esta canción, su compositor Willie declara que: «esta es la canción, hasta ahora producida, que más me ha enorgullecido. Siento que mi sueño artístico, de la mano de mis increíbles músicos y amigos, cada vez se va consolidando más y más y volviéndose realmente auténtico».

https://youtu.be/hTKtK5aPhaU

Con este disco, Dimas y Los Pexes quiere dejar una referencia en streaming para que cada evento en vivo tenga sustento y pueda pescar seguidores en Colombia, Latinoamérica e Iberoamérica.

«Dimas y Los Pexes es nuestro proyecto de vida y el que le da sentido. Queremos llegar lejos, lograr que el proyecto sea autosostenible y demostrar que sí es posible hacer y vivir del rock en Colombia. Es importante dejar el rastro de una banda independiente, esmerada en conocer el proceso de producción musical y audio, desde la idea hasta la masterización. Somos grupos que se esfuerzan por crear música buena, con las uñas, con una poética clara. Queremos trascender como artistas porque somos músicos profesionales y estudiamos la ciencia de las emociones».

«Queremos ser referentes filosóficos y estéticos para las actuales y nuevas generaciones, consolidar un nicho que aprecie un arte rico, que se aparte de casi todo lo que implica el perreo y retome las sendas de lo que en verdad es un artista. Desde este prisma, Dimas y Los Pexes es importante para la comunidad nacional e internacional, porque busca retomar el camino de un Gustavo Cerati y toda la generación anterior de poetas, de gente excelente en el estudio de su instrumento, composición, arreglos y orquestación, de gente que se tomó el arte como un ismo y un fin», concluye.

Dimas y Los Pexes es un proyecto musical colombiano conformado por Willie Vargas Lozano (frontman), Juan Guerrero Sierra (batería), Héctor Mariño Pedraza (bajo), Jose Ramírez Aguillón (guitarra líder) y Nicolás Nizo Medina (teclados).

Una canción de superación y renacimiento, así es ‘Ardiendo en el Fuego Griego’

Egórico, como personaje, es principalmente una semi-deidad de una mitología que su creador y fundador Emilio Paredes está creando en su universo literario aún no publicado. Es el dios del Ego, la deidad de los escribas y del instinto. En el universo musical que el artista de República Dominicana ha estado desarrollando tiene un enfoque al desapego y a la motivación, promoviendo el despeine como acto de rebeldía e invitando al prójimo a sacarse la mala vibra.

El proyecto artístico nace en 2022 de la mano de su arreglista y pianista Emilio Medrano y su productor de cabecera, el artista dominicano Fonzo, con quién hace poco lanzó el tema ‘Flaca, Ven’.  Egórico como palabra está creada por la fusión de Ego + Rico y la reducción de la palabra ‘Alegórico’ siendo alegoría (representación) del dios del ego.

«Egórico nace como una vista introspectiva para hablar de temas personales y sociales. La mayoría de mis canciones nacen desde la introspección y buscan llevar apoyo y cambio de perspectiva a quienes escuchen. Mis canciones van desde críticas sociales como ‘Carnavales Digitales’ hasta canciones mucho más personales e interiorizadas como ‘Ardiendo en el Fuego Griego’. Siento que desde la interiorización se puede ayudar a muchas más personas a salir de los bucles negativos y tóxicos y se puede dar un poco de aliento a quienes más lo necesiten», cuenta el músico dominicano con influencias del hip hop alternativo, mambo, funk y rock en proyecto como Gorillaz, Canserbero, LosPetitFellas y Dawer X Damper.

‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es lo nuevo de Egórico, una canción de superación, aunque toca superficialmente temas como la hipocresía, la depresión, y las dificultades económicas. Aborda la perspectiva de estar ardiendo constante en un fuego que no se extingue que es una referencia a cómo el artista siente que funciona la vida, y de cómo el ser humano debe mantenerse fuerte a pesar de todas las circunstancias.

«La canción nos dice que debemos seguir ladrando y mordiendo a pesar de la hipocresía de algunos que solo miran («el prójimo solo observa como mi alma se desnuda» o «miran para afuera, pero por dentro tan ciegos»). El tema juega un poco con jergas y expresiones caribeñas, así como menciones de elementos de la cultura popular», agrega Egórico.

‘Ardiendo en el Fuego Griego’ a nivel sonoro es un hip hop alternativo / rap rock. Su influencia mayoritaria es rock, aunque el artista quiso que el primer verso de la canción iniciara en jazz como un guiño sutil a los cambios de la vida misma que a veces nos ofrece. Luego del segundo verso explora un rock un poco más progresivo casi punk.

‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es parte de un disco que por el momento Egórico no revelará el nombre. Dentro de sus sencillos actuales es su sexto lanzamiento.

Actualmente, Egórico trabaja en un EP colaborativo junto a su amigo, artista y productor Fonzo que se llamará ‘No Hay Flaca Que Por Bien no Venga’. Este trabajo será un hip hop alternativo con una perspectiva un poco más entre el romanticismo y el desamor y tendrá influencias de hip hop de los 90 y será lanzado en el primer trimestre de 2025.

«‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es una canción bien enérgica que entiendo que el mejor momento para disfrutarla es en el gimnasio, pero hay quienes me dicen que es excelente para iniciar el día o para una recarga de energía en las tardes», menciona el artista.

El dominicano realizará una serie de conciertos en lo que resta de 2024 y prepara un 2025 lleno de lanzamientos musicales para todos sus seguidores en América Latina. Además de su EP con Fonzo, Egórico está trabajando un EP de tres canciones en Spoken Word con la artista dominicana Idelmi y el arreglista/ pianista Emilio Medrano. A nivel individual, el artista se centrará en un EP de jazz rap para finales de 2025 titulado ‘Receta para Embalsamar el Cadáver del Ego’.

«Siento que ‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es toda una experiencia, a pesar de ser la punta del iceberg si lo comparamos con todo lo que viene. Es una experiencia y una apuesta arriesgada en un país como República Dominicana, pues ser artista indie y emergente de hip hop alternativo en la tierra del merengue, la bachata y el dembow no es sencillo, pero quisiera ser parte de la evolución y la inserción de esas propuestas más arriesgadas en los géneros populares», puntualiza.

«Egórico lo veo como una plataforma de enseñanza y de superación transmedia. Soy estudiante de cine y pretendo abordar la parte visual del proyecto desde una mirada cinematográfica. Así que parte del discurso se irá contando desde la música alternativa, otra parte desde la literatura y el resto desde la construcción audiovisual del mismo universo. Así que entiendo que puede resultar interesante y enriquecedor que desde toda Latinoamérica se pueda conocer el proyecto, estoy seguro de que muchos serán capaces de conectar con el dios del ego», concluye.

La Media Torta recibirá la final de la Celebración del Rock Colombiano con lo mejor de la escena emergente del país

La Celebración del Rock Colombiano nació como una plataforma para fortalecer la industria y el ecosistema musical del rock y el metal en Colombia, entregando herramientas para el desarrollo de proyectos musicales que guíen a los artistas y apalanquen su desarrollo para salir de la escena emergente y se consoliden en diversos públicos generando comunidad.

La gestora cultural y líder de esta iniciativa Aida Hodson, quien ha trabajado en este sector en el desarrollo de artistas, plataformas y eventos para la escena colombiana desde hace más de diez años, hace un balance satisfactorio de la primera edición de la Celebración del Rock Colombiano.

«En esta primera versión la acogida fue importante, se inscribieron un total de 102 bandas y la calidad y versatilidad de la escena musical del género en nuestro país es grande y sigue creciendo. Esperamos cada año superar los resultados de los años anteriores», cuenta Hodson.

La Celebración del Rock Colombiano 2024 tuvo varias actividades previas a la final, en primera instancia se realizó una preselección de 32 bandas que sobresalían entre las 102 participantes por actividad, calidad musical y su notoria disponibilidad a crecer. Esta etapa estuvo curada por Alejandro Bonilla, Juan Burbano, Héctor Villamil y Aida Hodson, quien evaluó lo comunicacional. La segunda etapa estuvo llena de retos y fue interesante ver cómo reaccionaron a los proyectos participantes. De los 32 elegidos se seleccionaron 16 proyectos para que fueran parte del acetato: Celebración del rock colombiano que se lanzará a finales de noviembre.

Uno de los retos de la convocatoria fue un sincronizador o editor musical que pedía hipotéticamente a la banda versionar una de sus canciones o buscar en las mismas dos estrofas que debían proponer para la campaña del Día Mundial de los Animales. El resultado fue increíble, seguidamente de montar una campaña o estrategia comunicacional alrededor de la misma.

Según el desempeño y la participación de los retos, se escogieron 10 bandas en constante actividad para tocar en teatros y parques el pasado 20 de octubre en una coproducción con IDARTES para celebrar el Día Mundial de los Animales, entregando a los proyectos un reconocimiento.

Otra etapa fue el ciclo de talleres ‘Eso es pura rosca’ realizados en el Teatrino del Teatro Jorge Eliécer Gaitán en Bogotá en donde se sensibilizaron temas del diario vivir de esta industria como ‘¿usted no sabe quién soy yo?’ que se enfocaba a fortalecer su marca musical y cómo generar comunidad.

Las bandas finalistas de la Celebración del Rock Colombianoson: Camargo, Mandingasea, Coyote, Ennui, Mad Dogs, Gato Loko; desde Tuluá, Rain of Fire; desde Cali, Tortugas Azules; desde Circasia, Somer y la banda revelación Nightwatcher.

La gran final se realizará el próximo sábado 23 de noviembre en la emblemática Media Torta de Bogotá a partir de las 11:00 a.m. En el evento participarán las 10 agrupaciones finalistas y 2 bandas invitadas de otras regiones como parte de los intercambios con festivales. La entrada es gratuita.

La banda ganadora obtendrá la grabación de un sencillo profesional en el Bunker Estudio bajo la producción de Juan Burbano, además, un video profesional, $1’000.000 en merchandising, un año de asesoría legal con Alright, un estudio fotográfico, 6 sesiones de coach vocal, 6 sesiones de coach de expresión corporal y la participación en 6 festivales regionales en 2025.

Para Aida Hodson, «es importante que el público asista a la final de la Celebración del Rock Colombiano para apoyar la escena emergente del rock y del metal de nuestro país, porque queremos demostrar que la escena emergente está creciendo y se apropia de espacios como la emblemática Media Torta, y sobre todo porque serán siete horas de rock y metal independiente hecho en Colombia».

[Lanzamiento] Don Bolo lanza ‘Jihad’, una canción de prevención ante los líderes carismáticos y populistas

El 2024 ha sido un gran año para la banda ecuatoriana de criminal punk jazz Don Bolo. La agrupación cerró el Background Fest en Pasto, Colombia; hizo parte de grandes eventos junto a grupos locales en Nueva York, Estados Unidos; y dentro de Ecuador realizó un circuito de conciertos en espacios públicos para llevar su música directamente a la gente. De igual manera, la banda ultimó detalles para culminar su cuarto álbum de estudio que se lanzará en 2025 conmemorando 10 años de carrera y hoy presenta ‘Jihad’, un nuevo lanzamiento para su audiencia en América Latina.

‘Jihad’ de Don Bolo significa «guerra santa», es un concepto presente en la religión musulmana que hace alusión a las guerras que libró el profeta Mahoma para tomar la ciudad de Meca. También es un concepto utilizado en la obra literaria de ciencia ficción «DUNE» de Frank Herbert, obra que la banda ecuatoriana ha tomado como inspiración para su próximo álbum.

‘Jihad’ es el quinto tema del álbum y es el punto de inflexión en la historia de un falso profeta que descubre que fue enviado por Dios no para liberar a la humanidad sino para esclavizarla. Al darse cuenta que estaba siendo manipulado por una fuerza mayor decide no tomar el camino que ha sido trazado para él sino tomar el control del mundo y ser él quien esclavice a la humanidad, derrocando a Dios y estableciendo una nueva religión y un nuevo orden con este falso mesías como figura central. Jihad vendría a ser la historia de la guerra santa que libra esta figura para hacerse con el control de la humanidad y unir a todos los pueblos bajo una sola bandera y una sola fe.

‘Jihad’ aborda un sonido más ambiental, drone y avant garde que en las composiciones previas de la banda. Si bien, es el tema que más se asemeja al resto de la discografía, este se separa en definitiva del punk. La distorsión es el protagonista sonoro de esta composición, pero también existe un nuevo elemento explorado muy poco por la banda como la inclusión del piano como elemento melódico que brinda un dramatismo que el grupo jamás había explorado. El peso armónico que da el piano carga de una fuerza descomunal al tema haciendo que se escuche gigante. Tanto en ‘Jihad’ como en todo el nuevo álbum de Don Bolo, se ha priorizado el dramatismo y suspenso.

«Este sencillo como todo el nuevo álbum de Don Bolo están inspirados en la saga de ciencia ficción «DUNE». Fueron los conceptos filosóficos y políticos los que inspiraron la composición de la música y la narración de una historia que tiene como moraleja prevenir a todas las personas de líderes carismáticos y populistas, sean políticos o religiosos. Lo que Don Bolo desea transmitir es tener mucho cuidado con esas figuras que ofrecen salvación a cambio de sumisión», comenta el grupo.

Va dirigida a los librepensadores del mundo, a esas personas que no están dispuestas a estar dentro de ningún grupo o bajo ninguna bandera. Es para quienes no tienen miedo a cuestionar el orden establecido y para los que no comen cuento y ven con escepticismo a políticos y líderes religiosos.

‘Jihad’ cuenta con un video animado que utilizó para su creación la técnica de rotoscopia. Este video fue realizado por el artista ecuatoriano Sebastián Valbuena, también conocido como Pánico.

«Esperamos que este lanzamiento trascienda fronteras. Es una invitación a reflexionar y a cuestionar sus creencias y la manera en que estas se forman. A ver a las personas que ofrecen salvación como lo que realmente son y que las empodere a tomar control sobre sus vidas y a no ceder este control a terceros. Queremos que todos se tomen un momento para ver la situación que atraviesa el mundo y cómo este se está hundiendo. Encarar la realidad sin intentar endulzar o suavizar y entender cómo lo que afecta a uno (así sea al otro lado del mundo) afecta a todos», enfatiza la banda.

La portada del sencillo es una pintura realizada por Emilio Montenegro (bajista y compositor de la banda). Como ‘Jihad’ habla de una guerra santa, se utilizó el color rojo para ilustrar el sufrimiento y muerte que conllevan las guerras. El rojo simboliza la sangre de quienes mueren en los conflictos armados, sean civiles o militares. También simboliza una idea que para la muerte no importa el color de piel, nacionalidad, religión o posturas políticas. A la muerte no le importa quién es inocente y quien no. Para la tipografía, se creó una semejanza estética al abecedario árabe, pero siendo legible para el público occidental. Se utilizó crayón para dibujar el nombre del tema ‘Jihad’ para que tuviera la misma estética orgánica que la pintura que hace el arte del sencillo.

«Queremos enviar un mensaje de cuestionamiento y presentar al público con lo que Don Bolo considera es una realidad que viven muchas personas del mundo. Todos, sin importar nacionalidad, color de piel o religión, están siendo víctimas de los mismos males. Somos víctimas de los estados y de los intereses de las clases políticas y religiosas. El planeta está en un punto crítico en el que la civilización como la conocemos está a punto de cambiar para siempre. Lo más importante, es que todos sean conscientes de que estos eventos no son nuevos, se han repetido durante toda la historia de la humanidad, en todos los continentes y han afectado a pueblos y nacionalidades. El mensaje central es no creer tan fácil en quienes ofrecen un paraíso y entender la historia para que así la humanidad deje de repetir sus errores», menciona Don Bolo.

‘Jihad’ es especialmente relevante en este punto de la historia contemporánea. El tema está ligado a todos los conflictos armados que están sucediendo en este momento y todos los que están a punto de estallar. Las guerras en Gaza, Ucrania, Myanmar, el Congo, los conflictos que podrían desatarse dentro de Venezuela y la incertidumbre que ocasionaría el ascenso de políticos como Donald Trump.

«Por ahora, la banda está enfocada en el lanzamiento de su nuevo material y en la difusión del videoclip. Se realizarán algunas actividades como eventos en los que se presentará el nuevo álbum a un pequeño grupo de seguidores. En cuanto a conciertos, no hay nada programado aún, pero la banda está dispuesta y disponible para eventos dentro y fuera de Ecuador. Ansiosos también de tocar la música del nuevo álbum, Don Bolo está listo para presentarse en cualquier escenario. Finalmente, la banda está preparando nueva mercancía para recibir el nuevo álbum y el cumpleaños número 10 de Don Bolo», concluye la agrupación.

Sin Compromiso lanza ‘Ni un paso atrás’, una canción de aprendizaje en tono punk rock

Durante el 2024, la banda de punk rock colombiana Sin Compromiso, fundada en Armenia, Quindío, ha estado trabajando en su imagen, en consolidar su sonido para poder seguir promocionando su música de forma más contundente. Además, ha sido un periodo de tiempo clave para ensayar y terminar de ajustar los detalles necesarios para lo que fue la grabación de ‘Ni un paso atrás’, su nuevo sencillo con el que esperan seguir impulsando su proyecto a un nuevo nivel.

‘Ni un paso atrás’ de Sin Compromiso es una canción que empezó a escribirse en 2012 en donde el cantante y compositor Styven Rutchell estaba pasando por un momento muy retador en su vida, pero al mismo tiempo estaba lleno de sueños y metas que literalmente lo alentaban a NO dar ni un paso atrás, así que encontraba en la letra de esta canción la fuerza necesaria para seguir adelante. Hoy, 12 años después, la canción está lista con la particularidad de que muchos de esos sueños que anheló se hicieron realidad, y que lo que empezó a escribir en un inicio lo aplicó y surtió efecto.

‘Ni un paso atrás’ es una canción de resiliencia, de aprender de los errores, de aprender que las caídas hacen parte de la vida, de que, si nos caemos 7 veces, nos levantamos 8 y que detrás de cada derrota o fracaso hay un aprendizaje y una oportunidad de hacernos más fuertes.

«La inspiración detrás de la canción son los sueños, las metas que la mayoría de las personas tenemos, reconocer nuestros logros y honrar todo lo que hemos pasado para llegar hasta donde estamos, sacar fuerza y energía para seguir avanzando y, sin importar los obstáculos que se nos presenten, seguir siempre adelante», comenta el grupo conformado por Jorge Rico (bajo/voz), Cristian Ocampo (batería) y Styven Rutchell Palacio (guitarra/voz).

‘Ni un paso atrás’ aborda temática de resiliencia, motivación, sueños, metas, experiencias y aprendizajes a través de sonoridades clásicas del punk rock y pinceladas de hardcore old school. Las voces tienen una relevancia importante, mezclando la voz más agresiva y algo rasgada de Styven con la voz melódica de Jorge, creando una mezcla de punk rock melódico con algo de punk hardcore. El bajo tiene un protagonismo importante, da el inicio de la canción y marca su ritmo, además en el intermedio también da la melodía en la parte en que la canción respira. Por su parte, la batería es rápida, potente y dinámica, dándole mucha fuerza a la canción.

«Es una canción que está basada en experiencias y vivencias personales, la persona para la que escribí esta canción soy yo, pero también quiero dedicársela a mi hermano Jeyson, esperando que en los momentos en que la escuche, pueda darle fuerzas para seguir adelante, al mismo tiempo sé que muchas personas se pueden identificar con la letra. También la escribí para el público de Sin Compromiso, quise que fuera una canción llena de energía, que incluso si había personas que escucharan esta canción por primera vez en vivo, se levantaran si estaban sentados, saltaran, bailaran o poguearan apenas empiece a sonar», agrega Styven.

Sin Compromiso presenta en este nuevo sencillo un sonido evolucionado y renovado que marca el punto de partida de lo que será su nuevo álbum de estudio.

La portada de ‘Ni un paso atrás’ tiene una bota gastada, como referencia al camino recorrido, a las experiencias adquiridas durante todo el viaje, dando a entender que ha pasado por un camino duro, con obstáculos, pero que sigue en pie.

Para los integrantes de Sin Compromiso, ‘Ni un paso atrás’ tiene dos momentos cruciales para ser escuchada: «el primero en un momento donde sientas que estás pasando por alguna situación retadora, que de algún modo estés pensando en rendirte o no continuar; podría ser una canción que te de las fuerzas necesarias para seguir adelante, para llenarte de fuerza y entender que hace parte del proceso y que más adelante agradecerás porque te estás haciendo más fuerte. El segundo para reconocer tus logros, para enorgullecerte de haber superado esos obstáculos y desafíos, y entender que quizá eres más fuerte y valioso de lo que crees».

‘Ni un paso atrás’ hace parte de lo que será el segundo disco de Sin Compromiso el cual llevará el mismo nombre. El álbum está aún en proceso de preproducción y se espera para mediados de 2025.

Sin Compromiso se estará presentando el próximo 1 de febrero de 2025 en Panamá en el Festival Rock a la Playa. De igual manera, la banda planea hacer un par de presentaciones más antes de finalizar el año con el fin de hacer el lanzamiento de este nuevo sencillo con estos shows en vivo.

Myuras explora el concepto del amor en su EP debut homónimo

El proyecto de música alternativa colombiano Myuras, conformado en 2022 por tres músicos hermanos: Emanuel, Hans y Sebastián Gamarra, ha tenido un 2024 memorable, primero, con la publicación de su exitoso sencillo ‘Versión de Mí’; segundo con los múltiples conciertos ofrecidos en Colombia cargados de enriquecedores en anécdotas y experiencias; y tercero con la publicación de su EP debut ‘Myuras’.

El EP homónimo de Myuras es su carta de presentación al mundo. Compuesto por tres canciones, este trabajo surgió de un profundo proceso de introspección y composición que vivió cada integrante del grupo y lo plasmaron en esta producción.

«El EP explora el concepto del amor desde nuestra experiencia y perspectiva, abordando diferentes facetas: desde ser la segunda opción de alguien, reflejado en ‘Comodín’, hasta las complejidades de una relación tóxica en ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ (No Busques Lo Que No Se Te Ha Perdido), para finalmente reconocer que quizás esa situación no es la mejor, en ‘Versión de Mí’, cuenta Myuras.

Con este trabajo debut, Myuras presenta una faceta muy versátil como proyecto, partiendo de beats cercanos al hip hop y al disco de los 80’s, con riffs y distorsiones intensas, pero también exploran bases más íntimas y atmosféricas. A lo largo de las tres canciones del EP, se destacan teclados icónicos como el Rhodes, junto a numerosos elementos percutivos minimalistas que añaden un toque final refinado a la producción.

«Con este EP buscamos conectar con las emociones universales que todos hemos experimentado en algún momento. Cada palabra es un reflejo de lo que significa vivir el amor en todas sus facetas, desde lo más tóxico hasta abrir los ojos y ver la relación contigo mismo. Queremos que quien lo escuche se vea a sí mismo en esas historias, sienta que no está solo en sus emociones, que al final todos compartimos esos mismos deseos y situaciones. Es un grito de autenticidad, un recordatorio de que somos parte de algo más grande, todos navegando por las mismas aguas», enfatizan.

‘Comodín’ de Myuras es una canción intrigante y riesgosa. Como cuando te acercas a alguien cuyo juego ya conoces, pero aun así decides participar, sabiendo que podrías terminar como una segunda opción o un plan B que nunca será suficiente. ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ es un tema curioso y peligroso. Es como la frase «La curiosidad mató al gato», donde te dejas llevar por algo que sabes que no te conviene, pero aún insistes en seguir detrás de ello. Finalmente, ‘Versión de Mí’ es una canción renovadora y liberadora en donde te das cuenta de que estás mejor fuera de una situación que no te beneficia, y buscar siempre ser tu mejor versión.

‘Comodín’ es el focus track del EP de Myuras. La canción nació de esos momentos en los que los integrantes de la banda se dieron cuenta de haber sido el plan B de alguien, como ese ‘booty call’ que siempre está disponible, pero que al final nunca te deja ir del todo. Es una relación en la que, aunque conoces las reglas del juego, decides seguir jugando, aceptando las condiciones y el papel que te ha tocado, a pesar de saber que nunca será suficiente.

El video de este sencillo nació bajo el concepto de «Una bodega del fin del mundo musicalizada». Allí se muestra la contundencia de la banda en su puesta en escena, con luces cortantes sobre Emanuel, Hans y Sebastián y una coloración que evoca las películas del género grindhouse de los 70’s.

«‘Myuras’ es un EP que, desde la primera canción, te hará querer levantarte del sofá o de tu silla de escritorio, ya sea mientras trabajas, lees o meditas, preguntándote: ¿Estoy viviendo como realmente quiero? Te invita a bailar, saltar, cantar a todo pulmón y a sentirte poderoso. Te impulsará a salir de tu espacio y enfrentarte al mundo con una energía renovada», enfatizan los hermanos Gamarra.

El EP fue grabado y producido en la ciudad de Barranquilla en Mala Hora Studios y fue mezclado por Carlos Imperatori (Arawato, Cuarteto de Nos, BTS, Los Mesoneros) de Custom Shop Studios en Miami, Florida. Además, fue masterizado por Reuben Cohen (Queens of the Stone Age, Pharrell Williams, Bruno Mars) de Lurssen Mastering en Burbank, California.

Myuras planea lanzar en los próximos meses un Live Session, así como el videoclip de ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ (No Busques Lo Que No Se Te Ha Perdido). «Vamos a posicionarnos con este EP, ya que podrán escuchar todo el espectro de nuestra propuesta, planeamos una gira por el caribe colombiano y algunas ciudades del interior del país, para reencontrarnos con nuestros fans. Este trabajo es el comienzo del álbum que lanzaremos más adelante, es un manifiesto de la banda hacia el futuro, es con el que conocerán cómo sonamos, cómo pensamos. Somos una propuesta fresca, queremos ser una banda insignia de la región Caribe y demostrar que la música alternativa hecha a orillas del mar también puede ser un referente nacional e internacional», concluye Myuras.

Sr Nowak estrena el EP y libro ‘Danzando con la muerte’

Sr Nowak es el proyecto solista de Sebastián Echeverry Sossa, un músico, compositor e intérprete de la ciudad de Medellín, Colombia. En paralelo al trabajo con la agrupación Autor Anónimo, desde el año 2023 decide afrontar proyectos en solitario, tanto a nivel musical como literario, inspirado en su lema ‘psicólogo, escritor, rapero’; buscando con ello mantener unificados sus diferentes saberes.

Sr Nowak quiere, a través de su propuesta musical, narrar vivencias del barrio, de las comunidades, de muchos y muchas, desde un contexto psicológico, desde eso que acontece en el interior. No solo desde el dolor y la nostalgia, sino también desde el disfrute, el placer, la alegría; es una forma de narrar las vivencias de lo humano.

«Con mis canciones quiero hacer consciencia de aquello que nos acontece, que la mente humana es un mundo y que en la actualidad esta sociedad está más presta a la consciencia y la salud mental. Busco empatía y unión a través de la música, el reconocimiento de aquello que a cada uno le pasa en su ser», cuenta el artista que en sus proyectos cuenta con influencias del rap, la salsa y las baladas de Camilo Sesto, Nino Bravo, Nanpa Básico, Alcolirykoz, Juaninacka, Rxnde Akozta, entre otros.

‘Danzando con la muerte’ es el nuevo EP de Sr Nowak, un trabajo cuya narrativa es el suicidio, como el suicidio de un chico y la poca comprensión que tiene por parte de su entorno; o la historia de la madre y la pareja, expresando cada uno su sentir.

Esta producción tiene como base el ritmo de rap. Los samples y los sonidos tienen elementos de baladas en español, boleros, elementos del jazz y del blues, además de sonidos ambientales.

El EPes un viaje de dolor y depresión en su primera canción ‘Danzando con la muerte’, en su segundo track le canta al anhelo y los duelos con ‘Quédate en mis sueños’ y aborda temáticas de melancolía y soledad en su sencillo de cierre ‘Me voy contigo’.

Sebastián Echeverry Sossa lanza en simultáneo su libro debut que lleva el mismo nombre del EP ‘Danzando con la muerte’. Es una obra que retrata las vivencias de personas que han optado por el suicidio como salida a sus problemas. Mezclando la realidad y la ficción este relato, realizado desde el punto de vista del Sr Nowak, transita a través de historias provenientes de esa Medellín sombría, vulnerable y, casi siempre, olvidada con la que se ha encontrado el autor en los últimos años de su ejercicio profesional como psicólogo en atención de emergencias.

«Es un llamado a escuchar atentamente a quienes nos rodean, pues la muerte, a veces vestida con la máscara del suicidio, acecha siempre en un rincón del salón, presta a dar el último paso con quien menos lo esperamos y, en muchas ocasiones, sólo con escuchar y conectar con el otro podemos ser esa luz que necesita. Es la historia de cómo Sr Nowak coquetea con la muerte y logra sincronizarse con ella para quitarle de sus manos la vida que la misma muerte le ha permitido salvar», agrega.

La historia del Sr Nowak se va tejiendo entre la psicología y la música, con un aire de nostalgia y de melancolía. Es un héroe cuyo superpoder se encuentra en la palabra, en poder acercarse a lo profundo del alma y anclarla a la vida. Es por eso que su historia, envuelta en oscuridad, es al mismo tiempo una historia de esperanza, la esperanza de, quizá, lograr seguirle los pasos a la muerte en ese baile que todos deberemos bailar algún día, pero que, gracias al trabajo realizado por personas como el escritor paisa y miles de trabajadores del área de salud mental, puede ser un baile más largo y menos amargo. Este viaje es como el vaivén de un vals lleno de emociones, sensaciones y canciones cantadas en prosa.

Actualmente el libro se encuentra a la venta en las redes sociales del artista y próximamente estará disponible en plataformas como Amazon Kindle, para el público internacional.

«Con este lanzamiento multidisciplinar quiero crear consciencia sobre la problemática del suicidio y generar reflexión sobre la depresión en general», puntualiza Sr Nowak.

Durante los próximos meses, Sr Nowak espera lanzar una canción a finales de noviembre y prepara un EP en vivo a principios del 2025; y en ese mismo año publicará un álbum completo.

Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sr Nowak en Colombia y Latinoamérica por su sensibilidad, su capacidad profesional y creativa, porque son años de experiencia plasmadas en la labor actual y porque su material artístico puede ser de gran ayuda para muchas personas.

Difuso presenta «Playa»

Difuso está promocionando su más reciente single titulado «Playa», canción indie/pop que captura la esencia de un verano perfecto. La canción narra la historia de dos personas que viven un verano lleno de momentos únicos, donde los eventos cambian de acuerdo a sus emociones.

«Playa está inspirada en esos rincones de la memoria donde guardamos los recuerdos más preciados con las personas que más queremos« menciona la banda, subrayando la conexión emocional de la canción con sus oyentes.

Grabada en Estudio 19 en La Cantera, Coquimbo, bajo la producción de Víctor y Nicolás, y mezclada y masterizada por Nicolás Moreno en Santiago, el proceso de creación del single tomó alrededor de seis semanas. La carátula, diseñada por el artista local Alan Lavado, complementa perfectamente la atmósfera evocadora del tema.

El sonido de «Playa» está influenciado por la bossa nova, el indie rock y el indie pop

JESSE & JOY LANZAN SU NUEVO SENCILLO «DIGAS LO QUE DIGAS»

Jesse & Joy regresan con “Digas Lo Que Digas”, una poderosa propuesta musical que desafía las expectativas. Este sencillo, caracterizado por su profundidad emocional y su mensaje de fortaleza, se convierte en el tema principal de la nueva telenovela de Televisa Univisión, Papás Por Conveniencia, protagonizada por Ariadne Díaz y José Ron.
 
“Digas Lo Que Digas” es una declaración contundente sobre el peso de las palabras ajenas y la valentía de elegir el propio camino. Con una letra que refleja la liberación personal y una interpretación vocal que resuena con intensidad, Jesse & Joy invitan a quienes escuchan a hacer frente a las críticas y a encontrar fortaleza en la verdad interior. La producción es elegante, con melodías que envuelven y una instrumentación que acompaña la fuerza de su mensaje, ofreciendo una experiencia auditiva que conecta de manera profunda.
 
Esta nueva entrega sigue los pasos de otros éxitos recientes de Jesse & Joy, como “Cuando Estamos Solas” y “Te Perdí” junto a Banda MS, reafirmando su capacidad única de fusionar géneros y emociones, creando temas que hablan de lo humano, lo sensible y lo resiliente. “Digas Lo Que Digas” es una invitación a la introspección y el empoderamiento.
 
Con una trayectoria de más de 18 años, Jesse & Joy continúan evolucionando sin perder la esencia que los ha consagrado como una de las voces más representativas de la música latina contemporánea. Este nuevo sencillo marca otro hito en su carrera, que los ha visto conquistar escenarios internacionales, ganar múltiples premios, y seguir conectando con el público a través de canciones que trascienden el tiempo y las modas.
 
“Digas Lo Que Digas” ya está disponible en todas las plataformas de música digital.

Piso 21 lanza su sexto trabajo discográfico 2.1

Piso 21 presenta 2.1, su sexta producción discográfica, el álbum más honesto y profundo de su extensa trayectoria. La producción está disponible a partir de hoy en todas las plataformas digitales.

2.1 es el resultado de un exquisito proceso de producción a cargo de ICON, un talentoso colectivo creado por los reconocidos productores Jowan y Rolo. Este álbum combina un minucioso trabajo sonoro con un estilizado concepto visual que lo define de principio a fin.

El disco llega después de los estrenos de “La misión” con Wisin y “Fichaje del año” con Ozuna. Con este proyecto Los Muchachos nos darán razones de más para volver a dedicar canciones, confirmando esto a la perfección con el sencillo promocional titulado “Antes”.

“Antes” es un reguetón romántico con el distintivo sello sonoro de Piso 21. La canción habla de los amores prohibidos y a destiempo, así como el deseo de saber qué hubiera pasado si lo nuestro hubiera sido antes, sería tu novio y no tu amante.

A lo largo de los años, los temas de Piso 21 han desarrollado una identidad propia y son los protagonistas de todo el éxito de la agrupación. En 2.1 Los Muchachos dan continuidad a esta línea, su principal objetivo es dejar que la música acapare los reflectores y que cada tema se convierta en una inmensa carta de amor para sus fans y para la música.

«Ya No Sé»: Rey Ruffo nos trae nuevo single mientras nos prepara para la llegada de su EP

Rey Ruffo acaba de estrenar su nuevo single titulado «Ya No Sé», el cuarto adelanto de su EP debut que será lanzado en noviembre de 2024. La canción fusiona elementos de rock, indie-rock, y rock alternativo, y explora los sentimientos de vacío y búsqueda constante que muchas veces inundan al ser humano.

«Ya No Sé habla de esa sensación de incompletitud que experimentamos aunque lo tengamos todo. Es esa necesidad de buscar siempre algo más, aunque a veces ni siquiera sabemos qué es« comenta la banda sobre el significado del single.

El tema surgió de una improvisación en piano, inspirada en los primeros acordes de «Imagine» de John Lennon. Richi Bustos, bajista de la banda, mostró la idea a sus compañeros durante un ensayo, y poco a poco fueron construyendo la canción en conjunto. La producción y mezcla estuvo a cargo de Richi en LosAlmendrosRecords, mientras que el mastering fue realizado por Chalo González.

El EP debut de la banda, influenciado por artistas como The Smiths, Muse, The Killers, y Los Bunkers, será lanzado este noviembre. Además, Rey Ruffo prepara un show especial para el viernes 29 de noviembre en Club Segundo Piso, Valparaíso, en el marco de L.A. Fiesta, donde compartirán escenario con bandas locales como Ruta 68, Jack Matazz, y Joy, cerrando con una fiesta a cargo de Sergi Arola y Javiera Albornoz en los Dj Sets.

Siente el «Temblorsh» con Máximo Solar

La banda Máximo Solar nos ha tenido disfrutando su nuevo single titulado «Temblorsh», una propuesta que trasciende los géneros tradicionales y ha sido descrita por su audiencia como Punk Hop Postmoderno Sintético. 

«Temblorsh» explora la convivencia diaria de los chilenos con los sismos, utilizando un personaje que exagera la normalidad con la que se enfrentan estos fenómenos. «Queríamos reflejar esa calma ante el peligro y cuestionar lo poco que conocemos sobre algo que forma parte de nuestra vida cotidiana,» comenta la banda.

El proceso creativo del single tomó aproximadamente cuatro meses, iniciando con la creación de más de 20 pistas instrumentales y finalizando con la grabación de las voces, guitarras y mezcla en su home-studio en Viña del Mar. La masterización fue realizada por el productor Fernando Cubillos en Santiago.

Patricio Anabalon presenta «Lámpara de Aceite»

Patricio Anabalón ha lanzado su nuevo single titulado «Lámpara de aceite«, una pieza musical que rinde un profundo tributo al legendario Leonard Cohen, quien habría celebrado su 90º aniversario en septiembre de este año. Con una lírica evocadora y críptica que recuerda el estilo inconfundible de Cohen, Anabalón explora las profundidades de la oscuridad y la introspección en este nuevo trabajo.

La canción presenta una narrativa envolvente y una atmósfera misteriosa, combinando elementos líricos que desafían y fascinan. El uso de metáforas oscuras y simbolismo en la canción refleja el compromiso de Anabalón con el arte y el legado del maestro canadiense. «Leonard Cohen ha sido una influencia fundamental en mi música y en mi forma de ver el mundo,» comenta Anabalón. «Con ‘Lámpara de aceite’, he querido capturar algo de la esencia de su poesía, esa mezcla de belleza y desolación”.

La canción destaca por su composición introspectiva y su estilo musical evocador, que recuerda a las melodías sombrías y líricas enigmáticas de Cohen. «Lámpara de aceite» promete resonar profundamente con los admiradores de Cohen y atraer a nuevos oyentes que buscan una experiencia musical profunda y reflexiva.

El single está disponible en todas las plataformas digitales a partir del viernes 20 de septiembre y corresponde a la cuarta canción del disco “La noche que nunca llega” que Anabalón está presentando este año 2024

La banda Bat Habits presenta su nuevo EP ‘Night Time’

Después de ocho sencillos publicados, la banda de rock alternativo Bat Habits presenta su nuevo EP ‘Night Time’.

La producción discográfica está compuesta por cuatro canciones que muestran una travesía emocional por las distintas etapas de una relación. Con atmósferas envolventes, una cálida producción y melodías memorables, ‘Night Time’ busca establecer una profunda conexión con sus oyentes.

El sencillo promocional ‘Purple Jelly’ marcó el inicio de un viaje de enamoramiento que se desarrolla con el lanzamiento completo del EP. Además, el trabajo discográfico incluye una nueva versión de ‘Stealing’, una de las canciones más queridas de sus seguidores.

Las composiciones, que son obra de Simón Cardona (vocalista) y Julián Alzate (guitarrista), fueron grabadas de por Bat Habits junto al productor Jack Gómez (Jack Salaa), quien también realizó la mezcla y masterización.

Como parte de la promoción del EP la banda lanza el videoclip de la canción ’24’, que habla de cómo se siente atravesar una ruptura y la importancia de estar rodeados de amigos para sobrellevarlo de mejor manera. El audiovisual fue rodado en Bogotá bajo la dirección de Camilo Siple y cuenta con diseño visual de Jimy Acosta.

«Altamar»: Lo nuevo de Camilo Valdés

El músico maulino Camilo Valdés presenta su nueva canción «Altamar», single neo psychedelic / pop que invita a la introspección y la conexión con la naturaleza. Con una producción a cargo de Paulo Ugarte, este tema captura la inmensidad del mar y los paisajes de la costa maulina, creando una atmósfera etérea y envolvente.

«Altamar es un homenaje a la costa maulina y sus paisajes. Quise reflejar la paz y la conexión espiritual que inspira este lugar,» menciona Valdés sobre la inspiración detrás del single, que combina guitarras limpias, sintetizadores y arreglos minimalistas que evocan el ritmo constante del océano.

La creación del tema tomó tres meses y fue un trabajo colaborativo entre Valdés, quien grabó en su estudio en Linares, y Ugarte, quien aportó con arreglos y producción desde Colbún, ambos ubicados en la Región del Maule. Las influencias musicales de «Altamar» remiten a las bandas psicodélicas de los años 60, con efectos etéreos y una clara inspiración en el paisaje costero

La artista mexicana Silvana Estrada llega a Bogotá para ofrecer tres conciertos

Su gira internacional de verano / otoño incluye conciertos en Colombia (Medellín y Bogotá), Ecuador, Perú y Canadá.

La cantautora mexicana Silvana Estrada regresa a Colombia en el marco de su Gira internacional Verano/Otoño 2024.

Luego de un exitoso show en Medellín en el mes de agosto, la artista se presentará durante tres noches consecutivas en Bogotá este 21, 22 y 23 de octubre en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

Con dos fechas ‘Sold Out’ y la tercera a punto de agotarse, Silvana Estrada continúa en la capital de nuestro país su exitosa gira que la ha llevado a Ecuador, Perú, Canadá y México.

Compra entradas para Bogotá en la página web de Tu Boleta https://acortar.link/Lawkm1

En territorio canadiense la cantautora hizo tres importantes shows, como parte del influyente POP Montreal Festival: un recital individual y luego dos días en un homenaje especial a Lhasa de Sela (una de sus grandes referencias), junto a colegas como Feist, Calexico y Juana Molina.

Además de su paso por Bogotá, Silvana Estrada dedicará octubre y noviembre a México, con presencia en tres importantes festivales: Pulso GNP de Querétaro, el Cervantino de Guanajuato y la primera edición del Spotify Mexcla en Ciudad de México, donde presentará su espectáculo ‘Ofrenda’, su particular altar musical de Día de Muertos.

GIRA VERANO / OTOÑO 2024:

Ago. 24 – Medellín (CO) – Teatro Pablo Tobón Uribe (Sold Out)

Sep. 4 – Quito (ECU) – Teatro Nacional Sucre (Sold Out)

Sep. 5 – Quito (ECU) – Teatro Nacional Sucre

Sep. 7 – Lima (PER) – La Cúpula de las Artes

Sep. 27 – Montreal (QC) – Sala Rossa [POP Montréal Festival]

Sep. 29 y 30 – Montreal (QC) – La Route Chante: Hommage à Lhasa – Théâtre Rialto [POP Montréal Festival]

Oct. 12 – Querétaro (MEX) – Festival Pulso – Autódromo de Querétaro

Oct. 15 – Guanajuato (MEX) – 52 Festival Internacional Cervantino – Teatro Juárez (Sold Out)

Oct. 21 (antes Agosto 27) – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Sold Out)

Oct. 22 (antes Agosto 28) – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Sold Out)

Oct. 23 – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Últimas boletas)

Nov. 3 – CDMX (MEX) – Spotify Mexcla [Ofrenda] – Parque Bicentenario

En mayo de 2024 Silvana Estrada fue portada de la revista Rolling Stone en Español en la que el respetado medio musical la destaca como ‘una artista del pasado, del presente y del futuro’ (Leer entrevista).

La multiinstrumentista, cantante y compositora recibió este año su primera nominación al Grammy en la categoría ‘Mejor Interpretación Musical Global’ por el tema “Milagro y Desastre”.

Silvana Estrada también ha sido nominada en múltiples oportunidades al Grammy Latino, premio que recibió en el año 2022.

En video, John Arango estrena ‘Rojo Carmesí’, una reflexión íntima sobre el amor incondicional

‘Rojo Carmesí’ combina rock y poesía, brindando una experiencia sonora profundamente emotiva que aborda el VIH de manera significativa.

John Arango es artista colombiano fascinado por la poesía, la música y el arte audiovisual. Desde muy joven, se sintió atraído por las secciones habladas y recitadas en la música de Willie Colón lo que lo llevó a narrar sus historias a través de poemas acompañados por pistas musicales que complementaban su voz. Su innovador formato captó la atención del público y lo impulsó a seguir explorando y desarrollando su estilo único.

John Arango, en colaboración con Volta Estudio y el productor Lelo Arango, ha logrado transformar la poesía en música. Con su nuevo álbum, la intención es seguir compartiendo sus realidades, visiones y pensamientos de la vida y del mundo. En sus canciones, el artista aborda temas que le duele, alegra e inquieta, generando por emociones que provienen de su corazón.

‘Rojo Carmesí’ es el nuevo sencillo de John Arango, una canción que aborda el tema de las parejas serodiscordantes, es decir, aquellas en las que una persona cuenta con diagnóstico VIH positivo y el otro es VIH negativo. El tema explora la dualidad del amor, el sexo y el VIH. La canción suena sexy, oscura y, al mismo tiempo, esperanzadora.

La letra de ‘Rojo Carmesí’ofrece una narrativa personal y cruda desde la perspectiva de la persona VIH negativa al inicio de una relación. La frase del coro, «somos lo que tu sangre busca combatir… «, refleja la necesidad de comprensión y empatía en una relación serodiscordante. Aunque uno de los dos deberá tomar medicamentos, el acto de hacerlo es un gesto de amor compartido.

«La canción aborda una realidad muy cercana, incluso aunque no viva con VIH personalmente. He convivido con este entorno durante mi vida, desde la muerte de mi padre a causa del SIDA, hasta haber tenido parejas serodiscordante y acompañar a muchos amigos en sus procesos. ‘Rojo Carmesí’ es una reflexión íntima sobre el amor y el apoyo en contextos de salud complejos», cuenta.

El tema explora sonoridades rock de principio a fin. La guitarra juega un papel central, aportando un sonido oscuro y seductor. Cuando se combina con la voz de John Arango narradora, crea una atmósfera especial. La música, orgánica y cuidadosamente compuesta, fue interpretada por Lelo Arango y los coros estuvieron a cargo de los artistas de Medellín Sergio Mejía ‘Alem’ y Cristian López.

El video se rodó en Medellín y presenta un tratamiento audiovisual inspirado en el manga/anime AKIRA de Katsuhiro Otomo. La dirección de fotografía y el color grading evocan la estética de una cinta de 16 milímetros, con una paleta de colores carmesí que intensifica la narrativa simbólica sobre el VIH. Los protagonistas son una pareja que enfrenta el diagnóstico del VIH, mostrando abiertamente su temor y ansiedad. Están rodeados por personajes teatrales que simbolizan demonios y el propio virus, reflejando el miedo asociado a la infección. En contraste, un grupo de jóvenes vestidos de rojo con la palabra ‘antirretroviral’ como estandarte, representa la medicina y el tratamiento del virus, destacando su papel como una esperanza y un recurso vital.

Para John Arango «el clip utiliza una metáfora fantástica y teatral, inspirada en cómo las enfermedades eran percibidas en la Edad Media. En esa época, la superstición solía relacionar las enfermedades con castigos divinos o con lo diabólico y maligno. Esta representación dramática ilustra el enfrentamiento entre el sistema inmunológico y el virus, encarnados en dos bandos opuestos con visiones y características diferentes. El video, cargado de simbolismo, demuestra que enfrentar el VIH no solo requiere medicinas, sino también «empatía y amor». Estos elementos son tan cruciales como el tratamiento médico para combatir el virus. Además, tanto la canción como el video buscan que las personas, tengan o no el diagnóstico, puedan verse reflejadas en la narrativa presentada. Mi objetivo es visibilizar el VIH y normalizar la conversación sobre el virus, promoviendo el respeto y superando el desconocimiento que a menudo lo rodea».

‘Rojo Carmesí’ es el primer sencillo del tercer disco de estudio de John Arango. El disco incluirá 10 nuevos tracks y el sonido será orgánico, combinando matices de rock en sus inicios con un enfoque más acústico hacia el final. Cada canción está estructurada con versos recitados que interactúan con el ritmo, y coros melódicos que integran las voces en una experiencia sonora cohesiva. El álbum explora el amor en diferentes formas, capturando la dicotomía entre lo empalagoso y lo crudo que se experimenta desde el exterior hacia el interior del cuerpo humano.

«‘Rojo Carmesí’ es ideal para las mañanas, cuando solemos tener más dudas sobre cómo enfrentar el día. Es un buen momento para reflexionar sobre nuestras luchas y recordar que la empatía y el amor pueden traer consigo aún más empatía y amor. En términos de momentos en la vida, la canción es particularmente significativa cuando escuchas a alguien hablar sobre el VIH desde una perspectiva negativa o desesperanzada. El VIH sigue siendo un tema que afecta a muchos, y otros todavía luchan por salir de la oscuridad. La canción ofrece un respiro, actuando como una píldora de «empatía» y una reflexión sobre el «amor» en tiempos de VIH», menciona John Arango.

Descubrir ‘Rojo Carmesí’ es importante porque ofrece una perspectiva nueva y poderosa sobre el VIH y el amor. En Colombia y Latinoamérica, donde el VIH a menudo está rodeado de estigmas y malentendidos, esta canción y su video sirven como una herramienta para abrir conversaciones y proporcionar alivio a quienes viven con el virus y a sus seres queridos.

«Actualmente, su enfoque es ‘Rojo Carmesí’. Estoy explorando diversas maneras de asegurar que el mensaje del proyecto no solo se difunda a través de redes sociales y plataformas digitales, sino que también llegue a un público amplio. Mi objetivo es que más personas puedan acceder a recursos profesionales y organizaciones que ofrecen de forma gratuita apoyo psicológico, gestión de medicamentos antirretrovirales, o información sobre el VIH, como Fundación Rasa o Vida Sero.

John Arango planea lanzar varios sencillos antes de publicar el disco en su totalidad, incluyendo una colaboración con Gary Cardona de ‘My Nipples’ y ‘Gary’. También tiene en mente producir videos que hagan justicia a las historias narradas en el álbum, ya que el tratamiento audiovisual será un aspecto destacado del proyecto. La fecha de lanzamiento está prevista para 2025.

«Mis expectativas son altas; es, sin duda, mi esfuerzo más ambicioso hasta la fecha. Como artista independiente, le tengo un cariño especial y estoy decidido a desafiar un sistema establecido, con la esperanza de que llegue a la mayor cantidad de personas posible. En un entorno cultural donde la música puede ser un catalizador para el cambio, este proyecto tiene el potencial de inspirar, educar y fomentar la empatía a nivel regional», concluye.

Escucha ‘Rojo Carmesí’ de John Arango en tu plataforma musical favorita

http://tunelink.to/RC

En video, Sonidosis presenta ‘Ansiedad’, una canción para hacer catarsis y desahogarse

El 2024 ha sido un gran año para la banda de rock fusión colombiana Sonidosis. Luego de enfocar el proceso de la banda en la producción y grabación, y de publicar el sencillo ‘Venceremos’ que logró una alta recepción en Colombia y Latinoamérica, el grupo bogotano regresa con ‘Ansiedad’, una canción más melancólica, pero con un enfoque social encaminado hacia la salud mental.

La ansiedad es una de las enfermedades más comunes del siglo XXI y cada vez es más recurrente que una buena parte de la población la padezca. Los integrantes de Sonidosis han experimentado la ansiedad en diferentes momentos de sus vidas y esto llevó a hacer una catarsis a través de la música.

En la canción, Sonidosis intenta plasmar los pensamientos y/o sensaciones que vive una persona en un ataque de ansiedad. Esto los ha ayudado tanto a tratar estos episodios complejos como a reflexionar sobre las propias preocupaciones que causan dichos episodios.

«En medio de la pandemia sufrimos varios cambios tanto personales como grupales que nos llevaron a entrar en episodios fuertes de ansiedad, luego de algunos años buscando formas de tratar este aspecto de nuestras vidas decidimos plasmar lo que pensábamos en una letra que nos sirvió como catarsis y esperamos que funcione de la misma manera para aquellos que la escuchen», comentan.

‘Ansiedad’ va dirigida tanto para personas que han tenido que atravesar ataques repentinos de ansiedad como para aquellos que viven con esta constantemente. Es una canción creada para que las personas puedan desahogarse a través del ritmo y la letra, así como para ayudar a concientizar a la sociedad de la importancia de la salud mental.

«La principal temática que tocamos en la canción es la de una persona que padece ansiedad y que expresa las diferentes emociones y sentimientos que atraviesa mientras está tratando dicha enfermedad. El sencillo va desde lo más tranquilo hasta lo más caótico haciendo alusión a los propios límites emocionales a los que nos lleva este padecimiento», agrega Sonidosis.

A nivel sonoro, ‘Ansiedad’ de Sonidosis está dividida en dos partes: la primera con un rock melancólico que va acompañando las disertaciones del cantante a lo largo de su episodio de ansiedad; para la segunda parte se hace uso de una fusión con música llanera que permite que el cantante haga un recitado encima de la base instrumental con una fuerza vocal mayor para dar a entender que se está llegando a un punto más complejo del padecimiento.

«Nuestro objetivo principal con este lanzamiento es llegar a aquellas personas que han sufrido o sufren constantemente de ansiedad, darles un mensaje desde la identificación que les permita darse cuenta de que es un sentimiento más común de lo que se desearía y que hay que ponerle atención antes que nos afecte a un mayor nivel», enfatizan los integrantes del grupo bogotano.

El video de ‘Ansiedad’ fue hecho con el apoyo de Tazmania Films y refleja lo que se puede llegar a sentir cuando se padece de ansiedad. Relata una noche en la vida de una mujer que está teniendo un episodio de ansiedad y siente unas voces que la persiguen y le hacen entrar en desesperación en medio de la oscuridad de la noche. A lo largo del video aparecen Big Leo y Jorginho cantando partes de la canción con unas telas que les cubren el rostro, personificando las propias voces de la cabeza.

Para Sonidosis, «la salud mental es un tema importante y debe ser tenido en cuenta tanto por el grueso de la sociedad como por las instituciones estatales. No se debe obviar la importancia de esta y debe haber una concientización que permita que cada vez haya menos personas que caigan en estos abismos mentales».

La portada de ‘Ansiedad’ se creó a partir del propio video y refleja lo caótico del padecimiento al tener dos imágenes superpuestas en las que Jorginho y Big Leo aparecen cantándole a la protagonista mientras ella intenta no pensar en esto.

‘Ansiedad’ es una canción perfecta para escuchar tanto para hacer una catarsis en los momentos en los que haya desesperación en la vida, así como para hacer una reflexión sobre la salud mental y sobre los diferentes aspectos que pueden llegar a jugar en contra en el día a día.

‘Ansiedad’ estará incluida en un disco futuro de Sonidosis que tendrá temáticas fuertes como la soledad y los problemas psicológicos y sociales. La banda planea lanzar un par de canciones más antes de finalizar el año y espera concretar una serie de conciertos para los próximos meses.

En video, UBanda, en ‘Mood querer’, le cantan a ‘Don José y Doña Nubia’

La banda colombiana de pop rock latino UBanda está de regreso con un nuevo espectáculo que verán sus seguidores en lo que resta de año y con nueva música para la audiencia de Colombia y Latinoamérica.

‘Don José y Doña Nubia’ es el nuevo sencillo de UBanda, una canción alegre que aborda una problemática común en la sociedad actualmente; encontrar el amor estable. Sergio Lizarazo, vocalista y autor de la lírica de la canción, mezcló la vivencia del amor de sus padres y el deseo de encontrar un amor así para darle vida a esta obra.

«Es una canción alegre para hacer pum up en el día. Va dirigida a todos los que no entendemos mucho sobre el amor y aún con sus matices lo queremos y enaltecemos en nuestra vida; es una historia muy común en la cotidianidad con la admiración a personas que sin importar el paso del tiempo se siguen amando, queriendo y respetando como desde el primer día», cuenta Sergio.

‘Don José y Doña Nubia’ aborda temáticas como el cambio generacional del amor, su duración, y el deseo de algo real de muchas personas. A nivel sonoro, UBanda explora una faceta más alternativa, teniendo el ska como base, sin perder el sonido pop rock latino que caracteriza al grupo colombiano fundado en Duitama, Boyacá.

«Esperamos cautivar a los amantes de las canciones de amor sinceras y llenas de sentimiento. Este sencillo es una invitación a buscar y a encontrar ese amor bonito no solo en pareja; si no en todo en nuestra vida», agrega Lizarazo.

El lyric video de ‘Don José y Doña Nubia’ tiene un estilo moderno contando el gran amor que hay entre los protagonistas.

Sobre la portada del sencillo, UBanda cuenta que «Nuestra diseñadora mezcla parte de la base del logo del grupo con la rosa y el lobo haciéndolos pareja. Es una representación del animal del poder y la fuerza, con la flor del amor contemplándose. Todos los lobos queremos una rosa en nuestra vida y viceversa».

«Para este lanzamiento nos pusimos el reto de juntar mil voces cantando el coro de nuestra canción, queremos usar el poder de las redes sociales para seducir a las personas a apoyarnos. La idea es contagiar el querer de don José y doña Nubia, partiendo del concepto de que «la unión hace la fuerza» y sabemos que nuestra audiencia es hermosa y nos apoya, por eso los quisimos hacer partícipes de nuestro nuevo sencillo porque al final también son parte de este proyecto», concluye.

UBanda participará en varios festivales a nivel nacional que irán informando a través de sus redes sociales. De igual manera, el grupo conformado por Andrés Barrero, guitarrista y productor; Gabriela Barrero, vocalista; Edwar Quintero, bajista; Brian Prieto, baterista; y Sergio Lizarazo, vocalista y compositor; tiene programado lanzar tres nuevas canciones en lo que resta del año.

[Disco] MaYita estrena su álbum ‘MAYA’ ¡Escúchalo!

MaYita es una artista, mujer medicina y guardiana espiritual. Su música está inspirada por la naturaleza, la cosmología, y por el legado de poderosas líderes, quienes con su sabiduría, valor y dedicación moldearon sus culturas y civilizaciones. Maya Martínez honra ese espíritu femenino abrazando su rol como guardiana de la paz y del amor. Su proyecto sonoro nace de un profundo deseo de conectar comunidades y linajes diversos, revitalizando y continuando nuestra herencia compartida, a través de un rezo.  Bajo la visión de Maya Martínez Gómez, artista colombo americana residente en Nueva York, el proyecto MaYita Music busca utilizar la música como energía sanadora, creando puentes entre culturas, generaciones y lugares geográficos.

«La música es un lenguaje universal que conecta a las personas más allá de las fronteras y los tiempos. Mi propuesta musical busca fomentar la paz, cultivar el amor y honrar la sabiduría ancestral, integrándola con la innovación del presente para crear un futuro armonioso para toda la humanidad y los seres vivos del planeta. Mis canciones son un llamado a los Guardianes y Guardianas de la tierra; vivimos en un momento donde necesitamos cuidar nuestro entorno, por eso mi música invita a la misión de sanarnos a nosotros mismos y, de paso, aportar para sanar a la humanidad compartida. Creo que mis canciones tienen el poder de llevarnos de vuelta a nuestras raíces, recordando nuestra historia, reconectándonos con el legado de nuestras tierras ancestrales y sus memorias ocultas. Mi música es un llamado a creer en el poder del amor, la paz y la unidad, guiados por la sabiduría del pasado y la creatividad del presente», comenta MaYita cuyas influencias explora la fusión de la música ancestral, los sonidos ceremoniales y géneros modernos que van desde lo electro-acústico hasta la electrónica new age en artistas que integran lo místico y lo tradicional, así como la sabiduría ancestral de culturas indígenas que celebran la vida y la naturaleza.

‘MAYA’ es el nuevo disco de MaYita, es un homenaje a los guardianes del universo donde se exploran temas como la unidad entre generaciones, la conexión con la naturaleza y la sana-acción espiritual. Las canciones del álbum cuentan historias de transformación personal, de la creencia en los sueños y de la búsqueda del equilibrio del ser humano, entre lo ancestral y lo contemporáneo. Aborda temáticas como la multidimensionalidad y el poder de recordar nuestro propósito sagrado, además de reflexionar sobre el poder y uso de las plantas y herramientas medicinales.

El primer disco solista de MaYita es una exploración y un viaje sonoro que integra instrumentos ceremoniales como tambores, sonajas, marimbas, y wairas, junto a elementos contemporáneos como guitarras, sintetizadores, marimbas de cristal, hang drums y más. A lo largo del álbum, se perciben sonidos tanto electrónicos como acústicos, orgánicos y místicos, creando una atmósfera de meditación y reflexión que busca llevarnos a nuevos estados de consciencia y autoconocimiento.

«Con este lanzamiento me propongo inspirar a las personas a recordar su conexión consigo mismos, con la Tierra y con sus ancestros, y a unirse en la misión de unificar el mundo para construir una nueva humanidad sobre la tierra. Creo que la música es el canal ideal y más poderoso para activar esa memoria, y el mensaje que trae «Maya» es de unidad, transformación y renovación con nosotros mismos y con todo lo que nos rodea», enfatiza la artista colombo americana.

MaYita presenta a lo largo del disco ‘MAYA’ historias sagradas y evocadoras en ‘Recuerda’, le canta al profundo vuelo al corazón del fuego en ‘Colibrí’, encontramos sonidos oníricos y ancestrales, celebrando el Abuelo Tabaco en ‘Tabakito’, muestra el todo en el espejo de la eternidad a través de las medicinas ancestrales en ‘IAMAYAM’, hace un rezo al agua de forma cálida y reconfortante en ‘En mi corazón’, hace un llamado a retornar al corazón y a casa en ‘Call Me Home’, le canta a Holyhood, a la comunidad y al amor universal en ‘Somos’,una invocación a los dioses y diosas en ‘Canten Dios+s’ y cierra con una canción expansiva, reflexiva y liberadora de ilusión en ‘Truth’.

El disco viene acompañado del sencillo ‘IAMAYAM’, una canción que celebra el poder de la unidad entre generaciones y el ser multidimensional. Los sonidos incluyen capas ceremoniales y cantos sagrados, que evocan una conexión profunda con el cosmos y la Tierra. La letra invita a recordar y agradecer que somos uno con el universo. El concepto visual del clip muestra esta conexión del todo, a través de códigos, simbolismos, ilustraciones, plumas, animales y elementos ceremoniales, simbolizando la unión del todo y de lo espiritual con lo terrenal.

Este sueño mío -y de muchos- de ser guardianes de la tierra encuentra en ‘IAMAYAM’ su realización musical: soñamos con generar un impacto cultural, un movimiento para que, a través de las medicinas, la naturaleza y los conocimientos ancestrales, podamos desarrollar la misión de co-crear las nuevas naciones de la tierra. Nuestra misión es fomentar el renacimiento de nuevas naciones a través del poder transformador de la música, el liderazgo y la preservación cultural», asegura.

‘MAYA’ es ideal para recordar y ritualizar nuestra vida diaria, para escuchar en momentos de meditación, reflexión y ceremonias de baile y relajación. Es perfecto para transitar procesos personales y/o para reconectarse con uno mismo, la naturaleza y con lo sagrado en la vida. Está diseñado para escucharse de principio a fin, llevándonos en un viaje sonoro por las capas del alma. MaYita siempre ha creído en la música y su poder mágico, transformador, y su álbum es un sueño capaz de crear una nueva visión, un sueño capaz de sembrar semillas de cambio en quien lo escuche.

«Busco que mi disco logre tocar los corazones de quienes lo escuchen, invitándolos a reflexionar, recordar y despertar. Espero que este trabajo creado desde el corazón pueda servir como un vehículo para la transformación personal y colectiva. ‘MAYA’ es sueño hecho realidad y a la vez un sueño que sigue auto descubriéndose, observándose, interrogándose a sí mismo frente a un espejo. El álbum reúne todo lo que anhelamos tener en el mundo: paz, armonía y sabiduría para saber llevar nuestras propias vidas en equilibrio. Nos enseña el respeto de escuchar y ser escuchados y crea el espacio para una cultura de la celebración de la vida y el amor donde haya espacio para todos.», cuenta.

En lo que resta del 2024, Mayita seguirá lanzando música que expanda su mensaje de sanación y unidad, así como llevar mi música a nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica.

«Creo que mi música puede ayudar a muchas personas a reconectarse con su esencia y con la sabiduría ancestral de nuestros pueblos originarios. En medio del momento tan complejo que vive la humanidad quiero que mi música lleve su mensaje de profundo amor y sabiduría a los distintos territorios. Estoy segura que muchas de mis canciones pueden llegar a transformar vidas y generar un despertar espiritual en quienes sientan este llamado», concluye MaYita.

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