John Doe regresa con “Time”, una nueva producción que reafirma su esencia: crear sin límites, explorar sin etiquetas. Bajo este enigmático nombre se reúne un colectivo global de artistas —cantantes, beatmakers, productores, compositores e ingenieros de sonido— que colaboran en pistas originales, sin una alineación fija ni un estilo definido.
Cada lanzamiento de John Doe es una experiencia distinta, un experimento sonoro que celebra la diversidad creativa. “Time” no es la excepción. Esta nueva entrega refleja el espíritu del proyecto: dar voz a la libertad artística, fomentar la colaboración sin fronteras y borrar las líneas entre géneros musicales.
Todos los estilos. Ningún género. Así es el universo de John Doe: un espacio abierto para quienes se atreven a crear desde la autenticidad.
El productor y compositor nigeriano radicado en el Reino Unido, Arche. A, se une nuevamente con Apazon para lanzar “Maadness”, una propuesta que reafirma su capacidad para crear paisajes sonoros auténticos, intensos y cuidadosamente elaborados.
Ashley Bazuaye, conocido artísticamente como Arche. A, ha construido su identidad musical a través de una pasión temprana por instrumentos como el piano y la batería, los cuales imprime con maestría en cada producción. Desde su primer lanzamiento en 2020, un cypher titulado “STFU, hating a*, nggas!”, Arche. A ha demostrado versatilidad y visión, expandiendo su catálogo con proyectos como ‘Exertion’ junto a YGB, ‘AA+’ con Apazon, y su instrumental ‘lotb’.
En 2022 lanzó ‘Sharpening Tools’, un LP con once piezas breves pero contundentes que mostraron su amplio rango como productor. Desde entonces, ha mantenido una racha de colaboraciones destacadas como «Jack & Jill» con Koyen, «OK!» con Apazon y DB, «KOKO» con Ubin y «LUDE» junto a Apazon.
Con “Maadness”, Arche. A y Apazon continúan explorando los límites del sonido, entregando una experiencia vibrante que confirma que apenas están comenzando. Este nuevo lanzamiento es un testimonio del potencial inagotable de un productor que entiende el poder del ritmo, la textura y la emoción.
Dè lanza “Who?”: Hip-hop crudo, auténtico y sin concesiones
Desde South Auckland y actualmente radicado en la Gold Coast, Dè presenta su nuevo lanzamiento “Who?”, una poderosa pieza que reafirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas del hip-hop actual.
Con una fusión impecable entre la esencia atemporal del boom-bap y la energía punzante del trap contemporáneo, “Who?” es más que una canción: es una declaración. A través de versos intensos y una entrega afilada, Dè explora la lucha interna, el crecimiento constante y una ambición que no se detiene. El resultado es un track que golpea con fuerza y deja huella.
Respaldado por figuras de la industria y con una base de seguidores internacionales en expansión, Dè demuestra con “Who?” que no está aquí para seguir fórmulas, sino para marcar su propio camino—con autenticidad, técnica y mucho corazón.
La banda de hard rock colombiana Mad Dogs estrena en plataformas digitales su disco ‘Never Too Late’, una producción que condensa el trabajo de muchos años desde la fundación del grupo hasta la fecha en donde han recogido historias, emociones y sentimientos en canciones. El álbum es una declaración de intenciones, donde, a pesar de ser Colombia un país el cual los géneros tropicales tienen más aceptación o que algunos dicen que el rock está muerto, para Mad Dogs está vivo.
El disco, producido por Oscar Javier Romero (Killcrops, Arzen) en On Axis Estudio y Mix Factory Estudio, mezclado y masterizado por Matthias Krieger en Pocket Audio, cuenta la evolución musical, iniciando con su lado festivo y rockero y avanza a un lado sensible a través de power ballads, llegando hasta una pieza progresiva. La composición de las letras es sobre temas complejos como: la dominación colectiva por el sistema actual, la renuncia a la libertad de manera voluntaria e inconsciente, las luchas internas y el desamor.
«Seguimos apostando por hacer hard rock en pleno 2025 recogiendo los tintes clásicos, pero con un sonido moderno. Nunca será tarde para hacer rock y que las nuevas generaciones tengan más y mejores opciones de música. Es un álbum para aquellos que se enamoraron de la música en vivo pero tocada de verdad, por humanos, busca inspirar a los que se enamoraron de este género, los que se rehúsan a dejarlo morir y los que pretenden construir una industria alrededor del mismo, donde el arte permita ser una forma de vida y de sustento. Narramos historias personales y reales de amor (o dolor), incluso de aspectos existenciales de la vida misma, sin dejar de lado que también la música debe divertir y que la vida es y debe tener su momento para celebrar», comenta Mad Dogs.
‘Never Too Late’, nombre homónimo del disco y primer sencillo del álbum de Mad Dogs es un himno; el grito ante el mundo donde se ratifica que no importa lo que digan, tú eres lo que haces y solo serás libre cuando sigues tus principios. ‘The way of the rocker’ es el camino para llegar al rock y la historia de cómo te convertiste en rockero, ‘Grabado en mi piel’ es cuero y látex; el lado oscuro del amor y la lujuria. El rock n’ roll es erotismo y sexualidad, siempre. ‘Stay through the night’ es amor, sensibilidad, dulzura y poesía; ‘Rock is on fire’ es una sensación de que el rock arde dentro de nosotros y por eso creemos a muerte en lo que hacemos. ‘Fear the world’ habla de la consciencia. El rock es y será antisistema y se enfrentará a todo método de dominación que quiera llevarse tu libertad. ‘Demons’ es la dualidad… donde hay luz, hay oscuridad, vive dentro de cada uno, pero cada quien elige quien quiere ser. ‘My love doesn’t need my pride’ habla del drama, es una historia personal y real… de amor. ‘Sabueso’ es el regreso a la fiesta, a la eterna juventud del rock; ‘Love born dead’ porque cuando se es el otro en el amor… duele.
«Es un disco perfecto para escuchar cuando quieras subir la mala onda o simplemente llenarte de energía. También cuando estás en uno de esos días de «malparidez existencial», tristeza o incluso odio. Las canciones de Mad Dogs siempre te van a subir el ánimo», agrega la banda bogotana.
‘Never Too Late’ es el álbum que consolida la propuesta de Mad Dogs en Colombia. Es el primer paso firme para tener un reconocimiento en Latinoamérica y así conquistar nuevas audiencias y tarimas a nivel nacional e internacional.
El borrador de la portada del disco fue diseñado por Germán Ducón y Fabián Martínez, y fue finalmente diagramada por Camilo Beltrán (@anglcam) usando la técnica Matte Painting, que consiste en realizar un montaje digital para recrear paisajes, espacios y escenas. La imagen pretende mostrar la realidad del rock desde sus inicios y es que siempre se ha enfrentado a un mundo agresivo y dominador, que busca someter a las personas a través de distintas hegemonías políticas, estéticas y religiosas, acompañado de la tiranía del paso del tiempo. Mad Dogs se levanta con su música y se enfrenta a todo lo que te quiera someter y quitar tu libertad, dejando un mensaje claro de lucha, pero sin olvidar que el rock debe ser para divertir y disfrutar.
2025 ha sido un año muy movido para Mad Dogs, estuvieron nominados a los premios Monster Music Awards 2025 en México como Mejor artista rock y se presentaron el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte del show central de los premios, siendo la primera vez que una banda de rock colombiana lograra este hito. Además, la banda fue elegida por la banda norteamericana W.A.S.P para ser su acto de apertura en su concierto histórico de los 40 años de su disco debut homónimo, el pasado 27 de abril en el Teatro Royal Center en Bogotá, ante más de 2.500 fanáticos y los medios asistentes. Para el segundo semestre de 2025, el grupo realizará una serie de conciertos promocionales del álbum en Bogotá, a nivel nacional y prepara una gira internacional en países como Panamá y México. Las fechas aún están por confirmar.
«La escena rock en Colombia ha crecido exponencialmente en los últimos 20 años, posicionándose como una de las de mayor potencial en Latinoamérica respecto a la calidad de sus bandas. El público colombiano aún es reticente a apoyar lo nacional, pero es más por desconocimiento que por falta de calidad. Esta es una razón suficiente para que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco ‘Never Too Late’, una vez lo hagan, sabrán que tenemos razón.
Hoy las bandas nacionales, con la correcta producción y apoyo en cuanto logística y montaje, pueden sonar tan poderosas como cualquier acto internacional; por eso es necesario apoyarlas para su financiación y el público es clave. Si el público gastara lo que invierte en conciertos internacionales en bandas nacionales sería una diferencia enorme. Es hora de dejar de vernos como enemigos por ser colombianos y entender que lo nacional merece una oportunidad como sucede en otros países de la región como México, Argentina o Estados Unidos», concluye Mad Dogs.
Esta iniciativa busca fortalecer las alianzas dentro de los festivales de la costa caribe colombiana y visualizar todo el trabajo que realizan los artistas, bandas y proyectos musicales del género.
La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano renueva su compromiso con el fortalecimiento y la promoción de la música alternativa en la región. Luego de una pausa por diversos motivos desde el lanzamiento de esta iniciativa, la red de festivales hace su relanzamiento por todo lo alto con la participación de 16 festivales que hacen vida en la Costa Caribe, esta red busca consolidar un ecosistema vibrante que impulse el desarrollo artístico y cultural, promoviendo intercambios, formación, y cooperación estratégica entre gestores culturales, organizadores, promotores y artistas locales.
Una plataforma para el talento regional
Desde Santa Marta hasta Montería, la red agrupa festivales destacados como el Unimagdalena Rock Fest, Urbanarock Fest, Indierock Fest, Muralla Rock Fest, y otros en Cartagena, Sincelejo, Corozal, Sahagún y Montería. Estos eventos trabajan en conjunto para fortalecer la escena musical alternativa, promoviendo la circulación de artistas tanto a nivel nacional como internacional, y fomentando alianzas que generan oportunidades de crecimiento y consolidación para las bandas emergentes de la región.
Una misión compartida
La misión de la red es impulsar el desarrollo integral de los festivales de rock en la Costa Caribe, identificando sus fortalezas y necesidades, y diseñando estrategias que eleven su impacto cultural. Además, promueven espacios académicos y de formación que fortalecen las capacidades del sector musical alternativo, impulsando ideas innovadoras para asegurar la sostenibilidad y el crecimiento del movimiento.
Intercambio cultural y fortalecimiento comunitario
Uno de los pilares de esta iniciativa son los intercambios culturales que facilitan alianzas estratégicas entre los festivales participantes. Estos acuerdos permiten acoger propuestas artísticas de bandas de música alternativa, garantizando la circulación de talentos en diferentes escenarios y ciudades, enriqueciendo la oferta musical y fomentando un sentido de comunidad que refuerza la identidad cultural del Caribe colombiano.
Un compromiso con el arte y la cultura
Gracias a estas iniciativas, la región se posiciona como un referente en la escena musical alternativa, creando oportunidades que benefician a artistas emergentes y consolidando la presencia del talento regional en el ámbito nacional e internacional. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano continúa trabajando para mantener vivo el espíritu creativo y la innovación en el sector, promoviendo una cultura vibrante y diversa que refleja la identidad única de la Costa Caribe.
Este esfuerzo conjunto reafirma la importancia de las alianzas estratégicas en la consolidación de la escena de rock y metal en el Caribe colombiano. La colaboración entre festivales, artistas y gestores culturales es fundamental para fortalecer estos géneros en la región, permitiendo no solo la circulación de talentos, sino también fomentando una comunidad vibrante y un movimiento cultural que impulsa el crecimiento y la innovación musical. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano reafirma así su compromiso de seguir creando oportunidades y alianzas que catapulten a los artistas y enriquezcan el panorama artístico de la región, consolidando su lugar en la escena nacional e internacional.
Festivales que hacen parte de la RED DE FESTIVALES ROCK.
UNIMAGDALENA ROCK FEST (Santa Marta), URBANAROCK FEST (Barranquilla), INDIEROCK FEST (Barranquilla), PARATE DURO FEST (Barranquilla), CROWS ROCK FEST (Barranquilla), EMO NIGHT FEST (Barranquilla), MURALLA ROCK FEST (Cartagena), LA MÚSICA EN VENAS FEST (Cartagena), EL MONTICULO FEST (Cartagena), SABANEROCK FEST (Sincelejo), SABANEROOTS FEST (Sincelejo), ENTROPIA ROCK FEST (Corozal), BARAJI FEST (Sahagún), TUPA TUPA FEST (Montería), SKATER PARK AL RIO FEST (Montería), THE BUNKER ROCK FEST (Montería).
Luego de presentar los sencillos ‘Ayer morí’, ‘Ondas de calor’ y ‘Delirios en Paraguay’, la banda de indie rock brasilera Atalhos presenta oficialmente su nuevo disco ‘A Força das Coisas’, el quinto en su carrera y el más autobiográfico de todos.
Durante los 35 minutos del disco, el oyente es invitado a viajar con Atalhos a través de la memoria y la atmósfera onírica de canciones que hablan de rupturas, y términos de relaciones que se transforman en potencia y persisten en la «fuerza de las cosas». Sus canciones son evocativas, reflexivas, inspiradoras y soñadoras.
«‘A Força das Coisas’ es un álbum dirigido a todos aquellos que tuvieron que atravesar rupturas difíciles y que supieron crear e inventar nuevos caminos posibles para seguir adelante hacia nuevos sueños», cuenta la banda originaria de Sao Paulo.
El sonido característico de Atalhos en ‘A Força das Coisas’ es el dreampop rutero, guitarras con mucho reverb, baterías y drum beats como si fueran una larga recta de una ruta, y dulces melodías vocales que unidas a nubes de teclados y sintetizadores forman una atmósfera evocadora de memoria y sueño.
‘A Força das Coisas’, sencillo promocional del disco, es una canción que habla de un reencuentro de una pareja después de muchos años de distancia. La historia es sobre un momento luminoso generado a través de un encuentro casual y el darse cuenta de que toda la potencia del amor persiste y no se desvaneció a pesar del fin de la relación, solo que se transformó en fuerza y ahora vive en todas las cosas.
«El momento ideal para escuchar el nuevo álbum de Atalhos es cuando estamos soñando despiertos. Nuestros ojos están fijos en un objeto, pero nuestro pensamiento está lejos, muy lejos. Cuando sentimos que nuestra memoria está dominando nuestro pensamiento y estamos viajando a través de escenas e imágenes que no sabemos distinguir más la realidad, bueno, este es momento ideal para escuchar el disco», enfatiza la banda.
«Esperamos seguir construyendo un camino lindo por Latinoamérica, tenemos dos participaciones hermosas de artistas amigos, uno es la banda El Culto Casero de Paraguay y la otra es Antonia Navarro de Chile. El disco sale junto a un anuncio de una gira importante con más de 20 shows por Brasil y países latinos, además de fechas ya confirmadas para una temporada en Europa a principios de 2026», agrega Atalhos.
La portada del disco es una foto sacada en un estudio durante una grabación y tiene todo un aspecto misterioso de una sombra, algo que remite a la memoria, los sueños y al hecho de que no se puede identificar la persona en la portada también abre puertas a la imaginación.
https://youtu.be/m_WW9qO6NvM
«Vamos a tener muchos conciertos en los próximos meses, la idea es después reunir las mejores fechas y armar un compilado para sacar un EP en vivo en 2026», señala el grupo.
‘A Força das Coisas’ de Atalhos es un disco inspirador y consciente de lo absurdo de la vida, de la inevitabilidad de la muerte y del final de las relaciones, pero sobre todo es un disco que genera mucha potencia, que invita a abrazar las transformaciones de la vida y a atravesar momentos difíciles para finalmente abrir nuevas puertas y vislumbrar nuevos horizontes, nuevos comienzos.
El productor musical Lucus Lin lanza una nueva playlist en colaboración con Branson, Mitch Deville y Hailey Mitch Deville, una propuesta sonora que apuesta por lo auténtico, lo visceral y lo emocional. Más que una simple colección de temas, este proyecto es una ventana íntima al universo creativo de Lucus, donde cada canción actúa como un fragmento de vida convertido en sonido.
«Para mí, la música es una forma de expresión libre, sin reglas. Es instinto puro», afirma Lucus Lin. Con una filosofía artística que prioriza el sentimiento por encima de la perfección técnica, el productor deja claro que sus mezclas no buscan sonar impecables en todos los dispositivos, sino resonar honestamente con quien las escuche. «Cada track es un retrato de cómo me sentía en un momento específico. A veces la vida se desordena, y ese caos también termina reflejándose en la música.»
Esta playlist reúne momentos reales, sin adornos ni artificios. Si alguna canción suena «fuera de lugar», quizás es porque así también se sentía el autor en ese instante. El mensaje es claro: no todo tiene que ser pulido para ser verdadero.
En un panorama musical donde muchas veces prima lo pulcro y predecible, Lucus Lin y sus colaboradores apuestan por una propuesta distinta: sincera, libre y profundamente humana. «Tal vez conectes con estas canciones, tal vez no, y está bien. Pero si alguna logra acompañarte o darle un poco de color a tu vida, entonces ya habrá valido la pena», concluye el productor.
Con este lanzamiento, Lucus Lin reafirma que la música también puede ser refugio, diario y espejo. Una experiencia que va más allá de los géneros y conecta con lo más esencial: lo que sentimos.
🔥 Brandon Mitchell presenta tres nuevas canciones que elevan su propuesta artística: 🎧 Walking Bucket (feat. Nia Cheri)
🎧 TGBNU
🎧 Right Back
Desde Kansas City hasta Los Ángeles, Brandon Mitchell sigue demostrando que el talento no tiene límites. Bailarín, coreógrafo, actor, DJ y ahora artista hip-hop con un mensaje claro y poderoso. Su trayectoria incluye apariciones en So You Think You Can Dance, Step Up Revolution, y series como Insecure, The Rookie y The Upshaws.
Como músico, Brandon utiliza su voz para contar historias con propósito. Con beats que resuenan y letras que conectan, estas nuevas canciones son una muestra más de su versatilidad y visión artística.
Brandon Mitchell llega con tres nuevas canciones que combinan sentimiento, groove y propósito: Untitled Love, junto a Irv Da PHENOM, es una exploración del amor sin etiquetas; Sugar vibra con una sensualidad suave y elegante; y We Already Won se levanta como un himno de afirmación y victoria colectiva.
Originario de Kansas City, KS y ahora radicado en Los Ángeles, Brandon es mucho más que un artista musical: es un esposo devoto, padre orgulloso y filántropo comprometido. Su trayectoria multifacética está guiada por el servicio, la creatividad y la excelencia. Se dio a conocer mundialmente como finalista de la temporada 9 de So You Think You Can Dance, aunque ya contaba con experiencia en películas como Step Up Revolution y Honey 2.
Brandon no solo se expresa a través del movimiento, también lo hace con su voz. Como artista de hip-hop y DJ, ha lanzado proyectos como la serie Conditioning, contando historias que conectan con su audiencia. Su canción The Lesson fue destacada en MTV’s The Challenge, y sus sets como DJ destacan por su energía y autenticidad.
Como actor, continúa ampliando su influencia con apariciones en series como Dave (FX), Insecure (HBO), Blindspotting (Starz), Good Girls (NBC), The Rookie (ABC), Sistas (BET) y The Upshaws (Netflix). En cine, protagoniza Sinister Assistant (Tubi) y Like Blood (Amazon), demostrando su compromiso con el arte en todas sus formas.
Vymvn —se pronuncia a~men— presenta dos nuevas piezas sonoras que revelan su mundo interior: INNER CHILD y PRESENCE junto a Michael Go. Criado entre los sonidos vibrantes de Toronto, desde los artistas callejeros de Dundas Square hasta la elegancia de la Orquesta Sinfónica en Roy Thomson Hall, Vymvn creció rodeado de arte y música, una influencia que hoy transforma en paisajes sonoros auténticos y emocionales.
La banda estadounidense Love Ghost continúa empujando los límites del sonido alternativo con el lanzamiento de “FUCKED UP FEELINGS”, una joya musical que mezcla el RnB con el grunge en una estética lofi, sensual, melódica y emocionalmente intensa. La canción captura la turbulencia de atravesar momentos complicados en la vida, envolviéndose en una atmósfera oscura similar a la de artistas como Prince, Lil Peep y Joji, pero con una identidad sonora muy propia.
Este nuevo sencillo representa la segunda colaboración entre Love Ghost y la banda británica The Skinner Brothers, tras el éxito de su primer tema conjunto “Freedom in a Padded Cell”. La conexión artística entre ambas agrupaciones ha resultado tan natural que ya planean varios lanzamientos adicionales y una gira en conjunto, cuya fecha se anunciará próximamente.
Sobre el concepto de la canción, Finnegan Bell, vocalista de Love Ghost, expresa: “Son historias y eventos que han marcado los últimos años: rupturas, nuevos comienzos, victorias y derrotas… todos pegados a mi alma como un scrapbook de papel maché”.
Love Ghost se ha consolidado como una banda que desafía etiquetas. Su propuesta integra elementos del rock alternativo, grunge, metal, pop-punk, acústico y hard rock, con letras que profundizan en temas como el trauma y la salud mental, con una sensibilidad poética y emo. Su autenticidad les ha valido el respaldo de medios como Rolling Stone, Alternative Press, Lyrical Lemonade, Clash Magazine, Playboy y muchos más. Han sido seleccionados para el icónico programa alemán Rockpalast y han tocado en vivo en cuatro continentes, incluyendo múltiples colaboraciones con artistas del panorama latino como Adán Cruz, Santa RM, Dan García, Ritorukai, Wiplash y Blnko, entre otros.
Por su parte, The Skinner Brothers son una de las bandas emergentes más destacadas del Reino Unido. Han girado junto a The Libertines, Kasabian, Rat Boy y Mike Skinner (The Streets). Han participado en importantes festivales como Isle of Wight, Neighbourhood Weekender y encabezado su propia gira Soul Boy II Tour en recintos de renombre como el O2 Academy Islington de Londres y el O2 Ritz de Manchester.
Con “FUCKED UP FEELINGS”, ambas agrupaciones no solo consolidan una poderosa alianza musical, sino que también contribuyen a construir un puente sólido entre la escena alternativa global y los sonidos emergentes del panorama latino. Un tema que promete resonar con fuerza entre los oyentes que buscan profundidad lírica, autenticidad sonora y una carga emocional sin filtros.
Santiago Alejandro López Arenas, más conocido como Santal, es un chico peruano de 17 años radicado actualmente en Argentina que desde los 12 años está inmerso en el mundo del Rap. Su carrera comenzó cuando iba a las plazas a batallar, acompañado de su padre. Santal se describe como un artista romántico y sentimental, ama escribir poesía y lo refleja en las letras de sus canciones las cuales tienen gran profundidad y emotividad. La intención de su propuesta musical es poder conectar con los jóvenes y personas en general mediante experiencias y sentimientos vividos. Santal exterioriza sus pensamientos y emociones y los convierte en canciones.
«Quiero retratar los procesos de toda persona, todos pasamos por momentos buenos y malos; y creo que tenerlos en canciones son una forma de preservar ese sentir, identificarlo, procesarlo y, posteriormente, aprender de él», cuenta el cantante con influencias del rap y el R&B, de artistas como Mac Miller, Mac Demarco e inclusive estéticas de artistas como Billie Eillish.
‘707 Metamorfosis’ es el disco debut de Santal, un trabajo conceptual que tiene una estética sombría, retratada tanto en los temas musicales, como en los visualizers. A lo largo del álbum se puede observar la vida de una persona sumergida en su propio mundo, viendo un breve concepto de su niñez. Los temas del disco tienen un enfoque hacia las mujeres de su vida, al inicio el amor de madre y al crecer la necesidad del afecto femenino, llevándolo a una serie de situaciones en los que sufre rupturas, intenta reconciliaciones, se obsesiona y se «transforma». Al final del viaje, la producción refleja un final feliz y realista.
«El disco está inspirado en momentos a lo largo de mi vida. Siempre fui una persona muy sentimental conmigo mismo incluso, y me gusta poder compartir esas experiencias con quienes podrían pasar algo parecido. Muchos de los temas fueron dedicados a chicas de las que me enamoré o situaciones mías muy profundas con las que siento que puedo conectar con el público», agrega Santal.
A lo largo del disco ‘707 Metamorfosis’ se perciben todo tipo de instrumentos y sensaciones, guitarras eléctricas que acompañan el álbum con un sonido único, dándole un ambiente especial a las percusiones y guitarras acústicas. Este trabajo también incorpora violines, viola, chelos, contrabajo, saxo y piano. El sonido de esta producción es una apuesta única del artista peruano, al ser su primer álbum quiso hacer algo fuera de lo normal, salir de lo midi y volver a lo vivo.
Según Santal, «es un disco en el que experimentamos mucho con el Rap y el R&B, dándole un toque único incorporando instrumentos de orquesta grabados en estudio. Quisimos hacerlo lo más orgánico posible y fue así como quedó, es como poner tu vida en un disco y dejar que fluya».
Crudo, visceral y sin pedir disculpas, Hello Enemy lanza su esperado álbum debut, That Goes On There, ofreciendo una dosis feroz de revival grunge con un enfoque moderno. Lleno de himnos cargados de ganchos, riffs ardientes y letras emocionalmente intensas, el álbum es un reflejo de la vida vivida en los márgenes: desordenada, ruidosa y sin filtros.
El primer sencillo del álbum, “A Lot Like You”, lanzado el 6 de mayo, marca el tono. Un golpe directo al estómago con riffs de guitarra masivos, voces crudas e implacables, y letras que no se contienen, la canción se sumerge de lleno en temas de identidad, presión social y la escalofriante revelación de que, a veces, el enemigo se parece demasiado a tu propio reflejo.
Con 15 sencillos independientes ya lanzados, una gira autofinanciada y rotación en Rock Rage Radio (EE.UU.), Hello Enemy no está esperando permiso — están rompiendo las paredes del underground con una intención abrasadora. La banda mezcla el espíritu sucio y auténtico del grunge de los 90 con la urgencia del presente, inspirándose en leyendas como Alice in Chains, Soundgarden y Nirvana, pero forjando un sonido que es inconfundiblemente suyo.
Prepárate para baterías atronadoras, guitarras crujientes, voces desgarradoras y un núcleo lírico que se niega a esquivar la verdad. That Goes On There no es solo un álbum — es un grito de guerra para todos aquellos que alguna vez se sintieron invisibles, ignorados o rotos.
