“Spiral Mentality” es el nuevo single de Pezdro, un tema de música electrónica que nace de una reflexión profunda: esa sensación de darle muchas vueltas a un asunto sin poder cambiarlo. La canción busca capturar, sin necesidad de palabras, la impotencia y el deseo frustrado de revertir hechos que nos marcan.
“Es sobre repetir en la cabeza una situación, sobreanalizarla, y no poder soltarla”, explica el artista.
El tema surgió de forma espontánea mientras buscaba sonidos para baladas con piano. Fue un sonido de la marca Arturia lo que detonó el proceso creativo. En solo una semana, el track estaba listo. “Hasta yo mismo me impresioné de lo rápido que salió todo”, comenta.
La canción, sin letra, fue construida a partir de acordes que, según Pezdro, tienen conexión directa con un manga que está escribiendo. Por eso, menciona influencias como Daft Punk, especialmente su película animada Interstella 5555, y también Vangelis, por su capacidad de narrar emociones a través de sintetizadores.
“Spiral Mentality” formará parte de una serie de lanzamientos electrónicos que el artista ha estado publicando en Spotify, como alternativa a sus baladas cantadas. “Si no gustan mis canciones con voz, pueden escuchar mi música electrónica”, concluye.
La talentosa cantante mexicana KEIRA, de 18 años, anuncia con entusiasmo el lanzamiento de su nuevo sencillo «Lo Mismo de Siempre». Con una propuesta sonora fresca y vibrante, este tema se erige como una crónica del amor moderno y la efímera naturaleza de las conexiones en la actualidad.
«Lo Mismo de Siempre» relata con honestidad el ciclo de relaciones pasajeras que se viven hoy en día, donde es cada vez más común iniciar un romance solo para desvanecerse sin dar explicaciones. Inspirada en las historias de desilusiones compartidas por sus amigas y amigos, KEIRA plasma en la canción la frustración y la esperanza de encontrar un amor genuino, porque todos merecemos una conexión real y duradera. La letra invita a quienes han sufrido estos “casi algo” a desahogarse y a soñar con un futuro lleno de autenticidad y compromiso, mientras disfrutan de una melodía que les haga sentir libres al volante o en cualquier momento de su día.
Con un sonido pop que fusiona influencias retro, «Lo Mismo de Siempre» posee una vibra única, diseñada para trasladar a los oyentes a una nueva frecuencia emocional. La combinación de ritmos contagiosos y letras sinceras convierte esta canción en el acompañamiento ideal para quienes buscan liberarse de las falsas ilusiones y apostar por el amor verdadero.
Sobre KEIRA:
Maestra de la versatilidad, KEIRA es una artista pop mexicana que destaca por su estilo brillante, retro y femenino. Además de su faceta musical, ha incursionado en la danza y la actuación, participando en proyectos como Lemongrass, La Voz Kids y la Bioserie de Gloria Trevi. Su sólida formación y constante evolución la posicionan como una de las voces emergentes más prometedoras en el panorama musical nacional e internacional. Con «Lo Mismo de Siempre», KEIRA marca el inicio de una nueva etapa en su carrera, reafirmando su propósito de conectar profundamente con su audiencia a través de cada nota y cada palabra.
El sencillo ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.
La cantante y compositora Gugu Rebolledo presenta “Leerme La Mente”, canción que rinde homenaje a esas personas que, a pesar de las adversidades, mantienen una actitud positiva y contagian su alegría. La canción también invita a la reflexión personal: mirar hacia atrás, reconocer el camino recorrido y valorar todo lo superado.
“Es una canción inspirada en quienes brillan incluso en la oscuridad, y también en una misma, como espejo y testimonio de crecimiento”, comenta la artista.La creación del tema tomó cerca de tres meses, y fue grabado en Estudio Lemos. La producción musical y los instrumentos estuvieron a cargo de Juan Pablo Ortega, mientras que la batería fue grabada por Marcelo Filipi. Gugu, además de ser la intérprete, escribió la letra y melodía, y también participó en la producción del track.El sonido de “Leerme La Mente” está influenciado por referentes como Taylor Swift, Jess & Joy, Olivia Rodrigo y Nicole, artistas que han marcado la sensibilidad y fuerza del pop contemporáneo.
Dando un paso más en su carrera musical, la artista colombiana, Carolina Vega, se une al cantante español Dellacruz, para presentar su nuevo trabajo musical ‘Polos opuestos’, tema que mezcla sonidos pop con el toque característico del cajón flamenco y guitarras acústicas.
Este tema, el cual fue producido por Pepe Bernabé, Karvel y David Álvarez Becerra, refleja el romanticismo de los artistas, quienes interpretan la manera en la que dos personas que se aman, deciden no estar juntos por su forma diferente de ser, pensar y sentir.
“Con Pepe queríamos hacer algo diferente. Durante el proceso de preproducción de la canción, Pepe sugirió trabajar con Dellacruz, artista con el que él ya había trabajado y colaborado en varias oportunidades. Al momento de encontrarnos en la villa de Odisey, en Ibiza, todo fluyó de una manera muy natural y así hicimos esta canción que se convierte en mi primera colaboración con un artista internacional, con quien además hice match a la hora de cantar”, asegura Carolina Vega.
Las playas del Mar Mediterráneo fueron testigo de la historia que se cuenta en este video, el cual fue realizado por Camilo Casas, quien se encargó de plasmar un escenario donde el espectador puede ver a una pareja que se encuentra en momentos distintos de su vida y que no pueden estar juntos, pese a sentir una enorme atracción.“Siempre es un placer colaborar con artistas con tanta esencia y con las cosas claras. La vibra ha sido increíble al trabajar juntos, a nivel personal, tanto Caro como su equipo, son una maravilla y al final eso se refleja en el resultado del trabajo. Es un placer juntarnos y recorrer medio mundo para defender esta canción juntos”, comenta DellacruzPara este segundo semestre del año, Carolina Vega, se prepara no solo para visitar otras ciudades de Colombia, sino que además, hacia el mes de octubre llegará a Perú, país donde por primera vez aterrizará para presentar su música.
Buscando seguir conquistando los corazones del mundo entero con su música, la cantautora Melissa Láhur da a conocer su álbum ‘Tropicaleza’, una obra creada para llevar alegría, celebrar la vida y homenajear a las mujeres que, día a día, se convierten en su musa de inspiración.
Este álbum, el cual cuenta con 15 temas, varios de ellos, de la autoría de Melissa Láhur, cantó con la producción principal de Pedro Vengoechea, y como productor invitado David Zuluaga, quienes se dieron a la tarea de hacer de este un viaje sonoro, rico y diverso, donde el pop logra fusionarse con ritmos latinos y tropicales como la salsa, el son cubano, el cha-cha, la bachata, la cumbia y los afrobeats, entre otros.
“Sin duda, ‘Tropicaleza’ es una celebración de la mujer latina. Ese brillo que los demás perciben en nosotras es el resultado de nuestra valentía, fuerza, pasión, carisma, fe, alegría y esa magia única con la que enfrentamos la vida”, indica Melissa Láhur.
Con sencillos como: ‘Caderona’, ‘Flowcito tropical’,‘Tu agüita e’ coco’ feat Adry La Fantástica, ‘Hello latinas’, ‘Isla Amarú’, ‘Clarito’, tema que hizo de la mano de Mr. Steve, y ‘Tropicaleza’, canción que le da el nombre a este disco, Melissa Láhur no solo le da vida a esta pieza de larga duración, sino también, presenta a un disco que relata su esencia y que se convierte en su alter ego y marca personal.
“‘Tropicaleza’ es un hito en mi carrera. Es el fruto de años de trabajo, crecimiento personal y búsqueda artística. Este álbum representa mi carta de presentación al mundo, y marca el inicio de una nueva etapa donde quiero llevar mi música a nuevas audiencias y conectar con corazones que vibren con alegría, identidad y belleza. Es una oportunidad para consolidar mi proyecto, expandir mi presencia internacional y fortalecer la marca que he creado con tanto amor. Para mí, este álbum es una afirmación de vida, de amor propio y de poder femenino. Es mi manera de decirle al mundo: «Estoy aquí, soy luz, soy Tropicaleza, y vengo a compartirla con ustedes””, finaliza Melissa Láhur.
Para este segundo semestre del año, Melissa Láhur, hará una gira promocional por diferentes ciudades de Colombia, México, España y Estados Unidos, donde también aprovechará la oportunidad para realizar un showcase donde presentará por todo lo alto este disco. Además, atado a este lanzamiento, postulará varios de sus sencillos a festivales, convocatorias de mercados musicales y premios como los Latin Grammy.
La raíz del folk latinoamericano y el pop chileno se fusionan para permitirnos mirar dentro de la intimidad y las vivencias deSabales. Luego de dos adelantos, el músico oriundo de Rancagua, pero radicado en Valparaíso, ya celebra su álbum debut titulado «Dar y Mirar». Un disco variado, que llega casi como una confesión susurrada, pasando por distintos estados, sin dejar de lado la intención bailable. Jugando entre lo íntimo y lo cotidiano, entre lo simple y lo más producido, el artista da con «canciones que nacen de cosas muy mías, pero que buscan conectar con algo más colectivo también». En 9 canciones, Sabales recorre sus distintas facetas.»A veces, me preguntan de dónde viene el nombre Sabales o por qué elegí usar mi nombre en plural como nombre artístico. La pluralidad alude a la posibilidad de plasmar distintas facetas o versiones de mí mismo a lo largo del proyecto, entender que siempre seguiré cambiando, y que el Sabal del 2020 no es el mismo del 2025″, explica respecto a su nombre, pero también a las motivaciones detrás de su arte. Con la intención de ser una compañía para quien escuche, y junto al productorIván González (Camila Moreno, Dulce y Agraz), el chileno logra generar complicidad y refugio en este álbum que conmueve de principio a fin. Baladas, tonadas pop, melodías nostálgicas, corrientes alternativas y mucha honestidad son algunos de los elementos que destacan en «Dar y Mirar».
❝Me gustaría decir que el aporte del disco es la mezcla de sonidos acústicos con arreglos más digitales y poperos, pero sinceramente yo creo que lo más novedoso es el compilado vocal que supone. Hay varios artistas trans masculinos que estamos saliendo bien de a poquito, yno he escuchado hasta ahora un registro como este, donde convivan las distintas voces de una transición vocal. En ese sentido, y sin querer queriéndolo, el disco aporta representatividad», asegura sobre el proceso que viene acompañado del videoclip ‘El Sol’, junto aMartina Montaldoy dirigido porAlondra Noctvrna.
La espera terminó y ya podemos escuchar de principio a fin la entrega -distribuida por The Orchard y editada por Tres Tigres Records y Sello Leviatán-, que cuenta las colaboraciones de Gemeleste, Teodora Inostroza y Martina Montaldo en voces, agregando profundidad a esta experiencia expansiva en la que Sabales se atreve a darnos de su interior y permitirnos mirar con detención y cariño.
¿Qué pasa si juntamos al post hardcore y el mundo alternativo? El primer LP de la banda nacional es la respuesta. Un trabajo que mezcla riffs potentes, con hooks pop y voces desgarradoras.
Hasta que se cumplió: El debut homónimo de Nunca Hubo Temporal ya está acá. Su sonido visceral, frenético y melancólico encuentra hogar en una mezcla entre post rock, rock alternativo y post hardocore, siendo una especie de eslabón entre sonidos pesados y pasajes atmosféricos.
Las canciones, que hablan de encontrarse con uno mismo, aceptarse, y enfrentar la adversidad, nacieron hace unos tres años. “Las letras tienen que ver con las emociones que vivimos en ese periodo y con los momentos de la vida en los que nos encontrábamos, y surgen de una búsqueda por encontrar la voluntad para avanzar en respuestas a las crisis. El disco no resuelve estas preguntas pero queda con la intención de mejorar”, señalan.
La ruta de este LP inició en 2021, un proceso de composición y preproducción que duró hasta 2023, año en el que cerraron el listado de canciones para, en 2024, entrar al estudio y comenzar a dar forma a todas esas melodías que estaban en sus cabezas. En este camino estuvieron acompañados por Felipe Lara y Juan José Sánchez (Tenemos Explosivos) de Gitano Recs. La mezcla fue realizada por Daniel Velázquez y Enzo Nitor, mientras que la masterización estuvo a cargo de Paolo Riffo en Estudio del Sur.
Para el grupo, este material “representa un punto culmine de un proceso que llevábamos trabajando hace bastante tiempo, con muchos cambios en el camino, marcando un antes y un después en nuestras vidas y en el proyecto, dando comienzo a una nueva etapa de la banda”.
Las guitarras encuentran un nuevo lugar
El sonido de Nunca Hubo Temporal apuesta por potencia, energía y una voz que se siente como si en cualquier momento fuera a salir del parlante. Para ellos, su propuesta no es Post Hardcore, es una especie de punto medio entre estos sonidos, el post rock y el mundo alternativo.
“La composición de las canciones surge de un proceso de cambio respecto a nuestro proyecto anterior, en el que buscábamos complejidad en las composiciones.Ahora queremos abandonar esa lógica y hacer algo más crudo y pesado, pero rescatando elementos como las atmósferas densas. Justamente continuamos trabajando este punto de abordar pasajes pesados, atmósferas y melodías pop”, comentan sobre su proceso de autodescubrimiento musical.
Los raperos colombianos Cejaz Negraz y Kory se unen para presentar ‘Guellaz’, una canción enérgica, ideal para escuchar en las mañanas al despertar, para iniciar un día lleno de emoción y con los objetivos claros. Tiene un sonido pegajoso y un ritmo que despierta la energía e incita a no quedarse quieto. Habla de cómo muchas veces nos olvidamos de nosotros mismos, sin recordar todo lo bonito que podemos hacer cada minuto de nuestras vidas.
‘Guellaz’ más que una canción, es un mensaje de superación, un llamado a quien escucha Cejaz Negraz y Kory, una invitación a despertar para aprovechar el tiempo en la vida y así superar las adversidades de una forma inteligente.
«Es una canción que invita regresar al vientre, a volver a aquel sonido puro del rap y esas rimas que caracterizan a la banda Crack Family. Las líricas del progreso. Ese progreso reflejado en Cejaz Negraz quien es el reflejo directo de la sublevación para toda nuestra sociedad ya hecha y a la que más le disparamos a la sociedad en construcción», cuenta el rapero. «No hay que olvidar que aquí la historia de uno es la historia de miles», cuenta Cejaz Negraz.
‘Guellaz’ fluye sobre un sonido fresco, un beat limpio de rap transformado de lo under a algo más comercial sin perder su misma esencia.
«Esta canción invita a ir siempre en busca de lo mejor para sí mismo y aprovechar cada segundo. Debemos dejar siempre una huella en la tierra, en las personas y en tu historia. A ‘Guellaz’ le guardo un cariño muy grande ya que tiene un gran mensaje y es una colaboración muy esperada para mí, pues pude contar con la participación de Cejaz Negraz, el referente principal del rap colombiano». Quiero que este lanzamiento llegue a una gran masa de oyentes y que el mensaje penetre sus conciencias y genere un impacto personal. Tengo un sueño especial con este tema y es cantarlo algún día no muy lejano en Hip Hop al Parque en Bogotá junto al Cejón», menciona Kory.
El video de ‘Guellaz’ se realizó en Bogotá, marcando historia citadina a través de la imagen. Recorriendo la zona fría con el cantante Kory quien es el invitado a esta canción clásica del rap colombiano. La textura del clip es encontrarse con aquella Bogotá clásica del centro de la capital.
Para Kory fue un honor y un sueño cumplido trabajar con Cejaz Negraz en ‘Guellaz’. En su primera colaboración grande, el artista palmireño, gracias a su mánager y amigo Dj Zazu, celebra esta unión y admira el haber podido compartir con uno de los máximos exponentes del hip hop en Colombia.
«Cejaz Negraz es una leyenda de la música en Colombia, con un amplio recorrido lleno de mucho respeto y de cosas para admirar. Estoy totalmente agradecido por poder llegar a un nuevo público, a un radar más amplio que consume la propuesta de él».
‘Guellaz’ es el track número 12 del disco ‘Tierra’ de Cejaz Negraz que se lanzará en junio y contará con un total de 50 canciones, 50 cañonazos en homenaje a la música, a su carrera artística y en honor y a nombre del hip hop y sus 50 años. Los sencillos de esta producción fueron grabados en diferentes partes del mundo, gran parte de ellos en Australia, New York, Tailandia y Estados Unidos.
«Esta canción es un aliento en la mañana, sus vibes realmente tienen la capacidad de llenar de vida y alegría el espíritu de quien se conecte con ella. El coro dice «No pierdas el tiempo con las distracciones, concéntrate en traer cosas mejores, que el tiempo corre y si no dejas *GUELLAZ* jamás recordarán tus emociones»», enfatiza Cejaz Negraz.
Cejaz Negraz estará de gira pisando diferentes partes del planeta como Boston, New York, Quito, Barcelona, Bilbao, Madrid, Valencia, Mallorca, Málaga y La Paz.
Por su parte, Kory seguirá demostrando su versatilidad con una conexión directa desde Puerto Rico, Falsetto. Un referente creador de varios hits del género urbano. De igual manera, el artista planea nuevos lanzamientos con artistas locales y nacionales como Floyd, Kooky, entre otros; en colaboración con productores como Ruso Beat, Deejay Santacruz y Yairon Prod.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kory en Colombia y Latinoamérica porque siento que fuera del sueño que comparto, quizás con millones de otros artistas de vivir de la música, tengo un objetivo diferente y una propuesta totalmente única y fresca. Quiero llevar un mensaje directo siempre desde la versatilidad, quiero que mis letras toquen sus sentimientos, sin importar en qué género me escuchen; quiero conectar con mi público y generar algo más personal, algo que trascienda tanto en ellos como en mí», concluye Kory.
Sobresaliendo con música alternativa que desdibuja las fronteras entre géneros y países, el proyecto dirigido por el cantautor colombo alemán Antonio García Hosie toma al oyente por sorpresa. Rock en español que recuerda a Charly y a Spinetta se sumerge luego en atmósferas de modern jazz, tomando prestados ritmos latinoamericanos en arreglos progresivos.
Las letras de Carambolo invitan a leerse (o escucharse) repetidas veces, con líneas poéticas y abstractas que flotan entre guitarras y sonidos electrónicos. Carambolo es una mezcla de elementos que no por ser variados son aleatorios. Más bien parece ser un meticuloso menjurje que fluye y se desenvuelve de maneras inesperadas.
El proyecto se presenta actualmente como un quinteto y cuenta con excelentes músicos de la escena Colombo Alemana. El sonido de Carambolo surge desde el 2024 de dos guitarras (Óscar Mosquera y Felipe Suárez León), bajo eléctrico (Max Schroth), batería (Jakob Dinnebier), sintetizador y voz (Antonio García Hosie). En vivo la banda absorbe al público con su multiculturalidad palpable, ya que sus integrantes vienen de Colombia y Alemania. Las letras son hasta ahora únicamente en español, al ser Antonio quien escribe las canciones.
Carambolo está listo para compartir con el mundo su nuevo EP ‘Lejanías’, una producción que refleja la versatilidad y el carácter profundo de su música. Su nuevo sencillo se titula ‘Lo Necesario’ y se convierte en el preámbulo del lanzamiento del EP en su totalidad que verá la luz el 6 de junio.
‘Lo Necesario’ reflexiona sobre los aspectos esenciales de la vida a nivel personal, material y emocional, y cómo reconocerlos nos permite aprovechar mejor el poco tiempo que tenemos.
«»Lo necesario no es urgente, necesariamente.» Esta frase resume el corazón de este sencillo. La canción explora situaciones y realizaciones que han de llegar tarde o temprano; cosas que no podemos evadir, y sobre las cuales muchas veces no tenemos el control», cuenta Antonio García.
Es una canción que se inspira en los tonos cálidos y reflexivos del rock alternativo, mezclados con elementos de jazz y pop. La composición es minimalista y atmosférica, utilizando la repetición para resaltar el impacto de los sutiles cambios armónicos y melódicos. El sencillo fue inspirado por ‘Out of Time’ de Blur, ampliando su temática y explorando conceptos compositivos similares. Otras referencias importantes para la canción fueron ‘Nude’ de Radiohead, de su aclamado álbum ‘In Rainbows’ y ‘Pasajeros’ de Lola Parda.
‘Lo Necesario’ forma parte del próximo EP de Carambolo, ‘Lejanías’, que profundiza en temas de distancia, conexión e introspección. Este tercer EP de estudio de Carambolo muestra un carácter sonoro claro, profundo y atmosférico. El lanzamiento está acompañado de una estética visual basada en el hielo seco, capturando el contraste entre luz y sombra en espacios casi vacíos, una metáfora visual de la profundidad lírica de las canciones.
Para celebrar el lanzamiento del EP ‘Lejanías’, Carambolo se presentará por primera vez en vivo en Colombia con una serie de conciertos durante el mes de agosto. El viernes 8 se presentará en el Teatro Unión en Honda, Tolima, y las siguientes fechas en Bogotá iniciando el sábado 9 en el Bolón de Verde, el viernes 15 en La Buhardilla, el viernes 22 en RPM Records y el viernes 29 de agosto en el Teatro Garaje.‘Lejanías’ es el tercer EP de estudio de Carambolo, un proyecto que muestra exploración musical y un estilo poético abstracto e inmersivo.
Kamalo Plute es un artista de música alternativa nacido en Costa Rica que vive retándose a diario y que admira la apertura de pensamiento, la pasión y la libertad de ser sí mismo. Es un ser curioso lleno de creatividad que respira arte desde que nació, un poco incomprendido, disociado y elocuente de pensar algunas veces. Risueño con las personas y determinado con los sueños que quiere cumplir.
Más allá de una intención musical que -puede ser muy personal en cada quien lo escuche- la propuesta de Kamalo Plute busca emocionar a través de letras honestas y sonidos viscerales.
«Si lo que hago con mi música emociona, ayuda, se disfruta, se celebra, hace llorar o reír; es decir, genera una emoción, significa que las cosas cobran sentido», comenta el cantante y compositor.
A través de sus canciones, Kamalo Plute quiere enviar mensajes de reflexión, introspectivos, de mirar hacia adentro y sentir. La empatía y relación de las emociones humanas que se suelen vivir a lo largo de caminar y transitar sobre este mundo.
«Todxs sentimos diferente, aunque compartamos (o no) un mismo camino. También considero que la música es para disfrutarla, vivirla y compartirla. Si te suma, ahí es», agrega el costarricense con influencias de artistas y grupos como Lady Gaga, David Bowie, Björk y Coldplay.
‘Orígenes’ es el EP debut de Kamalo Plute, un trabajo compuesto por tres canciones que cuenta a través de historias los inicios del artista. Es una recopilación de lo que ha ganado, perdido, crecido y evolucionado. Todo converge en una narrativa visual en redes que evoca un mundo interno dentro del cuerpo humano, donde el auto descubrirse es un gran viaje.
‘Latiendo X Mil’ habla de esa conciencia inicial que acciona, dando pie a la liberación en la caverna, ‘Despertar’ relata el permitirse salir al mundo creyendo en sí mismo y ‘Gratitud’ que agradece a las oportunidades y personas que Kamalo Plute ha conocido en la vida.
A lo largo del EP hay exploraciones de sonidos que evocan cinematografía o bandas sonoras de videojuegos. Acompañados de sonidos en un pop movido, una electrónica enérgica y un agradecimiento para cerrar.
«La inspiración del EP ‘Orígenes’ nace de la nostalgia al recordar lo que fue dar el primer paso para empezar el viaje después de lo que llamé ‘depresión artística’. Va dirigido a esas o esos seres que aún no se atreven, que dudan. Dar el primer paso es el más difícil y sólo puedo comentarles desde mi punto de vista: viendo el camino desde un poco más adelante, ha valido la pena», enfatiza.
‘Orígenes’ de Kamalo Plute habla en ‘Latiendo X Mil’ de laconciencia y de las inseguridades que se rompen, en ‘Despertar’ habla de la importancia de confiar y conectar, y ‘Gratitud’ es una invitación a agradecer por lo vivido.
«El EP ‘Orígenes’ es perfecto para escuchar en cualquier momento del día, sin embargo, yo iniciaría la mañana con ‘Latiendo X Mil’ para el desayuno, luego ‘Despertar’ que tiene una energía para el resto del día y para cerrar ‘Gratitud’ justo antes de dormir», menciona Kamalo Plute.
Este trabajo marca un inicio en la carrera de Kamalo Plute, sin embargo, el artista lo ve como una ‘precuela’ que quería plasmar como presentación al mundo. Una experiencia que invita a las personas a que puedan descubrirlo, conectando desde sus emociones y uniéndose a este viaje juntxs.
El diseño de la portada propone una unión de tres momentos de los sencillos. Recordando a los anuncios de películas en los cines. Con texturas y una paleta de colores que evoca al cuerpo humano. Mezcla una idea atmosférica y ficción del camino a la liberación.
Además del lanzamiento de ‘Orígenes’, Kamalo Plute trabaja en un nuevo sencillo que es un punto que marca con dolor un antes y un después, un evento que es inevitable dentro de los ciclos de la vida humana. Es una reflexión que nace en los recuerdos. Después, una nueva historia comienza con más música y nuevo concepto visual.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kamalo Plute en Colombia y Latinoamérica porque me interesa ir agregándole al proyecto mayor valor cultural, diversidad, creatividad y experiencias con potencial de cambiar realidades. Las personas que escuchen mi propuesta serán esenciales en mi crecimiento y evolución. Juntxs podemos tener mayor conexión, empatía, oportunidades y transformación», concluye.
El 2025 para Verum West inicia con muchas ideas y proyectos en marcha, detonará un espacio para crear y conocer aún más sobre el sonido innovador que ofrecerá la banda en las próximas canciones a los oyentes de Colombia, México, Guatemala y Latinoamérica en general con el firme objetivo de seguir rompiendo fronteras.
‘Monte’ es el nuevo sencillo de Verum West, es el abrebocas de lo que la banda asume como su segunda etapa. Este año es el inicio del segundo septenio del grupo y como tal es un momento de madurez y de resignificar infinitas cosas.
«La canción habla de la tenue caricia que ofrece la serenidad de alcanzar objetivos propuestos, pero también despliega un sinfín de nuevas inquietudes al encontrarnos con una posible verdad: escalamos a la cima y ahora debemos seguir así sea oscuro e incierto el panorama, hasta llegar de nuevo a la cima de un ‘Monte’ aún más grande, con más retos por asumir», cuenta la agrupación.
‘Monte’ aborda de una manera muy abierta la comprensión de conceptos de filosofía estoica, rescatando valores como la templanza y la sabiduría, enfocarse en el ‘hi et nunc’ (aquí y ahora), que es lo único que importa para tener una sensata verdad. Es una canción llena de palabras que incitan a avanzar, si vas subiendo una colina, si vas llegando a la recta final de un objetivo o a una carrera universitaria; son 3:38 minutos para sentirse un completo ganador.
Verum West se destaca en sus composiciones por explorar y a veces abusar del sonido del progressive metalcore. La estridencia no se hace extrañar en las partes más contundentes y pesadas de la canción explorando riffs y acordes muy particulares.
«Podríamos decir que es el sonido más tiernamente pesado que hemos alcanzado hasta ahora. Tenemos un aspecto que destacar de nuestro vocalista quien ha explorado lo suficiente en sus sonidos vocales y ha encontrado melodías nuevas con las que trabajamos los coros y partes importantes de la canción».
La cantante y compositora colombiana Teresa Terracota es quien aporta ese aire dulce y genuino a ‘Monte’ como invitada especial en las voces femeninas que suenan durante toda la canción.
El videoclip de ‘Monte’, filmado bajo el lente del productor Bryan Beltrán, registra los momentos más divertidos, icónicos y especiales de la primera gira internacional de Verum West que los llevó a visitar Guatemala y México.
Según la banda, «el clip es una pequeña y sentida muestra de agradecimiento a nuestros amigos en Guatemala: Danny, Pedro, Arlequino. Y en México a los amigos de Betrayme, el crew precioso de Morelia, las bandas y colegas de CDMX y muy especialmente a Andrei Pulver y Ozzy Cadena de Los Vandidos. Todxs ellxs nos cuidaron y atendieron como si fuésemos amigos de toda una vida, como si existiera una historia más larga a las inolvidables horas que pasamos con ellos».
‘Monte’ es una canción que nace en el momento que termina el ‘Nauta’s Tour’ (gira por Guatemala y México), en donde los integrantes de Verum West quedaron con muchas sensaciones y deseos de seguir firmes en su ruta, rescatando una vez más lo valioso que se ha convertido para cada uno de ellos el ‘Verdadero Oeste’ para seguir proyectándose con ambición y sed de aprender más de ellos mismos para volver a salir a girar y presentar su arte dentro y fuera del país.
«Queremos alcanzar nuestro propio impacto, sentir que una vez más rompemos el esquema de creer que no hay nada más por decir o nada más por escuchar; ese impacto de ser creadores de algo tangible es algo que nunca dejaremos de destacar e indudablemente queremos transmitir ese mismo impacto a toda la audiencia que nos conoce en países como Colombia, España, México, Argentina, Guatemala, Costa Rica, Chile, entre otros», enfatiza Verum West.
‘Monte’ es el más reciente single de una etapa de exploración sonora y conceptual que Verum West ha venido desarrollando durante este año. Actualmente, el grupo está inmerso en la creación de su próximo álbum, una obra que busca revelar la esencia más profunda de la banda: quiénes son realmente, por qué existen como proyecto y qué propósito persigue su música.
El diseño del sencillo es una figura solitaria que se alza en la cima de una montaña mística, envuelta en un aura celestial, mientras símbolos cósmicos giran a su espalda como relojes sagrados del destino. La portada de ‘Monte’ evoca un viaje interior, una ascensión espiritual entre nubes densas, secretos tallados en piedra y la vastedad del universo silencioso.
Este sencillo es un canto a la introspección. Entre versos como «bajo los destellos de la luna todo de mí se oculta, pero en la profundidad del monte, todo de mí se enciende», la canción revela el peso de la soledad, la búsqueda de sentido y la transformación personal que sólo ocurre en las alturas, donde la verdad y el vacío se rozan.
Para este 2025, Verum West continuará explorando y componiendo canciones, el grupo prepara shows grandes y posibles encuentros que generen nuevos impactos y nuevos horizontes.
«Lo que más anhelamos este año es encontrarnos nuevamente con las personas que han hecho parte de todo el proceso de Verum West, acompañarnos y seguir creciendo juntos», concluye el grupo colombiano.
El artista colombiano Penyair cerrará su ‘Filantropía World Tour’ con un show especial para todas las edades en el Movistar Arena de Bogotá. La cita es el próximo 4 de octubre a las siete de la noche.
La gira que incluye más de 20 conciertos en 10 países tendrá fechas en Colombia, en Latinoamérica y visitará ciudades emblemáticas como Berlín, París, Madrid y Sidney.
Penyair, que se encuentra presentando su nuevo álbum ‘Filantropía’, cierra una de las giras más importantes de su carrera con su primer show en el Movistar Arena de Bogotá, uno de los recintos más importantes de su ciudad natal.
La boletería ya se encuentra disponible a través de los canales oficiales de TuBoleta y podrá adquirirse en las localidades de Tribuna Fan Sur, Pista 1(Platea +18 años) y Rap del espíritu (2do Piso +7 años).
Medios de pago de Bancos Internacionales: Disponible a partir de la venta a Público en general. Entrega de boletería únicamente en la taquilla al titular de la compra.
Indicaciones especiales y restricciones:
El concierto iniciará a las 7:00 pm y las puertas se abrirán desde las 5:00 pm.
El evento contará con áreas para personas con movilidad reducida. Se debe informar esta condición en el momento de realizar la compra y al personal logístico el día del concierto.
No estará permitido el ingreso de mujeres en visible estado de embarazo, de acuerdo con las recomendaciones de las autoridades.
El show contará con una localidad habilitada para menores de edad ubicada en el segundo piso y libre de consumo de alcohol.
Todos los menores de edad entre 7-14 años deben ingresar con su padre o madre, y de 14-18 años con un adulto responsable. Tanto el adulto como el menor deben ingresar con boleta.
Las demás localidades sin excepción son para Mayores de 18 años de edad. En caso de no cumplir con el requisito mínimo de edad o comprar boletas para un menor de edad en otra localidad diferente a los sectores mencionados, no se permitirá el ingreso al concierto.
Después de haberse presentado en 2022 en Colombia en el Teatro ABC en donde interpretó su show ‘Mi vida en canciones’ con la participación especial de su amigo Andrés Cepeda, el cantante, compositor y músico argentino Nito Mestre regresa a Colombia después de 3 años con su tour ‘A 50 años del adiós’ el próximo viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3).
‘A 50 años del adiós’ de Nito Mestre es un reencuentro con esas canciones que guardan pedacitos de vida, de despedidas, de sueños compartidos y cosechados durante cinco décadas de música del artista argentino.
Será una noche única en donde Nito Mestre volverá a ser esa voz que supo ser refugio y consuelo. No es un recital, es un reencuentro. Un hombre, su voz y su música. Un eco que persiste.
Porque cuando Nito canta el tiempo se vuelve un instante detenido y lo que creíamos perdido reaparece. Las canciones que nos hicieron creer que siempre íbamos a ser jóvenes, las que sonaban en los patios, en los cuartos, en las radios con sonido a fritura. Esas canciones que hoy regresan para recordarnos que la nostalgia no es un ancla: es un puente que cruza hacia lo que somos ahora.
«Volver a interpretar esas canciones es volver a encontrarme», dice Nito, con esa voz calma, de filo suave que parece que no pesa. El músico argentino interpretará un extenso repertorio de la mayoría de los discos de la legendaria banda Sui Generis.
Con una producción a cargo de BELIVE GROUP, colectivo creativo que busca preservar la buena música y generar experiencias memorables, viviremos una experiencia única e inolvidable el viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3). Es un evento para mayores de 18 años.
‘Espejo digital’ es un llamado de atención hacia la hipnosis que generan las redes sociales y la IA.
La cantautora colombiana Karen Rod presenta ‘Espejo Digital’, una canción que nace como una reflexión sobre el impacto de las redes sociales y la inteligencia artificial en nuestra vida cotidiana. Con una mirada honesta y profundamente humana, la artista propone hacer un alto en el camino para reconectar con lo esencial: la empatía, la presencia y el mundo real que nos rodea.
Este nuevo sencillo, el segundo que lanza en 2025 tras ‘No Estamos Solos’ (tema dedicado al Día Mundial de la Lucha contra la Depresión), reafirma su compromiso con una propuesta artística que busca tocar fibras sensibles y generar conciencia desde la música.
‘Espejo Digital’ es, en palabras de Karen Rod, «una invitación a despertar de la desconexión emocional que puede generar el mundo virtual. El tema musical aborda con sutileza la ingeniería social, la hipervigilancia, la autoexplotación y la pérdida de contacto con la realidad. Esta canción está dirigida a todos, porque todos en algún momento, nos hemos sentido absorbidos por una vida digital que nos aleja del presente y de los demás. Quise tender un puente entre la indiferencia y la solidaridad, recordándonos que somos parte de una misma realidad colectiva que debemos crear y proteger como seres humanos», comparte la artista.
La letra, cargada de imágenes potentes, describe con crudeza: «Hurgando en la basura de un mundo virtual, que se come la vida real a voluntad. Nos hemos olvidado de mirar, ausentes como zombies en la oscuridad». Más que una crítica, se trata de un llamado a la introspección y al reencuentro con uno mismo.
Musicalmente, ‘Espejo Digital’ combina matices del synth pop con la esencia indie y el sonido pop rock que caracteriza a Karen Rod. Su intención, sin embargo, va más allá de un estilo: busca crear una obra atemporal que resista a las modas y permita al oyente regresar a ella como a un refugio. «Cuidé cada detalle en la producción porque creo que la música es el vehículo esencial para llevar un mensaje transformador», explica.
Es un tema ideal para esos momentos en los que nos sentimos saturados por la superficialidad y necesitamos reconectar con un propósito auténtico. Fue escrita el 16 de diciembre de 2023, en medio del conflicto entre Rusia y Ucrania. «Sentí mucha impotencia no solo por la guerra, sino por la desconexión emocional que notaba a mi alrededor. Niños y adultos inmersos en sus pantallas mientras al otro lado del mundo, otros niños perdían la vida. Esa dualidad me conmovió y me generó mucha frustración al mismo tiempo», recuerda Karen, actualmente radicada en México.
El videoclip de ‘Espejo Digital’ narra la intrusión constante de la tecnología en nuestras rutinas y relaciones. «Decidí no ser la protagonista y permitir que cada persona se identifique con la historia a su manera conservando siempre el estilo minimalista que prevalece en todo lo que hago», cuenta Karen Rod.
‘Espejo Digital’ es, en esencia, un recordatorio para volver a mirar con atención y salir del ensimismamiento digital. La misión de la artista es reconectar a las personas nuevamente con una vida consciente.
Tras este lanzamiento, Karen Rod se prepara para presentar su tercer sencillo, ‘Viviendo de lo Efímero’, durante el segundo semestre del año explorando nuevamente temáticas profundas y universales. La cantautora trabaja en nuevas versiones de sus canciones para llegar a nuevos países y oyentes. Además, está concentrada en la composición y producción de su próximo álbum, previsto para 2026.
Mientras tanto, la artista continuará promoviendo su música en distintos espacios culturales y mercados musicales, fortaleciendo el vínculo con su audiencia en Latinoamérica.
Después de publicar los sencillos ‘Perdón por no pedir perdón’, ‘Ojos azules’, ‘La hora maldita’ y ‘Un buen final’, el cantante y compositor chileno Antonio Montenegro presenta su nuevo disco ‘Algo nuevo’, continuación de su álbum debut ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’ que relataba en orden las fases del fin del amor en un concepto íntimo con cuarteto de cuerdas. En esta nueva entrega, el protagonista de esta historia sigue adelante, buscando su camino en la vida y nuevas formas de querer, con una nueva banda que le aporta mucha energía a las canciones que no van necesariamente en orden como en la entrega anterior.
«La inspiración para este nuevo trabajo viene de un camino personal y cómo mi corazón buscaba expresar lo vivido recientemente… Recordemos que mi álbum anterior habla de cómo cuando el amor se acaba estamos listos para resurgir de esas cenizas, en esa transformación personal que experimentamos buscamos algo nuevo. A esas personas va dirigida la música, a quienes están en ese proceso de cambio», cuenta el artista chileno.
‘Algo nuevo’ de Antonio Montenegro explora sonidos distintos a su trabajo anterior, pero conservando la esencia original de la cantautoría. La influencia directa de artistas como Tracy Chapman o Norah Jones fueron fundamentales para el sonido de este disco.
«Mi voz y guitarra siguen ahí sonando tan enérgica y llena de esperanza, solo que ahora me acompañan una batería, un piano, un bajo eléctrico y una corista, que son propios de un estilo más cercano al pop», agrega el músico.
El nuevo disco de Antonio Montenegro explora tranquilidad y madurez en ‘La vida que ahora vivo’, presenta una canción reflexiva de aceptar para avanzar en ‘Perdón por no pedir perdón’, una amorosa y reflexiva en ‘Claudita’. Presenta una sorpresa que suena ligera como una canción veraniega, pero con una letra profunda en ‘Alerta de Tsunami’; lanza un sencillo enérgico, rítmico, optimista y esperanzador en ‘Un buen final’; entrega un tema cantautoril e intenso, de emociones fuertes que buscan otra forma de vivir en ‘De otra forma’; nos enseña una canción lúdica, rítmica y divertida de escuchar para un problema común de vivir en ‘Ojos azules’. Finalmente, estrena una balada para quien no se rinde en ‘En el borde de una estrella’, nos llena de nostalgia y soledad de madrugada con un aire jazz en el piano en ‘La hora maldita’ y concluye el disco con una historia profunda con espíritu de bolero con ‘Algo nuevo’.
«‘Algo nuevo’ es perfecto para escuchar en un momento de la vida que uno busque un cambio, para vivir, para escuchar o para sentir. Es un álbum muy variado, dependiendo de la canción hay horas en que son más ideales para apreciar la música. Este álbum es ideal para oírlo si tienes el corazón abierto a ‘Algo nuevo'», enfatiza Antonio Montenegro.
El concepto de la portada del álbum es directo, es Antonio Montenegro caminando. El mensaje del disco es sobre eso, seguir avanzando porque así es como nacen las experiencias, se crean las historias y se descubre lo nuevo en la vida.
«A nivel de expectativas, como artista lo único que espero de mi música es que le llegue el mensaje a la gente, que le quede en la memoria, que disfruten las melodías una y otra vez. El impacto real es que la gente pueda compartir el mensaje que intento dar en cada canción. Me gustaría que escuchen el primer disco y se sienta ese crecimiento musical y vital en ‘Algo nuevo'», puntualiza.
El lanzamiento del disco viene acompañado con el sencillo en video ‘Un buen final’. Para entender la historia hay que ver primero los videos en su orden (1. ‘Perdón por no pedir perdón’, 2. ‘Ojos azules’, 3. ‘La hora maldita’), siendo claramente ‘Un buen final’ el gran final de esta historia.
El concepto y sus sonidos se desenvuelven sobre el amor de dos personas que desean estar juntas, pero cuando las cosas no resultan por tantos factores que puede darnos la vida, culmina en el tema ‘Un buen final’ que invita a que las cosas no queden en un amargo odio, que en todas las versiones que se imaginen o se recuerden de la historia siempre habrá algo bello para recordar en la memoria.
En 2025 después de 5 sencillos publicados, 4 videoclips, un nuevo disco de 10 canciones y un cortometraje musical con el mismo nombre del disco, Antonio Montenegro busca conectar con nuevas audiencias y extender el mensaje más allá de las fronteras de Chile, con shows por primera vez en Colombia y México.
«Es importante que las personas escuchen ‘Algo nuevo’ para que tengan la fe y la determinación de que mejores cosas hay para quienes la buscan con el corazón abierto», concluye el chileno.
En el cruce de caminos donde la tradición se encuentra con la innovación, surge una fusión musical que refleja la dualidad de la existencia humana.
‘Ay Mi Guitarra’, el nuevo sencillo de The Good Gorilla, es un himno que late con el ritmo de la tierra y la pasión del alma.
‘Ay mi guitarra’ fue producida por Mr. Jonás y David Kawooq en Capital Latino Music. La canción es el punto de encuentro entre la tradición y la innovación.
La fusión de la música llanera con el hip hop se convierte en un viaje musical que te lleva de las montañas al llano, y te hace reflexionar sobre la vida y su complejidad.
‘Ay mi Guitarra’ será parte del primer álbum de The Good Gorilla que verá la luz en el mes de mayo y tendrá 17 tracks. En ellos el artista explora el universo de sonidos y sentimientos de este proyecto lleno de colores y emociones.
«Ay mi guitarra, aquí te canta… Pensamientos que te encantan las cigarras, en la noche en la montaña me acompañan… Monte adentro tu recuerdo no me daña», cuenta The Good Gorilla.
Dabi Santy es un productor musical, artista y empresario colombiano que ha hecho de la música su propósito de vida. Como persona, es un apasionado, visionario y comprometido con su crecimiento personal y el de quienes lo rodean. Como artista, es un creador auténtico, con una propuesta que mezcla lo emocional, lo profundo y lo innovador. La intención de su propuesta musical se basa en crear música maravillosa que inspire y empodere, con un mensaje claro que acompañe el desarrollo personal de las personas y demostrar que se puede construir una carrera desde la independencia.
«A través de mis canciones quiero enviar un mensaje de que «¡Sí se puede!» Mis canciones son reflejo de superación, emociones reales y del poder de la música para transformar. Quiero que las personas crean en sus sueños y los persigan», cuenta Dabi Santy, quien tiene influencias de artistas como Russ, Kanye West, Pharrell Williams y Jay Z, con un enfoque en el sonido urbano global, la producción creativa y letras con propósito.
Baby Lam, tanto en lo personal como en lo artístico, es una sola esencia. Se define como un ser humano leal, respetuoso, siempre atento y comprometido con cuidar a los suyos. Esos valores están presentes tanto en su vida como en su propuesta de música urbana. La intención con su proyecto es llevar su música a cada rincón del mundo, conectando con las personas desde la emoción y la autenticidad; deseando que su audiencia disfrute de sus canciones tanto como él disfruta crearlas.
«Con mis canciones quiero enviar mensajes de amor, motivación, superación y buena energía. Creo en el poder de la música para inspirar y acompañar», enfatiza Baby Lam, un artista con influencias de Rauw Alejandro, Arcángel y Tego Calderón, con un estilo que mezcla lo clásico del reguetón con lo fresco del sonido moderno.
‘Obsesión’ es el nuevo lanzamiento de Dabi Santy & Baby Lam, una canción que habla del deseo desbordado por alguien que nos atrapa. Una historia de atracción intensa, contada con honestidad y estilo. Habla de un amor profundo y persistente, de esos que no se olvidan fácilmente. Es un homenaje a quienes creen en el amor verdadero y están dispuestos a defenderlo.
‘Obsesión’ fusiona sonidos urbanos con elementos electrónicos, R&B moderno, atmósferas densas y beats actuales. También tiene bases de reguetón melódico, sintetizadores, guitarras suaves, y una producción emocionalmente envolvente.
«Es una canción perfecta para escuchar en momentos de deseo, emoción intensa, una cita especial o cuando necesitas sentirte vivo», comentan Dabi Santy & Baby Lam.
‘Obsesión’ es una pieza independiente que abre camino a lo que viene después para los artistas.
Para Dabi Santi, «con ‘Obsesión’ quiero consolidar mi carrera y dar a conocer a Baby Lam, esperando que las personas disfruten y se conecten con el tema». Por su parte, según Baby Lam: «Espero que las personas se conecten emocionalmente con la canción y que me abra puertas para llegar más lejos».
Luego de presentar a nivel mundial los sencillos ‘Ayer morí’ y ‘Ondas de calor’, la banda de indie rock brasileña Atalhos presenta su nuevo lanzamiento ‘Delirios en Paraguay’.
Si en ‘Ayer morí’ y en ‘Ondas de Calor’ la temática era el fin de las relaciones, ahora en ‘Delirios en Paraguay’, Atalhos habla de los inicios de la pasión, el sueño inspirador de una historia que comienza. También habla de un nuevo viaje hacia un nuevo país donde ese amor nace y se instala.
La canción es la definición precisa de lo que significa el dreampop de Atalhos, tanto en la letra como en los elementos como la batería pujante como si fuera una recta de una autopista, las guitarras llenas de reverb, sintetizadores y teclados van formando nubes en la imaginación.
El video de ‘Delirios en Paraguay’ fue grabado en Asunción por el amigo de la banda y director Guille Guillén y contó con la participación de la actriz paraguaya Laura Martínez.
«Como la canción habla directamente de Paraguay y de Asunción, yo quise que la producción se diera en ese mismo país. Estuve en reuniones a la distancia con el equipo durante todo el mes que duró la planificación y preparación del rodaje. El budget fue super pequeño, todo muy independiente, pero con mucho amor y creo que el resultado final demuestra ese esfuerzo entre artistas indie latinos intentando hacer algo de valor artístico», cuenta Gabriel Soares.
‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos es una canción que va dirigida a todos aquellos que se arriesgan a expandir sus historias y su amor a través de territorios cada vez más amplios.
«Las rutas latinoamericanas siempre fueron inspiración para mis composiciones. Me gusta mucho manejar largas distancias y estuve un par de veces viajando con mi auto en Paraguay, y creo que la canción refuerza ese aspecto delirante e inspirador de estos viajes; el hecho de cruzar fronteras, estas líneas imaginarias que creamos para separarnos, pero que al final son nada más que eso, líneas imaginarias. Uno cuando se cruza a una frontera en auto se da cuenta de eso», agrega.
‘Delirios en Paraguay’ cuenta con la participación de la banda de indie paraguaya El Culto Casero.
Según Gabriel, «es una banda que soy muy fan, los conocí durante la pandemia y empecé a investigar más el indie latino. Desde entonces, me hice amigo de Franco Ocampo, el vocalista, ya los vi en vivo en Asunción un par de veces. Me encanta la música que hacen y también me inspiran sus canciones, así que en marzo de este año nos encontramos en New York porque tocamos en el Festival The New Colossus; allí le conté a Franco que íbamos a sacar un tema inspirado en Paraguay y él me dijo que quería participar. Apenas regresó de los Estados Unidos empezó a grabar las voces y así fue, feliz que eso se dio».
‘Delirios en Paraguay’ es el último single antes de lanzamiento del disco completo que se llamará ‘A Força das Coisas’. El álbum saldrá el 13 de junio y será el quinto disco en la carrera de Atalhos. Es un álbum inspirado en historias personales de amores, viajes, cuestiones existenciales y la forma autobiográfica de usar la propia vida para hacer arte, o sea, hacer de la propia existencia una obra de arte. Por eso, el titulo va inspirado en el libro autobiográfico del mismo nombre de Simone de Beauvoir; quien escribe una frase que inspiró bastante este disco del grupo: «es imposible hablar de la propia vida sin iluminar la vida de los otros».
El diseño de la portada es una foto que Gabriel sacó en un baño durante un show de El Culto Casero en Asunción un par de años atrás. Este acontecimiento refuerza toda la conexión y la historia detrás del tema.
«Esperamos seguir llevando nuestra música a fronteras más allá de Brasil, conectarnos con artistas y con el público latinoamericano, y reforzar el camino de hermandad que venimos trazando ya hace un tiempo con nuestros temas que mezclan el portugués y el castellano», concluye Atalhos.
Atalhos lanzará el álbum ‘A Força das Coisas’ el 13 de junio e iniciará una gira grande que comenzará en Brasil, pasando por algunos países latinoamericanos. Para febrero de 2026, el grupo tiene cerrada una gira de más de 20 shows en Europa cuyos detalles serán divulgados en el segundo semestre de este año.
El artista colombiano de música urbana ALEQ ha tenido un 2025 con grandes presentaciones en fiestas municipales en Cumaral, Paratebueno y el Festival de Verano de Villavicencio, Meta. En simultánea, el cantante y compositor llega con nueva música para todos sus seguidores presentando una nueva era y etapa de su proyecto musical.
‘Máquina del tiempo’ es lo nuevo de ALEQ, una canción para retroceder en el tiempo y evitar haber traicionado a una mujer que confió en el artista. Habla del desamor por una infidelidad y del arrepentimiento después de lo sucedido. A nivel musical, el sencillo explora sonoridades frescas y caribeñas; propias de géneros urbanos como el reggaetón.
«Quisiera que existiera una máquina del tiempo para viajar al pasado y haberme contenido de traicionar a una mujer que depositó toda su confianza en mí. Esta canción la compuse y la grabé hace tres años, hace parte de los proyectos empolvados que todos los artistas tenemos y que un día merecen ver la luz», cuenta ALEQ.
El video de ‘Máquina del tiempo’ es un visualizer que muestra a ALEQ caminando en un bulevar de las calles de Villavicencio, Meta, con una chaqueta muy preciada para él, una prenda que hace homenaje a la saga Back To The Future, acompañado con un efecto de cámara lenta para el ‘vibe’ de la canción, mientras llega a su lugar de residencia y usa el ascensor para hacer un inesperado viaje en el tiempo. El clip contó con la producción audiovisual de Juan Acosta.
«Es una canción para dedicar, una muestra íntegra de lo que esa persona significa en nuestras vidas, y que como seres humanos nos sentimos arrepentidos por los errores cometidos. Es nuestro boleto a la última esperanza de recibir un perdón y empezar un nuevo ciclo en compañía de nuestro verdadero amor», enfatiza el cantante colombiano. «Es perfecta para el momento en el que se quiera fantasear con volver al pasado y arreglar un error», menciona.
‘Máquina del tiempo’ es el sencillo número 11 de ALEQ y se espera que haga parte de una futura producción musical que reúna todas las canciones de su carrera artística.
«Con este lanzamiento quiero tener un gran impacto tanto en Colombia como en América Latina. Siempre acostumbro a hacer letras para edificar, pero confieso que me da un poco de temor no recibir la misma aceptación al no ser una letra más atrevida, sin embargo, tengo la fe y la esperanza de cautivar a esas personas que están arrepentidas por haber cometido una infidelidad», agrega.
La portada de ‘Máquina del tiempo’, realizada por el diseñador gráfico Josué Bedoya de Visual Frame, está inspirada en la saga ‘Back to the Future’. En la placa del carro insignia, el Delorean, se escribió el nombre de la canción junto con el nombre de ALEQ y el productor Gonzza Master.
Para los próximos meses, ALEQ y su equipo preparan nueva música y sorpresas para toda su fanaticada, incluida una canción para el verano a mitad de año.
Sangi Jiménez es una cantante y compositora de música urbana nacida en República Dominicana que intenta reflejar sus vivencias en sus canciones como una especie de catarsis o desahogo. Es una artista que considera que su música puede ayudar a otras personas para que puedan hablar con ella los que no tienen voz o los que nadie quiere escuchar. La intención de su propuesta musical busca que las personas puedan disfrutar de su música, que la lleven a todos lados, que la bailen y que puedan identificarse con sus historias. Es una persona auténtica y sensible, pero fuerte; es capaz de levantarse sola a pesar de los duros golpes de la vida. Es una persona resiliente que trata de darle lo mejor a los que la rodean. Sabe ser comprensiva y mostrar compasión, pero también sabe cómo no dejarse pisotear y decir la verdad sin importar.
«Como cantautora quiero reflejar sentimientos reales, amor propio y vivencias naturales y orgánicas. Quiero demostrar con mis letras que aún existen las cosas buenas, que hay buenos sentimientos, que lo que se hace se paga, que el amor existe, que no hay mal que por bien no venga y que quien no te valora es porque simplemente no te merece. Todos estos conceptos acompañados de una gran producción y calidad interpretativa y musical, demostrando que la música urbana puede tener altos estándares y a la vez transmitir buenos deseos», cuenta la artista con influencias de reggaetón suave, romántico, tradicional y del trap, y de artistas como Karol G, Cazzu, Take 6, Nicky Jam y Shakira.
‘Ya no quiero’ es el más reciente lanzamiento de Sangi Jiménez y la carta de presentación previa a la publicación de su nuevo EP ‘Pa’ ti’. Es un tema muy personal escrito en la soledad de la habitación de la artista dominicana como suele ser costumbre. Habla de sus vivencias, de un amor que fue hermoso al principio, pensando que era genuino, pero que se volvió tóxico y una completa pesadilla que dejó heridas fuertes. Aunque luego la persona que le hizo daño quiso regresar, ya era demasiado tarde; evocando la clásica frase «nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde».
«El mensaje que quiero enviar con esta canción es que es importante perdonar, pero eso no significa volver a cometer el mismo error de estar con alguien que en el pasado te hizo daño. ‘Ya no quiero’ es una canción perfecta para aquellas personas que ya han empezado a experimentar el amor de pareja, también para los y las que hayan pasado por muchas situaciones en su relación; y para los y las que ya tienen un buen tiempo buscando amar a alguien», agrega Sangi Jiménez.
‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez aborda temáticas de superación, fortaleza, amor propio, convicción y de nunca volver atrás. El sencillo explora sonoridades de reggaetón suave y romántico. Es un tema sencillo, pero contundente; con un sonido envolvente que provoca relajación y la sensación de estar flotando.
«Con este sencillo y con mi nuevo EP tengo grandes expectativas porque junto a mi equipo hemos trabajado mucho, hemos puesto el corazón y mucho esfuerzo en este proyecto. Deseo conquistar nuevas audiencias en Colombia, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa; impactando a personas que hayan pasado por una situación similar, pero que aún crean que el amor existe y que no es necesario aferrarse a alguien que nos hace daño. Mi música es para personas que también buscan la calidad musical y que sepan ser seguidores fieles», puntualiza la artista dominicana.
‘Ya no quiero’ es la canción número 2 del EP ‘Pa’ ti’ que se publicará el 5 de junio en todas las plataformas digitales a nivel mundial.
El diseño de la portada es una foto semi futurista con una pose de medio cuerpo con un fondo rojo imponente, dando a entender que no hay nada mejor que lo que nos depara el futuro. La fotografía busca reflejar un sentido de esperanza y fuerza.
«Considero que es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sangi Jiménez en Colombia y Latinoamérica porque tengo la fe intacta de que con mi talento, valores, amor propio y experiencia puedo aportar cosas buenas, historias únicas y una gran calidad musical a la industria musical del género urbano», concluye la artista.
Escucha ‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez en tu plataforma musical favorita https://lnk.to/AsV6Mbcl
