Septon regresa a los escenarios con un concierto sinfónico de metal progresivo en Barranquilla

La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.

Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.

En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.

“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.

La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.

Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.

La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.

Detalles del concierto

• Fecha: 22 de agosto de 2025
• Hora: 7:00 p.m.
• Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
• Entrada: Libre

Sobre Septon

Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.

[Lanzamiento] Daniel Tapia revive un clásico del vallenato ‘Ojos verdes’ con un toque pop

El cantante y compositor panameño Daniel Tapia presenta su más reciente trabajo, una versión pop del icónico vallenato ‘Ojos verdes’, una canción que ha dejado huella en la historia musical de Colombia y Panamá.

Escrita por el legendario Rubén Darío Salcedo y popularizada por el colombiano Alfredo Gutiérrez en la época de los sesenta, esta reinterpretación es un tributo a la riqueza musical de la región.

Daniel Tapia, un artista conocido por su sonido latino, se enfrentó al reto de reinterpretar un tema de tal magnitud con un respeto profundo por su esencia. El resultado es una versión fresca que mezcla jazz y pop que le confiere un sonido atemporal. Con esta interpretación, Daniel Tapia logra un equilibrio perfecto: conectar con el público que conoce la canción original en su género original, vallenato y presentar a nuevas audiencias este clásico con un sonido fresco y sofisticado.

Además, la nueva versión está acompañada de un video grabado en vivo junto al cantante Némula. Esta colaboración es un reflejo de la hermandad y el cariño por la música de ambos artistas.

Este lanzamiento no es solo un cover, sino un puente entre dos épocas y dos géneros, que celebra el legado musical del autor, compositor y escritor conocido como El Rey del ‘Pasebol’.

[Lanzamiento] Vicente Jáuregui presenta su EP ‘Ternura Radical’

El artista mexicano Vicente Jáuregui presenta ‘Ternura Radical’, un EP conformado por cinco canciones que exploran las posibilidades del amor en una época caracterizada por el individualismo.

En un mundo hostil, la ternura radical representa la capacidad de ser «críticos y amorosos al mismo tiempo», es aprender a «utilizar la fuerza como una caricia».

Con destellos de psicodelia, dream pop, rock y sampleos, este EP refleja la amplitud de influencias musicales de Vicente Jáuregui.

«Ante una realidad atroz, ejercer la ternura se vuelve un acto radical porque es asumir una posición política en un mundo que nos quiere mantener insensibles hacia el dolor de otros. La ternura es cuidarnos y construir redes, es una invitación a derribar nuestros límites conceptuales para construir un mundo en el que todas y todos quepamos a pesar de nuestras diferencias», explica Vicente Jáuregui.

«Vivimos en una sociedad muy machista que enseña a los hombres a negar sus sentimientos. Dentro de estos límites, la ternura está vetada de lo que un hombre puede sentir. Esta canción busca ser la antítesis de eso. Pienso que la ternura no solo nos hace más humanos, sino que es el antídoto contra la crueldad y la violencia tan normalizada actualmente», explica el artista.

El EP está conformado por las canciones ‘Más Amor’, ‘Lava’, ‘Flechazo’, ‘Ataque de Pánico’ y ‘Ternura radical’.

Grabado en Cuernavaca y producido por Pepe Pecas (Malcriada) en su estudio, este álbum tiene un focus track homónimo que habla sobre vencer los demonios internos.

La canción, ‘Ternura radical’, apela a ser radicales en nuestros procesos internos, a retarnos para derribar los límites, pero sin dejar de ser lo suficientemente tiernos para cuidarnos a nosotros mismos y a quienes nos rodean.

Musicalmente, el track abre con un beat poderoso. Las guitarras, altamente distorsionadas, envuelven con suavidad y fuerza a la vez. Al final, la canción estalla en gritos mientras un sintetizador nos conduce hacia los terrenos del techno.

«El título fue inspirado en una acción poética que encontré en Internet. Leí la frase y me pareció muy poderosa. Me puse a investigar sobre el tema y encontré un manifiesto escrito por Dani D’ Emilia y Daniel B. Chávez; con el que me sentí muy identificado», comenta Vicente Jáuregui, sobre el origen de esta frase.

Escucha ‘Ternura radical’ de Vicente Jáuregui en tu plataforma favorita

https://ditto.fm/ternura-radical-vicente-jauregui

Colectivo Sonoro celebrará su décimo aniversario con la exposición ’10 años desde la primera fila’

El medio de comunicación musical independiente colombiano Colectivo Sonoro cumple diez años creando cultura a través de la música alternativa. Periodismo, fotografía, video y diseño se han juntado en este espacio que durante más de una década se ha encargado de presentar contenidos con un lenguaje fresco, innovador y directo.

Por eso, el medio de comunicación digital fundado en 2015 por Marcela Giraldo, Julián Cabrera, Jhon Paz y Diego Báez realizará la exposición fotográfica inspirada en la música en vivo ’10 años desde la primera fila’ los próximos 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá.

«Así es amigos. Llegamos a 10 años de existencia digital hablando de la música que nos gusta. Colectivo Sonoro nació con la intención de ser un medio digital que se encargara de contar las historias y noticias de artistas de Colombia y de Latinoamérica y en donde amigos cercanos, aliados y colaboradores pudieran participar desde la creación de textos, fotos y videos. Una década después, este proyecto sigue latente y, aunque aún no vivimos de esto, es este Colectivo el que nos mantiene vivos», comenta el Colectivo Sonoro.

Este 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá, la música unirá, pero de una manera diferente. 18 fotógrafos colombianos eligieron lo que representa para ellos la música en vivo a través de una foto de un artista o banda en tarima. El resultado hará parte de la exposición ’10 años desde la primera fila’ con la que todos los amantes de la música y los conciertos están invitados a hacer parte del aniversario.

La muestra será de entrada libre y estará abierta al público desde el viernes 29 de agosto a partir de las 6:00 p.m.

El sábado 30, además de la muestra fotográfica, tres DJs acompañarán la celebración de los 10 años de Colectivo Sonoro: Juan Jaramillo con un set que tendrá algo de rock, punk y esos himnos latinos infaltables del rock; Mauricio Pérez quien viajará a los tiempos ochenteros del rock y el new wave y Andrey RaBoombox con una tanda complementaria de punk y ska.

Estén pendientes de https://colectivosonoro.com/ y de sus redes sociales donde se revelará el line up de fotógrafos confirmados y más información del evento.

En video, ECO Medellín presenta ‘Un instante’, una canción que mira de frente a la nostalgia

ECO Medellín es un soñador y creador innato, amante por contar historias, imaginar utopías y respaldar causas aparentemente perdidas. Rimador por vocación, compositor por pasión, es una ‘nea’ ilustrada, una mezcla entre la calle y la carrera, ávido de conocimiento, pero con ganas de romper esquemas, sin temor a salirse del molde de lo que está establecido, siendo fiel a su estilo.

La intención de su propuesta musical busca fusionar ritmos como la salsa, el bolero, la cumbia, el rock y el guaguancó, con estilos musicales como el rap y el trap; contando en sus letras historias cotidianas desde una sonoridad contemporánea que tiene como base esos géneros que marcaron una época importante en diferentes generaciones latinoamericanas.

«Mis letras nacen como una respuesta genuina y poética a los tiempos que vivimos, abordando temáticas como la identidad, el amor, la memoria y la resistencia desde una perspectiva sensible y crítica, con un lenguaje cotidiano cargado de subtexto, convirtiendo historias personales en relatos con los que el público se siente identificado», cuenta el artista con influencias como Calle 13, WOS, LosPetitFellas, Trueno, Residente y Orishas. Adicionalmente, el proyecto está cargado de múltiples influencias sonoras gracias a la riqueza musical que lo compone como salsa, bolero, guaguancó, cumbia, bullerengue, música protesta, trova cubana, rock en español y rap en español.

‘Un instante’ es el nuevo lanzamiento de ECO Medellín, es una súplica por detener el tiempo, por aferrarse a los recuerdos que nos definen y nos salvan. En este sencillo el artista colombiano explora la nostalgia como una cárcel voluntaria: un lugar donde, aunque la salida es posible, muchas veces elegimos quedarnos con la esperanza de volver a sentir aquellos recuerdos que nos marcaron.

Musicalmente, ‘Un instante’ resulta de la conexión entre los fraseos contundentes y reflexivos característicos del artista, primando el género rap, sobre una instrumental de rock alternativo, con incluso influencias minimalistas de pop, cumbia y sonidos sintéticos en algunas de sus secciones.

«Desde pequeño siempre me he considerado un nostálgico empedernido, y esta canción nace justamente de ese momento de la vida en el que el peso de la adultez te confronta con la imposibilidad de revivir esos recuerdos de una infancia y adolescencia felices. Recordar esos pequeños detalles como las tardes jugando, las cenas en familia, las noches aprendiendo guitarra o las madrugadas improvisando con amigos me llenan de vida, pero a la vez generan vacío, al comprender que son momentos que ya no volverán», agrega el cantante y compositor colombiano.

El videoclip de ‘Un instante’, que ya fue anunciado en la selección de algunos festivales de cine en Colombia, fue realizado bajo la dirección del artista y explora la nostalgia como una prisión emocional. A través de un plano secuencia, seguimos a ECO Medellín, quien se encuentra preso dentro de una cárcel junto a algunos de sus recuerdos más emotivos, en una celda de la que no puede —o no quiere— salir, incluso cuando la puerta siempre ha estado abierta. El clip reflexiona sobre la decisión de permanecer en el pasado, aferrándose a vivencias irrepetibles, en busca de un instante que ya no volverá.

‘Un instante’ es perfecta para esas tardes y noches lluviosas, reflexivas o existencialistas. Esos momentos de la vida donde nos sentamos en la ventana, mirando a la nada pensando en todo.

«Con esta canción pueden sentirse identificadas esas personas nostálgicas como yo, que viven un presente con anhelos de revivir algunos de los momentos de su pasado, de detener el tiempo, aunque sea por un momento y sentir una vez más el calor de los instantes especiales que vivimos», enfatiza ECO Medellín.

‘Un instante’ Un Instante es el tercer sencillo del segundo EP de ECO Medellín titulado ‘Amanecerá y Veremos’, trabajo discográfico compuesto por 6 canciones, y cuyo lanzamiento está proyectado para octubre de 2025. Este EP es un compilado de canciones dedicadas a esas noches de insomnio existencialista, en las que sólo surgen mil preguntas sin respuesta acerca de lo que hicimos, lo que dejamos de hacer o lo que haremos. La única respuesta segura que el artista ha encontrado ante todas las incertidumbres es justamente que «Amanecerá y Veremos».

Una canción sobre las dualidades del amor, así es ‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall

‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall es una canción que nace del sentimiento crudo y real que se vive en relaciones intensas, donde el amor y el dolor se entrelazan como si bailaran al mismo ritmo. Con sonidos que fusionan reggae, R&B y ritmos latinos la canción refleja esa dualidad emocional que todos en algún momento hemos sentido.

‘No sé mañana’ fue grabada en La Colmena Records en Bogotá junto al ingeniero Daniel Restrepo. La producción musical estuvo a cargo de Cfelo, productor de Medellín, con quien Checho ha trabajado en cuatro sencillos que serán parte de su próximo EP titulado ‘Pa’ Qué’.

La conexión entre los artistas surgió gracias a Unión Ska Colombia durante una visita de Kandall a nuestro país. Hicieron ‘clic’ de inmediato, co-escribieron la letra y el artista panameño grabó aportando su esencia y flow.

«Esa canción representa la nostalgia, el amor y los sentimientos encontrados en una relación. Aborda el viaje del amor cuando es correspondido y cuando no, la magia de sentir mariposas o murciélagos en el estómago», explica Checho SASA.

El videoclip de «No Sé Mañana» se rodó en DC Luxury MotorWorks, un espacio colorido y con mucha personalidad. La producción estuvo a cargo de StationRoots Company bajo la dirección de Sebastián Juyó.

«Hoy estoy en la luna, mañana en el infierno… Amarnos es un viaje sin rumbo, ni tiempo»

Una canción inspirada en un amor detenido en el tiempo, así es ‘Haberte encontrado’ de Clandestino

Luego de presentar los sencillos ‘Será’ y ‘Nostalgia’, la banda colombiana de rock alternativo Clandestino regresa con nueva música para todos sus seguidores.  Se trata de ‘Haberte encontrado’, una canción que narra un amor que no debió ser, una historia que continúa detenida en el tiempo.  Es perfecta para escuchar en las noches cuando el nombre de esa persona resuena en la cabeza.

En ‘Haberte encontrado’ la banda se centró en sonidos más ásperos y densos basados en sintetizadores buscando una atmósfera que evocara grandes espacios, la ciudad y la sensación de soledad, de ruptura y de separación.

«La canción nace de una sensación de soledad en un momento de la vida en el que debemos enfrentar una separación, es un sentimiento que sabemos que la mayoría hemos experimentado. Es para las personas que han vivido historias de amores imposibles, reflexiones de la vida, recuerdos y emociones profundas», comentan Hana Loaiza y Alex Velásquez, líderes de Clandestino.

Para el video de ‘Haberte encontrado’, Clandestino buscó plasmar desde lo musical y lo visual la crudeza de un amor detenido en el tiempo. El Metro de Medellín, sus estaciones, vagones, pasillos y plataformas lograban la representación del tiempo, la temporalidad y la búsqueda de un hombre y una mujer de algo que no se ve, pero siempre está. El clip fue producido Jacobo Castro, Leonardo Guerrero y Sandra Bautista de la productora Duck Sessions.

«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con la historia de ‘Haberte encontrado’ sino con lo que es Clandestino. Queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida, que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», puntualiza la agrupación con influencias de Massive Attack, Coldplay, Radiohead, Draco Rosa, Aterciopelados, Zoé, Siddharta y Carla Morrison.

‘Haberte encontrado’ hace parte del álbum ‘Supremacía‘, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, indie rock, neo soul, balada, entre otros. El disco, producido y mezclado en Estudio Naranja por Pedro Rovetto y masterizado por Camilo Silva, estará disponible en su totalidad a finales de 2025.

«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la agrupación.

[Estreno] Farid Abauat lanza ‘Manos vacías’, una reflexión sobre las inseguridades del amor

El cantautor colombiano Farid Abauat estrena ‘Manos vacías’, un sencillo que retrata el contraste entre dos mundos: el de una persona que va lento y con dudas, frente al que parece tenerlo todo claro y controlado.

La canción nació de una reflexión personal sobre las inseguridades que vivimos cuando nos enfrentamos al amor. Aborda el sentimiento de no tener nada que ofrecer y llegar con las manos vacías, mientras la otra persona parece brillar y avanzar con una velocidad que no podemos seguir.

‘Manos vacías’ fue co-escrita por Farid Abauat y Alejandro Prias, quien estuvo al frente de la producción, mezcla y masterización.

A veces por inseguridades nos inhibimos de dar el primer paso hacia el amor, pero en este caso es una invitación a la aventura:

«Quise explorar ese tema desde un lugar honesto, por eso la canción tiene un sonido pop alegre, casi en contraste con lo que está diciendo la letra. En el fondo, es una canción sobre cómo el amor puede sanar inseguridades y enseñarte a vivir», comenta Farid Abauat.

Y agrega: «Queríamos ofrecer al público una imagen muy clara de lo que se siente estar enamorados. Hubo una frase que nos marcó: ‘¿Recuerdas cuando estábamos enamorados? Mis hombros a tu peso tan acostumbrados’, de ahí nace el resto de la canción. Pues no hay mejor momento para demostrar el amor que cuando dos personas se están conociendo y están emprendiendo un viaje amoroso».

La canción encaja de manera natural dentro del concepto del próximo álbum. Cada canción de este proyecto aborda una «patología emocional» distinta, contada a través de historias personales y metáforas médicas.

En este caso, ‘Manos vacías’ representa la inseguridad crónica, una especie de síndrome del impostor emocional que muchos sentimos cuando creemos que no somos suficientes para alguien que admiramos o que va mucho más rápido que nosotros.

Musicalmente, la canción aporta un color sonoro distinto: es más luminosa, más pop, contrastando con algunos temas más oscuros que tendrá el álbum.

Nadie llega a Bogotá para celebrar 30 años de carrera junto a Triple X y Victimized

La banda de punk rock colombiana Nadie, liderada por el cantante y guitarrista Julián Velásquez, regresa a Bogotá para celebrar 30 años de carrera el próximo sábado 23 de agosto en Boro Room (Calle 55 #13-51) en compañía de las agrupaciones capitalinas Triple X y Victimized.

«En esta gira 2025 celebramos los 30 años de la banda con un show de 30 temas que recorren toda la discografía desde ‘Nadie’ hasta ‘Monólogos de un perro con bozal’. Será la banda con su sonido crudo característico en formato power trío tocando sin parar y directo al hueso», cuenta Julián.

Compra tus entradas en línea acá

Para el concierto de Nadie en Bogotá las boletas tienen un costo en Preventa de $80.000 y el día del evento de $100.000. Compra tus entradas en puntos físicos en La Valija de Fuego y Oi Distro (Chapinero), Sin Fronteras Discos (Corferias) y Blasting Records (Centro). 

La gira nacional de los 30 años de Nadie iniciará el 26 de julio en La Unión, Antioquia; el 2 de agosto en Andes, el 22 del mismo mes en Pereira, el 23 en Bogotá y para cerrar el mes el 30 en Medellín. Para septiembre, el grupo se presentará el 6 de septiembre en Chinchiná, el 13 en Rionegro, el 19 en Bucaramanga y el 20 en Cúcuta. El 12 de octubre la banda se presentará en Córdoba, el 18 en Cali, en Sogamoso el 16 y finalizará la gira el 22 de noviembre con el prelistening del nuevo disco en Medellín. La banda tendrá más fechas en diferentes ciudades del país que irán anunciando a través de sus redes sociales.

«Con esta gira nacional queremos mantener vigente la banda y continuar el camino de nuevo con firmeza y solidez, ya que los últimos 15 años han estado fragmentados por salidas de integrantes y asuntos personales de Julián, vocalista y guitarrista», agrega la agrupación.

Julián Velásquez se encuentra componiendo el nuevo álbum de Nadie titulado ‘Veneno’, el cual tendrá entre 10 y 12 canciones. Este disco llevará una temática general cargada de mensajes para un despertar muy necesario de la humanidad en una era de control total de la mente y del cuerpo.

«Estamos viviendo una guerra desde hace más de 150 años y esa guerra es contra la humanidad, por eso este disco es el llamado a los que ya están y a las nuevas generaciones para desobedecer todo lo que nos quiera controlar y creer en nosotros. Es una invitación a cuidarnos entre todos y hacernos el aguante para lo que viene que no será fácil y nos tocará pelearlo», enfatiza Julian.

«Queremos que muchas personas asistan a nuestros conciertos para que puedan disfrutar nuestra música, propuesta y mensaje, de paso verles las caras de satisfacción que tanto nos gusta ver cuando tocamos y nos escuchan lo cual es un regalo de la vida», concluye Nadie.

El concierto de Nadie en Bogotá es organizado por Lacopyrat Colectivo.

DIMC lanza ‘El Remedio’: Una mezcla de bachata y funk

‘El Remedio’ nace de la fase más sincera del álbum de DIMC titulado ‘Rompecorazones’: el reconocimiento del error que detonó una relación.

Inspirada en la vibra latina-funk del álbum «El Madrileño de C. Tangana», la canción tiene una mezcla sonora entre la bachata y el funk brasilero.

Este es el último anticipo del álbum y sirve de vehículo para narrar el shock emocional de ver al ser amado con alguien más. El tema central de la canción es la culpa: «maldito el día en que un hombre le falló y ese hombre fui yo», así como la terapia de choque que supone enfrentar las consecuencias de nuestros actos.

‘El Remedio’ es una canción escrita, producida, mezclada y masterizada por DIMC (Diego Segura). Cuenta con la participación de Pipe Piedras en las guitarras y en las voces de apoyo con Sofía Baena y Nairobi Milanés.

La canción actúa como un foco emocional: cierra el ciclo de los tres sencillos introspectivos y prepara el terreno para un álbum que explorará a profundidad la responsabilidad afectiva, el desamor y la reconstrucción personal.

«Lo más duro de ‘El Remedio’ es que cuando la escuchas ves a esa persona a los ojos y sabes que nunca te va a volver a mirar de la misma manera. A veces hay que asumir las consecuencias y seguir adelante», comenta DIMC.

‘Rompecorazones’ es un álbum que te hará recorrer cada uno de los círculos del infierno, reconociendo los pecados que nos llevan a la muerte del amor.  Inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri, el artista bogotano nos lleva canción a canción por el Limbo, la lujuria, la gula, la avaricia, la ira, la herejía, la violencia, el fraude y la traición.

Escucha ‘Rompecorazones’ de DIMC en tu plataforma musical favorita https://orcd.co/elremedio

[Novedad] Una Noche en Bogotá presenta ‘Hacia mí’

El primer semestre de 2025 ha sido el más importante para la banda colombiana de indie rock alternativo Una Noche en Bogotá desde su fundación. En materia de lanzamientos, el grupo fundado en 2022 por Gio Calderón (voz principal y guitarra rítmica), Carlos Polo (bajo), Darío Fernández (guitarra líder) y Nicolás Villamizar (batería y secuencias) ha lanzado tres sencillos de su álbum: ‘Despedida’, ‘Resolución’ y ‘Tiempo’ que, hasta el momento, han sido las canciones con mejor acogida en sus seguidores y nuevos oyentes, logrando desarrollar videoclips de gran calidad para estos sencillos; demostrando el gran compromiso que sus integrantes tienen con el proyecto.

En cuanto a presentaciones, la banda bogotana sigue nutriéndose de los shows en vivo, al punto de compartir tarima con artistas de la talla de V For Volume y Boca de Serpiente, además logrando ser el acto de apertura de la banda islandesa Kaleo en la capital colombiana en el Teatro Astor Plaza, siendo esta la presentación más importante en la carrera del grupo a la fecha.

Hoy Una Noche en Bogotá presenta nueva música para sus seguidores en Colombia y América Latina, se trata de su cuarto sencillo ‘Hacia mí’, una canción escrita por Darío, el guitarrista de la banda, que habla de una relación rota en la cual el protagonista dio todas sus fuerzas y amor por el otro, pero no fue correspondido. Ahora en el presente y en una etapa de duelo, la otra persona vuelve para tratar de reparar el daño, sin embargo, ya es muy tarde para hacerlo.

«Es una carta a esa persona que se fue diciéndole que su tiempo ya pasó y que no hay nada que pueda hacer para volver a empezar. La canción aborda una temática muy común en la actualidad, con la que muchas personas pueden sentirse identificadas. Todos hemos tenido una persona que nos rompió el corazón y después de un tiempo vuelve a pedir perdón cuando ya es muy tarde. Es una canción de un corazón roto que ya sanó y que no necesita al otro para seguir adelante. Es el típico (yo te di todo, no lo apreciaste y ahora eres tú la que viene hacia mi)», comenta la banda.

‘Hacia mí’ hace parte de la constante evolución de Una Noche en Bogotá, la banda explora sonidos de shoegaze, dreampop y postpunk, tomando como referentes a bandas como The Cure, Joy Division, Drab Majesty y New Order.

«Exploramos nuevos sonidos sobre todo en el bajo usando efectos como Chorus y Tremolo para darle un aspecto similar al de un sintetizador, usando guitarras atmosféricas e incluimos arreglos en cuerdas y sintetizadores compuestos por un gran amigo de la banda (Juan Matheus), siendo esta la primera vez que alguien externo a la banda pone su granito de arena en la composición», agregan.

El videoclip de ‘Hacia mí’ se hizo bajo el concepto en el que una mujer de edad que se siente miserable con su vida, encerrada en su casa lejos de ser feliz o sentirse apreciada hasta que se da cuenta que no necesita a su pareja para ser feliz y decide tomar las riendas del asunto. Al final, se llena de confianza, haciendo todo lo que siempre quiso, pero de una manera grotesca, fea y que incomoda al que está viendo el video.

Según UNB, «fue un reto encontrar una actriz adecuada para el video, necesitábamos a una mujer que pudiera aparentar edad, pero también vitalidad y energía para mostrar el contraste entre las dos facetas de nuestro personaje; la triste y amargada con la eufórica y vital. El segundo reto fue encontrar una locación, ya que queríamos una casa con decoración vintage y decidimos hacerlo en la casa de los papás de Darío. Para este video nos inspiramos mucho en la película de ‘Requiem For a Dream’, en el personaje interpretado por Ellen Burstyn donde hace el papel de la mamá del protagonista quien sufre un deterioro mental posterior a la muerte de su esposo. Nos encantó la estética y el detalle escenográfico y quisimos lograr algo parecido».

La portada del sencillo fue diseñada por Fabián Parrado y muestra los cambios de la Luna Roja, dándole la identidad visual de la banda, sobre todo en los shows en vivo.

Con ‘Hacia mí, cuarto sencillo de la banda colombiana, Una Noche en Bogotá anuncia el nombre de su disco debut: ‘Usaquén’. En los próximos meses la banda publicará dos sencillos más antes de lanzar de forma oficial el álbum el próximo 6 de septiembre en Ace of Spades en Bogotá.

Escucha ‘Hacia mí’ de Una noche en Bogotá en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/hacia-mi

Desde Nueva York, la banda de rap ONYX se presentará en Bogotá y Medellín en septiembre

Desde el corazón de Nueva York y con más de tres décadas marcando la historia del hip hop, la agrupación ONYX llega a Bogotá y Medellín.

Colombia vivirá un espectáculo cargado de furia, nostalgia y autenticidad. Con su estilo crudo y enérgico, Fredro Starr y Sticky Fingaz prometen una noche intensa, llena de clásicos inolvidables como ‘Slam’, ‘Last Dayz’, ‘Shiftee’ y más. Será un viaje directo a los años dorados del hip hop, donde el beat golpea el pecho y la lírica habla desde las entrañas.

La cita en Bogotá será el 19 de septiembre en el icónico Teatro Royal Center y en Medellín el 20 de septiembre en el Sky Center.  Las boletas están disponibles para las localidades General, VIP y Palcos en www.ticketshows.co

Bogotá – Septiembre 19 de 2025

La noche se encenderá con la presencia de tres potencias del rap colombiano: Representando la crudeza de la vida con inteligencia y flow, llega el poeta callejero de voz grave y lírica aguda Granuja. Se suma la agrupación Yawar Cru con sus voces que emergen de lo profundo de los Andes, mezclando resistencia, identidad y beats contundentes.

El cartel se cierra con Hard Crew cargado de fuego puro en el micrófono, energía que conecta con el barrio y hace vibrar el alma. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.

Compra tus entradas acá https://www.ticketshows.co/events/onyx-bogota

Medellín – Septiembre 20 de 2025

Dos representantes clave del movimiento en habla hispana se suman a la agrupación neoyorquina. En el marco de su gira mundial, Penyaír presentará su nuevo disco titulado ‘Filantropía’, una propuesta lírica intensa y reflexiva. La carismática Gabylonia, conocida por su presencia escénica y rimas directas, también será parte de esta celebración del rap sin filtros ni concesiones. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.

Compra tus entradas acá https://www.ticketshows.co/events/onyx-medellin

Nando Cohen reimagina su clásico “Adicta” en una poderosa versión 2025

El cantautor y productor Nando Cohen marca un nuevo capítulo en su trayectoria musical con el relanzamiento de “Adicta”, una canción que originalmente vio la luz en 2004 y que ahora regresa con una fuerza renovada. Esta nueva versión, impregnada del característico sello roquero y moderno del artista, es un homenaje a las amistades, vivencias y emociones que inspiraron su creación hace más de dos décadas.

La primera entrega de “Adicta” surgió en el seno de la banda Nicotina & Cafeína, formada por Nando y sus amigos de la época. Producida en 2004 por René Betancourth—productor de renombre que ha trabajado con figuras como Emilio y Gloria Estefan—, el tema ofrecía un enfoque pop con una sonoridad suave y accesible. Sin embargo, la versión 2025 transforma por completo esta esencia: ahora, “Adicta” explora un sonido roquero contemporáneo, cargado de intensidad, energía y la madurez artística que Nando ha cultivado a lo largo de los años.

La historia detrás de “Adicta” es tan poderosa como la canción misma. Con letra y melodía creadas íntegramente por Nando Cohen, el inolvidable solo de guitarra nació de una colaboración con su amigo Saider Hernández, convirtiéndose en uno de los elementos más icónicos del tema. Además, la producción original fue posible gracias al apoyo financiero de un amigo cercano del artista, quien confió firmemente en el potencial de la canción como un éxito rotundo.

Con este relanzamiento, Nando Cohen no solo revitaliza un clásico personal, sino que celebra las conexiones humanas y las memorias compartidas que han marcado su viaje musical. “Adicta” en su versión 2025 es un testimonio de cómo la música evoluciona, conecta y rinde tributo a sus raíces, mientras proyecta una propuesta fresca, audaz y poderosa hacia nuevas generaciones.

Back 2 School Presenta “Apunta Y Dispara”, Un Viaje Crudo Y Emocional Que Redefine El Pop Punk Colombiano

La banda barranquillera Back 2 School (B2S) regresa con más fuerza que nunca para presentar su nuevo EP “Apunta y Dispara”, una producción que mezcla la energía del pop punk, la melancolía del emo y la nostalgia de los 2000’s, con letras viscerales que hablan de amores rotos, emociones ocultas y puntos de quiebre.

“Apunta y Dispara” es el segundo sencillo del EP homónimo y retrata, con una intensidad brutal, el momento en el que todo se termina: cuando bajamos la guardia y la otra persona no duda en herirnos. Con un videoclip cinematográfico y una estética elegante pero caótica, B2S logra capturar esa catarsis emocional que muchos han sentido, pero pocos se atreven a decir en voz alta.

🎸 Un sonido que evoluciona

Desde su formación en 2012, Back 2 School ha construido una carrera sólida que los posiciona como una de las propuestas emergentes más auténticas del rock alternativo en español. Tras el EP “No Hay Tiempo Que Perder” (2018), el álbum KARMA (2022) y sencillos como “Sábado Sin Domingo”, la banda ha explorado nuevas sonoridades que consolidan su identidad: cruda, emotiva y sin filtros.

“Con este EP nos atrevimos a experimentar más que nunca, tanto musical como visualmente. Queremos que la gente se escuche en nuestras canciones, que digan ‘esto también me pasó a mí’”, afirma la vocalista y compositora Dayana Rico.

🔥 Lo que viene para B2S

El lanzamiento de “Apunta y Dispara” marca el inicio de una etapa más intensa y emocional para la banda. Próximamente, presentarán nuevos sencillos del EP y seguirán explorando colaboraciones con artistas de la escena alternativa.

“Este EP es solo el comienzo. Queremos que cada canción sea un puente para conectar con quienes nos han acompañado desde el inicio y con los que recién nos descubren”, comenta la banda.

Un EP introspectivo, emotivo y visceral: así es ‘Constelaciones’ de Catalina Uscátegui

Catalina Uscátegui es una cantante, arreglista vocal y compositora nacida en la ciudad de Bogotá, Colombia. La música ha sido parte de su vida desde temprana edad, habiendo crecido en una familia de músicos aprendió a cantar desde los 3 años y su voz ha sido siempre su instrumento favorito. También aprendió a tocar el piano, la guitarra y, posteriormente, el violín. El proyecto nace a partir de buscar libertad para ser. Es una mirada hacia el interior, aprendiendo a reconocer, expresar y aceptar lo que se encontró allí. Todo esto expresado por medio de canciones, de armonías vocales y letras que buscan contarlo todo con mucha autenticidad.

La intención de su propuesta musical se basa en buscar la libertad para ser, en su caso desde la emocionalidad pues Catalina Uscátegui es una persona sensible y expresa sus emociones sin juzgarlas, sin miedo y solo dejándolas ser. Por eso su nombre de artista es el mismo que su nombre de pila. Catalina no busca un alter ego, busca poder ser como es.

«A través de mis canciones quiero enviar mensajes en donde se refleja que está bien sentir muy fuerte las emociones, pues todos tenemos nuestra forma de habitar este mundo, a veces hay contradicciones, a veces sentimos ira, a veces tristeza y a veces felicidad, pero lo que todos merecemos es sentirlas con libertad para no envenenarnos tratando de reprimirlas», cuenta la artista con influencias de Coldplay, Lianne La Havas, Billie Eilish, Sam Smith y Daft Punk.

‘Constelaciones’ es el EP debut de Catalina Uscátegui, es una analogía de lo que es una persona en su totalidad, como el cielo, no es solo cada constelación por separado, son todos los fragmentos unidos los que nos dejar ver lo que es en realidad. Cada canción representa una de sus emociones (una constelación), por eso cada una lleva un nombre en latín al lado del título.

La inspiración de ‘Constelaciones’ vino del amor de la cantante por la fantasía y la mitología. En muchas historias las estrellas y constelaciones juegan un papel importante ya sea para representar la profundidad del mundo o el misticismo. En el EP Catalina habla con libertad de sus emociones y de lo que es, buscando crear una sensación mágica y que cuando escuchen su música las personas entrarán en su universo.

«Si escuchan solo una canción conoces solo una parte de mí, pero al ponerlas juntas en el EP pueden escucharme como un todo. Es un viaje emocional a mi interior y a lo que soy, aceptando lo que siento y reconociendo mis constelaciones», agrega la artista colombiana.

A nivel sonoro, el EP tiene mucho uso de pads vocales, armonías complejas y efectos vocales más allá de los coros y la voz principal. También hay una exploración dentro del género Synth Pop, sonidos electrónicos, sintetizadores, pero mezclados con instrumentos reales como guitarras acústicas, percusión menor y batería. La cualidad que la cantante buscaba era representar ese espacio en el que habitan las constelaciones, una sensación etérea, pero al mismo tiempo profunda.

‘Constelaciones’ de Catalina Uscátegui le canta a la esperanza y a encontrar la luz propia en medio de la oscuridad en ‘Stars (Spes)’, le habla a la sensación de sentirse abrumado y sin rumbo con el síndrome de burnout en ‘Espiral (Oppressus)’, invita a abrazar lo que es y a soltar lo que le hace pesada el alma en ‘Soltar (Gravis)’ y le habla al deseo y a la libertad por una conexión profunda que vas más allá de las palabras en ‘Hasta el cielo (secretum)’.

Este lanzamiento de Catalina Uscátegui incluye el estreno del sencillo en video ‘Hasta el Cielo (secretum)’, una canción que marcó un nuevo rumbo en su música y también en su vida, pues fue el momento en que decidió no tenerle miedo a expresarse libremente. Habla de querer encontrar una conexión emocional profunda y real que vaya más allá de las palabras.

«Es un sencillo muy íntimo y eso quise reflejarlo en mi forma de cantar, un poco suave, airosa como si estuviera contando un secreto. Busqué generar contraste en el coro al cambiar el color y aumentar el volumen para ilustrar esa sensación de libertad. En el video todo es grabado en vivo, incluido el loop del puente, con el fin de representar esa intimidad y autenticidad que tanto busco», agrega.

‘Constelaciones’ es un EP ideal para escuchar en medio de un viaje ya que habla sobre esa travesía emocional de conocernos que en muchos aspectos sucede cuando viajamos a nuevos lugares. También puede ser escuchado cuando queramos buscar una conexión con nosotros, momentos de introspección en los que busquemos poder sentir lo que venga con libertad.

«Quiero continuar dándome a conocer como artista, sin perder mi estilo e identidad. Espero que por medio de mi propuesta honesta y haciendo la música que me gusta pueda conectar con quien me escucha, que encuentren en mis canciones compañía, consuelo y les de la motivación suficiente para sentir sus emociones», enfatiza Catalina Uscátegui.

El diseño de la portada se basa en la estética de los mapas estelares ya que el EP es como un mapa estelar de la cantante. Se usaron colores como el azul oscuro para dar esa sensación del cielo cuando está anocheciendo sobre todo en el fondo, el amarillo cálido para representar la luz de las estrellas y sobre su piel están pintadas figuras que evocan esos mapas estelares con azules, dorado y blanco para ilustrar que las constelaciones de las que habla están en Catalina. El foco de la portada es la artista colombiana, pues es ella quien está contando su historia.

Actualmente, Catalina Uscátegui busca participar en conciertos junto a artistas emergentes, pero este proceso se encuentra en etapa de planeación. Para el segundo semestre del año, la artista lanzará una versión extendida de una de las canciones del EP, además, de un sencillo nuevo. Finalmente, la cantante prepara las versiones de un concierto en vivo en donde presentó el EP para tener contenido para sus seguidores en las redes sociales.

«Yo escribo mi música desde mi experiencia, desde mis emociones y lo que soy, busco ser auténtica y honesta y creo que hay muchas personas en el mundo buscando que lo que escuchen tenga ese componente humano con historias y emociones reales. Al mismo tiempo si están buscando un sonido pop más similar al pop anglo, pero que sea más cercano (en este caso por el idioma), estoy segura de que les va a encantar mi estilo y mis letras», concluye Catalina Uscátegui.

[Nueva música] Andy Rosano lanza ‘Lección de vida’, una reflexión en tono punk rock

Andy Rosano es un músico independiente proveniente de Montevideo, Uruguay que le encanta el rock, el punk rock, el hard rock y los derivados de la rama del rock y metal. A través de sus canciones, Andy busca el desahogo emocional, emotivo, el odio, el amor, la crítica social y la comedia.

Sus influencias musicales son System of a Down, Marilyn Manson, KISS, Criss Angel, Guns and Roses y Ramones. Es una especie de sopa espesa cargada con de todo un poco y una pizca de filosofía de parte de Aristóteles, Platón, experiencias, placeres de vida y situaciones de la vida cotidiana.

«Mi propuesta se basa en expresarme principalmente, desarrollar personajes ficticios en gran parte de mis canciones, anécdotas, historias y representar las situaciones de la vida cotidiana. Al mismo tiempo, me gusta plasmar ideas con doble sentido, parodiar y darles giros tragicómicos», comenta el artista. «En mi primer disco, ‘Emocionalmente Inestable’, plasmé la filosofía de Nietzsche del ‘Superhombre ‘, siendo así mi primer disco de rock metal filosófico y esperen a ver el segundo el cual está en producción y se concentrará en lo bueno de lo malo y en lo malo de lo bueno. Será cómo ver ambas caras de frente y verlo de una manera más enajenada y contundente», agrega.

‘Lección de vida’ es el primer sencillo del nuevo disco de Andy Rosano, una canción que nació en una conversación entre el artista y su pareja cuando hablaban que la vida tiene múltiples caminos y experiencias y está en cada uno tomarlas o dejarlas. Metafóricamente hablando, el sencillo transmite mensajes de lo que es la vida, dispuesta a darte enseñanzas a partir de errores y te deja lecciones para no seguir cometiéndolos.

«La letra nació de un mensaje de WhatsApp que escribí para ella a modo de reflexión de lo que es la vida en sí. En un momento nos empezamos a reír porque sonó muy profundo, pero esa misma noche se me ocurrió agarrar la guitarra e improvisar acordes y salió todo en una hora muy natural y orgánico», menciona Andy Rosano.

‘Lección de vida’ explora sonoridades distorsionadas y acordes poderosos. Es la primera canción punk rock de su proyecto y será incluida en su segunda producción musical. Es una canción idónea para subir el ánimo y moverte.

El segundo disco de estudio de Andy Rosano cuenta con el apoyo del productor musical SantyDark Jett y en el arte para las portadas de los singles como del disco del artista Nahuel Revello, también conocido como Horrorshow en Uruguay.

«Con este lanzamiento y los que vienen en los próximos meses quiero desahogarme y generar emociones en la gente, que hablen y se muevan, que reaccionen con la propuesta. Busco que las personas se sientan, de cierto modo, identificadas; algo así como «Conozco a alguien así con esa descripción» o «Conozco a alguien así también»», puntualiza el músico uruguayo.

Para este 2025, Andy Rosano espera tener listas todas las canciones del nuevo disco que será distribuido en su totalidad en más de treinta plataformas de música en todo el mundo.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Andy Rosano en Colombia y Latinoamérica porque mi propuesta es fresca e innovadora, es un proyecto que te dejará emocionalmente inestable y te hará experimentar una maravillosa pesadilla», concluye.

“La tormenta”: una declaración de lealtad en clave indie rock de Niguiri 

Una nueva propuesta del indie rock en español llega con fuerza: “La tormenta”, una canción que invita a mantenerse al lado de alguien incluso en medio del caos. Lejos de ser una simple balada melancólica, este tema abraza la incertidumbre con guitarras envolventes, efectos de delay y reverb que crean una atmósfera introspectiva, ideal para esas noches solitarias en las que uno recorre la ciudad, ya sea caminando o al volante, tratando de ordenar sus pensamientos.

La voz, íntima y cercana, guía con honestidad una letra que apuesta por la fidelidad y la compañía en tiempos difíciles. La base rítmica constante sostiene una emoción que nunca se desborda, pero sí se siente. “La tormenta” se alinea con el sonido contemporáneo de bandas como Ultraligera, Arde Bogotá o solistas como Dani Fernández, posicionándose como una pista que puede conectar profundamente con quienes buscan algo más que un estribillo pegajoso.

El lanzamiento viene acompañado de contenido visual en TikTok e Instagram, con versiones acústicas y visuales nocturnos que potencian la narrativa íntima de la canción. Además, ya ha comenzado a circular en medios y prensa especializada del circuito indie. Por su carácter emocional y su sonido cuidado, “La tormenta” tiene todo para colarse en playlists como Indie Esp, Novedades Indie o Rock en Español.

Una canción para los que aún creen en estar, incluso cuando todo tiembla.

Abuelo Ácido presenta «Soles Fractales»

Abuelo Ácido estrena su nuevo single “Soles Fractales”, metal progresivo que reflexiona sobre los patrones infinitos que rigen el universo. Desde una mirada musical y conceptual, la canción explora la replicancia fractal que se manifiesta tanto en la naturaleza como en la tecnología y la conciencia humana.

«Soles Fractales es una metáfora del caos organizado, de cómo todo lo que parece aleatorio guarda una lógica profunda«, explican desde la banda, destacando que esta idea no solo habita en la letra, sino también en la estructura musical del tema. «Nos inspiramos en los fractales como reflejo de la eterna repetición y conexión entre lo que parece disperso«, agregan.

El proceso creativo del single tiene un valor especial para Abuelo Ácido ya que fue compuesto de forma completamente colectiva. «Cada integrante aportó su visión y su sensibilidad. Nos dimos la libertad de crear sin ataduras estilísticas, lo que permitió que emergiera una sonoridad auténtica que marca esta nueva etapa de la banda«, señalan.

La grabación, producción y edición del single tomó más de un año. «Nos dimos el lujo de trabajar sin apuro, dedicando muchas horas a lograr la textura sonora que buscábamos«, comenta el grupo. La grabación se realizó en Estudio 19, espacio clave para la banda desde sus inicios, y contó con la participación de Renzo Ferreira (voz y guitarra), Pablo Pacheco (bajo), Patricio Thezá (teclados), Nicolás Guajardo (batería) y Daniel Muñoz como invitado especial en la trompeta. La mezcla y masterización fueron realizadas por Víctor Hernaez, quien, según la banda, «fue una pieza fundamental para plasmar con precisión la complejidad del sonido que queríamos transmitir«.

En cuanto a las influencias, Soles Fractales se nutre del metal progresivo, el death metal, la música experimental y el jazz fusión, pero siempre desde una perspectiva propia. «Nos gusta movernos en los márgenes del género, expandir sus límites y permitir que las estructuras, timbres y atmósferas evolucionen sin seguir fórmulas establecidas«, afirman.

El arte del single fue diseñado por Tuzeta Navarro y la fotografía estuvo a cargo de Ricardo General.

Lutter presenta ‘Días Más Felices’, una canción para decir adiós sin resentimientos

La agrupación bogotana de pop-punk y punk rock en ‘Días Más Felices’, su nuevo lanzamiento, reivindica el amor después de la despedida

El final de una historia de amor no debe estar cargada de resentimiento; todo lo contrario, la despedida, es una oportunidad para agradecer por ese tiempo compartido en pareja. Es el mensaje que Lutter, agrupación bogotana de punk rock, nos entrega en su sencillo más reciente, ‘Días Más Felices’. 

Fiel a este concepto, la banda conformada por Jorge González en la voz, Alejandro Chacón en el bajo, Camilo Vargas y Julián Rojas en las guitarras, y Julián Moreno detrás de la batería, ‘Días Más Felices’, se proyecta como una canción alegre que toma diversas influencias sonoras para entregarnos una pieza sensible que bien podría retratar cualquier historia de amor que ha llegado a su final en paz; sin resentimientos, sin reproches.

Influenciada por Mad Caddies, Less Than Jake, Dirty Heads, Sublime, entre otros exponentes del ska, el punk y el reggae, Lutter ratifica su intención de explorar diversas atmósferas musicales sin perder la esencia de narrar historias personales en las que, en palabras de la agrupación: “cada letra y cada canción tiene nombre propio”.

Steven Baquero, integrante de la agrupación Apolo 7, estuvo a cargo de la producción de ‘Días Más Felices’, lo que permitió que Lutter experimentara otras posibilidades musicales, al tiempo que estrechaba lazos de fraternidad en el proceso. Los vientos, por su parte, estuvieron a cargo de Jeisson Mora, trompetista y Juan José Diaz, trombonista y músico de sesión de bandas como Los Petitfellas, Bacilos, Meghan Trainor, entre otros. 

“El resultado fue una canción hermosa con altos estándares de calidad”, afirma Lutter.

El video que acompaña el lanzamiento, se desarrolla en un escenario cotidiano que toma como punto de partida un estudio para simular un lugar que nos hace más felices: la playa, alternando imágenes de pequeños momentos que retratan la sensibilidad que permeó la relación de pareja que inspiró a ‘Días Más Felices’. 

Desde su formación en 2003, Lutter se ha proyectado como una agrupación representativa del punk rock, moviéndose por diversos escenarios nacionales e internacionales. Su presencia activa y sus producciones musicales le ha permitido contar con el respaldo de grandes marcas como Jameson, Red Bull, Monster, Apparel (México), Strike Force (Chile), Bunker, entre otras que se han sumado a lo largo de su extensa trayectoria en la escena musical.

Alea presenta ‘Goodbye’

Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.

‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.

«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.

Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.

La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.

El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.

«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.

‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.

Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.

«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.