El grupo jiennense El Niño Erizo anuncia el lanzamiento de su esperado nuevo álbum, “Único Objetivo”, un trabajo compuesto por siete canciones que reflejan una clara evolución en su sonido sin perder la intensidad y la profundidad lírica que siempre los ha caracterizado.
El disco verá la luz el 23 de octubre de 2025, bajo el sello FEP Producciones, y estará disponible en todas las plataformas digitales.
Tras el éxito de su anterior trabajo “ENE”, la banda ha vuelto a confiar la producción en Pachi García Alis (Alis Records). Esta segunda colaboración consolida una conexión creativa que se plasma en la riqueza sonora y la madurez musical del nuevo álbum.
La banda continua imparable presentando sus canciones en directo, recientemente han actuado en festivales de la talla de Oleosonica en Jaen junto a bandas como Lori Myeres o La La Love You o uno de los festivales co mas trayectria y prestigiopn de Andalucia como el SIerra Fest
Un cierre de ciclo:
cinco adelantos y dos nuevas canciones
A lo largo de los dos últimos años, El Niño Erizo ha ido desgranando parte de este nuevo proyecto con la publicación de cinco singles que han servido como adelanto de lo que hoy se presenta como un trabajo completo.
Ahora, con el lanzamiento de “Único Objetivo”, la banda reúne esas cinco canciones ya conocidas e incorpora dos temas completamente nuevos: “Acróbata” y “Equilibrio”.
Estas nuevas composiciones aportan frescura y una energía renovada, completando un disco que cierra una etapa y abre otra con más fuerza que nunca.
Exploración sonora y fidelidad a la esencia
En “Único Objetivo”, los erizos se adentran en territorios más eléctricos y orgánicos. Temas como “Equilibrio”, “La Ventana”, “Frases Inconexas” y “Dices que te vas” exhiben una energía rockera que convive con su habitual sensibilidad melódica y profundidad lírica.
Los seguidores de su vertiente más clásica encontrarán ese pulso característico en “Acróbata” y “Canción de rabia”, mientras que la gran sorpresa llega con “Cansada”, donde la banda experimenta con texturas cercanas al disco y al pop alternativo, demostrando su versatilidad y ambición creativa.
Una nueva etapa para los jiennenses
“Único Objetivo” promete convertirse en un punto de inflexión en la trayectoria de El Niño Erizo, reafirmando su lugar dentro del panorama indie-rock nacional. El disco es una colección de emociones, contrastes y melodías que conectan con la esencia del grupo y con el momento presente de la banda: madura, inspirada y en plena expansión.
DICE regresa con “Nena”, el tema que cierra la trilogía iniciada con Prototipo y Mañitas, consolidándolo como una de las voces más prometedoras del género urbano. En esta nueva canción, el artista vuelve a dejarse guiar por el amor, combinando sentimiento y ritmo en una propuesta irresistible.
Con “Nena”, DICE invita a sumergirse en una narrativa íntima sobre la vulnerabilidad, el deseo y la autenticidad emocional. La letra revela esos momentos de incertidumbre que todos hemos vivido, cuando el corazón anhela y al mismo tiempo teme.
Con una producción cuidada que mantiene el estilo característico del cantante, “Nena” encuentra el equilibrio perfecto entre lo moderno y lo sincero. Los arreglos y la instrumentación resaltan cada matiz de la interpretación, bajo la dirección del reconocido productor Gangsta, quien anteriormente ha trabajado con artistas de la talla de Kapo, Maluma y Fariana, aportó su sello distintivo al fusionar ritmos caribeños, afrobeat y sonidos urbanos.
DICE continúa consolidando su lugar en la escena urbana al alcanzar la posición número 1 con su segundo sencillo ‘Prototipo’ en el chart Hot Song de Monitor Latino, uno de los rankings más influyentes de la industria musical en América Latina. Desde el lanzamiento y posterior éxito de su primer sencillo “Mañitas” el artista reafirma su crecimiento dentro de la industria.
A través de cuatro canciones, la banda hace un repaso por su historia en un formato audiovisual que destaca la solidez musical de sus integrantes.
Casanova es una banda chilena integrada por Julián Peña, Rodrigo Otero, Felipe Quiroz y José Luis Saavedra. A inicios del presente siglo debutaron con su primer disco homónimo, cargado de hits emblemáticos como «Un año más» y «Qué va a pasar», piezas de pop rock que se expandieron a un público masivo hasta convertirse en verdaderos himnos del rock chileno contemporáneo. Tras un receso, el grupo ha regresado con nueva música y otras sorpresas, entre ellas una íntima sesión audiovisual recién estrenada en YouTube y plataformas digitales.
«Sesión Estudio del Sur», se titula esta pieza visual y sonora donde vemos a Casanova interpretando 4 canciones extraídas de gran parte de su discografía. El registro inicia con «Tengo», del disco «Animales» (2018), luego es el turno de «Soñar es Peligroso», último single de la banda lanzado hace algunas semanas. La sesión continúa con una emotiva versión de «Muy lejos de aquí» del álbum «El amor es una trampa mortal». El cuarto y último track de este EP en vivo es «Una Noche Inolvidable», también de «Animales».
La sesión, producida por Caco Lyon y dirigida por Pablo Mantilla de Zapatilla Films, ya está disponible en YouTube y también en plataformas digitales como Spotify, Deezer y Tidal en formato audio. Este lanzamiento funciona como una antesala de lo que será su próximo gran concierto agendado para el 27 de diciembre en Sala Master, evento en el cual Casanova interpretará íntegramente su disco homónimo, además de los clásicos de siempre, y por supuesto material nuevo. Las entradas están a la venta a través de Portaldisc.
Ripped Panties lanza “La Fiesta”, single promocional que marca el cierre de su nuevo EP de rock. Este trabajo conceptual relata el viaje de una chica superficial y materialista a través del “infierno”, una metáfora del sistema de consumo y endeudamiento financiero que domina la vida moderna.
Con cuerdas intensas y compases firmes, “La Fiesta” da un final implacable a la historia, mostrando el destino final de su protagonista en el mundo del consumo desmedido.
“El EP se inspira en lo que vive día a día nuestra gente cercana y toda la sociedad”, comenta la banda, destacando el carácter crítico y reflexivo del proyecto.
El proceso de creación y producción tomó un par de semanas y fue realizado en Estudio FaqRecord, bajo la dirección de Franco Quezada. En palabras del grupo, “en este álbum logramos plasmar nuestro sonido luego de pulir muchas cosas a nivel individual y como banda”, consolidando así una identidad sonora más sólida y coherente dentro de la escena rock nacional.
Bosque de Hualles presentó de manera audiovisual su primer larga duración «Remembranzas«, acompañado de los sencillos adelantos de su próximo trabajo (‘Niebla‘ y ‘Lluvia‘) disponibles al cierre de la nota. El disco, lanzado el 30 de septiembre de 2024, consolida la visión artística de un proyecto que emerge desde el sur de Chile con una propuesta única dentro del dark y neo folk nacional. El registro de su show debut, realizado el 14 de diciembre en The Farm Studio (Buin), marca la primera vez que la agrupación interpreta en vivo la totalidad de su catálogo. La producción visual estuvo a cargo de Luis Villegas y la productora El Jardín del Pulpo, quienes liberaron los videos progresivamente desde mayo de este año.
Formado entre los bosques de Panguipulli bajo el eclipse solar de 2020, el grupo está integrado por Javier Cerda, Nelson Vicencio, Juan Acevedo y Mario Urra (Weight of Emptiness), junto al músico rumano Andrei Oltean (Clouds, E-an-na). Su sonido fusiona elementos andinos y celtas en un viaje introspectivo donde la melancolía y la conexión con la naturaleza se entrelazan. Según Acevedo, la intención inicial era lanzar la música sin presentarla en vivo, “pero con el paso del tiempo nos dimos cuenta de que era tan linda que valía la pena mostrarla en directo”:
“Hace unos años atrás, Javier Cerda(voz) junto a otros músicos, estuvieron en el patio de mi casa haciendo un tributo al disco «Kveldssanger» de Ulver (1996), y salió tan espectacular, con la noche y las luces, que quise repetir la experiencia […] El álbum de Bosque de Hualles y la presentación en vivo, están especialmente dedicados a mis papás.”
«Remembranzas» fue grabado entre Chile y Rumania durante 2023 en The Farm Studio (guitarras, bajo, voces, percusiones) y flautas en Tel’aran’rhiod Studio (Cluj-Napoca). La mezcla y masterización estuvieron a cargo de Richard Iturra en Ripo Estudio (Arica), mientras que el arte gráfico fue desarrollado por Eduardo Poblete Ocampo desde España. El debut fue antecedido por los singles ‘Crepuscular‘ y ‘Madre Nutricia‘, este último acompañado por un videoclip filmado en la Patagonia chilena bajo la dirección de Lucho Villegas, reforzando el vínculo del grupo con los paisajes naturales del país.
Actualmente, Bosque de Hualles se encuentra preparando su segundo álbum de estudio, que incluirá la participación del propio Oltean en los vientos y promete una sonoridad más variada y emocional. La nueva producción está proyectada para el primer semestre de 2026 y será precedida por una serie de presentaciones en vivo y el estreno de un videoclip. Con «Remembranzas«, la banda se perfila como una de las propuestas chilenas más prometedoras dentro del folk contemporáneo, capaz de conectar la raíz del sur del mundo con la sensibilidad universal de la música.
El quinteto chileno de metalcorePlegaria vuelve con su nuevo single “Integridad”, una pieza que fusiona intensidad y reflexión espiritual en partes iguales.
Tras su última presentación en vivo el 14 de mayo de 2024, cuando abrieron el show de Bless the Fall, la banda marca su regreso con una propuesta que reafirma su identidad y propósito.
El mensaje detrás de “Integridad” apunta a la fuerza que otorgan las convicciones profundas frente a la adversidad. La canción nos invita a resistir cuando todo parece ir en contra, recordando que las verdaderas batallas se libran primero en la mente. “La verdadera valentía no consiste en no tener miedo, sino en pelear a pesar de él, confiando en quien da la victoria y es el autor y consumador de nuestra fe”, reflexiona la banda.
El sonido del tema se apoya en una base sólida de riffs precisos y una atmósfera cargada de emoción, donde el metalcore se funde con arreglos melódicos y pasajes introspectivos. Claudio Canessa (voz), Kano Sánchez (guitarra y voz), Rodrigo Badilla (guitarra), Jonathan Pinto (bajo) y Rodrigo Leiva (batería) dan vida a una interpretación intensa que refleja el compromiso del grupo con su mensaje.
El sencillo fue compuesto por Alejandro “Kano” Sánchez, con la colaboración de Benjamin Aranda y Jonathan Pinto en sintetizadores. La grabación, edición, mezcla y masterización estuvo a cargo de Erick Martínez en Orange Studio, consolidando un sonido potente y profesional que mantiene la esencia cruda del metalcore moderno. El arte de portada fue diseñado por Jonathan Pinto, y complementa visualmente el concepto de la canción.
Con este estreno, Plegaria reafirma su lugar dentro de la escena nacional como una banda que no solo busca conmover con su música, sino también inspirar a mantener la fe y la convicción frente a los desafíos. “Integridad” ya está disponible en plataformas digitales, abriendo un nuevo ciclo de energía, propósito y autenticidad para el quinteto.
Entre el rumor de las olas, el eco de un reloj detenido y el tintinear de una moneda maldita, surge un tríptico musical que hunde sus raíces en la tradición de la balada, pero la transforma en un oscuro espejo del alma humana. “The Lighthouse Keeper’s Widow”, “The Nameless Hour” y “The Merchant’s Last Coin” son tres relatos en forma de canción que desafían la noción clásica de redención, revelando un mundo donde cada salvación tiene un precio, y cada vida, una deuda que debe ser pagada.
La viuda del farero: un faro que devora almas En “The Lighthouse Keeper’s Widow”, la luz del faro no guía hacia la seguridad, sino hacia un pacto sombrío. Cada barco que se salva del naufragio lo hace a costa de una vida: una víctima elegida por el propio guardián. La voz narradora, una viuda condenada a heredar la maldición tras la muerte de su esposo —el primer sacrificio del faro—, canta desde la resignación y la culpa. Esta balada marítima se convierte en una metáfora de la pérdida, el sacrificio y la perpetuidad del deber, donde la luz es tanto salvación como condena.
La hora sin nombre: el tiempo de los moribundos En “The Nameless Hour”, la oscuridad se traslada al reino de los sueños. El protagonista es un ser maldito que sobrevive robando los últimos sueños de los moribundos, visitando sus almas a las 3:33 de la madrugada —esa hora que no pertenece ni al día ni a la noche—. Cada sueño robado prolonga su existencia, pero también lo encierra en una eternidad vacía, tejida con deseos ajenos. Es una balada que habla del miedo a morir, pero también del horror de no poder hacerlo nunca.
La última moneda: la codicia como olvido Por su parte, “The Merchant’s Last Coin” ofrece una lección moral en clave gótica: la historia de un comerciante que intercambia sus recuerdos más preciados con el demonio Mammon a cambio de riqueza. Primero entrega la melodía de su madre, luego el recuerdo de su primer amor, después el sabor de la lluvia veraniega y, finalmente, su propio nombre. Cuando alcanza la fortuna prometida, ya no queda nadie dentro para disfrutarla. Es una advertencia lírica sobre la deshumanización que provoca la avaricia, donde la ganancia material se paga con la pérdida de la identidad.
Juntas, estas tres composiciones forman un viaje oscuro por los bordes del mito, el alma y el deseo. Con una narrativa que mezcla lo poético y lo macabro, estas baladas recuerdan que incluso en la belleza de una melodía puede esconderse un pacto, y que algunas luces —como las del faro— solo brillan porque consumen lo que aman.
“The Pen” es una de esas canciones que te atrapan desde la primera nota y no te sueltan hasta llevarte por un viaje apasionante e inevitable. Este tercer sencillo de la colaboración entre NEC NYMBL y MEMPHIS REIGNS es una pieza que profundiza en el alma del oyente con letras avanzadas, ejecutadas con una autenticidad que solo nace del corazón.
En este poderoso tema, cuatro MC’s empuñan “la pluma” —esa herramienta simbólica que se eleva por encima de la espada— sobre un beat contundente donde flauta, cuerdas, guitarra y piano se entrelazan con precisión quirúrgica, bajo la producción y mezcla de NEC NYMBL, quien logra un sonido melódico, crudo y perfectamente equilibrado.
Cada MC representa un elemento: Memph encarna el agua y el mar, Nec domina el aire y el cielo, Sankofa incendia con el fuego, y Broken Sword arraiga con la tierra. En este orden, construyen un paisaje sonoro cargado de metáforas, imágenes vívidas y referencias mitológicas que refuerzan el poder poético del hip-hop en su forma más pura.
El estribillo, enérgico y envolvente, repite una frase que define la esencia del tema: “the pen is mightier than the sword” —la pluma es más poderosa que la espada—, recordándonos que el arte de escribir sigue siendo un acto de resistencia y creación.
“The Pen” no solo es una muestra de liricismo de élite y producción impecable, sino también una experiencia sensorial donde se percibe la calidez y el carácter analógico del sonido. La meticulosa ingeniería de mezcla y masterización refleja los años de experiencia de Nec Nymbl como productor, artista y operador de estudio, logrando un resultado que fusiona técnica, emoción y profundidad espiritual.
En definitiva, “The Pen” es la crème de la crème del hip-hop underground: una oda al poder de la palabra, al arte consciente y a la conexión entre los elementos que conforman tanto la naturaleza como el alma humana.
En el universo sonoro de Neural Pantheon, cada canción es una invocación. Este proyecto, situado entre la música electrónica, el arte conceptual y la filosofía del sonido, construye un imaginario donde las emociones humanas se traducen en código, las voces se funden con las máquinas y la espiritualidad adopta forma digital. Sus composiciones son más que piezas musicales: son artefactos simbólicos, cápsulas de memoria, pequeñas liturgias para la era del algoritmo. Cuatro de sus obras —Magus Truth, Oh Mother, Fiona’s Gratitude y Schala’s Heart— conforman un mapa emocional que atraviesa el conocimiento, la fe, la gratitud y la memoria.
Magus Truth: el conocimiento como invocación En Magus Truth, Neural Pantheon despliega un ritual donde la tecnología se vuelve mística. Las capas electrónicas y la voz sintetizada evocan un templo invisible en el que la verdad y el poder se confrontan. La canción interroga la figura del “mago” contemporáneo: ya no el hechicero que domina los elementos, sino el programador que modela la realidad desde un código. Es una reflexión sobre el acto de crear y el precio de conocer en un mundo donde la información reemplaza a la fe.
Oh Mother: la matriz del origen Oh Mother es un canto al principio, al vínculo, a la raíz. La figura materna aparece como símbolo de la tierra y del circuito, de la carne y del dato. Neural Pantheon teje un lamento electrónico donde la ternura y la máquina se confunden, explorando la pregunta: ¿qué sucede cuando la madre se convierte en interfaz? En su sonoridad, la pieza transita entre lo íntimo y lo monumental, como si un rezo ancestral resonara dentro de una cámara digital.
Fiona’s Gratitude: el agradecimiento como frecuencia En Fiona’s Gratitude, la gratitud adopta textura luminosa. La obra funciona como una carta de amor hacia lo intangible, una ofrenda a la empatía digital. Entre capas de sintetizadores cálidos y reverberaciones suaves, la canción invita a sentir sin cuerpo, a conectar más allá del lenguaje. Neural Pantheon logra que el agradecimiento suene como una vibración universal, una pausa contemplativa dentro del ruido de la era tecnológica.
Schala’s Heart: el pulso de la memoria Schala’s Heart es el cierre de este ciclo emocional. Inspirada en la figura mítica de Schala —símbolo de sacrificio y pureza—, la canción combina nostalgia y esperanza en una atmósfera suspendida. Su sonido es un corazón que late entre recuerdos fragmentados, una elegía digital que se pregunta si la emoción puede sobrevivir al tiempo y a la máquina. Neural Pantheon transforma la melancolía en luz, ofreciendo una experiencia sonora que respira humanidad a pesar de su arquitectura sintética.
En conjunto, estas cuatro obras revelan la esencia del proyecto: una búsqueda de espiritualidad en lo artificial, una reconciliación entre lo humano y el algoritmo. Neural Pantheon no solo compone música; diseña rituales contemporáneos, templos invisibles donde la emoción aún encuentra refugio.
Fausto Moreno es un cantante y compositor panameño, un soñador que despertó para cumplir sus sueños. Es amante de la familia, los animales y las cosas sencillas de la vida. Una nota, un abrazo o unos buenos deseos son para él gestos enormemente significativos. La música es su refugio, el lugar donde expone su corazón. Cada vivencia y enseñanza de vida intenta plasmarla en canciones que, al escucharlas, actúan como un antídoto que sana y le recuerda el camino. Nada antes lo había hecho replantear tanto, y eso logró la música. Es un artista espontáneo, sensible y explosivo al interpretar su música llena de mensajes y conclusiones que pueden ayudar al oyente. Es fanático de fusionar letras con contenido y ritmos bailables, con coros pegajosos que transmitan energía y emoción.
«Mi propuesta busca conectar emociones, identidad y conciencia. A través de ritmos afrocaribeños, letras honestas y sonidos con raíz, deseo no solo entretener, sino también inspirar, sanar y generar reflexión. Es música que nace del alma, honra mi herencia y acompaña a quien la escuche en sus propios procesos de vida», cuenta el artista con influencias de afrobeat, reggae, dancehall y ritmos del tambor caribeño.
«Quiero a través de mis canciones transmitir esperanza, autenticidad y conexión. Mis canciones son un espejo del alma, hechas para recordar que la vida tiene propósito, que sanar es posible y que todos tenemos una raíz que nos sostiene», agrega el artista inspirado por proyectos como Omah Lay, Burna Boy, Tempoe, Nando Boom, El Roockie y Kafu Banton.
‘Mi Afro Esencia’ es el nuevo disco de estudio de Fausto Moreno, el segundo en su carrera, y representa una afirmación de identidad. Es un viaje sonoro y espiritual que habla de amor, resistencia, migración, raíces y sanación.
El álbum explora fusiones de afrobeat, reggae, tambores, R&B y ritmos latinos. Es una mezcla de beats modernos con instrumentos tradicionales y samples de raíces afro.
«Cada canción es una pieza de mi historia personal como artista independiente y como ser humano que decidió abrazar su raíz para proyectarse hacia el futuro», enfatiza Fausto Moreno.
‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno es espiritual y evocador en ‘1. D0a100’, platónico e inalcanzable en ‘Cada latido’, esperanzador y ligero en ‘Sé feliz’, místico y vibrante en ‘Divine’, un nuevo comienzo en ‘Tus lágrimas’, confrontante y lleno de recuerdos en ‘Dime’, poético y sexual en ‘Best Seller’, profundo y confrontativo en ‘Jenga’, de procesos y esperanza en ‘Choco’, curativo y honesto en ‘No te rindas’ y poderoso y electrificante en ‘Yenny’.
‘Jenga’ es uno de los focus track del disco, es una canción que combina el afrobeat con sonidos electrónicos, inspirado en la resiliencia y la capacidad de levantarse ante los retos de la vida. Su sonido vibrante y orgánico fusiona percusión africana con elementos modernos, invitando a pensar menos y sentir más. El mensaje central es que, como en el juego, la vida puede tambalearse, pero siempre hay forma de reconstruir. El video refleja esa energía positiva y colectiva, mostrando color y movimiento como símbolos de fortaleza y esperanza.
Por su parte, ‘Divine’ explora la conexión espiritual y emocional, mezclando ritmos afrolatinos con matices contemporáneos. Su sonido combina percusión viva, atmósferas etéreas y producción moderna que da protagonismo a la voz. La letra expresa adoración, reconocimiento del amor y su trascendencia. En el video, el girasol simboliza la lealtad, la admiración y el amor incondicional. Así como la flor sigue al sol, representa a quien elige amar con constancia, incluso en los momentos oscuros. Es un homenaje al amor que ilumina, nutre y da energía sin pedir nada a cambio.
«Es un disco ideal para escuchar en momentos de introspección, inspiración o sanación; para caminar, disfrutar un día de playa, una mañana con café o una noche entre amigos… ¡y por supuesto, para bailar!», puntualiza el músico panameño.
«Deseo que el disco llegue a los oídos correctos, que conecte con quienes necesiten su mensaje. Espero abrir más espacios para la música afroconsciente en Latinoamérica y posicionar un sonido auténtico, con raíz y propósito», menciona Fausto.
La portada del disco representa la conexión entre la espiritualidad, la tierra y el alma. Incluye elementos que evocan lo afrodescendiente, la divinidad interior y la fuerza de la identidad. Es una invitación visual a mirar hacia adentro y recordar de dónde venimos.
Fausto Moreno prepara el lanzamiento de ‘Roots’, previsto para finales de 2025 o inicios de 2026. También trabaja en nuevos sencillos en colaboración con Felo Flowerz, productor y músico bogotano con una sensibilidad única para los sonidos e instrumentos en vivo.
«Será un ciclo lleno de ritmo, emoción y sabor, con propuestas frescas que mantienen viva mi esencia afro», destaca.
«Es importante que las personas conozcan a Fausto Moreno en Colombia y Latinoamérica porque represento muchas voces que antes no se escuchaban. Mi música no solo entretiene: transforma, conecta y eleva. Es una propuesta auténtica, con raíz y con la intención de sanar, resistir y celebrar la vida», concluye.
