[Novedad] Isla de Perros estrena ‘MOLOTOV’, un EP de resistencia, rebeldía y solidaridad

A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum ‘E.C.O’., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.

El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP ‘MOLOTOV’, un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, ‘MOLOTOV’ presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.

Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con ‘E.C.O.’ y ‘MOLOTOV’, la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.

‘MOLOTOV’ de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.

«‘MOLOTOV’ es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad», comenta el grupo.

Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo ‘MOLOTOV’ en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.

En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que no solo impulsa el dinamismo de sus composiciones, sino que también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.

‘Escapar’, primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, ‘Escapar’aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.

El segundo tema del EP es ‘Primera línea’, una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. ‘Primera línea’ no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.

«El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que no solo enciende el ánimo, sino que también motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria», enfatiza la agrupación.

La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.

«Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades», mencionan sus integrantes.

Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.

Catalina Ammaturo Lanza La Pena, Un Viaje Musical de Sanación y Renacimiento

La cantante argentina Catalina Ammaturo presenta La Pena, un EP profundamente íntimo y emocional que explora las complejidades del amor, la pérdida y la resiliencia personal. Este trabajo no es solo un disco; es un testimonio de sanación, fruto de un proceso creativo que refleja su vivencia tras un amor que la marcó. Con este lanzamiento, Catalina comparte su travesía emocional desde la negación hasta la aceptación, utilizando la música como herramienta para narrar su historia de superación.

«Me gusta decir que La Pena va de cómo la sobreviví», expresa Catalina, quien ha canalizado su proceso interno a través de letras sinceras y vulnerables. El EP fue producido junto al músico y productor estadounidense Sammuel Shea, conocido por su trabajo con Warbly Jets. La colaboración surgió de un encuentro casual en la calle, y juntos fusionaron sonidos modernos con elementos vintage, un estilo que la propia artista describe como «vintagesco». Mariano Sucar también contribuyó al proyecto, desarrollando las primeras ideas que luego se transformaron en este álbum cargado de emociones.

El EP incluye canciones como «Indefinidamente», que Catalina considera como el punto más oscuro del trabajo, representando la etapa más dolorosa del duelo. A lo largo de las canciones, se abordan diferentes fases emocionales, desde el enojo hasta la paz, culminando con una última canción que cierra el EP con un mensaje de resolución y aceptación. Esta composición final fue el resultado de un experimento creativo en el que Catalina escribió tres canciones al día durante una semana, lo que permitió que el proceso fluyera de manera orgánica y sincera.

Una de las sorpresas más destacadas del EP es su primera canción en inglés, fruto de la dinámica de trabajo con Sammuel, con quien se comunicaba principalmente en ese idioma. Este paso hacia la exploración bilingüe abre nuevas puertas en su música, sugiriendo que en el futuro podríamos escuchar más de esta faceta en su carrera.

Además de la grabación en estudio, Catalina organizó sesiones acústicas en la casa de su productor, donde interpretó las canciones del EP para su público en un formato más cercano y personal. Estos eventos no solo fueron una forma de acercarse a sus seguidores, sino que también ayudaron a recaudar fondos para cubrir los costos de mezcla del proyecto. «Fue una linda forma de pagar el disco», comenta la artista con gratitud, reflejando el compromiso y la cercanía con su audiencia.

El 29 de noviembre, Catalina Ammaturo se presentará en el Teatro Roxy en Buenos Aires a las 20:00 horas, con un show que promete ser tan emotivo y sincero como su música. La Pena es un testimonio de vulnerabilidad, fuerza y resiliencia, un recordatorio de que, incluso en los momentos más oscuros, la música tiene el poder de iluminar el camino hacia la sanación.

Con su carrera apenas comenzando, Catalina sigue expandiendo los límites de su arte, dejando una marca profunda en la escena musical. La Pena invita a todos a sumergirse en su viaje personal, mostrándonos cómo el dolor puede convertirse en una fuente poderosa de creatividad.

Nube de Arreboles Rinde Homenaje a la Naturaleza con su Single “Plantas”

Nube de Arreboles, el proyecto musical de Kattie Fernanda Rodríguez Donoso, presenta Plantas, su primer single, una conmovedora pieza de Música de Raíz que celebra la conexión profunda con la tierra y el proceso de regeneración natural. La canción es un homenaje a la transformación que ocurre al sembrar y cuidar la tierra, convirtiéndose en un símbolo de renacimiento y esperanza.

«Nos inspiramos en la transformación que se genera cuando uno siembra o realiza un proceso de regeneración en la tierra para que se llene de naturaleza», comenta Nube de Arreboles, destacando el significado de este ciclo de vida en su trabajo. Plantas captura la esencia de este proceso, transmitiendo un mensaje de renovación y conexión con los elementos naturales.

Originaria de El Monte, Chile, Kattie Fernanda Rodríguez Donoso comenzó su carrera en la música a una edad temprana, a los 9 años, de manera autodidacta. A lo largo de su vida, ha tomado clases tanto técnicas como cognitivas, desarrollando su talento como cantante y compositora. Además de su faceta artística, Nube de Arreboles también es sonoterapeuta y guía de canto medicina integral, enfocándose en el bienestar socioemocional, humano, sensitivo, creativo y ambiental. Su labor como terapeuta se basa en una metodología única que ha creado a lo largo de años de estudio y experiencia.

La creación de Plantas fue un proceso meticuloso que llevó un año en total, desde los arreglos musicales hasta la grabación y producción. Grabada en Isla de Maipo bajo la dirección de Patricio Rojas, la canción fue masterizada en Estudio Palo Quemado por Nicolás Ríos. En el proyecto participaron varios músicos talentosos, quienes contribuyeron con sus arreglos y sonidos característicos, como Arlo Carrasco (violín/coros), Juan Dret (guitarras/coros), Claudia Aguado (tambores chamánicos/Kishi bells), Enrique Rodríguez (quenacho/coros), Marlene Mejías (coros) y Patricio Rojas (contrabajo/bombo/chekere).

El sonido de Plantas está profundamente influenciado por la naturaleza, buscando transmitir el poder regenerador de la tierra a través de una fusión de música tradicional y sonidos que conectan con lo más profundo del ser. Este debut musical de Nube de Arreboles invita a los oyentes a sumergirse en un viaje sensorial, donde la regeneración, la naturaleza y el renacer son los pilares de la experiencia.

 Escucha “RI.TMO” el álbum debut de Fran Ri

La multifacética Fran Ri, cantante, actriz y compositora chilena, ha dado un paso decisivo en su carrera al presentar su esperado EP debut, RI.TMO. Con una sólida trayectoria como frontwoman de la reconocida orquesta nacional Newen Afrobeat, Fran Ri sorprende a sus seguidores al mostrar su faceta como solista, dejando una huella única con su propuesta sonora innovadora y fresca.

Este primer material discográfico, compuesto por seis temas, fusiona de manera refinada y experimental géneros como el Afropop, el R&B, el Neo Soul y el Indie Pop. Con una mezcla de texturas electrónicas y elementos acústicos, RI.TMO es un viaje sonoro que refleja la identidad auténtica de Fran Ri, explorando nuevas dimensiones musicales y narrativas personales.

Al hablar sobre el proceso creativo detrás de este EP, Fran comparte: «Este trabajo es súper relevante para mí. Es mi primer trabajo como solista, y siento que fue una prueba importante para madurar los conocimientos que venía adquiriendo en mi camino… en mi recorrido en el mundo de la música». La artista revela que RI.TMO está profundamente influenciado por el «ritmo», no solo como elemento musical, sino como concepto que atraviesa tanto las composiciones como las letras. Temas como el amor, el erotismo, la libertad personal, la fuerza interior y la autoafirmación se entrelazan a lo largo del álbum, haciendo del «ritmo» un hilo conductor que conecta lo sonoro con lo lírico.

“Salí desde un terreno conocido y me metí por decisión propia en territorios que nunca antes había explorado, como el indie, los beats y procesos más electrónicos. Eso fue un desafío para mí”, comenta Fran, destacando su evolución artística y las nuevas fronteras que ha cruzado para ofrecer un sonido más auténtico y arriesgado.

RI.TMO no solo es un álbum musical, sino una propuesta creativa que explora diversas facetas expresivas de la cantante. “Pese a las típicas inseguridades que son parte de exponerse artísticamente, me siento muy realizada de haber podido defender y sostener esa idea de lenguaje musical”, añade Fran Ri sobre su trabajo.

El EP llegó tras el lanzamiento de su primer single y videoclip, Viaje Ligero, seguido de dos exitosos sencillos: Ritmo y Llave, en los cuales contó con la colaboración de las talentosas Nekki y Masquemusica. Cada tema ofrece una visión autobiográfica de Fran, mostrando su versatilidad y talento como compositora, y abriendo nuevas perspectivas líricas en su carrera.

RI.TMO está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a sumergirse en un universo musical vibrante y personal, donde la autenticidad y la experimentación se encuentran en cada nota. Fran Ri continúa consolidándose como una artista completa y única, lista para dejar una huella indeleble en la escena musical.

“Ámame” es el nuevo sencillo de Alan González MX

Con “Ámame,” Alan González Mx nos adentra en un universo sombrío que solo él sabe conjurar. Este sencillo, parte del proyecto PopDark, marca un nuevo capítulo en su colaboración con la casa productora Oscura Sound’s, donde promete expandir los límites de su sonido y su narrativa. La canción es, en realidad, la expresión musical de una historia escrita por el propio Alan, un cuento que se encuentra disponible en su página web y que ofrece una mirada más profunda al personaje y su desesperación por un amor inalcanzable.

Ambientada en el misterioso reino de la oscuridad “uno de los cuatro reinos en la mitología de Alan González Mx”, Ámame, es un himno desgarrador a la vulnerabilidad y a la negación. En este lugar, cada rincón refleja el anhelo no correspondido y el dolor que embriaga a quienes buscan redención en aquello que les destruye. La canción, cargada de simbolismo y pasión, retrata a un protagonista que vaga por una torre olvidada y ahí encuentra la historia de una hermosa mujer consumida por su amor hacia alguien que nunca le corresponderá.

Musicalmente, la canción se construye en un compás de 6/8 en Do menor, un tiempo que emula una marcha lenta y poderosa, como un desfile sombrío hacia el abismo. En este estilo se entrelazan los ecos del metal gótico y la ópera, creando una composición monumental y teatral. Las guitarras pesadas, los coros de voces angelicales en contraste y los arreglos orquestales elevan la canción, dándole una atmósfera oscura que captura el espíritu del rock dramático que caracteriza el proyecto de Alan.

La grabación vocal, realizada en Ápeiron Estudio con la asesoría de Angel Recoba, presenta a un Alan González Mx que se desborda de vulnerabilidad y fuerza. Cada frase en

el coro resuena como una súplica cruda, un eco de alguien dispuesto a entregar su alma por un amor imposible. En cada estrofa, Alan utiliza su voz como un instrumento adicional, que narra y a la vez exorciza los demonios de un deseo inquebrantable, imposible de satisfacer.

“Ámame” se encuentra disponible en todas las plataformas digitales de música y pretende ser un rito oscuro de introspección y sacrificio. Para aquellos que han sentido el abismo del amor no correspondido, esta pieza resonará profundamente en su alma. Invita al oyente a descubrir sus propios miedos y como dato extra cuenta con un ritual de purificación para todos los que hemos perdido algo por un amor no correspondido.

Bonier Presenta su Nuevo Single y Video «Malasaña»

El dúo cordobés Bonier, formado por los hermanos Bonier, regresa con su cuarto adelanto para lo que será su esperado primer álbum. Con una sólida experiencia adquirida en otras bandas, ahora vuelcan toda su creatividad en este proyecto personal y elegante, que continúa conquistando corazones con su propuesta fresca y única.

En esta ocasión, Bonier lanza su nuevo single titulado «Malasaña», una canción sutil y delicada que se caracteriza por sus arreglos y guitarras acústicas, que envuelven una melodía suave y profunda. El tema evoca el paso del tiempo, entrelazando nostalgia y luz en una mezcla perfecta que habla de los recuerdos de juventud y la melancolía por un pasado irrepetible.

«Malasaña» es una reflexión sobre los sueños pasados y esos momentos de la vida que, aunque se han ido, permanecen en el corazón. La letra invita a pensar en esas noches infinitas, en la música que suena en las esquinas y en la magia de una época que siempre será memorable. En la canción, Bonier también rinde homenaje a artistas como Leiva y Dani Martín, quienes les sirven de inspiración para su propio estilo.

Este tema es parte de un disco de diez canciones que verá la luz a principios de 2025, producido por Candy Caramelo en Candyland Studios. El álbum contará con la participación de José Bruno a la batería, y ha sido mezclado y masterizado por Santi Quizhpe, prometiendo un sonido cuidado y lleno de emoción.

La banda está en plena forma y este año ha tenido la oportunidad de compartir escenario con artistas de la talla de Coque Malla y Ultralijera. Pronto, Bonier anunciará fechas de su gira por toda España, antes de lanzar su esperado primer LP en 2025.

«Malasaña» ya está disponible en todas las plataformas digitales y su videoclip también ha sido estrenado, ofreciendo una experiencia visual que complementa perfectamente la atmósfera de la canción. Con este nuevo single, Bonier se posiciona como una de las bandas emergentes más prometedoras de la escena musical española.

Gonzalo Tirado Lanza «Matanzas»: Un Viaje Sonoro a la Costa de O’Higgins

El cantante y compositor chileno Gonzalo Tirado presenta “Matanzas”, su primer sencillo como solista, disponible en todas las plataformas digitales. Esta canción, que lleva el nombre de la pintoresca localidad costera en la Región de O’Higgins, marca el inicio de su carrera como artista independiente y anticipa lo que será su esperado álbum debut.

Radicado en Matanzas desde hace siete años, Gonzalo Tirado ha encontrado en este tranquilo rincón de la comuna de Navidad la inspiración perfecta para su música. «Matanzas ha sido la cuna de mis inspiraciones y me ha dado la oportunidad de dedicarme a lo que más me gusta: cantar y escribir canciones», comenta el artista. Con este sencillo, Tirado busca transmitir la esencia de la localidad, su belleza natural y su atmósfera relajada, invitando al oyente a detenerse y disfrutar de los pequeños momentos de la vida.

“Matanzas” es una fusión de géneros como el rock playero, rock alternativo, blues, indie pop y balada pop. Esta mezcla crea un sonido único que refleja la personalidad y el espíritu del autor, entregando un mensaje de pausa y reflexión que invita a la introspección y a la conexión con el entorno. El sencillo fue compuesto, escrito e interpretado por Gonzalo Tirado, quien también se encargó de la guitarra rítmica, armónica y voz.

La producción musical y la grabación de guitarra eléctrica, bajo y percusiones estuvieron a cargo de Sebastián Hidalgo de Topocalma Records, quien también realizó la mezcla de audio. El mastering fue realizado por Francisco Holzman en Holz Masters. La imagen gráfica del sencillo cuenta con la fotografía de Pepe Martínez y el diseño de arte de Lu Ramos.

Gonzalo Tirado, nacido en Santiago de Chile, es un guitarrista, cantante y compositor que ha desarrollado una conexión profunda con la naturaleza y su entorno a lo largo de su carrera. Esta relación con la naturaleza ha influido significativamente en su música, imbuyendo sus composiciones con una sensibilidad especial y una autenticidad que resuena con sus oyentes. Actualmente radicado en Matanzas, Tirado sigue perfeccionando su arte y preparando su primer álbum de estudio.

Con “Matanzas”, Gonzalo Tirado no solo lanza un sencillo, sino que también abre una ventana a su mundo, permitiendo a sus oyentes experimentar la serenidad y belleza de la costa chilena a través de su música. Este lanzamiento es solo el comienzo de lo que promete ser una emocionante carrera como solista, llena de paisajes sonoros y emociones profundas.

Nadrxn adelanta próximo discocon su nuevo single «Takoyaki»

Desde la pintoresca ciudad de Tomé, en el sur de Chile, emerge Nadrxn, un innovador proyecto musical transpop creado por Rocío Contreras Obrist en 2017. Con un estilo caracterizado por atmósferas oníricas que evocan nostalgia y melancolía, Nadrxn fusiona ritmos clásicos del pop con la estética cyberpunk del animé, ofreciendo una experiencia auditiva única y cautivadora. A lo largo de su trayectoria, Nadrxn ha autoproducido dos álbumes de corta duración, “Aliberta” (2019) y “Random” (2020), y ha lanzado varios singles acompañados de sus respectivos vídeos, adelantando su próximo disco de larga duración titulado «Cries in non-binary».

Nadrxn ha tenido una presencia notable en diversos festivales a nivel nacional, participando en eventos como el Festival Carnaza (2018), «Noche en los Balcones» del Festival Rockódromo (2019), Festival Plural (2020 y 2021), y el Festival REC (2022). Ahora, Nadrxn nos presenta su más reciente sencillo, «Takoyaki», una exploración sonora y temática que desafía la heteronorma y los roles tradicionales en las relaciones.

«Takoyaki» es una canción que aborda la esfera sexoafectiva en una relación lésbica, destacando la búsqueda de nuevos sabores y la exploración de la sexualidad fuera de los convencionalismos. «Hace referencia a buscar nuevos sabores para aprender a querer bonito y crecer de forma mutua, testear lo agridulce. En este contexto, el tema que se aborda consiste en ampliar la visión en torno a la forma en que nos vinculamos e interactuamos con la otra persona, las posibilidades de explorar la sexualidad, de querer y aceptar la intensidad, atreverse a demostrar aquello que sentimos, enfrentándonos a nuestras propias inseguridades y trabas que nos limitan a manifestar y expresar el amor, el placer, el deseo, así como proteger y cuidar a la otra persona», comenta Nadrxn.

El sonido de «Takoyaki» se caracteriza por el uso del pop como guía, creando una canción llena de capas y detalles, con bases rítmicas que culminan en un pegadizo coro. Rocío Contreras Obrist se encargó de la composición, letra, producción y mezcla, esta última compartida con Alma Maldonado Amengual. La masterización fue realizada por Gonzalo González. Además, el manga videolyrics, recientemente lanzado en el canal de YouTube de Nadrxn, fue creado con inteligencia artificial y cuenta con una traducción al japonés de Sasaki Yugami.

Nadrxn sigue demostrando su capacidad para innovar y desafiar las convenciones, ofreciendo música que no solo es auditivamente atractiva, sino que también invita a la reflexión sobre la diversidad y la autenticidad en las relaciones humanas. Con «Takoyaki», Nadrxn nos lleva en un viaje introspectivo y liberador, reafirmando su lugar como una de las propuestas más frescas y audaces de la escena musical chilena.

Sebas Garreta: El Artista que Revoluciona la Bachata Española a Nivel Mundial

Con solo 27 años, Sebas Garreta, el joven cantante y compositor nacido en Palma de Mallorca, está dejando una huella imborrable en la escena musical global. Su reciente y exitosa presentación en Argentina, específicamente en el Golden Center, bajo la producción de Stephanie Lucero y Alan Ledesma, marcó un hito en su carrera y demostró su creciente influencia en el mundo de la bachata.

Sebas Garreta ha conquistado a públicos de todo el mundo, fusionando la emotividad y la energía de la bachata con un estilo moderno y auténtico que resuena con audiencias de diversas culturas. Su capacidad para innovar dentro de este género se refleja en su esperado primer álbum titulado «Estaba Escrito», lanzado el pasado 1 de marzo de 2024. Este trabajo es un testimonio de su pasión por la bachata, presentando letras profundas y personales que lo establecen como un autor y compositor excepcional. Cada tema del álbum transmite emociones intensas y conecta profundamente con el público.

El éxito de «Estaba Escrito» ha sido un paso clave hacia la internacionalización de su carrera. Su extensa gira por Europa, que incluyó países como España, Alemania, Francia, Italia, Azerbaiyán, Holanda, Suiza, Hungría, Lituania y Portugal, y su conquista de escenarios en Hispanoamérica en países como México, Costa Rica y Argentina, evidencian su creciente popularidad y aceptación global.

Con una carrera en ascenso y una propuesta musical única, Sebas Garreta está decidido a seguir rompiendo barreras y llevando la bachata española a nuevas alturas. Con más de 30 conciertos confirmados para 2025 y las fechas en aumento, su presencia en escenarios internacionales promete consolidarlo aún más como una figura relevante en la música global. Su serie de colaboraciones con otros cantantes programadas para 2025 busca elevar su música a un nivel aún más alto y llevar su estilo único a nuevas audiencias.

Además de su faceta como músico, Sebas Garreta es un talentoso escritor. En 2022, publicó su primer libro, «Versos Sin Beso», una obra que revela su sensibilidad y su habilidad para transmitir emociones a través de la poesía y la prosa. La publicación fue muy bien recibida, demostrando que su talento no se limita solo a la música.

Su compromiso con causas sociales también lo destaca como un artista con un profundo sentido de responsabilidad social. Recientemente, en noviembre de 2024, cuando la región de Valencia en España sufrió devastadoras inundaciones, Sebas anunció a través de sus redes sociales que donaría todas las ganancias de «Versos Sin Beso» para apoyar a las víctimas de la tragedia. Este acto de solidaridad ha sido muy elogiado por sus seguidores y ha demostrado que, además de ser un gran talento en el escenario, es también una persona comprometida y generosa.

Con su estilo único, su habilidad para cautivar en vivo y su sensibilidad artística, Sebas Garreta está logrando posicionarse como uno de los artistas más prometedores de la escena musical internacional. Su versatilidad y su capacidad para hacer de la bachata un género accesible y atractivo para audiencias globales son prueba de que su carrera está solo comenzando. Con un 2025 lleno de nuevas colaboraciones, giras y proyectos, el futuro parece estar, literalmente, «escrito» para Sebas Garreta.

DIMC presenta su nuevo EP ‘Dimcho Temporada’ ¡Escúchalo!

El artista y productor bogotano DIMC presenta ‘Dimcho Temporada’, un EP inspirado en los momentos más icónicos de su alter ego «Dimcho».

La producción discográfica es la primera entrega de un arco narrativo que cerrará con el álbum ‘Rompecorazones’ en mayo de 2025, en donde explorará temas más profundos.

El artista colombiano mezcla urbano alternativo con un estilo fresco y lleno de carisma. ‘Dimcho Temporada’ es una etapa de liberación y fiesta para DIMC. Este EP marca momentos intensos de la noche, en los que desconectarse de la realidad es esencial. Con un sonido nocturno busca acompañar a quienes también encuentran en la noche su escape y disfrute.

Este lanzamiento es el comienzo de varios estrenos musicales, múltiples colaboraciones y presentaciones en vivo en importantes escenarios, que abrirán paso a su segundo álbum de estudio.

Los autores principales de este EP son DIMC junto al productor bogotano Ri y Husa, quien abre el EP con ‘UWU’.

La colaboración con Selva Volcán cierra un ciclo narrativo que comenzó con el sencillo ABOYAO’.

Cada tema del EP fue desarrollado bajo una sola premisa: explorar el lado más sensual y oscuro de DIMC.

Los compositores del EP son Diego Segura, Selva Volcán y Juan Camilo Rivas.La producción de ‘Dimcho Temporada’ es de DIMC, Ri y HUSA. La mezcla fue hecha por DIMC y la masterización por Ri.

Con colaboraciones junto a Teddy Coldcuts y David Nova, DIMC se ha ganado un lugar como una de las propuestas más innovadoras de la música en Bogotá.

«El Dimcho es como ese amigo que te escucha una y otra vez cuando vuelves con tu ex, cuando no la superas, y cuando no sabes a quién acudir. Es ese espacio donde puedes ser tú, aún en esa parte oscura que no quieres mostrarles a otros… Porque aunque la ‘Dimcho Temporada’ no te juzga, ni tú ni yo podemos decirnos mentiras, las acciones tienen consecuencias, todo lo que sube tiene que bajar, todo lo que nos rompe la cabeza, nos rompe el corazón», explica el artista.

Escucha el EP ‘Dimcho Temporada’ de DIMC en tu plataforma musical favorita https://links.altafonte.com/dimchotemporada

Supremo le rinde homenaje al barrio y sus raíces en ‘Cumbia’

2024 fue un año en donde Supremo, proyecto musical del colombiano Juan Manuel Cárdenas, se dedicó exclusivamente a la producción del álbum ‘Los Reyes del Mambo’.Su proceso creativo comenzó en marzo en la gira realizada por España en donde visitó Madrid, Barcelona, Bilbao y Sevilla con dos fechas por ciudad, produciendo sus canciones en hoteles y aeropuertos. Adicionalmente, este año el artista subió el catálogo completo de sus 20 años de historia musical a plataformas para que todos sus seguidores se deleiten con sus obras creadas. Para cerrar un año con broche de oro, Supremo presenta su nuevo lanzamiento ‘Cumbia’.

‘Cumbia’ es una canción que nace por un proceso de recordar y honrar la adolescencia de Supremo en el barrio Quiroga, en el sur de Bogotá. Un barrio futbolero, cumbiero y rapero fue la inspiración del artista colombiano que incluye rap, cumbia, electrónica y acordeón en medio de una lírica llena de empoderamiento. Es una obra enérgica de motivación personal.

«Para este lanzamiento me inspiré en mis raíces, mi familia, el barrio, mi ciudad y los sueños de un colombiano adolescente promedio que crece con música típica, y en su viaje de la vida va anexando canciones a su playlist personal. Esta canción llegó a mi vida en un momento de lucidez luego de escenarios de depresión y ansiedad», cuenta Supremo.

A nivel sonoro, ‘Cumbia’ tiene la potencia de un boom bap (patrón de rap) cuyos hi hat el artista reemplazó por la güira manteniendo ambas esencias intactas. El maestro Jairo Sanz, ingeniero de mezcla y mastering, fue quien encontró este punto exacto entre los dos mundos, elementos como el acordeón que fue el último detalle que incluyó con melodía vibrante le dan ese toque especial. Además, las trompetas y algunos elementos del hip hop de la costa oeste americana como pads y synths completan su composición.

«Este lanzamiento marca una nueva etapa y comienzo en mi vida y en mi carrera como productor, compositor y director; su impacto será tal que se convertirá en un legado para las nuevas generaciones y los fans de mi música. Quiero mostrarle a los nuevos músicos, artistas y jóvenes la riqueza musical de nuestro país y su importancia para el mundo», agrega el colombiano.

En la cumbia como género, Supremo encontró un multiverso en el que como pez en el agua pudo experimentar con muchos más ritmos, colores, matices, texturas y géneros como el rap con el que empezó su viaje en la música, adicionándole el sonido criollo para que se convierta en un tema apto para cualquier tipo de audiencia sin importar la edad, la raza, el género o la religión.

«Musicalmente, esta canción es energía 100% que te motiva, es alegría hecha ritmo, el mensaje en su letra es de empoderamiento, de sueños cumplidos, de esa semilla que fue enterrada y brotó con nuevas ideas; más fuerte y con una raíz una base sólida y poderosa. Honrar esa raíz va a hacer crecer el árbol más fuerte del bosque», enfatiza.

La canción tiene dos portadas, una para plataformas con un concepto hip hop, su cultura y uno de sus elementos como el grafiti que describe de una forma minimalista este single. La otra para el merch y las redes de Supremo basado en las tablas de los buses en Colombia y mensajes que identifican al artista como su año de nacimiento, su barrio, su calle, música, café, el álbum y, por supuesto Colombia, en colores vivos y alegres para que definitivamente todos los destinos sirvan.

Para Supremo, «la composición, los elementos, los acordes y las notas de ‘Cumbia’ la hacen perfecta para iniciar una mañana, para escuchar después de almuerzo y recargarse de energía, para la ducha, para una fiesta y para una discoteca… está diseñada para cualquier momento del día o de la noche que requieras energía».

‘Cumbia’ es el primer sencillo del álbum ‘Los Reyes del Mambo’ y fue elegida como primer track porque define el inicio en la música de Supremo, los sonidos urbanos, los scratches y el bajo potente son elementos que crean una atmósfera urbano/criolla única para desarrollar el concepto de esta obra, inspirada en sus inicios en un barrio del sur de Bogotá donde creció.

Sobre el disco ‘Los Reyes del Mambo’, Supremo cuenta que «la palabra mambo proviene de África y se relaciona con tambores, alegría, danza y los latidos del corazón. Así se empezó a formar la cumbia que al llegar a América y tener su mezcla con nuestros indígenas dio luz, esto me llevó a hacer las diferentes fusiones del álbum respetando su inicio, el mambo, el trabajo, los sueños, la música, el colombiano, el latino, el emigrante, el que se levanta temprano a trabajar por lo suyo y por los suyos. Todos somos los reyes del mambo, los reyes de nuestros latidos y de nuestro corazón». Supremo dedicará el resto de año a promocionar ‘Cumbia’ a nivel nacional e internacional para impulsar su exposición y su difusión. En cuanto a los shows, estará en enero de 2025 en el cierre de uno de los torneos más importantes a nivel Colombia del fútbol amateur como es el Hexagonal del Olaya en donde estará como artista invitado en el cierre del torneo en el estadio del barrio en el que creció y jugó.

Los bogotanos de Mad Dogs presentan ‘Sabueso’, una canción rock de fiesta y seducción

Mad Dogs es una banda colombiana de hard rock, con algunos tintes de heavy/thrash metal. Está conformada por Germán Ducón como miembro fundador en la guitarra y voz, David Guio en la voz principal y guitarra, Fabián Martínez en el bajo y Juancho González en la batería. El proyecto nació en el año 2011 cuando un grupo de amigos se juntó para hacer canciones y plasmar en su música la fiesta, la libertad y la rebeldía que les corría por las venas. Es un grupo de amigos (o perritos), que lucha y trabaja por lograr el reconocimiento del género elegido y su posicionamiento a nivel nacional, justamente para evitar su extinción.

Mad Dogs son una jauría inspirados en la lealtad, el amor y la fiereza de los perros. Cuentan historias y llevan su realidad en cada canción, expresando sus emociones siempre con el horizonte de que el rock debe servir de escape para divertir, superar los problemas e impulsarlos día a día. En cada uno de sus shows despliegan energía y potencia para seguir inspirando a nuevas generaciones a tomar un instrumento y hacer música desde el corazón.

«Mad Dogs somos todos aquellos que aman el rock, independientemente de la generación que representen, somos los que amamos la música en vivo, la fiesta rockera y los sonidos bien hechos de forma clásica. A ello, simplemente le sumamos el amor por los perros, quienes nos inspiran a buscar un mundo de hermandad dentro del rock. Ser un mad dog es ser parte de una jauría de rockeros que nos gusta el desorden y la buena música», cuenta el grupo.

«Nuestras letras no se circunscriben a un solo mensaje, ni necesariamente tienen un contenido social. La libertad y el no seguir las fórmulas típicas son la base de todas nuestras canciones que se basan en experiencias personales e inspiraciones, siempre sin el temor a expresar lo que está en nuestra alma y mente, buscando generar una reflexión sobre la vida de cualquiera que nos escuche», comenta la banda con influencias de Guns N’ Roses, Motley Crüe, Skid Röw, Great White, Metallica, Megadeth, Judas Priest, Iron Maiden, Black Sabbath, Kraken y Kronos.

‘Sabueso’ es lo nuevo de Mad Dogs, es el séptimo sencillo del álbum ‘Never Too Late’ y en donde por primera vez cantan en español. La letra cuenta cómo las personas actúan en una fiesta cuando les gusta alguien y cómo el ‘sabueso’ va por su ‘presa’. Es una parodia de las situaciones que se viven cuando las personas se comportan como un sabueso. Es una canción en donde la banda expone lo mejor de su energía y le devuelve a la gente la posibilidad de enfiestarse con rock. Cuenta con la colaboración de Dani Armo (armónica) y Toto Roots (voz) de la banda colombiana Southern Roots.

‘Sabueso’ tiene un riff movido de guitarra y explora teclados y armónica, buscando darle un estilo tipo Deep Purple. Una vez más, la fuerza de los coros de Mad Dogs se manifiesta en un idioma que las personas puedan aprender y cantar más rápido. 

El video de ‘Sabueso’ captura una fiesta real, sin historia ni guion, simplemente es el registro de lo que sucede en una fiesta con ‘sabuesos’ reales. En el clip, la banda saca el rock de los bares y lo lleva a una finca en Melgar, Tolima parodiando los videos de reguetón para mostrar que en el rock y el metal se puede ser un poco menos trascendental y mostrar así su lado fiestero.

«La música de Mad Dogs la recomendamos escuchar cuando se quiere subir la mala onda y la energía. Cuando se esté en uno de esos días de caos, tristeza e incluso odio, esta banda te va a subir el ánimo con la mayoría de sus canciones (salvo las power ballads jeje)», mencionan.

Mad Dogs lanzará su disco ‘Never Too Late’ en plataformas en 2025. Sin embargo, ya se encuentra disponible en formato físico para venta al público a través de las redes sociales de la banda.

«Con este lanzamiento queremos mostrar otra cara de la banda, que somos polifacéticos y versátiles sin salirnos del género. Podemos hacer cualquier tipo de canción si nos lo proponemos. Queremos darle al público una nueva posibilidad de conectarse con nuestra música, siempre buscando consolidarnos como un proyecto diferente en la escena rock de Colombia para conquistar nuevas audiencias y llegar a grandes festivales a nivel nacional y latinoamericano», enfatizan.

Mad Dogs es finalista de la Celebración del Rock Colombiano 2024, se encuentra nominada a los premios ‘Monster Music Awards 2025′ en México como Mejor Artista Rock’ y estará presentándose el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte los shows de los premios. De igual manera, la banda realizará una gira por el país azteca durante esas fechas aún pendientes de confirmar y por anunciar en sus redes sociales.

«Mad Dogs lo es todo, es la apuesta de cuatro personas que quieren ir a muerte por la música y por el rock nacional, poner su propia bandera e inspirar a más generaciones a hacer rock. A raíz de la pandemia tuvo ese golpe de convertirse en algo más, en el sentido de que nadie tiene la vida comprada, por eso uno debe vivir y morir haciendo lo que ama, más allá de lo que sea que haga para ganarse la vida. La banda es el propósito de vida de estos 4 perros locos colombianos que quieren vivir haciendo música y ojalá de la música en algún momento, y para ello, su propuesta debe estar a la altura de ese deseo a nivel audio y visual», concluye el grupo.

Escucha ‘Sabueso’ de MadDogs en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/sabueso

[Novedad] Luq Arlequin y La Ruka presentan ‘Insiste Resiste’, un canto a la diversidad, la identidad y la lucha

Luq Arlequin es un cantautor trans no binario de Argentina, es artista y músico independiente que combina elementos acústicos con letras reflexivas abordando temas de transformación personal y social en sus canciones.

La Ruka es una artista afrocolombiana que fusiona el hip hop, la salsa y la música tradicional. Con estudios en trabajo social y comunitario ha logrado contar las historias y vivencias de sus pueblos y comunidades negras.

‘Insiste Resiste’ es el nuevo lanzamiento de Luq Arlequin y La Ruka, es una colaboración de coautoría entre los artistas con aportes del productor colombiano Lanzapro.

‘Insiste Resiste’ cuenta la historia de dos artistas, su vida cotidiana y su encuentro, reflejando la situación de muchas personas migrantes en el mundo, así como las experiencias de mujeres y la comunidad LGTBIQ+. Habla de la importancia de las redes de apoyo y la fortaleza personal en momentos difíciles, especialmente en el proceso migratorio. Es un canto a la diversidad, la identidad y la lucha por la inclusión en tiempos de adversidad.

En ‘Insiste Resiste’ el uso de ritmos de hip hop y guitarra acústica añaden una dimensión dinámica a la canción, fusionando sonidos folclóricos y urbanos lo que hace que este lanzamiento sea accesible y resonante para un público amplio.

«Es una canción que subraya la importancia de la inclusión y el reconocimiento de distintas realidades en la sociedad, enfocándose en la resiliencia, la capacidad de adaptación y la importancia de las redes de apoyo ante la adversidad, los desafíos y el cambio», cuentan.

«El temaaborda temáticas como el apoyo mutuo, la resiliencia, la fuerza interior, el optimismo y la fe, queriendo mostrar que se puede resurgir y transformarse mediante la mentalidad y actitud positiva y la influencia que cada individuo puede tener en su entorno», agregan.

El video de ‘Insiste Resiste’ fue filmado en Barcelona por la cineasta argentina Amparo Andreoli y muestra fragmentos de la vida cotidiana de Luq Arlequin y La Ruka, dos artistas inmigrantes radicades en esta ciudad, con sus distintas realidades, y el encuentro que les une a través de la música y la amistad.

«‘Insiste Resiste’ puede ser una fuente de inspiración y apoyo, ayudando a las personas a recordar que siempre vale la pena seguir adelante. Es una canción que tiene motivación, identificación, empoderamiento, conexión emocional, cultura y comunidad», puntualizan.

En la actualidad, La Ruka tiene un proyecto con el sello discográfico Galletas Calientes, donde lanzará un Ep titulado ‘En la isla’ a comienzos del 2025. Por su parte, Luq Arlequin estará lanzando un disco de folk punk con músiques invitades y co-producido con Tribal Records de Argentina a comienzos del próximo año.

Los Hermanos Aicardi presentan ‘El Acongojao’, una cumbia decembrina

Los talentosos hijos de la leyenda de la música tropical Rodolfo Aicardi, lanzan su nueva canción original ‘El Acongojao’, una explosión de sabor, energía y pura tradición colombiana.

Desde las primeras notas, esta canción de Los Hermanos Aicardi promete conquistar corazones y pies alrededor del mundo. ‘El Acongojao’ trae consigo el inconfundible sabor de la música tropical Aicardi, que nunca pasa de moda.

Con una mezcla de instrumentos tradicionales, una letra extremadamente pegajosa y arreglos musicales modernos, este nuevo sencillo compuesto por Gianni y Rodolfo Aicardi, rememora los «cañonazos» decembrinos que hacían bailar a toda Colombia.

La grabación de ‘El Acongojao’captura la energía vibrante y auténtica de la música tropical Aicardi. Su contagioso ritmo, lleno de percusiones que invitan al baile, evoca una sensación nostálgica de las noches decembrinas, las reuniones familiares y los bailes en la calle hasta el amanecer.

La melodía no solo enciende la pista de baile, sino que también transporta a quienes la escuchan a un deseo profundo de vivir la vida al máximo.

¡Escucha ‘El Acongojao’ y prepárate para bailar sin parar! ¡No hay excusa para no dejarse llevar por este pegajoso tema!

Escucha ‘El Acongojao’ de Los Hermanos Aicardi en tu plataforma musical favorita https://naeku.app/ps-el-acongojao-n44

Jaison Neutra se pone ‘Liviano’ y anuncia concierto en Bogotá

Con una canción bajo el brazo y dando continuidad a la gira nacional ‘Un Arrabalero en tu ciudad’, el artista colombiano Jaison Neutra se presentará en Bogotá el próximo 21 de noviembre en Estudio de la Piña (Carrera 17 # 60 – 25).

‘Liviano’ es una balada nostálgica que refleja cómo el amor puede redimir y transformar a alguien que ha tocado fondo en su vida emocional. Con una estética pop/rock de los noventa y una emotiva interpretación de guitarra, la canción transmite la idea de que este amor devuelve incluso más de lo que recibió, resaltando las cicatrices como parte valiosa de la experiencia humana.

Jaison Neutra, artista M3 Publishing y M3 Records, inicia con esta canción la conversación sobre su próximo álbum, que saldrá en 2025 y continuará desarrollando temas de sanación, amor y redención.

Sobre el show en Bogotá

Durante esta gira, Jaison Neutra ha estado interpretando algunos éxitos de ‘Resabia’o’, su primer álbum, pero es principalmente una oportunidad para interpretar canciones de ‘Elegante Arrabalero’ (publicado en 2023 a través de M3 Records).

El show de Bogotá será especial pues presentará oficialmente su nuevo sencillo ‘Liviano’. El artista santandereano, estará interpretando canciones que se han vuelto obligadas en su catálogo, como ‘Bailo Lento’ (producida por Juan Galeano, ganador de 4 Latin Grammys con Diamante Eléctrico), ‘Nelly’ y ‘El Peso’, canción junto al cantautor ibaguereño Santiago Cruz y con la que estuvo nominado a los Premios Nuestra Tierra 2024 en la categoría Mejor Canción Tropical, Salsa o Cumbia.

Estos shows se presentarán en un formato íntimo, que busca un acercamiento a la música desde su propio núcleo en la guitarra y voz de su compositor Jaison Neutra. Será la última vez en un buen tiempo en el que la audiencia podrá escuchar las canciones en este formato, pues el tercer álbum de Jaison Neutra vendrá con sonoridades mucho más volcadas hacia la cumbia y la música tropical.

Compra acá tus boletas https://acortar.link/UnArrabaleroenBogota

‘Liviano’ está inspirada en el concepto japonés de Kintsugi, que celebra las fracturas y cicatrices de un objeto reparándolas con oro, la canción muestra cómo un hombre, tras sumergirse en lo más profundo de su miseria, es sanado y redimido por el amor.

Establece el tono para el próximo álbum, el cual también explorará temas de sanación y amor, proponiendo un recorrido introspectivo donde cada canción será una etapa en el camino de redención del protagonista. ‘Liviano’ sirve como el primer paso en este viaje emocional, preparando al público para una obra que explorará cómo el amor y la aceptación son esenciales para sanar.

Noán JL presenta «Solita la Luna»: Un viaje emocional entre el trap y el bolero

La cantante y compositora Noán JL deslumbrará a sus seguidores con su nuevo sencillo, «Solita la Luna», una propuesta musical innovadora que fusiona la fuerza rítmica del trap con la calidez melódica y el romanticismo del bolero. Esta audaz composición aborda temas universales como la soledad, la resiliencia y la autoaceptación, llevando al oyente en un viaje introspectivo cargado de emociones profundas y matices complejos.

Con un enfoque fresco y atrevido, «Solita la Luna» construye un puente entre la modernidad del género urbano y la nostalgia de los clásicos, ofreciendo una experiencia sonora única dentro de la escena musical alternativa, creando un paisaje sonoro donde la tradición se encuentra con la contemporaneidad, dejando una huella memorable en quienes la escuchan.

Según Noán JL, «Quise simbolizar al individuo como un astro, alguien que toma el control de su mundo interno. ‘Solita’ representa esa confrontación personal que, aunque desafiante, resulta transformadora.” Este tema se convierte en un himno para quienes enfrentan sus batallas internas, invitándolos a encontrar paz y fortaleza en la soledad.

El sencillo destaca por su producción musical, que combina percusiones características del trap con melodías suaves y guitarras evocadoras del bolero. Esta mezcla desafía las convenciones de ambos géneros, creando un sonido moderno y, al mismo tiempo, profundamente emocional.

Un equipo detrás de la magia

«Solita la Luna» cobra vida gracias al trabajo de un talentoso equipo multidisciplinario que elevó el proyecto a estándares profesionales. Jeffrey Palomino lideró la producción musical, fusionando las percusiones del trap con las melodías del bolero para lograr un equilibrio único entre lo urbano y lo íntimo. Los músicos Esteban Molina y Diego Ortiz aportaron una rica capa instrumental que profundiza la propuesta sonora.

En el aspecto visual, Alberto Ariza y Jesús López dirigieron la producción del videoclip, mientras que Camilo Rodríguez capturó las fotografías y Jotta realizó una impecable colorización. El diseño gráfico del arte estuvo a cargo de Diego Rueda, con vestuario de Jailedcita Mija y maquillaje de Andrea Moreno. Carlos Robles gestionó la estrategia de distribución y marketing, asegurando un lanzamiento profesional y estratégicamente ejecutado.

El video musical, producido con técnicas innovadoras como el uso de pantalla verde, complementa perfectamente la esencia alternativa del sencillo. «Este lanzamiento marcó un antes y un después en mi carrera. Contar con este equipo increíble fue una experiencia transformadora que enriqueció cada detalle, desde el diseño hasta el Live Session,» comenta Noán JL.

Expectativas y próximos pasos

Con el lanzamiento de «Solita la Luna», Noán JL marca un hito en su evolución artística, transicionando de proyectos autogestionados a producciones respaldadas por el colectivo musical DYSTFOLK. Este sencillo no solo busca conectar emocionalmente con su audiencia, sino también consolidar a Noán JL como una de las voces más originales dentro de la música alternativa emergente.

Con una agenda prometedora, la cantante prepara nuevos lanzamientos, entre ellos colaboraciones con artistas destacados como Chiki Miranda, Iron TGR y Don Dyland, con quien estrenará el esperado tema «Mala Fama».

El próximo 22 de noviembre, los fans podrán disfrutar de un exclusivo Live Session a través de las plataformas de DYSTFOLK, donde interpretará «Solita la Luna» y otras canciones. «Este proyecto ha superado todas mis expectativas. Desde el uso de pantalla verde hasta los detalles del vestuario, cada paso ha sido un aprendizaje y una oportunidad de crecimiento. Siento que este es solo el inicio de algo grande», comenta la artista, visiblemente emocionada.

Este lanzamiento no solo consolida su evolución profesional, sino que posiciona a Noán JL como una figura clave en la escena musical alternativa.

Falquez presenta el video de su nuevo sencillo ‘Broken Castle’

El 2024 ha sido un año significativo para Falquez, sobre todo con el lanzamiento de su disco debut ‘Known Behaviors’. Este proceso comenzó en 2023 con el sencillo ‘Sometimes’, marcando la dirección emocional y sonora que continuaría en el álbum que se lanzó en su totalidad en mayo. Este trabajo es una colección completa que explora temas introspectivos y profundos a lo largo de cada canción, cada una de ellas complementada con su respectivo videoclip para fortalecer la narrativa visual y conceptual que define al músico colombo-estadounidense.

Para cerrar el año, Falquez presenta a toda la audiencia de Colombia y América Latina su nuevo lanzamiento ‘Broken Castle’, una balada de rock alternativo que explora un viaje emocional a través de una relación rota. La letra revela una lucha personal y de pareja, mientras ambos personajes buscan encontrarse, pero terminan perdiéndose en el proceso. La canción se basa en la sensación de un «castillo roto», una metáfora de una estructura alguna vez sólida que ahora yace en ruinas, simbolizando el desgaste y la fragilidad en la relación.

«‘Broken Castle’ está inspirada en la introspección y en los desafíos de enfrentarse a la realidad de una relación deteriorada. Explora el proceso de aceptación y el cierre que llega al reconocer el daño, incluso cuando se ha luchado por mantener algo que finalmente se pierde», comenta Falquez.

A nivel sonoro, la canción combina elementos de rock alternativo y ambient, generando una atmósfera melancólica que refuerza los sentimientos de nostalgia y cierre. Es una mezcla de guitarras profundas y sintetizadores suaves, diseñados para llevar al oyente en un viaje emocional.

El tema toca temas de nostalgia, dolor, pérdida y aceptación. Refleja el proceso de búsqueda de uno mismo a través del fracaso de una relación y cómo esto puede llevar a un nuevo entendimiento de quién eres en realidad.

«La canción está dirigida a cualquiera que haya experimentado la pérdida o el final de una relación significativa y que busque reflexionar sobre ese dolor desde una perspectiva de crecimiento y autoaceptación», agrega Falquez.

El video de la canción es una historia en cuatro partes, donde se sigue la narrativa de una relación en conflicto. Los personajes se buscan mutuamente, tratando de revivir lo que alguna vez tuvieron, pero eventualmente se pierden. Las escenas de aislamiento y encuentro simbólico enfatizan el sentimiento de pérdida, mientras que el viaje físico de los personajes hacia el mar representa el proceso de aceptación.

«Espero que la canción toque profundamente a los oyentes y les permita encontrar un espacio de reflexión en sus propias experiencias personales. ‘Broken Castle’ está destinada a resonar con aquellos que buscan sanar a través de la música», enfatiza.

Para Falquez «el mensaje central de la canción es que a veces, la ruptura y el dolor pueden guiarnos hacia la autoaceptación y el crecimiento personal. A pesar de las dificultades y el fin de algo querido, siempre hay una oportunidad para encontrar paz y claridad».

La portada de ‘Broken Castle’ muestra a uno de los personajes caminando hacia el mar, capturando visualmente el momento de búsqueda y cierre que define la canción. Este escenario representa la liberación y el desapego final, simbolizando tanto el dolor como la calma de dejar algo ir.

‘Broken Castle’ no estará incluida en un álbum o EP, Falquez decidió lanzarla como sencillo para darle el espacio especial que merece. Aunque fue creada durante el proceso de grabación de ‘Known Behaviors’, el músico sintió que esta canción, por su intensidad y tema, debía presentarse de forma independiente para resonar con los oyentes de manera única. De hecho, es una canción significativa para Falquez ya que fue la primera canción en la que grabó voces, marcando un momento de evolución creativa en su carrera.

Así es ‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’, el nuevo trabajo de Fantasía del Moribundo

Fantasía del Moribundo es un proyecto musical de loose rock, bautizado para el género que interpreta la banda colombiana, pues fue la mejor forma de encasillar el sonido mezclado, variado, fresco y novedoso de la agrupación. El proyecto surgió en Bogotá, y se ha ido transformando y evolucionando de manera oficial desde 2023. FM representa la dualidad y el contraste entre belleza y miseria, y vida y muerte; simboliza un profundo deseo por vivir a pesar de estar a un paso de morir. Es un nombre que invita a reflexionar y fonéticamente tiene un impacto dramático. La intención de su propuesta es generar impacto, sensación, reflexión y emoción; dándole un valor y voz a sus ideas.

«Queremos tener la oportunidad tan desperdiciada por gente pendeja con influencia social y medios económicos, para aprovecharla y aportar algo al mundo. Nuestras canciones buscan hacer sentir, cada canción tiene inspiraciones diferentes, actualmente son temas centrados en emociones, expresiones y catarsis que se organizan para llevar una narrativa emocional. Más adelante vendrán temas con narrativas más complejas y enlazadas más a nivel narrativo literario», cuenta el grupo bogotano de rock, bambuco, música electrónica, metal, emo, bossa nova, samba, jazz, blues y salsa, en artistas como Soda Stereo, Gustavo Cerati, Muse, Juanes, Led Zeppelin, Fito Páez, Charly García, Metallica, Skrillex, Foo Fighters, Nirvana, Royal Blood, My Chemical Romance y deadmau5.

‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ es el nuevo trabajo de Fantasía del Moribundo. Es un mini compilado que refleja un fragmento de la esencia del grupo, contiene 6 temas del primer álbum de la banda, titulado ‘Catarsis’. En esta producción se exploran temas rockeros, con el toque y sonoridad característica de FM.

«Queríamos que se sintiera el contraste en cuanto a todo lo que tocamos, por eso hay temas con secciones muy pesadas como ‘Pelea en vano’, y temas contrastantes como ‘Ciclo perfecto’ con influencia jazz y soul, y ‘La fantasía del moribundo’, una balada piano rock progresiva con secciones hechas en clave de son», agrega la banda.

‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ de Fantasía del Moribundo explora elementos fluidos y melancólicos en ‘Tu desnudez’, expresiones rockeras en ‘Tú lo sabes’, sonidos explosivos en ‘Rumbo explosión’, momentos violentos y enérgicos en ‘Pelea en vano’, temas emotivos y cambiantes en ‘La fantasía del moribundo’ y sonoridades apacibles y emotivos en ‘Ciclo perfecto’.

Para FM «La idea del EP es que cada quien lo signifique con sus propias experiencias y que nuestra música acompañe con intensidad y particularidad. Aunque, es dentro de todo, música con una carga emocional pesada, somos una banda para la noche con un dramatismo elegante. Es más sencillo reconocerse en este EP cuando se está deprimido, entusado o muy perdido en la vida».

‘Tu desnudez’ es el sencillo que acompaña el EP, un tema con una carga emocional melancólica que habla sobre el resultado de haber amado con deseo e intensidad. Es una canción de desamor. En la letra se retrata el hecho de perderse en otra persona, de arder intensamente y luego solo ser cenizas. Estos temas de FM guiados hacia lo emocional, están escritos con una intención poética. A nivel musical, toma inspiración de Gustavo Cerati, pero luego se adhieren elementos diversos, por eso la guitarra y el riff principal tiene influencia funk al estilo Cerati. Al final, la potencia y la rabia hacen la canción más oscura y pesada.

«Queremos darnos a conocer con este EP en Colombia y Latinoamérica y poder generar una red de contactos muy bien ubicados en la industria musical. Esperamos conquistar nuevas audiencias, armar nichos y comunidades para nuestra propuesta que, no sé si por suerte o por desgracia, no tiene un público específico aún», enfatiza la banda.

Fantasía del Moribundo planea para 2025 lanzar su álbum debut ‘Catarsis’ que tendrá un alto contenido emocional. A nivel de shows, el grupo se presentará el viernes 15 de noviembre en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el viernes 22 de noviembre en el Open Mic de la EMMAT y el jueves 19 de diciembre en Casa Usaquén.

«FM es un proyecto que, además de sonar bien y presentar un show original, tiene pretensiones e ideales valiosos y objetivamente positivos. Si le dan la oportunidad a la banda, a corto plazo van a disfrutar de muy buena música, un gran ambiente e increíble puesta en escena, y a mediano y largo plazo podrán ver un mensaje crítico y reflexivo acerca de la visión de la existencia. Si nos dan los espacios podremos exponer una manera muy diferente de ver el mundo y de ayudar a muchas personas», concluye Fantasía del Moribundo.

Escucha ‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ de Fantasía del Moribundo https://push.fm/fl/78voxnay

Enla Arboleda lanza el EP ‘Other Ways To Find Yourself’, un trabajo introspectivo inspirado en la incertidumbre

2024 ha sido un año increíble para el crecimiento del artista colombiano Santiago Giraldo Arboleda y su proyecto Enla Arboleda. A pesar de haber migrado a Londres y de enfrentarse con muchas barreras que hace unos años no existían, este proyecto sigue adelante y hoy celebra el lanzamiento de un EP en un nuevo idioma y en un país lejano al suyo. Durante este año, el músico paisa lanzó 4 sencillos, dos de ellos con videoclip, además; conformó el formato de banda para tocar en vivo, un trabajo retador al igual que conseguir conciertos en la capital inglesa.

‘Other Ways To Find Yourself’ es lo nuevo de Enla Arboleda, un EP refleja muchos de los momentos más importantes de su proceso de migración. El título traduce ‘Otras formas de encontrarte a ti mismo’ porque de eso se ha tratado escribir estas canciones. Ha sido una búsqueda por darle sentido a un montón de cosas que parecían ridículas en su momento y que le hacían sentir al artista que la vida lo estaba poniendo al límite extremo. Cada una de las canciones tiene ese elemento de «hasta aquí llegué, no puedo más con esto», por eso, este trabajo tiene una gran carga existencialista.

‘Other Ways To Find Yourself’ es una producción inspirada en la soledad, el silencio y la duda. Va dirigido a las personas curiosas, a quienes tal vez buscan significado en todo lo que hacen o en cada cosa que compran, que sienten pasión por algo o que se están cuestionando qué hacer con su vida. Tal vez estas canciones resuenen en alguna parte del cuerpo o de su memoria.

«Estas canciones las escribí en absoluta soledad, sin saber qué iba a pasar con este proyecto ni con mi vida. Fue una oportunidad para hacerme preguntas sobre las razones por las que quiero lo que quiero, por las que hago música, y por las que decidí dejarlo todo para estar finalmente conmigo mismo. Es interesante porque, estando lejos de la familia, que amo y extraño, de mis amigos y de todo lo que pensaba que era mi vida, me siento más cerca de mí», cuenta el artista de la ciudad de Medellín.

Las canciones que conforman el EP son bastante eclécticas porque mezclan elementos de jazz con influencias de la música electrónica. Tal vez uno de los cambios más drásticos fue haber puesto la guitarra en un segundo plano de manera deliberada, algo que resultó bastante inspirador porque obligó a Enla Arboleda a encontrar nuevas formas de comunicación a través de otros elementos.

«Decidí utilizar mi voz para crear más ambientes y loops, así como sintetizadores que a veces suenan bastante crudos. Son cosas que nunca había explorado de manera tan consciente, y creo que hay un terreno bastante interesante por delante», cuenta el músico.

Según Enla Arboleda «mi meta principal es conseguir más conciertos en Londres y lograr que nuevos seguidores se interesen en el proyecto. Con este lanzamiento decidí implementar un sistema de suscripción a un newsletter, lo que me permitirá tener conversaciones más cercanas con los fans. Si alguien está leyendo esto y siente curiosidad, al suscribirse recibirá un pequeño regalo».

Los dos videos que forman parte de este EP se lanzaron hace unos meses. El primero es con una bailarina que recorre la ciudad en reversa, haciendo alusión al título de la canción ‘Rewire Rewrite’ que traduce ‘Recablear, reescribir’ y que hace referencia directa al título del EP, sobre reencontrarse consigo mismo.

El segundo video es de la canción ‘When The Light Goes Out’ en el que Enla Arboleda aparece cantando en varios lugares icónicos de Londres, espacios que forman parte de su nueva cotidianidad y que enmarcan el contexto de este EP.

«Hay muchos mensajes en estas cinco canciones que le dan vida a ‘Other Ways To Find Yourself’; algunos tienen tintes coloridos y otros grises. En general, siempre trato de hacer un llamado a explorar las emociones y a vivir una vida más libre. Tal vez, para darle un toque más inspirador, mi mensaje es sobre irse de todo aquello a lo que uno ya no pertenece y que le hace daño», enfatiza.

La portada del EP fue diseñada por Enla Arboleda, pintada de forma manual, y significa la representación del caos y la libertad. El caos de mil cosas pasando a la vez, y la libertad del artista de no preocuparse por hacer una portada perfecta, sino algo que le generara alguna emoción y lo hiciera sentir auténtico y conectado consigo mismo.

«Tengo algunos conciertos programados en Londres, así como un par de grabaciones de canciones que no verán la luz hasta finales de 2025 o principios de 2026. Las canciones del primer trimestre de 2025 ya están listas y esperando su lanzamiento. Además, espero explorar colaboraciones para enriquecer el sonido del proyecto y continuar creciendo mi audiencia», concluye Enla Arboleda.

Escucha ‘Other Ways To Find Yourself’ de Enla Arboleda en tu plataforma musical favorita https://onerpm.link/748347017751

Kowloon y Louie Rubio presentan ‘Your Name’, una historia ambientada en un futuro postapocalíptico

Kowloon es un artista estadounidense, de Los Ángeles, que ha lanzado un flujo constante de música en los últimos seis meses: 5 sencillos en este período, abarcando diferentes estilos y géneros. Escribió, grabó, produjo y tocó todas las partes. Durante el mismo tiempo, también produjo y coescribió para un artista de americana Luke Rathborne de Nueva York que aún no ha sido publicado. Su música ha tenido más de 50 millones de streams en Spotify y YouTube. Su música ha sido reproducida frecuentemente en la estación de radio de Los Ángeles KCRW, y también ha sido incluido en playlists grandes y editoriales de indie en Spotify.

Tras el lanzamiento de ‘Black & Blues’, Louie Rubio empacó su Stratocaster y pedalboard para una temporada de viajes internacionales, conectando con artistas de todo el mundo. Recientemente, ha pasado tiempo en reconocidos estudios de música en Francia, Londres y Nueva York (con el destacado talento de Shirazee). Este viaje lo ha llevado a explorar géneros diversos como el indie pop francés, rap del Reino Unido, latino, afrobeats y más. Un aspecto clave de este período ha sido su emocionante colaboración con el artista indie Kowloon en Los Ángeles titulada ‘Your Name’.

La génesis de ‘Your Name’ surgió durante una sesión de escritura/jam entre Kowloon y Louie Rubio. Mientras trabajaban en otra pista completamente distinta, Louie comenzó a tocar la línea de guitarra que es el corazón de la canción, y de inmediato Kowloon se inspiró para escribir la parte vocal.

«La canción surgió puramente por la alquimia de la colaboración. No podría existir si no hubiéramos compartido la habitación en ese momento, tocando instintivamente el uno con el otro. La canción surgió muy rápido e intuitivamente», mencionan los artistas.

‘Your Name’ es una narrativa cinematográfica, una historia de amor ambientada en un futuro postapocalíptico (¿o presente alternativo?) influenciada por los acontecimientos actuales del mundo.

Musicalmente, la canción toma influencias de los clásicos indie de principios de los 90 como ‘Odelay’ de Beck, así como de fuentes más antiguas como los Rolling Stones y actos de rock sureño como los Allman Brothers.

«‘Your Name’ está dirigida a todos los fans de la música nostálgica inspirada en los años 90 y 60. La canción aborda temáticas como la nostalgia, los romances condenados, la ansiedad por el futuro y el espíritu humano floreciendo a pesar de todas las adversidades», cuenta Louie Rubio y Kowloon. «Producción casera estilo años 90, baterías crujientes y trazas épicas sacadas de la era ‘Let It Bleed’ de los Rolling Stones», agrega

La nostálgica portada de ‘Your Name’ está pensada para evocar una diapositiva de Kodachrome, tal vez una fotografía de la familia de los personajes que nunca fue, pero que pudo haber sido.

«Esperamos atraer tanto a los fans actuales como conquistar a nuevos oyentes. Queremos hacer música que impacte la vida de las personas y se convierta en parte integral de la identidad diaria y nocturna de los oyentes», puntualizan Kowloon y Louie Rubio.

‘Your Name’ estará incluida en el próximo LP de Kowloon, tentativamente previsto para enero de 2025.

Louie Rubio tiene otro lanzamiento planeado antes de fin de año y continuará sus viajes colaborativos con artistas de diferentes géneros con el firme objetivo de seguir cultivando su exploración de diferentes sonidos.

Por su parte, Kowloon tiene dos sencillos más tras ‘YourName’: un tema polvoriento y melancólico titulado ‘Shadow’y una pista de ritmo acelerado inspirada en New Orderllamada ‘Heart Begins With You’. Además, prepara un video musical animado para el sencillo ‘Coastin’ que fue dirigido por el mismo cineasta detrás del aclamado video musical ‘Wake Up’ de Kowloon.

Escucha ‘Your Name’ de Kowloon y Louie Rubio en tu plataforma musical favorita https://kowloonkowloon.link/YourName