El trío Afluente conformado por los músicos Marco Arriagada, Christopher Riveros y Brian Valenzuela, comienza el nuevo año con el estreno de su última producción musical titulada “Caricias del Olvido” que llega acompañada de un videoclip. El track disponible en plataformas digitales, será parte de su esperado nuevo álbum de estudio, el que espera ver la luz durante los próximos meses.
“Caricias del Olvido”, es una obra que habla del doloroso sentimiento que crece al perder a un ser querido, no solo en el caso de la muerte, también en el desolador abandono emocional. La canción también contiene una mirada nostálgica e inocente, que tributa al canto a ”los angelitos”,expresión cultural ancestral del folclore chileno.
El canto a “los angelitos”, se centra en el funeral de niños menores de tres años, que guía el alma del pequeño fallecido en su transición a la eternidad. Además, es una instancia particular y profunda del “canto a lo divino”, una tradición musical del campo que actualmente sigue viva en diversas comunas rurales.
Al hablar de la composición de “Caricias del Olvido” con instrumentos como el piano, la guitarra y utilizando la métrica del seis octavos, más instrumentos acústicos, la banda tomó este concepto musical para abordar el misterio de la pérdida. Canciones como esta, buscan situar al oyente en una conversación consigo mismo, en un plano más profundo, precisamente donde lo superficial y las tendencias traban la risa.
Ciudad Plutón es el proyecto solista del músico caleño Santiago Martínez Satizábal. El nombre del proyecto nació en un sueño que Santiago tuvo hace más de 10 años en donde había un personaje en un mundo distópico tratando de encontrar un tesoro… Ese mundo en el sueño se llamaba Ciudad Plutón, una dicotomía entre lo terrenal/urbano y lo astrológico. Entre 2013 y 2014, en su estancia en Oxford, UK; decidió componer canciones bajo este nombre y en Bogotá, en su época universitaria (2014-2022), comenzó a darle forma.
«Ciudad Plutón es un proyecto ecléctico y para mi primer EP incluye un estilo ochentero con sintetizadores y pads. Siempre trato de ser lo más personal posible en mis composiciones y he tenido muchas experiencias a lo largo de mi vida que quiero compartir a través de mis letras y música, y que la gente se sienta identificada a su manera», comenta el artista con influencias de Charly García, The War on Drugs y Radiohead.
‘Centenario Boy’ es lo nuevo de Ciudad Plutón, es un autorretrato de cuando Santiago vivía en el barrio Centenario en Cali. Es una oda a la soledad y atender los susurros de la ciudad.
«Siempre he sentido que este barrio es el corazón de Cali puesto que está muy bien conectado. Cuando estaba viviendo allí durante 8 meses entre 2023 y 2024 tuve muchas experiencias catárticas en mi casa y en los alrededores», agrega.
La canción utiliza en su mayoría pads y sintetizadores. La presencia de la guitarra no aparece sino hasta el solo. En cuanto al estilo, tiene influencias de bandas como Gardens & Villa, The 1975 y Foster the People.
«Algo que me gusta en mis canciones es utilizar elementos sorpresas, en este caso el solo de guitarra interpretado por Nicolas Cobo», menciona.
El video de ‘Centenario Boy’ fue realizado en Side, Turquía durante su residencia en este país. El concepto y la historia del clip se argumenta en las imágenes y paisajes que generaban los atardeceres independientemente que el sencillo no esté contextualizado allá.
Según Santiago, «una de mis mayores pretensiones con mi música es lograr que la gente pueda corear y aprenderse las letras de mis canciones, que las sientan tan propias como yo al componerlas».
‘Centenario Boy’ es el segundo sencillo del primer EP de Ciudad Plutón titulado ‘Valle Futura’ el cual incluye 5 tracks. El concepto general del EP está dirigido hacia los sonidos más city pop y retro, con mucha reverberación en la voz, guitarras sobrias y muchos pads y sintetizadores con una base rítmica un poco bailable.
El diseño de la portada lo hizo Juan Sebastián González ‘Gonza’ (Tropicana Club), quien es la mano derecha en este proyecto y ha sabido plasmar a la perfección la línea de diseño y concepto que Ciudad Plutón quiere mostrar en el EP. La imagen es una fotografía de una cámara desechable que Santiago sacó en 2024 en el edificio al frente de donde vivía, que curiosamente también tuvo la oportunidad de vivir ahí mismo entre 2019 y 2020.
Durante el primer semestre de 2025, Ciudad Plutón lanzará dos remixes más de ‘Centenario Boy’ (Sebtro y Tropicana Club) a parte del que ya lanzó junto a Raiyei. Además, publicará ‘Megalómanos’ que es el tercer sencillo del EP ‘Valle futura’ que se publicará a través del sello Bal Vienna Records y, finalmente, presentará 3 remixes más de dicho sencillo (artistas por definir), otro sencillo con una colaboración de lujo y finalmente el EP en su totalidad.
«Mis expectativas para esta etapa del proyecto se basan en tener un buen lugar dentro de la industria musical principalmente de habla hispana y poder lanzar mucha música en el futuro y poder tocarla en varios festivales de LATAM», concluye Ciudad Plutón.
Bending Grid: Una Máquina del Tiempo de Creatividad Electrónica
El visionario músico independiente Bending Grid, oriundo de Summerville, Carolina del Sur, continúa cautivando al mundo con su propuesta única en los géneros Synthwave, Retrowave y Popwave. Con una carrera en ascenso, este prolífico artista ha demostrado que la creatividad no tiene límites cuando se combina con una pasión inquebrantable por la música.
Su más reciente lanzamiento, «Party In My Time Machine», una colaboración con la talentosa artista Jolie, marca un hito en su trayectoria. La canción, presentada en español, invita a los oyentes a un viaje nostálgico por el tiempo, fusionando los sintetizadores característicos de los años 80 con un enfoque moderno que reimagina el género.
La melodía vibrante y las letras evocadoras reflejan una fiesta eterna dentro de una máquina del tiempo, donde pasado, presente y futuro se entrelazan en un ritmo que conecta generaciones. Jolie aporta un toque fresco con su interpretación vocal, complementando la atmósfera retrofuturista que es ya la firma de Bending Grid.
Con cada nueva producción, Bending Grid reafirma su posición como un referente del panorama musical independiente, desafiando los límites del género electrónico y dejando una huella imborrable en los corazones de sus seguidores. «Party In My Time Machine» promete convertirse en un clásico para los amantes del Synthwave y una ventana abierta para quienes deseen descubrir un universo musical único.
Colectivo Sonoro es un medio de comunicación colombiano independiente, cuyo propósito es crear cultura a través de la música alternativa. Periodismo, fotografía y diseño se juntan en este espacio que durante más de cinco años se ha encargado de presentar contenidos con un lenguaje fresco, innovador y directo.
La música hizo trabajar juntos a sus fundadores y los llevó a que se convirtieran en amigos. Marcela Giraldo, Julián Cabrera, Jhon Paz y Diego Báez, cada uno desde su experiencia y manera de percibir los sonidos, plasma sus sensaciones de conciertos, festivales, entrevistas con artistas y otros cubrimientos a través de múltiples recursos digitales.
Ellos están convencidos, de que la música une a los corazones, por eso siempre tienen las puertas abiertas para colaboradores musicales en Colombia y fuera de ella.
Las 20 de, Qué Video, Playlist temáticos, Canción por canción, Videos colombianos y latinoamericanos, Ciudades en canciones, Bandas sonoras de artistas, Fotógrafos y sus mejores fotos de conciertos, coberturas especiales, infografías, ilustraciones, reportajes fotográficos, reseñas, listados, efemérides, frases de canciones, encuestas, crónicas y podcast son algunos de los recursos y secciones que el Colectivo Sonoro utiliza para contar historias musicales.
Recuento del Año:
Para despedir el año, Colectivo Sonoro presenta su habitual e infaltable listado de los ’50 cañonazos colombianos alternativos’ en donde hacen un balance por las más destacadas e importantes canciones que se publicaron durante el 2024 en la escena musical emergente colombiana, canciones que sin importar el número de vistas o reproducciones fueron de gran importancia, en el concepto de Colectivo Sonoro, para construir el mapa musical alternativo de este 2024 en Colombia.
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Conoce el listado completo a continuación
ALI A.K.A. MIND feat Realidad Mental – Orgullo Rolo
Volcán – Ver tus ojos mirándome
AlcolirykoZ – Dicotomía
Tequendama – TSH Sudaca – Kintsugi
La Muchacha – Igualada
Entreco – Un mar
LosPetitFellas – Música de contrabando
Doctor Krápula – Arte es Resistencia
Kei Linch, Nanpa Básico – Más que reales
La Pestilencia – Criminal Cool
Penyair feat Esteban Rojas – Efímero
Armenia – Tengo miedo
Systema Solar – El Pum Pum
Esteman – Noches de Verano
Velandia y la Tigra – Los Nidos
Nasa Histoires y Pedrina – Florecer Contigo
Oh’laville – El Diablo
Laura Román – El llamado
Aterciopelados – Agradecida
Independiente 81 – Básico
La Etnnia – Amperaje
Duplat – Dilema moral
La Farmakos y La Muchacha – Mero Voltaje
Lika Nova – Repetiría todo
Nicolaifella – La Liga
Ana Botero – Sin filtros
I.R.A. Infexión Respiratoria Aguda – ENERGI.R.A.
Margarita Siempre Viva Feat. Duplat – Mi Maldición
Luego de reactivarse con el lanzamiento de su sencillo ‘Don José y Doña Nubia’, la banda pop rock latino UBanda, originaria de Duitama (Boyacá), cierra el año con un mosaico de canciones junto a la prestigiosa agrupación Banda Parranda.
«Hemos tenido la bendición de un gran año rodeado de oportunidades y nueva música, nos estamos reinventando cada vez y el aprendizaje de cada día es invaluable para seguir progresando y proyectando nuestra carrera musical», comenta UBanda.
‘Mosaico’ es el nuevo de lanzamiento de UBanda junto a Banda Parranda, una recopilación de canciones perfectas para escuchar en temporada decembrina y de fin de año.
El Mosaico está conformado por el clásico ‘Golpe con golpe’ de Pastor López, continúa con la salsa ‘El preso’ de Fruko y sus Tesos, ‘La bella’ de Lisandro Meza y cierra con ‘Te necesito’ de la orquesta tropical colombiana Los Tupamaros.
A nivel sonoro, ‘Mosaico’ tiene bases de merengue, salsa, música tropical, bachata y rock latino. Es perfecta para subir el ánimo, tiene mucha fuerza y alegría impresa. Es una canción que representa felicidad en la época favorita del año.
«Nuestro ingeniero Andrés tiene una amistad linda con Charly y Willy de Banda Parranda (exintegrantes originales de Los 50 de Joselito), por eso, nos atrevimos a invitarlos y ellos con su súper actitud y sabor aceptaron e hicieron de este mosaico algo magistral», agrega el grupo.
Por su parte, para Banda Parranda «Es una hermosa oportunidad para colaborar con UBanda, su experiencia y talento nos aporta en lo absoluto a lo que esperamos se convierta en un gran éxito».
El video de ‘Mosaico’ fue grabado en el estudio de UBanda con un estilo Free Live que mostrara la espontaneidad de los dos grupos a la hora de interpretar las canciones con mucho sabor y alegría.
«Deseamos que ‘Mosaico’ sea una canción que las personas bailen y canten en estas fiestas de fin de año, pero sobre todo que disfruten a máximo volumen de esta colaboración única y especial. Nos encanta explorar nuevos sonidos y que mejor que hacerlo reviviendo clásicos hermosos que vale la pena escuchar mil años más», enfatiza UBanda.
UBanda tiene en las próximas semanas varias presentaciones confirmadas en los aguinaldos de Tunja y para el próximo año en las ferias y fiestas de Duitama.
El 13 de diciembre Bogotá recibe el primer Encuentro Cultural Ciberpaz, un evento en el que la música, la fotografía, la danza y otras artes se darán cita para hablar del uso seguro, consciente, crítico, incluyente y productivo del internet.
El evento será de entrada libre hasta completar aforo en Corferias a la 1:00 pm para disfrutar de una programación cultural en la que se premiará a los ganadores de las convocatorias y podrás disfrutar de muestras artísticas y música en vivo.
El Line UP está encabezado por Herencia de Timbiquí, Systema Solar y Adriana Lucía tres grandes representantes del folclor colombiano. A ellos se suman Metropol, Alto Grado, The Good Gorilla, Monserrate y muchos más.
El Encuentro Cultural Ciberpaz también será un espacio para entregar los premios de las convocatorias y conocer los nuevos talentos que participaron en ellas.
Sobre la ‘Hackathon’:
CiberPaz invitó a innovadores, expertos en ciberseguridad, diseñadores, entusiastas de la programación y desarrolladores a una ‘Hackathon’, que busca encontrar soluciones de acceso a datos disponibles en la web que sean relevantes para los seis pilares del programa, uso de modelos generativos y ‘Large Language Model-LLM’. El objetivo era encontrar soluciones de seguridad y convivencia digital.
Para esto, se destinó una bolsa de premios que oscila entre los 4 y los 10 millones de pesos y serán entregados durante el evento.
Sobre la Convocatoria de artistas:
La convocatoria invitó a artistas colombianos de diferentes disciplinas a mostrar su talentoy conectar con Ciberpaz. Las categorías fueron: Música (solista/agrupación), Poesía, Fotografía, Danza, Literatura, Artes Plásticas y Muralismo.
Se evaluó su originalidad, creatividad, calidad artística y coherencia con las temáticas de la convocatoria. Los ganadores recibirán equipos tecnológicos y/o la oportunidad de exponer su trabajo en el Encuentro Cultural.
Sobre CiberPaz
Este programa del Ministerio TIC busca crear nuevas ciudadanías digitales en Colombia, donde el diálogo, la empatía y el uso responsable de las TIC sean la norma. A través de talleres gratuitos y formaciones virtuales, se brindan las herramientas y el conocimiento para navegar por Internet de forma segura, consciente, crítica, incluyente y productiva.
La Iniciativa que hace parte de la Dirección de Apropiación TIC llega a los 32 departamentos de Colombia, con una oferta que estará a disposición de todos los ciudadanos. Cuenta con una oferta inclusiva dirigida a niñas, niños, adolescentes, adultos, adultos mayores, personas con discapacidad, minorías, y comunidades en zonas rurales, comunidades NARP, indígenas, mujeres, víctimas del conflicto armado y la población LGBTIQ y municipios PDET. Tecnología y medio ambiente.
A través de CiberPaz se fomenta la creación de ciudadanías digitales en las que la convivencia constructiva y el acceso empático a la sociedad del conocimiento son prioritarios mediante seis componentes clave:
-Seguridad y confianza digital
-Diversidad e inclusión digital
-Libertades tecnológicas
-Herramientas TIC para el trabajo incluyente y seguro
-Derechos digitales y derechos de autor
-Tecnología y medio ambiente
CiberPaz es un programa gratuito y abierto a toda la población colombiana, que no necesita de conocimientos previos en tecnología para participar. Podrás sumarte mediante dos líneas de acción: Ciberpaz Sensibilizaciones y CiberPaz Formaciones.
La cantante y compositora colombiana Laura Azul ha tenido un 2024 imparable lleno de noticias musicales y shows inimaginables. Comienza el año como artista invitada en la gira nacional Don Tetto Acústico en Medellín, participó en el Festival Iberoamericano de la Voz (hablada e interpretada) Viva Voz para grabar y cantar el jingle oficial en Bogotá, cantó junto a su agrupación Lilith en el Festival Rock al Parque 2024, retomó su proyecto Blakk Bone Band ahora banda de planta de 20 Mission Bar, además sigue consolidando sus shows tributos como los mas exitosos de la ciudad con numerosas presentaciones como tributos a Shakira Filarmónico, Divas del Pop y A grito herido, esperando a expandirse a otras ciudades del país. Ahora, para finalizar el año, la artista paisa presenta su nuevo sencillo ‘¿Quién soy?’.
‘¿Quién soy?’ de Laura Azul es el tercer capítulo de su EP ‘Renacer’ que consta de 4 capítulos que cuentan una historia hilada entre canciones, habla de un ser complejo que sufre una serie de rupturas y va mutando con el tiempo hasta renacer y reencontrarse a si mismo. Es una historia cotidiana en la que cualquier persona puede verse sumergida e identificada.
El primer capítulo es ‘La Mirada’,el comienzo del caos, cuando las palabras ya no alcanzan está esa mirada que lo dice todo, que muestra la incomodidad de alguien que ya no se siente bien con los que lo rodean ni consigo mismo. El segundo capítulo es ‘Respirar’,una sensación levitativa donde el caos ‘ya pasó’, sale de ese entorno caótico y toma un respiro en medio de todo lo que tiene que asimilar, un respiro en medio de la bruma que no le permite ver dónde está su verdadero yo.
El tercer capítulo ‘¿Quién soy?’, una canción que denota el caos nuevamente, luego del respiro y de evadir la realidad se encuentra con un ser que desconoce, no sabe en qué se ha convertido. Es una búsqueda de su verdadero yo entre tanto dolor, tomar los trozos y juntarlos para volver a ver el panorama completo.
El último capítulo será ‘Fénix’,el fin de la historia, un ser totalmente reconstruido y preparado para enfrentar lo que esté por venir. Un entendimiento total y consiente de todo el proceso que lo llevó a surgir de las cenizas, un ser que ama desde su parte más oscura hasta su más luminosa.
‘¿Quién soy?’ como cada uno de los capítulos de este EP viene cargado de mucho rock n’ roll , cada uno en su esencia. Esta canción es una transición entre la calma y el caos, un viaje impetuoso e impredecible. Su inicio sutil lleva luego a lo más denso que puede alguien estar sintiendo en un momento de aparente calma. Siempre cargado de ese estilo noventero, mezclados perfectamente con armonías y melodías que contrastan esa crudeza del rock.
«Esta canción va dirigida a todos los que estén pasando por ese caos interno, donde esa luz intensa los está cegando e impidiendo ver dentro de sí mismos, esos seres que quieren reencontrarse y sanar tanto dolor, dolor que solo ellos saben y conocen desde sus cimientos. Es para los que se están preparando para brillar más que nunca, solo que aún no lo saben», comenta Laura Azul.
El video de ‘¿Quién soy?’ se compone de planos medios y primeros planos. Es como si se le estuviera contando todo a una luz que no nos permite ver más allá, una luz que nos ciega y nos juzga. Es una lucha por reencontrarnos para responder la pregunta que queremos resolver. Esa luz que no nos permite ver y esa luz a la que le contamos todo, al final somos nosotros mismos.
La realización edición y materialización de la idea de Laura Azul estuvo a cargo de Yecely Muños. Alberto Mira Mora, Ana María Mira Mora y Marión Baamonde son parte de su equipo de trabajo y un engranaje necesario en la realización de esta producción.
«‘¿Quién soy?’ habla de esa gestión del dolor, de caos, de buscar en lo más oscuro que tenemos cada uno para luego entendernos como un todo. Con luz y sombras, con matices y con historias que nos marcan, historias que llevamos tatuadas en el ser, solo se puede convivir con ellas, pero nunca eliminar. Es lo que forja nuestro camino. Es una reconciliación. Todos somos seres de contrastes, debemos amarnos y reconciliarnos con nuestros procesos. Cuando creemos que retrocedemos, cuando creemos estar en lo más oscuro y no vemos esa salida cercana es justo cuando estamos preparándonos para salir disparados como un resorte; ese tirón hacia atrás es solo un impulso que tomamos, y nos disparamos con toda la fuerza solo cuando está todo calibrado, en la justa medida, cuando estamos en el punto exacto y sabemos a dónde debemos ir», enfatiza la artista.
El diseño de la portada fue de Marión Baamonde y su agencia Monē Studio | Creative Strategy & Brand Story, la fotografía estuvo a cargo de Alberto Mira Mora bajo el concepto de Laura Azul.
‘¿Quién soy?’ se grabó en 406 Recording Estudio a cargo de Sebastián de los Ríos. La masterización fue realizada por Sebastián Lopera. Los músicos que hicieron parte de esta canción fueron Andrés Salgado: guitarra principal, Andrés Correa: bajo y guitarras, Jorge Tobón: Batería y Camilo Arévalo: teclados. Es una composición de Laura Azul y la coproducción de Andrés Correa
Para el próximo año, Laura Azul publicará en su totalidad el EP ‘Renacer’ y lanzarlocon un concierto en vivo. Además, la banda Lilith cumplirá 25 años en 2025 y se espera mucho movimiento con esta celebración.
Durante los últimos años la banda de carranga rock boyacense Velo de Oza se dio un respiro creativo. Sin embargo, esto no fue impedimento para girar por Estados Unidos y presentarse en estados como Nueva York y Nueva Jersey mostrando su show a nuevas audiencias. Ahora, para finalizar el año y en un nuevo ciclo, el proyecto liderado por Frank Forero presenta ‘La mama de Tarzán’, una canción fiestera acorde con la temporada.
‘La mama de Tarzán’ de Velo de Oza es una canción inspirada en las personas que crecieron con uno y que después pasan por ahí, sin saludar y sin siquiera mirarlo a uno. Esas que se creen la última Coca Cola del desierto, la última empanada de la vitrina. Siempre pasaba en las fiestas de fin de año cuando regresa al pueblo. Todos conocemos a alguien así. Es un sencillo apoyado de algunas frases populares con las que Frank Forero creció en Boyacá como «jum, se cree la mama de Tarzán» o «Uy, eso se cree la mamá de los pollitos». Está dirigida a todas las personas que se van y regresan despreciando sus raíces y tradiciones. La palabra ‘mama’ sin tilde es intencional por cómo el músico escuchaba esta pronunciación en su región de nacimiento.
«La inspiración detrás de la canción es la rabia que a uno le da que la gente olvide sus orígenes y que se crean más que otros. Es decir, un saludo no se le niega a nadie. Pero cuando las veía regresar y ver que no caminaban sino levitaban dije «Uy tengo que hacerle su canción. Y tenga, ahí está». También quería hacer una canción con beats, estaba en mora de hacerlo porque me gusta mucho explorar en diferentes géneros musicales donde veo riqueza y, además, me encanta el minimalismo. Así que la música no pierde la esencia de la banda, pero sí propone sobre lo ya construido», comenta.
‘La mama de Tarzán’ es una exploración sonora que involucra la rumba carranguera con toques de música arrabalera, pero a su vez con elementos del pop y del rock que rematan y alzan la fiesta con los beats electrónicos; jugando siempre entre ellos. Incluso, en un momento de la canción, hay influencia de la champeta cartagenera.
Con este lanzamiento, Velo de Oza busca una reactivación del proyecto redireccionándolo a conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica sin dejar de lado su fiel fanaticada cosechada en sus casi 17 años de carrera.
«De una manera graciosa, le canto a la gente del pueblo que se creció y que ya no miran pa’ abajo, denotando que uno pudo haberse ido de la tierra… pero la tierra jamás se irá de uno. Por eso mismo, acudo al concepto Gomeche (gomelo + campeche). Es una canción con cariño que invita a volar y progresar sin olvidarse de dónde se viene», agrega el músico.
El video combina elementos tradicionales de la cultura boyacense como la ruana y el sombrero con excentricidades como carros Lamborghini, Tesla y Mercedes Benz. El clip se rodó entre Atlanta y Tunja, la dirección general estuvo a cargo de Frank Forero y contó con la participación de la influencer colombiana Lorena Borda. El video tiene elementos del concepto Gomeche que contrasta realidades de forma caricaturesca.
La portada del sencillo es un collage refleja una mujer con rasgos medio de mala onda por su actitud, despreciando una empanada, pero a la vez deseándola. En el fondo se ve Nueva York para contrastar la imagen principal. Fue creada inicialmente con IA, para luego tener intervención humana.
Según Frank Forero, «Es una canción fiestera de carranga con beat. Es perfecta para bailar, pero también para iniciar el día con buena energía. Es un tema multigeneracional».
‘La mama de Tarzán’ estará incluida en un nuevo disco que lanzará Velo de Oza en 2025. El proyecto lanzará periódicamente varios sencillos antes de publicar el álbum en su totalidad. El trabajo tendrá sonidos enérgicos y agresivos hasta baladas nostálgicas. Las temáticas tendrán el ADN característico del grupo en donde se mezclarán historias graciosas con letras raizales, siempre orgulloso de su tierra y su ciudad boyacense, Tunja.
«Después de regresar a las fiestas de los pueblos boyacenses donde uno es feliz, la banda retomará las giras internacionales y lanzará una canción infantil con un artista paisa muy importante en el mes de enero. Es el cantante más querido en el ranking del corazón de los colombianos sin duda alguna. Ahí les dejamos este trompo en la uña», concluye Frank Forero de Velo de Oza.
La formación barcelonesa encabezada por Micky Laborde y Jordi Pegenaute presenta su tercer disco de estudio, un álbum que ha sido producido por la propia banda y Carlos Hernandez en Cherub Rock, El Masnou. Mezclado y masterizado en El Castillo Alemán, Pedrezuela, Madrid.
Después de lanzar varios adelantos como “La Ciudad”, “Días Sueltos”, “Manifiesto” o “Rey Sin Trono” ahora es el momento de lanzar el álbum al completo.
El trabajo lo forman 12 canciones que se mueven entre el pop rock y que fusionan melodías infinitas con riffs de guitarra vibrantes, ofreciendo un viaje lleno de energía y emoción. Cada tema destaca por letras sinceras y ritmos cautivadores que combinan la intensidad del rock con la accesibilidad del pop. Las canciones exploran temas universales como el amor, la superación personal y los desafíos de la vida moderna, mientras mantienen un sonido fresco y contemporáneo. Ideal para quienes buscan una experiencia auditiva dinámica que invite a cantar y moverse al ritmo de cada canción.”
Como focus track se ha elegido “Triste Pegador” una pieza musical que desafía los límites emocionales y sonoros con una mezcla única de sensibilidad y poder. En esta canción, nos sumergen en el mal trato donde la melancolía se encuentra con un ritmo contundente, creando una atmósfera que golpea el alma con fuerza mientras invita a la reflexión.
Con letras profundas y honestas, “Triste Pegador” habla sobre la lucha interna, los momentos de soledad y el esfuerzo por mantener la resiliencia frente a las adversidades. La canción captura esa dualidad que todos enfrentamos: la fragilidad de los sentimientos y la necesidad de mantenerse firme.
Musicalmente, “Triste Pegador” logra un sonido innovador que conecta con oyentes de todas las edades. Las guitarras hipnóticas, los sintetizadores envolventes y una base rítmica poderosa se entrelazan con la interpretación vocal cargada de emoción con un resultando en una experiencia auditiva memorable.
El disco estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del próximo 29 de noviembre. Además, acompañará un videoclip que promete capturar visualmente la intensidad y la narrativa de la canción. Con “Triste Pegador”, SOYLA demuestra una vez más su capacidad de transformar las emociones en arte.
RADAR es un reflejo de las inquietudes de una generación que navega por la digitalización, la desconexión emocional y el sentido de soledad en un mundo hiperconectado. La esencia de “Radar” radica en la exploración de estos sentimientos, manteniendo siempre la personalidad sonora que ha caracterizado a Soyla desde sus inicios”
Ed’s Multiverse estrena un emocionante video de su cover de la icónica canción «Caught Somewhere in Time« de Iron Maiden. Este proyecto nació a principios de 2021, cuando Ed (Rottenfly) decidió formar una banda colaborativa que reuniera a músicos destacados con el fin de rendir tributo a canciones especiales y crear material audiovisual de alta calidad.
La idea es rotar los miembros de la banda en cada versión, lo que ha permitido que cada proyecto tenga su propia identidad. Las primeras entregas, Alfa y Beta, rindieron homenaje a Slash y Myles Kennedy con «Back From Cali» y a Depeche Mode con «I Feel You«, respectivamente. Gamma continúa esta tradición, con una nueva propuesta de alta carga energética y musicalidad.
La formación de para esta nueva versión incluye a Ed y Boris Seeder (Aisles, Tornado) como vocalistas, quienes interpretan juntos la poderosa canción de Iron Maiden, compartiendo el rol de vocalistas por primera vez. Los acompañan músicos de renombre como Pablo «Chespi» La Ronde (Sobernot) y Omar Alvear (Intrascendence, Ten Richter) en las guitarras, Yerko Lincoyán (Parasyche) en el bajo y Martín Álvarez (Decessus) en la batería.
La grabación y el master de la canción fueron realizados por Franco Gabelo, mientras que el video fue producido por Trébol Films, con dirección y filmación a cargo de este mismo equipo. El trabajo audiovisual se filmó en Plectrum Studio y presenta una estética visual que complementa la potencia de la interpretación musical.
«Caught Somewhere in Time«, incluida en el álbum «Somewhere in Time» de Iron Maiden, es uno de los temas más emblemáticos de la banda británica. Lanzado originalmente en 1986, este álbum se destacó por su innovador uso de sintetizadores y su temática de viajes en el tiempo, lo que los consolidó aún más en popularidad y siendo considerado un hito en la historia del heavy metal. Actualmente, este tema forma parte del setlist de la gira The Future Past World Tour 2024.
Con esta nueva canción, Ed´s Multiverse busca rendir homenaje a una de las canciones más representativas de la banda británica, incorporando a Boris Seeder como co-vocalista, lo que aporta un toque novedoso a la interpretación. La producción general siempre ha estado a cargo de Kardioide Producciones, quienes se han encargado de dar forma a este tributo visual y musical.
La banda de Goiás Insanidade estrena su nuevo video, “Get Out of My Way”, tema del álbum Enough to Be a Loser. Con un enfoque cinematográfico, el clip transporta al público a una versión ultracaótica de Los Ángeles de 1984, donde las fiestas, el sexo, las drogas y el Hard Rock desafiaban todas las reglas. Dirigido por Daniel Ete y editado por Rodrigo Fernandes, el vídeo es un viaje post-apocalíptico por la ciudad. En un viaje impulsado por Jack n’ Coke, los miembros se topan con versiones zombificadas de íconos de la época, incluidos miembros de Motley Crue y Ratt, actrices de entretenimiento para adultos como Ginger Lynn y Amber Lynn, e incluso el propio Terminator en su forma de carne y acero.
Nuevo álbum:Enough to Be a Loser Lanzado en 2024, el cuarto álbum de estudio de la banda marca un avance significativo en su trayectoria musical. Descrito como el trabajo más pesado en la discografía del grupo, el álbum tiene una sensación de Hard Rock y Heavy Metal con influencias de gigantes como Motörhead, AC/DC, Guns N’ Roses, Motley Crue y The Hellacopters.
Con nueve temas, ocho de los cuales son originales y una versión del clásico “Looks That Kill” de Motley Crue, el álbum es una inmersión en el espíritu rebelde del Hard n’ Heavy de los años 70 y 80. Los riffs potentes y refinados. La técnica y la velocidad del sonido contagioso prometen conquistar a los fanáticos del rock pesado y enérgico. La formación actual de Insanidade cuenta con Lucas Tamandaré en voz, Luis Maldonalle en guitarra, Gustavo Vásquez en bajo y Rodrigo Miranda en batería.
Juntos, estos músicos crearon un álbum que resume la esencia cruda y visceral del rock’n’roll. Enough to Be a Loser ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, acompañado del imperdible video de “Get Out of My Way”.
La artista dominicana en ascenso, Valentina, sorprende a sus fans con el lanzamiento de “veranito sad acústico”, una reinterpretación acústica íntima de su exitoso EP, “veranito sad”.
Este nuevo proyecto desnuda los ritmos originales del EP para revelar interpretaciones emocionales que prometen conectar profundamente con su seguidores y nuevos admiradores en esta temporada de fin de año.
“veranito sad es un EP que me encanta y que disfruté mucho hacer”, comparte Valentina. “Quería darle a mi público para fin de año el mismo EP, pero desde una mirada más íntima y emocional”.
Esta versión acústica revisita temas favoritos como “playa rincón”, “2 traguito y tú”, “whikisito a la roca”, “você x copacabana” y “1 veranito sad” ahora reinventados con arreglos delicados que destacan la profundidad vocal y emocional de Valentina.
Mientras el EP original nos presentó una etapa donde Valentina se conecta con todos que añoran esa relación que no pasó o como dice ella misma “pudo pero no se logro”, “veranito sad acústico” invita a la introspección igual que la original pero con una connotación íntima al estilo de Valentina.
Este lanzamiento llega tras un año de grandes logros para Valentina. Recientemente, capturó la atención durante la Semana de los Latin Billboard, donde fue invitada a cantar en vivo en el showcase de Rimas Publishing y participó como panelista en las conferencias de Billboard. Su autenticidad en el escenario y su capacidad para conectar con el público han consolidado su posición como una artista destacada dentro de la música latina.
Chimalguen, banda rock de raíz, originaria de la comuna de Cañete reconocidos por su fusión de rock, folk, metal y sonoridades mapuche, celebran el lanzamiento oficial de su primer álbum de estudio, bajo el sello “La Rara Records”. Este hito, que llega tras años de trabajo y exploración musical, representa un paso trascendental para la agrupación originaria de la comuna de Cañete, en la región del Biobío.
Conformada por los destacados músicos locales: Andrés Pino Zúñiga (bajo y voz) Carlos Pérez Navarro (saxo, trutruca, guitarra y voces), Sebastián Torres Gallardo (batería), David Cáceres Avello (guitarra) y Francisco González Fontecilla (teclado y voces), presentan hoy su LP homónimo titulado “Chimalguen”. Sus letras transitan desde la cosmovisión mapuche, su reivindicación, el mestizaje, el devenir del ser humano, la percepción territorial, encontrando de esta manera un sonido con pertinencia local.
Entre los temas destacados se encuentra “El Misterio”, una pieza que invita a reflexionar sobre las creencias y las religiones. Con una sonoridad que transita desde lo introspectivo hasta lo expansivo, esta canción explora la dualidad entre las certezas y las dudas, mostrando la búsqueda incesante de comprender lo que está más allá de lo tangible.
Otro track que resalta es “No Sabrán”, una canción íntima y poderosa sobre el aprendizaje del amor. La banda aborda las dificultades y esperanzas inherentes a las relaciones humanas, ofreciendo un mensaje universal y emocionalmente resonante. Ambas composiciones se conectan por su deseo de comprender la esencia de la condición humana en un mundo lleno de contradicciones.
El proceso de creación y producción del disco comenzó en 2022 y culminó con una participación destacada en el Festival REC a fines de ese año. Durante este período, los integrantes de Chimalguen trabajaron arduamente en escuchar, re escuchar y reconocerse mutuamente, buscando plasmar en cada canción la cosmovisión mapuche, el mestizaje y la percepción territorial.
La banda se inspiró en su natal Cañete como un entorno único, una conexión profunda con la naturaleza y una comunidad musical solidaria que fomenta la autogestión. Este contexto enriquece su propuesta y les permite crear un sonido auténtico con pertinencia local.
La vida es colaborativa. Bien lo saben Rosario Alfonso y Niña Tormenta, cantautoras chilenas que forman parte del sello Uva Robot y que por estos días presentan “La vida pasa”, un bolero relajado y nostálgico que funciona como invitación a tomarse las cosas con calma, disfrutar del presente y atesorar aquellos momentos brillantes que nos deja el día a día.
Con un tono optimista y luminoso que combina con frescura y sin esfuerzo los imaginarios de ambas artistas, “La vida pasa” es un souvenir del último período de giras por Colombia, España, Perú y México que compartieron durante este 2024, viaje que les abrió un espacio para componer juntas y entregar así una hermosa segunda colaboración.
“Con Rosario ya llevamos varios años compartiendo y colaborando musicalmente. Aunque hemos tocado mucho juntas, nos debíamos hacer una canción en conjunto, así que en nuestro último viaje a España empezamos a inventar “La vida pasa”. El proceso se fue dando de una manera muy lúdica, en la que cada tanto alguna de las dos inventaba alguna frase o melodía, y en los tiempos libres y de paseos llevábamos los instrumentos para seguir inventando cosas. Me encantó cómo fuimos componiendo la letra, porque fue muy divertido, fluido y honesto. Queríamos hacer una canción sencilla, que hablara de guardar los momentos de felicidad que muchas veces se nos escapan de las manos cuando estamos en la vorágine del trabajo. Me encanta cantarla con Rosario, es un lindo regalo que le hemos hecho a nuestra amistad”, expresa Niña Tormenta.
“La vida pasa”, producida por Yaima Cat y masterizada por Arturo Zegers, irrumpe con suavidad en la caótica primavera santiaguina para adelantar parte de lo que será el esperado tercer álbum de Rosario Alfonso, programado para estrenarse en octubre de 2025: “Para mí, esta canción es sobre aprender a tomarse la vida con liviandad, disfrutar de la amistad y entender que, a pesar de todo lo difícil que puede ser esta profesión, somos afortunadas de estar juntas, haciendo esto que amamos que es la música”, detalla Rosario.
Además, Rosario Alfonso y Niña Tormenta se presentarán en vivo en el Festival Uva Robot, el sábado 18 de enero en la Casona Nemesio Antúnez (La Reina, Santiago). En esta edición, el evento contará con la participación de artistas de Colombia que forman parte del sello In-Correcto. Para más información sobre el line-up y venta de entradas, te invitamos a estar pendiente de las redes de Uva Robot y de ambas artistas.
¡En esta temporada navideña, Orchestra Fuego está emocionada de llevar los sabores de Puerto Rico directamente a tus parlantes! Con gran entusiasmo, anunciamos el lanzamiento de nuestro nuevo sencillo navideño titulado «Un Pastel Caliente», con la increíble voz del cantante puertorriqueño Julio César Sanabria.
«Un Pastel Caliente» celebra la esencia de las tradiciones navideñas puertorriqueñas, poniendo en el centro de la celebración los deliciosos pasteles. Este querido plato es un elemento básico de la Navidad en la isla, y une a las familias en torno a la celebración y la calidez. Nuestra canción captura esa alegría con todos los ritmos festivos y la energía que amas de Orchestra Fuego.
La Orchestra Fuego, conocida por su dinamismo y pasión en la interpretación de música salsa, se enorgullece de añadir un toque navideño a su repertorio. Con la colaboración especial de Julio César Sanabria, un cantante puertorriqueño con una voz potente y emotiva, «Un Pastel Caliente» promete ser un éxito en las celebraciones navideñas de este año.
En palabras de Julio César Sanabria, «Participar en este proyecto ha sido una experiencia maravillosa. ‘Un Pastel Caliente’ es una canción que no solo celebra la Navidad, sino que también rinde homenaje a nuestras raíces y tradiciones. Espero que todos sientan la misma alegría que nosotros sentimos al crearla.»
La Orchestra Fuego ha demostrado ser un grupo versátil y talentoso, capaz de capturar la esencia de la música latina en cada una de sus interpretaciones. Su capacidad para innovar y mantener viva la tradición es evidente en este nuevo sencillo navideño. «Un Pastel Caliente» no solo destaca por sus ritmos festivos, sino también por su mensaje de unidad y amor familiar.
La Orchestra Fuego se ha consolidado como una de las bandas de salsa más influyentes de la escena musical latina. Con una trayectoria llena de éxitos y reconocimientos, han logrado cautivar a audiencias de todo el mundo con su música vibrante y contagiosa. Sus integrantes, liderados por el director musical Víctor Gámez, se esfuerzan por mantener viva la rica tradición de la salsa, al tiempo que incorporan nuevos elementos y sonidos modernos.
Disponible en Todas las Plataformas Digitales:«Un Pastel Caliente» ya está disponible en todas las plataformas de streaming. ¡No te pierdas la oportunidad de añadir este alegre himno navideño a tu lista de reproducción y dejar que los ritmos festivos de Orchestra Fuego iluminen tus celebraciones navideñas!
Eres esa luz es el segundo adelanto del nuevo trabajo de Marsella. Un disco de 9 canciones con una temática dura y compleja como es la pérdida de un ser querido a manos del cáncer. Estas 9 canciones cuentan la batalla que mantuvieron Germán (vocalista de Marsella) y su hermano Bruno contra le enfermedad. Cada single es un destello de luz y esperanza en un entorno completamente hostil donde, desgraciadamente, no hay final feliz.
Eres esa luz es una canción esperanzadora que nos recuerda que la luz de las personas que queremos jamás se apaga, a pesar de la oscuridad. Invita a hacerse fuerte ante las desavenencias de la vida.
El nuevo disco de Marsella toma como nombre “A todos los que se fueron”, convirtiéndose en un homenaje para el hermano de Germán y para todos aquellos que han perdido a un ser querido en sus vidas.
En este segundo disco de Marsella han trabajado varios nombres a cargo de la producción del mismo. El disco ha sido producido entre David Van Bylen y Germán G.Dobarco y coproducido por Carlos Hernández, Juan Sueiro y Fermín Bouza. El single ha sido mezclado por Juan Sueiro (Fangoria, Sofia Coll, Miss Caffeina…) Conocido por un estilo de producción mucho más electrónico. Las guitarras pasan a un segundo plano donde los sintetizadores de los 80s son los verdaderos protagonistas, otro guiño que Germán hace a su hermano Bruno, quién fue el encargado de enseñarle los grupos de aquella década.
El videoclip del single ha sido grabado en Radical Sonora, donde Viva Suecia grabó el vídeo de su trabajo “La voz del presidente”. La grabación vuelve a contar con esa mezcla de luces y sombras característica de su último disco. Con un travelling circular constante que simboliza el infinito.
El arte del disco corre a cargo de Enrique Ponsa y Sofía González, quiénes ya trabajaron en el anterior single de la banda.
La fotografía del single ha sido trabajada por Diego La Fuente, que ha colaborado con otros artistas como Nika, Paco León o Miguel Bernardeu.
La reflexión del espacio y los objetos que hace Georges Perec se transforma en canciones en el debut largaduración de Diego Márquez, músico detrás de Chips y la gran ciudad, proyecto en colaboración junto a Laura Zavala, que en 2020 deslumbró con el corto «Ensayo para la angustia», sucedido por «Afuera la tormenta» del 2021.
«Infraordinario», inspirado en el título del libro, fue estrenado bajo Registro Móvil con la grabación de Ricardo Herrera en Estudio Castalia, dando como resultado una construcción indie, de corrientes art que abarca el pop y el rock, junto a colabs como Niña Tormenta y Koe. Un primer LP en su carrera, donde queda plasmado el intento y esfuerzo de dar vida al arte en medio de la vorágine del ritmo laboral.
Inspirado en Smashing Pumpkins, la esfera indie de Mogwai y el último trabajo de Nando García, Chips y la gran ciudad da con una modernidad juguetona en 9 canciones en las que el músico quiso recopilar sus gustos: de lo electrónico al emo, de dream pop o rock pesado, sin dejar fuera la psicodelia o el progresivo.
De ese listado es que se extrae ‘Himno Matutino’, una de las favoritas del músico, que cobra vida en formato videoclip tras años de gestar la idea.
«Queríamos retratar a un personaje de la clase trabajadora, y el espacio de un restaurante nos pareció un buen lugar para explorar, claramente Chunking Express es una referencia. Quisimos abordar la cocina de manera expresiva, jugar con los colores, con el movimiento. Creo que, en parte, esta canción la hice para el videoclip, quizás inconscientemente», cuenta sobre el video dirigido por Constanza Lobos, con la producción de Colectivo Niñita Perversa y el propio compositor.
❝La idea del videoclip está inspirada, en parte, en personajes de Jim Jarmusch, como Paterson, que tiene una rutina de trabajo super monótona pero también linda, y bastante inspirada en en universo estético de Wong Kar-Wai. Queríamos que tuviera esta onda rápida con barridos de cámara, con harto movimiento de actores, con la energía saturada de la ciudad, que hubiera trabajo con el cuerpo”, agrega sobre la pieza audiovisual enmarcada en este trabajo que viene a reconciliar la actividad filosófica, su profesión académica, con la musical, su oficio artístico.
“He intentado conciliar un poco esas esferas, y esta es la primera vez que le meto tanto concepto a una creación musical. Intenté tener cuidado de no dar la lata, pero me parece que es la obra más pensada que he hecho, incluso con todos los elementos oníricos que tiene. Siento que ha sido importante para flexibilizar lo tajante que he sido en las otras creaciones de lo «conceptual» con lo más «intuitivo». Creo que la idea es más bien hacerlas coincidir, pero creo que eso es como una tarea de vida”, concluye, casi como una extensión y reafirmación de lo que nos canta en ‘Himno Matutino’.
CALI FLOW LATINO, la emblemática agrupación caleña que revolucionó la salsa choke, está de regreso con su nueva canción, “NO ME LLEVARÉ», una mezcla vibrante de ritmos urbanos y tropicales que invita a reflexionar sobre lo efímero de la vida. Compuesta por Andrés Mesa y Arrinson Mesa, y producida por Harry Mesa y Sebas Velásquez, este sencillo reafirma el estilo innovador que los ha llevado al éxito global.
La agrupación, liderada por los hermanos Andrés y Hárrison Mesa, tiene una trayectoria que comenzó en el año 2000. Inspirados por las colecciones musicales de su padre, grabaron sus primeras canciones en cassettes haciendo beatbox. Su salto a la fama llegó con «RAS TAS TAS», incluido en su álbum FULL HD, que se convirtió en un fenómeno internacional y les valió una nominación a los Grammy Latino en 2016.
«NO ME LLEVARÉ» combina una letra sencilla y directa con un mensaje poderoso: disfrutar la vida al máximo. La canción habla sobre la importancia de vivir sin aferrarse a lo material, recordándonos que «cuando muera, no me cabe en el cajón». Esta filosofía alegre y despreocupada se refleja en el estilo único de Cali Flow Latino, quienes han sabido integrar elementos de salsa tradicional con su característico toque urbano.
Con éxitos como «SWAGGAS», «LA NEGRA NO QUIERE» y «BUGALÚ», CALI FLOW LATINO sigue demostrando por qué son referentes del género. «No Me Llevaré» es otro capítulo en su historia, una celebración de la vida y la música que promete poner a bailar a todos.
«Ansiedad» invita a rebelarnos contra la ‘doctrina social’ y liberarnos tal cual como somos, ya que la aceptación es consigo mismo y su propia paz,
aquello que mueve el espíritu y el corazón. Invita romper ese miedo a saltar al vacío con las manos vacías, sabiendo que las alas siempre brotan de una u otra manera.
Está cargada de un sonido noventero influenciado por las bandas de grunge de la cuna de Seattle además de sonidos tomados de las influencias de sus integrantes.
Da un paseo por la caricia melódica hasta la expresión rabiosa del mensaje.
Ansiedad es una canción que pone al descubierto el miedo a no ser aceptados en una sociedad que sólo ve, palpa y escucha superficialmente.
Revela esa ansiedad del ¿Quién soy para la sociedad? O ¿Cómo debo ser para la sociedad?.
Con formación en dos guitarras, bajo, batería y voces limpias y rasgadas, Smoth se ha establecido como una de las bandas más prometedoras de la escena musical emergente en Colombia.
Su propuesta original y su energético directo los han llevado a presentarse en reconocidos festivales y compartir escenario con importantes referentes de la música nacional e internacional.
La banda se encuentra trabajando en la producción de su primer álbum en español, el cual promete ser una experiencia musical única y una muestra más de su habilidad para crear música que combine técnica, intensidad y emotividad.
Smoth invita a todos los amantes del Grunge a sumergirse en su universo y a formar parte de este viaje de autenticidad y valentía creativa. Con su música, buscan generar una conexión profunda con el público,
transmitiendo emociones y reflexiones que invitan a la introspección y al cuestionamiento de la realidad.
Para más información sobre la banda y su nuevo single ‘Ansiedad’, puedes seguirlos en sus redes sociales y estar atentos a futuros lanzamientos y presentaciones.
La banda de metal progresivo Intrascendence, originaria de Santiago de Chile, ha lanzado su primer single titulado “Believing to See”, marcando el inicio de su prometedor debut discográfico. Con altas ambiciones y un enfoque profesional en cada detalle, Intrascendence busca posicionarse en la cima del metal progresivo, ofreciendo una experiencia completa que abarca lo lírico, artístico y la puesta en escena inmersiva de sus futuras presentaciones en vivo.
Una introducción a la profundidad de la conciencia
“Con esta canción comienza el viaje hacia las profundidades de la conciencia del personaje que protagoniza la historia del álbum. Aquí desbloquea atisbos de entendimiento sobre su percepción y aprende de sus cuestionamientos internos y emocionales, logrando un estado de conciencia que le permite darse cuenta de que, si es cuidadoso en donde pone su atención, será capaz de crear su realidad a voluntad y ‘creer para ver”, comenta el cantante Felipe Reyes. Este tema sienta las bases de una narrativa introspectiva y profunda que promete desarrollarse a lo largo del LP.
Un videoclip con mensaje
El videoclip de «Believing to See» fue realizado por OnStage Producciones, bajo la dirección de Elías Hernández y la coproducción de la banda. Según el guitarrista y bajista Rodrigo del Canto, el video intenta visibilizar la desconexión entre los seres humanos. «En el camino hacia el despertar, somos acompañados por la soberbia, arrogancia y apatía, pero el universo y la sincronía se encargan de darnos lecciones de humildad y prestar atención a lo esencial”, agrega del Canto. La producción audiovisual complementa el mensaje de la canción, resaltando los temas de introspección y autoconocimiento.
La formación de Intrascendence y su equipo creativo
Intrascendence está compuesta por Felipe Reyes en la voz, Rodrigo del Canto en guitarra y bajo, Omar Alvear en guitarra, Manuel Arriaza en teclados y Martín Álvarez en batería (sesionista). Juntos, han trabajado para crear el disco homónimo de la banda, que servirá como secuela del primer single lanzado en 2022, titulado ‘Beyond A Decaying World’. Para este nuevo proyecto, confiaron la producción y mezcla a Franco Gabelo y la masterización a Pancho Arenas. El arte del disco, una obra de óleo digital, fue creado por el artista visual Camilo Valdés.
Un futuro prometedor en el metal progresivo
Con «Believing to See», Intrascendence no solo da inicio a su LP debut, sino que también promete una experiencia musical y visual que desafía los límites del metal progresivo. La banda está decidida a dejar una marca duradera en el género, y con su enfoque en la calidad y la narrativa profunda, parece estar bien encaminada para lograrlo.
Escucha «Believing to See» y sumérgete en el viaje introspectivo que propone Intrascendence, disponible ahora en todas las plataformas digitales.
![[Novedad] UBanda despide el año con un mosaico junto a Banda Parranda](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2024/12/UBanda-Banda-Parranda-1.jpeg)
