Ripped Panties lanza “La Fiesta”, single promocional que marca el cierre de su nuevo EP de rock. Este trabajo conceptual relata el viaje de una chica superficial y materialista a través del “infierno”, una metáfora del sistema de consumo y endeudamiento financiero que domina la vida moderna.
Con cuerdas intensas y compases firmes, “La Fiesta” da un final implacable a la historia, mostrando el destino final de su protagonista en el mundo del consumo desmedido.
“El EP se inspira en lo que vive día a día nuestra gente cercana y toda la sociedad”, comenta la banda, destacando el carácter crítico y reflexivo del proyecto.
El proceso de creación y producción tomó un par de semanas y fue realizado en Estudio FaqRecord, bajo la dirección de Franco Quezada. En palabras del grupo, “en este álbum logramos plasmar nuestro sonido luego de pulir muchas cosas a nivel individual y como banda”, consolidando así una identidad sonora más sólida y coherente dentro de la escena rock nacional.
Entre el rumor de las olas, el eco de un reloj detenido y el tintinear de una moneda maldita, surge un tríptico musical que hunde sus raíces en la tradición de la balada, pero la transforma en un oscuro espejo del alma humana. “The Lighthouse Keeper’s Widow”, “The Nameless Hour” y “The Merchant’s Last Coin” son tres relatos en forma de canción que desafían la noción clásica de redención, revelando un mundo donde cada salvación tiene un precio, y cada vida, una deuda que debe ser pagada.
La viuda del farero: un faro que devora almas En “The Lighthouse Keeper’s Widow”, la luz del faro no guía hacia la seguridad, sino hacia un pacto sombrío. Cada barco que se salva del naufragio lo hace a costa de una vida: una víctima elegida por el propio guardián. La voz narradora, una viuda condenada a heredar la maldición tras la muerte de su esposo —el primer sacrificio del faro—, canta desde la resignación y la culpa. Esta balada marítima se convierte en una metáfora de la pérdida, el sacrificio y la perpetuidad del deber, donde la luz es tanto salvación como condena.
La hora sin nombre: el tiempo de los moribundos En “The Nameless Hour”, la oscuridad se traslada al reino de los sueños. El protagonista es un ser maldito que sobrevive robando los últimos sueños de los moribundos, visitando sus almas a las 3:33 de la madrugada —esa hora que no pertenece ni al día ni a la noche—. Cada sueño robado prolonga su existencia, pero también lo encierra en una eternidad vacía, tejida con deseos ajenos. Es una balada que habla del miedo a morir, pero también del horror de no poder hacerlo nunca.
La última moneda: la codicia como olvido Por su parte, “The Merchant’s Last Coin” ofrece una lección moral en clave gótica: la historia de un comerciante que intercambia sus recuerdos más preciados con el demonio Mammon a cambio de riqueza. Primero entrega la melodía de su madre, luego el recuerdo de su primer amor, después el sabor de la lluvia veraniega y, finalmente, su propio nombre. Cuando alcanza la fortuna prometida, ya no queda nadie dentro para disfrutarla. Es una advertencia lírica sobre la deshumanización que provoca la avaricia, donde la ganancia material se paga con la pérdida de la identidad.
Juntas, estas tres composiciones forman un viaje oscuro por los bordes del mito, el alma y el deseo. Con una narrativa que mezcla lo poético y lo macabro, estas baladas recuerdan que incluso en la belleza de una melodía puede esconderse un pacto, y que algunas luces —como las del faro— solo brillan porque consumen lo que aman.
Los premios CDA de la música electrónica son los premios más representativos de Colombia en el género. El nuevo EP del DJ es un trabajo de vida y gratitud hecho junto a Tambor Hembra.
Julián Cardona es un DJ, músico y productor electrónico colombiano. Su proyecto fundado hace ya casi 20 años (2006), nace con la intención de explorar a profundidad la música electrónica y el audio digital. El fundamento musical de su creación está inspirado en el sonido House & Techno, incorporando elementos orgánicos, afro y progresivos. Se combinan sonoridades clásicas y sintetizadores de vanguardia para crear un proyecto que no se encasilla en una sola línea, sino que cuenta historias a través de la música.
En cada sesión realiza una conexión profunda con los sentidos, transformándose en una experiencia sensorial enriquecedora y cautivadora. Al impregnar la pista de baile con su energía, genera una sinergia musical cuyo propósito es transmitir emociones y sensaciones de bienestar, llenando así el ambiente de magia y de Música para la Vida. Una de sus mayores fortalezas es su capacidad para componer y producir música electrónica, lo que le permite integrar de manera natural su estilo con instrumentos clásicos y tradicionales. Esta fusión aporta un sello distintivo a la experiencia sonora.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de esperanza, vida y calma en el alma. La vida como un constante viaje, requiere de mucha introspección para conectar con nosotros mismos y con los demás de la mejor forma, ahí es donde veo el arte como una posibilidad de activar el mundo sensorial pero también el espíritu, y cada canción está pensada bajo este lenguaje. Si bien es música Club, la humanidad ha tenido una profunda conexión con la danza a través de la historia, pues esta expresión ancestral se ha convertido en una manifestación de celebración y bienestar para la evolución humana», comenta el músico.
Julián Cardona ganó recientemente el Premio CDA a Mejor Live Act Nacional. La categoría hace referencia a la puesta en escena en donde la interpretación y la exploración en vivo tejen el hilo conductor de la propuesta.
«Este premio es un triunfo para mí como productor, compositor, intérprete y creador del proyecto junto a todo el equipo integrado por Paula Valencia (personal manager), Lorena Uzuriaga (cantante), Fernán Amaya (chelista), Juan Ocampo (percusión) y Sergio Badillo (ingeniero de sonido). Ganar este premio es una motivación significativa para continuar creando música para la vida», agrega.
Los premios CDA de la música electrónica, son los premios más representativos de Colombia y ganar es una muestra de trabajo constante, disciplina y aporte a la escena y al movimiento cultural como sociedad, además de ser una edición en el Teatro Colón de Bogotá, considerado la séptima maravilla del país y un epicentro de la actividad musical.
‘La Flor de la vida’ es el nuevo EP de Julián Cardona, un trabajo de vida y gratitud hecho en colaboración junto a Tambor Hembra, una agrupación musical que explora músicas tradicionales colombianas y está formada por mujeres en su mayoría, movidas por el deseo de preservar y difundir la identidad y diversidad colombiana, en un viaje que aporte a la construcción de paz.
«El EP busca resaltar ese amor sin interés, que no espera o necesita algo, simplemente da… al tiempo que considera que dicho amor por los demás parte del mundo interior, de la gratitud, de esa fuerza que nos llena el espíritu y nos dota de sueños y de significado para continuar el camino…», menciona.
‘La Flor de la vida’, a nivel sonoro, explora el diálogo entre los sonidos ancestrales, los ritmos autóctonos, el territorio, en relación con los sintetizadores y la música electrónica. Julián quiere con este lanzamiento llegar al mundo interior de muchas personas, poder transmitir esa sensación de bienestar y trascender en el tiempo.
«Pero no es un encuentro casual, es más profundo, busca equilibrio, balance, con libertad, pero cuidando, indagando, tejiendo. Es especial como el resultado final, es algo más que la suma de las partes y me ratifica el valor infinito de la música como lenguaje universal», puntualiza.
El EP sale con un video Live Act cuyo concepto es un encuentro especial junto a Tambor Hembra interpretando en vivo las canciones, un encuentro de mundos, experiencias y vidas. Aparentemente contextos sonoros diferentes, pero con mucha cercanía intención y música para la vida.
Según Julián Cardona, «‘La Flor de la vida’ es un EP ideal para quien necesite conectar con lo más profundo de su ser, quizás en su lugar favorito, mientras va en tren o en bus. Busca hacernos presentes y valorar esos detalles cotidianos que son la esencia de la vida, pero al mismo tiempo es perfecto para bailar, compartir, disfrutar con amigos y celebrar el asombro de la existencia».
El diseño de la portada del EP fue un trabajo en conjunto entre Paula Valencia, artista plástica de la Universidad de Caldas, y Julián Cardona. Ella suele implementar el collage como técnica y describir las canciones que él crea a través de mundos imaginarios. En este caso representa la vida a través de flores, la gratitud a través de los tambores y la presencia con la madre tierra.
Julián Cardona está enfocado en crear, componer y producir nueva música con mucha intención. Viene sacando nuevas canciones en sellos muy importantes de la escena Organic House a nivel mundial como Cosmic Awakenings con el EP ‘Raíces Ancestrales’, el cual estuvo varias semanas en el top 100 Beatport Organic, la tienda de música electrónica más importante a nivel mundial. Y lanzamiento en el sello de Turquía, Café de Anatolia por su remix ‘Sultán’.
De igual manera, el DJ tiene una serie de presentaciones en el Eje Cafetero y el Valle del Cauca para lo que resta del año. Además, está en proceso de lanzar una nueva canción junto al cantante americano Brook Angeles llamada ‘Stardust’.
Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Julián Cardona en Colombia y Latinoamérica porque sonoramente tiene la intención de ser Música para la vida, busca trascender tiempo y espacio, y recargar al ser humano que lo escuche.
El 2025 ha sido un año bastante gratificante para Blast55, pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga.
Hoy, Blast55 regresa con su nuevo lanzamiento ‘Garuda’, una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante.
La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno.
La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara Blast55 y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores.
«Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda», comenta la agrupación bogotana.
El video de ‘Garuda’ muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza.
«Cuando tocamos, o como me pasó en el concierto de Lagwagon en Bogotá, es lindo encontrarse con gente que me cuenta cómo nuestra música los ayudó en determinado momento o situación de la vida. Hay letras como ‘Mente en llamas’ o ‘El perfecto soñador’ que fueron hechas sin la pretensión de querer ayudar, pero han terminado siendo un aliento para algunos de los que nos escuchan. Yo siento que con ‘Garuda’ pasará algo similar porque muchas veces la música se vuelve un mantra y esta canción está llena de mensajes con los que las personas se recargarán para seguir adelante, o al menos es una canción que a mí me sirve un montón», agrega Juan Pablo Patiño, vocalista.
La portada de ‘Garuda’ representa luz en medio de caos. Un atardecer bonito en medio de todo.
El reconocido cantante y compositor colombiano Sergio Jiménez lanza su nuevo sencillo ‘Mi Despedida’, una emotiva canción que aborda el complejo, pero necesario proceso de dejar ir a alguien o algo que ha sido importante. Lejos de caer en el dramatismo, la canción transmite una profunda sensación de madurez y gratitud, invitando al oyente a cerrar ciclos de manera positiva y amorosa.
‘Mi Despedida’ es un tema pensado para aquellos que se atreven a soltar sin rencor y continuar su camino con la fuerza de lo aprendido. En ella, Jiménez fusiona el merengue carranguero con matices del pop rock y pop mexicano, creando una propuesta fresca, energética y llena de sentimiento, que refleja la esencia de un artista que no teme experimentar, pero siempre honrando sus raíces.
«Quería que la canción tuviera un tono alegre y nostálgico al mismo tiempo, porque así es como se sienten muchas despedidas. Aunque no es una experiencia personal de desamor, la escribí desde la empatía, recordando lo que sentí en momentos de dolor y desamor. Fue a través de las historias de amigos cercanos que pasaron por situaciones similares que logré transformar ese dolor en fortaleza», comenta el artista.
‘Mi Despedida’ está dirigida a todos los que han tenido que enfrentar una despedida significativa en su vida, ya sea de una relación, un proyecto o una etapa importante. Es un himno para los que deciden sanar sin rencor y para los que encuentran en el adiós la fuerza para comenzar de nuevo.
El videoclip de la canción es un reflejo íntimo del proceso de soltar. Filmado en blanco y negro, destaca la emoción, la verdad y la vulnerabilidad, sin recurrir a historias ficticias. El enfoque se centra en la interpretación, en los gestos y en la mirada del cantante, llevando al espectador a un espacio emocional donde el silencio y la luz son tan importantes como la música misma. «A veces, despedirse es también encontrarse», afirma Sergio.
Según el propio artista, ‘Mi Despedida’ es la canción ideal para esos momentos en los que se necesita cerrar ciclos, sanar o dejar fluir las emociones. Perfecta para escuchar mientras se conduce, se reflexiona o incluso se celebra el valor de soltar. Una pieza para sentir con el alma.
La portada del sencillo captura la esencia de la canción: introspección, emoción y sinceridad. El uso del blanco y negro evoca la nostalgia del adiós, mientras que la luz que entra simboliza la esperanza y la claridad que llegan con el tiempo.
Además, Sergio Jiménez tendrá el honor de compartir escenario con Morat y Aleks Syntek el próximo sábado 1 de noviembre, en el Estadio La Independencia de Tunja, a partir de las 8:00 p.m. en el marco del Festival Internacional de la Cultura en Boyacá.
«Será una noche muy especial. Compartir escenario con artistas que admiro tanto como Morat y Aleks Syntek es un honor inmenso. Mi show será una experiencia llena de emoción, identidad y energía, con nuevas canciones, momentos acústicos y un recorrido por lo que representa mi sonido: la fusión entre el campo y la ciudad, entre la raíz y el pop. Representar a Boyacá en un escenario tan importante es algo que me llena de orgullo», añade Sergio.
En el universo sonoro de Neural Pantheon, cada canción es una invocación. Este proyecto, situado entre la música electrónica, el arte conceptual y la filosofía del sonido, construye un imaginario donde las emociones humanas se traducen en código, las voces se funden con las máquinas y la espiritualidad adopta forma digital. Sus composiciones son más que piezas musicales: son artefactos simbólicos, cápsulas de memoria, pequeñas liturgias para la era del algoritmo. Cuatro de sus obras —Magus Truth, Oh Mother, Fiona’s Gratitude y Schala’s Heart— conforman un mapa emocional que atraviesa el conocimiento, la fe, la gratitud y la memoria.
Magus Truth: el conocimiento como invocación En Magus Truth, Neural Pantheon despliega un ritual donde la tecnología se vuelve mística. Las capas electrónicas y la voz sintetizada evocan un templo invisible en el que la verdad y el poder se confrontan. La canción interroga la figura del “mago” contemporáneo: ya no el hechicero que domina los elementos, sino el programador que modela la realidad desde un código. Es una reflexión sobre el acto de crear y el precio de conocer en un mundo donde la información reemplaza a la fe.
Oh Mother: la matriz del origen Oh Mother es un canto al principio, al vínculo, a la raíz. La figura materna aparece como símbolo de la tierra y del circuito, de la carne y del dato. Neural Pantheon teje un lamento electrónico donde la ternura y la máquina se confunden, explorando la pregunta: ¿qué sucede cuando la madre se convierte en interfaz? En su sonoridad, la pieza transita entre lo íntimo y lo monumental, como si un rezo ancestral resonara dentro de una cámara digital.
Fiona’s Gratitude: el agradecimiento como frecuencia En Fiona’s Gratitude, la gratitud adopta textura luminosa. La obra funciona como una carta de amor hacia lo intangible, una ofrenda a la empatía digital. Entre capas de sintetizadores cálidos y reverberaciones suaves, la canción invita a sentir sin cuerpo, a conectar más allá del lenguaje. Neural Pantheon logra que el agradecimiento suene como una vibración universal, una pausa contemplativa dentro del ruido de la era tecnológica.
Schala’s Heart: el pulso de la memoria Schala’s Heart es el cierre de este ciclo emocional. Inspirada en la figura mítica de Schala —símbolo de sacrificio y pureza—, la canción combina nostalgia y esperanza en una atmósfera suspendida. Su sonido es un corazón que late entre recuerdos fragmentados, una elegía digital que se pregunta si la emoción puede sobrevivir al tiempo y a la máquina. Neural Pantheon transforma la melancolía en luz, ofreciendo una experiencia sonora que respira humanidad a pesar de su arquitectura sintética.
En conjunto, estas cuatro obras revelan la esencia del proyecto: una búsqueda de espiritualidad en lo artificial, una reconciliación entre lo humano y el algoritmo. Neural Pantheon no solo compone música; diseña rituales contemporáneos, templos invisibles donde la emoción aún encuentra refugio.
Edición Ltda no es solo una banda, es la unión de cuatro amigos con un mismo sueño: conquistar corazones a través de la música. Cada nota y cada letra nacen de vivencias reales, de experiencias que cualquiera puede sentir, porque su música está hecha para ser la mejor compañía. El grupo colombiano nació en los pasillos de un colegio en 2011. Como un sueño entre amigos doce años después, en 2022, ese sueño tomó forma y se convirtió en un proyecto musical que a la fecha se ha materializado en tres sencillos, y la participación en eventos como el Día de Rock organizado por Don Tetto y Colsubsidio, y el Montaña Rock Fest en Pensilvania, Caldas.
Edición Ltda es el resultado de un sueño que nunca se detuvo. Winder Bustos (Winny), vocalista y bajista; Harold Sosa (Hary), vocalista y guitarra rítmica; Iván Rico (Ivi), vocalista y guitarra líder; y Fabián Calderón (Dami), baterista, son un grupo de amigos que encontraron en la música la mejor forma de contar lo que viven, sienten y sueñan. Cada canción es una parte de ellos, una historia que busca conectar con quienes vibran igual: con pasión, con alma y con verdad.
«La intención de nuestra propuesta es lograr que las nuevas generaciones vuelvan a sentir el poder del rock, un género que, aunque a veces pasa desapercibido, sigue lleno de historias que merecen ser escuchadas. Queremos reactivar ese sonido que marcó a las anteriores generaciones y hacerlo vibrar de nuevo, porque sabemos que talento es lo que hay. Queremos transmitir mensajes en donde todos se sientan identificados. Todos hemos estado enamorados, desilusionados, despechados o simplemente con ganas de celebrar la vida. Nuestras canciones hablan de esas experiencias cotidianas que nos conectan como personas. Más allá de todo, el mensaje es simple: lo más bonito de la vida es estar vivo y sentirla al máximo», cuenta la banda con influencias de Metallica, Avenged Sevenfold, Pxndx, Allison, Blink-182, Green Day, My Chemical Romance, Don Tetto y Kraken.
‘Catalina (mientes)’ es el nuevo lanzamiento de Edición Ltda. Catalina puede ser cualquier persona, sin importar el sexo, de esas que pasan por la vida y tienen una doble cara.
La canción fusiona la fuerza del rock alternativo con riffs llenos de energía y sensualidad, donde cada interpretación transmite pura intensidad. Una percusión explosiva y un bajo irreverente completan la mezcla perfecta para una pieza de rock auténtico, atrevida y sin miedo a tocar tabúes.
«Todos hemos conocido a ese alguien que vive dos vidas, que se ve como alguien ejemplar, pero que tiene un lado oscuro y diferente, entregándose a sus deseos más banales, y al vivir estás dos vidas afecta a quien decide entrar en su mundo», agrega el grupo.
El video y el set de fotos del sencillo proyecta una estética atrevida y sensual, donde la banda expresa libertad sin pudor y desafía, con un toque de ironía, el miedo que genera la exposición pública. El cuerpo desnudo y sensual de la figura que representa a Catalina simboliza el deseo, mientras que la máscara refleja el contraste con la vergüenza de mostrar los instintos más profundos ante el mundo.
Más que contar una historia literal, el video se construye a partir de metáforas visuales. No hay una ‘Catalina’ física ni una narrativa lineal de pareja; lo que se muestra es el proceso mental y emocional de alguien que descubre una verdad incómoda. A través de espacios cerrados, luces y sombras, se representa esa sensación de estar atrapado en la propia mente, enfrentando el peso de la mentira y la vulnerabilidad que deja al descubierto.
El mensaje final es claro: cuando descubres que te mintieron, lo más difícil no es la otra persona… es enfrentarte a ti mismo y romper con la versión que permitió que todo eso pasara.
«‘Catalina (mientes)’ marca el momento más visceral en la carrera de la banda. No hicimos la canción pensando en números, sino en conectar. En que alguien escuche la letra y diga: «yo también pasé por eso». Si logra eso, ya estamos del otro lado. De igual forma, nos gustaría que fuera un punto de inflexión, que más gente conozca lo que estamos haciendo y entienda que el rock alternativo sigue muy vivo, con nuevas historias que contar. No queremos hacer ruido por hacer ruido: queremos dejar algo que quede resonando después de que termina la canción», enfatiza Edición Ltda.
‘Catalina (mientes)’ es el tercer sencillo de un EP que Edición Ltda lanzará a mediados de 2026 que contará con 5 canciones. La portada del sencillo muestra la dualidad entre el deseo y el contraste con la vergüenza de mostrar nuestros instintos más profundos ante el mundo.
«Es una canción ideal para los momentos en los que las apariencias se caen y las verdades salen a flote. Cuando descubres que no todo es lo que parece, cuando el deseo se mezcla con la duda y te enfrentas a la dualidad de alguien o incluso a la tuya propia. Porque todos tenemos una Catalina en la vida… y todos, alguna vez, también hemos mentido», enfatiza la agrupación.
Antes de finalizar el año, Edición Ltda lanzará su cuarto sencillo ‘Ella’, una balada romántica que habla del amor a primera vista. Por otra parte, el grupo se presentará el sábado18 de octubre en Relevent junto a Boca De Serpiente, Faxsia, Ruido D Fondo, Yooko y Hacia El Faro en el marco del Circuito Bogotano de Rock del sello Abril Records; el 15 de noviembre realizarán un tributo a Pxndx, Don Tetto y My Chemical Romance; y están a la espera de la confirmación para participar en un festival de bandas de la localidad de Kennedy en el mes de diciembre.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Edición Ltda porque somos una banda real, sin poses. Hacemos música desde lo que vivimos y sentimos. Nuestra propuesta es fresca, honesta y tiene ese toque de rock que no se disfraza. Cada canción tiene una historia, una emoción y una energía que queremos compartir con quienes buscan algo diferente, algo que se sienta de verdad», concluye el grupo.
La banda de ska y rock puertorriqueña Los Inconformes ha estado en constante actividad durante 2025. Luego de lanzar el sencillo ‘Mi sol de verano’, ahora presentan ‘Platino’; además el grupo confirma una presentación en Colombia para el próximo 21 de noviembre en Bogotá en el marco del festival Ska Para Todos Fest.
‘Platino’ es una canción de rock moderno que cuenta una historia de amor fugaz y verdadero, pero pasajero. Es perfecta para dedicar a esa persona especial que inspira, emociona y saca la mejor versión del otro. Aborda temáticas como amor desenfrenado, locura y desespero por alguien; y apego total.
«Es una canción de amor de esos que dura poco, pero que te vuelve loco de repente, que no puedes contenerte y que no dejas de contar los minutos para volver a ver a esa persona. Es más, parecería un amor de mentira, demasiado bueno para ser realidad… por eso la frase «No fue una falsa realidad…» En fin, un amor platino», cuenta la agrupación.
A nivel musical, ‘Platino’ tiene una inspiración de múltiplesvertientes dentro del rock como guitarras de rock progresivo, un bajo pegándole duro a las cuerdas y el toque característico de Los Inconformes con su sección de vientos para darle el toque especial a la canción. La melodía vocal es melancólica, profunda y sensual, muy acorde a la letra del sencillo.
«Creemos que esta canción puede llegar a una audiencia mucho más amplia en Latinoamérica y una vez más demostramos que nos gusta fusionar diferentes géneros musicales. En la música, así como en la vida, no hay que limitarse, ni encajonarse en una esquina, por el contrario, hay que atreverse a explorar otras sonidos, rumbos y vertientes. Es parte de la evolución», agrega Los Inconformes.
El video de ‘Platino’ tiene una mezcla de dos conceptos: la primera se centró una pareja y su interacción física y sentimental con un toque de sensualidad y erotismo, y la segunda recrea un video clásico de las bandas ‘hair bands’ de los años 80.
Según la banda, «Un chico ve a una mujer caminando hacia un establecimiento, la sigue, y cuando entra al local se refleja como si entrara en otra dimensión donde está tocando una banda con estilo hairband de los ochenta; mientras tanto, él sigue pendiente de la chica que lo dejó loco. Al final, es como si todo hubiese sido una fantasía y nada de lo que vio sucedió realmente… «una falsa realidad».
Si quieres levantarte el ánimo y las energías, escucha ‘Platino’, si quieres escuchar música bien alta y que retumben las bocinas, escucha ‘Platino’; y si quieres recordar a ese amor que te voló la cabeza, escucha ‘Platino’.
Los Inconformes se presentarán en Colombia el próximo 21 de noviembre en Capital Music (carrera 13 # 48-90) en Bogotá en el marco del Ska Para Todos Fest en donde compartirán escenario con artistas como Jamaica 69, Maskatesta y Travelers All Stars de México, y Skatma de Colombia.
Dan T es el proyecto solista de Alejandro Huérfano, cantautor colombiano, vocalista de la banda de Los Huérfanos. Nace con el propósito de compartir con el mundo varias canciones de diferentes géneros musicales que ha compuesto a lo largo de estos años.
El nombre Dan T está inspirado en el poeta y escritor italiano Dante Alighieri, autor de la obra ‘La Divina Comedia’. El proyecto nace en agosto de 2025 con el lanzamiento de su primer sencillo, ‘Golpe de suerte’. La intención de su propuesta musical busca compartir con el mundo historias y canciones de diferentes géneros que el artista ha compuesto a lo largo de estos años.
«A través de mis canciones, quiero enviar mensajes de amor, despecho y de todo lo que se me ocurra sin importar el tema o el género», cuenta el músico bogotano con influencias en géneros como pop, rock, rap, ranchera y reguetón; y artistas y grupos como Manuel Medrano, Andrés Cepeda, The Beatles, Pink Floyd, Soda Stereo y Bad Bunny.
‘Golpe de suerte’ es el sencillo debut de Dan T, es una canción de amor que habla de lo afortunadas que son las personas que encuentran al amor de su vida.
«Es una canción muy especial que escribí para una persona con la que compartí gran parte de mi vida. Es para esas personas que se aman y pueden construir una vida juntos», agrega.
‘Golpe de suerte’ explora sonidos pop, con guitarras acústicas, violines, cajón peruano y bongos. Es ideal para dedicar a esa persona especial, ya sea esposx, compañerx, novix, amigx, padre, madre, hijx, amigx o familiar.
«Mi mayor expectativa es que las personas se enamoren de esta canción, la dediquen, la compartan y poder seguir haciendo música para que la disfruten», menciona. «Además, espero tener un gran impacto en medios de comunicación locales, nacionales e internacionales», recalca Dan T.
El video de ‘Golpe de suerte’ tiene una estética urbana, mostrando diferentes lugares de la ciudad de Bogotá, mientras se interpreta la canción.
‘Golpe de suerte’ es el primer sencillo del primer EP de Dan T que se titulará ‘La D.C.’, abreviación de la Divina Comedia. Será una producción, inicialmente, de tres canciones y se espera que el segundo sencillo denominado ‘Tú canción’ se publique antes de finalizar este año.
La portada del EP es una pintura inspirada en el libro de La Divina Comedia, en la que aparece Dante con su pareja, Helena, quien lo ayudó a salir del infierno y llegar al cielo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Dan T en Colombia y Latinoamérica porque seguramente se van a sentir identificadxs con las temáticas de las canciones, y las van a querer escuchar y dedicar todo el tiempo», concluye.
‘Revolución’ de Bobby Zaga y Halcón 7 es un junte histórico entre el poder del manifiesto y la fuerza del metal.
Después del impacto mediático de ‘Revolución’ —tema con el que el músico, compositor y productor mexicano Bobby Zaga irrumpió en solitario y que lo llevó a medios internacionales como Rolling Stone— llega ahora una versión demoledora: la versión metal de ‘Revolución’, en colaboración con la agrupación Halcón 7, originaria de Torreón, Coahuila.
UNA CONTINUACIÓN AUDIOVISUAL DE ALTO VOLTAJE
El lanzamiento no es solo una reinterpretación, sino una secuela audiovisual y conceptual de lo que Bobby Zaga presentó en el desierto de Torreón con el videoclip original.
Si aquella primera entrega retrataba el hartazgo colectivo y la necesidad de transformación, esta nueva versión lo lleva a un territorio más crudo y visceral, donde la contundencia del metal se convierte en catalizador de rabia, energía y resistencia.
«Esta versión es una revolución desde otra trinchera: la del metal. Es un grito que no tiene miedo a confrontar la oscuridad para encontrar un nuevo comienzo», afirma Bobby Zaga.
HALCÓN 7: EL METAL COMO VERDAD INCÓMODA
Con más de nueve años de trayectoria, Halcón 7 se ha consolidado como una de las propuestas más potentes del metal nacional. La banda nació en Torreón con la consigna de decir lo que nadie quiere escuchar: verdades incómodas sobre la sociedad, la destrucción y la violencia cotidiana.
Influenciados por Gojira, Korn, Pantera, Slipknot y Sepultura, Halcón 7 ha forjado una identidad marcada por riffs pesados, líricas densas y presentaciones en vivo viscerales. Su carrera incluye logros como abrir el concierto de Metallica en México (2017), un hito que los catapultó como referentes de la escena.
REVOLUCIÓN METAL: UN GRITO COLECTIVO
La unión entre Bobby Zaga y Halcón 7 no es casualidad: ambos proyectos comparten raíces y una amistad de años. Este junte significa llevar la esencia de ‘Revolución’ a otra dimensión, donde el manifiesto lírico y espiritual de Zaga se fusiona con la brutalidad sonora de Halcón 7.
«Queríamos que la canción tuviera una segunda vida, más agresiva, más cruda, que conectara con quienes necesitan un golpe directo al corazón y a la conciencia», comenta Halcón 7.
Este lanzamiento es un grito compartido desde el desierto, donde la rabia se convierte en arte y el metal en un manifiesto de resistencia.
El talentoso artista BizzySixFour sorprende a sus seguidores con un poderoso estreno compuesto por tres nuevas piezas musicales: EightySix, I Don’t Mind y Next Step. Cada una de estas producciones refleja la versatilidad y frescura creativa que caracteriza su estilo, consolidándolo como una de las propuestas más llamativas en la escena actual.
Con EightySix, BizzySixFour explora sonidos intensos y llenos de energía; en I Don’t Mind apuesta por una vibra más introspectiva y emocional; mientras que Next Step proyecta un espíritu evolutivo y ambicioso, simbolizando el camino hacia nuevas etapas en su carrera artística.
Este lanzamiento no solo reafirma el compromiso del artista con la innovación musical, sino que también abre un nuevo capítulo en su trayectoria, invitando al público a sumergirse en un viaje sonoro diverso y lleno de matices.
Fumiro Kaneko, originario de Tokio, Japón, es un compositor especializado en música incidental y bandas sonoras para comerciales. Su más reciente trabajo, titulado “CO Kick”, refleja su estilo versátil y su capacidad para crear paisajes sonoros que transmiten emociones y acompañan narrativas visuales.
Con una trayectoria marcada por la persistencia y la sensibilidad musical, Kaneko busca que cada proyecto sea una experiencia única, donde la música se convierta en un puente entre la imagen y el espectador.
El DJ y productor DERON ha logrado un hito en su carrera con su más reciente lanzamiento: un remake de “Music”, el icónico éxito de Madonna. Esta nueva versión ha conquistado las redes sociales y rápidamente se ha convertido en tendencia gracias al apoyo de grandes nombres de la industria como Hugel y Diplo, quienes han incorporado el track en sus sets alrededor del mundo.
El entusiasmo del público ha sido clave para su ascenso, posicionando al remake en el TOP 1 de Beatport el mes pasado, justo tras su lanzamiento. Esta reinterpretación mantiene la esencia del clásico, pero con un sonido fresco y enérgico, ideal para la pista de baile actual.
Con este éxito, DERON reafirma su lugar en la escena electrónica internacional, ofreciendo a los fans una experiencia musical que conecta la nostalgia de un clásico con la fuerza de la música electrónica moderna.
La cantante, compositora y productora neozelandesa-estadounidense Estella Dawn regresa este 29 de agosto con “I Like It Rough”, un sencillo oscuro y desafiante que late con energía pop cargada de poder, resistencia y una feminidad caótica e indomable.
El tema combina ganchos feroces, una producción cruda y una interpretación vocal que muerde con confianza, confirmando a Estella como una de las voces más audaces de la nueva escena pop. Entre la intensidad ardiente de BANKS, la franqueza narrativa de Jessie Reyez y la irreverencia de Doja Cat, Dawn consolida un estilo propio, tan arriesgado como magnético.
“Esta canción es para cualquiera que haya sido juzgado, subestimado o arrastrado”, explica la artista. “Se trata de transformar eso en combustible: plantar cara y cambiar la narrativa”.
Su música es un terreno donde la suavidad y la fortaleza conviven, y “I Like It Rough” lo evidencia con un espíritu de rebeldía que también es catarsis.
Nacida en Nueva Zelanda y actualmente radicada en San Diego, Estella Dawn es mucho más que una voz potente: escribe, produce y toca cada una de sus canciones, fusionando pop, soul, hip-hop y rock en una propuesta que desafía etiquetas.
Con más de 7 millones de reproducciones en lo que va del año y sencillos destacados como “514 Denim”, “Big Enough” y “Locked In”, ha logrado conectar con una audiencia global en crecimiento. Su música ha llegado a playlists de Spotify como New Pop Picks, The Drip y young & free.
Independiente, incansable e inolvidable, Estella Dawn se perfila como una de las artistas emergentes más prometedoras del pop actual.
Tres meses después de su debut con Acmé, el dúo SIIE regresa con ‘J’attends’, un corte demoledor que combina la crudeza del darkwave con la energía incesante del techno. El tema, cantado en francés, se adentra en reflexiones sobre la desaparición, el borrado y la pérdida de identidad en un mundo vacío de significado, levantando un espejo oscuro a la condición contemporánea.
Más allá de su inconfundible huella sonora, SIIE se mueve en esa frontera difusa donde la realidad se desdibuja y la fantasía comienza. Su propuesta, enigmática y seductora, conecta tanto con los seguidores del post-punk y la body music industrial de los años 80, como con la escena actual de clubes iluminados por estrobos, donde los beats hipnóticos de cuatro por cuatro parecen provenir de otra dimensión.
Las voces cargadas de magnetismo envuelven al oyente, mientras los sintetizadores pesados y las bases rítmicas —afiladas como una cuchilla— dibujan un viaje sonoro hacia las sombras de la noche.
En el lado A del EP, ‘À Travers’, SIIE cuenta con la colaboración de BadWolf, quien potencia el tema con líneas de bajo intensificadas y una simplicidad ultra-poderosa, tan sofisticada como arrolladora. Su aporte se siente como una ola expansiva que arrastra directamente a la pista de baile.
Con ‘J’attends’ y ‘À Travers’, SIIE reafirma su capacidad para conjugar misterio, contundencia y elegancia, consolidándose como una propuesta imprescindible dentro de la nueva ola electrónica que no teme abrazar la oscuridad.
Meredith O’Connor se ha consolidado como una de las grandes sensaciones del pop adolescente, cautivando a millones de oyentes con sus canciones que no solo conquistan las listas de radio, sino que también transmiten un mensaje poderoso. Reconocida como un ícono y pionera en la lucha contra el bullying, la artista ha logrado transformar su música en una plataforma de empoderamiento y esperanza.
Con conciertos agotados en diferentes partes del mundo, Meredith ha demostrado que su propuesta trasciende lo musical: sus letras han sido descritas por fans como un salvavidas, un refugio y una fuente de fortaleza personal. Cada tema refleja un compromiso genuino con levantar y motivar a quienes atraviesan momentos difíciles, convirtiéndola en una referente única dentro de la industria.
Meredith O’Connor no solo brilla en los escenarios, sino también como líder de una generación que encuentra en su música inspiración para vivir con confianza, resiliencia y autenticidad.
El artista nigeriano-británico Dumomi The Jig continúa marcando huella en la escena musical con el lanzamiento de sus nuevos temas «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx, tres pistas que combinan motivación, autenticidad y celebración de los logros obtenidos a través del esfuerzo constante.
«Money (Hustle)», en colaboración con Psalmx, se posiciona como un himno inspirador sobre la perseverancia y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo pese a los desafíos. Con un estilo que mezcla narrativa personal, slang callejero nigeriano y referencias culturales, la canción celebra la resiliencia, la ambición y la gratitud, especialmente hacia la familia.
Las letras describen noches largas de trabajo, movimientos calculados y una determinación inquebrantable para no dejarse vencer por la negatividad o las mentiras. Este lanzamiento representa tanto una celebración del camino recorrido como una promesa de mayores éxitos por venir.
Adenuga Adedumomi, nombre real de Dumomi The Jig, es un artista apasionado por la música y las emociones que esta despierta. Su versatilidad le permite rapear, cantar y producir, resultado de años de persistencia y práctica. Con estas canciones, combina ritmos relajados con energía vibrante, creando un sonido que conecta con todos aquellos que persiguen sus sueños y trabajan duro para alcanzarlos.
La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.
Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.
En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.
“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.
La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.
Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.
La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.
Detalles del concierto
Fecha: 22 de agosto de 2025
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
Entrada: Libre
Sobre Septon
Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.
El cantante y compositor panameño Daniel Tapia presenta su más reciente trabajo, una versión pop del icónico vallenato ‘Ojos verdes’, una canción que ha dejado huella en la historia musical de Colombia y Panamá.
Escrita por el legendario Rubén Darío Salcedo y popularizada por el colombiano Alfredo Gutiérrez en la época de los sesenta, esta reinterpretación es un tributo a la riqueza musical de la región.
Daniel Tapia, un artista conocido por su sonido latino, se enfrentó al reto de reinterpretar un tema de tal magnitud con un respeto profundo por su esencia. El resultado es una versión fresca que mezcla jazz y pop que le confiere un sonido atemporal. Con esta interpretación, Daniel Tapia logra un equilibrio perfecto: conectar con el público que conoce la canción original en su género original, vallenato y presentar a nuevas audiencias este clásico con un sonido fresco y sofisticado.
Además, la nueva versión está acompañada de un video grabado en vivo junto al cantante Némula. Esta colaboración es un reflejo de la hermandad y el cariño por la música de ambos artistas.
Este lanzamiento no es solo un cover, sino un puente entre dos épocas y dos géneros, que celebra el legado musical del autor, compositor y escritor conocido como El Rey del ‘Pasebol’.
La invitación artística pública estará abierta del 31 de julio al 21 de agosto de 2025.
El Ministerio de las Culturas abre la invitación artística nacional para una curaduría en espacio público, en el marco del 47 Salón Nacional de Artistas – KAUKA, asamblea de mundos posibles, que se llevará a cabo entre el 25 de octubre y el 10 de diciembre de 2025. Esta invitación busca propuestas curatoriales vivas, afectivas y situadas, que reconozcan la potencia del espacio público como territorio de encuentro, memoria, cuidado y resistencia.
Un incentivo de $40.000.000 será otorgado a una propuesta curatorial que imagine, desde el arte, intervenciones performáticas o de exhibición en espacios públicos del suroccidente colombiano, especialmente en municipios como Popayán, Puerto Tejada, Villa Rica o Santander de Quilichao.
La convocatoria está dirigida a artistas, curadores, colectivos y agentes culturales —nacionales o extranjeros con al menos cinco años de residencia en Colombia— con experiencia en proyectos comunitarios, contextuales y de vocación territorial. No se exige trayectoria institucional ni formación académica formal: se valoran las prácticas enraizadas, el sentido colectivo y la pertinencia social.
”Estas invitaciones públicas son muy importantes en el marco del Salón porque permiten que nuevas propuestas se integren al componente curatorial y entren en diálogo o tensión con lo que ha sido propuesto por el Salón mismo. Esto permite una participación más amplia de voces y artistas. En este caso es especialmente importante que esa apuesta vaya a suceder como un proceso de intervención del espacio público en estos municipios del Cauca porque son territorios que encarnan las resistencias y luchas, tanto históricas como actuales, que allí se dan y por lo tanto permiten pensar el espacio público como espacio común de potencia colectiva”, afirma Alejandra Sarria, Coordinadora del Grupo de Artes Plásticas y Visuales.
Las propuestas seleccionadas deberán desarrollarse entre octubre y diciembre de 2025 en el marco de las fechas programadas para KAUKA, asamblea de mundos posibles, incluyendo actividades de montaje, mediación comunitaria y encuentros públicos. El arte se activa aquí como una práctica de cuidado, escucha y creación colectiva, que dialoga con los ciclos de la tierra y las espiritualidades vivas del territorio.
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Acerca del 47 Salón Nacional de Artistas
KAUKA significa “madre de los bosques” en nam-trik, lengua del pueblo Misak. Esta edición del Salón se desmarca de las grandes ciudades y se enraíza en el Cauca, configurándose como un proceso vivo, afectivo y asambleario que honra los saberes comunitarios, ancestrales y territoriales.
Con un modelo curatorial colaborativo y decolonial, el 47SNA será tejido por el equipo conformado por Carolina Chacón Bernal, Catalina Vargas Tovar, Consejo Ancestral Willka Yaku, Eblin Grueso Cuero y Laura Campaz Minota, cuyas trayectorias articulan creación, pensamiento crítico y acción situada en el territorio.
Desde su creación en 1940, el Salón Nacional de Artistas ha sido el programa estatal más longevo y visible de apoyo al arte contemporáneo en Colombia. Hoy, a 85 años de su inicio, continúa su apuesta por descentralizar, diversificar y transformar el campo artístico, en alianza con comunidades, artistas y gestores culturales. Más información en: @artesvisuales_mincultura y @salonesdeartistas.
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