Ian Carlo, Janus y Rodrigo presentan su nuevo single “PTM”, este sencillo guarda un sentimiento que compartido de cuando una persona se va y no regresará. Este single producido por FRAT RECORDS (productora de grandes éxitos de Danna Paola, Mario Bautista, CD9, entre otros) intenta contar sobre esos instantes dolorosos cuando te das cuenta de que esa persona especial ya no regresará, y la decepción se convierte en un fascinante viaje hacia la aceptación.
Esta canción es el eco de esa experiencia universal, tejida con emociones y sonidos que te sumergirán en la profunda travesía de dejar ir y abrazar el presente.
El video musical ya se encuentra disponible y estuvó bajo la dirección de Dann Fibo y la producción e Frat Records Films / Frat Records.
El cantautor barranquillero (Colombia), Beko, conocido por su distintiva fusión de pop latino y música urbana, ha lanzado su más reciente sencillo titulado «La Última Noche», la última canción su más reciente trabajo discográfico “Mucho gusto, Beko”
La canción narra una emotiva historia de ruptura amorosa, ambientada en una romántica cita a la luz de la luna en Barranquilla. En ella, Beko, con convicción, expresa la certeza de que esta noche no será la última que compartirá con su amor, compartiendo un mensaje de esperanza en el reencuentro futuro.
«El título de la canción, ‘La Última Noche’, surge de esas experiencias que a nadie le gusta vivir. Imagina esta situación: estás en una cita romántica, todo parece perfecto, pero de repente, tu pareja te revela que la relación está llegando a su fin. Te quedas atónito, sorprendido, pero en ese instante surge algo dentro de ti, una certeza inquebrantable: esta no puede ser la última vez que estén juntos. Le afirmas con convicción que aún la amas, que nadie más podrá conocerla como tú lo haces. Es un momento cargado de emoción y verdad, y eso es precisamente lo que intento capturar con ‘La Última Noche’.«- comenta Beko
Beko se destaca como un artista integral, cuidadoso en la composición musical, visualizando cada escena en su mente para crear letras que evitan temas explícitos como sexo, drogas, dinero y malas palabras. Su enfoque en contar historias a través de la música ha definido su sello distintivo, ofreciendo a los oyentes una experiencia envolvente y significativa.
«La Última Noche» es parte de un trabajo discográfico más amplio que busca una evolución musical, manteniendo la esencia de los ritmos característicos de Beko. La combinación de géneros urbanos como el reggaeton y en esta canción el afrobeat con la cumbia colombiana representa un desafío creativo, donde se ha buscado mantener el estilo urbano único de Beko.
La producción de «La Última Noche» contó con la experiencia y el talento de Douglas M Pro como productor musical, Isai Rangel en la guitarra, y Tropical Films en la producción audiovisual, garantizando un trabajo de calidad que captura la esencia y la energía de la música de Beko.
«La Última Noche» ya está disponible en todas las plataformas de streaming. Únete a Beko en este emocionante viaje musical y descubre la magia de su última creación.
El famoso cantante venezolano Pawee se lanza como solista con “Tomó” e impone un género con el que marca diferencia en el mercado musical.
“Tomó” es una canción con la que el artista empodera a la mujer y llegó acompañada de su respectivo videoclip dirigido y producido por el grande Joseph Palacios.
“Es una canción que habla sobre las mujeres que no aguantan más desplantes de sus relaciones. Es una mujer que decide dejar atrás todo el sufrimiento. Habla del empoderamiento femenino. Una historia bastante cotidiana”, comentó Pawee sobre “Tomó”.
El audiovisual se grabó en diferentes locaciones en Miami – Estados Unidos y a pocos días de ser lanzado cuenta con más de 30 mil reproducciones en YouTube.
El talento de Pawee le ha abierto las puertas en Estados Unidos lo que le ha permitido compartir con artistas de la talla de Rey Ruiz, Gilberto Santa Rosa, Pollo Brito, Alexis y Fido, Arcangel, Nacho, Ronald y Luis Fernando Borjas, entre muchos más.
Pawee con el propósito firme de marcar pauta en la industria, se enfoca en fusionar géneros musicales como la cumbia, el trival, la champeta y el reggaetón. Países como México, Ecuador, Argentina, Colombia, Puerto Rico y Venezuela se unen a través de las canciones del afamado artista.
El cantante venezolano se encuentra trabajando en lo que será su próximo lanzamiento musical. Se tratan de dos canciones que van de la mano: “De Ti No Quiero Naa’” y “Soy Inmigrante”.
Pero por si fuera poco, Pawee asoma el lanzamiento de su primera placa discográfica como solista, misma que desprenderá siete temas de varios estilos musicales con la meta de romper récord en la historia de la música.
Para no perderse ni un solo paso de Pawee en el mercado musical, puedes seguirlo a través de todas las redes sociales y plataformas digitales como @paweemusic
La banda de rock barranquillera Los Monoplónicos. ha lanzado su tan esperado tercer trabajo discográfico, «Pardo Bandai», consolidando aún más su posición como una fuerza innovadora en la escena musical local.
«Pardo Bandai» presenta seis pistas que representan un viaje sonoro único, fusionando la naturaleza roquera distintiva de la banda con una exploración evidente de sonidos indie. A diferencia de sus álbumes anteriores, donde las guitarras eran protagonistas, en «Pardo Bandai», los teclados toman el liderazgo, impregnando cada canción con texturas y ambientes trascendentales.
La primera canción de este emocionante proyecto, «Cierta Devoción», se ha presentado como primer lanzamiento de seis canciones, ofreciendo un vistazo a la dirección musical y lírica de este nuevo álbum. “Cierta devoción es un grito de auxilio. Un llamado de urgencia. Es una persona dando brazadas tratando de salir de un pantano de comodidad peligroso en el que se fue metiendo poco a poco sin darse cuenta. Habla del hombre actual y su necesidad fabricada de seguridad y estabilidad que con el paso del tiempo se transforma en una pasmosa quietud de la que cuesta mucho salir”, comenta Ricardo.
Musicalmente, la canción tiene dos momentos: las estrofas corren sobre un tempo acelerado muy indie rock, reminiscente de The Strokes, que se abre en coros con pads ambientales y teclados dramáticos. Las guitarras acompañan siempre en el fondo, ya sea con desgarrados rasgueos o melódicos solos, para dibujar la trastienda de todo el tema.
Para «Cierta Devoción», hemos creado un videoclip con la ayuda de la Inteligencia Artificial, en el que se reflejan algunos de los conceptos sobre los que gira la canción: el trabajo, el dinero, el juego, el alcohol, la familia, el agotamiento espiritual… la redención.
El equipo detrás de este ambicioso proyecto cuenta con la creatividad y talento de Los Monoplónicos. La letra y la música son obra de la banda, compuesta por Ricardo Orozco (Guitarra y Voz), Domingo Sánchez (Bajo), Alex Martínez (Guitarra), José Barbosa (Batería) y Jorge Mario Suárez (Teclados y Loops).
Además, la grabación y producción del álbum se llevó a cabo bajo la dirección experta de Los Monoplónicos. en Stage Entertainment, en Barranquilla, Colombia. El proceso de creación también contó con la dirección de arte de Ricardo Orozco y la edición, guión y dirección del mismo.
Con «Pardo Bandai» y su primera canción “Cierta Devoción”, Los Monoplónicos. demuestran una vez más su capacidad para evolucionar y sorprender a su audiencia, ofreciendo una experiencia musical que promete cautivar y emocionar.
‘El Bolero’ es una canción de despecho, perfecta para pasar el mal de amor con sabrosura, gracias a su pregón pegajoso y su ritmo guapachoso.
Los artistas colombianos Iván Casilimas y Nicolás Ayala se unen para presentar ‘El Bolero’, una canción que representa una fascinante convergencia entre la rica tradición musical latinoamericana y un estilo contemporáneo. Una exploración de la naturaleza efímera del amor.
Este par de músicos forjan su complicidad artística en 2019 compartiendo las aulas del Palacio La Merced, sede de la Facultad de Artes de la Universidad Distrital en Bogotá, donde encontraron entre los ritmos de Nicolás y las melodías de Iván, una sinergia musical que dio origen a este proyecto. La personalidad de este dúo es un elemento que no se puede pasar por alto. Casilimas y Ayala son dos jóvenes talentosos que transmiten su carisma y alegría en cada presentación, creando una cercanía íntima con los oyentes yendo más allá de la música y creando comunidad.
«Con nuestra propuesta, buscamos ser muy honestos en nuestro crear musical. Asumiendo todas nuestras influencias, no estamos descubriendo nuevos ritmos, pero recogemos un collage cultural en nuestra identidad como latinoamericanos del siglo XXI, tomando prestada mucha de la herencia musical latina, fusionándola de forma innovadora con ritmos contemporáneos que le han dado la vuelta al mundo», comentan Iván Casilimas y Nicolás Ayala influenciados por el son cubano, bolero, funk, rap, pop y cumbia en artistas como La Fania All Stars, La Sonora Ponceña, Orishas, Edson Velandia, Alcolirykoz y Manuel Medrano.
La música de Iván y Nicolás está pensada desde y para el latino de a pie. Ellos, como bogotanos y personas del común, sienten como cualquier otro trabajador alegría, tristeza, enojo, indignación y amor. El mensaje en sus canciones es una invitación a reconocerse en el otro, asumir una voz en donde muchos se sientan identificados.
Iván Casilimas y Nicolás Ayala presentan ‘El Bolero’, una canción cuya letra teje una historia de desamor, utilizando el licor como el hilo conductor que ilustra el carácter bohemio de la trama. Aunque no se basa en experiencias personales, las letras revelan la destreza creativa de los compositores al ponerse en la piel de alguien que ha sufrido por desamor.
La canción invita a la reflexión sobre la fugacidad del amor y sus efectos en la vida de las personas, plantea la realidad del amor como algo efímero: el amor se acaba. Utilizan simbolismos ingeniosos para personificar el dolor y encarnarlo en el ser amado.
«Queremos enviar el mensaje de que estamos aquí. Que las personas y la industria conozcan nuestra propuesta. Ser exponentes de nuestra cultura y de la escena colombiana. Aquí estamos. Aquí nos quedamos», enfatizan los artistas.
La amplia gama de colores, los tonos elegidos y texturas utilizadas en la canción crean un ambiente colorido, lo que sumerge a los oyentes en un viaje emocional único. La meticulosa atención puesta
en la mezcla se traduce en una experiencia auditiva inmersiva, que se fusiona de manera perfecta con la narrativa visual presentada en el videoclip.
Si bien se respeta la estructura e instrumentación tradicional del bolero, el dúo logra incorporar efectos y transiciones contemporáneas, gracias al uso de herramientas digitales. Esta dinámica crea un contraste único que atrapa la esencia nostálgica del género, al tiempo que lo eleva a una dimensión actual.
El video de ‘El Bolero’, rodado en una casa tradicional de la Candelaria, ha sido nominado este año en la categoría de Mejor Videoclip Musical en dos festivales: el SWIFF – Student World Impact Film Festival, con sede en Nueva York, y en el Festival de Cortos Psicoactivos organizado por el colectivo Échele Cabeza, con sede en Bogotá. Este es un logro importante para este trabajo audiovisual de Iván Casilimas y Nicolás Ayala que introduce un contraste estético entre la elegancia y la decadencia, en perfecta sintonía con las emociones del protagonista. Mediante una estética inspirada en los años 50, el clip evoca una sensación de melancolía sin restringirse a una época específica.
Las imágenes cargadas de simbolismo añaden profundidad a la narrativa, incorporando referencias cinematográficas y artísticas que amplifican la experiencia visual. La historia no sigue una línea recta, así que cada quien puede interpretar y conectar con la historia de maneras diversas y personales.
Para este 2024, Iván Casilimas y Nicolás Ayala tienen en el radar el lanzamiento de su primer EP de tres canciones ‘Agua’, ‘Maracuyá’ y ‘Parchaita’, temas que muestran otra etapa del proyecto conservando la columna vertebral latina de la mano de sonidos digitales muy potentes.
«Buscamos satisfacer la necesidad transversal en nuestra vida como artistas, de hacer música como prioridad y motivación de nuestro primer motor rítmico, el corazón. Nuestra propuesta es una muestra del talento y la calidad que se encuentra en la escena bogotana actualmente, destacando por su originalidad. Somos una cara alternativa y creativa de ritmos de antaño. Música sabrosa con temáticas y lenguaje coloquial que seguro por algún lado se van a identificar. Queremos llegar lejos con nuestra música, ponernos en el radar de la industria y aportar al desarrollo de nuestra identidad artística sumando una pieza más a nuestro catálogo», concluyen los músicos bogotanos.
Es una canción melancólica que habla del anhelo de editar los momentos de la vida que nos marcaron para escribir una historia nueva.
Karen Rod es una cantante y compositora colombiana que funda su proyecto musical a mediados de 2023 después de varias vueltas de la vida en donde tuvo la oportunidad de madurar como escritora y publicista durante más de una década. Aunque empezó a cantar desde los 7 años, solo hasta los 20 empezó a grabar la maqueta de un disco que quedó truncado cuando su productor se radicó en Miami. Luego de una complicación de salud hace tres años, decidió dejarlo todo para reencontrarse con la música y empezar a producir su disco debut ‘Hechos de Tiempo’ que será lanzado en mayo de 2024.
«Mi misión como artista es hacer sentir y estremecer en una búsqueda que vaya más allá del mero entretenimiento y la música «para pasar el rato». Quiero hacer música tranquila y profunda que haga sentir y pensar. Que te haga cuestionarte en el buen sentido», comenta Karen Rod.
‘Cambiar la escena’ es el nuevo sencillo de Karen Rod, una canción que habla del anhelo de editar los momentos de la vida que nos marcaron para escribir una historia nueva. Cuando editas una escena en el cine o la televisión, tienes la oportunidad de cambiar la escena que no encaja y a partir de ese momento elegir otra secuencia y contar algo distinto.
En cuanto a sonido, ‘Cambiar la escena’ es una balada indie romántica. Puedes escuchar un nostálgico piano protagonista y un hermoso solo de guitarra eléctrica que acompañan la voz cálida de Karen.
‘Cambiar la escena’ es pura melancolía hacia un amor que te marcó. Aunque sabes que no puedes viajar en el tiempo para regresar y hacer las cosas diferente, quieres reconciliarte con el sentimiento de pérdida. Y solo anhelas una coincidencia con esa persona para cerrar ese capítulo.
«Quiero que la gente sepa que en Colombia se hace buen rock indie en español, que no todos tenemos que sonar igual y que podemos posicionarnos como ya lo hizo Argentina, quien es un gran referente en este género. También quiero que la gente se arriesgue a innovar y escuchar algo que no suene 100% colombiano. Por eso incluí en la producción a un músico británico. Amo a mi país, he estado en muchos lugares y siempre regreso. Creo que la música debe ser el reflejo de lo que somos en un mundo globalizado. Ciudadanos del mundo. Podemos ser internacionales sin tener que meter un currulao o una champeta en donde no caza», enfatiza Karen Rod.
‘Cambiar la escena’ está acompañada de un lyric video cuyo concepto es coherente con la música y la personalidad de Karen Rod. Es un fondo etéreo azul con movimiento suave que asemeja la galaxia, la niebla en medio del mar o lo que perciba tu imaginación.
«‘Cambiar la escena’ la puedes escuchar de camino a casa en tu bici, en el carro o en tu casa en tu lista de reproducción favorita mientras trabajas o simplemente te despejas en el balcón. Pero si estás
tratando de regresar con alguien a quien le rompiste el corazón o te lo rompió, es mejor que la escuches a solas», puntualiza la artista colombiana.
‘Cambiar la escena’ es la tercera canción del disco debut de siete tracks de Karen Rod titulado ‘Hechos de Tiempo’ que será lanzado en el mes de mayo. Es un trabajo de rock melancólico y ecléctico con guitarras y pianos muy bien logrados junto a sintetizadores y sonidos ambientales con la influencia etérea de la música electrónica. El álbum tendrá melodías y acordes minimalistas en su mayoría. El sonido de Karen Rod tiende a ser oscuro e intimista, pero también puede ser renovador y refrescante. En pocas palabras, será una producción con un sonido profundo, con cuerpo, frescura y atmósfera.
Para el primer semestre del año, Karen Rod planea una presentación íntima en Bogotá para lanzar el álbum. La artista trabaja fuertemente para participar en eventos distritales, bibliotecas y buscará conectar con el público de colegios y universidades en las principales ciudades del país.
«Quiero que mi música se sienta como un bálsamo, que puedas subirle todo el volumen en tus audífonos y te desconectes, que te sumerjas en la melodía y la letra. Que la puedas poner en tus estados de WhatsApp y la dediques sin que te de pena. Creo que las personas pueden darse la oportunidad de tener un viaje distinto al viaje al que están acostumbrados hoy con la música rápida. Mi música debe degustarse y entenderse, y eso requiere dedicarle intimidad y, sobre todo, tiempo. Mis expectativas son seguir haciendo canciones hasta que mi salud y creatividad me lo permita. Que mi música trascienda y no se quede en el hit del momento. Que una letra te movilice a cambiar de pensamiento o por lo menos a pensar algo que no habías pensado antes. Con eso me basta», concluye Karen Rod.
La inspiración de Falquez en ‘Solemn Eyes’ surge de experiencias personales y observaciones de las relaciones humanas. La canción captura la esencia de la intensidad emocional y la solemnidad que se experimenta en situaciones difíciles.
El 2023 fue un año excepcional en términos de lanzamientos para Falquez. Con tres sencillos lanzados, cada uno explorando diferentes facetas sonoras y líricas, se logró construir una narrativa musical cohesiva. La respuesta de la audiencia y la cobertura mediática, incluyendo destacadas menciones en Rolling Stone en Español, Caracol Radio y Exa FM, marcaron logros significativos. Entre los logros destacados se encuentran la finalización de la grabación del álbum ‘Known Behaviors’, la producción de diez videos (tres de los cuales fueron lanzados), y la colaboración con talentosos profesionales de la industria musical. Además, el privilegio de trabajar con su familia en algunos de los videos fue una experiencia especial y única. Ahora, el 2024 se presenta para el artista colombo estadounidense como un año expectante y retador, pues lanzará su disco debut y planificará una gira que lo llevará a conquistar nuevas audiencias.
‘Solemn Eyes’ es el primer sencillo del año de Falquez, una canción que explora la complejidad emocional y las conexiones humanas. La canción aborda el dolor, la distancia y la búsqueda de consuelo en medio de la adversidad. Es una invitación a abrir el corazón y enfrentar las emociones de frente. Aborda temáticas como la pérdida, el dolor, la distancia emocional y el anhelo de autoconexión. Este lanzamiento busca resonar con la audiencia a nivel emocional y generar reflexión sobre las complejidades de las relaciones.
‘Solemn Eyes’ combina elementos de post-grunge y rock alternativo, se destaca la incorporación prominente de la trompeta que juega un papel crucial en la canción. Este elemento musical rinde homenaje a la celebración del Día de los Muertos y añade una capa adicional de emotividad y autenticidad a la composición.
«Con ‘Solemn Eyes’ quiero conectar emocionalmente con la audiencia, ofreciendo una experiencia que resuene en momentos de introspección. El impacto deseado es crear un espacio para la reflexión y el entendimiento emocional compartido», comenta Falquez. «Este lanzamiento busca transmitir un mensaje de vulnerabilidad, conexión emocional y la importancia de enfrentar las complejidades de las relaciones con valentía y apertura», agrega el músico.
El video transporta a los espectadores a la atmósfera única del Día de los Muertos en Guadalajara, México. La historia visual refleja la conexión espiritual y emocional de las personas con sus difuntos, capturando la reverencia, el amor y la nostalgia que llenan el aire durante esta celebración.
La dimensión emocional y experimental de ‘Solemn Eyes’ marca un hito distintivo en la evolución sonora de Falquez. La canción abraza una autenticidad musical que resuena con la diversidad de las experiencias humanas, diferenciándose así de los lanzamientos anteriores y explorando nuevos
horizontes sonoros. Es ideal para momentos de reflexión, contemplación y conexión emocional. Su intensidad y profundidad invitan a los oyentes a sumergirse en la experiencia musical.
La portada del sencillo presenta un diseño que refleja la solemnidad y la intensidad emocional de la canción. La elección del diseño y el concepto buscan complementar la narrativa de la música y así ofrecer una representación visual que conecta con el arte de su disco debut ‘Known Behaviors’.
El álbum completo ‘Known Behaviors’ está programado para ser lanzado en abril de 2024. Los seguidores pueden esperar una obra completa que refleje la diversidad sonora y temática explorada por Falquez en este proyecto musical.
TEDIO es una banda colombiana con más de 3 años de trayectoria que ha recorrido con constancia e intensidad diferentes escenarios, compartiendo tarima con bandas como: Asuntos Pendientes, Alto Grado, Fiesta Bizarra (Perú), entre otras. La agrupación está compuesta por músicos de Medellín que han trabajado en diferentes proyectos por muchos años en la ciudad. Cada uno trajo consigo sus experiencias en la tarima, sus referentes y gustos individuales para crear finalmente lo que decanta los sonidos que muestra Tedio.
TEDIO busca generar espacios, música y momentos en donde ser libre, sea realmente posible. Poder entregarse al hacer y al disfrutar sin ataduras ni filtros basados en terceros, sino en la construcción desde el individuo, el colectivo y la sinergia con quien se conecte con lo que escucha y siente al verse sobre la tarima. El proyecto tiene una pretensión de alcance nacional e internacional, quiere visitar lugares y llegar a cuanta más gente sea posible, para que aquellos que se conecten, tengan la posibilidad de vivir y encarnar de primera mano las historias que sus integrantes llevan bajo el brazo.
«Queremos compartir vivencias que transmitan y sean vínculo entre el narrador y el oyente, que nuestras canciones expresen sentimientos como rechazo, fracaso, nostalgia y frustración. Nuestra música habla de lo que sentimos cuando algo que anhelamos no está, el tedio de la vida, el tedio de existir. Son las situaciones desafortunadas que todos vivimos de manera diferente, pero tarde que temprano nos alcanzan y nos encuentran de alguna forma, y definitivamente de la forma más inesperada», comenta el grupo con influencias del metalcore, hardcore, emo, screamo y sus derivaciones como el hardcore punk, el pop punk, con muchas influencias en lo indie y alternativo.
‘Todo fue en vano’ es el nuevo lanzamiento de TEDIO, es una canción visceral que enmarca caminos que todos hemos de cruzar. Intenta reflejar una habilidad adaptativa que no es tan fácil de madurar para momentos inesperados. Una catarsis y voz de desahogo en el papel donde toda esa desesperanza y ahogo se vuelve racional y consciente con el tiempo y resumen tantos sacrificios y construcciones en un «nada valió la pena». Sin embargo, durante la narrativa se da cuenta que realmente sí hay razones para recordar y una necesidad de avanzar así haya grandes incógnitas. La canción explora sonidos de pop punk y post hardcore, un sonido particular y específico que busca conectar las palabras basados en la melodía más que en el rasgueo que los caracteriza.
«Siempre nos preguntamos cómo podemos desconectarnos de pensamientos intrusivos que invaden de forma desconsolada lo que somos y nuestros momentos más íntimos, y cómo podemos enfrentar esos encuentros incómodos en la mente, cómo eso refleja nuestra relación con nosotros mismos, y cómo la ansiedad en nuestra soledad, se apodera a veces de forma descomunal», agrega el grupo.
«Con ‘Todo fue en vano’ quisimos generar momentos llenos de descarga, por eso la canción se parte en dos, un segundo estado donde mostramos un momento de olvido para entregarse al cuerpo, que el mundo solo se guiara por el ritmo y la densidad con referentes screamo y metalcore», cuentan.
El video de ‘Todo fue en vano’ mezcla la cotidianidad y lo surreal de la interacción de la mente con el espacio. La posibilidad fáctica de encontrarse con esa realidad en cualquier lugar, y en cualquier momento. Una sobredosis de esos pensamientos caóticos y resonantes que comienzan en un lobby que tiene de fondo una fábrica, una bodega de almacenamiento, la literalidad del Tedio del trabajo diario en donde estos pensamientos intrusivos, la ansiedad y todo esto qué agobia aparece.
Según la banda, «es un video performático y queríamos transmitir allí nuestra energía, que es verídica, real y es la que llevamos como desfogue del Tedio diario a los escenarios».
El logo de TEDIO es una Hiena, un animal nocturno, voraz y carroñero con un olfato hiper desarrollado, una terrible fuerza en sus mandíbulas que le permite triturar lo que se cruza en su camino. Es un animal poderoso pero desagradable, potente, pero sin grandeza.
«La imagen de la hiena, nos pone en contacto con esos pensamientos agresivos que dedican su ser, astucia e intuición a luchar por alimentarse, aunque sea a costa de triturar nuestros pensamientos. Son esclavos de su necesidad, su potencial se convierte en un peligro para quienes los rodean. La hiena representa todos esos pensamientos intrusivos que nos persiguen y la mujer de la portada representa la humanidad detrás de esos pensamientos y cómo los enfrentamos. El animal tiene una personificación, ya que lleva prendas y vestimentas, así se humaniza su instinto y esos pensamientos llenos de Tedio qué nos cobijan», puntualizan.
TEDIO estará estrenando constantemente nueva música. Durante las próximas semanas, la banda compartirá el video de la canción ‘Dinosaurio’ grabado en el mítico Parque de los Deseos en Medellín, apodado por muchos como el ‘Parque de la Resistencia’. Una canción más que continúa con el lineamiento del encuentro de sus integrantes y el entorno.
TEDIO tiene planes de presentar su propuesta en vivo en Medellín y sus alrededores en el primer trimestre del año y trabajan desde ya en visitar diferentes ciudades del país con su propuesta.
‘Sayonara’ de Xan Roldán es un EP perfecto para escuchar en mañanas energizantes, tardes inspiradoras y noches espaciales. Ideal para momentos reflexivos, quiebres y de transformación.
Xan Roldan, es el proyecto en solitario del cantautor de Urrao, Antioquia Juan Alexander Roldan. La propuesta del artista radicado hace más de una década en Medellín, está influenciada por el City Pop, el Electropop y el Neo Soul. Es un artista apasionado, disciplinado y curioso, crea música y canciones que se enlacen a través del sonido y la imagen, pues gracias a su carrera paralela de productor de multimedia, está en búsqueda de espacios que lo puedan inspirar. La intención de su propuesta es crear música desafiante y cautivadora para los oídos más exigentes. Xan Roldan hace canciones que trascienden a partir de la cualidad más natural del ser humano, la sinceridad.
«Con mis canciones quiero transmitir mis vivencias y pensamientos, además de hablar de la complejidad del ser humano, tratar estados de ánimo que pasan desapercibidos, pero que están tan vigentes en nuestra sociedad. También quiero llevar con mi música el anhelo futurista de lo que nos espera en unos años», comenta el músico colombiano con influencias de artistas como Toshiki Kadumatsu, Anri, Sade, The Weeknd, Kali Uchis, Bjork y Pink Floyd.
‘Sayonara’ es el EP debut de Xan Roldan, un trabajo musical de seis canciones en donde el artista le canta al existencialismo, la tristeza, la migración, los sueños, a la maravilla de aprender algo de una persona especial, habla de hablarnos a nosotros mismos y a Dios. El EP se influencia en el City Pop y en el mundo de la cultura japonesa (Música, cine, manga y anime).
«‘Sayonara’ es el final de la mayoría de mis inseguridades y el inicio de mi proyecto musical. Cuando cree este EP cerraba muchos ciclos en mi vida. Es, sin duda, un trabajo que hice para cerrar ciclos desde varios puntos y momentos que estaban destinados a no ser. Es un EP de transiciones y periodos que me sirvió para abrir el cuerpo y el alma para lo que está por llegar», agrega Xan Roldán.
‘Sayonara’ de Xan Roldán habla de situaciones existenciales y de transiciones en ‘Cráteres’ (En los pies de un Caminante), de gratitud y dedicatoria en ‘Baby Alien’, de nostalgia y privacidad en ‘Tristeza en Psicodelia’, de cambio y de sueños en ‘Mujer Boreal’, de consejo y conflicto en ‘Agua Ardiente’ y de reflexión y anhelos en ‘Shikon’.
El EP cuenta con dos sencillos promocionales: ‘Tristeza en Psicodelia’ y ‘Agua Ardiente’.
‘Tristeza en Psicodelia» es una canción que aborda la depresión y fue escrita por Xan Roldan en ese mismo estado. El artista se habla y se centra en cómo abordar la tristeza desde su parte más interna y de cómo se plantea imaginariamente escenarios con o sin sentido para dejarla en un espacio donde pueda estar y no conflictuar. El video es un flujo constante de sacar elementos y pensamientos (tristeza), acompañado de un estilo visual psicodélico.
‘Agua Ardiente’ es un diálogo en tercera parte creado pensando en Xan Roldan, en la ira y el mal genio, en cómo una parte de él trata de aconsejarlo para no ser devorado por la rabia y de cómo
esto lo aleja de sí mismo y de los demás. El video contempla la oscuridad y las llamas teniendo como protagonistas a varias momias consumidas por el agua y el fuego.
Para este 2024, Xan Roldan está enfocado en ganar más terreno, conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica y consolidar el proyecto utilizando las redes sociales y plataformas musicales para darle fuerza al EP debut y, al mismo tiempo, ir creando nuevas canciones que se publiquen en el transcurso del año. De igual manera, el artista se prepara vocal y corporalmente para ir diseñando presentaciones en vivo algo que imagina como una gran experiencia audiovisual.
«Espero que mi proyecto trascienda, me encantaría conectar y encontrar gente que se identifique y que pueda fluir con mis canciones. Siento que las personas pueden descubrir cosas diferentes, cosas reales, algo que los pueda acompañar en su diario vivir», concluye Xan Roldan.
Nuel es un cantante, compositor y productor suizo. Desde los 8 años compone y escribe sus propias canciones en los géneros pop/rock. Sus sencillos han tenido amplia difusión en diversas estaciones de radio y televisión de su país. ‘Good Time Call’ es su cuarto álbum de estudio, producido en colaboración con el destacado productor Chris Potter (The Verve, Richard Ashcroft, The Rolling Stones y Keane) al igual que su álbum anterior ‘Miracle’ que llegó al puesto 25 en las listas de álbumes suizas. La intención de su propuesta musical es romper las barreras del idioma y cruzar fronteras geográficas con sus canciones.
«Me gusta compartir la alegría que me produce hacer música con otras personas. Mis canciones tratan esencialmente sobre la nostalgia y el amor, narrando historias de la vida», cuenta el músico con influencias de los años 60 y 70 en artistas como Jimi Hendrix, Pink Floyd y The Rolling Stones.
‘Never Give In’ es el más reciente lanzamiento de Nuel, una canción cuenta la historia de una persona a la que la persigue la mala suerte. Sin embargo, aun así, decide seguir creyendo en su objetivo y camino, ya que lo ha perseguido durante demasiado tiempo. La canción también habla de seguir un camino, incluso cuando a veces no se cree en el destino. A veces vale la pena perseverar.
‘Never Give In’, quinto sencillo del álbum ‘Good Time Call’, es una canción de pop rock con gran presencia de la guitarra y un pegajoso estribillo vocal. Nuel escribe canciones rockeras con característicos riffs de guitarra, pero también hermosas baladas al estilo singer/songwriter. Es una canción muy adecuada para la radio.
«Es una canción motivacional que se puede escuchar mientras se corre o se hace deporte en general, gracias a su ritmo acelerado. Esta canción es estimulante y proporciona nueva motivación para alcanzar cualquier objetivo», puntualiza Nuel.
Nuel tiene grandes expectativas de llegar con su música a varios países de América Latina, pues considera que podría contribuir a una experiencia cultural diversa y así ampliar su panorama artístico en la región. Dada la colaboración con el destacado productor Chris Potter, es muy probable que Nuel y su producción CH/UK sean muy bien recibidos, al igual que otras producciones de Chris Potter con The Verve, Richard Ashcroft, Keane, entre otros.
«La escena musical en América Latina es muy diversa y quiero con mi propuesta enriquecerla aún más. Si todo sale bien, me gustaría iniciar en un futuro no muy lejano una gira por varios países de este continente», concluye Nuel.
El cantautor urbano, Erkis Music, avanza audazmente en la escena musical con el lanzamiento de su último sencillo titulado «Síguelo». Esta vibrante canción, impregnada de ritmos afrobeat urbano, fusiona de manera única la sensualidad de la guitarra y el saxofón, ofreciendo una experiencia musical que invita al público a sumergirse en el mundo del baile.
Con una destacada trayectoria como cantautor de champeta y otros géneros urbanos del Caribe colombiano, ERKIS presenta «Síguelo» como una exploración sonora que refleja su evolución artística. En sus propias palabras: «Erkis Music es un proyecto musical urbano y tropical con influencias afro y sonidos caribeños autóctonos. Es el resultado de una larga trayectoria musical, donde decidí cambiar mi formato a un sonido más fresco, auténtico y arraigado, manteniendo siempre la esencia de mis letras, las cuales se han destacado por mensajes claros y contundentes».
La letra de la canción narra una historia de amor que despierta a través del baile. Erkis Music confiesa en sus versos haberse enamorado al ver a una mujer moverse con un coqueteo sutil y sensual al ritmo del sonido caribeño, invitándola a seguir bailando mientras le dedica versos seductores y admirativos. «La danza me monta en un viaje», expresa el artista, describiendo cada compás como una oda refrescante de baile sensual.
La esencia de «Síguelo» radica en su base de afrobeats, con melodías sintéticas, saxofón, guitarra y piano, destacando la versatilidad de la interpretación vocal de Erkis Music. La canción se aparta de las tendencias comerciales al incorporar influencias sutiles de sonidos nigerianos y africanos, añadiendo una capa única a su propuesta musical.
Desde sus inicios en la champeta hasta lo que ha logrado consolidar como un sonido propio, Erkis Music vislumbra un nuevo horizonte en su carrera musical, incursionando en un género que requiere precisión e innovación para destacarse. Esta nueva etapa representa un salto hacia una identidad sonora más auténtica y versátil, donde la melodía, el ritmo y la lírica se fusionan para crear una experiencia única.
SOBRE LA PRODUCCION DE LA CANCION Y EL VIDEO OFICIAL
El equipo de producción detrás de esta canción incluye a Gustavo Correa (Tavo Music) en la producción, Isai Rangel en la guitarra, Jorge Aroca en el saxofón, y la producción audiovisual a cargo de Lian Films (Kili Media), Ale Sarmiento en el maquillaje y Andrés Díaz en la asistencia de producción.
El video oficial de «Síguelo» transporta al espectador a escenarios imaginativos donde la seducción y el baile se entrelazan con impactantes referencias visuales contemporáneas, reflejando la esencia caribeña de Erkis Music y ofreciendo una experiencia sensorial completa.
Con este lanzamiento, Erkis Music busca mostrar una nueva faceta como cantautor, reflejando su versatilidad en la composición e interpretación de géneros urbanos. Su objetivo es trascender y cautivar a un público amplio, destacando la innovación sonora y la fusión de sonidos que caracteriza su trabajo discográfico.
«Síguelo» promete ser un éxito rotundo, sumergiendo a los oyentes en un viaje musical que fusiona lo urbano con lo auténtico. Erkis Music se consolida como un artista integral, llevando consigo la riqueza de su experiencia musical y una propuesta fresca que cautivará a los amantes de la buena música.
Sobre Erkis Music:
Erkis David Gutiérrez Gutiérrez, conocido como Erkis Music, es un talentoso cantautor y exponente de la música urbana colombiano, nacido en Barranquilla y con profundas raíces en la región caribeña. Con una trayectoria destacada, ha evolucionado su sonido hacia una propuesta fresca y auténtica, donde las letras llegan al alma, fusionando influencias afro y caribeñas en cada nota. Su música es una invitación a la celebración y al baile, marcando una nueva era en su carrera artística.
Erkis Music tiene como objetivo llegar a un público amplio en Latinoamérica, y para lograrlo, está decidido a cautivar a uno de los públicos más exigentes: el de su país natal, Colombia.
El músico venezolano Jorge Polanco se une a la familia de Europa Latin Show con “Año Viejo”, una excelente versión de la icónica canción del compositor colombiano Crescencio Salcedo
La versión de Polanco no solo llega con su respectivo videoclip, sino que además cuenta con la participación del Sonero del Mundo Oscar D’ León
“La presencia de Óscar D’ León en este proyecto ha sido un honor para nosotros. Su legado habla por sí mismo y es una combinación de la rica historia con el virtuosismo de Jorge Polanco. Es una experiencia auditiva inolvidable”, comenta el presidente de Europa Latin Show, Elias Sisin
Pero la visión del destacado sello productor de renombre va más allá. Su artista Jorge Polanco se une a Luis Fernando Borjas recién galardonado con el Latin Grammys y Ronald Borjas “Los primos Borjas” para traernos el video clip “Ven a mi casa esta Navidad”, una nueva versión de la célebre canción de Luis Aguillé.
“Este video no solo es una obra maestra musical, sino también un testimonio del compromiso de Europa Latin Show con la excelencia artística”, comenta Jorge Polanco.
Más sobre Jorge Polanco
El joven músico venezolano de formación autodidacta, inició desde muy temprana edad al mundo musical y logra dominar hasta siete instrumentos de cuerda
Polanco ha formado parte de importantes agrupaciones como Grupo Calenda, Un Solo Pueblo, la orquesta de Óscar de León, entre muchas más.
Jorge Polanco, con su manera excepcional de ejecutar el cuatro, ha logrado crear el “Sonido Polanco”, el cual por sus melodías causa un efecto cautivador que ha despertado el interés de grandes artistas y le ha permitido llevar la música venezolana a países como Puerto Rico, Canadá, México, España, Brasil, China, Japón, Turquía, Colombia, entre otros.
Para conocer más sobre la música de Jorge Polanco y los proyectos del sello productor Europa Latin Show, puedes seguirlos a través de Instagram como: @polanco4 y @europalatinshow
Vice Arrué lanzó su muy anticipado single debut titulado «Tomarnos un Tiempo«. canción que marca el inicio de una prometedora carrera. Previamente, el jueves, 7 de diciembre, más de 70 asistentes se unieron a su release party, un evento que no solo celebró el inicio oficial del proyecto, sino que también presentó en exclusiva el videoclip del sencillo, programado para estrenarse en enero de 2024. El evento contó con el auspicio de marcas destacadas como Myla, Alto Ice y Cervezas Patagonia, cuyo apoyo contribuyó al éxito del evento y al impulso del proyecto musical.
«Tomarnos un Tiempo» aborda las complejidades de las relaciones, explorando esos momentos difíciles en los que la mejor decisión es distanciarse para sanar y evitar un quiebre irreparable. La canción captura la esencia del verano con su ritmo enérgico y se inspira en experiencias personales, ofreciendo una narrativa sincera y conmovedora.
La creación de esta entrega comenzó en febrero de 2023, con la colaboración del abuelo de 80 años del artista, Ricardo Taub, quien aportó versos a la composición. La producción, a cargo de Pablo Vicencio, se llevó a cabo en Estudios 510, culminando en septiembre del mismo año con una masterización a cargo de Francisco Holzmann.
Vice Arrué se sumerge en el panorama musical con una propuesta fresca, influenciada por sonidos pop sin temor a lo mainstream. El sencillo incorpora elementos de bubblegum pop, mellow pop y bedroom pop, ofreciendo un sonido radio-friendly que promete cautivar a un amplio público.
Con este trabajo el grupo se consolida como uno de los nombres obligados de la nueva camada del pop nacional.
Formados en 2022, Intervenciones es una banda chilena originaria de la comuna de Conchalí. Su música se mueve por pasajes del indie pop con elementos del pop rock ochentero, lo cual se puede encontrar en su primer single «Hago Cosas Vacías» estrenado en agosto pasado. Tras publicar el segundo sencillo «¿Qué hice para tenerte?, el grupo se abre a una nueva ruta con su EP debut titulado «Las Flores», ya disponible en plataformas digitales.
En solo cinco canciones, Intervenciones establece un sonido que deambula entre influencias actuales y de la era más dorada del pop, con una estética de ensueño en donde abundan las capas de sintetizadores, los detalles y las baterías electrónicas al compás de un ritmo hipnótico, digno de cualquier pista de baile.
Al repasar el tracklist de «Las Flores» podemos encontrar cinco composiciones que funcionan por sí solas, como sencillos, y a la vez como un pequeño disco conceptual donde la nostalgia pop se apodera de los oídos del oyente en un viaje musical breve pero muy significativo. «El EP se podría resumir como ‘pegajoso y directo’, yendo en una dinámica de pasar de estar medio perdido hasta poder sentirse un poco mejor, siempre con letras que son fruto de composiciones tempranas del proyecto», explica el grupo.
«Las Flores» fue producido, grabado y mezclado por Martín Pérez Roa (Chicarica, merci merci) en Estudio Niebla y masterizado en Holzmasters, mientras que el arte estuvo a cargo de Valentina Segovia. El EP está disponible en Spotify, Deezer, Tidal y todas las plataformas de streaming.
Sou El Flotador ha colaborado con el artista Liiro Demon en su nuevo tema, GTA. Esta colaboración promete ser emocionante y seguramente resonará con los fanáticos de la calle.
GTA es una canción que busca abordar temas sociales relevantes para la comunidad callejera. Sou El Flotador y Liiro Demon han unido sus talentos y estilos únicos para crear una canción que refleje las experiencias, desafíos y aspiraciones de quienes viven en la calle.
A través de su música, Sou El Flotador y Liiro Demon buscan transmitir un mensaje de empoderamiento, resiliencia y superación, inspirando a sus fanáticos a enfrentar los obstáculos de la vida con determinación y valentía.
GTA, combina letras ingeniosas y melodías pegajosas para captar la atención de los fanáticos y transmitir un mensaje con impacto. Sou El Flotador ha demostrado ser un artista creativo e inteligente en su carrera, y con GTA continúa superándose a sí mismo al abordar temas sociales de manera innovadora.
Este comunicado es solo un adelanto de lo que los fanáticos pueden esperar de esta colaboración entre Sou El Flotador y Liiro Demon en GTA. Sin duda, será un tema que conectará con la audiencia y les brindará una experiencia musical única y significativa.
La banda de metal electrónico Close As Far, conocida por su innovador estilo y la potencia de sus interpretaciones, anuncia el lanzamiento de su más reciente sencillo «Libre». Este tema marca un hito en la evolución de la banda, mostrando una faceta más enérgica y potente que captura la esencia de su sonido característico.
«Libre» es un adelanto del nuevo trabajo de Close As Far, concebido inicialmente por los guitarristas Rob y Matt y llevado a un nivel superior gracias a la producción de Javier Casas, renombrado productor argentino conocido por su trabajo con bandas como Deny, Plan 4 y No Guerra. Este sencillo representa un salto cualitativo en la trayectoria de la banda, transmitiendo un mensaje de esperanza y superación personal a través de su música.
El tema busca inspirar a la audiencia con un sentimiento de optimismo y la convicción de que cualquier situación, por más oscura que parezca, puede mejorar. «Libre» es una oda a la superación, un llamado a la fe en un futuro positivo, reflejando las experiencias de vida, alegrías y desafíos que han marcado a los miembros de la banda. Además, destaca la importancia del mundo digital en nuestras vidas, un tema recurrente en la música de Close As Far.
El grupo musical escocés Hank Tree estrena un nuevo videoclip que acompaña a su memorable single Sweet Saltpeter, donde junto a las demás piezas forman el álbum The Big North. Los sencillos están inspirados por la historia y paisajes de pueblos fantasmas de la región de Atacama, en Chile, que se preservan al día de hoy como un gran recuerdo de lo que representó el ascenso y descenso de la industria salitrera en el país.
El hilo lírico del single va en función de expresar el agobio de sentirse inserto en un ritmo laboral donde te percibes como alguien completamente prescindible, como si fueses un engranaje dentro de una gran maquinaria que se encarga de sobreexplotar a quienes formen parte de ella.
El videoclip que acompaña al single, filmado por el reconocido cineasta y ganador de un BAFTA, Felipe Bustos Sierra, atrapa la esencia del álbum a través de la secuencia de hermosas tomas de paisajes del norte de Chile, que está enmarcada como si estuviese el público viendo a través del interior de una guitarra acústica.
Tanto los paisajes enmarcados en el videoclip como las piezas del álbum fueron inspiradas gracias al viaje que realizó Fergus MacDonald, el compositor musical del grupo, al norte de Chile durante su estadía en el país.
Fue en el recorrido por aquellos lugares que emergió el deseo de los artistas de recrear la vida de los habitantes del pasado, de comunicar la historia social y política vivida en la zona durante el siglo XIX, y de filmar las inhóspitas zonas del norte de Chile.
Fue el talento grupal que les permitió crear el single Sweet Saltpeter, una obra donde la voz se entona melódica y ligeramente en cada canción, perfeccionándose al entrelazarse con los avasalladores riffs y sonidos de la guitarra acústica, en una atmósfera musical que no deja de orientarse y atravesar al género indie, el post-rock y el folk.
El álbum The Big North, donde está contenido el sencillo, comprende un total de 12 canciones, y en cada una de ellas, Fergus MacDonald, Roy Shearer y Bart Owl reviven aquel episodio de la historia chilena bajo ritmos diferentes que se adentran a explorar temas diversos como la migración, el impacto humano en los paisajes naturales, los avances tecnológicos y la construcción de comunidades en lugares inhóspitos.
De esta forma Hank Tree se consagra como grupo emergente que junto con el apoyo de Creative Scotland y Olive Grove Records han logrado presentarse junto a artistas como King Creosote, Alasdair Roberts y Gwenifer Raymond, consolidando así una base de seguidores de culto a lo largo de Escocia y en Sudamérica gracias al cantautor chileno Diego Lorenzini, que lanzó el EP debut del grupo con su sello Uva Robot.
Los ibicencos Morning Drivers anuncian un nuevo álbum para principios de 2024, un tercer álbum para esta banda que ha conseguido posicionarse en las mejores playlists del panorama nacional Indie como Todo Indie y Radar Indie, entre otras. Su mayor himno, “Salto Cuántico”, cuenta con más de un millón y medio de reproducciones dentro de la plataforma Spotify.
El pasado año 2022 participaron en los Conciertos de Radio 3 y dejaron su huella en grandes
festivales del país como, por ejemplo, Sonorama Ribera (25 aniversario), Interestelar Sevilla,
Granada Sound, Planeta Sound y Sonorama goes to Ibiza.
Dejando atrás su primer álbum, Perspectiva (2017) y el segundo, Nuevas Intenciones (2020),
ya han desvelado varios adelantos de lo que será el tercer trabajo, un disco que pretende dejar claro que siguen en forma y con ganas de dar el salto definitivo. Sin duda, una banda a tener en cuenta con un directo que no deja indiferente. Apunta las primera fechas de gira.
La banda She is Dead acaba de lanzar el vídeo de «That’s ok», el primer sencillo del nuevo álbum “All The Monsters”.
El vídeo narra el recorrido de varias personas en relación a sus reacciones, teniendo como hilo conductor la tomografía de cráneo del cantante. Del proyecto, grabado y dirigido por Mau Carlakoski, participan Kim Tonietto, Sofia Carlakoski, Gabriel Crestani, Giovana Curt Wilde, Alessandro Santiago, Junior Oliveira y Daniel Sasaki. «That´s ok»
El nuevo álbum “All The Monsters” es el tercer álbum de la banda, que incluye 13 nuevas canciones, grabadas y producidas por Luiz Orta.
Los temas están influenciados por bandas como los Pixies y mezclados con el post punk de los chicos de Viagra, trayendo el trabajo más producido de la banda, con letras cínicas sobre relaciones y pequeños recuerdos que se unen para formar un mapa de lo que han sido estos últimos años para la banda. , formada por Mau Carlakoski, Kim Tonietto y Alessandro Santiago.
Otro año más que pasa y nos invade la sensación de que seguimos estancados en el mismo lugar y chocando contra la misma pared. ¿Cuántos años más pasarán? No sabemos, pero al menos sabemos que aunque sigamos tropezando, lo haremos con algo de orgullo.
«La Celebración» habla de ese extraño sentido de pertenencia que resiste, entre festejos e ironía, a los sentimientos que afloran en estas épocas del año.
La producción musical estuvo a cargo de Muñecas, fue grabado en Sasha Estudio. Mezclado y masterizado por Percii. El arte de tapa estuvo a cargo de Ariel Camuratti y Rocío Giordanengo.
«La Celebración» es el cuarto adelanto del próximo disco de Muñecas. La banda estrena esta canción luego de lanzar tres singles: “Canción Para Olvidar”, “Cicatriz” y “Despechado”.
Previamente, Muñecas editó “Verte”, un sencillo en colaboración con el artista chileno Charly Benavente, que fue portada de la Playlist de Spotify “Indie Chile”.
Durante el 2022, Muñecas realizó una gira por México presentando su EP “Cuatro Pasos del Flechazo a la Derrota”, cuyo corte difusión, “El Toxi”, fue elegido como portada de la Playlist “Indie Argentina” de Spotify. También fueron los encargados de la apertura del show de Babasónicos en el Anfiteatro de Rosario.
Muñecas está formada por el cantante Fabricio Zero, Marcos Ribak en guitarra, Lucas Tecce en sintetizadores y secuencias, Manuel Camarasa en bajo y sintetizadores y Daniel Menegozzi en batería y percusiones electrónicas.
