House of the Rising Smoke no es simplemente un álbum: es un manifiesto sónico que ha estado incendiando parlantes desde su lanzamiento. Si te perdiste la primera ola, esta es la oportunidad perfecta para sumergirte en el universo pesado, hipnótico e implacable de GOATFATHER, una de las bandas más contundentes del stoner heavy rock francés.
El disco se mueve entre atmósferas oscuras y grooves amenazantes, como en “Night of the Blue Smoke”, hasta llegar a la furia saturada de fuzz en “Stoner Dream”, dejando claro que esta agrupación no solo interpreta lo pesado: lo reinventa y reescribe sus reglas.
Con una intensidad cruda y envolvente, GOATFATHER entrega una obra que funciona como experiencia total: riffs densos, energía ritual y una producción que potencia cada golpe sonoro.
House of the Rising Smoke ya está disponible para escuchar, descargar o disfrutar a todo volumen a través de Octopus Rising / Argonauta Records.
TrasArder es una banda de rock alternativo nacida en Medellín que irrumpe en la escena con una propuesta directa, intensa y sin concesiones. Fundado oficialmente en 2024, el proyecto está integrado por Juan Pablo Palacio (voz y guitarra), Mauricio Gutiérrez (bajo) y Juan José Pacheco (batería). Su música combina distorsiones potentes, bases rítmicas sólidas y estructuras de rock moderno con una lírica profundamente introspectiva y confrontacional.
Desde su origen, TrasArder entiende el rock como un canal de catarsis y posicionamiento personal. Su propuesta transforma emociones complejas y vivencias profundas en una descarga de energía sonora que no busca anestesiar, sino incomodar, reflejar y activar. Cada canción funciona como un espejo: un espacio donde conviven la vulnerabilidad y la fuerza, invitando al oyente a enfrentar sus propios conflictos internos y a tomar postura frente a ellos.
‘Qué pretendes’: Pensar por cuenta propia en un mundo que no lo permite
El sencillo ‘Qué pretendes’ es un manifiesto de libertad mental. La canción nace de la urgencia de cuestionar lo establecido y recuperar el criterio propio en un mundo que empuja a seguir la corriente, sobre todo por el impulso marcado de la presión social y de la premisa «si no estás conmigo, estás contra mí» y cómo las personas ceden para evitar la tensión y el odio. La letra es una confrontación directa: un llamado a no dejarse manipular, a sostener la propia voz incluso cuando pensar distinto incomoda.
Musicalmente, el tema no se guarda nada. TrasArder entra de golpe en una descarga veloz, frenética y compacta, donde la banda estalla al unísono en un ejercicio de intensidad pura. Es una canción corta, directa y agresiva, concebida como un impacto inmediato: energía cruda diseñada para sacudir al oyente y dejarlo sin aire.
El video: Cuando renuncias a pensar, dejas de ser
El videoclip de ‘Qué pretendes’ refuerza el mensaje desde una narrativa simbólica clara y perturbadora. A través de la figura de una bruja que hipnotiza a los integrantes de la banda, el video representa la pérdida del control y de la libertad de pensamiento. El entorno seduce, confunde y despoja al individuo de su criterio hasta borrar su identidad. La transformación final de la banda en personajes enmascarados es una metáfora directa: cuando se renuncia a pensar por cuenta propia, se deja de ser uno mismo para convertirse en una pieza funcional dentro del sistema de otro.
‘Qué pretendes’ forma parte del EP debut homónimo ‘TrasArder’ (2025), un trabajo que define el ADN del proyecto. El EP equilibra la potencia del rock alternativo con una mirada introspectiva sobre el ciclo de la transformación humana. A lo largo de sus canciones, la banda recorre temas como la autonomía, la nostalgia, la resiliencia y el renacer personal, construyendo un relato donde la crudeza instrumental y la honestidad emocional avanzan de la mano.
TrasArder entra en una etapa de expansión activa. El proyecto avanza con nueva música en desarrollo, un fortalecimiento contundente de su propuesta en vivo y una presencia cada vez más firme en la escena alternativa de Medellín. La banda apunta a ocupar escenarios clave, ampliar su alcance y consolidarse como una de las propuestas emergentes con discurso, identidad y carácter dentro del rock alternativo colombiano.
La música de TrasArder funciona como detonante y refugio. Es para el momento en que necesitas adrenalina para enfrentar un desafío, pero también para la quietud incómoda de una tarde introspectiva. Es para cuando decides dejar algo atrás, cuando necesitas recordar quién eres o cuando buscas que la distorsión de una guitarra silencie el ruido del mundo.
TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. Conocer a TrasArder es entrar en contacto con un proyecto que no teme experimentar y que utiliza la energía del rock como vehículo para hablar de libertad, criterio propio y resistencia personal.
Gontte acaba de estrenar “Modo Avión”, single que se mueve entre el indie y el pop, y que funciona como una pausa consciente frente al ruido cotidiano. La canción propone un estado de desconexión voluntaria, no solo del entorno físico o de las redes, sino también de todo aquello que interfiere con un momento íntimo y creativo.
Según explica Gontte, “Modo Avión es una forma de expresión donde me desconecto de lo que me rodea para conectar solo con la música, con esa melodía que estoy creando”. La letra retrata ese instante de calma y paz en el que la única compañía es la canción en proceso, un espacio personal donde nadie más interviene y donde se espera, con tranquilidad, que llegue la melodía indicada para acompañar ese momento.La inspiración detrás del single nace desde una necesidad muy clara: “sentía que necesitaba un largo tiempo de tranquilidad”, comenta el artista, transformando ese deseo de pausa en una canción que invita a bajar el ritmo y a refugiarse en lo esencial.El proceso de creación, producción, mezcla y masterización tomó aproximadamente un mes.
La mezcla final estuvo a cargo de Carlos Contreras, ingeniero de mezcla del Estudio Blackvitamina, mientras que Juan Antonio Bustos (Toño) —guitarrista, músico y arquitecto— tuvo un rol clave en la construcción sonora, aportando cerca del 70% de los arreglos de guitarra de la canción.En cuanto a las influencias, el sonido de “Modo Avión” se nutre de escuchas cambiantes, pero con una base clara en bandas indie argentinas, además de solistas y bandas inglesas, elementos que se perciben en la atmósfera suave, introspectiva y envolvente del single.
Con ‘Degodify’, THY METHOD consolida una propuesta de metal progresivo que articula reflexión conceptual, exploración sonora y una narrativa profundamente ligada a la experiencia humana contemporánea. El álbum debut se presenta como una obra que explora los límites entre la música y el pensamiento crítico, situando al proyecto dentro de una escena donde la complejidad sonora y el contenido conceptual dialogan de forma orgánica.
La escena musical internacional se prepara para un nuevo hito con el lanzamiento de “Tu Perdistes”, el segundo sencillo de Nasty Guerrero, reconocida como la primera artista urbana latina nacida desde el universo digital. Una propuesta disruptiva y profundamente contemporánea que confirma que el futuro de la música ya está aquí.
El tema impacta desde sus primeros segundos con una base rítmica hipnótica que fusiona Afrohouse, UK Funky y ritmos latinos, dando forma a un groove sofisticado, bailable y envolvente, alineado con las nuevas dinámicas del club y la cultura digital global.
Más allá del beat, “Tu Perdistes” se distingue por una lírica cruda y directa, inspirada en experiencias reales. La canción lanza una crítica frontal a la superficialidad del amor en la actualidad, exponiendo cómo las heridas emocionales y las inseguridades del pasado condicionan las relaciones modernas.
Uno de los elementos más potentes del lanzamiento es la voz que lo lidera: una mujer que cuestiona esta realidad sin filtros, rompiendo estereotipos y posicionándose como una figura fuerte y consciente dentro del movimiento urbano digital emergente.
Todo apunta a que “Tu Perdistes” se convertirá en un tema clave dentro de la nueva ola urbana. El sencillo forma parte del álbum debut de Nasty Guerrero, cuyo lanzamiento completo está previsto para marzo.
Detrás de este proyecto se encuentra Chipy Guerrero, artista, cantante, DJ y productor venezolano con más de dos décadas de trayectoria en Europa y en la industria musical, quien presenta al mundo a una artista destinada a marcar un antes y un después en la música urbana digital.
Li Li Radio es un proyecto de indie pop que canta en chino no como una declaración de nacionalidad, sino como una invitación a descubrir la belleza sonora del lenguaje en sí mismo.
El 2025 para Sueños de un Tulpa no fue simplemente tiempo transcurrido, sino un rito de iniciación. En la soledad del sendero independiente, Jhon González Amortegui, líder de este proyecto musical colombiano, aprendió que la verdadera alquimia sonora requiere paciencia y sacrificio; la forja del artista es un abismo que devuelve la mirada. Fue un año de materialización prolífica en el que la banda logró rasgar el velo en cinco ocasiones. Invocó la fuerza humana con ‘Resiliente’ y la cruda realidad de ‘Evanescente (6402)’; exploró antiguos grimorios en ‘Malleus Maleficarum’ y rindió tributo a los padres de la oscuridad con la versión de ‘Solitude’. Finalmente, cerró el ciclo abrazando el vacío existencial con ‘Lo Absurdo’. Aunque la obra nunca está completa y el hambre de creación es un devorador insaciable, cada paso ha servido para construir los cimientos de este templo sonoro. Este proyecto sigue explorando combinaciones que inquieten la realidad, buscando siempre esa frecuencia única capaz de inducir el trance.
«Para este nuevo ciclo, mi ambición es profundizar el trance. Mi meta es invocar mucha más música, puliendo la alquimia de mi composición y producción, y asegurándome de que las visiones visuales (videos) estén a la altura de lo sonoro. Seguiré buscando la gnosis de este oficio, lanzando nuevos fragmentos de esta historia hasta lograr materializar un grimorio completo: un álbum que compile mis invocaciones más potentes a la fecha. Mi búsqueda es incansable hacia sonidos inexplorados; quiero que escuchar Sueños de un Tulpa sea rasgar el velo de la realidad habitual y encontrar algo verdaderamente extraño y único», cuenta el artista.
‘Segundo acto’ es lo nuevo de Sueños de un Tulpa, es la materialización sonora de la maldición descrita en El Rey de Amarillo de Robert W. Chambers. En esta obra ficticia, el Primer Acto es una trampa de aparente normalidad, una introducción inofensiva que baja las guardias del lector; sin embargo, el Segundo Acto revela verdades universales tan terribles que la mente humana colapsa al leerlas. En la canción, la voz es de un invocador iluso que demanda saber la verdad, creyéndose digno de portar la ‘omnisciencia cósmica’ del Rey de Amarillo. La historia explora el terror de la incomprensión: el momento exacto en que la ambición se convierte en ‘exterminio total’. Habla de la fragilidad humana ante lo primigenio; de cómo, al intentar someter fuerzas más allá de nuestro entendimiento, terminamos siendo nosotros los sacrificios de un horror que no tiene nombre.
La canción explora la intersección entre la crudeza del rock y la inmensidad del cosmos. La canción se cimienta en una base sólida de bajo, guitarra y voz, pero está envuelta en capas de sintetizadores que respiran una estética ochentera. No es solo música, es ambientación. Utiliza pasajes instrumentales que invitan al trance y a la introspección, fusionando géneros para que el oyente sienta que está viajando a través de las eras. El objetivo es que cada nota contribuya a la narrativa del horror cósmico: bello, vasto y aterrador.
El soporte visual es una ventana directa al ‘ritual prohibido’ que narra la canción. La historia sigue a una secta en el proceso de invocar a la entidad Hastur, el Rey Amarillo, y a una mujer que se ofrece voluntariamente como ‘recipiente’ para esta fuerza abismal», agrega Sueños de un Tulpa.
Según Jhon González, «Visualmente, jugamos con el engaño: al principio parece que ella logra contener la gnosis, pero pronto la ‘cruda realidad’ se impone y la entidad la consume de forma horrorosa, desdibujando su psique hasta hacerla dudar de su propia existencia antes de esfumarla. Aquí radica un giro crucial respecto a la letra: mientras que en la canción canto sobre la soberbia de querer controlar lo incontrolable, el video revela al final que la motivación de la protagonista era altruista. Es una tragedia mayor: demostrar que al horror cósmico no le importan las buenas intenciones humanas; el resultado sigue siendo el exterminio».
El título ‘Segundo acto’ es una llave directa a la mitología de El Rey de Amarillo. No hay una canción previa llamada ‘Primer Acto’ porque, conceptualmente, el primer acto representa la normalidad, la inocencia y el aburrimiento de la vida cotidiana que todos viven antes de conocer la verdad. El artista llamó así esta pieza porque, en la obra de Chambers, es en este punto donde la realidad se quiebra. Es el momento específico de la invocación a la entidad cósmica, cuando el lector pierde la cordura. La canción es ese instante preciso: el paso de lo mundano a lo incomprensible, el momento en que Hastur entra en escena y ya no hay vuelta atrás.
«Espero que esta canción actúe como una transmisión que capte a un público más vasto, aquellos que buscan oscuridad, pero no necesariamente estridencia. La meta es abrir un camino donde Sueños de un Tulpa sea la prueba de que el miedo a lo desconocido puede ser melódico. Quiero que el oyente descubra que el verdadero horror cósmico no siempre llega con furia y distorsión extrema, sino que también puede manifestarse en la elegancia de un sintetizador o en la profundidad de un bajo, invitando a la reflexión antes que al caos sonoro», puntualiza el artista.
El diseño de la portada funciona como una advertencia visual. El elemento central es el tomo prohibido, brillando con la promesa engañosa de conocimiento, contrastando con el terror en los ojos de quien lo porta. La atmósfera opresiva y la luna carmesí no son decorativas; son la señal de que las leyes naturales se han roto. La imagen busca comunicar, sin necesidad de palabras, que el ‘Segundo Acto’ es una tragedia. Es la representación gráfica de la soledad absoluta ante el horror, donde la única iluminación proviene de la fuente misma de la locura.
«‘Segundo acto’ es una pieza nocturna por excelencia. Fue concebida para resonar en el habitáculo de un auto que corta la oscuridad de una autopista vacía. El momento ideal es ese instante de calma tensa al volante, rodeado de sombras, donde la música actúa como única ancla a la realidad. Si buscas una banda sonora para perderte en la carretera y en tus propios pensamientos, este es el momento y el lugar», menciona el músico.
‘Segundo acto’ es el sencillo 11 de Sueños de un Tulpa, un artefacto solitario en un plan mayor. La gestación fue ardua; el plan temporal marcaba su salida para el cierre de 2025, pero la búsqueda de la perfección técnica retrasó el lanzamiento. Sin embargo, el tiempo es irrelevante ante el resultado: Jhon ha logrado esculpir su mejor obra hasta el momento en términos de ingeniería y emoción. La meta es seguir acumulando estas piezas. No hay prisa por cerrar el álbum, pero sí una obsesión por seguir explorando temáticas oscuras. Sus próximos pasos se hundirán más en el horror psicológico y cósmico, narrando las fracturas de la mente humana ante lo desconocido. «Continuaré tejiendo la red. Mi energía estará volcada totalmente en la composición, persiguiendo esa quimera que todo artista busca: materializar lo imposible en un mundo saturado de repeticiones. Sobre los escenarios, he decidido no manifestarme físicamente todavía. Las ceremonias en vivo requieren una congregación preparada. Prefiero esperar a que el culto crezca orgánicamente antes de convocar a las masas a una experiencia presencial. Por ahora, la transmisión seguirá siendo a distancia», concluye Sueños de un Tulpa.
Entre danzas, música y tradición, el Carnaval de Barranquilla dio la bienvenida al Semillero del Carnaval de los Niños 2026, uno de los eventos más esperados por los carnavaleros, que exalta el talento de los más pequeños y reafirma el compromiso con la formación de nuevas generaciones que mantendrán viva la esencia de la fiesta.
La edición XXV del festival se inauguró en Casa Moreu con una muestra artística que dialoga con la memoria, la fiesta y la identidad del Carnaval de Barranquilla. La obra “Raíces”, del maestro Néstor Loaiza, rinde homenaje a los 150 años del Congo Grande.
La Carnavalada inauguró ayer en Casa Moreu su edición XXV con una exposición artística colectiva que reúne a 13 creadores plásticos, en un recorrido visual que celebra la memoria, el espíritu festivo y la dimensión colectiva que han definido al festival durante un cuarto de siglo. En el marco del evento se develó “Raíces”, obra del maestro Néstor Loaiza, que será el afiche oficial de La Carnavalada 2026 y un tributo a los 150 años del Congo Grande de Barranquilla, la danza más antigua del Carnaval.
La jornada inaugural incluyó un conversatorio entre el maestro Loaiza, la artista plástica Rosa Navarro y Álvaro Suescún, curador de La Carnavalada, quienes reflexionaron sobre la trayectoria de los artistas, la relación de sus obras con la ciudad y el proceso creativo detrás de la pieza que protagonizará la imagen del festival.
Una exposición que celebra 25 años de historia
La muestra colectiva reúne obras de Rosa Navarro, Carlos García, Donny Pinedo, Guillermo Sánchez, Nitho Cecilio, Julián Martínez, Luis Carlos Romero, Darío Moreu, Hernán Romero, Ronald Hernández, Felipe Braga, Inés Ospino y el maestro Néstor Loaiza, artista homenajeado de esta edición. Durante el acto inaugural, los participantes recibieron un reconocimiento por su aporte a la celebración de los 25 años del festival.
“Iniciamos el 2026 con una celebración muy especial: homenajeamos 25 años de permanencia viva, y qué mejor manera de comenzar esta conmemoración que con nuestra clásica exposición de arte”, expresó Mabel Pizarro, cofundadora y organizadora del festival, al destacar el diálogo entre memoria, fiesta y espíritu colectivo que atraviesa la selección curatorial.
La exposición estará abierta al público hasta el 29 de enero, en horario de 3:00 p. m. a 6:00 p. m., en Casa Moreu.
“Raíces”, una obra que honra la identidad caribeña
Titulada “Raíces”, la obra es un acrílico sobre lienzo que estalla en colores vibrantes —amarillo, rojo, verde, morado y naranja— evocando la alegría desbordante del Carnaval. La pieza captura la expresión de gozo del Congo e incorpora elementos distintivos de esta danza ancestral.
“Me uno a la celebración de los 150 años de esta danza emblemática que se ha transmitido de generación en generación. El personaje central es un Congo actual, que representa su identidad con la ciudad”, explicó Loaiza. En la obra, el artista integra referencias a los orígenes africanos de la danza y al barrio Rebolo, epicentro histórico del Congo Grande, reflejado en las gafas del personaje a través de imágenes icónicas como La Cien y viviendas tradicionales del sector.
El Congo Grande: 150 años de tradición viva
El afiche rinde tributo al Congo Grande de Barranquilla, fundado en 1875 y reconocido como la danza más antigua del Carnaval. Esta expresión afrodescendiente fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación en 2025 y resultó clave para el reconocimiento del Carnaval de Barranquilla como Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.
Un espacio de convivencia cultural
A lo largo de sus 25 años, La Carnavalada se ha consolidado como una de las experiencias culturales alternativas más exitosas del Carnaval de Barranquilla. El festival ha presentado a más de 10 mil artistas y ha impactado a cientos de miles de espectadores, manteniendo un historial sin incidentes de violencia.
“En 25 años hemos demostrado que el Carnaval también necesita espacios de pausa, donde la fiesta se vive de cerca y en familia”, afirmó Darío Moreu, cofundador del festival, al destacar que el afiche 2026 honra tanto al Congo como la esencia del proyecto cultural.
Programación y respaldo institucional
La edición XXV mantendrá su estructura de tres franjas programáticas: Los Saberes de las Artes (franja académica e interactiva para públicos familiares), danza y teatro (agrupaciones tradicionales del Caribe y propuestas contemporáneas) y musical (celebración de ritmos caribeños desde sus raíces hasta expresiones actuales).
El festival se realizará en el Parque Sagrado Corazón los días 14, 15 y 16 de febrero, con entrada gratuita y acceso libre para todo público. La Carnavalada XXV cuenta con el respaldo de la Alcaldía de Barranquilla, a través de la Secretaría de Cultura, Patrimonio y Turismo, y del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.
Barranquilla se alista para vivir una de las ediciones más ambiciosas de Baila la Calle 2026, un evento que reunirá cerca de 90 artistas, una producción de talla internacional y la pista de baile a cielo abierto más grande del país, con un kilómetro de música y celebración sobre la Cra 50.
![[Estreno] Un manifiesto de criterio y libertad mental, así es ‘Qué pretendes’ de TrasArder](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2026/01/TrasArder-AP-Records-5.jpeg)
