SOYLA PUBLICA SU ESPERADO TERCER ÁLBUM“RADAR»

La formación barcelonesa encabezada por Micky Laborde y Jordi Pegenaute presenta su tercer disco de estudio, un álbum que ha sido producido por la propia banda y Carlos Hernandez en Cherub Rock, El Masnou. Mezclado y masterizado en El Castillo Alemán, Pedrezuela, Madrid.

Después de lanzar varios adelantos como “La Ciudad”, “Días Sueltos”, “Manifiesto” o “Rey Sin Trono” ahora es el momento de lanzar el álbum al completo.

El trabajo lo forman 12 canciones que se mueven entre el pop rock y que fusionan melodías infinitas con riffs de guitarra vibrantes, ofreciendo un viaje lleno de energía y emoción. Cada tema destaca por letras sinceras y ritmos cautivadores que combinan la intensidad del rock con la accesibilidad del pop. Las canciones exploran temas universales como el amor, la superación personal y los desafíos de la vida moderna, mientras mantienen un sonido fresco y contemporáneo. Ideal para quienes buscan una experiencia auditiva dinámica que invite a cantar y moverse al ritmo de cada canción.”

Como focus track se ha elegido “Triste Pegador” una pieza musical que desafía los límites emocionales y sonoros con una mezcla única de sensibilidad y poder. En esta canción, nos sumergen en el mal trato donde la melancolía se encuentra con un ritmo contundente, creando una atmósfera que golpea el alma con fuerza mientras invita a la reflexión.

Con letras profundas y honestas, “Triste Pegador” habla sobre la lucha interna, los momentos de soledad y el esfuerzo por mantener la resiliencia frente a las adversidades. La canción captura esa dualidad que todos enfrentamos: la fragilidad de los sentimientos y la necesidad de mantenerse firme.

Musicalmente, “Triste Pegador” logra un sonido innovador que conecta con oyentes de todas las edades. Las guitarras hipnóticas, los sintetizadores envolventes y una base rítmica poderosa se entrelazan con la interpretación vocal cargada de emoción con un resultando en una experiencia auditiva memorable.

El disco estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del próximo 29 de noviembre. Además, acompañará un videoclip que promete capturar visualmente la intensidad y la narrativa de la canción. Con “Triste Pegador”, SOYLA demuestra una vez más su capacidad de transformar las emociones en arte.

RADAR es un reflejo de las inquietudes de una generación que navega por la digitalización, la desconexión emocional y el sentido de soledad en un mundo hiperconectado. La esencia de “Radar” radica en la exploración de estos sentimientos, manteniendo siempre la personalidad sonora que ha caracterizado a Soyla desde sus inicios”

Ed´s Multiverse lanza un impactante cover de “Caught Somewhere in Time” de Iron Maiden

Ed’s Multiverse estrena un emocionante video de su cover de la icónica canción «Caught Somewhere in Time« de Iron Maiden. Este proyecto nació a principios de 2021, cuando Ed (Rottenfly) decidió formar una banda colaborativa que reuniera a músicos destacados con el fin de rendir tributo a canciones especiales y crear material audiovisual de alta calidad.

La idea es rotar los miembros de la banda en cada versión, lo que ha permitido que cada proyecto tenga su propia identidad. Las primeras entregas, Alfa y Beta, rindieron homenaje a Slash y Myles Kennedy con «Back From Cali» y a Depeche Mode con «I Feel You«, respectivamente. Gamma continúa esta tradición, con una nueva propuesta de alta carga energética y musicalidad.

La formación de para esta nueva versión incluye a Ed y Boris Seeder (Aisles, Tornado) como vocalistas, quienes interpretan juntos la poderosa canción de Iron Maiden, compartiendo el rol de vocalistas por primera vez. Los acompañan músicos de renombre como Pablo «Chespi» La Ronde (Sobernot) y Omar Alvear (Intrascendence, Ten Richter) en las guitarras, Yerko Lincoyán (Parasyche) en el bajo y Martín Álvarez (Decessus) en la batería.

La grabación y el master de la canción fueron realizados por Franco Gabelo, mientras que el video fue producido por Trébol Films, con dirección y filmación a cargo de este mismo equipo. El trabajo audiovisual se filmó en Plectrum Studio y presenta una estética visual que complementa la potencia de la interpretación musical.

«Caught Somewhere in Time«, incluida en el álbum «Somewhere in Time» de Iron Maiden, es uno de los temas más emblemáticos de la banda británica. Lanzado originalmente en 1986, este álbum se destacó por su innovador uso de sintetizadores y su temática de viajes en el tiempo, lo que los consolidó aún más en popularidad y siendo considerado un hito en la historia del heavy metal. Actualmente, este tema forma parte del setlist de la gira The Future Past World Tour 2024.

Con esta nueva canción, Ed´s Multiverse busca rendir homenaje a una de las canciones más representativas de la banda británica, incorporando a Boris Seeder como co-vocalista, lo que aporta un toque novedoso a la interpretación. La producción general siempre ha estado a cargo de Kardioide Producciones, quienes se han encargado de dar forma a este tributo visual y musical.

 Insanidade lanza el video de “Get Out of My Way” y presenta el álbum Enough to Be a Loser

La banda de Goiás Insanidade estrena su nuevo video, “Get Out of My Way”, tema del álbum Enough to Be a Loser. Con un enfoque cinematográfico, el clip transporta al público a una versión ultracaótica de Los Ángeles de 1984, donde las fiestas, el sexo, las drogas y el Hard Rock desafiaban todas las reglas. Dirigido por Daniel Ete y editado por Rodrigo Fernandes, el vídeo es un viaje post-apocalíptico por la ciudad. En un viaje impulsado por Jack n’ Coke, los miembros se topan con versiones zombificadas de íconos de la época, incluidos miembros de Motley Crue y Ratt, actrices de entretenimiento para adultos como Ginger Lynn y Amber Lynn, e incluso el propio Terminator en su forma de carne y acero.

Nuevo álbum: Enough to Be a Loser
Lanzado en 2024, el cuarto álbum de estudio de la banda marca un avance significativo en su trayectoria musical. Descrito como el trabajo más pesado en la discografía del grupo, el álbum tiene una sensación de Hard Rock y Heavy Metal con influencias de gigantes como Motörhead, AC/DC, Guns N’ Roses, Motley Crue y The Hellacopters.

Con nueve temas, ocho de los cuales son originales y una versión del clásico “Looks That Kill” de Motley Crue, el álbum es una inmersión en el espíritu rebelde del Hard n’ Heavy de los años 70 y 80. Los riffs potentes y refinados. La técnica y la velocidad del sonido contagioso prometen conquistar a los fanáticos del rock pesado y enérgico. La formación actual de Insanidade cuenta con Lucas Tamandaré en voz, Luis Maldonalle en guitarra, Gustavo Vásquez en bajo y Rodrigo Miranda en batería.

Juntos, estos músicos crearon un álbum que resume la esencia cruda y visceral del rock’n’roll. Enough to Be a Loser ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, acompañado del imperdible video de “Get Out of My Way”.

Valentina presenta “veranito sad acústico”

La artista dominicana en ascenso, Valentina, sorprende a sus fans con el lanzamiento de “veranito sad acústico”, una reinterpretación acústica íntima de su exitoso EP, “veranito sad”.

Este nuevo proyecto desnuda los ritmos originales del EP para revelar interpretaciones emocionales que prometen conectar profundamente con su seguidores y nuevos admiradores en esta temporada de fin de año.

“veranito sad es un EP que me encanta y que disfruté mucho hacer”, comparte Valentina. “Quería darle a mi público para fin de año el mismo EP, pero desde una mirada más íntima y emocional”.

Esta versión acústica revisita temas favoritos como “playa rincón”, “2 traguito y tú”, “whikisito a la roca”, “você x copacabana” y “1 veranito sad” ahora reinventados con arreglos delicados que destacan la profundidad vocal y emocional de Valentina.

Mientras el EP original nos presentó una etapa donde Valentina se conecta con todos que añoran esa relación que no pasó o como dice ella misma “pudo pero no se logro”, “veranito sad acústico” invita a la introspección igual que la original pero con una connotación íntima al estilo de Valentina.

Este lanzamiento llega tras un año de grandes logros para Valentina. Recientemente, capturó la atención durante la Semana de los Latin Billboard, donde fue invitada a cantar en vivo en el showcase de Rimas Publishing y participó como panelista en las conferencias de Billboard. Su autenticidad en el escenario y su capacidad para conectar con el público han consolidado su posición como una artista destacada dentro de la música latina.

Chimalguen irrumpe en la escena nacional con su primer disco

Chimalguen, banda rock de raíz, originaria de la comuna de Cañete reconocidos por su fusión de rock, folk, metal y sonoridades mapuche, celebran el lanzamiento oficial de su primer álbum de estudio, bajo el sello “La Rara Records”. Este hito, que llega tras años de trabajo y exploración musical, representa un paso trascendental para la agrupación originaria de la comuna de Cañete, en la región del Biobío.

Conformada por los destacados músicos locales: Andrés Pino Zúñiga (bajo y voz)
Carlos Pérez Navarro (saxo, trutruca, guitarra y voces), Sebastián Torres Gallardo (batería), David Cáceres Avello (guitarra) y Francisco González Fontecilla (teclado y voces), presentan hoy su LP homónimo titulado “Chimalguen”. Sus letras transitan desde la cosmovisión mapuche, su reivindicación, el mestizaje, el devenir del ser humano, la percepción territorial, encontrando de esta manera un sonido con pertinencia local.

Entre los temas destacados se encuentra “El Misterio”, una pieza que invita a reflexionar sobre las creencias y las religiones. Con una sonoridad que transita desde lo introspectivo hasta lo expansivo, esta canción explora la dualidad entre las certezas y las dudas, mostrando la búsqueda incesante de comprender lo que está más allá de lo tangible.

Otro track que resalta es “No Sabrán”, una canción íntima y poderosa sobre el aprendizaje del amor. La banda aborda las dificultades y esperanzas inherentes a las relaciones humanas, ofreciendo un mensaje universal y emocionalmente resonante. Ambas composiciones se conectan por su deseo de comprender la esencia de la condición humana en un mundo lleno de contradicciones.

El proceso de creación y producción del disco comenzó en 2022 y culminó con una participación destacada en el Festival REC a fines de ese año. Durante este período, los integrantes de Chimalguen trabajaron arduamente en escuchar, re escuchar y reconocerse mutuamente, buscando plasmar en cada canción la cosmovisión mapuche, el mestizaje y la percepción territorial.

La banda se inspiró en su natal Cañete como un entorno único, una conexión profunda con la naturaleza y una comunidad musical solidaria que fomenta la autogestión. Este contexto enriquece su propuesta y les permite crear un sonido auténtico con pertinencia local.

Rosario Alfonso y Niña Tormentapresentan ‘La vida pasa’

La vida es colaborativa. Bien lo saben Rosario Alfonso y Niña Tormenta, cantautoras chilenas que forman parte del sello Uva Robot y que por estos días presentan “La vida pasa”, un bolero relajado y nostálgico que funciona como invitación a tomarse las cosas con calma, disfrutar del presente y atesorar aquellos momentos brillantes que nos deja el día a día. 

Con un tono optimista y luminoso que combina con frescura y sin esfuerzo los imaginarios de ambas artistas, “La vida pasa” es un souvenir del último período de giras por Colombia, España, Perú y México que compartieron durante este 2024, viaje que les abrió un espacio para componer juntas y entregar así una hermosa segunda colaboración. 

“Con Rosario ya llevamos varios años compartiendo y colaborando musicalmente. Aunque hemos tocado mucho juntas, nos debíamos hacer una canción en conjunto, así que en nuestro último viaje a España empezamos a inventar “La vida pasa”. El proceso se fue dando de una manera muy lúdica, en la que cada tanto alguna de las dos inventaba alguna frase o melodía, y en los tiempos libres y de paseos llevábamos los instrumentos para seguir inventando cosas. Me encantó cómo fuimos componiendo la letra, porque fue muy divertido, fluido y honesto. Queríamos hacer una canción sencilla, que hablara de guardar los momentos de felicidad que muchas veces se nos escapan de las manos cuando estamos en la vorágine del trabajo. Me encanta cantarla con Rosario, es un lindo regalo que le hemos hecho a nuestra amistad”, expresa Niña Tormenta.

“La vida pasa”, producida por Yaima Cat y masterizada por Arturo Zegers, irrumpe con suavidad en la caótica primavera santiaguina para adelantar parte de lo que será el esperado tercer álbum de Rosario Alfonso, programado para estrenarse en octubre de 2025: “Para mí, esta canción es sobre aprender a tomarse la vida con liviandad, disfrutar de la amistad y entender que, a pesar de todo lo difícil que puede ser esta profesión, somos afortunadas de estar juntas, haciendo esto que amamos que es la música”, detalla Rosario. 

Junto con el estreno, Niña Tormenta anunció una trilogía de conciertos junto a la argentina Juana Aguirre, gira que comenzará en Concepción el 18 de diciembre en Sala Bandera Negra, seguirá en Valparaíso el viernes 20 de diciembre en Sala Estudio Parque Cultural, y tendrá un gran cierre en Santiago el sábado 21 del mismo mes en el Teatro Principal de Matucana 100.

Además, Rosario Alfonso y Niña Tormenta se presentarán en vivo en el Festival Uva Robot, el sábado 18 de enero en la Casona Nemesio Antúnez (La Reina, Santiago). En esta edición, el evento contará con la participación de artistas de Colombia que forman parte del sello In-Correcto. Para más información sobre el line-up y venta de entradas, te invitamos a estar pendiente de las redes de Uva Robot y de ambas artistas.

Orchestra Fuego Presenta su Nuevo Sencillo Navideño «Un Pastel Caliente»

¡En esta temporada navideña, Orchestra Fuego está emocionada de llevar los sabores de Puerto Rico directamente a tus parlantes! Con gran entusiasmo, anunciamos el lanzamiento de nuestro nuevo sencillo navideño titulado «Un Pastel Caliente», con la increíble voz del cantante puertorriqueño Julio César Sanabria.

«Un Pastel Caliente» celebra la esencia de las tradiciones navideñas puertorriqueñas, poniendo en el centro de la celebración los deliciosos pasteles. Este querido plato es un elemento básico de la Navidad en la isla, y une a las familias en torno a la celebración y la calidez. Nuestra canción captura esa alegría con todos los ritmos festivos y la energía que amas de Orchestra Fuego.

La Orchestra Fuego, conocida por su dinamismo y pasión en la interpretación de música salsa, se enorgullece de añadir un toque navideño a su repertorio. Con la colaboración especial de Julio César Sanabria, un cantante puertorriqueño con una voz potente y emotiva, «Un Pastel Caliente» promete ser un éxito en las celebraciones navideñas de este año.

En palabras de Julio César Sanabria, «Participar en este proyecto ha sido una experiencia maravillosa. ‘Un Pastel Caliente’ es una canción que no solo celebra la Navidad, sino que también rinde homenaje a nuestras raíces y tradiciones. Espero que todos sientan la misma alegría que nosotros sentimos al crearla.»

La Orchestra Fuego ha demostrado ser un grupo versátil y talentoso, capaz de capturar la esencia de la música latina en cada una de sus interpretaciones. Su capacidad para innovar y mantener viva la tradición es evidente en este nuevo sencillo navideño. «Un Pastel Caliente» no solo destaca por sus ritmos festivos, sino también por su mensaje de unidad y amor familiar.

La Orchestra Fuego se ha consolidado como una de las bandas de salsa más influyentes de la escena musical latina. Con una trayectoria llena de éxitos y reconocimientos, han logrado cautivar a audiencias de todo el mundo con su música vibrante y contagiosa. Sus integrantes, liderados por el director musical Víctor Gámez, se esfuerzan por mantener viva la rica tradición de la salsa, al tiempo que incorporan nuevos elementos y sonidos modernos.

Disponible en Todas las Plataformas Digitales: «Un Pastel Caliente» ya está disponible en todas las plataformas de streaming. ¡No te pierdas la oportunidad de añadir este alegre himno navideño a tu lista de reproducción y dejar que los ritmos festivos de Orchestra Fuego iluminen tus celebraciones navideñas!

MARSELLA PRESENTA “ERES ESA LUZ» SU NUEVO SINGLE Y VIDEOCLIP

Eres esa luz es el segundo adelanto del nuevo trabajo de Marsella. Un disco de 9 canciones con una temática dura y compleja como es la pérdida de un ser querido a manos del cáncer. Estas 9 canciones cuentan la batalla que mantuvieron Germán (vocalista de Marsella) y su hermano Bruno contra le enfermedad. Cada single es un destello de luz y esperanza en un entorno completamente hostil donde, desgraciadamente, no hay final feliz.

Eres esa luz es una canción esperanzadora que nos recuerda que la luz de las personas que queremos jamás se apaga, a pesar de la oscuridad. Invita a hacerse fuerte ante las desavenencias de la vida.

El nuevo disco de Marsella toma como nombre “A todos los que se fueron”, convirtiéndose en un homenaje para el hermano de Germán y para todos aquellos que han perdido a un ser querido en sus vidas.

En este segundo disco de Marsella han trabajado varios nombres a cargo de la producción del mismo. El disco ha sido producido entre David Van Bylen y Germán G.Dobarco y coproducido por Carlos Hernández, Juan Sueiro y Fermín Bouza. El single ha sido mezclado por Juan Sueiro (Fangoria, Sofia Coll, Miss Caffeina…) Conocido por un estilo de producción mucho más electrónico. Las guitarras pasan a un segundo plano donde los sintetizadores de los 80s son los verdaderos protagonistas, otro guiño que Germán hace a su hermano Bruno, quién fue el encargado de enseñarle los grupos de aquella década.

El videoclip del single ha sido grabado en Radical Sonora, donde Viva Suecia grabó el vídeo de su trabajo “La voz del presidente”. La grabación vuelve a contar con esa mezcla de luces y sombras característica de su último disco. Con un travelling circular constante que simboliza el infinito.

El arte del disco corre a cargo de Enrique Ponsa y Sofía González, quiénes ya trabajaron en el anterior single de la banda.

La fotografía del single ha sido trabajada por Diego La Fuente, que ha colaborado con otros artistas como Nika, Paco León o Miguel Bernardeu.

Cantar e irse a trabajar: Chips y la gran ciudad presenta el videoclip de ‘Himno Matutino’

La reflexión del espacio y los objetos que hace Georges Perec se transforma en canciones en el debut largaduración de Diego Márquez, músico detrás de Chips y la gran ciudad, proyecto en colaboración junto a Laura Zavala, que en 2020 deslumbró con el corto «Ensayo para la angustia», sucedido por «Afuera la tormenta» del 2021.

«Infraordinario», inspirado en el título del libro, fue estrenado bajo Registro Móvil con la grabación de Ricardo Herrera en Estudio Castalia, dando como resultado una construcción indie, de corrientes art que abarca el pop y el rock, junto a colabs como Niña Tormenta y Koe. Un primer LP en su carrera, donde queda plasmado el intento y esfuerzo de dar vida al arte en medio de la vorágine del ritmo laboral.

Inspirado en Smashing Pumpkins, la esfera indie de Mogwai y el último trabajo de Nando García, Chips y la gran ciudad da con una modernidad juguetona en 9 canciones en las que el músico quiso recopilar sus gustos: de lo electrónico al emo, de dream pop o rock pesado, sin dejar fuera la psicodelia o el progresivo. 

De ese listado es que se extrae ‘Himno Matutino’, una de las favoritas del músico, que cobra vida en formato videoclip tras años de gestar la idea. 

«Queríamos retratar a un personaje de la clase trabajadora, y el espacio de un restaurante nos pareció un buen lugar para explorar, claramente Chunking Express es una referencia. Quisimos abordar la cocina de manera expresiva, jugar con los colores, con el movimiento. Creo que, en parte, esta canción la hice para el videoclip, quizás inconscientemente», cuenta sobre el video dirigido por Constanza Lobos, con la producción de Colectivo Niñita Perversa y el propio compositor.

❝La idea del videoclip está inspirada, en parte, en personajes de Jim Jarmusch, como Paterson, que tiene una rutina de trabajo super monótona pero también linda, y bastante inspirada en en universo estético de Wong Kar-Wai. Queríamos que tuviera esta onda rápida con barridos de cámara, con harto movimiento de actores, con la energía saturada de la ciudad, que hubiera trabajo con el cuerpo”, agrega sobre la pieza audiovisual enmarcada en este trabajo que viene a reconciliar la actividad filosófica, su profesión académica, con la musical, su oficio artístico.

“He intentado conciliar un poco esas esferas, y esta es la primera vez que le meto tanto concepto a una creación musical. Intenté tener cuidado de no dar la lata, pero me parece que es la obra más pensada que he hecho, incluso con todos los elementos oníricos que tiene. Siento que ha sido importante para flexibilizar lo tajante que he sido en las otras creaciones de lo «conceptual» con lo más «intuitivo». Creo que la idea es más bien hacerlas coincidir, pero creo que eso es como una tarea de vida”, concluye, casi como una extensión y reafirmación de lo que nos canta en ‘Himno Matutino’.

CALI FLOW LATINO presenta «NO ME LLEVARÉ»: Un llamado a vivir la vida intensamente

CALI FLOW LATINO, la emblemática agrupación caleña que revolucionó la salsa choke, está de regreso con su nueva canción, “NO ME LLEVARÉ», una mezcla vibrante de ritmos urbanos y tropicales que invita a reflexionar sobre lo efímero de la vida. Compuesta por Andrés Mesa y Arrinson Mesa, y producida por Harry Mesa y Sebas Velásquez, este sencillo reafirma el estilo innovador que los ha llevado al éxito global.

La agrupación, liderada por los hermanos Andrés y Hárrison Mesa, tiene una trayectoria que comenzó en el año 2000. Inspirados por las colecciones musicales de su padre, grabaron sus primeras canciones en cassettes haciendo beatbox. Su salto a la fama llegó con «RAS TAS TAS», incluido en su álbum FULL HD, que se convirtió en un fenómeno internacional y les valió una nominación a los Grammy Latino en 2016.

«NO ME LLEVARÉ» combina una letra sencilla y directa con un mensaje poderoso: disfrutar la vida al máximo. La canción habla sobre la importancia de vivir sin aferrarse a lo material, recordándonos que «cuando muera, no me cabe en el cajón». Esta filosofía alegre y despreocupada se refleja en el estilo único de Cali Flow Latino, quienes han sabido integrar elementos de salsa tradicional con su característico toque urbano.

Con éxitos como «SWAGGAS», «LA NEGRA NO QUIERE» y «BUGALÚ», CALI FLOW LATINO sigue demostrando por qué son referentes del género. «No Me Llevaré» es otro capítulo en su historia, una celebración de la vida y la música que promete poner a bailar a todos.

Smoth lanza su nuevo single ‘Ansiedad’

«Ansiedad» invita a rebelarnos contra la ‘doctrina social’ y liberarnos tal cual como somos, ya que la aceptación es consigo mismo y su propia paz, 

aquello que mueve el espíritu y el corazón.  Invita romper ese miedo a saltar al vacío con las manos vacías, sabiendo que las alas siempre brotan de una u otra manera. 

Está cargada de un sonido noventero influenciado por las bandas de grunge de la cuna de Seattle además de sonidos tomados de las influencias de sus integrantes. 

Da un paseo por la caricia melódica hasta la expresión rabiosa del mensaje.

Ansiedad es una canción que pone al descubierto el miedo a no ser aceptados en una sociedad que sólo ve, palpa y escucha superficialmente. 

Revela esa ansiedad del ¿Quién soy para la sociedad? O ¿Cómo debo ser para la sociedad?.

Con formación en dos guitarras, bajo, batería y voces limpias y rasgadas, Smoth se ha establecido como una de las bandas más prometedoras de la escena musical emergente en Colombia. 

Su propuesta original y su energético directo los han llevado a presentarse en reconocidos festivales y compartir escenario con importantes referentes de la música nacional e internacional.

La banda se encuentra trabajando en la producción de su primer álbum en español, el cual promete ser una experiencia musical única y una muestra más de su habilidad para crear música que combine técnica, intensidad y emotividad.

Smoth invita a todos los amantes del Grunge a sumergirse en su universo y a formar parte de este viaje de autenticidad y valentía creativa. Con su música, buscan generar una conexión profunda con el público,

transmitiendo emociones y reflexiones que invitan a la introspección y al cuestionamiento de la realidad.

Para más información sobre la banda y su nuevo single ‘Ansiedad’, puedes seguirlos en sus redes sociales y estar atentos a futuros lanzamientos y presentaciones.

Intrascendence lanza primer single de su LP debut

La banda de metal progresivo Intrascendence, originaria de Santiago de Chile, ha lanzado su primer single titulado “Believing to See”, marcando el inicio de su prometedor debut discográfico. Con altas ambiciones y un enfoque profesional en cada detalle, Intrascendence busca posicionarse en la cima del metal progresivo, ofreciendo una experiencia completa que abarca lo lírico, artístico y la puesta en escena inmersiva de sus futuras presentaciones en vivo.

Una introducción a la profundidad de la conciencia

“Con esta canción comienza el viaje hacia las profundidades de la conciencia del personaje que protagoniza la historia del álbum. Aquí desbloquea atisbos de entendimiento sobre su percepción y aprende de sus cuestionamientos internos y emocionales, logrando un estado de conciencia que le permite darse cuenta de que, si es cuidadoso en donde pone su atención, será capaz de crear su realidad a voluntad y ‘creer para ver”, comenta el cantante Felipe Reyes. Este tema sienta las bases de una narrativa introspectiva y profunda que promete desarrollarse a lo largo del LP.

Un videoclip con mensaje

El videoclip de «Believing to See» fue realizado por OnStage Producciones, bajo la dirección de Elías Hernández y la coproducción de la banda. Según el guitarrista y bajista Rodrigo del Canto, el video intenta visibilizar la desconexión entre los seres humanos. «En el camino hacia el despertar, somos acompañados por la soberbia, arrogancia y apatía, pero el universo y la sincronía se encargan de darnos lecciones de humildad y prestar atención a lo esencial”, agrega del Canto. La producción audiovisual complementa el mensaje de la canción, resaltando los temas de introspección y autoconocimiento.

La formación de Intrascendence y su equipo creativo

Intrascendence está compuesta por Felipe Reyes en la voz, Rodrigo del Canto en guitarra y bajo, Omar Alvear en guitarra, Manuel Arriaza en teclados y Martín Álvarez en batería (sesionista). Juntos, han trabajado para crear el disco homónimo de la banda, que servirá como secuela del primer single lanzado en 2022, titulado ‘Beyond A Decaying World’. Para este nuevo proyecto, confiaron la producción y mezcla a Franco Gabelo y la masterización a Pancho Arenas. El arte del disco, una obra de óleo digital, fue creado por el artista visual Camilo Valdés.

Un futuro prometedor en el metal progresivo

Con «Believing to See», Intrascendence no solo da inicio a su LP debut, sino que también promete una experiencia musical y visual que desafía los límites del metal progresivo. La banda está decidida a dejar una marca duradera en el género, y con su enfoque en la calidad y la narrativa profunda, parece estar bien encaminada para lograrlo.

Escucha «Believing to See» y sumérgete en el viaje introspectivo que propone Intrascendence, disponible ahora en todas las plataformas digitales.

«Miradas Que Enamoran»: lo nuevo de Monsic

El cantante y compositor Monsic acaba de estrenar su más reciente single, «Miradas Que Enamoran», una canción de Pop/Rock que celebra el amor desde una perspectiva reflexiva y sincera.

«‘Miradas Que Enamoran’ habla de un amor que permanece intacto a pesar del paso de los años y los momentos vividos. La reflexión detrás de la canción me llevó a concluir que, sin importar cuánto tiempo pase, volvería a enamorarme de la misma persona y no olvidaría ningún episodio de nuestra historia compartida. Es un recordatorio de que no quiero desaprovechar ningún instante de ese amor,» comparte Monsic.

Inspirada en su propia experiencia y en el vínculo duradero de sus padres, la canción es un homenaje a ese amor al que todos aspiramos, uno que crece y evoluciona, pero que nunca pierde su esencia.

En lo musical, Monsic se inspira en artistas como Sebastián Yatra, especialmente en el inicio de la canción, para luego evolucionar hacia un estilo más anglo, con referencias a Coldplay y Ed Sheeran. El resultado es una composición que combina sensibilidad y fuerza, con arreglos que reflejan la evolución emocional de su mensaje.

La creación de «Miradas Que Enamoran» es un testimonio del compromiso del cantante con su arte. La maqueta inicial fue concebida en 2022, grabada con una guitarra y un celular. Este año, tras dejar su trabajo como analista químico para enfocarse en la música, Monsic se dedicó a construir un pequeño home studio, donde llevó a cabo la composición, los arreglos, la grabación y la producción del tema.

«Me propuse lanzar este single, junto con otros proyectos, para reactivar mi carrera artística. Todo el proceso, desde la música hasta lo audiovisual, fue autogestionado y tomó aproximadamente dos meses en total» comenta Monsic. La única colaboración externa fue la de Javiera Anais, quien aportó su talento en las voces corales que enriquecen la interpretación principal.

Alean Labs presenta «Sky Child»

Alean Labs, proyecto delmúsico y multiinstrumentista Alejandro Ayalacon acaba de estrenar «Sky Child», un single de Rock Psicodélico Alternativo inspirado en una experiencia mística vivida durante el Camino del Inca.

«Sky Child» narra el encuentro con el Arcángel Uriel a 5,500 msnm en la majestuosa región de Machu Picchu. “Fue una caminata agotadora, devastadora, casi mortal, de cinco días de recorrido,” explica Ayala. Esta experiencia lo llevó a reflexionar profundamente sobre el crecimiento espiritual y temas universales relacionados con la humanidad.

Musicalmente, el single combina elementos de rhythm and blues con tintes electrónicos y bases de blues, enriquecidos con armonías vocales y coros. “David Bowie es un gran referente en este trabajo,” comparte Ayala. Para añadir una dimensión poética, se sumó el poeta Karmashatky, quien contribuyó con poesía hablada, aportando nuevas texturas al tema.

La creación de «Sky Child» tomó tres meses desde su concepción hasta la grabación y producción. Todo el proceso se llevó a cabo en Alean Labs, el proyecto personal de Ayala, ubicado en Ñuñoa. Allí, el artista se encargó de interpretar y grabar cada instrumento, demostrando su versatilidad como músico y productor.

“Sky Child no es solo una canción; es una invitación a explorar los límites de nuestra humanidad y espiritualidad a través de la música,” señala Ayala.

Kairito presenta Llámame

El artista Kairito presenta «Llámame», un reggaetón cargado de sentimiento que aborda el arrepentimiento de haber dejado ir un amor y el anhelo de recuperarlo.“Esta canción habla de esos momentos en los que te das cuenta de que cometiste un error al dejar ir a alguien importante, y harías cualquier cosa para volver a tenerlo en tu vida,” comenta Kairito sobre su más reciente lanzamiento.

 Inspirado en una experiencia personal, «Llámame» refleja vivencias reales y toma como referencia la música de Khea, un gran referente para el artista. “Siempre me ha impactado cómo Khea logra transmitir emociones tan profundas, y eso fue una gran influencia en este trabajo,” añade.

 El proceso creativo detrás del single tomo cinco días, la canción fue grabada, producida y masterizada por Lam de Preludio, dando como resultado un sonido fresco y cautivador. El beat de la canción encuentra sus raíces en un tema perdido de Khea, que sirvió como base para construir la melodía y el ritmo de «Llámame».

 Además, el single está acompañado por un videoclip que potencia la narrativa emocional de la canción. Filmado con la colaboración de Aka.filmss y protagonizado por Florencia Canales, el video captura visualmente la lucha por reconectar con un amor perdido.

 “Llámame es una canción muy personal, y espero que quienes la escuchen puedan identificarse con ese deseo de recuperar lo que se ha perdido,” comparte Kairito.

Romance, humor y tecnología en «una canción», el nuevo single de Astronautiko en colaboración con Stailok

Entre el rap, el folk y el pop está Astronautiko, y “una canción”, su nuevo single en colaboración con Stailok, lo confirma. Con sonoridades brillantes, una estética urbana fresca, versos románticos y una cuota de humor a cargo de una intervención hecha con inteligencia artificial, el chileno que ha sido invitado a cantar con artistas de renombre como Jack Johnson y Manu Chao presenta un hermoso track que funciona como dedicatoria a aquellas personas que amamos. 

“Si me extrañas, dímelo, para hacerte una canción”. Con esta frase, Astronautiko entrega el título al sencillo encargado de cerrar un año nutrido de nuevas creaciones, entre las que destacan “Lowa”, junto a Soulnastyy, “Ñami”, con Moral Distraída, “Rela”, feat. Rolando Fino, y “Cielo de Amor”, en colaboración con Gran Rah. Hoy, “una canción” revela un costado más íntimo y romántico del compositor y productor oriundo de Tierra Amarilla (Copiapó), quien en esta ocasión se dio el lujo de invitar a uno de sus ídolos a participar.  

“Esto lo veo como un sueño que jamás pensé. Siempre admiré a Stailok y nunca me vi a su lado, era algo irreal. Hoy en día estoy totalmente agradecido de su apañe, es emocionante para mí y creo que es un escalón más de la escalera sin fin que quiero subir, así que no es solo agradecimiento, sino también un impulso para más y más”, confiesa Astronautiko, y agrega: “Su participación se siente fresca, como un cambio de aire para poder guiar la canción a un nuevo lugar”

Gracias a la inteligencia artificial, el periodista argentino Mariano Closs y el streamer español Auronplay también son parte de “una canción”. Ambos personajes cumplen el rol de comentaristas y se burlan de los artistas por su situación de enamoramiento, entregándole al estreno un aire de humor que corta con el romanticismo por un momento. 

“Me gustaría que la gente dedique esta canción, que les saque una sonrisa y que, con esta cuota de humor que incluimos, quizás los haga reír”, concluye el músico que cuenta con dos EP estrenados hasta la fecha, “Bahía Cisne” (2021) y “Mini Mix” (2023), y que se encuentra en búsqueda de nuevas sonoridades que lo encaminen hacia un próximo trabajo discográfico.