John Doe regresa con “Time”, una nueva producción que reafirma su esencia: crear sin límites, explorar sin etiquetas. Bajo este enigmático nombre se reúne un colectivo global de artistas —cantantes, beatmakers, productores, compositores e ingenieros de sonido— que colaboran en pistas originales, sin una alineación fija ni un estilo definido.
Cada lanzamiento de John Doe es una experiencia distinta, un experimento sonoro que celebra la diversidad creativa. “Time” no es la excepción. Esta nueva entrega refleja el espíritu del proyecto: dar voz a la libertad artística, fomentar la colaboración sin fronteras y borrar las líneas entre géneros musicales.
Todos los estilos. Ningún género. Así es el universo de John Doe: un espacio abierto para quienes se atreven a crear desde la autenticidad.
El productor y compositor nigeriano radicado en el Reino Unido, Arche. A, se une nuevamente con Apazon para lanzar “Maadness”, una propuesta que reafirma su capacidad para crear paisajes sonoros auténticos, intensos y cuidadosamente elaborados.
Ashley Bazuaye, conocido artísticamente como Arche. A, ha construido su identidad musical a través de una pasión temprana por instrumentos como el piano y la batería, los cuales imprime con maestría en cada producción. Desde su primer lanzamiento en 2020, un cypher titulado “STFU, hating a*, nggas!”, Arche. A ha demostrado versatilidad y visión, expandiendo su catálogo con proyectos como ‘Exertion’ junto a YGB, ‘AA+’ con Apazon, y su instrumental ‘lotb’.
En 2022 lanzó ‘Sharpening Tools’, un LP con once piezas breves pero contundentes que mostraron su amplio rango como productor. Desde entonces, ha mantenido una racha de colaboraciones destacadas como «Jack & Jill» con Koyen, «OK!» con Apazon y DB, «KOKO» con Ubin y «LUDE» junto a Apazon.
Con “Maadness”, Arche. A y Apazon continúan explorando los límites del sonido, entregando una experiencia vibrante que confirma que apenas están comenzando. Este nuevo lanzamiento es un testimonio del potencial inagotable de un productor que entiende el poder del ritmo, la textura y la emoción.
Dè lanza “Who?”: Hip-hop crudo, auténtico y sin concesiones
Desde South Auckland y actualmente radicado en la Gold Coast, Dè presenta su nuevo lanzamiento “Who?”, una poderosa pieza que reafirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas del hip-hop actual.
Con una fusión impecable entre la esencia atemporal del boom-bap y la energía punzante del trap contemporáneo, “Who?” es más que una canción: es una declaración. A través de versos intensos y una entrega afilada, Dè explora la lucha interna, el crecimiento constante y una ambición que no se detiene. El resultado es un track que golpea con fuerza y deja huella.
Respaldado por figuras de la industria y con una base de seguidores internacionales en expansión, Dè demuestra con “Who?” que no está aquí para seguir fórmulas, sino para marcar su propio camino—con autenticidad, técnica y mucho corazón.
Esta iniciativa busca fortalecer las alianzas dentro de los festivales de la costa caribe colombiana y visualizar todo el trabajo que realizan los artistas, bandas y proyectos musicales del género.
La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano renueva su compromiso con el fortalecimiento y la promoción de la música alternativa en la región. Luego de una pausa por diversos motivos desde el lanzamiento de esta iniciativa, la red de festivales hace su relanzamiento por todo lo alto con la participación de 16 festivales que hacen vida en la Costa Caribe, esta red busca consolidar un ecosistema vibrante que impulse el desarrollo artístico y cultural, promoviendo intercambios, formación, y cooperación estratégica entre gestores culturales, organizadores, promotores y artistas locales.
Una plataforma para el talento regional
Desde Santa Marta hasta Montería, la red agrupa festivales destacados como el Unimagdalena Rock Fest, Urbanarock Fest, Indierock Fest, Muralla Rock Fest, y otros en Cartagena, Sincelejo, Corozal, Sahagún y Montería. Estos eventos trabajan en conjunto para fortalecer la escena musical alternativa, promoviendo la circulación de artistas tanto a nivel nacional como internacional, y fomentando alianzas que generan oportunidades de crecimiento y consolidación para las bandas emergentes de la región.
Una misión compartida
La misión de la red es impulsar el desarrollo integral de los festivales de rock en la Costa Caribe, identificando sus fortalezas y necesidades, y diseñando estrategias que eleven su impacto cultural. Además, promueven espacios académicos y de formación que fortalecen las capacidades del sector musical alternativo, impulsando ideas innovadoras para asegurar la sostenibilidad y el crecimiento del movimiento.
Intercambio cultural y fortalecimiento comunitario
Uno de los pilares de esta iniciativa son los intercambios culturales que facilitan alianzas estratégicas entre los festivales participantes. Estos acuerdos permiten acoger propuestas artísticas de bandas de música alternativa, garantizando la circulación de talentos en diferentes escenarios y ciudades, enriqueciendo la oferta musical y fomentando un sentido de comunidad que refuerza la identidad cultural del Caribe colombiano.
Un compromiso con el arte y la cultura
Gracias a estas iniciativas, la región se posiciona como un referente en la escena musical alternativa, creando oportunidades que benefician a artistas emergentes y consolidando la presencia del talento regional en el ámbito nacional e internacional. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano continúa trabajando para mantener vivo el espíritu creativo y la innovación en el sector, promoviendo una cultura vibrante y diversa que refleja la identidad única de la Costa Caribe.
Este esfuerzo conjunto reafirma la importancia de las alianzas estratégicas en la consolidación de la escena de rock y metal en el Caribe colombiano. La colaboración entre festivales, artistas y gestores culturales es fundamental para fortalecer estos géneros en la región, permitiendo no solo la circulación de talentos, sino también fomentando una comunidad vibrante y un movimiento cultural que impulsa el crecimiento y la innovación musical. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano reafirma así su compromiso de seguir creando oportunidades y alianzas que catapulten a los artistas y enriquezcan el panorama artístico de la región, consolidando su lugar en la escena nacional e internacional.
Festivales que hacen parte de la RED DE FESTIVALES ROCK.
UNIMAGDALENA ROCK FEST (Santa Marta), URBANAROCK FEST (Barranquilla), INDIEROCK FEST (Barranquilla), PARATE DURO FEST (Barranquilla), CROWS ROCK FEST (Barranquilla), EMO NIGHT FEST (Barranquilla), MURALLA ROCK FEST (Cartagena), LA MÚSICA EN VENAS FEST (Cartagena), EL MONTICULO FEST (Cartagena), SABANEROCK FEST (Sincelejo), SABANEROOTS FEST (Sincelejo), ENTROPIA ROCK FEST (Corozal), BARAJI FEST (Sahagún), TUPA TUPA FEST (Montería), SKATER PARK AL RIO FEST (Montería), THE BUNKER ROCK FEST (Montería).
El productor musical Lucus Lin lanza una nueva playlist en colaboración con Branson, Mitch Deville y Hailey Mitch Deville, una propuesta sonora que apuesta por lo auténtico, lo visceral y lo emocional. Más que una simple colección de temas, este proyecto es una ventana íntima al universo creativo de Lucus, donde cada canción actúa como un fragmento de vida convertido en sonido.
«Para mí, la música es una forma de expresión libre, sin reglas. Es instinto puro», afirma Lucus Lin. Con una filosofía artística que prioriza el sentimiento por encima de la perfección técnica, el productor deja claro que sus mezclas no buscan sonar impecables en todos los dispositivos, sino resonar honestamente con quien las escuche. «Cada track es un retrato de cómo me sentía en un momento específico. A veces la vida se desordena, y ese caos también termina reflejándose en la música.»
Esta playlist reúne momentos reales, sin adornos ni artificios. Si alguna canción suena «fuera de lugar», quizás es porque así también se sentía el autor en ese instante. El mensaje es claro: no todo tiene que ser pulido para ser verdadero.
En un panorama musical donde muchas veces prima lo pulcro y predecible, Lucus Lin y sus colaboradores apuestan por una propuesta distinta: sincera, libre y profundamente humana. «Tal vez conectes con estas canciones, tal vez no, y está bien. Pero si alguna logra acompañarte o darle un poco de color a tu vida, entonces ya habrá valido la pena», concluye el productor.
Con este lanzamiento, Lucus Lin reafirma que la música también puede ser refugio, diario y espejo. Una experiencia que va más allá de los géneros y conecta con lo más esencial: lo que sentimos.
🔥 Brandon Mitchell presenta tres nuevas canciones que elevan su propuesta artística: 🎧 Walking Bucket (feat. Nia Cheri)
🎧 TGBNU
🎧 Right Back
Desde Kansas City hasta Los Ángeles, Brandon Mitchell sigue demostrando que el talento no tiene límites. Bailarín, coreógrafo, actor, DJ y ahora artista hip-hop con un mensaje claro y poderoso. Su trayectoria incluye apariciones en So You Think You Can Dance, Step Up Revolution, y series como Insecure, The Rookie y The Upshaws.
Como músico, Brandon utiliza su voz para contar historias con propósito. Con beats que resuenan y letras que conectan, estas nuevas canciones son una muestra más de su versatilidad y visión artística.
Brandon Mitchell llega con tres nuevas canciones que combinan sentimiento, groove y propósito: Untitled Love, junto a Irv Da PHENOM, es una exploración del amor sin etiquetas; Sugar vibra con una sensualidad suave y elegante; y We Already Won se levanta como un himno de afirmación y victoria colectiva.
Originario de Kansas City, KS y ahora radicado en Los Ángeles, Brandon es mucho más que un artista musical: es un esposo devoto, padre orgulloso y filántropo comprometido. Su trayectoria multifacética está guiada por el servicio, la creatividad y la excelencia. Se dio a conocer mundialmente como finalista de la temporada 9 de So You Think You Can Dance, aunque ya contaba con experiencia en películas como Step Up Revolution y Honey 2.
Brandon no solo se expresa a través del movimiento, también lo hace con su voz. Como artista de hip-hop y DJ, ha lanzado proyectos como la serie Conditioning, contando historias que conectan con su audiencia. Su canción The Lesson fue destacada en MTV’s The Challenge, y sus sets como DJ destacan por su energía y autenticidad.
Como actor, continúa ampliando su influencia con apariciones en series como Dave (FX), Insecure (HBO), Blindspotting (Starz), Good Girls (NBC), The Rookie (ABC), Sistas (BET) y The Upshaws (Netflix). En cine, protagoniza Sinister Assistant (Tubi) y Like Blood (Amazon), demostrando su compromiso con el arte en todas sus formas.
Vymvn —se pronuncia a~men— presenta dos nuevas piezas sonoras que revelan su mundo interior: INNER CHILD y PRESENCE junto a Michael Go. Criado entre los sonidos vibrantes de Toronto, desde los artistas callejeros de Dundas Square hasta la elegancia de la Orquesta Sinfónica en Roy Thomson Hall, Vymvn creció rodeado de arte y música, una influencia que hoy transforma en paisajes sonoros auténticos y emocionales.
La banda estadounidense Love Ghost continúa empujando los límites del sonido alternativo con el lanzamiento de “FUCKED UP FEELINGS”, una joya musical que mezcla el RnB con el grunge en una estética lofi, sensual, melódica y emocionalmente intensa. La canción captura la turbulencia de atravesar momentos complicados en la vida, envolviéndose en una atmósfera oscura similar a la de artistas como Prince, Lil Peep y Joji, pero con una identidad sonora muy propia.
Este nuevo sencillo representa la segunda colaboración entre Love Ghost y la banda británica The Skinner Brothers, tras el éxito de su primer tema conjunto “Freedom in a Padded Cell”. La conexión artística entre ambas agrupaciones ha resultado tan natural que ya planean varios lanzamientos adicionales y una gira en conjunto, cuya fecha se anunciará próximamente.
Sobre el concepto de la canción, Finnegan Bell, vocalista de Love Ghost, expresa: “Son historias y eventos que han marcado los últimos años: rupturas, nuevos comienzos, victorias y derrotas… todos pegados a mi alma como un scrapbook de papel maché”.
Love Ghost se ha consolidado como una banda que desafía etiquetas. Su propuesta integra elementos del rock alternativo, grunge, metal, pop-punk, acústico y hard rock, con letras que profundizan en temas como el trauma y la salud mental, con una sensibilidad poética y emo. Su autenticidad les ha valido el respaldo de medios como Rolling Stone, Alternative Press, Lyrical Lemonade, Clash Magazine, Playboy y muchos más. Han sido seleccionados para el icónico programa alemán Rockpalast y han tocado en vivo en cuatro continentes, incluyendo múltiples colaboraciones con artistas del panorama latino como Adán Cruz, Santa RM, Dan García, Ritorukai, Wiplash y Blnko, entre otros.
Por su parte, The Skinner Brothers son una de las bandas emergentes más destacadas del Reino Unido. Han girado junto a The Libertines, Kasabian, Rat Boy y Mike Skinner (The Streets). Han participado en importantes festivales como Isle of Wight, Neighbourhood Weekender y encabezado su propia gira Soul Boy II Tour en recintos de renombre como el O2 Academy Islington de Londres y el O2 Ritz de Manchester.
Con “FUCKED UP FEELINGS”, ambas agrupaciones no solo consolidan una poderosa alianza musical, sino que también contribuyen a construir un puente sólido entre la escena alternativa global y los sonidos emergentes del panorama latino. Un tema que promete resonar con fuerza entre los oyentes que buscan profundidad lírica, autenticidad sonora y una carga emocional sin filtros.
El artista bogotano Matiesi regresa con una canción que habla directo al alma. ‘Contando las horas’ narra una historia de amor a distancia y las emociones que produce el reencuentro.
Con un sonido pop que mezcla guitarras suaves y toques de sintetizadores inspirados en los 80, el sencillo se inspira en los que esperan y creen que el amor siempre encuentra el día y el lugar apropiados.
La canción, que fue escrita por Matiesi (Nicolás Espitia), se grabó y produjo en Bogotá bajo la dirección musical de David Useche (teclista de la banda Lika Nova) y fue masterizada por Carlos Silva.
«‘Contando las horas’ habla de la perseverancia que debes tener para superar las dificultades de un amor a distancia, así como las emociones y sentimientos cuanto te reencuentras con una persona que amas, pero que hace un tiempo no ves», explica Matiesi.
De esta forma, Matiesi presenta el tercer capítulo de una historia de amor a distancia y de una pareja, que, a pesar de las dificultades, espera con paciencia el momento de volver a estar juntos.
El videoclip se rodó en La Vega (Cundinamarca – Colombia) bajo la dirección de Laura Mojica Moreno (@la_que_escribe), quien ha sido la productora audiovisual detrás de todo el proyecto musical de Matiesi, logrando, entre otras cosas, varias nominaciones a festivales.
La canción cuenta la historia de un amor a distancia y una pareja se separó por un tiempo, pero ha llegado el momento de verse de nuevo. Desde lo audiovisual, se usa la metáfora de los niños que crecieron juntos y sintieron una fuerte amistad y que se reencuentran con los años.
«Es la primera vez que grabamos un video con niños y así mismo, era la primera vez que los niños se enfrentaban a las cámaras… Fue algo muy especial», comenta Matiesi.
Ese Zea es un proyecto colombiano nacido en la ciudad de Medellín de la mano del músico Santiago Zea Arrubla, originalmente como un proyecto unipersonal. Es una propuesta musical que explora diversos ambientes sonoros con la premisa de no coartar la creatividad del artista.
La intención de la propuesta de Ese Zea es convertir imágenes cotidianas en melodías y letras, transmitir a los oyentes emociones que conecten con sus historias personales, sublimar momentos que pueden ser comunes a muchas personas y enmarcarlos en una sonoridad especial; y crear imágenes en la cabeza del oyente en las que pueda proyectar sus propias vivencias, o fantasear.
«Con mis canciones quiero dejar un mensaje de que nos vamos a morir y es momento de hacer una pausa para ponerle atención a los pequeños momentos que nos brinda esta corta estancia. En este limitado tiempo que tenemos, deberíamos poder conectar con otros seres humanos, con nosotros mismos y con nuestros deseos; qué hacer con ellos ya es problema de cada quién, eso sí. Estamos en un mundo en el que constantemente, aunque estamos rodeados de gente, nos sentimos solos, y eso es muestra de que algo no está bien», cuenta el músico colombiano de la ciudad de Medellín con influencias de indie rock, shoegaze, post punk, bedroom pop e incluso el trap en proyectos como The Strokes, Molchat Doma, Tame Impala, Mac DeMarco, La Femme y Artemas.
‘Todos bailamos juntos’ de Ese Zea es una canción que habla de esa sensación, esa tensión placentera, la que algunos psicoanalistas relacionarían con la pulsión de muerte, y que además en la canción involucra a un otro; pero, por otro lado, también habla de esos instantes en el que aún en medio de algo que se disfruta, incluso en compañía de un otro, nos sentimos solos y vacíos.
‘Todos bailamos juntos’ tiene una sonoridad oscura y divertida. La guitarra utilizada en la grabación fue un Jackson King V con microfonía humbucker para darle potencia al sonido, se agregó distorsión a la guitarra rítmica y se utilizó un efecto de rotary en la melodía principal. El sonido de bajo es de un Warwick, haciendo más contundente la base de la canción, pero la percusión es de una caja de ritmos que utiliza sonidos de los 80’s, para darle un ambiente más post punk/darkwave y más bailable. Es una mezcla curiosa, porque suena muy denso, pero eso no impide que sea música que invita a mover el cuerpo.
«La temática de la canción y algunas de sus frases surgieron en medio de una conversación con una amiga cercana que disfruta, al igual que yo, de ambientes algo pesados para otras personas. Esa charla se dio mientras ambos pasábamos por una etapa emocionalmente complicada, y en ella estábamos describiendo escenas que veíamos en fiestas, sensaciones y experiencias que habíamos tenido en algún momento, algunas recientes. Creo que todos tenemos momentos de desenfreno, y aunque haya maneras más saludables de gestionar las emociones, a veces intentamos gestionarlas «disfrutando» de formas que podrían ser peligrosas o dañinas
El video de ‘Todos bailamos juntos’ es muy genuino. La base del visualizer nació antes que la canción, pues en algún momento alguien le envió al músico un video que podría interpretarse como erótico, pero que genuinamente le pareció muy artístico.
«Le pregunté a ella si podía conservar ese video para utilizarlo alguna vez en una canción y ella aceptó. Cuando terminé el proceso de composición de ‘Todos bailamos juntos’ ya sabía cuál iba a ser el visualizer. En el clip se puede observar la sombra de una mujer bailando lentamente en una habitación con luces bajas. Al trabajo se le agregaron efectos visuales de forma que complementara la música, además, de la letra de la canción», enfatiza Santiago.
Es una canción para escuchar en una fiesta, definitivamente; pero también, puede ser una canción para bailar solo en el cuarto y liberar tensiones. Si alguien se está sintiendo solo en algún momento difícil de su vida y la escucha, sentirá que alguien le entiende y ha pasado por lo mismo.
«Con ‘Todos bailamos juntos’ espero llegar a nuevo público, que la gente que escuche la canción la disfrute. No es una canción apta para todo público, pero sí veo que hay público en Colombia y Latinoamérica para estos géneros, y no tantas bandas los están explorando», menciona el artista.
En la portada del sencillo se observa la sombra de una mujer desnuda en un cuarto, centrando en su cabeza un bombillo para simbolizar que es un ser pensante. Es una mujer sensual, pero su cuerpo no es lo único atractivo que tiene por aportar, sino que su cabeza también es atrayente.
Ese Zea tiene pensado para lo que resta de 2025 publicar, por lo menos dos sencillos más. Respecto a shows, el proyecto tiene un par de negociaciones con algunos teatros en Medellín y está participando en convocatorias para festivales.
«Ese Zea es como esa persona que mira feo a todo el mundo, pero te acercas a hablarle y resulta ser super chévere y amable. Anhelo que sea un proyecto en el que esas personas que se sienten en un lugar extraño, o como que no pertenecieran o encajaran, se puedan reflejar, que podamos crear comunidad y empatizar entre nosotros. Además, es un proyecto que siempre intenta transmitir algo, hacer sentir, y no se encasilla en un tema, sino que puede transmitir amor, rabia, desazón, tristeza o tranquilidad», concluye el músico colombiano.
Crudo, visceral y sin pedir disculpas, Hello Enemy lanza su esperado álbum debut, That Goes On There, ofreciendo una dosis feroz de revival grunge con un enfoque moderno. Lleno de himnos cargados de ganchos, riffs ardientes y letras emocionalmente intensas, el álbum es un reflejo de la vida vivida en los márgenes: desordenada, ruidosa y sin filtros.
El primer sencillo del álbum, “A Lot Like You”, lanzado el 6 de mayo, marca el tono. Un golpe directo al estómago con riffs de guitarra masivos, voces crudas e implacables, y letras que no se contienen, la canción se sumerge de lleno en temas de identidad, presión social y la escalofriante revelación de que, a veces, el enemigo se parece demasiado a tu propio reflejo.
Con 15 sencillos independientes ya lanzados, una gira autofinanciada y rotación en Rock Rage Radio (EE.UU.), Hello Enemy no está esperando permiso — están rompiendo las paredes del underground con una intención abrasadora. La banda mezcla el espíritu sucio y auténtico del grunge de los 90 con la urgencia del presente, inspirándose en leyendas como Alice in Chains, Soundgarden y Nirvana, pero forjando un sonido que es inconfundiblemente suyo.
Prepárate para baterías atronadoras, guitarras crujientes, voces desgarradoras y un núcleo lírico que se niega a esquivar la verdad. That Goes On There no es solo un álbum — es un grito de guerra para todos aquellos que alguna vez se sintieron invisibles, ignorados o rotos.
