El cantautor, animalista y productor musical colombiano Camilo Valencia regresa con un nuevo disco: ‘555’. Las canciones del sucesor de ‘Versiones atómicas’ (2019) surgieron durante el COVID-19 en la soledad de su apartamento, junto a su hermanito Jack, quien inspiró la mayoría de ellas.
‘555’ es el quinto disco de Camilo Valencia como cantautor. Fue producido y mezclado por Leo Sierra en Estudio Retro (Medellín) y masterizado por Camilo Silva. Son 11 canciones que oscilan entre el indie, pop y rock, y se articula en torno a cinco temáticas centrales que dan cohesión al concepto: Salud mental, protección animal, protección de la mujer, amor propio y protección del planeta.
«En 2023 logré grabar el álbum y en 2024, cuando iba a comenzar la promoción, tuve que decirle adiós a Jack: mi maestro, guía, inspiración; el amor de mi vida. Hoy me encuentro remando contra la corriente en un momento complejo para los artistas independientes, aferrado a la promesa que le hice a Jack de sacar adelante esta producción y mantener, en su honor, mi ikigai como cantautor», cuenta Camilo Valencia.
El disco tiene un sonido maduro, consistente y versátil. Algunas canciones tienen un marcado estilo pop rock; y otras se inclinan hacia el indie y el pop. El álbum también incluye una balada íntima acompañada solo por piano y cello, así como una canción arropada por la calidez del folk.
«En 2018 viajé a España para realizar el legendario Camino de Santiago. Esta travesía se extendió durante tres meses y culminó en Asís (Italia) el 4 de octubre, fecha coincidente con el Día Internacional de los Animales. Durante esos meses, no sé si de manera sincronizada o casual, el número 555 apareció constantemente en mi trayecto. Al investigar su significado desde perspectivas energéticas, esotéricas, cuánticas y espirituales, las explicaciones me sacudieron profundamente. Toda esa peregrinación se vio marcada por la transformación, el cambio y por señales de sincronías que no se pueden explicar desde la lógica y la razón, justamente lo que significa el número 555. Las experiencias más trascendentales de esta peregrinación, como la pérdida y el reencuentro con mi hermanito Jack, confirmaron esa conexión profunda con ese número y todo lo vivido. Mi deseo es que quien escuche el álbum completo emprenda su propia peregrinación interior para reconectarse con el amor propio, el respeto hacia todas las formas de vida, los animales y el planeta», agrega.
La mayor referencia de este álbum es la banda Goo Goo Dolls. Casi todas las canciones fueron compuestas con guitarras acústicas utilizando afinaciones abiertas (drop), lo que impregnó hasta la médula las melodías, la armonía, los arreglos e incluso la postproducción. También hay fuertes influencias de Sting, My Chemical Romance, Snow Patrol, Hollow Coves, Marco Masini, Nek y Laura Pausini.
‘555’ de Camilo Valencia presenta en ‘Hey’ una canción potente y liberadora, en ‘La llave’ una historia descarnada, honesta y melancólica; en ‘Bella’, la belleza en todas sus dimensiones: espiritual y cósmica; ‘Aquí y ahora’ ofrece empatía y esperanza, ‘En la oscuridad’ es una denuncia en contra de la zoofilia, ‘Águila’ es íntima e inspiradora, un vuelo sobre las crisis personales; ‘Yo soy’ es poderosa y contundente, ‘Por ti’ es el tributo más hermoso a los hermanos animales, ‘No te vayas’ es desgarradora y profunda ante la partida de los animales compañeros, ‘Vulnerables’ retrata la pulsión humana hacia la maldad y ‘Me tuviste’ es fuerza pura y un himno al amor propio.
‘Vulnerables’ es el sencillo en video que acompaña el lanzamiento del disco ‘555’ de Camilo Valencia. Habla de la naturaleza caótica del ser humano y la estupidez absurda al creer que la guerra soluciona algo en el universo. Hoy, cuando somos testigos indiscutibles del genocidio en Gaza y cuando Colombia intenta retomar el camino de la paz —arrebatado por las fuerzas oscuras y anacrónicas que gobernaron entre 2018 y 2022—, llega una canción necesaria, urgente e imprescindible.
Las canciones de ‘555’ abordan la vida contemporánea y la realidad que experimenta el ser humano, llena de tabúes en torno a la salud mental y de una desconexión profunda con esa energía suprema que sustenta todo en el universo: el amor. Llegarán al corazón dependiendo del momento emocional que cada uno esté viviendo. Ya sea un estado de depresión constante, la idea recurrente del suicidio, un ataque de pánico o ansiedad; o quizá un momento de conexión profunda con tu animal de compañía, o el dolor indescriptible de saber que está enfermo y que deberá partir en cualquier momento. También para cuando debes renunciar a un amor tóxico o a una relación violenta; cuando necesitas recuperar tu amor propio o retomar el camino de tus sueños; o cuando tu preocupación se amplía a causas más globales, como el maltrato animal o la crisis climática, y buscas un mensaje que te motive a actuar para proteger causas justas.
«Mi propósito principal, no solo con ‘555’ sino con toda mi discografía es poder salvar vidas. Quiero hacerle sentir a alguien en medio de un episodio de depresión que no está solo o sola; hacerle entender a quien prefiere la compañía de un animal antes que la de otras personas, que no está loco (a). Mis canciones y mi mensaje buscan mostrar que todos cargamos con enfermedades mentales, soledades, manías, locuras, angustias, necesidades, placeres y secretos que no compartimos con nadie. Y aunque vivimos en una sociedad que insiste en desconectarnos y deshumanizarnos, aún podemos encontrar a otros seres que nos hacen sentir a salvo, que nos recuerdan que no estamos desquiciados. Quiero afirmar, con toda claridad, que los verdaderamente perdidos no son quienes sienten o piensan diferente, sino aquellos que no saben respetar todas las formas de vida ni creen en el amor. Si mis canciones logran que una persona se sienta menos sola, daré por cumplido mi propósito», enfatiza Camilo Valencia.
Camilo hace parte de la vieja escuela de artistas que concibe y trabaja por álbumes. Las canciones del disco requirieron cinco años de escritura y un año más de producción para ser grabadas. El primer sencillo se lanzó en junio de 2024, y desde entonces se han publicado cada una de las once canciones como sencillo individual.
Lo que sigue ahora, hacia finales de 2025 y 2026, es la promoción del álbum en su totalidad, con todo lo que eso implica para un artista independiente como Camilo: participar en convocatorias, ruedas de negocios, presentarse en venues y mantenerse visible en redes sociales con un mensaje coherente y alineado con las canciones.
«Cuando empecé a lanzar este álbum, me tracé metas y objetivos muy altos, pues considero que es el trabajo más maduro que he presentado hasta ahora. Sin embargo, la realidad es que la respuesta no ha sido la que esperaba. Siento que la industria musical está atravesando una transformación como no se veía desde aproximadamente 2007, cuando abandonó el formato físico y el modelo tradicional de promoción para digitalizarse por completo. Hoy, nos enfrentamos a nuevos desafíos: la desfiguración de la estética y la belleza musical por parte de cierto género que domina el streaming, y el avance imparable de la inteligencia artificial y el retorno de modelos de monopolio similares a los inicios de la industria. Todo ello hace que, como cantautor independiente, haya decidido conscientemente vivir en el «aquí y ahora». Hago música con la aspiración de que trascienda las tendencias efímeras y la velocidad absurda con la que vivimos. Este año de lanzamientos de los sencillos del álbum ha puesto a prueba constantemente mi salud mental; en parte, por la dolorosa partida de mi Jack, y también al comprobar que mis expectativas y mi sentido de merecimiento chocan frontalmente con las dinámicas actuales del negocio musical a nivel global. Después de varios meses de reflexión, he decidido abandonar dichas expectativas, reconectar con mi voz interior y dedicarme a hacer de este planeta un lugar mejor a través de canciones que sirvan a un propósito elevado», puntualiza enfatiza el músico colombiano.
«Ahí donde menos imaginas, hay alguien que se siente solo o sola; alguien que carga con grietas mentales, que quizá ya no quiere seguir viviendo, que solo halla refugio en un animal compañero. Alguien que cree que los animales de todas las especies merecen respeto y protección; que lucha por aprender a amarse a sí mismo o misma y debe romper ciclos de relaciones dolorosas. Ahí es donde un álbum como ‘555’ y un cantautor como Camilo Valencia pueden ser un cable a tierra, una brisa refrescante, una motivación para —como diría mi padre—: «Defender con toda la vitalidad la posibilidad de amar, de creer en alguien, de ver y sentir la vida, su presente y su futuro, como algo digno de un hermoso y emocionado optimismo»», concluye.
‘Elemental’ es la primera puesta en escena de Layoneth Grandas V. Después de más de 10 años en la industria del entretenimiento, el productor y realizador escénico colombiano decidió crear una propuesta que combina humor, reflexión y catarsis alrededor de un tema universal: la vida como camino de luces y sombras. El proyecto nació como respuesta a un momento personal confrontante y se convirtió en una obra íntima, auténtica y profundamente humana, que busca conectar con públicos de todas las edades desde la experiencia cotidiana y el reconocimiento emocional.
La propuesta artística se realizará el sábado 1 de noviembre en el Teatro Juan Pablo González Pombo (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 # 45 – 03, Bogotá). Las entradas están disponibles de desde $40.000 y $50.000 (con 50% de descuento en preventa) en https://latiquetera.com/
Con una década de experiencia, Layoneth Grandas V ha tenido la oportunidad de pisar las tablas, de aparecer en una que otra serie y recientemente de producir espectáculos de comedia. Lleva varios años de su vida sobreviviendo a punta de humor, trabajo y ganas, es papá de tres hijos, esposo y alguien que aprendió —a las buenas y a las malas— que la vida siempre puede transformarse en algo que valga la pena. Entendió que no hay momento perfecto, basta con querer dar un paso al frente y contar la historia: desde el corazón, con comedia, reflexión y verdad.
«‘Elemental’ nació cuando todo parecía caerse: la salud, lo emocional, lo económico y hasta la fe. En medio de esa oscuridad surgió un llamado interno, la necesidad de decir algo propio, de transformar la experiencia en un relato que no se quedara solo en mí. Descubrí que quería crear un espacio que no fuera ni una charla motivacional, ni un montaje tradicional, sino un puente entre la tragedia y la risa, entre la caída y la posibilidad de levantarse; y Elemental es ese puente», cuenta el artista.
‘Elemental’ es la primera puesta en escena de Layoneth Grandas V, dura aproximadamente una hora y es una experiencia hecha para reír, reflexionar y reconocerse. Habla de las contradicciones de ser padre, esposo, trabajador y soñador en una sociedad que exige mucho, pero enseña poco a sentir. Aborda temas como la salud mental, la felicidad y la plenitud simple, los silencios, la fe, las pérdidas y la reconstrucción. Es un viaje entre la luz y la oscuridad, contado con honestidad y humor, para demostrar que ser feliz es un acto de determinación.
«El principal motivo para hacer este show fue el deseo de vivir con sentido, la paternidad también me ha desarmado y reconstruido, la soledad me obligó a mirar dentro, y la fe me recordó que siempre hay otra oportunidad. El humor fue siempre un salvavidas y lo quise unir a lo más humano de mis experiencias. Elemental nace de ese impulso: conectar desde la persona que soy y demostrar que, incluso en medio del caos, se puede encontrar una razón para reír, sanar y seguir», enfatiza.
Layoneth aborda el concepto de la vida como oficio y la paternidad como espejo porque vivir es un oficio de tiempo completo, sin manual, sin reconocimiento y lleno de improvisación; y la paternidad no es distinta: «todos hacemos lo que podemos, juzgamos, fallamos, aprendemos y seguimos. Nos enseñaron a trabajar, pero no a sentir, a muchos hombres nos cuesta ser padres presentes, emocionales y amorosos porque nunca tuvimos referencias. Hablar de esto abre un espacio para reírnos de nuestros errores, reconocer a quienes lo intentaron antes y animarnos a hacerlo distinto, sin vergüenza».
«Con Elemental busco que la gente se ría, sí, pero que también salga más liviana, que quien tuvo una infancia que pudo ser mejor o peor, quien está en medio de una pérdida o quien siente que la vida le pesa demasiado, pueda encontrar algo de reconocimiento, valor y alivio en este encuentro. La intención es conectar desde la verdad, no desde la pose, es una invitación a detenernos, mirarnos con honestidad y aprender a no tomarnos la vida ni tan en serio… ni tan a la ligera», puntualiza.
Con este proyecto, Layoneth afirma «que reír es una forma de sanar. Que todos venimos rotos en alguna parte, pero eso no nos define para siempre o nos impide reconstruirnos. Que la vida no se trata de esperar el momento perfecto, sino de decidir empezar, incluso con miedo. Y que la comedia y el arte pueden ser más que entretenimiento: pueden ser un acto de valor, amor propio y colectivo».
La propuesta artística se realizará el sábado 1 de noviembre en el Teatro Juan Pablo González Pombo (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 # 45 – 03, Bogotá). Las entradas están disponibles de desde $40.000 y $50.000 (con 50% de descuento en preventa).
Layoneth Grandes V está construyendo una gira nacional con presentaciones en Medellín, Cali, Barranquilla y Bucaramanga. Además, se encuentra preparando una versión audiovisual de Elemental para plataformas digitales, junto con talleres en colegios y comunidades, donde pueda hablar con humor y franqueza sobre la vida, la paternidad, la masculinidad y la resiliencia. «Es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme porque represento a muchos que no suelen tener voz ni escenario y que muy tristemente desaparecen solos en silencio. Vengo del miedo, de la inacción, la vergüenza y la tristeza, no vengo a hacer reír por hacer reír. Vengo a hablar de lo que somos: de lo que duele, de lo que sana y de lo que nos reconstruye, mi propuesta es un espejo emocional: quien se dé la oportunidad de ver Elemental, no solo se va a reír —también se va a reconocer», concluye.
El artista colombiano de rock Leon Clef está de regreso con nueva música. Desde su último lanzamiento ‘Si la vida me deja’, el cantante y compositor de Medellín inició un proceso de recoger ideas que tenía guardadas desde hace años. A partir de ahí, se reunió con su nuevo productor Pyngwi para iniciar el proceso de creación de su nuevo álbum de estudio.
«Este 2025 ha sido un año interesante, con varios conciertos, pero sin duda el más importante fue en el Circuito Bogotano de Rock, un espacio que me abrió las puertas aún siendo de otra ciudad y me han tratado de una forma especial», cuenta el músico.
‘Viejos Escombros’ es lo nuevo de Leon Clef, una canción que habla de esos momentos en la vida en los que nos sentimos abrumados, salimos porque toca y sonreímos casi por obligación, aunque por dentro no siempre lo queremos. Es una canción sobre esos días grises que llegan de vez en cuando y que, aunque difíciles, hacen parte inevitable de la vida.
Las guitarras siempre son un elemento predominante en las creaciones musicales de Leon Clef y en ‘Viejos Escombros’ no es la excepción. Se combinan con sintetizadores que aportan atmósferas intensas y un aire contemporáneo. Para el artista colombiano, esta canción en particular se alinea más con el sonido de Interpol y, en algunos matices con Foals, logrando un balance entre lo sombrío y lo melódico que refuerza la carga emocional de la letra.
«La inspiración surgió de los sentimientos de un día gris. Va dirigida a cualquier persona que haya sentido esa pesadez existencial que, aunque pasajera, marca y se queda en la memoria. Es una canción para quienes entienden que no siempre hay que ocultar la tristeza», cuenta Leon.
El sencillo no tendrá videoclip, al menos por ahora. La intención es que la canción hable por sí sola y que el público conecte directamente con la letra y el sonido, sin distracciones visuales.
«Con ‘Viejos Escombros’ quiero simplemente compartir mi música y conectar con aquellas personas que puedan disfrutarla y encontrar un reflejo de sus propios sentimientos en ella», enfatiza.
‘Viejos Escombros’ hace parte del álbum que llevará el mismo nombre. Será el primer larga duración de Leon Clef, un trabajo de 8 canciones en el que explora temáticas como la melancolía, la resiliencia y la autenticidad. Cada sencillo será un capítulo distinto de un mismo viaje emocional. El lanzamiento completo está previsto para el primer trimestre de 2026.
Según León, «Es una canción para esos días grises, emocionalmente hablando. Momentos en los que necesitamos dejarnos acompañar por la música y aceptar lo que sentimos sin pretender ocultarlo».
El arte de la portada no tiene una representación directa con la canción. En esta ocasión Leon Clef quiso buscar una pieza visual con la que conectara de manera personal: arte real, hecho por un artista. Descubrió a un fotógrafo ruso cuyo trabajo le transmitió esa atmósfera introspectiva que buscaba, y logró adaptar su imagen para que dialogara con ‘Viejos Escombros’.
«Tengo planeado lanzar cuatro sencillos más que irán saliendo de manera escalonada. Luego publicaré el álbum ‘Viejos Escombros’ en su totalidad que reunirá todas esas piezas en un solo concepto», concluye Leon Clef.
Luego de presentar el sencillo ‘Guellaz’ junto al legendario rapero Cejaz Negraz, el artista colombiano Kory regresa con nueva música para todos sus seguidores en Colombia y Latinoamérica, y hoy presenta ‘Chimbita’.
‘Chimbita’ es una canción que nace en Medellín, en compañía de Ruso Beat y Kooky, que fusiona el funk brasileño con el sonido urbano, llevando el sencillo a un ritmo más comercial.
Es una canción fresca, hecha para escuchar en momentos de seducción. Ideal para bailar, conquistar y calentar el ambiente.
‘Chimbita’ de Kory, conocido artísticamente como Kory ‘El de la Palma’, aborda una temática sensual, atrevida y directa, refiriéndose a una chica sensual. Explora sonoridades funk y reggaetón para dar como resultado una canción explosiva.
El video de la canción fue grabado en la ciudad de Medellín, conceptualizando un estilo sensual y erótico dirigido totalmente para las mujeres.
«Esta canción es para todos los amantes de la fiesta, pero especialmente está hecha para el público femenino. Está inspirada por una musa sensual y dedicada para las chicas lindas, sensuales y empoderadas», cuenta Kory.
«Con este lanzamiento quiero conquistar nuevos nichos de oyentes, llegar a un público más amplio y diverso deseando impactar de una excelente forma el mercado comercial latinoamericano», agrega el artista.
‘Chimbita’ de Kory cuenta con la participación de Kooky, artista emergente de Manizales, y de Ruso Beats, productor con una gran trayectoria en la industria, quien ha trabajado con artistas de la talla de Kevin Roldán, Zion, Ñengo Flow y Leo Dan. El master estuvo a cargo de Yairon Prod.
«Con Kooky y Ruso Beats creamos este excelente proyecto lleno de unión, creatividad y ganas de seguir pisando fuerte en el territorio nacional e internacional», argumenta Kory.
Durante los próximos días, Kory publicará un EP de tres canciones que mostrará toda su versatilidad, con un ritmo fresco, innovador y al agrado de todo tipo de público; buscando tocar las fibras más sensibles y haciendo volar la imaginación de quien escucha su propuesta con letras de calidad que narran historias reales.
El artista de Palmira, Valle del Cauca también realizará algunas colaboraciones musicales con colegas como Floyd y Falsetto de Puerto Rico, conocidos también por su antiguo dúo Sammy & Falseto.
Tomás Santiago es un artista y cantor colombiano. El canto ha sido su forma más leal de arte desde muy temprana edad haciendo parte de coros estudiantiles o simplemente como medio de expresión en cualquier contexto de la vida. Con el tiempo y la madurez entendió que la composición era un factor fundamental para acompañar esa proyección de su existencia, más allá de lo que hace con su voz, crear su propia música es la mejor manera de decir «este soy yo, y esto dice mi alma».
Después de la separación de su banda Rucus, en donde era el principal compositor, Tomás Santiago tomó la decisión de continuar el camino de la composición de canciones, pero esta vez a su nombre siguiendo el camino de la clásica figura del cantautor. Entre 2019 y 2020 comenzó la composición de su EP debut ‘Me dejé caer’ el cual vio la luz 5 años después en agosto de 2025.
La intención de su propuesta musical busca unir a la gente, ayudar a las personas a canalizar las emociones que no saben cómo expresar, utilizar el arte como medio para exponer y combatir las opresiones del sistema capitalista, esparcir amor y lograr la trascendencia a través de la constante creación y el constante cambio.
«A través de mis canciones quiero enviar múltiples mensajes como por ejemplo que el amor es lo más grande que hay en el universo, que un mundo equitativo y en paz puede ser una utopía, pero la resistencia a la injusticia y el caos, y la capacidad de no caer en el cinismo y el pesimismo son fundamentales para el avance y la permanencia de la humanidad. También quiero decir que somos esclavos de la entropía, que todo tiene su final, que Colombia merece paz y que la construcción de identidad es una forma de combatir el fascismo y la hiperglobalización que quiere que todos seamos iguales en pro del capital», afirma Tomás Santiago, quien para su proyecto solista tiene influencias de rock, soul, pop y folk.
‘Me dejé caer’ es el EP debut de Tomás Santiago, es una exploración con el diseño sonoro y la fusión de dichas influencias. Aborda temas variados como en su carta de amor a los artistas en ‘Brillo en tanta oscuridad’, la protesta social en ‘Sin alma y corazón’, el reencontrarse y sanar en ‘Sol hermoso bermexas’ y el crecer y abandonar la niñez en ‘Hoy’.
«Al tocar temáticas variadas la inspiración viene de varios lugares. El amor propio y amor a la humanidad, el deseo de justicia. El entrar a la adultez y asumirse como ser independiente en busca de crear su propio camino. La resistencia a la desigualdad, la opresión o el caos», cuenta el artista.
A nivel sonoro, el EP ‘Me dejé caer’ está inclinado hacia el new wave y el art-pop siendo una exploración con sonidos más sintéticos. Las baterías son hechas con samples (con la excepción de ‘Sin alma y corazón’ que cuenta con la única batería real del EP). Así mismo los sintetizadores fueron el centro de los acompañamientos ritmo-armónicos y las guitarras poniendo su cuota rockera funcionando como un hilo conductor en todo el EP.
‘Me dejé caer’ de Tomás Santiago trae la calma antes del frenesí en ‘Brillo en tanta oscuridad’, protesta social al estilo new wave latinoamericano en ‘Sin alma y corazón’, experimentos eclécticos en ‘Sol hermoso bermexas’ y la plantilla que define el estilo sonoro del Ep en ‘Hoy’.
El EP viene acompañado del sencillo en video ‘Sin alma y corazón’, una canción con influencias de Prince y Charly García. Surgió por el simple divertimento de un groove animado y frenético. El concepto lírico es la protesta a la desigualdad y al poder oligárquico y aristocrático el cual fue la inspiración para el videoclip teniendo como protagonistas a unos sombríos títeres que simbolizan el poder oculto detrás de los políticos y cómo se crea una fachada vacía para hacerlos ver competentes para representar al pueblo cuando en realidad tienen sus propios intereses a favor de los ultra ricos y poderosos que llevan controlando el país por siglos.
Para Tomás Santiago «‘Me dejé caer’ es perfecto para escuchar en esa época de la vida en la que se afronta la adultez y se empieza a ser parte del sistema de una forma más directa. En la construcción del amor propio y hacia los demás teniendo en cuenta la responsabilidad social que eso implica».
«Este trabajo musical es el inicio de un largo camino. Es apenas el primer paso por lo que las expectativas que tengo actualmente no son más que activar la chispa de algo mucho más grande que está por venir», enfatiza.
La portada del EP fue creada por Sabina Piñeros (directora del videoclip de ‘Sin alma y corazón’ y la principal colega de creación audiovisual del proyecto). Está influenciada por los sonidos sintéticos del álbum mezclando lo análogo con lo digital. Fue una fotografía tomada en 2020 y posteriormente editada en 2025 para darle ese toque digital yendo de la mano con el concepto sonoro del EP.
Tomás Santiago se presentará junto a los proyectos musicales colombianos Urdaneta y Thaissa el 25 de octubre en Teatro de Garaje (Carrera 10 #54 a – 27) en Bogotá. Será un show que mezcla distintos estilos al contar con artistas de distintas perspectivas fusionando géneros como el rock alternativo, el neo soul y el new wave.
Para los próximos meses, Tomás Santiago prepara un nuevo EP grabado con su nueva banda que marcará la diferencia con ‘Me dejé caer’ al tener un estilo más rockero, análogo y minimalista.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Tomás Santiago en Colombia y Latinoamérica porque conocerán una voz única y particular, y un artista que abraza y busca el cambio constante por lo que siempre podrán esperar la reconstrucción artística», concluye.
Insómnica es una banda de pop rock alternativo fundada en Tunja, Colombia en el año 2020 bajo influencias del rock en español, el pop rock, el funk, el blues y la electrónica. A lo largo de los años, se ha consolidado como una de las agrupaciones más representativas del departamento de Boyacá, al llevar una continuidad en su proyecto con calidad, persistencia, pasión y amor por la música.
Conformado por Lamena (voz y bajo), Betty (teclados), Favarez (voz y guitarra electroacústica), Juancho (guitarra líder) y Walter (batería), el grupo logra conectar con su público al combinar influencias del rock clásico con una identidad propia, donde las canciones abordan emociones profundas y humanas a modo de dualidades entre el dolor y el amor, la depresión o las ganas de vivir, rendirse o seguir para cumplir los sueños del corazón; logrando acompañar a sus seguidores tanto en momentos de introspección como de catarsis, al crear una atmósfera emocional y energética en los oídos y el corazón de quienes escuchan su música.
La intención de Insómnica no es solo hacer canciones, sino crear un puente emocional entre lo clásico y lo alternativo, invitando al público a experimentar un viaje entre la introspección y la catarsis. Su visión apunta a ser una banda que acompaña emocionalmente y vibra energéticamente en cada escenario, a través de su sonido propio con potencial para resonar en Colombia y el mundo.
«Nuestra música busca reflejar dualidades humanas: amor vs dolor, depresión vs ganas de vivir, rendirse vs luchar por los sueños, nostalgia vs esperanza; busca ser un espejo donde la gente se reconozca viviendo en esas contradicciones, pero sintiendo a la vez que no están solas», comenta el grupo. «La intención de nuestras canciones es acompañar emocionalmente al oyente, tanto en momentos de introspección como en instantes de catarsis y liberación; aunque algunas de nuestras letras relaten dolor y tristeza, también contienen un impulso vital que invita a seguir construyendo sueños y renacer de las cenizas, para transformar esas emociones en fuerza y conexión», agrega el proyecto con influencias de Soda Stereo, Gustavo Cerati, Duncan Dhu, Red Hot Chili Peppers, Luis Alberto Spinetta, Zoe, Radiohead, Aterciopelados, The Mills y Diamante Eléctrico.
‘Muriendo por vos’ es el nuevo lanzamiento de Insómnica, una canción que narra la lucha interna de alguien atrapado en el recuerdo de un amor que dejó heridas. A pesar de haber intentado callar y ocultar el dolor, el vacío sigue presente y aquel protagonista vuelve una y otra vez al mismo punto; es la imposibilidad de olvidar y la contradicción entre querer soltar y seguir sintiendo.
Es la confesión de un amor que no termina, que se convierte en un ciclo emocional sin fin, donde el silencio no cura, sino que profundiza la herida. ‘Muriendo por vos’ retrata la batalla emocional de un amor inconcluso, donde la herida sigue abierta y el protagonista oscila entre la soledad, el recuerdo y la imposibilidad de dejar de sentir. Es un tema cargado de honestidad emocional, que invita al oyente a conectar con su propio dolor y convertirlo en catarsis.
‘Muriendo por vos’ explora un sonido de pop rock alternativo con tintes electrónicos, donde la melancolía de la voz y las atmósferas sintetizadas conviven con la fuerza de guitarras y batería. Es un tema diseñado para generar catarsis emocional, moviendo las fibras de los oyentes entre lo íntimo y lo explosivo.
Guitarras eléctricas con riffs melódicos, teclados atmosféricos envolventes, una batería marcada con tintes de bambuco, bajo con líneas que refuerzan el pulso y sostienen el dramatismo, con un tempo medio que genera una sensación de intensidad continua.
«Es perfecta para esos momentos íntimos y vulnerables, cuando el corazón está en duelo o atrapado en un ciclo de recuerdos. Es un tema de sanación emocional y de compañía en la soledad, ideal para escuchar cuando el silencio y la calma hacen más evidentes los recuerdos y las emociones; también en esos instantes de desvelo, cuando vuelven pensamientos sobre alguien que no se olvida», agrega.
La portada cuenta la historia de alguien marcado por las heridas del amor, pero que aún guarda en sus manos la posibilidad de transformarse y renacer. Es una metáfora visual perfecta del mensaje del sencillo: el dolor es real, pero también lo es la esperanza de seguir adelante. El dominó funciona como metáfora del destino, pues una pequeña ficha puede desencadenar un gran efecto, así como una relación o una herida emocional puede transformar toda la vida. Esta ficha es el número 7, posición que ocupa la canción en el álbum y es parte importante de la historia que se quiere contar.
«Este lanzamiento busca reafirmar el sonido propio de Insómnica: un pop rock alternativo emotivo y moderno, capaz de competir dentro del circuito latinoamericano. Con cerca de 15.000 reproducciones a la fecha en Spotify, la banda anhela que la canción siga posicionándose en playlists editoriales y colaborativas», cuenta el grupo. «Esperamos que la canción se convierta en un himno de catarsis para quienes atraviesan rupturas o procesos emocionales difíciles, que el público sienta que ‘Muriendo por vos’ representa aquellas palabras o mensajes que no pudieron decir.
‘Muriendo por vos’ es el primer sencillo del segundo disco de estudio de Insómnica. El album tendrá un relato propio, una historia real que contar, y que, conectados entre sí, formarán una historia de amor, dolor y resiliencia emocional. Es la puerta de entrada a un viaje sonoro y emocional de 8 canciones que narran una historia completa de amor, desilusiones y catarsis.
La banda planea lanzar otras canciones que mostrarán diferentes colores emocionales y sonoros del álbum. Mientras ‘Muriendo por vos’ se centra en la herida y el vacío tras la ruptura, la siguiente canción explorará la magia de la búsqueda del amor y la conquista, acompañada de ritmos del blues sin dejar a un lado el rock y los tintes electrónicos característicos de Insómnica.
«Es importante descubrir a Insómnica porque somos una banda que no solo hace música, sino que genera experiencias emocionales y colectivas, aportando una propuesta fresca y honesta al pop rock alternativo. Apoyarnos, es apostar por diversidad, resiliencia y calidad artística en la región.
En una escena musical donde muchas propuestas tienden a sonar parecidas, Insómnica ofrece una identidad fresca, pero con raíces sólidas en el rock en español, el funk, el blues y la electrónica; no es una copia de fórmulas comerciales; es una propuesta profunda, emocional y artística», concluye.
El pasado 2 de junio de 2025, Bogotá fue escenario del lanzamiento oficial de Romulhu, Relatos de una Tierra de Nadie, la obra debut del escritor samario Kas Freyle dentro de su saga de fantasía steampunk. El evento, celebrado en un reconocido centro de convenciones de la capital, reunió a lectores, escritores, músicos y amantes del universo fantástico, marcando el inicio de un ambicioso viaje literario compuesto por siete libros que combinan música, ciencia ficción, mitología y narrativa oral.
Publicada por Ita Editorial, Romulhu no es solo un libro, sino la puerta de entrada a un mundo que orbita un agujero negro, narrado por un juglar errante que, al ritmo de sonidos mágicos, cuenta las gestas de héroes y criaturas míticas. Esta propuesta transmedia —que se expande a podcasts, cómics, videojuegos y música— fue una de las ganadoras de la 4ta Convocatoria Nacional de Ita Editorial, seleccionada entre más de 1.280 obras de todo el país. Un hito que no solo evidencia la calidad literaria del autor, sino que posiciona su nombre en el mapa de la literatura fantástica nacional.
Detrás de Kas Freyle está Jesús David Freyle Márquez, Comunicador Social y Periodista, con estudios de maestría, especialización y doctorado en curso, y docente universitario en la Universidad del Magdalena. Más allá del currículo académico, Freyle es un arquitecto de mundos, alguien que ha dedicado más de 15 años a construir Romulhu desde sus cimientos. Un universo tan vasto como coherente, donde la magia responde a leyes sonoras, existe un deporte llamado Arbatos, y la política, la cultura y la tecnología se entretejen como si realmente existieran más allá de la página.
Durante el evento de lanzamiento, el autor compartió fragmentos de su proceso creativo: un ritual nocturno, cuadernos siempre a la mano, música adecuada para cada escena, muñecos para simular batallas, y una dramaturgia que vive en su cuerpo antes de ser escrita. Cada personaje es más que un nombre; para Freyle, son seres que le hablan, le cuentan sus secretos, y lo guían en la escritura.
“Uno de mis favoritos es Fittwatts, el Rocambolesco. Es bajito, poderoso, te hace creer que es débil… pero es al revés”, comentó entre risas. “Y Ayrin Murdock, una joven con una fuerza brutal, fue la última en llegar, pero completó todo el sentido de la obra”.
El camino no ha sido fácil. Aceptarse como escritor fue uno de los mayores desafíos. “Uno se compara mucho, se castiga. Pero hay que atreverse a cortar, a perdonarse y a seguir creyendo en la obra. Hubo momentos en los que pensé que no valía la pena… pero vaya que lo vale”, confesó el autor durante una conversación íntima con sus lectores.
Freyle no es un novato en el mundo de las letras ni en el de las artes. Ha ganado ocho convocatorias literarias, publicado en seis antologías, y recibido reconocimientos como el Premio Volar al Mejor Cuento (2023). También es guionista del videojuego NFT Eterland, bajista y vocalista de la banda Parnassus, con la cual ganó el Festival Distrital de Rock y el Premio Tayrona en 2016. Además, fue galardonado por el documental Jaladora del Mar, presentado en el FICCI, y actualmente dirige el programa radial Kastlemania, desde donde difunde música, literatura y cultura alternativa.
En entrevista, Freyle confesó que sus influencias van desde Tolkien, Edgar Allan Poe y García Márquez, hasta Brandon Sanderson, Cortázar y Fernando Soto Aparicio, a quien considera uno de los grandes narradores del país. “Me ha influenciado todo, desde las fábulas de Esopo hasta las campañas de Calabozos y Dragones. Yo soy escritor arquitecto: todo está estructurado desde el final, con mapas, líneas de tiempo y hojas de personajes. Escribo con una brújula, pero también con un plano”, afirmó.
Romulhu ya se encuentra disponible en Amazon y en el sitio web oficial de la editorial: itabooks.com. Con esta publicación, Kas Freyle no solo abre una nueva página en la literatura fantástica del Caribe colombiano, sino que reafirma que la imaginación, cuando se construye con paciencia, pasión y método, puede ser el puente más poderoso hacia otros mundos.
Y en palabras del propio autor, a quienes apenas inician en el camino de la escritura: “Perdónense todo. Lean. Y no se rindan jamás. Porque hay afuera personas esperando amar las historias que están por contar”.
La cantante y compositora colombiana Ale G Queen regresa este 2025 llena de música que compartirá con el universo entero. La artista radicada en Italia ha publicado en los últimos meses colaboraciones musicales de gran importancia junto a artistas de la talla de Wilgenis Vergara, J8Man, Jhohan RM y el rapero italiano Eleven the King, entre ellos, el remix de su éxito ‘Narciso’.
‘Pa’ ti es bonito’ es el nuevo lanzamiento de Ale G Queen, una canción de amor incondicional para dedicarle a tu persona favorita. Es una canción especial que aborda una temática de amor puro y real, ideal para dedicarle a tu pareja o a esa persona que amas para que sepa que siempre estás ahí con ella a pesar de todas las adversidades.
«Me inspiré en las parejas que a veces discuten y arman problema por todo, es una invitación a darse cuenta de que hay que ser un equipo y deben apoyarse en las buenas y en las malas», cuenta Ale G Queen.
«Debemos siempre cultivar una relación a partir del amor y la amistad con nuestras parejas. No hay que hacerse drama. Debemos apoyarnos mutuamente con nuestros seres amados y estar listos para hacer un equipo y salir adelante juntos», agrega la cantante colombiana.
A nivel sonoro, ‘Pa’ ti es bonito’ es un merengue urbano que incorpora instrumentos como la conga, la tambora y el saxo para darle un sonido más universal al sencillo. Artísticamente, el tema está inspirado e influenciado por cantantes de la talla de Juan Luis Guerra y Manuel Turizo.
‘Pa’ ti es bonito’ de Ale G Queen es una declaración de intenciones en donde el amor prevalece. Es una invitación a tomar el camino de la felicidad.
«Quiero que con esta canción todo el mundo se preocupe más por amar que por pelear, que vivamos felices sin darle prioridad a los problemas y las preocupaciones. La vida es una sola y el amor es para siempre», enfatiza la artista.
‘Pa’ ti es bonito’ es el quinto lanzamiento de esta nueva etapa profesional de Ale G Queen. La artista prepara sus próximos lanzamientos ‘I was born to love’ y ‘Todo bien’, además del remix de su éxito ‘Menea’.
Humildad y sensibilidad son las principales características que Ale G transmite a través de sus canciones llenas de sentimiento y corazón, guiadas siempre por su productor musical y su entrenador vocal y compositor venezolano José Pepe Orta, conocido por trabajar con artistas de renombre como José Luis Rodríguez ‘El Puma’ y Nino Segarra.
Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.
‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.
«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.
Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.
La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.
El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.
«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.
‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.
Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.
«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.
Si manifestar es real, Ha$lopablito lo hace con todos los juguetes en el segundo sencillo de su álbum venidero con Pocket Tincho. ‘Tengo un sueño’ es un manifiesto aspiracional y una predicción de éxito musical. Al mejor estilo de Tony Soprano, Pablo tiene un sueño revelador: existe un futuro utópico en el que ‘coronó’ a punta de música.
La canción es una radiografía de sus anhelos más personales. Una producción mística que celebra el éxito futuro de ha$lopablito, en el que nos relata todo lo que logró gracias a la música. Sobre un beat perfecto para flexear, el artista colombiano se sumerge en detalle en todo lo que logró hacer gracias al dinero conseguido por una carrera musical triunfal.
‘Tengo un sueño’ fue escrita por ha$lopablito (Pablo Jaramillo Cavallazzi) y si bien, en gran parte es aspiracional y pone en palabras un futuro próspero, celebra el presente y el camino recorrido hasta ahora. Fue producida por Pocket Tincho quien también será el productor del nuevo álbum. La mezcla y masterización fue hecha por William Vizcaino.
‘Tengo un sueño’ sigue dibujando el universo de SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO. El oyente puede ir trazando el hilo conductor del proyecto y puede hacerse una idea de la temática de todo el disco.
«Se acerca el lanzamiento de mi tercer disco: SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO, quizá mi proyecto más personal hasta la fecha, un ‘baldado’ de realidad en el que convergen diferentes emociones, anhelos y miedos. Su hilo conductor es el dinero, un lugar común del que nadie se cansa de hablar, pues media, limita e intercede nuestra vida en todas sus dimensiones», explica ha$lopablito.
La historia detrás de la canción
«Se me ocurrió la idea de hacer una canción como las que hacen los artistas que ya están pegados. En estos temas de celebración hacen una apología a ese camino del héroe que logra su objetivo luego de una tortuosa odisea. Generalmente presumen sus pertenencias materiales y poder adquisitivo por medio del recurso de poner en comparación su situación de escasez antes de haberla logrado. A pesar de que no la he logrado, un día me puse a imaginar qué haría si tuviera mucha plata gracias a la música y de ahí nació la canción. Por ahora es un sueño.
La canción se sitúa en un sueño de hace un buen tiempo, en el que tampoco hubiera podido saber el camino que ya he recorrido. Desde que tengo memoria me apasionaba la idea de ser cantante. El sueño que tengo también narra mi presente, cosa que el Pablo de ocho o nueve años tampoco sabía. Para terminar el tema y que concluyera la ambientación de ser un sueño, le pedí a mi mamá que me enviara un audio despertándome como cuando era pequeño. Toda la vida he tenido un sueño muy pesado y eso fue un motivo de bastante estrés para ella en mis tiempos colegiales», concluye ha$lopablito.
El artista bogotano DIMC nos adentra en la historia de su próximo álbum con el lanzamiento de ‘La Condena’, una canción de desamor con un sonido que recuerda al R&B de principios de los años dos mil.
El sencillo acaba con las introducciones y va al nudo de su segunda producción discográfica ‘Rompecorazones’.
‘La Condena’ conecta profundamente con la sensación de pérdida, impotencia y frustración que todos experimentamos cuando hemos tenido el corazón roto a causa de un mal de amor.
El artista bogotano se inspiró en los videoclips que se hicieron populares en los 90’s y 2000’s. Esta es la primera canción escrita, producida y grabada en su totalidad por DIMC (Diego Segura).
«La intención era clara: supervisar cada fase de la producción de esta canción en pro de conservar la esencia del desengaño», comenta el artista.
La canción es un R&B con vibras ‘dosmileras’ que recuerda los ritmos de Hip-Hop y su estética, apelando a la nostalgia de esos años.
‘La Condena’ nos muestra el desengaño desde la perspectiva de un hombre en su forma más vulnerable: «Este tema es el reflejo de la premisa del ‘Rompecorazones’: detrás de cada canción del álbum, hay un corazón roto, esta vez es el mío», explica DIMC.
Tras este lanzamiento se espera el primer show en vivo de DIMC en Bogotá después de haber estado en tarimas como el Festival Estéreo Picnic y el BIME.
Sangi Jiménez es una cantante y compositora de música urbana nacida en República Dominicana que intenta reflejar sus vivencias en sus canciones como una especie de catarsis o desahogo. Es una artista que considera que su música puede ayudar a otras personas para que puedan hablar con ella los que no tienen voz o los que nadie quiere escuchar. La intención de su propuesta musical busca que las personas puedan disfrutar de su música, que la lleven a todos lados, que la bailen y que puedan identificarse con sus historias. Es una persona auténtica y sensible, pero fuerte; es capaz de levantarse sola a pesar de los duros golpes de la vida. Es una persona resiliente que trata de darle lo mejor a los que la rodean. Sabe ser comprensiva y mostrar compasión, pero también sabe cómo no dejarse pisotear y decir la verdad sin importar.
«Como cantautora quiero reflejar sentimientos reales, amor propio y vivencias naturales y orgánicas. Quiero demostrar con mis letras que aún existen las cosas buenas, que hay buenos sentimientos, que lo que se hace se paga, que el amor existe, que no hay mal que por bien no venga y que quien no te valora es porque simplemente no te merece. Todos estos conceptos acompañados de una gran producción y calidad interpretativa y musical, demostrando que la música urbana puede tener altos estándares y a la vez transmitir buenos deseos», cuenta la artista con influencias de reggaetón suave, romántico, tradicional y del trap, y de artistas como Karol G, Cazzu, Take 6, Nicky Jam y Shakira.
‘Ya no quiero’ es el más reciente lanzamiento de Sangi Jiménez y la carta de presentación previa a la publicación de su nuevo EP ‘Pa’ ti’. Es un tema muy personal escrito en la soledad de la habitación de la artista dominicana como suele ser costumbre. Habla de sus vivencias, de un amor que fue hermoso al principio, pensando que era genuino, pero que se volvió tóxico y una completa pesadilla que dejó heridas fuertes. Aunque luego la persona que le hizo daño quiso regresar, ya era demasiado tarde; evocando la clásica frase «nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde».
«El mensaje que quiero enviar con esta canción es que es importante perdonar, pero eso no significa volver a cometer el mismo error de estar con alguien que en el pasado te hizo daño. ‘Ya no quiero’ es una canción perfecta para aquellas personas que ya han empezado a experimentar el amor de pareja, también para los y las que hayan pasado por muchas situaciones en su relación; y para los y las que ya tienen un buen tiempo buscando amar a alguien», agrega Sangi Jiménez.
‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez aborda temáticas de superación, fortaleza, amor propio, convicción y de nunca volver atrás. El sencillo explora sonoridades de reggaetón suave y romántico. Es un tema sencillo, pero contundente; con un sonido envolvente que provoca relajación y la sensación de estar flotando.
«Con este sencillo y con mi nuevo EP tengo grandes expectativas porque junto a mi equipo hemos trabajado mucho, hemos puesto el corazón y mucho esfuerzo en este proyecto. Deseo conquistar nuevas audiencias en Colombia, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa; impactando a personas que hayan pasado por una situación similar, pero que aún crean que el amor existe y que no es necesario aferrarse a alguien que nos hace daño. Mi música es para personas que también buscan la calidad musical y que sepan ser seguidores fieles», puntualiza la artista dominicana.
‘Ya no quiero’ es la canción número 2 del EP ‘Pa’ ti’ que se publicará el 5 de junio en todas las plataformas digitales a nivel mundial.
El diseño de la portada es una foto semi futurista con una pose de medio cuerpo con un fondo rojo imponente, dando a entender que no hay nada mejor que lo que nos depara el futuro. La fotografía busca reflejar un sentido de esperanza y fuerza.
«Considero que es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sangi Jiménez en Colombia y Latinoamérica porque tengo la fe intacta de que con mi talento, valores, amor propio y experiencia puedo aportar cosas buenas, historias únicas y una gran calidad musical a la industria musical del género urbano», concluye la artista.
Escucha ‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez en tu plataforma musical favorita https://lnk.to/AsV6Mbcl
Es un trabajo para escuchar en cualquier momento, especialmente en días de introspección y reflexión, cuando se buscan respuestas o se quiere conectar con emociones profundas.
La banda de rock colombiana NEO inicia el año con nueva música y presenta su EP debut ‘Neo Retro’, un trabajo que reúne los primeros sencillos del grupo junto a una canción inédita, ‘Autómata’.
Esta producción del proyecto conformado por Sebastián Pinto (bajo), Javier Flórez (guitarra), Leo Blanco (batería), Sara Rivera (voz) y Mario Alejandro Bustos (guitarra) representa la identidad sonora y conceptual de la banda en su primera etapa. Las canciones abordan temáticas que van desde lo personal e introspectivo hasta una visión crítica de la realidad, sin adoptar posturas políticas. Exploran sensaciones, conflictos, dudas y reflexiones tanto a nivel individual como en relación con el entorno.
«El EP está inspirado en experiencias y cuestionamientos universales que pueden resonar en cualquier persona con inquietudes similares. Aunque su música puede conectar con un público amplio, el enfoque principal está en oyentes a partir de los 18 años, incluyendo adultos contemporáneos que se identifican con la propuesta sonora y lírica de la banda», cuenta NEO.
En ‘Neo Retro’ la banda explora un sonido que fusiona el rock clásico de los años 70 con influencias del indie y el sonido alternativo de los 90. La composición se acerca más a un rock de estructura clásica, donde se da protagonismo a los instrumentos, con solos de guitarra y líneas de bajo bien definidas. Cada integrante tiene un papel fundamental en la música, no solo como acompañantes de la voz, sino como parte de un todo que construye el mensaje sonoro.
En su EP debut, NEO le canta al inconformismo y a los cuestionamientos en ‘Autómata’, a la nostalgia y la evocación de los recuerdos, incluso de aquellos no vividos en ‘Neo Retro’, a la obsesión y la repetición de los pensamientos en ‘Tú’, a la necesidad de libertad y expresión en ‘Luces’.
«No pretendemos dar una explicación total del EP, a la final cada uno interpreta las canciones de manera personal y única», enfatiza la agrupación bogotana.
El objetivo principal del EP para NEO es consolidar la identidad sonora de la banda y conectar con nuevos oyentes. Es una carta de presentación para ampliar su audiencia y tener una mayor presencia en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica.
El diseño de la portada de ‘Neo Retro’ gira en torno a la estética vintage, alineándose con el concepto sonoro de la banda. Se inspira en elementos como televisores antiguos y reproductores de cintas, objetos que evocan la idea de rebobinar y revivir momentos una y otra vez. La imagen refuerza el concepto de lo análogo y la memoria, elementos clave en la identidad visual de NEO.
El EP está acompañado del sencillo ‘Tú’, una canción íntima y personal que, en términos sonoros, mantiene la esencia del rock alternativo con una atmósfera envolvente y melancólica. Para el video, la banda decidió dejar la interpretación abierta al público. Se hizo una convocatoria en la que seguidores escucharon la canción y grabaron pequeños clips representando lo que significaba para ellos. El resultado fue un collage de imágenes con una estética vintage, evocando la nostalgia y lo personal, reforzando el concepto de la canción.
Actualmente, la banda está realizando una serie de presentaciones en festivales y bares, algunas en formato acústico (Solo Neo) y su nuevo EP servirá como una pieza central en distintas actividades musicales del grupo, incluyendo montajes sinfónicos y eventos académicos.
«Nosotros ya tenemos un álbum grabado y planeamos lanzar varios sencillos a lo largo del año. La idea es que, tras una serie de lanzamientos progresivos, realicemos la presentación oficial del álbum completo a finales de 2025 o inicios de 2026. Con este material, expandiremos nuestra propuesta sonora, explorando nuevas posibilidades en composición, arreglos y mensaje», concluye NEO.
Rappert Mc es un artista versátil de la ciudad de Manizales que descubrió el amor por la música y los versos a los 16 años y rápidamente fue conociendo personas que hicieron que él se apasionara más por hacer música. Como artista independiente, ha construido una discografía que mezcla géneros y sensaciones, prometiendo un viaje sonoro que conectará con las emociones de sus oyentes. Su arte no solo suena, sino que inspira y transforma. La intención de su propuesta musical se basa en demostrar dinamismo en cada una de sus canciones, pues incursiona en varios géneros musicales como rap, trap, drill, reggaetón, afro beat y electrónica.
«Con mis canciones quiero representar múltiples emociones en quienes me escuchan. Quiero generar una conexión con el oyente a través de las letras, pero también de los ritmos y sonidos que exploro en mis composiciones», comenta el artista con influencias de Feid, Black Eyed Peas, Terror Reid, Massano, Radio Mc, Al2 El Aldeano, Feid, Bad Bunny, Ñengo Flow, Rels B, Kapo y Beéle.
‘4 Latidos’ es el nuevo EP de Rappert Mc, un trabajo cuyo concepto gráfico se basa en una ilustración futurista influenciado por la inteligencia artificial. A nivel musical, los 4 latidos son 4 ritmos producidos por Dealer Hits que se encuentran en el EP: afrobeat, reggaetón, trap y rap.
El afrobeat narra un momento en donde el artista trata de decirle a una chica que rompan la barrera y que sean más que amigos, el reggaetón relata la historia de cuando el artista tiene fantasías con una chica, pero sin llegar a enamorarse; en el trap se utilizan expresiones reales y directas, sin rodeos; y en el rap se cuenta en modo de crónica el cómo su vida ha evolucionado gracias a que todos los días dice la frase, «Me repito, lo quiero, lo voy a conseguir, vamos a hacerlo».
«La inspiración detrás del EP nace de seguirle apostando a nuevos retos. La idea de hacer afrobeat y de que esta sea la primera canción titulada ‘Agüita de coco’, dirigida a toda esa gente que quizás quiere romper esa barrera con alguien, pero no se atreve a decirlo por un rechazo. También hay presencia de rap hablando de persistencia para lograr los objetivos y dejando un mensaje positivo. En el trap hay que ir sin rodeos y ser lo más directo posible en todas las situaciones de la vida. Finalmente, el reggaetón es ideal para recordar los buenos momentos vividos», comenta el artista.
Canción por canción de ‘4 Latidos’ de Rappert Mc
‘Agüita de coco’ es una invitación a retarse, a arriesgarse, nada se pierde con intentarlo; ‘Días’ habla de que los buenos recuerdos son un tesoro muy preciado que en el futuro te sacarán una sonrisa; ‘Tren a vapor’ resume la idea de que hablar claro es más sencillo que hablar bonito y ‘Vamos a hacerlo’ consiste en las tres máximas de la vida: insistir, persistir y nunca desistir.
«Es un EP para escuchar en toda ocasión, desde estar en un carro parchado escuchándolo con los amigos, hasta estando en la oficina camellando juicioso. Es un trabajo variado, para los gustos, los colores, por eso siempre tratamos de hacer los temas diversos. Quiero llegar a nuevos públicos y tener presencia y altos impactos en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica. Quiero que las personas que escuchen esta propuesta disfruten las canciones, encuentren magia en ellas y que las disfruten de principio a fin», enfatiza Rappert Mc.
Desde la visión del diseño, el diseñador Jonathan Leonid y Rappert Mc tuvieron un enfoque tecnológico, contemporáneo y bastante digital, ilustrando al artista lleno de circuitos como si se estuviera convirtiendo en Inteligencia Artificial. La carátula del EP simboliza libertad y expresa que nos podemos convertir en cualquier cosa que queramos en la vida. Es una representación de libertad, una invitación a explotar y a trabajar por esa versión que cada uno se quiera convertir.
Rappert Mc también estrena el video de la canción de fiesta y seducción ‘Tu mirada’. Es una inmersión en un sueño hipnótico donde el artista es arrastrado por la tentación en medio de una fiesta deslumbrante. En este mundo onírico, una chica enigmática juega con su deseo, mientras símbolos poderosos como las manzanas y un anillo en forma de serpiente evocan el primer pecado de Adán y Eva en el jardín del Edén. Los sonidos de la canción mezclan la música electrónica tipo house, los sintetizadores y la voz del artista, creando una conexión única y especial. Es la segunda canción del EP ‘Don Rappert’, trabajo que nace del concepto, innovación y de la fusión de múltiples géneros musicales.
Dentro de los planes de Rappert Mc para los próximos meses está sacar un álbum cien por ciento colaborativo con artistas de la ciudad de Manizales, además de seguir innovando con mezclas sonoras que lograrán generar distintas emociones en su audiencia.
«Darse la oportunidad de conocer a Rappert Mc es conocer a un joven que persiste e insiste por sus sueños siendo innovador y creativo. Descubrir a Rappert Mc musicalmente es entender que un artista tiene distintas facetas, pero que en cada una de ellas hay sinceridad con el mensaje y la emoción que se quiere expresar y conectar. Hay que darse la oportunidad de conocer este proyecto para descubrir un nuevo universo en donde quizás encuentres algo de ti en él, pues todos tenemos algo de los demás en nosotros», concluye el cantante.
Escucha ‘4 Latidos’ de Rappert Mc en tu plataforma musical favoritahttps://ffm.to/o3ryedp
El podcast The Making Of cubre con una mirada exclusiva a los álbumes icónicos de los últimos 40 años.
The Making Of, un nuevo podcast dedicado a descubrir las historias detrás de algunos de los álbumes más icónicos de las últimas cuatro décadas se estrena en todas las plataformas. Conducido por la periodista Flor Frances, cada episodio presenta conversaciones profundas con los artistas y compositores que dieron forma a estos discos legendarios, explorando el contexto social y las anécdotas personales que los hicieron realidad.
Con episodios de aproximadamente 15 minutos, The Making Of ofrece una exploración breve pero enriquecedora de la historia de la música, convirtiéndose en una opción ideal tanto para los aficionados casuales como para los audiófilos experimentados. El podcast estará disponible en todas las principales plataformas de streaming, con nuevos episodios lanzados regularmente.
Además de la serie en streaming, The Making Of organizará entrevistas en vivo y por temporadas en Technique Records, una de las disquerías independientes más importantes de Miami. Estos eventos exclusivos estarán abiertos al público, brindando a los fanáticos la oportunidad de interactuar directamente con sus artistas favoritos.
Lista de episodios:
● Episodio 1: Mike Score sobre el álbum homónimo de A Flock of Seagulls
● Episodio 2: Robbie Grey sobre ‘Mesh & Lace’ de Modern English
● Episodio 3: Arthur Baker sobre ‘Planet Rock’ de Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force y Confusion de New Order (grabado en vivo en Technique Records)
● Episodio 4: Peter Hook sobre ‘Unknown Pleasures’ y ‘Closer’ de Joy Division
● Episodio 5: John Stainer (Battles) sobre ‘Gloss Drop’ (grabado en vivo en Technique Records)
Se cumplen 20 años del aniversario de ‘Soy yo’ de la agrupación bogotana El Cartel, una canción que cuenta una historia, no solamente de amor y desengaño, sino que tiene la llave a la puerta que lleva al descubrimiento del inicio del reggaetón en Colombia.
Juan Manuel Cárdenas (Baby Daddy) nombrado así por el mismo Daddy Yankee; Wilmer Julián Beltrán (AO) en honor al streetballer Aaron Owens, y Jhon Rodríguez (DjJar) nos regalan un breve repaso en la historia de los comienzos de este género que al sol de hoy honra a Colombia, a su cultura, a su música y a su economía, con los artistas más grandes de la industria mundialmente.
Pasaba raudo el año 2004 cuando en Bogotá y en uno de sus barrios populares al sur de la ciudad se empezaba a crear uno de los primeros grupos de reggaetón en Colombia. Influenciados por una cultura hip hop propia de la época, éxitos como ‘Encoré’ de Eminem, ‘Get rich or die triyin’ de 50 Cent y ‘The Chronic’ de Dr. Dre dominaron el mundo gracias a su sonido, rebeldía, vestimenta y letras; llegando a Colombia para encantar a los jóvenes bogotanos, quienes querían verse permeados por esta cultura americana.
En 2003 Juan Manuel Cárdenas González del barrio el Quiroga y Wilmer Julián Beltrán Barón de Villa Mayor se conocieron en las primeras fiestas de reggaetón en la capital llamadas ‘Reggaeton Party’, en donde generalmente los días domingo, en forma de miniteka, se reunían los nuevos adeptos de este género convocados por emisoras de la ciudad para bailar, escuchar música y demostrar su talento con micrófono abierto o freestyles callejeros. Para este año llegaba a Colombia la primera oleada del reggaetón con artistas como Don Omar, Tego Calderón e Ivy Queen, ritmo que si no fuera por la separación del Canal de Panamá sería un género tan colombiano como la arepa.
Adolescentes rebeldes, con pocas oportunidades, pero ante todo líderes y con un gran corazón, debido a su conocimiento musical que para otros era nuevo, formaron su crew reclutando así a los que posteriormente serían los primeros fans y testigos del inicio de este grupo que tomaría por nombre El Cartel.
El Cartel fue uno de los primeros grupos de reggaetón en Colombia y de Bogotá. Conformados por Juan Manuel, Wilmer Julián, Juan Camilo y Alejandro Prieto, empezaron a darse a conocer en el país en donde el género ya venía tomando fuerza con agrupaciones en Antioquia, Valle del Cauca y la Costa Atlántica de Colombia.
Junto a la agrupación Yenexis Mc, El Cartel fue una de las agrupaciones pioneras de este género en la capital, creando obras de su autoría con su propia esencia, identidad y producción. Por estas épocas no era tan sencillo producir canciones propias de reggaetón en la ciudad, siendo esto un acto de valentía que en contra de todo pronóstico sacaron a la luz las primeras canciones de su autoría.
Canciones como ‘Ponle’ de Yenexis y ‘Soy yo‘ de El Cartel hacen parte hoy en día del memorable, multimillonario y extenso catálogo del reggaetón colombiano siendo de las primeras canciones que llegaron a ser radiadas y exportadas al mercado americano.
Luego de componer sus primeras canciones en los callejones del barrio el Quiroga y de estrenar su primer EP ‘Agresivo, bailable y enérgico’, El Cartel le apostó a una propuesta romántica con notas de desengaño hasta lograr ser firmados en 2006 por la disquera puertorriqueña Diamond Music, del productor Iván Joe reconocido por álbumes como 12 discípulos, en alianza con Flamingo Records, disquera colombiana que en sus filas ya tenía a artistas como Carolina Giraldo Navarro ‘Karol G’ quien en ese momento actuaba en un dúo llamado Karol G y Lil Slim.
‘Soy yo’, distribuida por Diamond Music, salió en el álbum ‘La invasión’ que se estrenó a nivel mundial en radios colombianas y de Estados Unidos gracias a la colaboración, gestión y apadrinamiento del que se convertiría en su mánager, amigo, director y productor, Carlos Osorio ‘Lito el Boricua’, ciudadano puertorriqueño que por esos años visitaba Colombia, siendo testigo del nacimiento de un género que él mismo vio crecer en las calles de su natal país. ‘Soy yo’ fue producida por Jhon Alexander Rodríguez (Dj Jar), compañero de fórmula de Juan Manuel y Wilmer, y con quien produjeron el EP ‘Son capital’. Este trabajo fue grabado en casa con los recursos básicos de tres adolescentes talentosos y soñadores, llegando a crear obras maestras del género como ‘Dame’, ‘Doggy Style’ y ‘Súbele presión’.
Ana Barajas es una artista colombiana nacida en Tunja que vive desde 2011 en Austin, Texas. Su propuesta musical busca conectar sus múltiples experiencias sonoras con sus raíces como boyacense, colombiana y latinoamericana de la diáspora. Cree firmemente en que el arte y la música son las mejores formas de tender puentes entre culturas y experiencias de vida diversas.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de que la memoria es importante, que la palabra y la poesía siguen en la actualidad teniendo más valor que nunca, que la música tiene la capacidad de transportarnos a diferentes lugares, y que la curiosidad y la creatividad siguen siendo la mejor herramienta para mantener viva nuestra identidad colectiva en un mundo globalizado», cuenta la artista quien considera que su música tiene un elemento experimental fuerte y que si hay una línea que atraviesa todo lo que hace es la raíz.
‘Mango Motel’ es el nuevo disco de Ana Barajas, un homenaje a la música popular Latinoamericana de antes de los años setenta y sus recorridos y encuentros con la música hecha en Estados Unidos.
Es un disco fundamentalmente de versiones de canciones clásicas latinoamericanas en donde Ana Barajas explora en cada una de ellas otros sonidos y arreglos experimentales. La producción cuenta con sonoridades de jazz, surf, rock, country y tiene sampleos de material sonoro de películas antiguas. Es un álbum para escuchar, disfrutar y recordar.
«Es mi encuentro desde la diáspora con mis memorias sonoras familiares y con esa identidad que no veía tan clara estando en Colombia, mi identidad como Latinoamericana. ‘Mango Motel’ hace referencia a los moteles de paso en Estados Unidos a donde llegan viajeros y migrantes, lugares quizás genéricos, pero que tienen mucho que decir sobre las personas que pasan por allí, por eso se entremezcla por ejemplo el bolero con el surf, la ranchera con el country y la balada con la música gipsy, entre otros géneros», enfatiza la artista.
‘Mango Motel’ surge en pandemia cuando se frenó la música en vivo y Ana Barajas tuvo que retomar desde la producción y arreglos parte del repertorio que cantaba en Austin. La artista descubrió canciones que no conocía, la historia detrás de ellas y jugó a explorarlas a su manera y estilo, y junto a su amigo Phil Spencer, con quien coprodujo el álbum, trabajaron juntos sin miedo a explorar nuevos terrenos sonoros.
Según la óptica de Ana Barajas en ‘Mango Motel’, la primera canción ‘Ojos Bonitos’ describe cuando Los Andes se fueron para Texas, pero no dejaron sus montañas; ‘A Melody From Heaven’ es la historia de un bolero que se fue de viaje a Inglaterra en los años 50, hizo una película y se transformó en rock and roll; ‘Volver Volver’ es un mariachi en París, Texas; ‘Siboney’ es un encuentro de Tom Jones y Tom Waits en Cuba mientras se filma una película de cine negro, ‘My Funny Valentine’ es un jazz y un mojito en un bar clásico, ‘Tabú’ es un surf selvático y ‘Cara de Gitana’ representa a la gitana Latina que se fue a Los Balcanes.
«Quiero conectarme con la audiencia en Latinoamérica, desde hace muchos años vivo en Estados Unidos y me gustaría mucho poder compartir mi música en mi país y en la región, y que la gente encuentre múltiples maneras de conectarse a estas canciones desde la perspectiva en la que yo las presento. Tengo interés en poder promocionar mi música en Colombia y en poder tocar más seguido allá, y la intención de poder tocar en México y probablemente en Argentina este 2025», menciona.
La portada del disco fue realizada por la ilustradora tunjana Camila Niño también conocida como Infausta, quien también ha hecho las portadas de los 3 sencillos que Ana Barajas ha lanzado anteriormente. Está inspirada en los avisos antiguos de los moteles de carretera de Estados Unidos.
Ana Barajas tiene en paralelo a su carrera solista otro proyecto personal de música electrónica llamado VHU el cual se encuentra en periodo de finalización de su disco debut.
«Siento que es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme y descubrirme porque he venido trabajando por mucho tiempo, quizás más silenciosamente de lo que debía, en desarrollar una propuesta que hoy en día siento sólida y con un sonido propio que puede llevar a las personas a paisajes sonoros que aún no han visitado», concluye Ana Barajas.
Escucha ‘Mango Motel’ de Ana Barajas en tu plataforma musical favorita
La cantautora independiente Zofi Consta, oriunda de Panamá y residente en Miami, FL (EE.UU.), inicia el 2025 lleno de promesas y oportunidades. La artista trabaja fuertemente para lograr sacar durante la primera mitad del año los tres temas que completan su primer EP ‘Tu Favorita’. El primer sencillo de ese trabajo se titula ‘Breathe’ y ya está en las plataformas digitales. ‘Entre los dos’ es el segundo de cuatro temas que formarán su EP debut.
‘Entre los dos’ de Zofi Consta es una reflexión emocional sobre el conflicto interno que surge al estar atrapada entre dos amores muy distintos. La canción cuenta la historia de una joven que navega entre la pasión y la conexión emocional que siente con una persona, mientras encuentra estabilidad y cuidado en otra relación. Líneas como «Estoy entre los dos y no» y «Baby no eres tú, es que soy difícil de complacer» capturan el corazón de este dilema.
«Explora la complejidad de las emociones humanas tocando temas como la duda, la vulnerabilidad y las elecciones difíciles que enfrentamos en algún momento. Espero conectar con una audiencia que sienta que la canción cuenta su propia historia y la incluyan en momentos significativos de sus vidas. Mi sueño es que ‘Entre los dos’ inspire, emocione y se convierta en un himno para quienes navegan las complejidades del amor y las decisiones.», agrega Zofi Consta.
‘Entre los dos’ explora un sonido fresco y contemporáneo que combina elementos del pop latino, R&B indie y balada moderna con algo que sugiere sabor caribeño. La producción es suave pero envolvente, con una mezcla de ritmos electrónicos, progresiones melódicas cautivadoras y un teclado que aporta una atmósfera introspectiva. Se buscó que la batería añadiera dinamismo, mientras que los coros en momentos clave reforzaran la profundidad emocional del tema.
El video se realizó en Casa Providencia, en Medellín. El concepto y el alcance fueron definidos con el apoyo de JxC y su equipo. Expresa todo en blanco y negro para transmitir el contraste entre «lo uno y lo otro,» reflejando el conflicto de estar «Entre los dos.» A nivel narrativo, se centra en Zofi Consta, capturando lo que sucede en su interior y las emociones transmitidas en la letra del tema.
«Es una canción ideal para escuchar en noches tranquilas y en calma, ya sea en casa o mientras conduces, dejando que la melodía y la letra te envuelvan. En días de melancolía o nostalgia, cae bien mientras estás procesando emociones o recordando momentos especiales. También cae bien al enfrentarte a decisiones difíciles en el amor o en la vida ya que puede ser un acompañamiento emocional. Puede estar en playlists para momentos chill o románticos», enfatiza.
‘Entre los dos’ forma parte de un EP compuesto por cuatro canciones: dos en inglés y dos en español. Los cuatro temas buscan mostrar la versatilidad de Zofi Consta, permitiendo explorarse y descubrirse más como artista, retándose a sí misma y conectando con sus propias experiencias. La temática principal de este trabajo gira en torno al amor y las relaciones, basándose en vivencias personales.
Para este EP, Zofi Consta está acompañada de un equipo estelar: los talentosos Albert Sterling Menendez y Timothy «Tim» Mitchell (músicos de Shakira), junto con ritmos creados por «Beats by Forza» y mezclas de Franklin E. Socorro. La masterización estuvo a cargo de David Kutch de The Mastering Palace.
Zofi Consta se encuentra trabajando en un segundo EP con todos los temas en español. El plan es que esté saliendo en la segunda mitad del año. De igual manera, la artista panameña se encuentra preparando más presentaciones en vivo para ir promocionando su música como lo hizo recientemente en Miami, Florida en donde realizó un set acústico en Savage Labs Wynwood.
Salvaguardia es una banda de hardcore punk colombiana fundada hace 13 años en el municipio de Soacha, Cundinamarca. Conformado por Yesid Hernández (bajo), Andrey Feo (guitarra), Andrés Mancera (voz), Walter Duque (batería) y Johan Hernández (guitarra), el grupo desarrolla una propuesta única saliéndose de los cánones establecidos de la música extrema captando la atención del público a través de sonidos fuertes y agresivos, acompañados de líricas directas y digeribles; permitiendo generar una conexión cercana en quienes los escuchan, logrando así desarrollar una identidad propia con las problemáticas que vive el ciudadano de a pie en el día a día.
«Con nuestras canciones queremos romper la barrera entre público y agrupación, hablarle a nuestra audiencia con historias reales de tal manera que sienta una cercanía sobre los diversos temas que nos hacen humanos; desde el sentimiento de amor a nuestros padres, las vivencias entre amigos, las experiencias de vida y las criticas sociales», comenta la agrupación inspirada en la velocidad y la estridencia de Slayer, Sepultura y Obituary; la estética y el performance de Slipknot y Raise Of The North Star; y las líricas claras y directas del hardcore y el hardcore punk de la vieja escuela.
¡La rebeldía tiene una nueva voz!
‘Aborigen’ es lo nuevo de Salvaguardia, una canción que hace referencia a la llamada conquista de América que, como muchos de los grandes rasgos de la historia de América Latina y Colombia, están manchados de sangre. Habla del flagelo de nuestros ancestros y esas leyendas heroicas deformadas en los libros de escuela que pintaron como salvadores a saqueadores y asesinos.
A nivel sonoro, el intro de ‘Aborigen’ está ambientado en la paz de la naturaleza nativa, el sonido de la percusión hace referencia a los tambores africanos que alimentaron la música de los ancestros y tiene guitarras densas y agresivas al estilo del death metal que resaltan la violencia de la «conquista».
El video de ‘Aborigen’ fue filmado en el Festival Sua Rock 2024 en Soacha, escenario emblemático del lugar de nacimiento de Salvaguardia. En el clip, el grupo plasma la alegría y el apoyo de las personas que han seguido a la banda desde el principio captando sus diferentes reacciones.
«Esperamos que este lanzamiento tenga un impacto profundo en Colombia y Latinoamérica, inspirando al público a que nos escuche, vea el video y que los lleve a reflexionar sobre temas importantes más allá de la música. Queremos que las personas se identifiquen con temáticas atípicas lejanas de géneros que no tienen aportes culturales», agrega la banda colombiana.
‘Aborigen’ plasma la mezcla de sonidos que ha venido nutriendo la propuesta de Salvaguardia con su alineación actual y abre la puerta a nuevas canciones que están en proceso de composición y grabación. Este lanzamiento consolida el sonido que caracteriza al grupo y permite que sus temáticas rompan fronteras y generen mayor interés en sus seguidores.
«Queremos conectar con nuestra audiencia de manera más profunda y significativa, anhelamos que nuestra música sea un reflejo de las emociones que sentimos y las experiencias que vivimos. Esperamos tener un impacto positivo en nuestra comunidad y en la sociedad, inspirando a otros a crear música auténtica y con contenido», enfatiza Salvaguardia.
El diseño de la portada del sencillo plasma un aborigen con características típicas de los nativos latinoamericanos, resaltando la majestuosidad del jaguar y la apariencia exótica y llamativa de los ancestros guerreros, acompañado de tintes modernos al estilo del arte urbano.
Durante este año, Salvaguardia continuará grabando canciones para compartir en sus plataformas digitales. De igual manera, realizará videos, video lyrics, sesiones y presentaciones en vivo, y videos animados para que sus seguidores puedan tener una gran experiencia audiovisual de su proyecto. Finalmente, la banda tendrá su primera salida internacional a Chile con una gira que visitará varias ciudades del país austral. Las fechas del tour serán informadas a través de sus redes sociales.
«Coincidimos en que lo más importante para nuestra propuesta radica en el mensaje de nuestras letras ya que siempre realizamos una crítica a diferentes temas sociales, transmitiendo mensajes que aporten o revelen enseñanzas en la cotidianidad. Nuestro objetivo es brindar la oportunidad de que en otros países de Latinoamérica conozcan la propuesta, destacando la música, la cultura y la puesta en escena digna de ideas nacidas en un barrio popular», concluye Salvaguardia.
![[Estreno] Un disco para reconectarse con el amor propio, así es ‘555’ de Camilo Valencia](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/10/Camilo-Valencia-555-6.jpeg)
![[Novedad] Una invitación a no ocultar la tristeza, así es ‘Viejos Escombros’ de Leon Clef](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/09/Leon-Clef-Viejos-Escombros-1.jpg)
![[Lanzamiento] Un EP para afrontar la adultez en tono new wave, así es ‘Me dejé caer’ de Tomás Santiago](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/09/Tomas-Santiago-Me-deje-caer-4.jpg)
![[Estreno] Una canción que explora la lucha interna de un amor inconcluso, así es ‘Muriendo por vos’ de Insómnica](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/09/Insomnica-Muriendo-por-vos-4.jpg)
![[Estreno] Ale G Queen le canta al amor incondicional en ‘Pa’ ti es bonito’ ¡Mira el video!](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/07/Ale-G-Queen-3.jpg)
![[Estreno] Una canción de desamor con sonidos R&B, así es ‘La condena’ de DIMC](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/06/DIMC-3.jpg)
![[Novedad] Zofi Consta presenta ‘Entre los dos’, una ruleta de emociones introspectivas](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/02/Zofi-Consta-Entre-los-dos-1.jpg)
