«Pagan Rituals» es el segundo álbum solista de Myrmann, mucho más pesado que el álbum debut solista «Tranquility». El nuevo álbum es una mezcla de metal moderno y de la vieja escuela, con un enfoque en la aspereza, riffs pesados, bombo explosivo, solistas de guitarra altísimos y algunos solos de guitarra con influencia de los ochenta. Una narrativa que toca variedades de diferentes estilos de música heavy, como heavy metal, thrash metal e incluso un poco de black metal y death melódico.
La trama gira en torno al paganismo, los rituales y la mentalidad terrenal que evoca en general. Ambos álbumes en solitario son paisajes sonoros instrumentales del artista. Myrmann toca todos los instrumentos excepto la batería que está programada. las mezclas y todas las producciones son de Myrmann. Myrmann también es la fuerza impulsora detrás del grupo de metal islandés Sorg.
Luego de publicar el sencillo ‘Traporal’ y de generar curiosidad en términos de recepción en medios y audiencia en Latinoamérica, gracias a la fusión de dos estilos bastante diferentes como el caporal y el trap, la agrupación de música latina Calle Mambo está de vuelta con ‘Sopla Gaitero’.
‘Sopla Gaitero’ de Calle Mambo es una canción que narra la historia de un personaje que decide dejar su relación amorosa para perseguir sus sueños y explorar nuevos horizontes, colocando el amor en un segundo plano y llevando consigo solo una gaita colombiana y sus aspiraciones como únicas compañeras.
«‘Sopla Gaitero’ es mucho más que una melodía; es un llamado a ser fieles a nosotros mismos y a atrevernos a seguir nuestros corazones, incluso si eso significa dejar atrás lo que conocemos», comenta el grupo.
La canción incorpora diversas texturas y sonidos. Por un lado, presenta elementos de la música colombiana con gaitas, tambores alegres y maracas. Por otro lado, incorpora elementos de la música raggamuffin, urbana y electrónica en el ritmo. En definitiva, es una electro cumbia folclórica.
«Creemos que ‘Sopla Gaitero’ es una canción poderosa y sincera, con arreglos musicales y folclóricos que reflejan nuestra pasión por la música latina», comenta la banda. «Es una invitación a romper con la rutina», agrega la banda conformada en la actualidad por Dante Parraguez, Guillaume Laumiere, Erkki Nylund y Jhon Valle.
El videoclip de ‘Sopla Gaitero’, filmado durante el Festival de Pardiñas en España, captura la energía y la emoción del momento, con una multitud entregada que baila al ritmo de la música. Es un testimonio de la conexión única que la música puede crear entre las personas, además, significó un momento mágico en la carrera de la banda.
‘Sopla Gaitero’ es una canción llena de colores vibrantes, al igual que la naturaleza que produce el viento de la Gaita. Tres colores vivos componen la tipografía fluida de la portada que, al igual que el viento, se unen para formar el título de la canción. Además, hay dos gaitas en la imagen, pues son las protagonistas de la canción.
El tercer disco de estudio de Calle Mambo ha sido completado en el proceso creativo y de grabación después de tres años de trabajo. Ahora, el álbum se encuentra en proceso de mezcla y masterización.
«Estamos preparando un espectáculo potente para este nuevo álbum, lleno de historias y colores diferentes, donde queremos llevar al público en un viaje instrumental y bailable con un mensaje para reflexionar. Ya tenemos varios festivales confirmados en Europa y también estamos tratando de llegar a América Latina, incluidos México, Colombia y Chile», concluye Calle Mambo.
El sonido de ‘The Grave is Done’, desde el primer segundo, es intenso. Es una canción que toma como punto de partida la estridencia y la densidad que identifican al groove metal; sin embargo, la exploración que realiza Premórvida, a través de diversas expresiones duras del rock, permite que sea una obra atravesada por diferentes atmósferas sonoras.
Concebida con el propósito de sacudir la conciencia de la humanidad en torno a su relación con su entorno natural, ‘The Grave is Done’, realiza un retrato de la huella fatídica que ha dejado el ser humano en el planeta, cuestiona las dinámicas enfermas de la industria y abre un diálogo incómodo que no ha sido abordado con la seriedad que merece.
«Cada elección que hacemos, desde lo que consumimos hasta cómo nos desplazamos, moldea el destino del planeta que compartimos», explica Premórvida.
El video que acompaña ‘The Grave is Done’, es una pieza audiovisual desarrollada en un escenario futurista, vanguardista y apocalíptico. Su estética, desde lo simbólico, busca representar el rol de la industria y la tecnología en el mundo contemporáneo, al tiempo que encapsula la exploración musical, que ha realizado la agrupación bogotana desde su fundación en 2013.
«Este vídeo en croma, no solo es un escaparate visualmente impactante; sino, también, el testimonio de la capacidad del metal para reinventarse y adaptarse a los desafíos del futuro», agrega la banda conformada por Javier Herrera, Camilo Da Yossa, Néstor Avendaño y Camilo Herrera.
La cantante española y letrista La Jose, presenta en México su canción Mujeres de Caña, el nuevo single con videoclip, un encuentro intercultural de mujeres creadoras donde se entrelazan raíces sudamericanas y españolas en un flujo musical que porta un mensaje de libertad, unidad y empoderamiento de las mujeres. Es un canto donde se reflejan la fuerza del Flamenco, del folclore Ibérico, y de la América Latina.
Mujeres de Caña cuenta con colaboraciones de tres voces de mujeres españolas de trayectoria y renombre musical indiscutible como Rozalén, La Mare y María Ruíz así como Nidia Góngora como colaboradora, exponente del folclore del Pacifico afrocolombiano que funden en un mensaje que expone con rotundidad que las «Mujeres nos levantamos” y“Que somos libres sin amos”.La canción nace cuando
la Jose reside y realiza
laboressociomusicales en el suroccidente de Colombia hace algunos años, “
De manera orgánica escribí y compuse la canción como himno para un movimiento de mujeres que allí luchaban por hacerse escuchar en entornos de derechos laborales a los que no suelen tener acceso en un contexto patriarcal de discriminación”. menciona La Jose.
Hoy Mujeres de Caña ofrece un sonido sólido y renovado bajo la producción del reconocido Ismael Guijarro y podemos disfrutar del resultado en una propuesta tan de raíz como contemporánea, que se suma a unvideoclip de radiantes colores y fuerza de todas las mujeres de caña e invitadas participantes bajo el prisma del realizador Gerardo Yllera con el que la Jose ya ha sacado otros trabajos visuales.
En el proyecto de filmación participaron mujeres muy diversas: gitanas, negras, latinas, mestizas y blancas de tres continentes, aportando coherencia a lo que se quiere contar y cantar, ya que se trata de un valor global que ha traspasado y debe continuar traspasando fronteras.
La música fluye y entre Quejios flamencos y chureos afrocolombianos se dan la mano haciendo brillar la fuerza de estilos que se encuentran y se entienden a la perfección, nacidos todos ellos al calor de pueblos oprimidos y ancestrales que hoy toman conciencia de su valor único.
La tambora colombiana, el pandero ibérico, las palmas y la guitarra flamenca, el ronroco argentino, las voces rotundas de una y otra orillas confluyen en este espectro de conexiones que se nutre de la Historia de las mujeres del mundo, y en especial de las racializadas, apuntando a construir el futuro.
Podemos disfrutar de la canción en las plataformas digitales de escucha así como del videoclip en las redes sociales y canal de Youtube@lajosemusic desde el 24 de noviembre de 2023.
Más allá de las diferencias culturales de cada país de Latinoamérica, hay un lazo que atraviesa al continente, identifica a sus hijos en cualquier lugar y delata su origen. Ese lazo no es otro, que la alegría heredada de los ancestros; misma que se transmite a partir de los ritmos del Caribe y del Pacífico y se expresa a través del baile.
A esa esencia latina, la agrupación de cumbia psicotropical, Sonora Vox, rinde un homenaje en su más reciente lanzamiento, ‘Bailoteo’, seductora canción permeada de ritmos provenientes del reggae, el afrobeat, el dancehall, el R&B, el rock, el ska, entre otros. Su sonido es contagioso y es una invitación a dejarse llevar por la alegría que transmite.
«La letra se inspiró en el bailador; en esa persona que siente la música y no teme a expresarse mediante el baile», explica Sonora Vox.
‘Bailoteo’, es una experiencia sensitiva que reúne diversas posibilidades musicales, con el fin de inyectar mensajes positivos y enviar un recordatorio de sabrosura y gozadera. Su sonido, influenciado por Manu Chau, Fabulosos Cadillacs, Sistema Solar y The Skatalites, recoge la esencia que ha buscado proyectar la agrupación desde su fundación en 2020.
‘Bailoteo’, forma parte del EP ‘Fuego en el Área’, el cual verá la luz a mediados de 2024; también, es la canción con la que la agrupación desea darse a conocer en el continente, para extender su mensaje a los países de la región.
En un lanzamiento musical que promete capturar la esencia del amor y la pasión, el artista puertorriqueño Ery presenta su más reciente sencillo titulado «Isla Verde», disponible con su video oficial en todas las plataformas digitales.
«Isla Verde» no es solo una canción, sino una experiencia auditiva que transporta al oyente a un encuentro romántico, marcado por la intensidad de la pasión y una estética vibrante. El tema se inspira en las vivencias personales de Ery, quien a través de su música, narra la historia de un amor intenso y fugaz, dejando una huella imborrable en el corazón de aquellos que han vivido experiencias similares en la icónica isla.
La producción de «Isla Verde» estuvo a cargo de Adalvier Hernández (Admes) y Aryan Jamir Belyakov, quienes lograron fusionar el ritmo característico del reguetón con elementos que evocan tanto el romanticismo como una seducción audaz.
El video musical, dirigido y producido por Fercho Velázquez en la vibrante ciudad de Medellín, Colombia, complementa a la perfección la narrativa de la canción. Con una estética que resalta los colores negro y rojo, símbolos de misterio y pasión respectivamente, y una influencia visual asiática, el video invita a los espectadores a sumergirse en la atmósfera única de «Isla Verde».
«Isla Verde» ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a experimentar el poder del amor y la conexión humana a través de la música de Ery.
En una fusión única de melodías urbanas y una interpretación vocal inconfundible, el artista colombiano Beéle presenta su más reciente obra musical, “Soy un HP”. Este sencillo, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, promete ser una revolución en el género de la balada urbana.
“Soy un HP” emerge de la colaboración entre Beéle y un equipo de compositores de renombre, incluyendo a, Andrés Correa Ríos, Gerald Oscar Jiménez Soundboy, y Super Dakis quienes juntos han creado una obra que no solo destaca por su calidad musical, sino también por su profundidad lírica. La canción narra una historia de amor con un toque de sensualidad y romanticismo, elementos que son ya una firma inconfundible de Beéle.
La producción del video musical estuvo a cargo de Ximena Vargas Rocha, bajo la dirección de Sergio de Avila y Jérôme Lehoucq, y producido por Kinofónica. El video es una pieza artística que visualmente complementa la esencia de la canción, introduciendo elementos de fantasía y mostrando a Beéle en un performance romántico y cargado de emoción. La interacción con la protagonista de la historia agrega una capa de profundidad y sensualidad, invitando a los espectadores a sumergirse en el universo musical del artista.
Beéle, con este lanzamiento, demuestra una vez más su versatilidad y su capacidad para innovar dentro de su género, ofreciendo a su audiencia una experiencia musical que trasciende lo convencional. “
El sencillo “Soy un HP” ya está disponible para su disfrute en todas las plataformas digitales.
Cancion afrobeat dancehall con ritmos y melodias brasileñas,el concepto de la cancion es muy comercial y sus ritmos son agradables para cualquier persona con cualquier gusto musical
Escribí la canción principal “Maybe” durante mi último año de escuela secundaria cuando estaba simultáneamente aterrorizado y emocionado por mudarme al otro lado del país para ir a la universidad. Compartí mi aprensión con mis padres y nos preguntamos «¿Qué es lo peor que podría pasar?». conversación. Mi papá me recordó una historia llamada «La suerte del granjero» de uno de mis libros favoritos que me leía cuando era niño, llamado Zen Shorts de Jon J Muth. Sigue a un oso panda llamado Stillwater que les enseña a los niños importantes lecciones de vida, una de las cuales abarca la idea de «tal vez». A veces, cuando las cosas dan miedo o son malas, pueden terminar siendo eventos que nos envían hacia direcciones nuevas y emocionantes. Me he tomado en serio esta filosofía positiva del “tal vez”, y las ideas están entretejidas en todas las canciones de mi nuevo EP.
Originalmente escrita para una campaña publicitaria de zapatillas PUMA que finalmente fue descartada después de la producción, «Way Out» es una tranquila canción de pop alternativo de ritmo medio que presenta un gran ritmo con percusión étnica subyacente y sintetizadores analógicos antiguos que crean una base para el tenor de Korkidis sobre el arriba. La canción trata sobre el ciclo interminable de una relación sin compromiso.
Justo en el momento en que el Perú hay una discusión sobre la relevancia de la radio y su importancia para generar audiencias y tendencias, siendo un país donde aún el 72% de la población la utiliza para escuchar música, por encima de las plataformas digitales, la letra del tema narra un poco el proceso por el que un músico debe pasar para poder intentar ser radial. Lamentablemente, al no existir un énfasis en identidad y cultura, la ley radial no se cumple en el Perú, generando que sigan pasando música de hace 40 años, por ende, la percepción del público es que no hay música peruana lo suficientemente buena, lo cual es falaz. Hace una semana cerró una de las radios más importantes del país, justamente por pasar las mismas 20 canciones durante años. Esto ha generado y reabierto la eterna discusión sobre la música peruana en la radio, que justo es el tema lírico de la canción. Sumamos al tema a Wendy Sulca, de quien soy manager y con quien he ido personalmente a las radios, y la han hecho llorar a ella y a su madre, por la imposibilidad de poner su música, basada en excusas. De igual modo, Nicolás Duarte, vocalista de La Mente y Cuchillazo, se suma a esta canción para darle la fuerza necesaria. De hecho la referencia de composición es «El Carnal de las Estrellas», de Molotov.
Knut alias Maaknum nació en 1996 en Rostock, noreste de Alemania. Tocaba la batería desde 2006 y tocaba en una orquesta durante varios años. Los primeros pasos en la producción musical los dio en 2010. Desde entonces ha estado practicando y disfrutando haciendo música.
11 Onzas, una banda que abraza una amplia gama de estilos musicales que van desde el Folk hasta el Reggae, pasando por el Bossanova y el Ska, está ganando terreno en la escena musical con su evolución constante y su enfoque fresco y ecléctico.
Lo que comenzó como un proyecto solitario con un único miembro y un ukelele ha evolucionado hacia una formación sólida compuesta por varios talentosos músicos. Esta transformación en curso ha sido testigo de la maduración y consolidación de 11 Onzas como una fuerza creativa en constante crecimiento.
A pesar de encontrarse aún en plena mutación, 11 Onzas ha lanzado recientemente su trabajo de dos años al mundo, ofreciendo una mezcla cautivadora de música fresca, letras profundas que rozan la poesía y un aura de buen rollo que no pasa desapercibido.
La banda ha logrado tejer una narrativa musical única que se mueve fluidamente entre diferentes géneros, fusionando elementos de Folk, Reggae, Bossanova y Ska para crear un sonido distintivo y cautivador. Este enfoque ecléctico y diverso ha sido recibido con entusiasmo por parte de los oyentes, quienes aprecian la originalidad y la autenticidad que 11 Onzas aporta a su música.
Las letras de las canciones de 11 Onzas son otro aspecto destacado de su trabajo, con profundas reflexiones que rozan la poesía y que invitan a la contemplación y la introspección. La combinación de melodías pegadizas y letras conmovedoras crea una experiencia auditiva que resuena en el corazón y la mente del oyente.
Con su enfoque fresco y su capacidad para explorar una amplia variedad de estilos musicales, 11 Onzas está dejando una marca indeleble en la escena musical, cautivando a su audiencia con su talento, su creatividad y su pasión por la música. En un mundo donde la diversidad y la innovación son valoradas, 11 Onzas brilla como un ejemplo de la riqueza que surge cuando se exploran los límites de la expresión musical.
Durante un concierto reciente, Rebel Rootz, la banda conocida por su energía y frescura, sorprendió al público con una reinterpretación electrizante de «La música no existe», una canción original de Coez. La atmósfera se llenó de una emoción contagiosa mientras la banda se sumergía en su versión única de la canción, mostrando su destreza musical y su habilidad para reinventar éxitos establecidos.
El líder de la banda, Massimo (Menny) Fontanari, compartió la génesis de esta audaz elección musical. «La idea nació por diversión», explicó Fontanari. «Estábamos en la sala de ensayo preparando el show en vivo para el fin de semana y queríamos traer algo diferente, algo que nunca habíamos hecho antes». La voluntad de Rebel Rootz de experimentar y explorar nuevos horizontes musicales llevó a la idea de transformar una canción existente y adaptarla a su propio estilo.
Fontanari reveló su admiración por Coez y la escena indie italiana en general, lo que impulsó la elección de «La música no existe». La canción original, con sus letras reflexivas y su ritmo pegadizo, proporcionó la tela de fondo perfecta para la reinterpretación creativa de Rebel Rootz. La banda logró capturar la esencia de la canción mientras infundía su propio sello distintivo, creando así una experiencia única y emocionante para el público.
La respuesta del público al rendimiento fue abrumadoramente positiva, con una gran aceptación y entusiasmo por la frescura y la energía que Rebel Rootz aportó a la canción. La reinterpretación resonó con la audiencia, destacando la capacidad de la banda para conectar con su público y transmitir emociones a través de su música.
Con su actuación en vivo, Rebel Rootz ha demostrado una vez más su versatilidad y su capacidad para sorprender y cautivar a su audiencia. Su enfoque innovador y su pasión por la música prometen seguir inspirando y emocionando a los fanáticos en futuros espectáculos. Con cada actuación, Rebel Rootz continúa consolidando su posición como una fuerza creativa en la escena musical, llevando su arte a nuevas alturas y emocionando a todos aquellos que tienen el privilegio de presenciar su talento en vivo.
El carismático artista de pop alternativo Kai Bosch anuncia planes para su próximo EP ‘Love, Throw Me A Bone’, una colección devastadoramente hermosa de canciones sobre el desamor tras el final de una tumultuosa relación con su exnovio, y que se adelanta en el nuevo sencillo » Funny”, un himno de ruptura con dos dedos en alto.
Con las ofertas previamente compartidas “Tulips” y “Bodybag”, esta nueva colección de cinco pistas llega con su forma más ambiciosa hasta el momento. Habitualmente adopta una multitud de ideas diversas en su trabajo, ‘Love, Throw Me A Bone’ busca cimentar esa energía dinámica que ha estado cultivando últimamente y revelar algunos de sus esfuerzos más innovadores hasta el momento.
Mostrado en el nuevo sencillo, “Funny” ilustra perfectamente esta naturaleza aventurera hacia la que se ha estado moviendo recientemente. Con sus texturas suaves y atractivas acompañadas de ganchos llenos de ritmo, 2024 continúa consolidándolo como uno de los nombres más exploradores en ascenso en este momento.
Añadiendo sobre “Gracioso”, dijo: «Lo gracioso fue un total accidente para mí. Por lo general, me gusta escribir sobre cosas en retrospectiva cuando puedo mirar algo desde una distancia donde puedo ser mucho más reflexivo y poético en mi disección de algo – sin embargo, con Funny entré enojado al estudio!
“Había estado teniendo una semana realmente terrible, me encontré con mi ex en el metro por primera vez desde que rompimos y él era una persona totalmente diferente; eso me rompió el corazón nuevamente, pero para empeorar las cosas, descubrí al día siguiente que estaba en una relación con otra persona, y así había sido desde que rompimos.
«Pasé por un torbellino de emociones, pero finalmente me decidí por la ira, así que cuando llegué al estudio con mi amigo Gabe Coulter terminé vomitando los pensamientos más sutiles y sin filtrar en ese micrófono.
«En general, Funny explora el resentimiento y la ira que siento por mi ex, pero también lo vergonzoso que me resulta haber pasado tanto tiempo anhelándolo; cada vez que contuve la respiración al pasar por su parada en el metro, miré por su rostro en un mar de viajeros en hora pico, seis meses de esperanza de que nos volviéramos a cruzar y reunirnos como algo más que extraños solo para descubrir que había estado con otra persona todo el tiempo: ¡destrozando el alma!»
Para promover la labor artística en diferentes territorios del país y potenciar el desarrollo de contenidos de comunicación y propuestas innovadoras alrededor de los lenguajes audiovisuales, cinematográficos, escritos, fotográficos, sonoros y digitales, la Dirección de Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos, del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, tiene a disposición 3.875 millones de pesos del Portafolio Nacional de Estímulos – PNE 2024, para entregar a los agentes del sector a través de 14 convocatorias que están abiertas hasta el 5 de marzo en www.estimulos.mincultura.gov.co.
Son 147 estímulos individuales los que se entregarán a través de estas convocatorias que incluyen 12 becas y dos reconocimientos. En la oferta están las Becas para la realización de cortometrajes regionales con 360 millones de pesos para proyectos de ficción, documentales o animaciones; la Beca de escritura de guion para largometraje que entregará 105 millones de pesos para el desarrollo de obras inéditas creadas por colectivos de cine comunitario; la Beca para producción de documentales de archivo y la Beca para la gestión de la memoria audiovisual colombiana que, con 240 millones de pesos y 340 millones de pesos respectivamente, promueven el uso, la preservación y la circulación de la historia audiovisual del país.
También están disponibles tres Becas de creación y producción de contenidos audiovisuales, sonoros, editoriales y digitales con un total de 943 millones en estímulos; una de estas convocatorias está dirigida especialmente a mujeres y otra a fortalecer el trabajo de creadores pertenecientes a los grupos étnicos del país. En esa misma línea de inclusión y enfoque de género, el portafolio de estímulos de la DACMI tiene abierta la convocatoria Comunicación y territorio: beca de formación y creación de contenidos, con 400 millones de pesos para fortalecer los procesos en comunidades campesinas, indígenas, afrocolombianas, negras, palenqueras y raizales.
En el campo de la investigación hay dos opciones: la Beca de investigación de públicos del sector sonoro y medios interactivos con 240 millones de pesos y la Beca de investigación y gestión de la memoria audiovisual y sonora colombiana en la construcción de públicos con 160 millones de pesos en estímulos. La primera busca ampliar información como la interacción, los hábitos de consumo y la capacidad de generar diálogo social, entre otros, mientras que la segunda cuenta con tres categorías que buscan generar procesos, diálogos y reflexiones alrededor de temas que promueven la preservación y la conservación de la historia audiovisual colombiana.
De otro lado, la Beca de circulación para agentes del sector cinematográfico en eventos nacionales e internacionales entregará 200 millones de pesos a través de 16 estímulos para la participación en mercados, talleres, encuentros, laboratorios y festivales, que permitan construir redes de trabajo. También está abierta la Beca a muestras y festivales de cine y audiovisual que realicen la primera o segunda versión, con un total de 60 millones de pesos que apoyarán la programación de películas nacionales y de producción regional para fomentar la asistencia de las comunidades en diferentes territorios del país.
Además, el Portafolio de Estímulos de la DACMI entregará 650 millones de pesos en 28 estímulos del Reconocimiento “Colombia de película” a la labor de agentes y procesos de programación de cine y audiovisual colombiano; otros 177 millones de pesos serán entregados a través de las cinco categorías del Reconocimiento a narrativas de la diversidad hechas por personas con discapacidad: mejores series fotográficas, mejores producciones sonoras, mejores producciones digitales, mejores producciones audiovisuales y mejores producciones cinematográficas.
A esto se suman cinco convocatorias que la Dirección de Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos – DACMI tiene en articulación con otras direcciones del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes. Son 2.850 millones de pesos adicionales y 80 estímulos individuales que se entregarán a través de las siguientes convocatorias:
Reconocimiento a la sostenibilidad de procesos cinematográficos y de medios de comunicación comunitarios, alternativos y populares.
Beca de circulación internacional para las artes, las culturas y los saberes.
Beca de circulación nacional de las artes, las culturas y los saberes.
Reconocimiento a la contribución de las prácticas, saberes y conocimientos propios en el cuidado de la vida y lo común.
Beca de fomento a las prácticas artísticas de sectores sociales y poblacionales específicos.
Este lunes, Colombia dio un nuevo paso en el proyecto de investigación del hallazgo del galeón San José: la firma del convenio marco entre el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, el Ministerio de Defensa (a través de sus entidades ejecutoras: Armada de Colombia y Dirección General Marítima – DIMAR) y el Instituto Colombiano de Antropología e Historia – ICANH.
Este hecho significa que las entidades firmantes se comprometen durante los próximos cinco años a disponer los recursos financieros, físicos, técnicos, administrativos y a los que haya lugar para desarrollar todas las actividades que requiera el proyecto de investigación científica del galeón San José; así como otros estudios sobre Patrimonio Cultural Sumergido en aguas colombianas.
Este convenio también garantiza que las entidades involucradas adelanten los convenios necesarios para llevar a buen término los componentes de la misión científica y cultural para conocer todo lo que tiene para decirnos el bien de interés cultural galeón San José sobre nuestro pasado.
Esta firma materializa el compromiso del Estado colombiano de proteger y conservar el Patrimonio Cultural Sumergido de todos los colombianos. Así mismo, se convierte en la primera acción del país en cumplimiento de la Ley 1675 de 2013, cuyo alcance está enmarcado en las actividades permitidas sobre el hallazgo arqueológico: exploración, intervención y conservación.
Más sobre la investigación científica y cultural
Durante el año 2024, el Estado colombiano invertirá cerca de 18 mil millones de pesos, que incluyen el fortalecimiento de su capacidad técnica con la adecuación de un vehículo operado remotamente (ROV, por sus siglas en inglés), que será dirigido desde el buque multipropósito ARC “Caribe”, que tiene capacidades duales (desarrollo científico e investigativo) y las condiciones que necesita el robot para bajar a grandes profundidades, sin perder estabilidad.
Durante este año también se invertirá en la infraestructura existente del Centro de Investigaciones Oceanográficas e Hidrográficas del Caribe – CIOH – de la DIMAR, se comprarán equipos de laboratorio y se adecuarán algunos espacios para contar con la tecnología e insumos que requieren los investigadores del proyecto, con énfasis en la estabilización de los materiales.
La primera campaña de exploración, que se calcula para inicios del segundo semestre de este año, requerirá, además, entrenamientos operativos y logísticos.
Berry Lee Berry & the Benders es una nueva banda formada por dos artistas, Veronique Hogervorst Benders y Martinus Benders – Hogervorst.
Ambos se describen a sí mismos como ‘Gnostafari’ y quieren hacer música reggae que sea edificante y poética. Hay una entrevista disponible con ellos en Hieperdepiep.
Nacida en Suecia, criada en Estados Unidos, Tailandia y Europa… Anouschka ha viajado por el mundo e incorporado muchas influencias musicales como reggae, bossa, jazz y pop en sus canciones. Primer lanzamiento de “Anouschka” en Boston, EE. UU., una colección de canciones de cantautores con letras escritas mientras estudiaba en Berklee College of Music. “My Kind of Heartbreak”, un álbum inspirado en el blues con canciones escritas mientras vivía en Estocolmo, Suecia (donde nació). «¿Entonces por qué?» más atrevido con influencias de pop y rock y consta de canciones escritas durante su estancia en Berlín, Alemania. “Hollywood Ending”, un crudo álbum en solitario solo ella y la guitarra grabado en Berlín, Alemania. Canciones de “The Africa Collection” escritas durante los últimos 20 años durante sus visitas a Kenia, donde innovó por primera vez el estilo fusión en 2013 al combinar kiswahili, inglés, composiciones occidentales y ritmos locales. Canciones de “The Bedroom Collection” escritas en los últimos años en Berlín y Suecia mientras aprendía a producir en casa. Anouschka ha obtenido numerosos premios y ha realizado giras y actuado tanto en escenarios de bandas como como solista en Europa, Kenia y EE. UU.
PRIMATES es una banda chilena de rock alternativo integrada por Ignacio Canales, Felipe Fernández, Vicente Pozo y César Martínez. Comenzó con una serie de jam session e improvisaciones entre Nacho, Vicho y Pipeño, hasta la inclusión de César en 2022. PRIMATES es una propuesta fresca, honesta y original, cuyo origen es el rock en alquimia con diferentes elementos de otros géneros de hoy. Con un potente y eléctrico show en vivo, queremos devolver el rock a la gente.
Originario de la ciudad musical de Atenas, Georgia, Heart of Pine fue formado en 2015 por Steven Bagwell y Travis Richardson luego de una serie de sesiones de composición altamente productivas. El sonido autodenominado “Southedelic” de Heart of Pine está inspirado en una culminación de influencias que abarcan los géneros rock clásico, blues, country, jam, americana y funk. Seguramente los oyentes escucharán el impacto que artistas como The Allman Brothers Band, The Black Crowes, Waylon Jennings, The Band, Grateful Dead, Little Feat y Lynyrd Skynyrd han tenido en los miembros de la banda. Heart of Pine ha compartido escenario con artistas como Turnpike Troubadours, Brent Cobb, Drivin N Cryin, 49 Winchester, Red Clay Strays y Corey Smith. En 2019, Heart of Pine lanzó su álbum debut Highly Flammable. Este lanzamiento fundamental incluyó a los futuros favoritos de los fanáticos, Evangeline, Four Feet Deep y Gypsy Queen, entre otros. Highly Flammable muestra la poderosa voz de Steven Bagwell y su entrega vocal sin esfuerzo, mientras que la composición complementaria de Steven y Travis Richardson se destaca como siendo único, pero también cómodamente familiar. Ansiosa por aprovechar la recepción abrumadoramente positiva de Highly Flammable, la banda volvió al estudio y grabó el EP titulado Southedelic en 2020. Las canciones I Ain’t, High Time y The Other One iluminaron a una banda que claramente había encontrado su sonido, que descansa cómodamente en los reinos de la psicodelia sureña y la narración de historias en el porche trasero. Escuchar Heart of Pine podría compararse con navegar por un camino de tierra aparentemente interminable al atardecer en una vieja camioneta con las ventanillas bajadas, un puñado cada vez menor de hongos y el olor a glicina que te inunda mientras las ranas toro dan una serenata a la luna llena naciente. En los últimos años, Heart of Pine ha ampliado su formación para incluir al extraordinario tecladista Jesse Fountain, al multiinstrumentista Boone Hood en el bajo y al veterano músico de Atenas, Georgia, Todd Headley, a la batería. Esta configuración actual realmente ha encendido a la banda y ha estimulado el desarrollo del sonido de Southedelic que los fanáticos han llegado a conocer y amar. ¡En 2024, Heart of Pine lanzará su segundo álbum de estudio de larga duración! Heart of Pine no tiene miedo de arriesgarse musicalmente y se esfuerza constantemente por ampliar su sonido, mientras se mantiene arraigado en una composición atractiva, honesta y sincera. Si aún no has visto un espectáculo de Heart of Pine, ¡ahora es el momento de subir a bordo!
Acabo de lanzar la cuarta de 11 canciones que se lanzarán en la primera mitad de 2024. ¡¡¡Las primeras tres que lancé se reproducen en la radio FM en más de 9 países!!! Así que cruzo los dedos para el 4, “El Amor No Alcanza”… (es mi favorito personal)
Al crecer en Kentucky, Jim Duff consideró a los compositores de música country y folk tradicional como sus principales influencias. Artistas como Waylon Jennings, Kris Kristofferson, Guy Clark, Bob Dylan, John Prine y Townes Van Zandt han tenido un gran impacto en la escritura de Jim. Jim ha realizado giras por todo Estados Unidos, Puerto Rico y todos los puntos intermedios. Ha tocado en grandes festivales y escenarios famosos como el Dolby Theatre (anteriormente conocido como Kodak Theatre) en Hollywood California, The Blue Bird Café en Nashville y Old Quarter Café en Galveston Texas y Cactus Café en Austin Texas. En 2018, un devastador informe médico cambió la vida de Jim para siempre. Le diagnosticaron cáncer de melanoma en etapa cuatro en el cerebro, el pulmón, el hígado y la cadera. En abril de 2019, se había recuperado notablemente y comenzó a trabajar con sus canciones y música. Jim lanzó una increíble serie de sencillos, EP y un álbum de larga duración. En menos de dos años produjo un catálogo digno de su carrera. Luego vino una gira que lo llevó de regreso a Texas. No ha sido fácil. El cáncer volvió a atacarlo en 2020 y 2021, pero con la ayuda de sus médicos, familiares, amigos y las oraciones de los fanáticos, una vez más se está recuperando. Los tratamientos continúan pero Jim no deja que nada se interponga en el camino de la música. Todavía está escribiendo, grabando, haciendo giras y lanzando nuevas canciones. Jim Duff sigue luchando contra el cáncer todos los días. Pero se niega a permitir que eso lo frene. El show debe continuar. Hay historias que contar y canciones que escribir y cantar.
Nesbeth, el aclamado artista internacional de reggae, presenta su último sencillo, «Who’s the Man», un himno convincente que habla de la búsqueda universal de la autorrealización y el respeto por uno mismo. Lanzada el 26 de enero de 2024, la canción resume la profunda comprensión de Nesbeth del espíritu humano y su creencia en la superación de los desafíos para manifestar el verdadero potencial de cada uno.
Tras el éxito de su lista de Beatport que encabezó Mixtape 1: #Heaters (con Spotify, UKF y Dub Rebellion apoyando el lanzamiento de 2023), ENiGMA Dubz regresa en 2024 con la próxima entrega de la serie, Mixtape 2: #Vibes.
Retenido para explotar el día del lanzamiento de #Vibes está el futuro himno de baile de UKG, Free Ur Mind. Con una de las propiedades más populares de la música bass del Reino Unido en este momento, Lauren L’aimant, la canción rezuma euforia, autoempoderamiento y una liberación emocional que solo la música puede brindar. Confirmado para un estreno en YouTube en el Reino Unido el día antes del lanzamiento, la impecable producción de garage y breakbeat de ENiGMA se combina con un coro que se cantará en las próximas décadas.
Primero te sirvieron el calor, ahora es el momento de perderte en las vibraciones.
Estamos encantados de presentar el último lanzamiento electrizante de Definición Records: “Rituales” del talentoso artista Christian Fischer. Este sencillo es un himno de club diseñado para encender las pistas de baile de todo el mundo con sus vibraciones techno melódicas modernas y sonidos rave eufóricos.
Rituals (mezcla original): Sumérgete en los ritmos palpitantes y las melodías hipnóticas de este éxito de máxima audiencia. Con un ritmo dinámico y un intrincado trabajo de sintetizador, es un viaje sonoro que mantendrá a la multitud en movimiento hasta el amanecer.
Sube al trono con «Queen B» de Jillea, una canción pop creada para la realeza. Jillea canaliza vibraciones atrevidas y atrevidas similares a F4ST y Angemi, infundiendo a la pista una mezcla de instantáneas sensuales y letras poderosas. Una combinación perfecta de optimismo y ritmo, es una melodía que te hará dominar la pista de baile. Casi un millón de seguidores en Tik Tok, Youtube e Instagram.
Siento que estoy ascendiendo de rango como MC manteniéndome fiel a mí mismo y creando letras dinámicas que me mantengan fuera de lo común. La canción comienza con una promoción de Mark Henry, dirigiéndose a los escépticos que no lo vieron llegar a la cima, así que responsabilizo a los que odian separándome líricamente del resto. Producidos por Slugwurf, los pesados tambores boom bap suenan como la leyenda de la lucha libre profesional Mark Henry golpeando a sus oponentes. Ser un prospecto destacado en el juego y cocinar la competición como Lenny es una referencia a Lenny Cooke, conocido por estar por delante de LeBron James en la escuela secundaria. Estoy en modo campeonato, así que mis expectativas para mí son mayores que las del dúo legendario del Orlando Magic, Shaq y Penny, que no alcanzaron el premio final. Esta canción es de mi álbum Abominable Snowman, que se lanzará el 5 de enero de 2024 en todos los DSP. Todos los enlaces se actualizarán en la fecha de lanzamiento, gracias.
Un track muy divertido sobre esas amistades largas que aveces la vida nos aleja pero al final seguimos ahí, con tintes de música electro pero al final indie pop, hay frases muy divertidas dentro de toda la canción espero que les guste y la consideren en sus playlists
Savanna Thea Gravenor-Tarditti, más conocida como Savanna, emerge como una notable cantautora canadiense oriunda de Toronto, impregnada de un vibrante tapiz de cultura latina. Recientemente se unió al ilustre grupo musical Sonar y su viaje está alcanzando nuevas alturas. Desde sus primeros años, un profundo anhelo por el ámbito de la música se agitó en el corazón de Savanna. Este anhelo se transformó en una fuente de consuelo, particularmente conmovedor tras el prematuro fallecimiento de su padre a la tierna edad de catorce años. Lo que distingue a Savanna es su excepcional versatilidad como artista. Su lienzo musical abarca R&B Trap, Jazz y Hip Hop Soul, desafiando la categorización. Sin embargo, es su compromiso inquebrantable de infundir a sus creaciones versos potentes y emotivos lo que realmente ha impulsado su arte y su trayectoria profesional. Curiosamente, cada una de las composiciones de Savanna establece una resonancia íntima con las emociones y la introspección. Esta profunda conexión se entrelaza armoniosamente con sus melodías inesperadamente vivas y elevadas. Esto no sólo fomenta una profunda participación del oyente, sino que también le imparte un encanto indeleble, que la distingue en un paisaje saturado de talento.
Hola!! esta es mi nueva cancion LO QUE NO TE DI, en el segundo 0:38 empieza lo bueno con el precoro, es un afrobeat, esta poderosa combinación de ritmos africanos y influencias contemporáneas, se convierte en el lienzo sobre el cual cuento una historia de desamor de manera ritmica, bailable y contagiosa. Escuchala 🙂 espero sea de tu agrado
Honestamente, esta es una canción que escribí y grabé en una semana. Hablando de una mala ruptura que pasé el año pasado, que diría que me reformó. Todavía estoy pasando por muchas cosas. Probablemente puedas notarlo por mis lanzamientos más recientes jajaja. De todos modos, realmente espero que disfrutes este.
Butaka es el primer sencillo del álbum de estudio del artista PEREIRANBOY, dirigido por El Ritmo Records ®. Butaka es un dancehall contundente para la discoteca destinado para el baile y los amantes del Reggae en todas sus variaciones desde el “shatta” hasta el Dancehall clásico. Fue mezclado y martirizado analógicamente para lograr el sonido contundente del dancehall de los 90’s pero se utilizaron micrófonos de condensación de gama alta para lograr un color opaco en la voz del artista.
Es una canción sobre la comparación con la vida y un río. Lo escribí conduciendo por la autopista 7 en el este de Ontario, y el campo y los canales me inspiraron.
Esta es una balada Afro-Pop (Caribeña/Soca) que expresa el amor por una dama de las islas (Bahamas). ¡Es una canción para sentirse bien que te da ganas de bailar!
Hittin Licks (con Blastoise) es una pista de dubstep experimental construida alrededor de percusión rápida, sintetizadores pesados y animados y voces originales distorsionadas. La influencia original de esta canción fue «Hellraiser» de Blanke, pero adquirió un ritmo propio y ahora es más alegre y animado.
La canción utiliza bajos distorsionados, melodías psicodélicas oscuras y voces con fallas para construir el ritmo, junto con una variedad de sintetizadores y bajos diferentes para crear gotas psicodélicas. Muchos bajos, especialmente hacia el final, se inspiraron en «Fly Away Another Day» de Pretty Lights.
Presentamos a Danjeyy, un artista de 18 años que reside en Nima, Accra. Con una pasión por elevar a Zongo a nuevas alturas, infunde vibraciones únicas al incorporar el hausa a su música, creando un sonido distintivo.
