La artista Andrea Imaginario presenta ‘¿Qué es el amor?’

Andrea Imaginario es una cantante y autora luso-venezolana. Nació en la ciudad de Caracas, pero se crió en una familia portuguesa. Esa condición hizo que desde muy temprano comprendiera la importancia del diálogo intercultural. Cuando decidió su camino artístico, lo hizo apostando a que el arte es, por su propia naturaleza, un espacio apropiado para la interculturalidad, para conocernos unos a otros a través de experiencias estéticas que congregan y conmueven. Así nació su proyecto, que pone en diálogo la cultura venezolana y la cultura portuguesa con la firme intención, a través de su propuesta, de crear un puente que permita descubrir todo lo que hay en común, así como las diferencias que enriquecen y hacen crecer.

«Quiero que el público se sienta involucrado en la historia que está por detrás de las canciones y al mismo tiempo que se sienta parte de todos los mundos que la música les pueda evocar. Pretendo que la gente conecte con lo más genuino de sus propios sentimientos y que sienta que, a través de la experiencia de la escucha, puede encontrar resonancia para inspirarse a soñar o imaginar con libertad», comenta Andrea Imaginario cuyas influencias viajan por artistas de Venezuela como María Rivas, Cecilia Todd, Soledad Bravo, Henry Martínez, Ensamble Gurrufío, El Cuarteto, Aldemaro Romero y Aquiles Báez; y de Portugal como Amalia Rodrigues, Dulce Pontes y el grupo Madredeus.

‘¿Qué es el amor?’ es el nuevo lanzamiento de Andrea Imaginario, una canción que pretende representar el hecho humano de vivir el amor como un misterio.

La canciónexplorala mixtura de la sonoridad armónica y rítmica de Latinoamérica con el contrapunto de la guitarra portuguesa que se usa en el fado. Además de eso, la voz se desarrolla de una forma íntima, tratando de conectar con lo más profundo de la inquietud personal sobre el amor.

«En cada momento de la vida nos hemos hecho la pregunta «¿Qué es el amor?» y no tengo una respuesta definitiva, pero estoy segura de que hacernos las preguntas correctas es la única manera de llegar a una buena respuesta. Por esas experiencias vividas escribí el poema que musicalizó Gerardo Gerulewicz, y lo hice en portugués y en español. En las preguntas que me hago en la canción va develada mi alma de alguna manera», agrega la artista.

‘¿Qué es el amor?’ cuenta con un lyric video cuyo concepto busca representar el estado interior de la persona cuando se enfrenta a preguntas importantes en la vida, pero además preguntas cuyas respuestas pueden perfectamente derivar en la plenitud y la alegría. Preguntarse qué es el amor no es triste, triste es no preguntárselo y, por ello, andar dando tumbos por la vida. Las imágenes quieren dar a entender esa disposición del alma para meditar sobre algo que al final es el sentido de su vida.

‘¿Qué es el amor?’ mereció el IX Premio Ibermúsicas a la creación de canciones en el año 2023 en representación de Portugal y Venezuela, ya que fue una propuesta binacional.

«Estamos sumamente agradecidos por ello. Ibermúsicas es un programa que fomenta la creación musical de los países que conforman la comunidad iberoamericana y le da un espacio a los creadores emergentes e independientes que quieren dar a conocer sus propuestas artísticas», enfatiza.

‘¿Qué es el amor?’ forma parte de un proyecto que espera convertirse en un álbum de canciones de la autoría de Andrea Imaginario. Además, la cantante lanzará próximamente un nuevo sencillo, un proyecto al que fue invitada para hablar y cantar sobre las relaciones de afecto que existen entre la comunidad portuguesa y la sociedad venezolana que la recibió y que la ha acogido por ya más de ochenta años de historia. Será una canción que le dé nombre a ese sentimiento que nace de amar a dos países a la vez y de valorar dos culturas al mismo tiempo.

«Para este año tengo varios sencillos propuestos y todos ellos van a dar como resultado el álbum que estoy concibiendo, que me permitirá presentarme ante el público no solo como intérprete sino también como autora y compositora», puntualiza la luso-venezolana.

Mira ‘Ya va siendo hora’, el nuevo lanzamiento de Alejo Villalobos

Alejo Villalobos es un músico, cantante y compositor colombiano nacido en Ibagué, capital musical de Colombia. Lleva cerca de 15 años escribiendo canciones e interpretándolas en los lugares que visita. Alejo pretende generar una identidad en la manera de sentir el mundo presentando en cada concierto múltiples maneras expresivas de ver y sentir la música. Su proyecto es tan multifuncional que se adapta en formatos solista, dúo, trío o banda. Es una persona tranquila, melómano total, de hecho, es bastante sensible con la música, incluso si no evoca a alguien para él.

La intención de su propuesta musical es conectar de manera genuina a nivel nacional e internacional, que muchas personas coreen más que sus canciones, el reflejo de las emociones por las cuales conectaron con su música. Explorando diversos géneros como el pop, rock, reggae, y elementos colombianos, Alejo Villalobos ha trabajado en encontrar su sonido y como producto nace el álbum ‘Dentro de ti’ y su sencillo ‘Ya va siendo hora’.

«Con mis canciones siempre hago catarsis, siempre he querido que mi música tenga como objetivo cambiar vidas. Ahora digo, «¿quién soy yo para creer que puedo cambiar vidas?», cuando alguien conecta con una situación en común hay un vínculo, es ahí donde acompaño a las personas de cierto modo con sus procesos, con mis palabras, con mi música», enfatiza el músico colombiano con influencias de artistas como Manuel Medrano, Robi Draco Rosa, John Mayer y Superlitio, aunque siempre ha buscado que su música se convierta en una sensación familiar sin asemejarla a un género o artista específico.

‘Ya va siendo hora’ es lo nuevo de Alejo Villalobos, una canción escrita en una Navidad solo en un apartamento. Habla de todos aquellos quienes luchan con la soledad, la depresión, las adicciones; en el caso de la canción, al alcohol, pero también es una invitación a la catarsis, a la resiliencia.

‘Ya va siendo hora’ une el rock experimental con una conducción a tres voces de violines, violas, y violonchelo, el solo de la guitarra es minimalista, pero bastante expresivo y va contando también que alguien está en crisis. La melodía del coro a octavas es un componente esencial para que todos los instrumentos juntos sean un viaje de introspección, catarsis y resiliencia.

«En principio le escribí esta canción a mi padre que era alcohólico. En una etapa de mi vida cuando busqué de la bohemia, que fuera el puente que nos uniera, me di cuenta de que la canción también era para mí ya que pasé por un momento donde bebía mucho y ‘Ya va siendo hora’ me ayudó a ganarle a la bebida en exceso. Luego la fui compartiendo y ha representado mucho para mí que, por medio de mis canciones, muchas personas puedan manejar sus dependencias por amor hacia sí mismos y hacia la gente que los rodea y los apoya; incluso en ocasiones lloran y eso es muy conmovedor. La escribí como referencia al alcoholismo, pero puede ser cualquier otra adicción que te aleje de ser tú», enfatiza Alejo Villalobos.

El video de la canción se grabó en un concierto en vivo de Alejo Villalobos en el marco del festival Sua Rock 2023. En el clip, el artista quiso ser muy directo y que la conexión con el público no dejara de ser genuina y muy íntima como lo es el sonido de ‘Ya va siendo hora’. Es una invitación a la reflexión, a la calma, a ese estado que también por naturaleza humana buscamos, así como el caos.

«Es una canción ideal para escuchar en ese momento donde estás en introspección, puede ser sólo o en compañía. Si conectas con el disco ‘Comfort y música para volar’ de Gustavo Cerati, seguramente conectarás en una atmósfera similar con ‘Ya va siendo hora'», puntualiza Villalobos.

‘Ya va siendo hora’ hace parte del disco ‘Dentro de ti’ el cual ya se puede escuchar su preproducción en primicia y por pocos días en la página web de Alejo Villalobos.

MÚSICA

Durante lo que resta del año, Alejo Villalobos lanzará un EP de cuatro canciones que tendrá sonoridades pop, rock y reggae. En su discografía también se incluyen los sencillos ‘Dentro de ti’y ‘Dime cómo hago’.

«Quiero conectar de manera genuina con el público. Explorando diversos géneros como pop, rock y reggae, he trabajado en encontrar mi sonido y como producto nació el álbum ‘Dentro de ti’ que consta de 8 que escribí en los últimos 10 años», concluye Alejo Villalobos.

Independiente 81 lanza ‘Llévame a casa’, una canción para celebrar el amor al ritmo de pop punk

La banda de rock colombiana Independiente 81 continúa su viaje musical que le dará vida a su nuevo disco de estudio ‘Ruido Blanco’.

Tras publicar los sencillos ‘Básico’ y ‘En nombre de ella’, el grupo conformado por Daniel Raad (bajo/voz), Carlos Bahamón (batería) y Lucas Urdaneta (voz/guitarra) estrena su más reciente lanzamiento ‘Llévame a casa’.

«Hasta el momento hacemos un balance bastante positivo de lo que hemos hecho este año. Los sencillos ‘Básico’ y ‘En nombre de ella’ han tenido gran recepción en el público y los medios. Cada canción tiene su estilo particular dentro del punk rock que nos gusta hacer y eso nos tiene satisfechos. Seguimos haciendo nuevas canciones para que nuestros seguidores y los nuevos oyentes disfruten de música honesta hecha con el corazón», comenta la banda bogotana.

‘Llévame a casa’ es lo nuevo de Independiente 81, una canción clásica de pop punk. Es una historia de amor, una dedicatoria a esa persona especial que genera tranquilidad y lo acompaña a uno en ese proceso de lograr paz interior. Está inspirada en ese ser amado que sabe sacar la mejor versión del otro.

«Es una canción de amor que le escribí a mi esposa, una persona que me da esa calma y seguridad que constantemente estoy buscando y que todo lo externo me lo quiere quitar a toda hora. Ella es quien sabe quitar todo ese ruido molesto e innecesario en mi vida. Es un regalo para ella», menciona el cantante y compositor Lucas Urdaneta.

‘Llévame a casa’ habla del ruido de la vida, del parloteo que no lleva a ningún lado. Habla de la felicidad en lo sencillo, de volver a la casa con la persona amada que, al final del día y a pesar de todo y de todos, eso termina siendo lo más importante.

«Queremos que la canción le llegue a la mayor cantidad de gente posible en todos los rincones de Colombia y Latinoamérica, que la disfruten y la dediquen todos los amantes del rock en general. Es pop punk puro, fiel a nuestro estilo e ideal para los seguidores de Independiente 81 desde los años de Macondo. Siempre en cada grabación intentamos sacar, como mínimo, una canción así bien popera y creemos que esta es esa canción en el disco», enfatiza el grupo.

El video tiene un concepto estético que se basa en la representación visual de la idea central de la canción: alejarse del ruido de la vida. Este enfoque se refleja en el diseño compositivo audiovisual mediante el uso de técnicas de superposición de formas y colores. Se emplean múltiples capas de imágenes y videos para crear una sensación de sobriedad, recurrente en los videos de Independiente 81 y que refleja la interconexión de Lucas, Daniel y Carlos tocando en vivo.

Para Independiente 81 es ideal escuchar ‘Llévame a casa’ cuando se esté con ganas de creerle al amor, para cuando se esté enamorado o con ganas de estarlo y cuando se tenga una disposición más liviana y romántica, si se quiere, hacia la vida.

El disco ‘Ruido Blanco’ de Independiente 81 ya está listo. La banda está a la espera de ultimar detalles para subirlo todo y ponerlo al servicio de sus seguidores y nuevos oyentes.

«Ojalá les guste este nuevo trabajo y lo roten por todo lado. Es un álbum variado en términos de los subgéneros que ha explorado la banda durante su carrera. Queremos hacer un concierto de lanzamiento del disco en Bogotá hacia finales de octubre con bandas amigas y algunas más nuevas. Todo lo estaremos anunciando a través de nuestras redes sociales. También esperamos pronto llevar nuestra música a otras ciudades del país», concluye Independiente 81.

Escucha ‘Llévame a casa’ de Independiente 81 en tu plataforma musical favorita

Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/6MOqlxPQJL7UN87TX0xoKg

Deezer: https://www.deezer.com/mx/artist/10367510

Apple Music: https://music.apple.com/co/artist/independiente-81/1114516929

Capital Latino Music lanza convocatoria de producción musical ¡Inscríbete!

Capital Latino Music ha lanzado una convocatoria de producción musical 2024 como una iniciativa para descubrir y apoyar a nuevos talentos en Bogotá en la escena del reggae, ska y rock. Pueden participar bandas o solistas de los géneros ska, reggae y rock residentes en Bogotá o Cundinamarca, artistas con propuestas originales y en proceso de desarrollo que sean mayores de 18 años.

«El objetivo de esta convocatoria es brindar a los artistas la oportunidad de grabar y producir su música en un entorno profesional, con el respaldo de un equipo experimentado. A través de esta convocatoria, se busca identificar y potenciar proyectos musicales innovadores que puedan contribuir a la diversidad y riqueza de la escena del rock reggae y ska de la ciudad», agrega Medina.

Para participar, los proyectos musicales deben cumplir con los siguientes requisitos: ser mayores de edad, tener una canción original NO publicada ni grabada en el género reggae, ska y/o rock, residir en Bogotá, NO tener contratos vigentes con discográficas o sellos que restrinjan su participación con la obra que postula.

La inscripción se realiza a través de la página web https://capitalatinomusic.com.co/convocatoria/

Los interesados deben completar un formulario de inscripción y adjuntar una muestra de su música. La participación en la convocatoria tiene un costo de $150.000 cuyo valor es redimible en servicios de Capital Latino Music como horas de ensayo y de estudio que pueden ser cualquiera de las siguientes opciones (solo se puede escoger una):

Opción 1. 6 horas de ensayo.

Opción 2. Una sesión de 1 hora con productor.

Opción 3. Una sesión de grabación de 2h con ingeniero.

La convocatoria está abierta hasta el 31 de julio de 2024. Es importante que los artistas se inscriban antes de esta fecha para ser considerados en el proceso de selección.

Los proyectos serán seleccionados por un jurado compuesto por expertos en la industria musical, incluyendo productores, músicos y críticos. La selección se basará en criterios de originalidad, calidad musical, potencial artístico y propuesta creativa.

Los beneficios y premios que tendrán los artistas ganadores son:

Primer puesto: Producción musical profesional completa de 1 sencillo (incluye mezcla y master).

Segundo puesto: 1 sesión de grabación de 4 horas.

Tercer puesto: 8 horas de ensayo.

Cuarto puesto: Participa en la convocatoria CLM 2025 sin pagar inscripción.

(Los premios tienen validez hasta el 30 de noviembre 2024)

«Esperamos descubrir y apoyar a nuevos talentos que puedan enriquecer la música reggae, ska y rock en Bogotá. Es importante que las bandas y artistas se inscriban porque esta es una oportunidad única para recibir apoyo profesional y obtener visibilidad en un entorno competitivo y ofrecer una calidad de audio al nivel de artistas profesionales. Queremos contribuir al crecimiento de la música original en la escena en la ciudad y creemos que, a través de esta convocatoria, podemos ayudar a los artistas a alcanzar su máximo potencial», concluye Jonathan Medina.

Evelyn Soto estrena el video de su sencillo ‘Llora el corazón’ ¡Míralo!

‘Llora el corazón’ es el primer lanzamiento de Evelyn Soto,perteneciente a su más reciente álbum ‘La Mujer y el Folclor Colombiano’. La canción fue compuesta por Evelyn y en forma de catarsis la ha dedicado a la memoria de Elvis Soto su hermano y Cielo Tangarife su amiga.

La canción fue producida junto a Richie Flores, uno de los mejores percusionistas de la música latina. La conexión profunda entre Richie y Evelyn se siente por el amor a la percusión y a los ritmos latinos. Esto lleva a transformar una letra lírica y cargada de un sentimiento de dolor ocasionado por la muerte, en una gran fiesta de despedida, baile con ritmos de guaguancó y salsa.

El videoclip, dirigido por AP RECORDS, muestra una cinematografía deslumbrante, su gran talento artístico entre escenarios de ríos, cascada y selvas, no sólo develan ante el mundo la biodiversidad de esta perla verde sino el gran sentimiento de orgullo de Evelyn Soto por ser colombiana. Esta canción apasionada, vibrante y colorida mantiene el groove y conecta con el toque vanguardista.

«‘Llora el corazón’ de Evelyn soto feat. Richie flores ya se encuentra disponible en todas las plataformas musicales y con seguridad traerá alegría e inspiración a todos los oyentes y espectadores», comenta la artista.

Bajo la premisa de ‘Evelyn Soto Show’, rinde tributo a la Mujer y el folclor Colombiano, la artista honra la lucha por la igualdad, el respeto y la diversidad, con un enfoque multidisciplinario como cantante, compositora, percusionista, directora y productora musical. Su distintiva fusión de estilos se manifiesta a través de la armoniosa combinación de su voz con la ejecución virtuosa de diversos instrumentos de percusión, entre los que destaca el timbal latino.

«Mi sueño es ser una artista que deje huella en el corazón de las personas y logre traspasar el límite del tiempo, la distancia y la vida misma. Quiero que mi música marque un antes y un después de lo que significa mi existencia y que ese poder de traspasar barreras me permita sonar en lugares que aún ni imagino. Más allá del mismo reconocimiento que pueda tener como una superestrella, hablo de cómo el mensaje de cada una de mis canciones pueda resonar en la vida de quienes me escuchen y nos puedan conectar de corazón a corazón… Quiero amar a las personas con mi música y que sientan que no están solos. Un refugio, un abrazo, una amiga. Entre el llanto y la felicidad», enfatiza Evelyn Soto.

Mira ‘El llamado’, el nuevo lanzamiento en video de Laura Román

Laura Román es una cantautora colombiana con varios años de carrera en la escena musical nacional a través bandas como La Beltek y Durazno. Desde 2020 empezó a gestar su proyecto solista con el deseo de plasmar una visión muy personal de la existencia humana. Sus primeras canciones introspectivas acerca de la esencia de la vida, el amor y la muerte fueron el punto de partida dando origen a los sencillos ‘Recuerda’ y ‘Sin muerte’; siendo este último, el hilo que conectará con el EP que lanzará este 2024, cuyo primer sencillo es ‘El llamado’. Este trabajo discográfico se ha venido creando junto al productor Virgilio Rodríguez.

«La intención de mi propuesta musical es brindar perspectiva y conexión con la vida a través de canciones.  Con mi proyecto quiero enviar un mensaje de que el ser humano tiene dentro de sí una fuerza poderosa que lo sostiene y lo guía a un propósito más elevado», cuenta la artista con influencias del pop y la electrónica en artistas como Chet Faker, Mansionair, Sticky Fingers y The Chemical Brothers, además de géneros como triphop, indietrónica, beats enérgicos y voces seductoras.

‘El llamado’ es el nuevo lanzamiento de Laura Román, una canción que surgió durante la pandemia a raíz de un arreglo de guitarra que se le ocurrió a la artista mientras vivía con sus papás en Bucaramanga y no tenía ni idea qué iba a ser de su vida, después de quedarse sin nada en Bogotá, ciudad que había sido su hogar los últimos 10 años. Primero nacieron los arpegios y acordes en guitarra y luego estos fueron guiando la letra y el mensaje. Habla del reconocimiento de haber estado en un camino destructivo que no ha llevado a ningún lado y que el momento es ahora, para escuchar un llamado interior hacia una mejor versión de nosotros mismos.

‘El llamado’ tiene las armonías y atmósferas un poco oscuras de ‘Sin muerte’, sonidos y synthes electrónicos que se combinan con una voz suave e íntima, acompañadas de beats electrónicos y algo del folclor colombiano en la métrica y los sonidos.

Para Laura Román, «‘El llamado’ es para todos nosotros, para el ser humano que sabe que tiene algo mejor dentro de sí y que la vida es más de lo que nos hemos hecho creer. Es perfecta para escuchar en cualquier momento en el que necesitemos una motivación personal».

El videoclip de ‘El llamado’ es una narración de la historia de la canción a través de imágenes que muestran en un diálogo personal y con el entorno. Se hizo de manera espontánea mientras Laura Román estaba de viaje en Londres. Su pareja la grabó con el celular en diferentes locaciones de la ciudad y algunas otras en Brighton, una ciudad de playa y mar. Fue un clip muy natural sin mucho guion, más con el deseo de plasmar las emociones que la artista sentía de la canción.

‘El llamado’ es parte del EP ‘Día Cero’, un trabajo que refleja el camino de vida de Laura Román, los aprendizajes y el entendimiento de este punto del camino en el que está. También es su primer trabajo en solitario por lo que denomina este proceso como «un reinicio personal».

‘Día Cero’ estará conformado por cinco canciones, entre ellas ‘El llamado’ y ‘Sin muerte’, además de tres nuevas canciones que llevan esa atmósfera de introspección y búsqueda personal de la verdad de la existencia.

«Será un viaje de construcción de significado interior», puntualiza Laura Román.

«La principal expectativa que tengo con este proyecto es poder expresar mi visión artística sobre la vida con comodidad y honestidad. Quisiera brindar a los que escuchen mi música un espacio de conexión personal y esencial con la vida», concluye la artista colombiana.

Escucha ‘El llamado’ de Laura Román en tu plataforma musical favorita https://bfan.link/el-llamado

De La Kaye, desde Perú, lanza ‘A ritmo de la noche’ y ‘Te voy’

De La Kaye quiere comerse al mundo, aunque el camino independiente es largo y duro. La banda peruana ha logrado lanzar tres sencillos en el primer semestre del año: ‘De La Kaye’ y las nuevas joyas ‘A ritmo de la noche’ y ‘Te voy’ que estarán incluidas en su disco debut. En simultánea, la agrupación se encuentra en una exitosa gira por Lima y algunas ciudades al norte de su país buscando acrecentar su base de seguidores de forma orgánica.

‘A ritmo de la noche’ es un homenaje a Carlos Santana y ese primer acercamiento del rock a la música latina. Jeani Cerna tenía un tema escrito hace muchos años guardado en una carpeta en donde estaba la armonía típica de la música latina y una letra juguetona y sensual sobre lo que sucede después de salir de rumba. La canción explora la guajira rockera y la psicodelia ‘Santanera’ con un pequeño twist moderno de sonidos que provienen de la cumbia y otros géneros. Es una fiesta que empieza bailando suave y pegado y termina en un bote en el mar más rico del mundo sin idea alguna de cómo llegaste ahí.

«El video siempre nos sirve para darle la vuelta a las canciones y que se entienda todo lo contrario. No todas las noches terminan como uno imagina. Josué Zapata es un gran amigo nuestro y le encantó la idea y debemos darle las gracias por su trabajo impecable como director, realizador y editor», comenta De La Kaye.

‘Te voy’ es una canción de flirteo pegajosa cuya letra es un poema escrito hace años con un par de secciones escritas y compuestas en el momento en que la banda desarrollaba las canciones para el primer disco. El tema se desarrolla entre lo más primitivo y básico del reggaetón y va mutando con ritmos afro-caribeños hasta convertirse en salsa. El soneo/rap del final de la canción era en un principio una improvisación de ‘Rumbera’ de Willie Chirinos que el grupo tuvo que cambiar para evitar problemas de derechos de autor.

«Queríamos explorar el reggaetón, pero de manera artesanal y orgánica con poco o nulo uso de samples y beats electrónicos y nos dimos cuenta de que todos los géneros modernos se construyen sobre la misma clave que ha acompañado a Latinoamérica desde la llegada de África a sus costas», menciona la banda. «El video ha tenido mucha aceptación y creemos que quedó claro el mensaje que queríamos transmitir: «todas y todos están invitados a la fiesta, y la vas a pasar aún mejor si te sientes seguro y feliz con quién eres». Quisimos invitar a amigas y amigos que admiramos por su seguridad y orgullo y hacerlos bailar el tema en una pollada (fiesta) organizada por nosotros. Gustavo De La Torre fue el director y es, además, nuestro manager y hermano; y le encantó la idea de la pollada», agrega De La Kaye.

De La Kaye quiere seguir acortando brechas y labrando caminos para que la maquinaria ande sola. La única forma que sus integrantes conocen para crear industria musical en un país que carece de ella es trabajando y haciendo música honesta. De La Kaye va a seguir lanzando música hasta que, por insistencia, los escuche todo Latinoamérica.

«De La Kaye no es para escuchar en un solo momento del día, esta música es tan real como la calle y te lo vas a pasar bien cuando quieras porque no fue nunca una elección, fue la vida que nos tocó. El rock no está muerto, solo está con fiebre latina», concluye De La Kaye.

De La Kaye tiene dos canciones más en cola para lanzar y preparan una colaboración importante una canción que resume el mensaje que el grupo quiere dar. Además, Jeani Cerna (voz y rítmica), Jim Marlow (voz y batería), Blas Núñez (guitarra), Tuto Figueroa (teclados y coros), Miguel Quispe (percusión) y Julio Vargas (bajo) están iniciando la pre-producción de 5 temas más que irán completando el disco.

«Estamos intentando salir de la capital para descentralizar y dar shows en provincias para quienes quieran escucharnos. Creemos que el Perú se gana primero rompiendo la barrera de Lima por persistencia, un reflejo casi poético de la migración de las provincias a la capital. Creemos firmemente que estamos ofreciendo un aire fresco y diferente a lo que dicta el algoritmo que se debe hacer o hacia donde parece ir la industria. Somos seres peligrosos porque no tenemos nada que perder y nuestra arma es la honestidad. ¿Para que seguir la moda, cuando la puedes implantar?», concluye De La Kaye.

Jontre presenta el video de ‘Ma’duro’, una canción divertida y provocadora de afropop latino

Jontre es un artista colombiano apasionado por lo que hace, vive en armonía con su música y la irradia en todos los aspectos de su vida. Es cantautor y productor musical de la ciudad de Medellín, ha publicado cinco álbumes como solista y se encuentra compartiendo nuevos sencillos que harán parte de su sexto disco de estudio. Con sus raíces latinas e influencia afroamericana ha logrado una identidad en el Afropop Latino con sabor caribeño. Sus canciones y su contenido positivo invitan al oyente a bailar y a expandir la alegría en conexión con el universo. Compartir su música y su mensaje para inspirar es su propósito de vida.

La intención de su propuesta musical es inspirar a través de su música con canciones cuyos mensajes sean divertidos, alegres, positivos y conscientes. Sus influencias viajan a nivel de géneros por la música afroamericana, (Afrobeat, Soul, Funk y R&B) ritmos africanos y caribeños (Salsa y Cumbia); y a nivel de artistas por representantes como Alex Cuba, Macaco y Mr. Eazy.

‘Ma’duro’ es el nuevo lanzamiento de Jontre, una canción que nace por su gusto extremo desde niño por el plátano maduro en todas sus presentaciones. La canción explora sonidos afro y latinos, Afropop Latino.

«Una noche me encontraba preparando una receta con plátano maduro y pensé… «tu cuerpo pide maduro» y ahí nació la canción. Además, está asociada con un juego de palabras de doble sentido que la hace entretenida, interesante y divertida, invitando a una chica a compartir mi antojo por el plátano maduro. En un principio ella reacciona con rechazo pensando que le estoy hablando de algo sexual hasta que comprende que solo estoy hablando del plátano maduro, compartiendo finalmente juntos el antojo», comenta Jontre.

Para el video de la canción, Jontre llama a las Ma’duro Lovers, lideradas por la actriz Tatiana López Trujillo, para hacer un picnic y les narra su antojito (el maduro) con situaciones de doble sentido, ellas se sorprenden con las historias y al principio reaccionan con rechazo, pero poco a poco van entendiendo, aceptando e imaginando situaciones divertidas, sensuales con el plátano maduro. Al final, el artista y ellas van de paseo haciéndolo Ma’duro.

El mensaje de la canción es una invitación a compartir entre amigos, a divertirse y a degustar un plato tradicional como el plátano maduro y sus diferentes recetas.

‘Ma’duro’ es una canción para escuchar en cualquier momento del día, si quieres bailar, expandir la alegría y cada vez que estés preparando una receta o estés deleitándote con el plátano maduro», explica Jontre.

‘Ma’duro’ se grabó en Studio en un lugar llamado ‘Experiencia Cuantik’ donde también se realizan eventos de diferentes expresiones artísticas.

‘Ma’duro’ es el segundo sencillo del próximo disco de Jontre, el sexto en su carrera, que estará listo a principios de 2025 que estará compuesto por 13 canciones.

«Quiero seguir expandiendo la comunidad de seguidores en plataformas digitales y redes sociales en Colombia y América Latina. Es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme para tener una alternativa musical diferente a lo que normalmente están acostumbrados, además con un contenido positivo, divertido y consciente», concluye Jontre.

Ocupante presenta ‘Ocelote’, una canción raizal y psicodélica

Ocupante es el proyecto musical en dúo del vocalista y compositor Andrés Suárez y el productor e instrumentista Andrés Morales, quienes logran su identidad sonora indie neotropical al navegar por diferentes universos sonoros musicales como el indie rock, synth pop, indie pop, chill hop y fusiones de percusiones con raíces afro y latinoamericanas.

La intención de su propuesta musical es crear un viaje sonoro, una experiencia que inspire y emocione, que invite al movimiento, a la energía y la reflexión. En resumen, música que se sienta y se experimente a profundidad; por medio de diferentes influencias sonoras que fusionan estéticas y géneros, pero con paletas definidas.

«A través de nuestras canciones queremos enviar un mensaje de vivir más livianos y conscientes, disfrutar de la vida y los diferentes estados emocionales que experimentamos en ciertos momentos, reconociendo la complejidad de las emociones y encontrando belleza en cada experiencia», comenta Ocupante. «Nuestras influencias musicales pasan por la escuela del rock e indie rock, así como artistas conocedores de la síntesis y los sonidos electrónicos elaborados. Hemos explorado con percusiones afro y del folclor colombiano», agrega el dúo.

‘Ocelote’ es el nuevo lanzamiento de Ocupante, remake de ‘Ocelote’ (Felino), una canción que mantiene la esencia respecto a la original, se basa en su mitología y en cómo se relaciona este animal astuto e imponente con la naturaleza. A nivel sonoro, mantiene su color, pero adaptando un beat más pegajoso fusionado con cumbia psicodélica.

«‘Ocelote’ es una exploración sonora que, a pesar de tener una estructura ternaria extraña, contiene mucha riqueza sonora, sonidos étnicos de nuestra cultura latinoamericana y fiesta psicodélica», enfatiza Ocupante.

‘Ocelote’ de Ocupante es un remake que parte de una relación entre Lucas Burgos (La Otra Esquina) y Monstruos del Mañana durante Fimpro 2021, quienes les permitieron trabajar con una de sus canciones. Poseen una propuesta muy firme de su cultura mexicana y qué decir de Lucas quien es un MC con una línea poética fuerte, perfecta para la construcción de esta canción.

‘Ocelote’ es la tercera canción del EP ‘Raizal’ de Ocupante compuesto de 3 canciones. En este trabajo el dúo explora las raíces colombianas de los litorales pacífico y atlántico, fusionando su concepto indietronic con dichos sonidos étnicos. En sus letras, el oyente se encontrará con historias de cotidianidad, relaciones, amores y desamores.

Ocupante hace parte de Grabaciones Tierranegra, un sello de músicas alternativas colombianas de la ciudad de Medellín con sonidos que van desde el folclor colombiano hasta las músicas electrónicas. El sello lleva desde 2015 publicando constantemente discos de diversos artistas y desarrollando proyectos como La Siembra (2023) con canciones de artistas colombianos alternativos inspiradas en la naturaleza y el medio ambiente.

Según Ocupante, «Este año estamos fortaleciendo el live set y seguimos enfocados en los lanzamientos, insumos iniciales para la posterior creación sonora en la que estamos centrados».

«Nuestras expectativas están dirigidas a dar a conocer un sonido que se transforma, pero que al mismo tiempo es atemporal, buscando que las personas se dejen ocupar con nuestra sonoridad y letras, que sean también ocupantes de nuestro viaje y descubran la calidad y diversidad musical que tiene Colombia para ofrecerles», concluye el dúo.

Clara Yolks le canta al amor a distancia en tiempos digitales en ‘Videocall’

Clara Yolks es una artista peruana multidisciplinaria que explora diversas vertientes además de la música, como el dibujo en el que hace cómics, la poesía y la danza. Es una cantautora ecléctica a la que le gusta experimentar diversos géneros musicales como pop alternativo, electrónica y lo-fi con una base de rock pop. Actualmente se encuentra volviendo a sus raíces rockeras presentes en algunas canciones de su primer disco y algunos singles recientes.

La música de Clara Yolks se caracteriza por su autenticidad, buscando conectar con su público de la mejor y más real manera posible, generando un espacio seguro para toda su audiencia.

«Además de expresar lo que siento, trato de generar un abrazo sonoro o un puente de comunicación que pueda hacer sentir comprendido a alguien que quizás no encuentra donde calzar sus emociones», comenta la artista con influencias musicales actuales de Remi Wolf, Benee, Willow, Julieta Venegas, Zoe Gotusso y Girl Ultra.

‘Videocall’ es lo nuevo de Clara Yolks, es una canción hecha en colaboración internacional con Billy Miamor, artista mexicano de Monterrey. Habla sobre el amor a distancia en tiempos digitales.

Es una canción pop rock que empieza dulce, con una guitarra acústica y luego se introduce al pop rock. Hay elementos lúdicos de un vidrio roto, voces como si estuviesen en una llamada, notificaciones y más. Es una conversación entre Billy y Clara. Tiene influencias de Clairo, Still Woozy, Snail Mail, Sen Senra y Amaia.  Fue producida por Billy Miamor en Wordwide y coproducida por Edwin Black en The Glass Studio.

«El concepto se centra en esa sensación en la que sientes que al fin encontraste a alguien que es compatible contigo, pero vive al otro lado del mundo y existe la angustia del no saber qué pasará luego», agrega la artista peruana.

Clara, su mánager Maw y Billy se reunieron en el estudio de Worldwide en Monterrey (mismo en el que graban artistas como Bruses, Nsqk, Ivanna, entre otros) abrieron sus corazones y hablaron sobre lo cruel que puede llegar a ser el amor. Los tres estaban pasando por situaciones similares en las que Clara englobó «¿Por qué es tan cruel el amor?» y empezaron a trabajar la canción cuya portada fue realizada por Alejandra Cuack.

‘Videocall’ comenzó como un tema pop, producido por Billy Miamor en el que Clara Yolks tocó bongos y la guitarra del inicio. Había sonidos extradiegéticos como vidrios rompiéndose a modo de corazones rotos y sonidos del celular como si fuese una videollamada. Luego de algunos meses, al revisitar la canción, se decidió continuar la producción con Edwin Black e incursionar más en sonidos rockeros sin perder la base pop, además efectos como el desconectarse de la videollamada.

El video de la canción tiene como protagonista una pareja, representada por Clara Yolks y Billy Miamor, autores de la canción, que tienen una relación a distancia en tiempos digitales. Esta se va deteriorando con el tiempo y ese desprendimiento emocional se ve representado en la «mala señal» de la videollamada que los une hasta que uno de los personajes se vuelve un glitch (error).

El video de ‘Videocall’ fue dirigido por Ivanna León y Clara Yolks, la dirección de fotografía estuvo a cargo de Matías Wong, la dirección de arte por Jesús Aldana, contó con la asistente de arte Tayna Mujica, el asistente de iluminación Diego Rosado, la edición de Ivanna León, la post producción de Matías Wong e Ivanna León con el apoyo de la productora de Matías Wong, Patio @patio.av. En el clip también se contó con la participación del equipo de Honey, disquera de Worldwide a la que pertenece Billy Miamor en Monterrey, México.

Para Clara Yolks «siempre es buen momento para darle un abrazo a tu corazón con mis canciones. ‘Videocall’ es perfecta para escuchar en la noche cuando te preguntas «por qué es tan cruel el amor» como dice la canción».

‘Videocall’ hace parte de ‘Mar adentro’, el segundo álbum de estudio de Clara Yolks en el que están presentes algunos singles lanzados entre finales de 2023 e inicios de 2024 como ‘Perdón amé’, ‘Límites’ e ‘Inquilino’. Todas estas canciones invitan a introducirse al universo interno de Clara y su mar de emociones.

Durante los próximos meses, la artista peruana realizará nuevas colaboraciones con proyectos mexicanos y ultima detalles de su nuevo disco que complementa la narrativa actual de Clara, ofreciendo una experiencia sonora en donde juega con distintos géneros, pero siempre manteniendo la esencia del proyecto.

«Traigo una nueva y fresca propuesta que conecta de una manera especial con mi público, tengo un club de fans llamado La Familia Yolks en el que comparten entre sí actividades más allá de escucharme y apoyarme. Buscamos reforzar relaciones en Latinoamérica, sobre todo en México y Colombia, sin dejar de lado a Perú, manteniéndome auténtica a mi proyecto y mi personalidad. La idea de viajar gracias a mi música es un sueño del que no me quiero despertar», concluye Clara Yolks.

Aldeano de Neptuno presenta ‘Carreteras a media noche’, una canción reflexiva e introspectiva

Aldeano de Neptuno es el proyecto solista del músico, compositor, productor y multi instrumentista colombiano Juan Cuadros. La propuesta de R&B Alternativo nace en el año 2020, en medio de la pandemia, período durante el cual el confinamiento brinda a Juan la oportunidad de sumergirse en la exploración de diversas sonoridades. Este tiempo le permite no solo encontrar su voz como artista y compositor, sino también desarrollar un universo sonoro distintivo al componer las primeras canciones de su proyecto.

La esencia de su propuesta musical radica en contar historias y vivencias que resuenen profundamente con el público. A través de sus canciones, busca establecer una conexión emocional con los oyentes, utilizando la música como un medio de expresión y catarsis.

‘Carreteras a media noche’ es el reciente lanzamiento de Aldeano de Neptuno, una canción profundamente arraigada en una experiencia personal del artista. La canción explora el sentimiento de volver a transitar por lugares que evocan recuerdos de una persona que ya no forma parte de nuestra vida. A través de una nostálgica melodía, la letra invita al oyente a reflexionar sobre la complejidad del amor y el proceso de dejar ir. Es una obra que aborda de manera conmovedora el tema de la nostalgia, recordándonos que, a veces, el crecimiento personal implica aprender a seguir adelante.

‘Carreteras a media noche’ explora sonoridades del RnB y el Soul de los años 2000s acompañadas de baterías de hip hop y ritmos latinos como el bossa nova en los coros. La canción fue mezclada por Daniel Cortes, ganador de premio Grammy y fue producida por Christofer, productor del último trabajo de Manuel Medrano y Rawayana.

El video de ‘Carreteras a media noche’ nos sumerge en un viaje solitario e introspectivo a lo largo de los caminos que alguna vez recorrimos con esa persona en el pasado. En esta odisea visual, el personaje principal, encarnado por Aldeano de Neptuno, se embarca en un recorrido reflexivo a bordo de su automóvil, navegando por las carreteras que alguna vez estuvieron impregnadas de recuerdos compartidos. A medida que avanza, la cámara captura cada mirada perdida y cada suspiro de nostalgia, transmitiendo la complejidad emocional de dejar atrás el pasado mientras se enfrenta al presente y al futuro con valentía.

El video tiene un estilo aesthetic de la primera década del 2000s y fue grabado con una cámara análoga y otra handycam digital que da esa textura granulada de esta década.

«Es una canción perfecta para esos late night drives, para reuniones con amigos y para esos momentos de soledad e introspección», comenta Aldeano de Neptuno.

‘Carreteras a media noche’ es el primer sencillo del álbum debut de Aldeano de Neptuno titulado ‘Hotel Neptuno’, un disco conceptual que invita a la reflexión sobre la nostalgia, el amor y la lucha interna, ofreciendo una experiencia auditiva única en cada canción. El álbum saldrá en 2025 y contará con 11 canciones.

«Este trabajo nos sitúa en el mítico Hotel Neptuno, un lugar atemporal plagado de fantasmas del pasado los cuales nos retarán a enfrentar nuestros miedos y deseos más oscuros», agrega el artista.

Con este proyecto del ‘Hotel Neptuno’, el Aldeano de Neptuno busca posicionarse a nivel nacional e internacional como uno de los artistas que llevan la batuta de nuevas propuestas independientes. Crecer en números, audiencias y oportunidades de tocar en nuevos escenarios de Colombia y Latinoamérica. «Como artista independiente, el Aldeano de Neptuno ofrece una perspectiva única de RnB alternativo. Su enfoque creativo y su estilo distintivo pueden atraer a oyentes que buscan algo fresco y diferente en la escena musical. A través de su música, el Aldeano de Neptuno comparte historias íntimas y experiencias personales que pueden resonar con los oyentes. Su capacidad para transmitir emociones auténticas y profundas puede crear una conexión poderosa con la persona que se dé la oportunidad», concluye el artista.

Una noche en Bogotá estrena ‘Lugar’, una canción de esperanza, libertad y pasión

Una noche en Bogotá es una banda colombiana de indie rock alternativo que nace en el 2022 conformada por Gio Calderón (voz principal y guitarra rítmica), Carlos Polo (bajo), Darío Fernández (guitarra líder) y Nicolás Villamizar (batería y secuencias). El grupo se funda por la necesidad de encontrar un proyecto basado en el amor por la música y el deseo de crear sonidos que cautiven los exigentes oídos de la audiencia en la actualidad. Sus integrantes conciben la banda como una empresa en donde cada uno cumple un rol específico además de la interpretación musical.

La intención de la propuesta de Una noche en Bogotá es crear música que el público y la banda disfruten escuchar, mezclando los diferentes géneros y gustos musicales de cada integrante, logrando así, una identidad como grupo y un reconocimiento dentro de la industria.

«Queremos que nuestra música mueva emociones en las personas. No queremos definir un mensaje como tal, ya que nos encanta que el público interprete cada canción desde su punto de vista, pero es evidente que lo que queremos lograr con nuestras canciones es que, a través de ellas, se permitan liberar los diferentes tipos de sentimientos que tenemos como seres humanos; es decir, que el público se desahogue, libere, se alegre, tenga esperanza y vuelva a vivir o enfrentar la vida desde otro punto de vista», comenta Una noche en Bogotá cuyas influencias musicales viajan por el rock, indie, pop, metal, hardcore, punk rock y britpop.

‘Lugar’ es el nuevo lanzamiento de Una noche en Bogotá, es una canción que habla de la forma en como vemos y afrontamos la vida que muchas veces se vuelve monótona, dentro de una sociedad donde para muchos valen más las apariencias y en donde la información es demasiada, pero no hay certeza de nada, haciéndonos olvidar que las oportunidades siempre estarán ahí y es solo decisión nuestra tomarlas o dejarlas pasar. Transmite esperanza y lo que significa para Gio el hacer parte de UNB, siendo en este momento su mayor apuesta y su conexión con la libertad y su pasión, la música.

‘Lugar’ explora sonoridades pop rock con sonidos alternativos y frescos, tiene distorsiones no muy pesadas con guitarras pronunciadas, sobre todo en la guitarra líder donde se identifica esa influencia del rock de los 2.000 mezclada con el shoegaze actual.

El video de ‘Lugar’ de Una noche en Bogotá lo protagonizan sus integrantes y se filmó en la ciudad donde se formó la banda. El concepto del video se basa en mostrar la ciudad y varios de sus lugares más reconocidos para pasar ‘Una noche en Bogotá’. El registro se hizo durante un performance de la banda en una terraza donde tienen de fondo la ciudad y lo alternaron con un stop motion de fotos de los músicos de espalda recorriendo estos lugares frecuentados en la capital.

‘Lugar’ es el tercer sencillo de Una noche en Bogotá después de ‘Cicatrices’ y ‘Brújulas’. Estas canciones estarán incluidas en el disco debut del grupo que se lanzará a final de año.

«Lanzaremos el álbum completo a final de este año y tenemos pensado grabar un Live Session y de ahí sacar videos y posiblemente algunas canciones del álbum en vivo», cuenta la banda.

«Nuestra expectativa es vivir un par de minutos en el día a día de las personas, en donde podamos mover alguna emoción sin importar cuál, en que podamos transportarlos a recuerdos o futuros imaginados. Creemos que tenemos un sonido característico que a pesar de ser influenciado por muchos géneros tiene su propia identidad y es un poco distinto de lo que está actualmente en el Mainstream tanto local como latinoamericano. Nuestra propuesta puede trascender de una manera adecuada y hemos recibido muy buen feedback de medios en Latinoamérica y esperamos que siga así este crecimiento en la región», concluye Una noche en Bogotá.

Ciudad Vorágine muestra su evolución y metamorfosis en su disco debut ‘Entropía’

La banda colombiana de indie rock alternativo Ciudad Vorágine está de vuelta con nueva música para todos sus seguidores en Colombia y Latinoamérica. Se trata de su primer álbum de larga duración ‘Entropía’, un trabajo que refleja la evolución y madurez del grupo en los últimos años.

El concepto del disco ‘Entropía’ se desarrolla a partir de la idea de evolución y metamorfosis, ligando la evolución de la banda musicalmente con los procesos propios del ser humano de crecimiento y transformación; tocando temáticas como la frustración, el amor, el desamor, el deseo y la necesidad de salir adelante de situaciones difíciles a partir de la fuerza de voluntad.

«El álbum es un viaje en sí mismo, una oda a la juventud y sus formas de explorar el mundo, aún si ya se pasó esta juventud o si apenas viene en camino. Cada una de las canciones y sus temáticas aplican para cierto momento de este viaje. El mensaje que enviamos con este trabajo es de liberación, constante cambio y atrevimiento para afrontar los cambios que entrópicamente se avecinan sin avisar», comenta la banda conformada por Santiago Villegas (El Santi) en la voz, Alejandro Silva (Bob) en la guitarra y los coros, Jhon Vargas (Jhonas) en la guitarra, Camilo Velásquez (Camello) en el bajo y Alejandro Muñoz (Cucho) en la batería.

‘Entropía’ es un disco muy técnico musicalmente. En el EP anterior, Ciudad Vorágine se sumergió en el mundo de los efectos de modulación y repetición desde las guitarras, pero para este nuevo trabajo, la banda se atrevió a replantear estructuras y conceptos armónicos, usando poliacordes, cambios de métricas, arreglos corales, instrumentación orquestal combinados con sonidos modernos como loops, samplers, sintetizadores y demás que permiten presentar una sonoridad particularmente diferente en la escena actual indie y alternativa.

‘Entropía’ de Ciudad Vorágine hace reflexiones del pasado en ‘Desorbitado’, habla del crecimiento a partir de los errores en ‘Micropunto’, se apropia de los instintos en ‘Intención volátil’, le canta a la dualidad entre estar mal y sentirse mal en ‘Ruinas’, a una situación trascendentalmente cotidiana en ‘Lofi’, a la ansiedad por cosechar lo sembrado en ‘Desierto tropical’, al deseo y al misterio en ‘Cálido secreto’, a la ansiedad y el frenesí en ‘Torbellino’, al reconocimiento del valor propio en ‘Antídoto’ y cierra el disco haciendo una descripción cinestésica de un viaje en ‘Hongo del sol’.

«Es un álbum que se puede escuchar en cualquier momento del desarrollo de la vida, dejando reflexiones, preguntas y resignaciones a las diferentes situaciones del camino, tanto para quien entra con dudas de la juventud como para los que ya están en su adultez. El disco plantea reflexiones profundas que al mismo tiempo acompañan al oyente en las diferentes situaciones de la cotidianidad, permitiendo que se identifique con las canciones y las convierta en parte de su proceso», menciona el grupo.

El 27 de julio, Ciudad Vorágine realizará el lanzamiento oficial del disco con un show en vivo en Indie Universe junto a grandes artistas de la escena local independiente de Medellín que refuerzan la identidad callejera del grupo y su versatilidad en cuanto a los sonidos y estéticas locales que alimentan su exploración artística.

«Queremos seguir posicionando a la banda dentro de la escena nacional, a partir de la presentación de un trabajo conjunto desde lo sonoro y lo visual, enlazando conceptos como lo anaglifo, con las dualidades sonoras y líricas que presenta el álbum, dejando un concepto sólido y claro sobre la estética de la banda. Todo esto será materializado en diferentes shows en vivo que permitirán que no solo ampliemos las fronteras, sino que el público colombiano y latinoamericano también disfrute de este proceso», concluye Ciudad Vorágine.

Myuras debuta con ‘Versión de mí’, una canción introspectiva de reinvención

Myuras es un proyecto conformado en 2022 por tres músicos hermanos: Emanuel, Hans y Sebastián Gamarra, quienes cuentan con más de 10 años de experiencia en la escena alternativa del caribe colombiano, participando en varios proyectos importantes de la región. El grupo se compone de las vivencias de sus integrantes y el gusto y la química por tocar, con letras cargadas de anécdotas sobre el desamor, la amistad y las ganas de reinventarse.

Apasionados por la música desde temprana edad, los hermanos Gamarra, aprovechando el vínculo fraternal, logran sincronizar sus destrezas en una puesta en escena única que transmite emoción y ritmos de pop rock latinoamericanos que conmueven al público, generando una química única sobre el escenario y fusionando la esencia del pop con su espíritu rockero, el cual ha sido moldeado a lo largo del tiempo por su amor hacia este estilo de vida.

«Myuras nace del sueño de nosotros como hermanos de mostrar nuestra forma de componer, tener un espacio libre donde podamos mostrarnos con fraternidad y camaradería, y que nuestras ideas puedan reinventar la música rock/pop caribeña, utilizando los sonidos contemporáneos presentes en la escena latinoamericana», comenta el grupo con influencias de bandas como Los Mesoneros, Arawato, Diamante Eléctrico, Arctic Monkeys y 5 Seconds of Summer.

‘Versión de mí’ es el sencillo debut de Myuras, una canción que aborda el tema de la autoaceptación y las máscaras que a menudo usan las personas en las relaciones. Es una reflexión sobre los errores pasados de sus integrantes y cómo, a pesar de aparentar estar bien, en realidad estaban engañados y encerrados en una situación insatisfactoria.

‘Versión de mí’ explora una fusión de beats disco de los años 80 (Michael Sembello, A-ha) con melodías construidas desde una base pop y distorsiones características del blues rock. La intención de la agrupación fue crear un sonido introspectivo y enérgico, pero manteniendo un beat persistente en casi toda la canción.

«A veces hay que reconocer que no somos la combinación adecuada y que está bien estar solo. Concluyendo que la mejor versión de uno mismo es aquella en la que puede ser honesto consigo mismo, incluso si eso significa estar solo», agrega la banda.

El video de ‘Versión de mí’, dirigido por Emanuel Gamarra, tiene como concepto «el viaje del cambio» de ir a un punto A de una forma hasta llegar a un punto B donde el ser humano es distinto a lo que era cuando llegó.

«Fue un video muy retador a la hora de producir, ya que las grabaciones en exterior son difíciles. Escogimos como locación unas playas hermosas en Santa Verónica, Atlántico, con un increíble viento alisio. Quisimos que el clip se enfocara en nosotros, ser sus únicos protagonistas, también para dar un mensaje de reinvención de nosotros mismos», menciona Myuras.

‘Versión de mí’ es el primer sencillo de su EP debut homónimo ‘Myuras’ que consta de 3 canciones, el cual fue grabado y producido en la ciudad de Barranquilla en Mala Hora Studios y fue mezclado por Carlos Imperatori (Arawato, El Cuarteto de Nos, BTS, Los Mesoneros) de Custom Shop Studios en Miami, Florida. Además, fue masterizado por Reuben Cohen (Queens of the Stone Age, Pharrell Williams, Bruno Mars) de Lurssen Mastering en Burbank, California.

El EP, descrito por los integrantes de Myuras como «un trabajo muy personal que escribimos como hermanos, valiéndonos de todo lo que aprendimos estos años alejados de las tarimas», se lanzará en agosto de 2024. El grupo también prepara su primer Live Session.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Myuras en Colombia y Latinoamérica porque muchas veces preguntan sobre la música pop de Barranquilla, sus referentes más grandes, pero también queremos mostrar que la música alternativa e independiente tiene cabida en una región costera donde sabemos que es fuerte la música tropical, pero es una invitación a dejarse enamorar de otros sonidos del caribe», concluye el grupo.