El panteón digital de las emociones: Neural Pantheon y su viaje entre lo humano y lo posthumano

En el universo sonoro de Neural Pantheon, cada canción es una invocación. Este proyecto, situado entre la música electrónica, el arte conceptual y la filosofía del sonido, construye un imaginario donde las emociones humanas se traducen en código, las voces se funden con las máquinas y la espiritualidad adopta forma digital.
Sus composiciones son más que piezas musicales: son artefactos simbólicos, cápsulas de memoria, pequeñas liturgias para la era del algoritmo. Cuatro de sus obras —Magus Truth, Oh Mother, Fiona’s Gratitude y Schala’s Heart— conforman un mapa emocional que atraviesa el conocimiento, la fe, la gratitud y la memoria.

Magus Truth: el conocimiento como invocación
En Magus Truth, Neural Pantheon despliega un ritual donde la tecnología se vuelve mística. Las capas electrónicas y la voz sintetizada evocan un templo invisible en el que la verdad y el poder se confrontan. La canción interroga la figura del “mago” contemporáneo: ya no el hechicero que domina los elementos, sino el programador que modela la realidad desde un código. Es una reflexión sobre el acto de crear y el precio de conocer en un mundo donde la información reemplaza a la fe.

Oh Mother: la matriz del origen
Oh Mother es un canto al principio, al vínculo, a la raíz. La figura materna aparece como símbolo de la tierra y del circuito, de la carne y del dato. Neural Pantheon teje un lamento electrónico donde la ternura y la máquina se confunden, explorando la pregunta: ¿qué sucede cuando la madre se convierte en interfaz? En su sonoridad, la pieza transita entre lo íntimo y lo monumental, como si un rezo ancestral resonara dentro de una cámara digital.

Fiona’s Gratitude: el agradecimiento como frecuencia
En Fiona’s Gratitude, la gratitud adopta textura luminosa. La obra funciona como una carta de amor hacia lo intangible, una ofrenda a la empatía digital. Entre capas de sintetizadores cálidos y reverberaciones suaves, la canción invita a sentir sin cuerpo, a conectar más allá del lenguaje. Neural Pantheon logra que el agradecimiento suene como una vibración universal, una pausa contemplativa dentro del ruido de la era tecnológica.

Schala’s Heart: el pulso de la memoria
Schala’s Heart es el cierre de este ciclo emocional. Inspirada en la figura mítica de Schala —símbolo de sacrificio y pureza—, la canción combina nostalgia y esperanza en una atmósfera suspendida. Su sonido es un corazón que late entre recuerdos fragmentados, una elegía digital que se pregunta si la emoción puede sobrevivir al tiempo y a la máquina. Neural Pantheon transforma la melancolía en luz, ofreciendo una experiencia sonora que respira humanidad a pesar de su arquitectura sintética.

En conjunto, estas cuatro obras revelan la esencia del proyecto: una búsqueda de espiritualidad en lo artificial, una reconciliación entre lo humano y el algoritmo. Neural Pantheon no solo compone música; diseña rituales contemporáneos, templos invisibles donde la emoción aún encuentra refugio.

Magus Truth

Oh mother

Fiona’s Gratitude

Schala’s Heart

Un disco de amor, resistencia, migración, raíces y sanación; así es ‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno

Fausto Moreno es un cantante y compositor panameño, un soñador que despertó para cumplir sus sueños. Es amante de la familia, los animales y las cosas sencillas de la vida. Una nota, un abrazo o unos buenos deseos son para él gestos enormemente significativos. La música es su refugio, el lugar donde expone su corazón. Cada vivencia y enseñanza de vida intenta plasmarla en canciones que, al escucharlas, actúan como un antídoto que sana y le recuerda el camino. Nada antes lo había hecho replantear tanto, y eso logró la música. Es un artista espontáneo, sensible y explosivo al interpretar su música llena de mensajes y conclusiones que pueden ayudar al oyente. Es fanático de fusionar letras con contenido y ritmos bailables, con coros pegajosos que transmitan energía y emoción.

«Mi propuesta busca conectar emociones, identidad y conciencia. A través de ritmos afrocaribeños, letras honestas y sonidos con raíz, deseo no solo entretener, sino también inspirar, sanar y generar reflexión. Es música que nace del alma, honra mi herencia y acompaña a quien la escuche en sus propios procesos de vida», cuenta el artista con influencias de afrobeat, reggae, dancehall y ritmos del tambor caribeño.

«Quiero a través de mis canciones transmitir esperanza, autenticidad y conexión. Mis canciones son un espejo del alma, hechas para recordar que la vida tiene propósito, que sanar es posible y que todos tenemos una raíz que nos sostiene», agrega el artista inspirado por proyectos como Omah Lay, Burna Boy, Tempoe, Nando Boom, El Roockie y Kafu Banton.

‘Mi Afro Esencia’ es el nuevo disco de estudio de Fausto Moreno, el segundo en su carrera, y representa una afirmación de identidad. Es un viaje sonoro y espiritual que habla de amor, resistencia, migración, raíces y sanación.

El álbum explora fusiones de afrobeat, reggae, tambores, R&B y ritmos latinos. Es una mezcla de beats modernos con instrumentos tradicionales y samples de raíces afro.

«Cada canción es una pieza de mi historia personal como artista independiente y como ser humano que decidió abrazar su raíz para proyectarse hacia el futuro», enfatiza Fausto Moreno.

‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno es espiritual y evocador en ‘1. D0a100’, platónico e inalcanzable en ‘Cada latido’, esperanzador y ligero en ‘Sé feliz’, místico y vibrante en ‘Divine’, un nuevo comienzo en ‘Tus lágrimas’, confrontante y lleno de recuerdos en ‘Dime’, poético y sexual en ‘Best Seller’, profundo y confrontativo en ‘Jenga’, de procesos y esperanza en ‘Choco’, curativo y honesto en ‘No te rindas’ y poderoso y electrificante en ‘Yenny’.

https://www.youtube.com/watch?v=KX2wCeZTx9Q&list=OLAK5uy_kqrHTEjrwStQqPYZjEhOyNVW0fTk92KuM

‘Jenga’ es uno de los focus track del disco, es una canción que combina el afrobeat con sonidos electrónicos, inspirado en la resiliencia y la capacidad de levantarse ante los retos de la vida. Su sonido vibrante y orgánico fusiona percusión africana con elementos modernos, invitando a pensar menos y sentir más. El mensaje central es que, como en el juego, la vida puede tambalearse, pero siempre hay forma de reconstruir. El video refleja esa energía positiva y colectiva, mostrando color y movimiento como símbolos de fortaleza y esperanza.

Por su parte, ‘Divine’ explora la conexión espiritual y emocional, mezclando ritmos afrolatinos con matices contemporáneos. Su sonido combina percusión viva, atmósferas etéreas y producción moderna que da protagonismo a la voz. La letra expresa adoración, reconocimiento del amor y su trascendencia. En el video, el girasol simboliza la lealtad, la admiración y el amor incondicional. Así como la flor sigue al sol, representa a quien elige amar con constancia, incluso en los momentos oscuros. Es un homenaje al amor que ilumina, nutre y da energía sin pedir nada a cambio.

«Es un disco ideal para escuchar en momentos de introspección, inspiración o sanación; para caminar, disfrutar un día de playa, una mañana con café o una noche entre amigos… ¡y por supuesto, para bailar!», puntualiza el músico panameño.

«Deseo que el disco llegue a los oídos correctos, que conecte con quienes necesiten su mensaje. Espero abrir más espacios para la música afroconsciente en Latinoamérica y posicionar un sonido auténtico, con raíz y propósito», menciona Fausto.

La portada del disco representa la conexión entre la espiritualidad, la tierra y el alma. Incluye elementos que evocan lo afrodescendiente, la divinidad interior y la fuerza de la identidad. Es una invitación visual a mirar hacia adentro y recordar de dónde venimos.

Fausto Moreno prepara el lanzamiento de ‘Roots’, previsto para finales de 2025 o inicios de 2026. También trabaja en nuevos sencillos en colaboración con Felo Flowerz, productor y músico bogotano con una sensibilidad única para los sonidos e instrumentos en vivo.

«Será un ciclo lleno de ritmo, emoción y sabor, con propuestas frescas que mantienen viva mi esencia afro», destaca.

«Es importante que las personas conozcan a Fausto Moreno en Colombia y Latinoamérica porque represento muchas voces que antes no se escuchaban. Mi música no solo entretiene: transforma, conecta y eleva. Es una propuesta auténtica, con raíz y con la intención de sanar, resistir y celebrar la vida», concluye.

[Lanzamiento] El Diestro revive el rock progresivo en su álbum ‘Mientras viva, siempre te recuerdo’

Desde el lanzamiento de ‘En la Diestra de Dios Padre’, El Diestro, proyecto solista del músico y compositor colombiano Juan José Moreno, estuvo girando por Manizales, Ocaña y Medellín presentando un EP que produjo pensando en insistir en su visión menos sacra de la música clásica: ‘El Clave Mal Temperado’. Este trabajo fue una vuelta de tuerca al estilo de rock progresivo y canción de autor de los discos anteriores, utilizando sonoridades enteramente basadas en sintetizadores, máquinas de ritmo y mezclándolas con texturas propias del barroco y de la música de tradición escrita, usando referencias textuales a compositores como Debussy, Chopin y Grieg.

«Con este trabajo logré una nota muy polémica en El Espectador en la que me categoricé como una «nea», cosa que al público del periódico no le gustó mucho por la connotación que tiene esa palabra fuera de Medellín. Esto sólo me confirmó que, si mi música debe hablar por sí sola, era necesario hacer un álbum que dejara en claro que ser culto y ser popular no son necesariamente cosas que se excluyen entre sí», cuenta El Diestro.

‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ es el nuevo disco de El Diestro, un trabajo cuyo concepto viene de una serie pictórica del pintor Oswaldo Guayasamín, en la que explora este lema y la relación del artista con su madre. Es ideal escucharlo en un viaje porque es una experiencia catártica y graciosa.

«Yo lo transformé en un concepto que pretende abarcar todas las aristas del amor, la intimidad y el cariño con las mujeres que han pasado por mi vida. En una palabra, la memoria: cómo en definitiva quizás uno pueda recordar absolutamente a todas las personas con las que ha labrado relación, pero no necesariamente las extraña. Y como la memoria no es lineal, aparecen multitudes de anécdotas narradas y referencias a la cultura popular que lo configuran como una especie de monólogo interno y personal, como si quién canta y quién habla fueran personificaciones distintas de la memoria. A través del disco, recordar primero es un proceso de superposición de recuerdos y canciones mías previas, y luego es un torrente de cosas inconexas que forman un todo confuso y agridulce», agrega.

Con este álbum El Diestro pretende que la gente escuche y atesore las canciones como si vieran un álbum de fotos antiguas, en este sentido el disco es textualmente un álbum físico. Instantáneas que no representan una realidad latente, si no una captura honesta de cómo el artista se ha sentido al respecto del otro a través de los años. Busca que con la sonoridad recuerden que la mal llamada música clásica es una tradición gastada y como sostiene desde antes, un chiste mal contado. Sólo en el sentido de que si esta vale lo que vale por sí misma es por las obras individuales que han trascendido el tiempo, y no solo por ser una herencia europea o de otro estatus social. Estudiar y escuchar activamente esta música le ha ayudado a verla como una herramienta a la cual le debe su estilo compositivo, y no como un horizonte al cual ver con temor o recelo. Por ello, considera que la música contemporánea o de vanguardia son un lugar donde cabe cualquier tradición de cualquier época y es lo que pretende alcanzar sónicamente hacia el futuro.

‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ presenta una evolución a nivel de producción, buscando que las canciones remitan a artistas que hasta ahora el músico había temido imitar: Daft Punk, The Beatles, Gorillaz, pero teniendo como mayor referente el rock argentino de Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati. Es un disco profundamente relacionado al ‘rock nacional’ si se considera que los grandes referentes latinoamericanos en materia de new wave, rock progresivo y canción de autor son de Argentina, pero con la ayuda del productor Simón Acosta Ramírez de La Banda del Bisonte, El Diestro logró una sonoridad actualizada a los estándares de la industria musical de hoy en día. Hay desde canciones completamente sintéticas hasta canciones interpretadas en una guitarra acústica y algunos híbridos con sonidos orquestales y superposiciones de guitarras como un wall of sound.

La mayor inspiración del álbum de El Diestro fue el ‘Abbey Road’ de Los Beatles. El disco formalmente corresponde a las diecisiete canciones de ese disco, pensándolo como un LP de dos lados que contiene un medley en el lado B, de canciones cortas que se suceden unas a otras. A través del álbum aparecen recurrentemente motivos que anuncian o referencian a otras, y motivos de discos anteriores para insistir en el tema de la memoria, como si toda su obra estuviera sucediendo en el tiempo y nunca se cerraran las heridas que dieron pie a crear las canciones anteriores. Este disco es un esfuerzo consciente de cerrar esos capítulos. A nivel de arreglos y orquestación, The Beach Boys y el álbum ‘Say no More’ de Charly García, con un concepto propio de él que nombra como ‘Maravillización’: hacer que la mezcla de los instrumentos y los efectos de sonido parezcan una banda sonora de una película que no se ve, pero se escucha.

En ‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ de El Diestro encontramosla canción homónima que abre el disco es un tema con variaciones, un género de la música clásica que insiste en un solo motivo que evoluciona y aparece y desaparece. ‘Tinto envenenado’ es un tango nadaísta, ‘El faro’ es una metáfora sobre las jerarquías en el amor, ‘Letterboxd’ es cinematográfica, ‘Cualquier cosa que no sea tu nombre’ es un pop progresivo, ‘Esclavo’ es jazz rock melancólico, ‘Vos querías ser darks’ es el amor sagrado, ‘Algún abril’ es un bolero tumbado, ‘Carlos E. Restrepo’ es una declaración de amor snobista, las seis canciones del medley son una carta abierta a muchas personas en las que el músico piensa constantemente, ‘Tardes del río’ es gratitud pura y ‘El porvenir’ es agridulce, una conclusión que confirma que la historia ha de repetirse, una condena y a la vez una despedida.

‘Tinto envenenado’ es el focus track del disco de El Diestro, un sencillo que es el abre bocas a la estética del disco, que fue direccionada por Miguel Álvarez y está inspirada en la filmografía de David Lynch. El disco insiste en el tema de los sueños y estéticamente busca acercarnos a una atmósfera inquietante que irá video por video dando una visión global del concepto del álbum.

Actualmente los videoclips de ‘Letterboxd’ y ‘Vos querías ser darks’ están en producción y se van hilvanando con este primer visualizer.

Según El Diestro, «a nivel audiovisual, el disco ronda sobre un monolito que encontré alguna vez en mi casa que tiene un círculo en la mitad y funciona como símbolo del álbum y a la vez como mi nuevo logo. Este símbolo es sugestivo esotéricamente, y puede significar cualquier cosa, pero para mí tiene un valor especial y este aparece a través de los videoclips de ‘Tinto envenenado’, ‘Letterboxd’ y ‘Vos querías ser darks’. Está abierto a interpretaciones, pero específicamente en el video de esta canción quise referenciar ‘Yendo de la cama al living’ de Charly García».

«Espero ser recordado por este disco y girar por todo el país con estas canciones, que sé que ya han marcado precedentes a nivel de oyentes y de difusión orgánica. Espero ver a muchas personas coreando lo que yo considero es el único disco hasta ahora que define mi estética: demasiado contemporáneo para los clásicos, demasiado clásico para los rockeros, demasiado rockero para los jazzistas, demasiado jazzista para los contemporáneos y así hasta el fin de los días», enfatiza.

El Diestro planea lanzar el en vivo de Ciudad Altavoz, que fue el mejor concierto de su carrera hasta ahora. Este año se separó la primera agrupación que tuvo, La Parrockia, y planea mantener su legado a flote con otro disco en vivo del último concierto que se está editando actualmente con el ingeniero y productor Juan José García.

Además, el músico se presentará en el Festival Internacional Altavoz en Medellín el lunes 13 de octubre a las 8:45 p.m. en el Escenario Late Más Fuerte del Parque Norte.

«Contando con un horario estelar, confiamos estar a la altura del reto y disfrutar inmensamente de la tarima que alcanzamos después de ser espectadores durante muchos años. Me siento afortunado de contar con un equipo y una banda que me acompaña en mi locura, y sé que va a ser una presentación histriónica y quizás algo irreverente con el estado del rock colombiano, o por lo menos de la escena indie alternativa de la que provengo, pero a la que sé que nunca he pertenecido. Por la misma situación de lo inclasificable que he sentido que puede ser mi música, para mí es una alegría gigantesca haber clasificado en la categoría rock haciendo lo que hago, y no siendo parte del status quo congelado que pretenden muchos oyentes de mi ciudad», puntualiza.

«Este disco fue hecho con el absoluto convencimiento de que se puede hacer música compleja y divertida a la vez y que hablar de la muerte y el dolor debe conducir de alguna forma al amor o a la vida misma. Estas licencias que solo tiene el arte hacen más llevadera la existencia en un país que año a año más se ve sin rumbo, pero creo que en las colectividades de nicho está la esperanza de que Colombia saque la cara por el arte y por la gente que lo conforma», concluye El Diestro.

Naya Rockers presenta 2 canciones de infarto

Con el lanzamiento de «The Right Path», el nuevo sencillo incluido en su álbum Higher Education, el artista presenta una poderosa canción de inspiración reggae que se erige como un himno de unidad, bondad y vida consciente. Con letras profundas que nos invitan a proteger la Tierra, rechazar la codicia y optar por un camino de paz, «The Right Path» se convierte en un grito de esperanza para un futuro más justo y sostenible, animando a todos a «pisar el camino correcto».

Este tema está lleno de energía espiritual, siendo una llamada a la fe, la gratitud y el positivismo. Las letras, que hablan de confiar en Dios, superar las dificultades y agradecer cada momento, fusionan sabiduría y devoción en un mensaje de esperanza y resiliencia. Con cada acorde, la canción nos recuerda que, a pesar de los desafíos, siempre hay espacio para la fe y el agradecimiento.

Un aspecto especial de este lanzamiento es el compromiso del artista con la comunidad. La mayor parte de los ingresos del álbum serán donados a la Alpha School of Music en Kingston, Jamaica, institución que forma a nuevos talentos en la música. Con el apoyo de Floki Studios, esta acción busca no solo fortalecer la educación musical, sino también proporcionar una oportunidad para los jóvenes de la región.

«The Right Path» es más que solo música; es un llamado a la acción, una invitación a tomar decisiones que nos acerquen a un mundo mejor. Un himno para quienes creen en la fuerza de la música para transformar y sanar.

Naya Rockers y Hector Roots Lewis presentan «Thanks» (USA -Jamaica)

Naya Rockers y stephen marley presentan The Right Path (USA -Jamaica)

BizzySixFour presenta un triple lanzamiento musical: EightySix, I Don’t Mind y Next Step

El talentoso artista BizzySixFour sorprende a sus seguidores con un poderoso estreno compuesto por tres nuevas piezas musicales: EightySix, I Don’t Mind y Next Step. Cada una de estas producciones refleja la versatilidad y frescura creativa que caracteriza su estilo, consolidándolo como una de las propuestas más llamativas en la escena actual.

Con EightySix, BizzySixFour explora sonidos intensos y llenos de energía; en I Don’t Mind apuesta por una vibra más introspectiva y emocional; mientras que Next Step proyecta un espíritu evolutivo y ambicioso, simbolizando el camino hacia nuevas etapas en su carrera artística.

Este lanzamiento no solo reafirma el compromiso del artista con la innovación musical, sino que también abre un nuevo capítulo en su trayectoria, invitando al público a sumergirse en un viaje sonoro diverso y lleno de matices.

Fumiro Kaneko: compositor de música incidental y comercial desde Tokio

Fumiro Kaneko, originario de Tokio, Japón, es un compositor especializado en música incidental y bandas sonoras para comerciales. Su más reciente trabajo, titulado “CO Kick”, refleja su estilo versátil y su capacidad para crear paisajes sonoros que transmiten emociones y acompañan narrativas visuales.

Con una trayectoria marcada por la persistencia y la sensibilidad musical, Kaneko busca que cada proyecto sea una experiencia única, donde la música se convierta en un puente entre la imagen y el espectador.

DERON alcanza el #1 en Beatport con su remake de “Music” de Madonna

El DJ y productor DERON ha logrado un hito en su carrera con su más reciente lanzamiento: un remake de “Music”, el icónico éxito de Madonna. Esta nueva versión ha conquistado las redes sociales y rápidamente se ha convertido en tendencia gracias al apoyo de grandes nombres de la industria como Hugel y Diplo, quienes han incorporado el track en sus sets alrededor del mundo.

El entusiasmo del público ha sido clave para su ascenso, posicionando al remake en el TOP 1 de Beatport el mes pasado, justo tras su lanzamiento. Esta reinterpretación mantiene la esencia del clásico, pero con un sonido fresco y enérgico, ideal para la pista de baile actual.

Con este éxito, DERON reafirma su lugar en la escena electrónica internacional, ofreciendo a los fans una experiencia musical que conecta la nostalgia de un clásico con la fuerza de la música electrónica moderna.

Estella Dawn desata fuerza y rebeldía con “I Like It Rough”

La cantante, compositora y productora neozelandesa-estadounidense Estella Dawn regresa este 29 de agosto con “I Like It Rough”, un sencillo oscuro y desafiante que late con energía pop cargada de poder, resistencia y una feminidad caótica e indomable.

El tema combina ganchos feroces, una producción cruda y una interpretación vocal que muerde con confianza, confirmando a Estella como una de las voces más audaces de la nueva escena pop. Entre la intensidad ardiente de BANKS, la franqueza narrativa de Jessie Reyez y la irreverencia de Doja Cat, Dawn consolida un estilo propio, tan arriesgado como magnético.

“Esta canción es para cualquiera que haya sido juzgado, subestimado o arrastrado”, explica la artista. “Se trata de transformar eso en combustible: plantar cara y cambiar la narrativa”.

Su música es un terreno donde la suavidad y la fortaleza conviven, y “I Like It Rough” lo evidencia con un espíritu de rebeldía que también es catarsis.

Nacida en Nueva Zelanda y actualmente radicada en San Diego, Estella Dawn es mucho más que una voz potente: escribe, produce y toca cada una de sus canciones, fusionando pop, soul, hip-hop y rock en una propuesta que desafía etiquetas.

Con más de 7 millones de reproducciones en lo que va del año y sencillos destacados como “514 Denim”, “Big Enough” y “Locked In”, ha logrado conectar con una audiencia global en crecimiento. Su música ha llegado a playlists de Spotify como New Pop Picks, The Drip y young & free.

Independiente, incansable e inolvidable, Estella Dawn se perfila como una de las artistas emergentes más prometedoras del pop actual.

SIIE irrumpe con ‘J’attends’: pulsos hipnóticos entre el darkwave y el techno

Tres meses después de su debut con Acmé, el dúo SIIE regresa con ‘J’attends’, un corte demoledor que combina la crudeza del darkwave con la energía incesante del techno. El tema, cantado en francés, se adentra en reflexiones sobre la desaparición, el borrado y la pérdida de identidad en un mundo vacío de significado, levantando un espejo oscuro a la condición contemporánea.

Más allá de su inconfundible huella sonora, SIIE se mueve en esa frontera difusa donde la realidad se desdibuja y la fantasía comienza. Su propuesta, enigmática y seductora, conecta tanto con los seguidores del post-punk y la body music industrial de los años 80, como con la escena actual de clubes iluminados por estrobos, donde los beats hipnóticos de cuatro por cuatro parecen provenir de otra dimensión.

Las voces cargadas de magnetismo envuelven al oyente, mientras los sintetizadores pesados y las bases rítmicas —afiladas como una cuchilla— dibujan un viaje sonoro hacia las sombras de la noche.

En el lado A del EP, ‘À Travers’, SIIE cuenta con la colaboración de BadWolf, quien potencia el tema con líneas de bajo intensificadas y una simplicidad ultra-poderosa, tan sofisticada como arrolladora. Su aporte se siente como una ola expansiva que arrastra directamente a la pista de baile.

Con ‘J’attends’ y ‘À Travers’, SIIE reafirma su capacidad para conjugar misterio, contundencia y elegancia, consolidándose como una propuesta imprescindible dentro de la nueva ola electrónica que no teme abrazar la oscuridad.

Meredith O’Connor: la voz del pop adolescente que inspira al mundo

Meredith O’Connor se ha consolidado como una de las grandes sensaciones del pop adolescente, cautivando a millones de oyentes con sus canciones que no solo conquistan las listas de radio, sino que también transmiten un mensaje poderoso. Reconocida como un ícono y pionera en la lucha contra el bullying, la artista ha logrado transformar su música en una plataforma de empoderamiento y esperanza.

Con conciertos agotados en diferentes partes del mundo, Meredith ha demostrado que su propuesta trasciende lo musical: sus letras han sido descritas por fans como un salvavidas, un refugio y una fuente de fortaleza personal. Cada tema refleja un compromiso genuino con levantar y motivar a quienes atraviesan momentos difíciles, convirtiéndola en una referente única dentro de la industria.

Meredith O’Connor no solo brilla en los escenarios, sino también como líder de una generación que encuentra en su música inspiración para vivir con confianza, resiliencia y autenticidad.

I Am

Distraction

The Game

Celebrity

Dumomi The Jig Lanza «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx: Himnos de perseverancia y éxito

El artista nigeriano-británico Dumomi The Jig continúa marcando huella en la escena musical con el lanzamiento de sus nuevos temas «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx, tres pistas que combinan motivación, autenticidad y celebración de los logros obtenidos a través del esfuerzo constante.

«Money (Hustle)», en colaboración con Psalmx, se posiciona como un himno inspirador sobre la perseverancia y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo pese a los desafíos. Con un estilo que mezcla narrativa personal, slang callejero nigeriano y referencias culturales, la canción celebra la resiliencia, la ambición y la gratitud, especialmente hacia la familia.

Las letras describen noches largas de trabajo, movimientos calculados y una determinación inquebrantable para no dejarse vencer por la negatividad o las mentiras. Este lanzamiento representa tanto una celebración del camino recorrido como una promesa de mayores éxitos por venir.

Adenuga Adedumomi, nombre real de Dumomi The Jig, es un artista apasionado por la música y las emociones que esta despierta. Su versatilidad le permite rapear, cantar y producir, resultado de años de persistencia y práctica. Con estas canciones, combina ritmos relajados con energía vibrante, creando un sonido que conecta con todos aquellos que persiguen sus sueños y trabajan duro para alcanzarlos.

Septon regresa a los escenarios con un concierto sinfónico de metal progresivo en Barranquilla

La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.

Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.

En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.

“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.

La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.

Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.

La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.

Detalles del concierto

• Fecha: 22 de agosto de 2025
• Hora: 7:00 p.m.
• Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
• Entrada: Libre

Sobre Septon

Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 7

Love Ghost presenta Spirit Box – USA

“Spirit Box” evoca el misticismo de una caja espiritual: ese medio usado para comunicarse con el más allá. Esta canción hace exactamente eso. A través de su atmósfera envolvente y lírica inquietante, se convierte en un puente sonoro entre lo terrenal y lo trascendental. Una pieza que conecta emociones profundas con lo invisible.

Dj Oluteo ´presenta Summer Speaker Test – USA

“Summer Speaker Test” es un tema amapiano vibrante, impulsado por los característicos log-drum profundos, acordes de piano con tintes jazzy y ganchos vocales cargados de alma. Perfecto para playlists de atardeceres, sets relajados al final del día o momentos golden hour. Es mi producción más pulida hasta la fecha, y consolida el impulso que he ganado como nuevo talento en la escena sudafricana. ¡Gracias por considerar esta propuesta!

Caleb Hart presenta Golden Child (Remix) – Canada – Trinidad y Tobago

Golden Child (Remix) es una reinterpretación dinámica que fusiona la sensibilidad Caribbean-soul de Caleb Hart con la energía original de TK the Artist, elevada aún más por la producción precisa y fluida de Jayden Brown. Aunque más corta en duración, cada segundo cuenta: es un homenaje sincero, una inyección musical de energía positiva y un track con alto valor de repetición.

Ideal para quienes disfrutan de mezclas de géneros con profundidad emocional, entre el R&B y el reggae. La incorporación de Caleb Hart marca una colaboración poco común después del lanzamiento original, fruto de una auténtica admiración artística y una chispa creativa compartida. Su verso aporta calidez personal y un tributo sentido a TK, enriqueciendo la esencia del tema original. La combinación del estilo melódico de Hart y la energía inconfundible de TK le da nueva vida al track.

Erik Aronesty presenta Enter Weird – USA

PJ Sin Suela presenta Si Te Vas – PJ Sin Suela, Blessd, Sparrow & Barbossa – Colombia, Mexico y Puerto Rico

“Si Te Vas” es un vibrante Caribbean house de PJ SIN SUELA junto a BLESSD y el dúo de productores SPARROW & BARBOSSA. Un tema diseñado para encender cualquier fiesta y extender el verano durante todo el año. La percusión es contagiosa, los ritmos bailables y la vibra general te pone de buen humor desde el primer segundo.

Con un beat adictivo y un flow que cruza fronteras, esta colaboración promete convertirse en favorita para playlists tropicales, sesiones de sunset y fiestas con buena energía. ¡Espero que la disfruten, la compartan y la lleven donde sea que haya ganas de bailar!

O KANENAS presenta Godless – Grecia

Una canción de rock pesado en compás de 9/8 que expone la hipocresía presente en nuestra sociedad, donde la piedad y la supuesta devoción a lo divino son utilizadas por personas sin ética para alcanzar poder, estatus o ambiciones personales. El tema inicia con un drone inspirado en la música bizantina, estableciendo un ambiente denso y espiritual, que luego se transforma en guitarras poderosas que replican ese mismo patrón durante los coros. Es una crítica contundente envuelta en una estructura rítmica compleja y una intensidad sonora que no da tregua.

RΛYΛ ✕ ŦΞGØ presenta Static // Star – Reino Unido

«Static // Star» es el segundo sencillo del dúo afrofuturista RAYA ✕ TEGO, una experiencia sonora que fusiona potentes beats grime, capas vocales inspiradas en el K-pop y texturas hipnóticas de R&B electrónico. Este tema, nacido en el corazón del SignalVerse —un universo paralelo de ciencia ficción donde las identidades fallan y las señales estelares colisionan— es un estallido digital de adrenalina: audaz, cinematográfico y hecho para contar historias visuales. Con transiciones glitch y ganchos multilingües, la canción transporta al oyente a un mundo de movimiento, memoria y una desafiante resistencia interestelar.

Amerakin Overdose presenta Nothing (Without You) – USA

Les presentamos nuestro nuevo sencillo y videoclip: «Nothing (Without You)», que cuenta con la colaboración especial del nominado al Grammy Jonny Santos, vocalista de Spineshank y Silent Civilian, quien aporta voces invitadas y un solo de guitarra explosivo.

Martina Camargo presenta Ritmo De Los Tambores – Colombia

Los productores italianos D.J. Thor y Robbie Groove se unen en «Ritmo De Los Tambores» junto a la inigualable voz de la nominada al Latin Grammy Martina Camargo, reconocida por éxitos como “Me Robaste El Sueño”, “Guataquí” y su más reciente colaboración con Keinemusik en “The Dream”.

«Ritmo De Los Tambores» ofrece una experiencia sonora dinámica e inmersiva que fusiona magistralmente ritmos tribales con potentes grooves de house. La participación vocal de Martina eleva cada momento del tema, aportando profundidad emocional y un distintivo aire global. Su voz única armoniza a la perfección con las poderosas percusiones y líneas de bajo, convirtiendo este tema no solo en un himno para la pista de baile, sino también en un viaje emocional.

Damos presenta Saturday nite special – USA

charlie presenta Brilla-Shine – Argentina

Recomendado por su mensaje esperanzador y energía positiva, este lanzamiento invita a la reflexión y al disfrute. El artista nos recuerda que el mundo necesita buenas vibras, y que la música, combinada con palabras con propósito, puede ser un instrumento poderoso de transformación. Una propuesta sonora que busca tocar corazones y dejar huella.

MaYita presenta su disco ‘SOMOS’, un rezo por la unidad

La artista, cantante, compositora, mujer medicina y guardiana espiritual colombo americana MaYita regresa con nueva música. Se trata del disco ‘SOMOS’,un rezo que nos recuerda que estamos juntos en estos tiempos de profundo cambio. Es una invitación a reconocer que nos tenemos los unos a los otros, a sostenernos en comunidad, desde el corazón. Es una oración viva que representa lo que estamos atravesando como humanidad; una ofrenda que honra este momento crucial, como parte del cumplimiento de la profecía del nuevo tiempo.

«‘SOMOS’ no es solo un álbum, es una invocación colectiva, un canto sagrado por la unidad, el recuerdo profundo y la sanación de nuestra humanidad. Nace desde la raíz —desde la tierra, los saberes ancestrales, las abuelas, los rituales y memorias que nos habitan— y se eleva hacia las estrellas, hacia ese futuro que soñamos con el corazón despierto. Cada canción es una medicina cantada, un puente entre mundos y un tejido vivo entre culturas. Habla de volver a ser, de recordar lo esencial, de encender el fuego interno y caminar en comunidad hacia un nuevo tiempo, guiado por el amor, la conciencia, la belleza y la verdad», cuenta MaYita.

La inspiración del disco nace de múltiples fuentes: de la tierra misma, de los cantos medicina, de las ceremonias, de los encuentros con los pueblos originarios y de las voces sabias de los abuelos y abuelas; de la familia, la comunidad, los espacios rituales… También brota del dolor colectivo de la humanidad, y de la capacidad infinita de transformación.

«Este disco es para todos los corazones que estén listos para recordar, para los guardianes del nuevo tiempo, para los pueblos, las madres, los niños, los abuelos… para ti, que escuchas el llamado de volver al corazón», agrega.

‘SOMOS’ transmite un mensaje de amor, unidad, coraje, coherencia, soberanía e integridad, dirigido a todos los que resuenan con esta energía, para que podamos sentir la fuerza de nuestros corazones a través de cada uno de sus sonidos. El disco explora sonidos que fusionan lo ancestral y lo contemporáneo: cantos de medicina, mantras, rezos indígenas, electrónica sutil, tambores ceremoniales, cuencos, flautas y elementos orgánicos entrelazados con una producción moderna.

«Los sonidos de mi tierra natal, Colombia, que vibran muy cerca de mi corazón y resuenan en la energía de mis células, habitan en mí, las altas montañas con sus ríos y bosques, el exuberante Amazonas, del Altiplano, el Caribe… También en el disco honramos todo el cosmos que habitamos y nos habita, no solo mi lugar de nacimiento, sino toda esta esfera cósmica, nuestra madre tierra que es nuestro gran hogar. Rezando en cada territorio por donde pasamos, tejiendo cada relación, cada alianza con los Guardianes del Arcoíris, sembramos semillas de amor, paz y gratitud, y de cada uno también recibimos valiosísimos regalos, magia, arte, medicina y toda esta inspiración que nos invita a crear esta música para compartir», enfatiza la artista.

Cada canción emite una frecuencia viva, diseñada para sanar, despertar y elevar. Es una producción finamente tejida. Cada capa de sonido ha sido grabada y entrelazada para crear un portal sonoro que activa la frecuencia de la sanación en cada ser y nos recuerda el poder sanador que despierta cuando reconocemos que SOMOS parte de un tejido cósmico que nos sostiene.

«Este disco no me pertenece, nos pertenece. Es un obsequio para recorrer juntos los retos y revelaciones del nuevo tiempo, acompañados por la medicina de amor hecha música», puntualiza.

Este disco es medicina para los momentos de transición, búsqueda y sanación. Es ideal para rituales personales, despertares conscientes, meditaciones, caminatas por la naturaleza o simplemente para cuando necesites recordar tu luz interior. Perfecto para las mañanas con intención y para las noches de oración. ‘SOMOS’ es un fiel compañero en esos instantes en que el alma pide sostén o inspiración.

Según MaYita, «Mi mayor deseo es que este disco toque los corazones profundamente. Que sea una herramienta de sanación, un recordatorio de lo sagrado que habita en cada ser. Espero que inspire a muchas personas a reconectar con su esencia, con su cultura, con su camino espiritual. Que sirva como un puente vivo entre mundos, entre generaciones, entre tradiciones. Más que alcanzar un éxito comercial, sueño con que ‘SOMOS’ se convierta en un legado espiritual y artístico».

La portada del disco fue canalizada como un altar visual. Refleja la visión de un nuevo mundo, donde los guardianes —visibles e invisibles— se reúnen para sostener la vida. Contiene elementos de la tierra, el cosmos, el agua, el fuego; acompañada de los espíritus guías del colibrí y el jaguar, entretejidos con intención. Cada símbolo está ahí para recordar la unidad, la belleza y el equilibrio. Fue diseñada junto a un equipo que comprendió profundamente la misión del disco como una obra sagrada, y logró traducir su espíritu en imagen.

«‘SOMOS’ llegará a ceremonias vivas. Lo compartiremos en festivales de medicina, círculos íntimos y escenarios consagrados en América y Europa. También lanzaremos videoclips sagrados para cada canción, acompañados por un documental que narra el viaje espiritual detrás del álbum. Además, habrá encuentros virtuales para conectar con la comunidad global, tejiendo puentes entre corazones despiertos más allá de las fronteras», concluye la artista.

‘SOMOS’ no es solo música, es un espejo. Escucharlo es una oportunidad para recordar quién eres, de dónde vienes y hacia dónde se dirige tu alma. Es una invitación a volver al corazón, a sentirte parte del gran tejido de la vida. En medio de un mundo ruidoso, este disco es un rezo que trae de vuelta el silencio interior y activa la memoria espiritual. Escuchar ‘SOMOS’ es escuchar tu propia voz interior convertida en canto.

Escucha ‘SOMOS’ de MaYita en tu plataforma musical favorita https://distrokid.com/hyperfollow/mayita1/somos-2

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 6

DUPLEXITY presenta Love In Reverse – USA

“Love In Reverse” es una balada pop rock vibrante que explora el dolor del amor, capturando la angustia de alejarse incluso cuando parece la decisión correcta. Coescrita por Savannah y Luke Judy junto al renombrado compositor Trey Bruce, la canción fue grabada profesionalmente en The Sound Emporium (Nashville, TN) y combina melancolía con esperanza, transmitiendo la esencia agridulce de madurar a través del amor. Con un arte visual impactante y un sonido cautivador, DUPLEXITY consolida su reputación como una fuerza emergente tras compartir escenario con artistas como Benson Boone y Hannah Bahng.

Cristian Dujmović presenta Después, el origen – Argentina y España

MOUNTS presenta Suavemente – España

“SUAVEMENTE” es el nuevo himno veraniego de Mounts, Zaid y Seni520, producido por JNull. Con un sonido fresco y vibrante de funk reguetón, el tema mezcla ritmos contagiosos, letras amorosas y una atmósfera festiva que invita a bailar desde el primer segundo. Pensado para ser la banda sonora de fiestas, chiringuitos y noches estivales, este lanzamiento consolida a los artistas gaditanos como referentes de la escena urbana andaluza, combinando una propuesta comercial con la esencia del sur. Ya disponible en todas las plataformas digitales.

Cosme De La Cruz presenta Clash – Chile

Swamp Music Players presenta Weeping Dynamite – Canada, USA y Reino Unido

“Peace” es un tema de esencia Americana con una letra cargada de simbolismo y referencias potentes. Entre imágenes como dinamita llorando, uranio empobrecido, Kryptonita y el Agente Naranja, la canción mezcla lo íntimo y lo político para crear una reflexión sobre la violencia, el poder y la fragilidad humana. Con una atmósfera cruda y poética, “Peace” se convierte en una propuesta original que invita a dejar “bien suficiente en paz” antes de que todo estalle.

Nordstahl presenta Ragnarök in Berlin – Alemania

“Ragnarök in Berlin” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis moderno, narrado desde la perspectiva de alguien que ha dejado de luchar contra él. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es perfecto para fans de Rammstein y Eisbrecher. Este sencillo forma parte de un álbum conceptual que explora el relativismo moral y el colapso social a través de metáforas mitológicas. Disponible desde el 13.07.25, la banda busca espacios en playlists, cobertura mediática e interés de sellos discográficos.

Ala Nkolika presenta We hustle we fight -USA

Ala Nkolika mixes Classic Memphis sound with amapiano. Let’s work together and promote each other platforms. Music video for the song will release August 19th. Thank you so much for your time and consideration.

Cutterred Flesh presenta The King In Yellow -Czechia

Con “The King in Yellow”, Cutterred Flesh se adentra en la mitología perturbadora de Robert W. Chambers y el horror cósmico que inspiró a Lovecraft. Este nuevo sencillo combina su brutal death metal característico con elementos disonantes y atmosféricos, dando vida a una narrativa cargada de decadencia, fatalismo y locura. Riffs aplastantes, guturales en capas y cambios de tempo dinámicos acompañan el descenso del protagonista hacia la ruina psicológica en la mítica ciudad de Carcosa, bajo la omnipresencia del Rey Amarillo. Un tema intenso y cinematográfico que muestra el lado más narrativo de la banda sin perder la ferocidad que los define.

El Drez presenta Yayo – Liberia

NESTA presenta Be My Love – USA

NESTA, artista caribeño-estadounidense emergente de Queens, NY, fusiona el Lovers Rock reggae con soul y R&B contemporáneo en “Be My Love”. Este tema sensual y rítmico captura la esencia atemporal del reggae con la profundidad emocional de artistas como Brent Faiyaz y Chronixx. El sencillo ya está ganando tracción internacional y contará con un remix junto al ícono británico Wretch 32, previsto para el 1 de agosto. Con esta campaña buscan ampliar su alcance global a través de playlists, blogs, radios (especialmente en Reino Unido, Francia y África) e influencers, consolidando a NESTA como una voz global del reggae moderno.

MAXIIM presenta You Fly In My Spirit (Remix) – Francia

Tras conmover con la versión original de “You Fly In My Spirit”, el artista francés MAXIIM presenta un hipnótico remix electrónico creado en colaboración con el colectivo berlinés Theatrophone Music. Este nuevo lanzamiento mantiene la esencia emotiva del tema original, pero la transforma con una energía profunda y vibrante directamente desde la escena underground de Berlín. Un puente sonoro entre el pop francés y la electrónica europea, listo para encender las pistas de baile en Brasil y más allá.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 5

Westwell presenta If I’m not with you – USA

“Not With You” es una balada indie folk cinematográfica que se apoya en guitarras etéreas, texturas ambientales y voces melancólicas. La canción habla de la distancia y la ausencia emocional, desarrollándose como una reflexión de combustión lenta que envuelve con una intensidad serena y contenida.

LevyM presenta Lo Que Soy

“Lo Que Soy” es una vibrante colaboración entre el productor neerlandés de Afro House LevyM, el creador de hits latinos Michael Mendoza y la vocalista BĒNI. El tema fusiona la profundidad del Afro House con la calidez de las raíces latinas, a través de una línea de bajo bailable, percusión rica en matices y una interpretación vocal que combina spoken word con alma y emoción. Más que una canción, es un viaje intercultural que explora la identidad, la herencia y el ritmo, ideal para listas de reproducción con sonidos globales, sesiones junto al mar o selecciones de house con alma.

Cortez Lake presenta It’s Just Me – USA

“It’s Just Me” es un himno auténtico y optimista que celebra la individualidad, la seguridad en uno mismo y la fuerza de ser fiel a lo que eres sin disculpas. Con una producción enérgica, letras introspectivas y un hook contagioso, el tema invita a bailar y reflexionar al mismo tiempo. Perfecto para listas de reproducción con vibras positivas, mood playlists y para acompañar el creciente buzz de sus próximos lanzamientos.

COMMOTION presenta stargazing – USA

“Stargazing” es una canción cargada de emoción dedicada a quienes han perdido a alguien muy querido. Con vibras de alt/hip-hop, el tema combina una atmósfera introspectiva con un tono melancólico que invita a la reflexión y la conexión profunda. Es un homenaje sonoro al recuerdo y al proceso de sanar a través de la música.

Jack Horton presenta Never Know Why (feat. Vesper Stockwell) – Japon y USA

“Never Know Why” es un poderoso dúo extraído del EP Imperfections. La canción comienza de forma minimalista y va creciendo hasta desplegar una sinfonía completa, con armonías deslumbrantes entre la voz clara de Vesper Stockwell y la tonalidad áspera del intérprete principal. Este tema es una balada sobre el amor y la necesidad inexplicable de estar con alguien, incluso cuando no hay razones claras. Un viaje emocional que combina delicadeza e intensidad.

Groove Incorporated presenta Thinkin Of You – Nueva Zelanda

Con más de 75 mil visualizaciones en YouTube y 22 mil reproducciones en Spotify en su primer mes, este tema ya está generando un impacto notable. El éxito inicial respalda su potencial para una mayor promoción y consolidación como un lanzamiento destacado. Una propuesta cargada de emoción y autenticidad que sigue sumando oyentes alrededor del mundo.

Nordstahl presenta Mjölnir – Alemania

“Mjölnir” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis contemporáneo. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es ideal para fans de Rammstein o Eisbrecher que buscan una descarga intensa y reflexiva sobre la sociedad actual.

Nordstahl presenta Lokis Lügen – Alemania

TEAM A!MS presenta A!MS X ARRDEE – NEED SOMEBODY – Cyprus y Reino Unido

A!MS une fuerzas con el favorito del rap británico ArrDee en “Need Somebody”, un pegajoso y melódico tema veraniego con vibras de Afrobeats. Este sencillo anticipa el próximo álbum Peak Season, donde A!MS presenta su innovador género Global Street, que fusiona ritmos urbanos con influencias culturales de todo el mundo. Producido por Golden Boy (Colombia) y con letras coescritas por Stige, el track transmite un mensaje de escape, seguridad y unión. Tras el éxito de Light & Love junto a Julian Marley (más de 5 millones de reproducciones y candidatura al GRAMMY), A!MS confirma su proyección internacional con apoyo de medios como Billboard, BBC 1Xtra, BET y el propio legado Marley.

Piero Farho presenta Ya Sayidi

“Ya Sayidi” es un cautivador tema de Afro House que combina grooves profundos, percusión tribal y ricas influencias árabes y norteafricanas. La canción fusiona texturas tradicionales con ritmos afro modernos, creando una energía hipnótica y espiritual que es a la vez cruda y sofisticada. Es un homenaje sonoro a las raíces culturales y al movimiento, ideal para transportar a los oyentes a noches en el desierto, rituales sagrados y pistas de baile hasta el amanecer. Perfecto para amantes de los sonidos afrocéntricos con emoción, ritmo e identidad.

Tomy HZ lanza “Amor al Movimiento”, “A Veces” y “Mañana”: hip hop orgánico con mensaje, ritmo y conciencia

El artista Tomy HZ presenta un poderoso trío de canciones que reflejan su esencia musical y su compromiso con un hip hop auténtico, sin filtros ni artificios. Con Amor al Movimiento, A Veces y Mañana, el músico nos invita a recorrer distintos paisajes sonoros donde se mezclan el funk, el reggae, el boombap clásico y letras llenas de sentido.

Amor al Movimiento destaca por su beat melódico con tintes espaciales y veraniegos, sobre el cual se despliega un flow versátil entre versos bien rapeados y coros cantados. La letra transmite esperanza y confianza en medio de la incertidumbre, convirtiéndose en un himno vitalista.

Por su parte, Mañana fusiona el reggae dub con el rap, en una propuesta que el propio artista define como “ragamuffin latino”. Una voz grave y carraspeada conduce el tema con lirismo rasta, acompañada por tramos de rap más acelerados que se deslizan con soltura sobre un beat elegante y estilizado.

Finalmente, A Veces es una pieza de rap clásico con beat de boombap, piano envolvente y una atmósfera de crítica social. El tema abre con un discurso del expresidente uruguayo Pepe Mujica, que sienta las bases para una letra introspectiva, directa y semi agresiva, en la que Tomy HZ reflexiona sobre las dinámicas sociales que atraviesan nuestras vidas.

“Cero inteligencia artificial. Es música hip hop orgánica”, afirma el artista, dejando en claro que cada palabra, cada beat y cada matiz provienen de la experiencia y la intención humana. Tomy HZ continúa consolidando su propuesta con una mezcla honesta y bien ejecutada de estilos, mensajes y emociones.

Amor al Movimiento

A Veces

Mañana

Back 2 School Presenta “Apunta Y Dispara”, Un Viaje Crudo Y Emocional Que Redefine El Pop Punk Colombiano

La banda barranquillera Back 2 School (B2S) regresa con más fuerza que nunca para presentar su nuevo EP “Apunta y Dispara”, una producción que mezcla la energía del pop punk, la melancolía del emo y la nostalgia de los 2000’s, con letras viscerales que hablan de amores rotos, emociones ocultas y puntos de quiebre.

“Apunta y Dispara” es el segundo sencillo del EP homónimo y retrata, con una intensidad brutal, el momento en el que todo se termina: cuando bajamos la guardia y la otra persona no duda en herirnos. Con un videoclip cinematográfico y una estética elegante pero caótica, B2S logra capturar esa catarsis emocional que muchos han sentido, pero pocos se atreven a decir en voz alta.

🎸 Un sonido que evoluciona

Desde su formación en 2012, Back 2 School ha construido una carrera sólida que los posiciona como una de las propuestas emergentes más auténticas del rock alternativo en español. Tras el EP “No Hay Tiempo Que Perder” (2018), el álbum KARMA (2022) y sencillos como “Sábado Sin Domingo”, la banda ha explorado nuevas sonoridades que consolidan su identidad: cruda, emotiva y sin filtros.

“Con este EP nos atrevimos a experimentar más que nunca, tanto musical como visualmente. Queremos que la gente se escuche en nuestras canciones, que digan ‘esto también me pasó a mí’”, afirma la vocalista y compositora Dayana Rico.

🔥 Lo que viene para B2S

El lanzamiento de “Apunta y Dispara” marca el inicio de una etapa más intensa y emocional para la banda. Próximamente, presentarán nuevos sencillos del EP y seguirán explorando colaboraciones con artistas de la escena alternativa.

“Este EP es solo el comienzo. Queremos que cada canción sea un puente para conectar con quienes nos han acompañado desde el inicio y con los que recién nos descubren”, comenta la banda.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 4

LeoPardo presenta A mi Manera – Colombia

Dj Remo presenta Will be ok – Polonia

Ronan Furlong presenta Living In The Underground – Irlanda

Ed Harvest presenta Lento – Puerto Rico

Soulbillies presenta Off the Tracks – USA

Helladdict presenta Sombras – Chile

“La tormenta”: una declaración de lealtad en clave indie rock de Niguiri 

Una nueva propuesta del indie rock en español llega con fuerza: “La tormenta”, una canción que invita a mantenerse al lado de alguien incluso en medio del caos. Lejos de ser una simple balada melancólica, este tema abraza la incertidumbre con guitarras envolventes, efectos de delay y reverb que crean una atmósfera introspectiva, ideal para esas noches solitarias en las que uno recorre la ciudad, ya sea caminando o al volante, tratando de ordenar sus pensamientos.

La voz, íntima y cercana, guía con honestidad una letra que apuesta por la fidelidad y la compañía en tiempos difíciles. La base rítmica constante sostiene una emoción que nunca se desborda, pero sí se siente. “La tormenta” se alinea con el sonido contemporáneo de bandas como Ultraligera, Arde Bogotá o solistas como Dani Fernández, posicionándose como una pista que puede conectar profundamente con quienes buscan algo más que un estribillo pegajoso.

El lanzamiento viene acompañado de contenido visual en TikTok e Instagram, con versiones acústicas y visuales nocturnos que potencian la narrativa íntima de la canción. Además, ya ha comenzado a circular en medios y prensa especializada del circuito indie. Por su carácter emocional y su sonido cuidado, “La tormenta” tiene todo para colarse en playlists como Indie Esp, Novedades Indie o Rock en Español.

Una canción para los que aún creen en estar, incluso cuando todo tiembla.