Los artistas Mc Car y Kevin Florez, presentan el sencillo ‘El Manicomio’, que se perfila como el nuevo éxito de la champeta colombiana por esa magistral interpretación.
Con este lanzamiento, el reconocido cantante cartagenero Mc Car sigue sorprendiendo a la audiencia musical por su estilo particular de cantar y conectar con la gente.
Mc Car junto a Kevin Florez, se proyectan con este hit para estar en los primeros lugares de los listados musicales porque ‘El Manicomio’, tiene esa locura rítmica que invita a bailar y a gozar.
En la actualidad Mc Car es uno de los artistas cartageneros que pasa por su mejor momento, escalando posiciones y consolidándose entre los favoritos del género llegando a la gente con su talento y carisma.
Luego de lanzar canciones exitosas como; ‘La Cartelua’, ‘El Pintor’, ‘Deseo Insaciable’, ‘La Silla’ y un sin número de sencillos que siguen siendo bandera en su carrera musical, en esta ocasión sorprende a sus seguidores con más música, de la mano del rey de la champeta urbana, Kevin Flórez.
‘El Manicomio’ es una canción dedicada a ese despecho que una persona difícilmente puede superar.
Es un sencillo del género de la champeta fusionado con afro, producida musicalmente por Kevin Terán y Dayber José Torres.
La canción es de la autoría de Mc Car y Dayber José Torres y cuenta con un video oficial filmado en La Boquilla en Cartagena con la dirección de Andrés Herrera y su equipo audiovisual Exofilms.
‘’Mi objetivo con esta canción es mostrar las fusiones que podemos hacer con nuestro genero champeta que es muy rico en sonido, esta vez le incluimos afro y lo más importante seguir dándole buena música a nuestros seguidores”, puntualizó Mc Car.
Después de dar a conocer temas como ‘En el cora’, Si tú vuelves’, ‘Niegalo todo’, entre otros, la artista ecuatoriana Rossanna presenta su sencillo ‘Afligida’, tema que habla sobre la doble traición que recibe una persona al ser engañada por su pareja con alguien cercano a la relación.
Este sencillo, producido por Cadena Records y KatoDrums, fue compuesto por Rossanna en un momento en el que se sintió impotente y como su título lo dice afligida, al ver como una aparente infidelidad que se viralizó en redes sociales, puede darle un giro inesperado a la vida de las personas involucradas.
«Por medio de mis redes sociales, uno de mis fans me contó una historia sobre la infidelidad de su pareja, y como está lo había engañado con su amigo, horas más tarde se conoce a la luz pública la historia de un famoso cantante quien presuntamente se ve involucrado sentimentalmente con una de las amigas de su pareja, la cual se había declarado “fan de su relación”, al ver esta coincidencia con la historia de mi fan, me llegó a la mente el tarareo de esta melodía que decidí volver en canción”, aseguró Rossanna.
El video de este sencillo contó con la dirección de Mauw Guevara, de EME FILMS, y se rodó en una fonda de la ciudad de Medellín, mientras Rossanna presentaba uno de sus shows.
“Más que una historia, este video muestra la energía y la conexión que genero con el público en mis shows. Me encanta transmitir y mostrarme tal y como soy, y quiero que vean como es la experiencia y el sonido de un show de Rossanna para que me acompañen en la gira que viene por todo Colombia”, indica Rossanna.
Para el segundo semestre del año, Rossanna, planea dar una serie de shows por todo el territorio Colombiano, donde además espera dar a conocer algunas colaboraciones con artistas latinoamericanos.
Fear the world es una canción que pretende generar conciencia sobre el sistema moderno de control en el que vivimos los seres humanos, el cual aceptamos sin cuestionarnos bajo el efecto anestesiaste de “la realidad”. Es un sistema que te adormece y se lleva tu vida con situaciones de control, como el trabajo, la religión, las convenciones sociales y hace que pierdas tu libertad sin que te des cuenta de ello. Es silencioso y está en guerra contra nosotros, para que la mayoría sigamos ciegos, favoreciendo a unos pocos en las sombras. Es un mundo al que hay que temerle.
Después de haber publicado el sencillo ‘Ocelote’ y de haber tenido un positivo impacto en redes sociales, plataformas musicales y medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica, el dúo musical Ocupante, conformado por el vocalista y compositor Andrés Suárez y el productor e instrumentista Andrés Morales, presenta su nuevo EP ‘Raizal’.
El EP ‘Raizal’ es una exploración sonora de los sonidos colombianos, sus raíces e influencias principalmente de los litorales pacífico y atlántico, donde el proyecto Ocupante realiza fusiones de sus influencias sonoras con percusiones afro latinoamericanas.
«Queremos expresar con sonidos nuevos que nuestra cultura está más viva que nunca, que las raíces son nuestra mayor fortaleza y que puede ser escuchada en otros géneros musicales no tradicionales», comenta el dúo. «Queremos enaltecer los sonidos locales por medio de exploraciones que parten desde nuestra esencia sonora con historias cotidianas del ser humano de su trasegar como seres individuales y también en sus relaciones diarias», agrega Ocupante.
‘Raizal’ de Ocupante explora percusiones y cantos afrolatinos, riffs caribeños, marimbas, entre otros elementos de las raíces colombianas mezclados con síntesis, secuencias y el sabor indie con el que el ocupante ha venido creciendo a través de los años.
Tres canciones le dan vida al nuevo EP de Ocupante: ‘Ocelote’ denominada una cumbia psicodélica, ‘Malamores’, una canción con sabor a Palenque y ‘Dualidad’, una historia entre amores y odios.
Según Ocupante, «‘Raizal’ tiene muchos matices que pueden disfrutarse en una fiesta, en el carro, en una reunión con amigos, en un bar o en un restaurante. Realmente, es un trabajo que tiene un enfoque multi generacional que se adapta a muchos espacios y ocupa diversos moods».
‘Malamores’ es el lanzamiento en video con el que viene acompañado el EP ‘Raizal’ de Ocupante. La canción parte de la investigación de los sonidos de San Basilio de Palenque donde el dúo ahondó en sus percusiones, historias y cantos de los nativos que contienen una sonoridad única y melancólica, pero al mismo tiempo tienen mucho amor por lo propio y por sus raíces.
Los cantos de Sikito (el que curaba el mal de amor), un curandero de la comarca, compositor y cantante de bullerengues a quien Julio Azar le realizó un documental donde cuenta su historia, son el insumo inicial para componer esta canción que contiene una mezcla de español con Palenque; lengua criolla de las Américas que combina una base léxica española con las características gramaticales de lenguas bantúes.
El video de ‘Malamores’ fue realizado en la Laguna de Ayapel, Córdoba, fue dirigido por Daniel Gil y su equipo audiovisual (Prolatina, Horizont Films, Malicia cine) quienes venían realizando un documental en la zona de los pescadores nómadas, comunidades que se desplazan entre diferentes islotes de la laguna dependiendo del nivel en el que se encuentra la laguna. Su equipo y Ocupante unieron fuerzas para realizar un videoclip que, aunque no está en la localidad de Palenque, contiene un color y un guion hermoso, perfecto para hacer click entre las tomas y la canción.
«Queremos ser reconocidos como una propuesta única y fresca que realiza un perfecto balance entre nuestra sonoridad base que es el indie electrónico con las raíces colombianas y afrolatinas. Queremos llegar con este trabajo a muchas ciudades del país y de América Latina con nuestro live set en vivo para que puedan cantar, bailar y disfrutar nuestra propuesta», enfatiza el dúo.
Ocupante trabaja incesantemente por dar a conocer su propuesta en varios territorios, de igual manera, espera llevar en los próximos meses su show a diferentes escenarios musicales en Bogotá, Pereira, Cali, Bucaramanga, Barranquilla y Santa Marta para que estas audiencias conozcan su propuesta en vivo y vibren con ella.
«Traemos un sonido diferente, con mucha exploración y fusiones sonoras, pero al mismo tiempo muy digerible, perfecto para tener en todas las playlists de los escuchas», concluye Ocupante.
Ricardo Pita es un viajero, nómada, caminante, amante de la vida, la naturaleza y la música. Una persona que propone unión, igualdad y reflexión, pero con ligereza y buen ánimo. Un contador de historias a través de canciones que conecten, comunique y que lleven mensajes de unión. A través de su propuesta, el músico ecuatoriano busca crear conciencia y decirles a los locos, a los alienados y a los reprimidos del mundo que no están solos.
Ricardo Pita creció en un hogar rodeado de mucha música en la que al mismo tiempo se escuchaba folclore y rock. Esa fusión y mezcla de ritmos se hace muy presente en toda su música. La influencia principal de su música son los viajes, las carreteras, la naturaleza, la gente y las comidas de cada ciudad visitada. Las luchas y las voces silenciadas. El humanismo como bandera.
«Me gustaría que quienes me escuchan sientan que son parte de algo. Que encuentren en mi música un espacio donde son bienvenidos. Me gustaría lograr que despierten, que dejen de aceptar lo que el convencionalismo nos propone como norma. Entregarles un mensaje potente, que los haga reflexionar, al mismo tiempo que divertirse y querer cantar a todo pulmón», comenta Ricardo Pita.
‘Tanto’ es el nuevo lanzamiento del músico ecuatoriano Ricardo Pita, una canción que habla de la necesidad de migrar e ir a buscar un futuro mejor teniendo que dejar atrás tu gente, tu vida, para luego encontrarse lejos, añorando regresar. Al mismo tiempo, el coro dice que todo el recorrido, todo lo caminado, lo bueno y lo malo te ha llevado a ser quién eres. Todo es aprendizaje.
La letra de ‘Tanto’ narra la historia de un migrante que, en su camino, por más que esté lleno de dificultades, también encuentra muchísimas alegrías y aprendizajes. La canción tiene una mezcla de ritmos que llevan al oyente por un paseo que viaja por África, ritmos latinoamericanos y tropicales. La idea es que las personas sientan el viaje que trajo esos ritmos africanos a ser arraigados en el continente americano. Beats volcánicos electrónicos.
«La música la empecé a hacer en la playa de Ipanema en Río, pero la historia de la letra es otra. En 2019 tuve una experiencia que me marcó mucho yendo por primera vez hacia México, país al que prometí no ir hasta tener un show de peso y así fue. Me invitaron a participar en un festival junto a Caetano Veloso, Natalia Lafourcade, Kevin Johansen, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, algunos de mis más grandes referentes en la música. En el aeropuerto fui llevado sin razón alguna a un calabozo con condiciones inhumanas, donde estaban hacinadas personas de muchas nacionalidades. Algunos llevaban varios días ahí. Pude experimentar de primera mano el abuso del poder de las personas de migración quienes maltrataban a la gente con golpes e insultos. Había una desinformación total del por qué estábamos ahí y cómo se solucionaría. Al mismo tiempo que veía la crueldad pude evidenciar el poder del espíritu humano y la bondad de la que somos capaces. La gente ahí encerrada se olvidaba de sus propias preocupaciones por ayudar e intentar tranquilizar a los nuevos que iban llegando, compartiendo la poca comida que se tenía. Pronto nos habíamos hecho buenos amigos. Escuché muchas historias de lucha, de gente que venía dejando su vida atrás para buscar una mejor oportunidad y darle un mejor futuro a sus familias», enfatiza Ricardo Pita.
El video de la canción es una bitácora de los viajes del nómada, protagonista de la canción, quien vive entre terminales y aeropuertos, y todas las alegrías y añoranzas que el viaje conlleva. A la vez, se muestra información sobre la migración a través de los años.
«Quiero crear un mensaje de empatía por nuestros hermanos latinoamericanos que luchan a diario lejos de sus familias, por buscar un mejor mañana. Al mismo tiempo está el mensaje de saber reír ante el infortunio, de no dejarse abatir por los problemas, de darle buena cara al mal tiempo y de poder controlar cómo reaccionamos ante las adversidades», puntualiza el artista ecuatoriano.
‘Tanto’ es el primer sencillo del nuevo disco de Ricardo Pita, donde hace un giro bastante notorio de su sonido anterior. Su cuarto álbum de estudio, que se lanzará a finales de agosto, es un trabajo en donde incorpora sonidos de música electrónica. Los beats volcánicos y los sintetizadores llevarán la base de las canciones.
Según Ricardo, «el disco narrará la experiencia latinoamericana. Es una mirada a todo lo que nos aqueja como sociedad ante los malos gobiernos y todo lo que nos puede ser arrebatado en un segundo, haciéndonos reflexionar de lo que es realmente importante: la familia y la unión. Al mismo tiempo, refleja lo que nos caracteriza como latinos, la alegría ante la adversidad. Nunca dejarnos abatir por lo que no podemos controlar, invitándonos a levantar la voz y hacernos escuchar».
«Es un momento importante para despertar. Vivimos en una sociedad que acepta como norma que debemos consumir y alimentar a ese monstruo que hoy llaman algoritmo y que nadie está buscando otras opciones de cómo conectarse con los demás. Nos tienen controlados y como humanos deberíamos intentar revolucionar y romper ese ciclo. No adaptarnos. Es hora de que Latinoamérica despierte como lo están haciendo sus volcanes», concluye Ricardo Pita.
Alé Kumá es un proyecto que comenzó como una banda, pero después se convirtió en el pseudónimo de Leonardo Gómez Jattin, destacado Dj y productor colombiano de música electrónica e integrante fundador del proyecto Cumbiáfrica.
Alé Kumá significa «Encuentro, unión sin ruptura», conceptos y filosofía que esta propuesta de música electrónica conserva desde sus inicios con el firme propósito de generar conexión entre culturas diversas en función del arte.
Como antesala a su cuarto álbum de estudio, Alé Kumá presenta ‘La verdolaga’, un bullerengue tradicional de la costa colombiana, la canción habla de una planta medicinal que se llama la verdolaga. Totó la Momposina hizo popular esta canción y recientemente su versión se ha hecho viral en redes sociales.
«Hace poco nos reunimos en un estudio de grabación en Frankfurt con el Dj y productor alemán Simon Fava y el productor italiano Yvvan Back, y decidimos hacer una versión electrónica de esta canción tradicional», cuenta Alé Kumá.
Además de los sintetizadores y los sonidos electrónicos, la canción tiene gaita y tambor alegre colombiano. Cuenta con la participación de la cantante africana Lauren Nguema, quien hizo una gran interpretación de la canción; ella es de Guinea Ecuatorial y habla español como lengua materna, pero también habla otras lenguas de origen bantú y ese acento que ella conserva de sus lenguas tradicionales africanas, le dio una magia especial a la canción.
«Siempre me ha gustado hacer música para bailar, para alegrar el espíritu. La Verdolaga es medicina para el alma, y creo que cualquier momento del día y de la semana es oportuno para escucharla, ya sea en un viernes de rumba o en un domingo de descanso», agrega el artista colombiano.
‘La Verdolaga’ está incluida en el disco ‘Puro Tambó’, una producción de once canciones que Leonardo hizo junto al tamborero Abelardo Jiménez, uno de los más grandes percusionistas folclóricos de todos los tiempos.
«Quería volver a los inicios de Alé Kumá y que mejor forma que un álbum donde los tambores tradicionales fueran protagónicos, por eso el nombre del álbum. Allí, por supuesto, incluí ‘La verdolaga’, pero en versión bullerengue-chalupa y en formato folclórico de tambores.
Para los nostálgicos del sonido del comienzo de Alé Kumá, encontrarán un álbum muy afianzado a sus raíces; y para los que conocieron a Alé Kumá en su etapa electrónica, porque en este disco encontrarán muchas canciones que se han hecho éxito en las pistas de baile de los clubes, y vale la pena conocer el origen de este repertorio.
«Tengo muchas expectativas con la versión electrónica de ‘La verdolaga’ porque esta música tiene un público muy amplio y es un vehículo valioso para la difusión de la música colombiana; pero también es importante que siga existiendo la música de tambores en la que están inspiradas tantas canciones del género latin house. Por eso sé que el disco ‘Puro Tambó’, va a ser muy bien recibido en las comunidades de la costa donde nacieron el bullerengue, la tambora y los bailes cantaos», concluye.
La Radio Bembé es una orquesta colombiana de música latina que nace en 2015 en Buenos Aires, Argentina y fusiona estilos provenientes de la música antillana para crear su estilo propio salsero. Se caracteriza por sus potentes shows en vivo y por ser una propuesta joven y diferente a lo que se ve en el mundo de la salsa en la actualidad, desde lo audiovisual hasta las composiciones y los arreglos de la música, escritas desde un punto de vista crítico y con un tinte de humor negro.
Conformada por Esteban Moscote (güiro y percusión menor), Santiago Navarro (timbales/drumset), Sebastián Muñoz (bongos y campana), Juan Acevedo (bajo), Gustavo Quiñonez (trombón 2), Alejo Osorio (trombón 3), Daniel Linero (voz), Gilbert Landa (voz), Juan Sebastián Poveda (trombón 1, voz, coros, arreglos y composición), Juan Camilo Camacho (coros, piano, arreglos y composición), The Big Jhonny (coros) y Joshua Soruco (coros, congas, arreglos y composición), La Radio Bembé tiene como intención en su propuesta la exploración musical, la fusión y la explosión de la descarga, el atreverse a plasmar los sentimientos y visiones personales de la vida con arreglos y composiciones que marcan un antes y un después en la escena salsera. Hacer del Guaguanpunk ese frenesí latino y bailable del cual todo el mundo se está contagiando.
«En nuestras canciones tratamos temas reales, sociales y de la calle, en donde usamos el plus de hacer música bailable para que el oyente digiera nuestro mensaje contundente con un poco de humor negro. También hablamos del día a día de lo que significa vivir en una ciudad como Bogotá. La Radio Bembé habla con la verdad y sin tapujos», comenta la agrupación que estrena dos nuevas canciones para su repertorio: ‘Radio Punk’ y ‘Jairito’.
‘Radio Punk’ es una canción con una historia real que, por seguridad, la banda mantiene encubierta la identidad de los personajes reales. Habla de Danilo, un bartender de Bogotá que aprovechaba esta profesión para llevar a cabo su negocio como ‘jíbaro’ (vendedor de drogas). Es una persona que piensa que nunca nada le va a salir mal, le gustan los excesos y las mujeres, y a pesar de tener advertencias de personajes imaginarios, hace caso omiso y continúa con su vida frenética y peligrosa hasta que, por creer que conquistó a una chica, termina encariñado con un agente de policía encubierta cuya única misión es traicionarlo y llevarlo a la cárcel.
‘Jairito’ cuenta la historia de un amigo de La Radio Bembé que es taxista encubierto y que utiliza esta profesión para desempeñar su trabajo de expendedor de drogas en Bogotá. La banda usa el humor negro para contar esta historia y de cómo entró a un mundo del cual no podrá salir. Musicalmente, es un tema bailable en donde la base es el son montuno con el toque de guaguanpunk de RB. Cuenta con trombones agresivos y un toque de fusión con bomba cubana, además de uno de los coros más pegajosos del álbum.
«La Radio Bembé es una experiencia auditiva única, es perfecta para escuchar y disfrutar en cualquier momento y a cualquier hora. Es música para pensar, bailar, dedicar y cantar a todo pulmón; es una propuesta para toda la familia y para todo aquel que disfrute de la música», enfatiza la banda.
‘Radio Punk’ y ‘Jairito’ harán parte del segundo disco de estudio de La Radio Bembé titulado ‘Adaiah’. La agrupación lanzará en los próximos meses los sencillos ‘Relojito’, ‘Fluido rosa’ para luego publicar en su totalidad el álbum. La producción contará con la participación del rapero colombiano El Kalvo en una de las canciones del disco.
«Queremos seguir llevando nuestra música a todos los lugares del mundo a través de historias reales y disfrutando siempre de la exploración y fusión. Es importante que el mundo entero nos conozca porque somos la nueva generación de la salsa con un concepto totalmente propio y original. Nadie puede perderse de escuchar nuestras canciones y de dejarse contagiar de nuestra propuesta en vivo y en estudio», concluye la orquesta La Radio Bembé.
