Hemir presenta «Prendela» – USA
Cyclone Prime presenta «Release» – USA
Terje Gravdal presenta «Welcome to The Rehab» – Noruega
Espanta Pájaros presenta «Espectro» – Colombia
Damos presenta «Strange Quarks» – USA
Jocsan Duran presenta «Humilde» – Republica Dominicana
Dj Remo presenta «Forever» – Polonia
Dylan Kight presenta «High & Lonesome» – USA
Rama Seca presenta «Quiéreme o Mátame» – España
Henry van der Zwan presenta «Knocking At Your Door»
DHALI presenta «Gallery – Afro House Remix» – Alemania
Henry van der Zwan presenta «Get Ready» –
Hanr presenta «ONE TIME» – Reino Unido
Modé Modè presenta «Many Many» – Nigeria
Edley Shine presenta «Gr8Ness» – USA
Bēdu Brāļi presenta «Drošākā vieta» – Latvia
Yves Picard presenta «I miss you » – Canada
Jimmy Mallia presenta «Uncle » – USA
ElKremso presenta «Rock Breaker» – Alemania
DELOUX presenta «Royalty» – USA
Rayo de Rosario presenta «Peón» – Mexico
S o u l presenta «Obsesión» – Peru
Carmel presenta «Peace» – Francia
Bebo Yau y kenny die presentan «Corazón Negro» – Venezuela
Betty Booom , Phos Toni y DINKS presanta «Disco Lindy Hop# – Alemania y Sudafrica
Isabella Gautier y 5Hart presentan «Chabela# – Colombia y Ecuador
Nuru MacNamara presenta «Tang Palace» – Alemania
Julian Jelfs presenta «Destiny_» – Reino Unido
Erlian Reveles presenta «Un Par de Solos» – Mexico
Jahmatics presenta «Dangerous» – USA
Kopernico presenta «Asia» – Mexico
Zoe Konez presenta «Friend Like That» – Reino Unido
Szandra Mayer presenta»Pa Saber de Ti» – USA
Superlaser presenta «Ruinas» – España
L. e D presenta «Look into my mind» – USA
Divers presenta «Longing For The Light» – Suecia
The Johns Twins presenta «Good For Loving You» – USA
faustdoesntexist presenta «Trifling Ingrate» – Reino Unido
Jeristotle presenta «All I Do Is Eat» – USA
MABELLE T presenta «Una Feliz Navidad» – USA
Lumnia presenta «All I Want» – Mexico
Lollypop Lorry y Tenor Love presentan «Save a Little Love» – Rusia
DayEyez presenta «Light It Up» – Australia
Ecce presenta «Lost in the Crowd» – Irlanda
Inuba presenta «La del vestido rojo» – Reino Unido
Vihilija presenta «Stary Zapaviet» – Bielorrusia
Monkey the dog presenta «Back home» – España
Gasch , Noai Moo y David Hong presenta «Posh Kid 2.9» – Mexico y Corea del Sur
Orian Bor presenta «ORIAN» – Italia
Monotronic presenta «Looking Away» – USA
THODE presenta «Dirty» – Dinamarca
millhope presenta «Green Yellow Yellow» – Alemania
Matilde G presenta «Cold» – Italia
Roy William presenta «never» ‘ USA
Martin Music presenta «Dream together» – Alemania
Victoria Staff presenta «My Whole Life Long» – Canada
Ben Barbic y El Boa Prod. presenta «Life of the Brave» – USA y Guadaloupe
Arcane-Gel presenta «Apron Strings» – Reino Unido
Jhariel y Neye presenta «Mi Vicio» – Republica Dominicana
Arcane-Gel presenta «Stinging Nettle Kiss» – Reino Unido
Gasch , Coyote y Medio y Azul Análoga presentan «Make It Real» -Mexico
Tears In Sadness presenta «Cafuné (feat. Meriah & Felipe Tobo)» – Colombia
Dj Moderno presenta «Alcalá es de Amor» – España
Hada Bicho presenta «Hijos de la Noche» – España
Incase presenta «Don’t Wanna Let Go» – Suiza
Michael William Gilbert presenta «Dancing in the Lighthouse» – USA
Tawana McGrath presenta «Took me Time» – Reino Unido
Gary Cubberley presenta «The Beast» – USA
Dr Paul presenta «WE ARE DEAD» – USA
Caleb Hart presenta «Emancipation» – USA
Princess Wonda presenta «International Lovin» – Reino Unido
Kesh Wealth presenta «Feelings » – Nigeria
El artista colombiano Checho Sasa despide el año con su sencillo ‘Cuando tú no estás’ junto a Nami y Dani Monti.
La canción tiene una base de pop fusionado con sonidos de la música afro-caribe como la cumbia. Habla del dolor y la nostalgia por un amor ausente y es perfecta para dedicarle a esa persona que no queremos dejar ir.
Checho Sasa se inspira en nuestra música colombiana, mezclada con la seducción, el coqueteo y las ganas de bailar con la pareja.
‘Cuando tú no estás’ fue escrita por Checho Sasa, Dani Monti y Nami. Cuenta con arreglos musicales de Yoshy García y Cfelo.
La canción fue grabada, producida y mezclada en Yoshy Records. Master y producción final de Cfelo.
«La letra expresa la profunda añoranza y el amor que siente una pareja ausente… Habla sobre los recuerdos y la tristeza de la pérdida, deseando volver a estar juntos en esta vida y en la próxima», explica Checho Sasa.
‘Cuando tú no estás’ es el segundo sencillo de su EP ‘Pa’ qué’, en el que el artista experimenta con diversos estilos musicales del sabor colombiano y contará con colaboraciones especiales. El videoclip fue rodado en Bogotá bajo la dirección y producción de Sebastián Juyo y Julián Guevara de StationRoots Company (Reconocidos por trabajar con artistas como La 33, Lion Reggae, Dr. Mich, Unbroken, Latin Roots, Tato Guerra, entre otros).
La artista colombiana Alea presenta su poderosa canción ‘Rompe To’ junto al pionero de la electrónica latina, y nominado al Grammy, Mr. Pauer.
El sencillo que será parte de un nuevo álbum, fusiona el característico sonido alternativo latino de Alea con la innovadora mezcla de ritmos latinos tradicionales y beats electrónicos de Mr. Pauer, entregando un himno electrizante de transformación personal.
‘Rompe To’ es un himno audaz que desafía a los oyentes a romper con los estereotipos y los moldes limitantes que impone la sociedad, y que también se imponen ellos mismos. La canción es un recordatorio empoderador de que todos tienen la fuerza, creatividad y valentía para transformar su realidad y construir el mundo que desean.
Lleva un poderoso mensaje para las comunidades latinas, alentándolas a nunca agachar la cabeza y a abrazar los cambios que merecen.
Co-escrita y co-producida por Alea, Mr. Pauer y Maria Elisa Ayerbe (Ingeniera ganadora del Latin Grammy y productora nominada seis veces), ‘Rompe To’ captura la energía dinámica y la química del equipo creativo en el estudio.
La canción fue mezclada por Ayerbe y masterizada por el renombrado ingeniero Carlos Freitas, logrando un sonido distintivo que refleja la evolución artística de Alea. Se trata de un adelanto de su próximo álbum, que promete romper esquemas con elementos electrónicos experimentales y un profundo sentimiento latino.
‘Rompe To’ combina beats electrónicos con las ricas tradiciones folclóricas de Colombia y Venezuela. La producción incluye la chirimía, un conjunto de viento tradicional colombiano, arreglada con la ayuda de Produ 2233 en Cali, lo que le da a la canción un sonido vibrante y auténtico.
«Escribí esta canción para mí misma, como un recordatorio de que no tengo que quedarme donde no prospero. Puedo romper con cualquier cosa que me detenga o que ya no me sirva. Se trata de reafirmar quién soy como mujer latina en un mundo que a menudo se siente distante de mis raíces y mi identidad. ‘Rompe To’ es una invitación a crecer, evolucionar y redescubrirte una y otra vez», comenta Alea.
El video de ‘Rompe To’ es una exploración experimental y sensorial, fusionando lo extravagante con lo cotidiano. Representa el viaje de romperse y recrearse, reflejando la esencia de Nueva York—una ciudad de inmigrantes, trabajadores, soñadores y valientes—. La protagonista del video, una mariposa (interpretada por Alea), emerge de su capullo y deambula por las calles de Nueva York, encontrándose con otros que, al igual que ella, están en un constante estado de transformación.
La producción del videoclip fue un esfuerzo colaborativo entre Tobías Arboleda, Valeria Avina, y Pablo Monsalve. Presentando arte hecho a mano y alas de mariposa confeccionadas con retazos de tela por el renombrado diseñador colombiano Giovanni Fajardo, esta obra visual refleja el espíritu de evolución y resistencia.
«Rendimos homenaje al denim y al diseño de alta costura, colaborando con Giovanni Fajardo, la mente creativa detrás de los looks icónicos de mezclilla de Britney Spears y Justin Timberlake en los 2000s», explica Alea. «Prepárate para vivir un viaje sonoro que te invita a liberarte, crecer y tomar control de tu propia narrativa», agrega.
‘Rompe To’ es una colaboración con el DJ y productor nominado al Latin Grammy, Mr. Pauer (Toto González). Nominado al Latin Grammy en la categoría de “Mejor Álbum Alternativo,” es reconocido por su fusión innovadora de sonidos electrónicos con géneros musicales latinos. Su impresionante carrera incluye colaboraciones con estrellas internacionales como Goyo, Elena Rose, Diplo, Chucky73, Daddy Yankee, RedOne, French Montana, y Los Amigos Invisibles, entre muchos otros.
Escucha ‘Rompe To’ de Alea en tu plataforma musical favorita https://ffm.to/rompeto
GEORGE BELL presenta «Blame it on the 90’s» – USA
The Illumin8tives presenta «Crybaby» – USA
Dj Remo presenta «Fire»
O KANENAS presenta «Freedom» – Grecia
Dhan Aziz presenta «Moves» – USA
Gary Cubberley presenta » The Advocate» – USA
Adore (FR) presenta «Kolegram» – Francia
Jab Djab presenta «Rev it up – jab jab» – Canada – Graneda – Trinidad y Tobago
Damos presenta «On the run»
Hakuna patata presenta «Dance on the world» – Belgica , Congo y Kenia
Nada como los robots presenta «dRAMA qUEEN«- USA
Jugadores de música del panoamp presenta «Mikayla» – USA y Canada
Dinarés presenta «Se trata de ti.» – España
Kay B presenta «Listo a la fiesta» – Reino Unido
Jody Lynn presenta «Un Leerdo Leal» – USA
Ted a la muda. presenta «Armentido Cre» – USA
Verzija 2 presenta «Pensamientos perturbados» – Serbia
Kaefan presenta «El Ovni Perdido» – USA
MINNA LAFORTUNE presenta «GLOBAL WARMING» – Jamaica
Berry Lee Berry & the Benders presenta «The Sound of Wonty Love»
A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum ‘E.C.O’., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.
El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP ‘MOLOTOV’, un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, ‘MOLOTOV’ presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.
Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con ‘E.C.O.’ y ‘MOLOTOV’, la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.
‘MOLOTOV’ de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.
«‘MOLOTOV’ es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad», comenta el grupo.
Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo ‘MOLOTOV’ en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.
En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que no solo impulsa el dinamismo de sus composiciones, sino que también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.
‘Escapar’, primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, ‘Escapar’aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.
El segundo tema del EP es ‘Primera línea’, una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. ‘Primera línea’ no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.
«El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que no solo enciende el ánimo, sino que también motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria», enfatiza la agrupación.
La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.
«Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades», mencionan sus integrantes.
Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.
La cantante argentina Catalina Ammaturo presenta La Pena, un EP profundamente íntimo y emocional que explora las complejidades del amor, la pérdida y la resiliencia personal. Este trabajo no es solo un disco; es un testimonio de sanación, fruto de un proceso creativo que refleja su vivencia tras un amor que la marcó. Con este lanzamiento, Catalina comparte su travesía emocional desde la negación hasta la aceptación, utilizando la música como herramienta para narrar su historia de superación.
«Me gusta decir que La Pena va de cómo la sobreviví», expresa Catalina, quien ha canalizado su proceso interno a través de letras sinceras y vulnerables. El EP fue producido junto al músico y productor estadounidense Sammuel Shea, conocido por su trabajo con Warbly Jets. La colaboración surgió de un encuentro casual en la calle, y juntos fusionaron sonidos modernos con elementos vintage, un estilo que la propia artista describe como «vintagesco». Mariano Sucar también contribuyó al proyecto, desarrollando las primeras ideas que luego se transformaron en este álbum cargado de emociones.
El EP incluye canciones como «Indefinidamente», que Catalina considera como el punto más oscuro del trabajo, representando la etapa más dolorosa del duelo. A lo largo de las canciones, se abordan diferentes fases emocionales, desde el enojo hasta la paz, culminando con una última canción que cierra el EP con un mensaje de resolución y aceptación. Esta composición final fue el resultado de un experimento creativo en el que Catalina escribió tres canciones al día durante una semana, lo que permitió que el proceso fluyera de manera orgánica y sincera.
Una de las sorpresas más destacadas del EP es su primera canción en inglés, fruto de la dinámica de trabajo con Sammuel, con quien se comunicaba principalmente en ese idioma. Este paso hacia la exploración bilingüe abre nuevas puertas en su música, sugiriendo que en el futuro podríamos escuchar más de esta faceta en su carrera.
Además de la grabación en estudio, Catalina organizó sesiones acústicas en la casa de su productor, donde interpretó las canciones del EP para su público en un formato más cercano y personal. Estos eventos no solo fueron una forma de acercarse a sus seguidores, sino que también ayudaron a recaudar fondos para cubrir los costos de mezcla del proyecto. «Fue una linda forma de pagar el disco», comenta la artista con gratitud, reflejando el compromiso y la cercanía con su audiencia.
El 29 de noviembre, Catalina Ammaturo se presentará en el Teatro Roxy en Buenos Aires a las 20:00 horas, con un show que promete ser tan emotivo y sincero como su música. La Pena es un testimonio de vulnerabilidad, fuerza y resiliencia, un recordatorio de que, incluso en los momentos más oscuros, la música tiene el poder de iluminar el camino hacia la sanación.
Con su carrera apenas comenzando, Catalina sigue expandiendo los límites de su arte, dejando una marca profunda en la escena musical. La Pena invita a todos a sumergirse en su viaje personal, mostrándonos cómo el dolor puede convertirse en una fuente poderosa de creatividad.
Nube de Arreboles, el proyecto musical de Kattie Fernanda Rodríguez Donoso, presenta Plantas, su primer single, una conmovedora pieza de Música de Raíz que celebra la conexión profunda con la tierra y el proceso de regeneración natural. La canción es un homenaje a la transformación que ocurre al sembrar y cuidar la tierra, convirtiéndose en un símbolo de renacimiento y esperanza.
«Nos inspiramos en la transformación que se genera cuando uno siembra o realiza un proceso de regeneración en la tierra para que se llene de naturaleza», comenta Nube de Arreboles, destacando el significado de este ciclo de vida en su trabajo. Plantas captura la esencia de este proceso, transmitiendo un mensaje de renovación y conexión con los elementos naturales.
Originaria de El Monte, Chile, Kattie Fernanda Rodríguez Donoso comenzó su carrera en la música a una edad temprana, a los 9 años, de manera autodidacta. A lo largo de su vida, ha tomado clases tanto técnicas como cognitivas, desarrollando su talento como cantante y compositora. Además de su faceta artística, Nube de Arreboles también es sonoterapeuta y guía de canto medicina integral, enfocándose en el bienestar socioemocional, humano, sensitivo, creativo y ambiental. Su labor como terapeuta se basa en una metodología única que ha creado a lo largo de años de estudio y experiencia.
La creación de Plantas fue un proceso meticuloso que llevó un año en total, desde los arreglos musicales hasta la grabación y producción. Grabada en Isla de Maipo bajo la dirección de Patricio Rojas, la canción fue masterizada en Estudio Palo Quemado por Nicolás Ríos. En el proyecto participaron varios músicos talentosos, quienes contribuyeron con sus arreglos y sonidos característicos, como Arlo Carrasco (violín/coros), Juan Dret (guitarras/coros), Claudia Aguado (tambores chamánicos/Kishi bells), Enrique Rodríguez (quenacho/coros), Marlene Mejías (coros) y Patricio Rojas (contrabajo/bombo/chekere).
El sonido de Plantas está profundamente influenciado por la naturaleza, buscando transmitir el poder regenerador de la tierra a través de una fusión de música tradicional y sonidos que conectan con lo más profundo del ser. Este debut musical de Nube de Arreboles invita a los oyentes a sumergirse en un viaje sensorial, donde la regeneración, la naturaleza y el renacer son los pilares de la experiencia.
La multifacética Fran Ri, cantante, actriz y compositora chilena, ha dado un paso decisivo en su carrera al presentar su esperado EP debut, RI.TMO. Con una sólida trayectoria como frontwoman de la reconocida orquesta nacional Newen Afrobeat, Fran Ri sorprende a sus seguidores al mostrar su faceta como solista, dejando una huella única con su propuesta sonora innovadora y fresca.
Este primer material discográfico, compuesto por seis temas, fusiona de manera refinada y experimental géneros como el Afropop, el R&B, el Neo Soul y el Indie Pop. Con una mezcla de texturas electrónicas y elementos acústicos, RI.TMO es un viaje sonoro que refleja la identidad auténtica de Fran Ri, explorando nuevas dimensiones musicales y narrativas personales.
Al hablar sobre el proceso creativo detrás de este EP, Fran comparte: «Este trabajo es súper relevante para mí. Es mi primer trabajo como solista, y siento que fue una prueba importante para madurar los conocimientos que venía adquiriendo en mi camino… en mi recorrido en el mundo de la música». La artista revela que RI.TMO está profundamente influenciado por el «ritmo», no solo como elemento musical, sino como concepto que atraviesa tanto las composiciones como las letras. Temas como el amor, el erotismo, la libertad personal, la fuerza interior y la autoafirmación se entrelazan a lo largo del álbum, haciendo del «ritmo» un hilo conductor que conecta lo sonoro con lo lírico.
“Salí desde un terreno conocido y me metí por decisión propia en territorios que nunca antes había explorado, como el indie, los beats y procesos más electrónicos. Eso fue un desafío para mí”, comenta Fran, destacando su evolución artística y las nuevas fronteras que ha cruzado para ofrecer un sonido más auténtico y arriesgado.
RI.TMO no solo es un álbum musical, sino una propuesta creativa que explora diversas facetas expresivas de la cantante. “Pese a las típicas inseguridades que son parte de exponerse artísticamente, me siento muy realizada de haber podido defender y sostener esa idea de lenguaje musical”, añade Fran Ri sobre su trabajo.
El EP llegó tras el lanzamiento de su primer single y videoclip, Viaje Ligero, seguido de dos exitosos sencillos: Ritmo y Llave, en los cuales contó con la colaboración de las talentosas Nekki y Masquemusica. Cada tema ofrece una visión autobiográfica de Fran, mostrando su versatilidad y talento como compositora, y abriendo nuevas perspectivas líricas en su carrera.
RI.TMO está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a sumergirse en un universo musical vibrante y personal, donde la autenticidad y la experimentación se encuentran en cada nota. Fran Ri continúa consolidándose como una artista completa y única, lista para dejar una huella indeleble en la escena musical.
Con “Ámame,” Alan González Mx nos adentra en un universo sombrío que solo él sabe conjurar. Este sencillo, parte del proyecto PopDark, marca un nuevo capítulo en su colaboración con la casa productora Oscura Sound’s, donde promete expandir los límites de su sonido y su narrativa. La canción es, en realidad, la expresión musical de una historia escrita por el propio Alan, un cuento que se encuentra disponible en su página web y que ofrece una mirada más profunda al personaje y su desesperación por un amor inalcanzable.
Ambientada en el misterioso reino de la oscuridad “uno de los cuatro reinos en la mitología de Alan González Mx”, Ámame, es un himno desgarrador a la vulnerabilidad y a la negación. En este lugar, cada rincón refleja el anhelo no correspondido y el dolor que embriaga a quienes buscan redención en aquello que les destruye. La canción, cargada de simbolismo y pasión, retrata a un protagonista que vaga por una torre olvidada y ahí encuentra la historia de una hermosa mujer consumida por su amor hacia alguien que nunca le corresponderá.
Musicalmente, la canción se construye en un compás de 6/8 en Do menor, un tiempo que emula una marcha lenta y poderosa, como un desfile sombrío hacia el abismo. En este estilo se entrelazan los ecos del metal gótico y la ópera, creando una composición monumental y teatral. Las guitarras pesadas, los coros de voces angelicales en contraste y los arreglos orquestales elevan la canción, dándole una atmósfera oscura que captura el espíritu del rock dramático que caracteriza el proyecto de Alan.
La grabación vocal, realizada en Ápeiron Estudio con la asesoría de Angel Recoba, presenta a un Alan González Mx que se desborda de vulnerabilidad y fuerza. Cada frase en
el coro resuena como una súplica cruda, un eco de alguien dispuesto a entregar su alma por un amor imposible. En cada estrofa, Alan utiliza su voz como un instrumento adicional, que narra y a la vez exorciza los demonios de un deseo inquebrantable, imposible de satisfacer.
“Ámame” se encuentra disponible en todas las plataformas digitales de música y pretende ser un rito oscuro de introspección y sacrificio. Para aquellos que han sentido el abismo del amor no correspondido, esta pieza resonará profundamente en su alma. Invita al oyente a descubrir sus propios miedos y como dato extra cuenta con un ritual de purificación para todos los que hemos perdido algo por un amor no correspondido.
El dúo cordobés Bonier, formado por los hermanos Bonier, regresa con su cuarto adelanto para lo que será su esperado primer álbum. Con una sólida experiencia adquirida en otras bandas, ahora vuelcan toda su creatividad en este proyecto personal y elegante, que continúa conquistando corazones con su propuesta fresca y única.
En esta ocasión, Bonier lanza su nuevo single titulado «Malasaña», una canción sutil y delicada que se caracteriza por sus arreglos y guitarras acústicas, que envuelven una melodía suave y profunda. El tema evoca el paso del tiempo, entrelazando nostalgia y luz en una mezcla perfecta que habla de los recuerdos de juventud y la melancolía por un pasado irrepetible.
«Malasaña» es una reflexión sobre los sueños pasados y esos momentos de la vida que, aunque se han ido, permanecen en el corazón. La letra invita a pensar en esas noches infinitas, en la música que suena en las esquinas y en la magia de una época que siempre será memorable. En la canción, Bonier también rinde homenaje a artistas como Leiva y Dani Martín, quienes les sirven de inspiración para su propio estilo.
Este tema es parte de un disco de diez canciones que verá la luz a principios de 2025, producido por Candy Caramelo en Candyland Studios. El álbum contará con la participación de José Bruno a la batería, y ha sido mezclado y masterizado por Santi Quizhpe, prometiendo un sonido cuidado y lleno de emoción.
La banda está en plena forma y este año ha tenido la oportunidad de compartir escenario con artistas de la talla de Coque Malla y Ultralijera. Pronto, Bonier anunciará fechas de su gira por toda España, antes de lanzar su esperado primer LP en 2025.
«Malasaña» ya está disponible en todas las plataformas digitales y su videoclip también ha sido estrenado, ofreciendo una experiencia visual que complementa perfectamente la atmósfera de la canción. Con este nuevo single, Bonier se posiciona como una de las bandas emergentes más prometedoras de la escena musical española.
El reconocido cantante venezolano Carlos Baute ha lanzado su más reciente proyecto musical, «Del Caribe Soy», un álbum vibrante y lleno de ritmos caribeños que marca un emocionante regreso a sus raíces. Este nuevo trabajo discográfico celebra el merengue y la salsa tradicional, inspirándose en los sonidos icónicos de los años 80 y 90 que definieron a una generación y que ahora toman vida en su voz.
Con una trayectoria que lo posiciona como uno de los grandes exponentes del pop latino, Baute emprende un viaje hacia sus orígenes musicales, donde el Caribe y su cultura vibrante son los protagonistas. «Del Caribe Soy» está compuesto por siete canciones que evocan los ritmos con los que el cantante creció y que ahora decide compartir con su público en una propuesta auténtica y llena de energía.
“Este es un álbum inspirado en mis raíces y en el ritmo del Caribe, que siempre han sido parte de mi vida. En este proyecto, vuelvo a los sonidos que marcaron mi crecimiento, explorando esas melodías y ritmos que son el alma de nuestra música”, expresó el artista durante la presentación de su nuevo disco.
Este lanzamiento llega tras el éxito de su reciente gira “De mi puño y letra, 30 años tour”, con la que recorrió diversos escenarios emocionando a sus seguidores con los mayores clásicos de su carrera. Ahora, Baute apuesta por una propuesta fresca, donde da protagonismo a géneros tradicionales como el merengue y la salsa.
“Tenía ganas de hacer música con esencia. Soy fanático de Juan Luis Guerra y me dije: ¿por qué no acercarme a esos sonidos de los 80 y 90? Incluso tuvimos el privilegio de trabajar con un percusionista que colaboró con él en sus grandes discos”, confesó el cantante.
Carlos Baute está listo para compartir esta nueva etapa musical con sus seguidores. “Estoy emocionado de presentarles estas canciones, cada una hecha con el corazón. Espero que las disfruten tanto como yo disfruté creándolas”, concluyó.
«Del Caribe Soy» ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a un viaje sonoro por los ritmos cálidos y alegres que definen la esencia del Caribe.
Baute cerrará un 2024 con agenda llena de mucha música, no sólo con la promoción de este disco y su primer sencillo, sino también con varias presentaciones en vivo en algunas ciudades de España, Estados Unidos y otros países.
El cantante y compositor chileno Gonzalo Tirado presenta “Matanzas”, su primer sencillo como solista, disponible en todas las plataformas digitales. Esta canción, que lleva el nombre de la pintoresca localidad costera en la Región de O’Higgins, marca el inicio de su carrera como artista independiente y anticipa lo que será su esperado álbum debut.
Radicado en Matanzas desde hace siete años, Gonzalo Tirado ha encontrado en este tranquilo rincón de la comuna de Navidad la inspiración perfecta para su música. «Matanzas ha sido la cuna de mis inspiraciones y me ha dado la oportunidad de dedicarme a lo que más me gusta: cantar y escribir canciones», comenta el artista. Con este sencillo, Tirado busca transmitir la esencia de la localidad, su belleza natural y su atmósfera relajada, invitando al oyente a detenerse y disfrutar de los pequeños momentos de la vida.
“Matanzas” es una fusión de géneros como el rock playero, rock alternativo, blues, indie pop y balada pop. Esta mezcla crea un sonido único que refleja la personalidad y el espíritu del autor, entregando un mensaje de pausa y reflexión que invita a la introspección y a la conexión con el entorno. El sencillo fue compuesto, escrito e interpretado por Gonzalo Tirado, quien también se encargó de la guitarra rítmica, armónica y voz.
La producción musical y la grabación de guitarra eléctrica, bajo y percusiones estuvieron a cargo de Sebastián Hidalgo de Topocalma Records, quien también realizó la mezcla de audio. El mastering fue realizado por Francisco Holzman en Holz Masters. La imagen gráfica del sencillo cuenta con la fotografía de Pepe Martínez y el diseño de arte de Lu Ramos.
Gonzalo Tirado, nacido en Santiago de Chile, es un guitarrista, cantante y compositor que ha desarrollado una conexión profunda con la naturaleza y su entorno a lo largo de su carrera. Esta relación con la naturaleza ha influido significativamente en su música, imbuyendo sus composiciones con una sensibilidad especial y una autenticidad que resuena con sus oyentes. Actualmente radicado en Matanzas, Tirado sigue perfeccionando su arte y preparando su primer álbum de estudio.
Con “Matanzas”, Gonzalo Tirado no solo lanza un sencillo, sino que también abre una ventana a su mundo, permitiendo a sus oyentes experimentar la serenidad y belleza de la costa chilena a través de su música. Este lanzamiento es solo el comienzo de lo que promete ser una emocionante carrera como solista, llena de paisajes sonoros y emociones profundas.
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