Luego de presentar los sencillos ‘Será’ y ‘Nostalgia’, la banda colombiana de rock alternativo Clandestino regresa con nueva música para todos sus seguidores. Se trata de ‘Haberte encontrado’, una canción que narra un amor que no debió ser, una historia que continúa detenida en el tiempo. Es perfecta para escuchar en las noches cuando el nombre de esa persona resuena en la cabeza.
«La canción nace de una sensación de soledad en un momento de la vida en el que debemos enfrentar una separación, es un sentimiento que sabemos que la mayoría hemos experimentado. Es para las personas que han vivido historias de amores imposibles, reflexiones de la vida, recuerdos y emociones profundas», comentan Hana Loaiza y Alex Velásquez, líderes de Clandestino.
Para el video de ‘Haberte encontrado’, Clandestino buscó plasmar desde lo musical y lo visual la crudeza de un amor detenido en el tiempo. El Metro de Medellín, sus estaciones, vagones, pasillos y plataformas lograban la representación del tiempo, la temporalidad y la búsqueda de un hombre y una mujer de algo que no se ve, pero siempre está. El clip fue producido Jacobo Castro, Leonardo Guerrero y Sandra Bautista de la productora Duck Sessions.
«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con la historia de ‘Haberte encontrado’ sino con lo que es Clandestino. Queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida, que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», puntualiza la agrupación con influencias de Massive Attack, Coldplay, Radiohead, Draco Rosa, Aterciopelados, Zoé, Siddharta y Carla Morrison.
‘Haberte encontrado’ hace parte del álbum ‘Supremacía‘, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, indie rock, neo soul, balada, entre otros. El disco, producido y mezclado en Estudio Naranja por Pedro Rovetto y masterizado por Camilo Silva, estará disponible en su totalidad a finales de 2025.
«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la agrupación.
El cantautor colombiano Farid Abauat estrena ‘Manos vacías’, un sencillo que retrata el contraste entre dos mundos: el de una persona que va lento y con dudas, frente al que parece tenerlo todo claro y controlado.
La canción nació de una reflexión personal sobre las inseguridades que vivimos cuando nos enfrentamos al amor. Aborda el sentimiento de no tener nada que ofrecer y llegar con las manos vacías, mientras la otra persona parece brillar y avanzar con una velocidad que no podemos seguir.
‘Manos vacías’ fue co-escrita por Farid Abauat y Alejandro Prias, quien estuvo al frente de la producción, mezcla y masterización.
A veces por inseguridades nos inhibimos de dar el primer paso hacia el amor, pero en este caso es una invitación a la aventura:
«Quise explorar ese tema desde un lugar honesto, por eso la canción tiene un sonido pop alegre, casi en contraste con lo que está diciendo la letra. En el fondo, es una canción sobre cómo el amor puede sanar inseguridades y enseñarte a vivir», comenta Farid Abauat.
Y agrega: «Queríamos ofrecer al público una imagen muy clara de lo que se siente estar enamorados. Hubo una frase que nos marcó: ‘¿Recuerdas cuando estábamos enamorados? Mis hombros a tu peso tan acostumbrados’, de ahí nace el resto de la canción. Pues no hay mejor momento para demostrar el amor que cuando dos personas se están conociendo y están emprendiendo un viaje amoroso».
La canción encaja de manera natural dentro del concepto del próximo álbum. Cada canción de este proyecto aborda una «patología emocional» distinta, contada a través de historias personales y metáforas médicas.
En este caso, ‘Manos vacías’ representa la inseguridad crónica, una especie de síndrome del impostor emocional que muchos sentimos cuando creemos que no somos suficientes para alguien que admiramos o que va mucho más rápido que nosotros.
Musicalmente, la canción aporta un color sonoro distinto: es más luminosa, más pop, contrastando con algunos temas más oscuros que tendrá el álbum.
La banda de punk rock colombiana Nadie, liderada por el cantante y guitarrista Julián Velásquez, regresa a Bogotá para celebrar 30 años de carrera el próximo sábado 23 de agosto en Boro Room (Calle 55 #13-51) en compañía de las agrupaciones capitalinas Triple X y Victimized.
«En esta gira 2025 celebramos los 30 años de la banda con un show de 30 temas que recorren toda la discografía desde ‘Nadie’ hasta ‘Monólogos de un perro con bozal’. Será la banda con su sonido crudo característico en formato power trío tocando sin parar y directo al hueso», cuenta Julián.
Para el concierto de Nadie en Bogotá las boletas tienen un costo en Preventa de $80.000 y el día del evento de $100.000. Compra tus entradas en puntos físicos en La Valija de Fuego y Oi Distro (Chapinero), Sin Fronteras Discos (Corferias) y Blasting Records (Centro).
La gira nacional de los 30 años de Nadie iniciará el 26 de julio en La Unión, Antioquia; el 2 de agosto en Andes, el 22 del mismo mes en Pereira, el 23 en Bogotá y para cerrar el mes el 30 en Medellín. Para septiembre, el grupo se presentará el 6 de septiembre en Chinchiná, el 13 en Rionegro, el 19 en Bucaramanga y el 20 en Cúcuta. El 12 de octubre la banda se presentará en Córdoba, el 18 en Cali, en Sogamoso el 16 y finalizará la gira el 22 de noviembre con el prelistening del nuevo disco en Medellín. La banda tendrá más fechas en diferentes ciudades del país que irán anunciando a través de sus redes sociales.
«Con esta gira nacional queremos mantener vigente la banda y continuar el camino de nuevo con firmeza y solidez, ya que los últimos 15 años han estado fragmentados por salidas de integrantes y asuntos personales de Julián, vocalista y guitarrista», agrega la agrupación.
Julián Velásquez se encuentra componiendo el nuevo álbum de Nadie titulado ‘Veneno’, el cual tendrá entre 10 y 12 canciones. Este disco llevará una temática general cargada de mensajes para un despertar muy necesario de la humanidad en una era de control total de la mente y del cuerpo.
«Estamos viviendo una guerra desde hace más de 150 años y esa guerra es contra la humanidad, por eso este disco es el llamado a los que ya están y a las nuevas generaciones para desobedecer todo lo que nos quiera controlar y creer en nosotros. Es una invitación a cuidarnos entre todos y hacernos el aguante para lo que viene que no será fácil y nos tocará pelearlo», enfatiza Julian.
«Queremos que muchas personas asistan a nuestros conciertos para que puedan disfrutar nuestra música, propuesta y mensaje, de paso verles las caras de satisfacción que tanto nos gusta ver cuando tocamos y nos escuchan lo cual es un regalo de la vida», concluye Nadie.
El concierto de Nadie en Bogotá es organizado por Lacopyrat Colectivo.
‘El Remedio’ nace de la fase más sincera del álbum de DIMC titulado ‘Rompecorazones’: el reconocimiento del error que detonó una relación.
Inspirada en la vibra latina-funk del álbum «El Madrileño de C. Tangana», la canción tiene una mezcla sonora entre la bachata y el funk brasilero.
Este es el último anticipo del álbum y sirve de vehículo para narrar el shock emocional de ver al ser amado con alguien más. El tema central de la canción es la culpa: «maldito el día en que un hombre le falló y ese hombre fui yo», así como la terapia de choque que supone enfrentar las consecuencias de nuestros actos.
‘El Remedio’ es una canción escrita, producida, mezclada y masterizada por DIMC (Diego Segura). Cuenta con la participación de Pipe Piedras en las guitarras y en las voces de apoyo con Sofía Baena y Nairobi Milanés.
La canción actúa como un foco emocional: cierra el ciclo de los tres sencillos introspectivos y prepara el terreno para un álbum que explorará a profundidad la responsabilidad afectiva, el desamor y la reconstrucción personal.
«Lo más duro de ‘El Remedio’ es que cuando la escuchas ves a esa persona a los ojos y sabes que nunca te va a volver a mirar de la misma manera. A veces hay que asumir las consecuencias y seguir adelante», comenta DIMC.
‘Rompecorazones’ es un álbum que te hará recorrer cada uno de los círculos del infierno, reconociendo los pecados que nos llevan a la muerte del amor. Inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri, el artista bogotano nos lleva canción a canción por el Limbo, la lujuria, la gula, la avaricia, la ira, la herejía, la violencia, el fraude y la traición.
El primer semestre de 2025 ha sido el más importante para la banda colombiana de indie rock alternativo Una Noche en Bogotá desde su fundación. En materia de lanzamientos, el grupo fundado en 2022 por Gio Calderón (voz principal y guitarra rítmica), Carlos Polo (bajo), Darío Fernández (guitarra líder) y Nicolás Villamizar (batería y secuencias) ha lanzado tres sencillos de su álbum: ‘Despedida’, ‘Resolución’ y ‘Tiempo’ que, hasta el momento, han sido las canciones con mejor acogida en sus seguidores y nuevos oyentes, logrando desarrollar videoclips de gran calidad para estos sencillos; demostrando el gran compromiso que sus integrantes tienen con el proyecto.
En cuanto a presentaciones, la banda bogotana sigue nutriéndose de los shows en vivo, al punto de compartir tarima con artistas de la talla de V For Volume y Boca de Serpiente, además logrando ser el acto de apertura de la banda islandesa Kaleo en la capital colombiana en el Teatro Astor Plaza, siendo esta la presentación más importante en la carrera del grupo a la fecha.
Hoy Una Noche en Bogotá presenta nueva música para sus seguidores en Colombia y América Latina, se trata de su cuarto sencillo ‘Hacia mí’, una canción escrita por Darío, el guitarrista de la banda, que habla de una relación rota en la cual el protagonista dio todas sus fuerzas y amor por el otro, pero no fue correspondido. Ahora en el presente y en una etapa de duelo, la otra persona vuelve para tratar de reparar el daño, sin embargo, ya es muy tarde para hacerlo.
«Es una carta a esa persona que se fue diciéndole que su tiempo ya pasó y que no hay nada que pueda hacer para volver a empezar. La canción aborda una temática muy común en la actualidad, con la que muchas personas pueden sentirse identificadas. Todos hemos tenido una persona que nos rompió el corazón y después de un tiempo vuelve a pedir perdón cuando ya es muy tarde. Es una canción de un corazón roto que ya sanó y que no necesita al otro para seguir adelante. Es el típico (yo te di todo, no lo apreciaste y ahora eres tú la que viene hacia mi)», comenta la banda.
‘Hacia mí’ hace parte de la constante evolución de Una Noche en Bogotá, la banda explora sonidos de shoegaze, dreampop y postpunk, tomando como referentes a bandas como The Cure, Joy Division, Drab Majesty y New Order.
«Exploramos nuevos sonidos sobre todo en el bajo usando efectos como Chorus y Tremolo para darle un aspecto similar al de un sintetizador, usando guitarras atmosféricas e incluimos arreglos en cuerdas y sintetizadores compuestos por un gran amigo de la banda (Juan Matheus), siendo esta la primera vez que alguien externo a la banda pone su granito de arena en la composición», agregan.
El videoclip de ‘Hacia mí’ se hizo bajo el concepto en el que una mujer de edad que se siente miserable con su vida, encerrada en su casa lejos de ser feliz o sentirse apreciada hasta que se da cuenta que no necesita a su pareja para ser feliz y decide tomar las riendas del asunto. Al final, se llena de confianza, haciendo todo lo que siempre quiso, pero de una manera grotesca, fea y que incomoda al que está viendo el video.
Según UNB, «fue un reto encontrar una actriz adecuada para el video, necesitábamos a una mujer que pudiera aparentar edad, pero también vitalidad y energía para mostrar el contraste entre las dos facetas de nuestro personaje; la triste y amargada con la eufórica y vital. El segundo reto fue encontrar una locación, ya que queríamos una casa con decoración vintage y decidimos hacerlo en la casa de los papás de Darío. Para este video nos inspiramos mucho en la película de ‘Requiem For a Dream’, en el personaje interpretado por Ellen Burstyn donde hace el papel de la mamá del protagonista quien sufre un deterioro mental posterior a la muerte de su esposo. Nos encantó la estética y el detalle escenográfico y quisimos lograr algo parecido».
La portada del sencillo fue diseñada por Fabián Parrado y muestra los cambios de la Luna Roja, dándole la identidad visual de la banda, sobre todo en los shows en vivo.
Con ‘Hacia mí, cuarto sencillo de la banda colombiana, Una Noche en Bogotá anuncia el nombre de su disco debut: ‘Usaquén’. En los próximos meses la banda publicará dos sencillos más antes de lanzar de forma oficial el álbum el próximo 6 de septiembre en Ace of Spades en Bogotá.
Escucha ‘Hacia mí’ de Una noche en Bogotá en tu plataforma musical favoritahttps://ditto.fm/hacia-mi
Desde el corazón de Nueva York y con más de tres décadas marcando la historia del hip hop, la agrupación ONYX llega a Bogotá y Medellín.
Colombia vivirá un espectáculo cargado de furia, nostalgia y autenticidad. Con su estilo crudo y enérgico, Fredro Starr y Sticky Fingaz prometen una noche intensa, llena de clásicos inolvidables como ‘Slam’, ‘Last Dayz’, ‘Shiftee’ y más. Será un viaje directo a los años dorados del hip hop, donde el beat golpea el pecho y la lírica habla desde las entrañas.
La cita en Bogotá será el 19 de septiembre en el icónico Teatro Royal Center y en Medellín el 20 de septiembre en el Sky Center. Las boletas están disponibles para las localidades General, VIP y Palcos en www.ticketshows.co
Bogotá – Septiembre 19 de 2025
La noche se encenderá con la presencia de tres potencias del rap colombiano: Representando la crudeza de la vida con inteligencia y flow, llega el poeta callejero de voz grave y lírica aguda Granuja. Se suma la agrupación Yawar Cru con sus voces que emergen de lo profundo de los Andes, mezclando resistencia, identidad y beats contundentes.
El cartel se cierra con Hard Crew cargado de fuego puro en el micrófono, energía que conecta con el barrio y hace vibrar el alma. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.
Dos representantes clave del movimiento en habla hispana se suman a la agrupación neoyorquina. En el marco de su gira mundial, Penyaír presentará su nuevo disco titulado ‘Filantropía’, una propuesta lírica intensa y reflexiva. La carismática Gabylonia, conocida por su presencia escénica y rimas directas, también será parte de esta celebración del rap sin filtros ni concesiones. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.
El cantautor y productor Nando Cohen marca un nuevo capítulo en su trayectoria musical con el relanzamiento de “Adicta”, una canción que originalmente vio la luz en 2004 y que ahora regresa con una fuerza renovada. Esta nueva versión, impregnada del característico sello roquero y moderno del artista, es un homenaje a las amistades, vivencias y emociones que inspiraron su creación hace más de dos décadas.
La primera entrega de “Adicta” surgió en el seno de la banda Nicotina & Cafeína, formada por Nando y sus amigos de la época. Producida en 2004 por René Betancourth—productor de renombre que ha trabajado con figuras como Emilio y Gloria Estefan—, el tema ofrecía un enfoque pop con una sonoridad suave y accesible. Sin embargo, la versión 2025 transforma por completo esta esencia: ahora, “Adicta” explora un sonido roquero contemporáneo, cargado de intensidad, energía y la madurez artística que Nando ha cultivado a lo largo de los años.
La historia detrás de “Adicta” es tan poderosa como la canción misma. Con letra y melodía creadas íntegramente por Nando Cohen, el inolvidable solo de guitarra nació de una colaboración con su amigo Saider Hernández, convirtiéndose en uno de los elementos más icónicos del tema. Además, la producción original fue posible gracias al apoyo financiero de un amigo cercano del artista, quien confió firmemente en el potencial de la canción como un éxito rotundo.
Con este relanzamiento, Nando Cohen no solo revitaliza un clásico personal, sino que celebra las conexiones humanas y las memorias compartidas que han marcado su viaje musical. “Adicta” en su versión 2025 es un testimonio de cómo la música evoluciona, conecta y rinde tributo a sus raíces, mientras proyecta una propuesta fresca, audaz y poderosa hacia nuevas generaciones.
La banda barranquillera Back 2 School (B2S) regresa con más fuerza que nunca para presentar su nuevo EP “Apunta y Dispara”, una producción que mezcla la energía del pop punk, la melancolía del emo y la nostalgia de los 2000’s, con letras viscerales que hablan de amores rotos, emociones ocultas y puntos de quiebre.
“Apunta y Dispara” es el segundo sencillo del EP homónimo y retrata, con una intensidad brutal, el momento en el que todo se termina: cuando bajamos la guardia y la otra persona no duda en herirnos. Con un videoclip cinematográfico y una estética elegante pero caótica, B2S logra capturar esa catarsis emocional que muchos han sentido, pero pocos se atreven a decir en voz alta.
🎸 Un sonido que evoluciona
Desde su formación en 2012, Back 2 School ha construido una carrera sólida que los posiciona como una de las propuestas emergentes más auténticas del rock alternativo en español. Tras el EP “No Hay Tiempo Que Perder” (2018), el álbum KARMA (2022) y sencillos como “Sábado Sin Domingo”, la banda ha explorado nuevas sonoridades que consolidan su identidad: cruda, emotiva y sin filtros.
“Con este EP nos atrevimos a experimentar más que nunca, tanto musical como visualmente. Queremos que la gente se escuche en nuestras canciones, que digan ‘esto también me pasó a mí’”, afirma la vocalista y compositora Dayana Rico.
🔥 Lo que viene para B2S
El lanzamiento de “Apunta y Dispara” marca el inicio de una etapa más intensa y emocional para la banda. Próximamente, presentarán nuevos sencillos del EP y seguirán explorando colaboraciones con artistas de la escena alternativa.
“Este EP es solo el comienzo. Queremos que cada canción sea un puente para conectar con quienes nos han acompañado desde el inicio y con los que recién nos descubren”, comenta la banda.
Catalina Uscátegui es una cantante, arreglista vocal y compositora nacida en la ciudad de Bogotá, Colombia. La música ha sido parte de su vida desde temprana edad, habiendo crecido en una familia de músicos aprendió a cantar desde los 3 años y su voz ha sido siempre su instrumento favorito. También aprendió a tocar el piano, la guitarra y, posteriormente, el violín. El proyecto nace a partir de buscar libertad para ser. Es una mirada hacia el interior, aprendiendo a reconocer, expresar y aceptar lo que se encontró allí. Todo esto expresado por medio de canciones, de armonías vocales y letras que buscan contarlo todo con mucha autenticidad.
La intención de su propuesta musical se basa en buscar la libertad para ser, en su caso desde la emocionalidad pues Catalina Uscátegui es una persona sensible y expresa sus emociones sin juzgarlas, sin miedo y solo dejándolas ser. Por eso su nombre de artista es el mismo que su nombre de pila. Catalina no busca un alter ego, busca poder ser como es.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes en donde se refleja que está bien sentir muy fuerte las emociones, pues todos tenemos nuestra forma de habitar este mundo, a veces hay contradicciones, a veces sentimos ira, a veces tristeza y a veces felicidad, pero lo que todos merecemos es sentirlas con libertad para no envenenarnos tratando de reprimirlas», cuenta la artista con influencias de Coldplay, Lianne La Havas, Billie Eilish, Sam Smith y Daft Punk.
‘Constelaciones’ es el EP debut de Catalina Uscátegui, es una analogía de lo que es una persona en su totalidad, como el cielo, no es solo cada constelación por separado, son todos los fragmentos unidos los que nos dejar ver lo que es en realidad. Cada canción representa una de sus emociones (una constelación), por eso cada una lleva un nombre en latín al lado del título.
La inspiración de ‘Constelaciones’ vino del amor de la cantante por la fantasía y la mitología. En muchas historias las estrellas y constelaciones juegan un papel importante ya sea para representar la profundidad del mundo o el misticismo. En el EP Catalina habla con libertad de sus emociones y de lo que es, buscando crear una sensación mágica y que cuando escuchen su música las personas entrarán en su universo.
«Si escuchan solo una canción conoces solo una parte de mí, pero al ponerlas juntas en el EP pueden escucharme como un todo. Es un viaje emocional a mi interior y a lo que soy, aceptando lo que siento y reconociendo mis constelaciones», agrega la artista colombiana.
A nivel sonoro, el EP tiene mucho uso de pads vocales, armonías complejas y efectos vocales más allá de los coros y la voz principal. También hay una exploración dentro del género Synth Pop, sonidos electrónicos, sintetizadores, pero mezclados con instrumentos reales como guitarras acústicas, percusión menor y batería. La cualidad que la cantante buscaba era representar ese espacio en el que habitan las constelaciones, una sensación etérea, pero al mismo tiempo profunda.
‘Constelaciones’ de Catalina Uscátegui le canta a la esperanza y a encontrar la luz propia en medio de la oscuridad en ‘Stars (Spes)’, le habla a la sensación de sentirse abrumado y sin rumbo con el síndrome de burnout en ‘Espiral (Oppressus)’, invita a abrazar lo que es y a soltar lo que le hace pesada el alma en ‘Soltar (Gravis)’ y le habla al deseo y a la libertad por una conexión profunda que vas más allá de las palabras en ‘Hasta el cielo (secretum)’.
Este lanzamiento de Catalina Uscátegui incluye el estreno del sencillo en video ‘Hasta el Cielo (secretum)’, una canción que marcó un nuevo rumbo en su música y también en su vida, pues fue el momento en que decidió no tenerle miedo a expresarse libremente. Habla de querer encontrar una conexión emocional profunda y real que vaya más allá de las palabras.
«Es un sencillo muy íntimo y eso quise reflejarlo en mi forma de cantar, un poco suave, airosa como si estuviera contando un secreto. Busqué generar contraste en el coro al cambiar el color y aumentar el volumen para ilustrar esa sensación de libertad. En el video todo es grabado en vivo, incluido el loop del puente, con el fin de representar esa intimidad y autenticidad que tanto busco», agrega.
‘Constelaciones’ es un EP ideal para escuchar en medio de un viaje ya que habla sobre esa travesía emocional de conocernos que en muchos aspectos sucede cuando viajamos a nuevos lugares. También puede ser escuchado cuando queramos buscar una conexión con nosotros, momentos de introspección en los que busquemos poder sentir lo que venga con libertad.
«Quiero continuar dándome a conocer como artista, sin perder mi estilo e identidad. Espero que por medio de mi propuesta honesta y haciendo la música que me gusta pueda conectar con quien me escucha, que encuentren en mis canciones compañía, consuelo y les de la motivación suficiente para sentir sus emociones», enfatiza Catalina Uscátegui.
El diseño de la portada se basa en la estética de los mapas estelares ya que el EP es como un mapa estelar de la cantante. Se usaron colores como el azul oscuro para dar esa sensación del cielo cuando está anocheciendo sobre todo en el fondo, el amarillo cálido para representar la luz de las estrellas y sobre su piel están pintadas figuras que evocan esos mapas estelares con azules, dorado y blanco para ilustrar que las constelaciones de las que habla están en Catalina. El foco de la portada es la artista colombiana, pues es ella quien está contando su historia.
Actualmente, Catalina Uscátegui busca participar en conciertos junto a artistas emergentes, pero este proceso se encuentra en etapa de planeación. Para el segundo semestre del año, la artista lanzará una versión extendida de una de las canciones del EP, además, de un sencillo nuevo. Finalmente, la cantante prepara las versiones de un concierto en vivo en donde presentó el EP para tener contenido para sus seguidores en las redes sociales.
«Yo escribo mi música desde mi experiencia, desde mis emociones y lo que soy, busco ser auténtica y honesta y creo que hay muchas personas en el mundo buscando que lo que escuchen tenga ese componente humano con historias y emociones reales. Al mismo tiempo si están buscando un sonido pop más similar al pop anglo, pero que sea más cercano (en este caso por el idioma), estoy segura de que les va a encantar mi estilo y mis letras», concluye Catalina Uscátegui.
Andy Rosano es un músico independiente proveniente de Montevideo, Uruguay que le encanta el rock, el punk rock, el hard rock y los derivados de la rama del rock y metal. A través de sus canciones, Andy busca el desahogo emocional, emotivo, el odio, el amor, la crítica social y la comedia.
Sus influencias musicales son System of a Down, Marilyn Manson, KISS, Criss Angel, Guns and Roses y Ramones. Es una especie de sopa espesa cargada con de todo un poco y una pizca de filosofía de parte de Aristóteles, Platón, experiencias, placeres de vida y situaciones de la vida cotidiana.
«Mi propuesta se basa en expresarme principalmente, desarrollar personajes ficticios en gran parte de mis canciones, anécdotas, historias y representar las situaciones de la vida cotidiana. Al mismo tiempo, me gusta plasmar ideas con doble sentido, parodiar y darles giros tragicómicos», comenta el artista. «En mi primer disco, ‘Emocionalmente Inestable’, plasmé la filosofía de Nietzsche del ‘Superhombre ‘, siendo así mi primer disco de rock metal filosófico y esperen a ver el segundo el cual está en producción y se concentrará en lo bueno de lo malo y en lo malo de lo bueno. Será cómo ver ambas caras de frente y verlo de una manera más enajenada y contundente», agrega.
‘Lección de vida’ es el primer sencillo del nuevo disco de Andy Rosano, una canción que nació en una conversación entre el artista y su pareja cuando hablaban que la vida tiene múltiples caminos y experiencias y está en cada uno tomarlas o dejarlas. Metafóricamente hablando, el sencillo transmite mensajes de lo que es la vida, dispuesta a darte enseñanzas a partir de errores y te deja lecciones para no seguir cometiéndolos.
«La letra nació de un mensaje de WhatsApp que escribí para ella a modo de reflexión de lo que es la vida en sí. En un momento nos empezamos a reír porque sonó muy profundo, pero esa misma noche se me ocurrió agarrar la guitarra e improvisar acordes y salió todo en una hora muy natural y orgánico», menciona Andy Rosano.
‘Lección de vida’ explora sonoridades distorsionadas y acordes poderosos. Es la primera canción punk rock de su proyecto y será incluida en su segunda producción musical. Es una canción idónea para subir el ánimo y moverte.
El segundo disco de estudio de Andy Rosano cuenta con el apoyo del productor musical SantyDark Jett y en el arte para las portadas de los singles como del disco del artista Nahuel Revello, también conocido como Horrorshow en Uruguay.
«Con este lanzamiento y los que vienen en los próximos meses quiero desahogarme y generar emociones en la gente, que hablen y se muevan, que reaccionen con la propuesta. Busco que las personas se sientan, de cierto modo, identificadas; algo así como «Conozco a alguien así con esa descripción» o «Conozco a alguien así también»», puntualiza el músico uruguayo.
Para este 2025, Andy Rosano espera tener listas todas las canciones del nuevo disco que será distribuido en su totalidad en más de treinta plataformas de música en todo el mundo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Andy Rosano en Colombia y Latinoamérica porque mi propuesta es fresca e innovadora, es un proyecto que te dejará emocionalmente inestable y te hará experimentar una maravillosa pesadilla», concluye.
Una nueva propuesta del indie rock en español llega con fuerza: “La tormenta”, una canción que invita a mantenerse al lado de alguien incluso en medio del caos. Lejos de ser una simple balada melancólica, este tema abraza la incertidumbre con guitarras envolventes, efectos de delay y reverb que crean una atmósfera introspectiva, ideal para esas noches solitarias en las que uno recorre la ciudad, ya sea caminando o al volante, tratando de ordenar sus pensamientos.
La voz, íntima y cercana, guía con honestidad una letra que apuesta por la fidelidad y la compañía en tiempos difíciles. La base rítmica constante sostiene una emoción que nunca se desborda, pero sí se siente. “La tormenta” se alinea con el sonido contemporáneo de bandas como Ultraligera, Arde Bogotá o solistas como Dani Fernández, posicionándose como una pista que puede conectar profundamente con quienes buscan algo más que un estribillo pegajoso.
El lanzamiento viene acompañado de contenido visual en TikTok e Instagram, con versiones acústicas y visuales nocturnos que potencian la narrativa íntima de la canción. Además, ya ha comenzado a circular en medios y prensa especializada del circuito indie. Por su carácter emocional y su sonido cuidado, “La tormenta” tiene todo para colarse en playlists como Indie Esp, Novedades Indie o Rock en Español.
Una canción para los que aún creen en estar, incluso cuando todo tiembla.
Abuelo Ácido estrena su nuevo single “Soles Fractales”, metal progresivo que reflexiona sobre los patrones infinitos que rigen el universo. Desde una mirada musical y conceptual, la canción explora la replicancia fractal que se manifiesta tanto en la naturaleza como en la tecnología y la conciencia humana.
«Soles Fractales es una metáfora del caos organizado, de cómo todo lo que parece aleatorio guarda una lógica profunda«, explican desde la banda, destacando que esta idea no solo habita en la letra, sino también en la estructura musical del tema. «Nos inspiramos en los fractales como reflejo de la eterna repetición y conexión entre lo que parece disperso«, agregan.
El proceso creativo del single tiene un valor especial para Abuelo Ácido ya que fue compuesto de forma completamente colectiva. «Cada integrante aportó su visión y su sensibilidad. Nos dimos la libertad de crear sin ataduras estilísticas, lo que permitió que emergiera una sonoridad auténtica que marca esta nueva etapa de la banda«, señalan.
La grabación, producción y edición del single tomó más de un año. «Nos dimos el lujo de trabajar sin apuro, dedicando muchas horas a lograr la textura sonora que buscábamos«, comenta el grupo. La grabación se realizó en Estudio 19, espacio clave para la banda desde sus inicios, y contó con la participación de Renzo Ferreira (voz y guitarra), Pablo Pacheco (bajo), Patricio Thezá (teclados), Nicolás Guajardo (batería) y Daniel Muñoz como invitado especial en la trompeta. La mezcla y masterización fueron realizadas por Víctor Hernaez, quien, según la banda, «fue una pieza fundamental para plasmar con precisión la complejidad del sonido que queríamos transmitir«.
En cuanto a las influencias, Soles Fractales se nutre del metal progresivo, el death metal, la música experimental y el jazz fusión, pero siempre desde una perspectiva propia. «Nos gusta movernos en los márgenes del género, expandir sus límites y permitir que las estructuras, timbres y atmósferas evolucionen sin seguir fórmulas establecidas«, afirman.
El arte del single fue diseñado por Tuzeta Navarro y la fotografía estuvo a cargo de Ricardo General.
La agrupación bogotana de pop-punk y punk rock en ‘Días Más Felices’, su nuevo lanzamiento, reivindica el amor después de la despedida
El final de una historia de amor no debe estar cargada de resentimiento; todo lo contrario, la despedida, es una oportunidad para agradecer por ese tiempo compartido en pareja. Es el mensaje que Lutter, agrupación bogotana de punk rock, nos entrega en su sencillo más reciente, ‘Días Más Felices’.
Fiel a este concepto, la banda conformada por Jorge González en la voz, Alejandro Chacón en el bajo, Camilo Vargas y Julián Rojas en las guitarras, y Julián Moreno detrás de la batería, ‘Días Más Felices’, se proyecta como una canción alegre que toma diversas influencias sonoras para entregarnos una pieza sensible que bien podría retratar cualquier historia de amor que ha llegado a su final en paz; sin resentimientos, sin reproches.
Influenciada por Mad Caddies, Less Than Jake, Dirty Heads, Sublime, entre otros exponentes del ska, el punk y el reggae, Lutter ratifica su intención de explorar diversas atmósferas musicales sin perder la esencia de narrar historias personales en las que, en palabras de la agrupación: “cada letra y cada canción tiene nombre propio”.
Steven Baquero, integrante de la agrupación Apolo 7, estuvo a cargo de la producción de ‘Días Más Felices’, lo que permitió que Lutter experimentara otras posibilidades musicales, al tiempo que estrechaba lazos de fraternidad en el proceso. Los vientos, por su parte, estuvieron a cargo de Jeisson Mora, trompetista y Juan José Diaz, trombonista y músico de sesión de bandas como Los Petitfellas, Bacilos, Meghan Trainor, entre otros.
“El resultado fue una canción hermosa con altos estándares de calidad”, afirma Lutter.
El video que acompaña el lanzamiento, se desarrolla en un escenario cotidiano que toma como punto de partida un estudio para simular un lugar que nos hace más felices: la playa, alternando imágenes de pequeños momentos que retratan la sensibilidad que permeó la relación de pareja que inspiró a ‘Días Más Felices’.
Desde su formación en 2003, Lutter se ha proyectado como una agrupación representativa del punk rock, moviéndose por diversos escenarios nacionales e internacionales. Su presencia activa y sus producciones musicales le ha permitido contar con el respaldo de grandes marcas como Jameson, Red Bull, Monster, Apparel (México), Strike Force (Chile), Bunker, entre otras que se han sumado a lo largo de su extensa trayectoria en la escena musical.
Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.
‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.
«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.
Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.
La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.
El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.
«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.
‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.
Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.
«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.
La banda de hard rock colombiana Mad Dogs estrena en plataformas digitales su disco ‘Never Too Late’, una producción que condensa el trabajo de muchos años desde la fundación del grupo hasta la fecha en donde han recogido historias, emociones y sentimientos en canciones. El álbum es una declaración de intenciones, donde, a pesar de ser Colombia un país el cual los géneros tropicales tienen más aceptación o que algunos dicen que el rock está muerto, para Mad Dogs está vivo.
El disco, producido por Oscar Javier Romero (Killcrops, Arzen) en On Axis Estudio y Mix Factory Estudio, mezclado y masterizado por Matthias Krieger en Pocket Audio, cuenta la evolución musical, iniciando con su lado festivo y rockero y avanza a un lado sensible a través de power ballads, llegando hasta una pieza progresiva. La composición de las letras es sobre temas complejos como: la dominación colectiva por el sistema actual, la renuncia a la libertad de manera voluntaria e inconsciente, las luchas internas y el desamor.
«Seguimos apostando por hacer hard rock en pleno 2025 recogiendo los tintes clásicos, pero con un sonido moderno. Nunca será tarde para hacer rock y que las nuevas generaciones tengan más y mejores opciones de música. Es un álbum para aquellos que se enamoraron de la música en vivo pero tocada de verdad, por humanos, busca inspirar a los que se enamoraron de este género, los que se rehúsan a dejarlo morir y los que pretenden construir una industria alrededor del mismo, donde el arte permita ser una forma de vida y de sustento. Narramos historias personales y reales de amor (o dolor), incluso de aspectos existenciales de la vida misma, sin dejar de lado que también la música debe divertir y que la vida es y debe tener su momento para celebrar», comenta Mad Dogs.
‘Never Too Late’, nombre homónimo del disco y primer sencillo del álbum de Mad Dogs es un himno; el grito ante el mundo donde se ratifica que no importa lo que digan, tú eres lo que haces y solo serás libre cuando sigues tus principios. ‘The way of the rocker’ es el camino para llegar al rock y la historia de cómo te convertiste en rockero, ‘Grabado en mi piel’ es cuero y látex; el lado oscuro del amor y la lujuria. El rock n’ roll es erotismo y sexualidad, siempre. ‘Stay through the night’ es amor, sensibilidad, dulzura y poesía; ‘Rock is on fire’ es una sensación de que el rock arde dentro de nosotros y por eso creemos a muerte en lo que hacemos. ‘Fear the world’ habla de la consciencia. El rock es y será antisistema y se enfrentará a todo método de dominación que quiera llevarse tu libertad. ‘Demons’ es la dualidad… donde hay luz, hay oscuridad, vive dentro de cada uno, pero cada quien elige quien quiere ser. ‘My love doesn’t need my pride’ habla del drama, es una historia personal y real… de amor. ‘Sabueso’ es el regreso a la fiesta, a la eterna juventud del rock; ‘Love born dead’ porque cuando se es el otro en el amor… duele.
«Es un disco perfecto para escuchar cuando quieras subir la mala onda o simplemente llenarte de energía. También cuando estás en uno de esos días de «malparidez existencial», tristeza o incluso odio. Las canciones de Mad Dogs siempre te van a subir el ánimo», agrega la banda bogotana.
‘Never Too Late’ es el álbum que consolida la propuesta de Mad Dogs en Colombia. Es el primer paso firme para tener un reconocimiento en Latinoamérica y así conquistar nuevas audiencias y tarimas a nivel nacional e internacional.
El borrador de la portada del disco fue diseñado por Germán Ducón y Fabián Martínez, y fue finalmente diagramada por Camilo Beltrán (@anglcam) usando la técnica Matte Painting, que consiste en realizar un montaje digital para recrear paisajes, espacios y escenas. La imagen pretende mostrar la realidad del rock desde sus inicios y es que siempre se ha enfrentado a un mundo agresivo y dominador, que busca someter a las personas a través de distintas hegemonías políticas, estéticas y religiosas, acompañado de la tiranía del paso del tiempo. Mad Dogs se levanta con su música y se enfrenta a todo lo que te quiera someter y quitar tu libertad, dejando un mensaje claro de lucha, pero sin olvidar que el rock debe ser para divertir y disfrutar.
2025 ha sido un año muy movido para Mad Dogs, estuvieron nominados a los premios Monster Music Awards 2025 en México como Mejor artista rock y se presentaron el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte del show central de los premios, siendo la primera vez que una banda de rock colombiana lograra este hito. Además, la banda fue elegida por la banda norteamericana W.A.S.P para ser su acto de apertura en su concierto histórico de los 40 años de su disco debut homónimo, el pasado 27 de abril en el Teatro Royal Center en Bogotá, ante más de 2.500 fanáticos y los medios asistentes. Para el segundo semestre de 2025, el grupo realizará una serie de conciertos promocionales del álbum en Bogotá, a nivel nacional y prepara una gira internacional en países como Panamá y México. Las fechas aún están por confirmar.
«La escena rock en Colombia ha crecido exponencialmente en los últimos 20 años, posicionándose como una de las de mayor potencial en Latinoamérica respecto a la calidad de sus bandas. El público colombiano aún es reticente a apoyar lo nacional, pero es más por desconocimiento que por falta de calidad. Esta es una razón suficiente para que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco ‘Never Too Late’, una vez lo hagan, sabrán que tenemos razón.
Hoy las bandas nacionales, con la correcta producción y apoyo en cuanto logística y montaje, pueden sonar tan poderosas como cualquier acto internacional; por eso es necesario apoyarlas para su financiación y el público es clave. Si el público gastara lo que invierte en conciertos internacionales en bandas nacionales sería una diferencia enorme. Es hora de dejar de vernos como enemigos por ser colombianos y entender que lo nacional merece una oportunidad como sucede en otros países de la región como México, Argentina o Estados Unidos», concluye Mad Dogs.
El Viajero es una agrupación colombiana que nace en el solsticio de 2020 en un viaje por diferentes veredas de El Carmen de Viboral, Antioquia, en un inicio en un formato solista que buscaba grabar y hacer memoria de la música creada desde el año 2002 y que conjugaría el cancionero ‘Tres cantos al sol’ y el poemario ‘De los viajes’. Un año después, en 2021, durante un circuito de conciertos se fueron conectando los demás viajeros que darían vida al formato banda que hoy permanece.
El Viajero nace en la cordillera del oriente antioqueño y recorre distintos paisajes con una instrumentación mestiza. Sus integrantes Alejandro Trujillo Moreno, autor y compositor, voz y guitarra eléctrica; Wilmar Trujillo, clarinete, saxofón, sintetizador, gaita, coros, director musical y arreglista; Wilson Arbeláez, bajo; Wilmar Arbeláez, percusiones, tambor alegre y caja vallenata; Jonathan Gómez Atehortúa, batería; Carolina Gómez Restrepo, coros; Daniela López, flauta traversa y coros; y Carlos Daniel Ossa, productor sonoro; con más de 20 años de trayectoria musical, han hecho parte de diferentes agrupaciones del oriente de Antioquia y en este tramo del camino, iniciaron un nuevo viaje de la música.
«Nuestra intención es viajar por las geografías sonoras de Colombia, caminar por las costas colombianas, los colores urbanos de la ciudad y algunas trochas montañeras herencias de nuestros abuelos. Intuimos la libertad del verso cantado y un amasijo de ritmos que se fusionan en el camino. Habitamos los paisajes del bullerengue, la cumbia y el bambuco. Nos encontramos en las trochas de la tambora, el vallenato y el porro chocoano. Y hacemos urdimbre y micelio con otras latitudes del mundo como el reggae, el funk y el rock», cuentan los integrantes de El viajero influenciados por la música de Carlos Vives, Daikiri, Puerto Candelaria, Bomba Estéreo, La Mojarra Eléctrica, Frente Cumbiero, Lucio Feuillet y Ondatrópica, Gustavo Santaolalla e Illya Kuryaki.
Con sus canciones, El Viajero busca conectar al público con su territorio a través del poema y la canción. Es una invitación para caminar la montaña, la ciudad y el mar y comprender la vida como un viaje, que no solo transita los paisajes y los lugares en su geografía, sino también el viaje interior que todo ser humano vive en sus emociones, pensamientos y dimensiones espirituales y etéreas. Es un viaje al sueño, al amor y a los ciclos de la vida, conectando esta experiencia a la sabiduría del azar, de la sincronicidad, del cambio y del asombro en el camino.
Live Session ‘Ocaso’ es su nuevo lanzamiento, es un formato de sesión en vivo de la tercera producción de El Viajero. Contiene seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor. Es una metáfora de la impermanencia y el movimiento cíclico de la vida. El concepto del live presenta un paralelo de un atardecer y el amor que se transforma.
«Este live en su producción tuvo como referencia el live de la agrupación brasilera Natiruts, siempre quisimos crear un formato en donde se reflejarán los paisajes de El Carmen de Viboral. Sus canciones hacen parte del cancionero ‘Tres cantos al sol’ que es un trabajo que recopila más de 100 canciones creadas desde el año 2002. Está dirigido a un público joven y que tenga conexión con la naturaleza y sus paisajes, también a quienes disfrutan y aprecian las fusiones de las músicas colombianas».
La sesión explora las sonoridades de las músicas colombianas y latinoamericanas fusionadas con los sonidos del rock y el reggae. Son estas tres vertientes musicales las que El Viajero camina y que han marcado el lugar creativo que fusionan.
En el Live Session ‘Ocaso’, ‘El viajero’ es el viaje que se baila, el inicio del camino; ‘Son del monte’ le canta a la montaña, a las memorias de los abuelos campesinos y al encuentro con el vallenato; ‘Volarán’ es el anhelo en la distancia entre colores de Latinoamérica; ‘La hoguera’ es la pasión de los amantes en llamas y el sonido de la sensualidad; ‘Hechicera’ le canta al espíritu de lo femenino, es una evocación a las selvas colombianas; y ‘Ocaso’ es el final del amor bailando la soledad al ritmo de tambora-tambora.
«Queremos conectar nuestra música con otras personas que quieran caminar con nosotros las canciones de montaña, ciudad y mar. Ampliar el mapa sonoro de Colombia desde la fusión que hacemos sonoramente, llevando nuestra música a territorios nacionales e internacionales. Es un trabajo para escuchar en las tardes, la metáfora del ocaso conecta con imágenes del atardecer que suceden en el Live. Por el erotismo de varias de las canciones, la noche también es un buen momento para conjugarse con estos sonidos», enfatiza la agrupación colombiana.
Para la portada, a partir de una fotografía, el diseñador gráfico Andrés Pérez recrea un paisaje de El Carmen de Viboral en donde el personaje de El Viajero contempla el territorio que somos y el punto de referencia donde inicia el viaje, enmarcando la metáfora «todos somos viajeros».
«Actualmente venimos trabajando en la construcción de una puesta en escena que integre lo poético, lo sonoro y lo audiovisual en una experiencia de viaje llamada «Montaña, Ciudad y Mar”. El plan es circular con este montaje en diferentes escenarios», remarca El Viajero.
El sencillo ‘Agua’, que acompaña la presentación de El Viajero, es una invitación a conectarnos con lo elemental y sus memorias. Sonoramente, es una cumbia vallenata con una instrumentación mestiza entre lo colombiano y lo eléctrico (Bajo, guitarra eléctrica, batería, clarinete, tambor alegre, caja vallenata, acordeón y voces) y un río de voces que le canta al agua. El video fue producido en el municipio de El Carmen de Viboral, Antioquia-Colombia, reflejando las fuentes hídricas de este lugar, como un homenaje a los guardianes del agua y su territorio.
Actualmente, El Viajero está en un ejercicio de difusión de la música creada: El EP ‘Solsticio’, el Video Lyric ‘Te guardo’ y el Live Session ‘Ocaso’, enfatizando en la circulación de la puesta en escena de ‘Canciones de Montaña, Ciudad y Mar’.
«Creemos que es importante que las personas escuchen El Viajero porque es una propuesta musical fresca y moderna, con una narrativa de viaje que dialoga con las geografías de Colombia y Latinoamérica. Escuchar nuestra música es encontrarse con nuevas sonoridades y con una poética que narra el territorio, que invita a transitar la vida desde una perspectiva viajera. Ir y venir, retornar: a otras músicas, a otras edades, a otros lugares y a otras posibilidades del ser», concluye.
El artista Monteriano Andrés Mejía inicia su carrera musical en el 2022, desde entonces ha lanzado 9 sencillos musicales que han resonado en las diferentes plataformas musicales tales como “CAMINANDO”, “BAILEMOS” y “NO VUELVAS”
Mejía ha tenido la oportunidad de presentarse en diferentes eventos culturales y privados de su departamento como artista central, tales como el Reinado de la Ganadería en 2022, shows en Galería 29 (2023 y 2025) y Casa Vieja (2024), los cuales han sido todo un éxito y han llenado el aforo de los venues mencionados.
Actualmente está promocionando su más reciente canción “Homo Deus”, el cual está disponible en todas las plataformas desde el miércoles 11 de junio.
Homo Deus es una canción que nació como fruto de la lectura de varios libros de Yuval Noah Arari, un reconocido historiador y pensador Judío a nivel mundial, a quien por primera vez Andrés Mejía le escucho por sus libros hablar del TRANSHUMANISMO, el plan de las elites científicas de fusionar el ser humano con la tecnología para crear un Homo Deus, un Superhombre con capacidades y habilidades mucho más elevadas que las de los Homo Sapiens y con nada más y nada menos que el don de la eternidad.
Una combinación de preocupación, inquietud y fascinación con respecto al Transhumanismo llevaron al artista a componer una canción que sintetiza a groso modo la historia de la especie humana, las problemáticas que trae consigo la tecnología, los algoritmos y la inteligencia artificial para con nuestra sociedad y pone sobre la mesa el Transhumanismo como la esperanza de muchos para poder vencer la extinción de nuestra especie y ser eternos, ser como Dios, esto con el fin de que cada quien reflexione y tome su posición frente a esta nueva temática.
Este sencillo es una propuesta musical y temática muy diferente a la fusión de pop con otros géneros y sonidos que anteriormente el artista venía trabajando, aquí Andrés Mejía muestra su faceta Rockera, con una canción del género Rock Progresivo, guitarras con atmosferas al estilo Cerati y una colaboración con una Leyenda del Rock Cordobés y del Caribe Colombiano como lo es Indian Sommer, quien con sus 15 años de trayectoria, capacidad interpretativa y talento llego a sumarle a esta canción y a poner la cereza en el pastel
Andrés Mejía se encuentra en este momento trabajando en la composición y producción musical de un EP, el cual pretende presentar a partir de agosto de este año y seguirá realizando diferentes shows en Montería, para luego cerrar el año con una gira de presentaciones y medios en Bogotá, Medellín y Barranquilla con el fin de dar a conocer su música a nivel nacional.
El Videoclip del performance en vivo de Homo Deus el día de su lanzamiento ya está disponible en el Canal de YouTube del artista
El sencillo que acompaña el lanzamiento del álbum ceremonial ‘El Guardián de la Noche’ de Chigasumanda es un puente entre la sabiduría ancestral del yagé y la experimentación sonora y visual contemporánea.
El colectivo Chigasumanda presenta su primer trabajo discográfico: ‘El Guardián de la Noche’, un álbum ceremonial que nace en el corazón del Putumayo, bajo la guía del taita Humberto Díaz, discípulo del legendario taita Querubín Queta. Este lanzamiento tiene como propósito principal preservar, honrar y compartir la sabiduría ancestral del yagé a través de la música, en un momento en que las tradiciones indígenas enfrentan amenazas culturales, sociales y ambientales.
El disco se estrena con el sencillo ‘La Ortiga’, en colaboración con el productor musical Juan Carlos Pellegrino y la artista visual Vanessa Gocksch, reconocidos por ser fundadores de Systema Solar, una de las agrupaciones más influyentes de la música alternativa en Colombia.
‘La Ortiga’ es una pieza onírica que busca abrir nuevos encuentros con la medicina del yagé, conectando la tradición espiritual con dimensiones sonoras y visuales contemporáneas», comenta Pellegrino.
El Guardián de la Noche: un testimonio musical del legado indígena
‘El Guardián de la Noche’, una historia de vida convertida en álbum que narra, a través de la música, las memorias del taita Humberto Díaz: su crianza en Jardines de Sucumbíos junto al taita Querubín, su paso por comunidades cofanes como Bocanas de Luzón, y su conexión profunda con la selva y el misterio de la existencia. El disco es un reflejo de lo que es una noche de ceremonia con el Taita Humberto Diaz. Las temáticas giran en torno a la espiritualidad, el respeto por la naturaleza, la sabiduría ancestral y el llamado a las nuevas generaciones para que se reconecten con sus raíces.
‘El Guardián de la Noche’ es más que un álbum: es un viaje sonoro durante una noche de ceremonia con yagé. Grabado con técnica binaural, el álbum recrea una experiencia inmersiva en 360 grados que transporta al oyente al interior de una ceremonia. El oyente, con audífonos, puede percibir la espacialidad de los cantos, los sonidos de la naturaleza y la selva viva. El álbum fue grabado por Juan Carlos Pellegrino, productor musical colombiano, que comenzó a tomar Yage desde el 2017 con Taita Humberto, y después de varios años se obtuvo el permiso para grabar al Taita Humberto en el espacio de una ceremonia.
Canción por canción de ‘El Guardián de la Noche’ de Chiga Su Manda
‘Cura yagé’ es un canto ancestral que hacen los taitas para conjurar la medicina de yagé, ‘ Armonica «La chuma»‘ es un viaje por las notas musicales que se transforman en colores; es armonía para el alma. ‘Jardines de Sucumbíos’ está dedicada al maestro, el abuelo Querubín; ‘Selvas del Amazonas’ es una dedicatoria al pueblo cofán, ‘La Ortiga’ es un canto de medicina natural, ‘Putumayo tierra hermosa’ es el himno de la medicina del yagé, ‘Qué lindo amanecer’ habla del color de la selva y sus cantos, ‘Padre Bendito’ es una alabanza a Dios, ‘Mis abuelos me enseñaron’ está dedicada a los taitas del Putumayo y el cierre ‘Armonica «Pinta Yage» ‘ es para llamar la pinta del yagé.
«Este disco es una ofrenda, un llamado a las nuevas generaciones a reconectarse con sus raíces. Es un mensaje de paz, sanación y respeto por la vida», afirma el taita Humberto Díaz.
‘La Ortiga’: canto medicina convertido en pieza audiovisual
‘La Ortiga’ es uno de los cantos más poderosos del álbum, dedicado a una planta sagrada usada en procesos de limpieza energética y física dentro del contexto ceremonial del yagé. En esta nueva versión, Juan Pellegrino transforma el canto original en una escultura sonora, resaltando los sonidos originales y agregando elementos electrónicos que acompaña con sutileza.
El videoclip, dirigido por Vanessa Gocksch (también conocida como Pata de Perro), fue grabado durante una noche de ceremonia en Chigasumanda. Con una mirada profunda y simbólica, Gocksch retrata el misterio, la belleza y el poder de la noche Yagecera, combinando estética ritual con sensibilidad cinematográfica.
«Quise dejar que la selva hablara, que el fuego, los cantos y las plantas nos guiara visualmente, sin imponer una narrativa. El video es un retrato de la experiencia sagrada que vivimos esa noche y el espacio de Chigasumanda en el Putumayo», dice Gocksch.
Chigasumanda: música medicina al servicio de la memoria espiritual
Chigasumanda es una asociación sin ánimo de lucro compuesta por tomadores de yagé que, bajo el liderazgo del taita Humberto, buscan preservar y visibilizar la tradición espiritual andino-amazónica. Su nombre significa en idioma cofán ‘Dios Manda’, y refleja la visión de un camino guiado por la divinidad, la naturaleza y el respeto profundo por los mayores sabedores.
La asociación trabaja con el Yagé y se abre ahora al uso de herramientas contemporáneas —música, grabación binaural, arte visual, redes sociales— para crear puentes entre la espiritualidad indígena y el mundo moderno. Su misión es sembrar conciencia sobre la importancia de proteger la selva, escuchar a los pueblos originarios y recuperar el vínculo espiritual con la madre tierra.
«Este proyecto no busca fama ni espectáculo. Es una memoria viva para las futuras generaciones, una invitación a recordar que la vida es sagrada», concluye Pellegrino.
Este lanzamiento cuenta con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes en el marco de Programa Nacional de Estímulos 2025.
El poeta y artista visual colombiano John Arango está de regreso con nueva música y hoy presenta ‘Impersonal’, una canción que lo retrata tanto como persona como artista.
Con ‘Impersonal’ el artista busca aceptarse tal como es, incluso en sus contradicciones. Utiliza la sátira como escudo y también como lanza. Se burla de las etiquetas, de los juicios, de las miradas que intentan reducirlo o encasillarlo. Se ríe de lo malo que puedan decir de él y celebra todo lo que es, aunque no encaje, aunque incomode. En ese gesto hay fuerza y, sobre todo, libertad.
«He escrito poemas y canciones durante años, inspiradas en situaciones, pérdidas, triunfos y personas que han dejado una huella en mí. Pero esta canción es distinta. Es la pieza que mejor me retrata, es una catarsis, un estallido sincero de todo lo que durante mucho tiempo llevé dentro», cuenta John Arango. ‘Impersonal’ habla de mí, de un ser humano fracturado, incómodo, feroz y profundamente honesto. De alguien que no encaja —y que ya no pretende hacerlo—. Es una exposición cruda de lo que soy, sin máscaras ni filtros, pero también un acto de autoafirmación: no busco aprobación, pero tampoco me escondo», agrega el artista paisa.
Siguiendo la misma línea de su anterior sencillo ‘Rojo Carmesí‘, ‘Impersonal’ llega con un sonido irreverente de rock, pero esta vez con una energía más alegre y vital. Tiene coros melódicos, interpretados —una vez más— por Alem y Cristian López, y en esta ocasión, John Arango también se atrevió a sumarse con su voz en algunas partes.
«Esta canción, en particular, me recuerda por qué amo tanto el rock. Su fuerza, libertad y capacidad de decirlo todo sin pedir permiso. Siento que Lelo Arango, productor de la canción, logró algo muy especial: le dio a esta pieza el sonido que he estado buscando por años. El sonido de «la bestia», ese alter ego poético que ha habitado mis letras desde siempre», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ cuenta con un video íntimo y personal. Desde muy joven, John Arango sintió cómo a su alrededor le intentaban imponer una idea rígida y parca de la masculinidad. En medio de ese intento por «ser un hombre», terminó improvisando. ‘Impersonal’ nace de esa lucha interna y de esa improvisación continua.
Según John Arango, «el concepto del video es sencillo y al mismo tiempo poderoso: mi mente es como un video de rock de principios de los 2000. Cada imagen proyecta mi universo interior, como un collage sensorial donde la realidad se entrelaza con la imaginación. Es una secuencia de percepciones fragmentadas pero conectadas, que construyen un viaje simbólico más que una narrativa lineal. Apostamos por locaciones minimalistas, espacios cotidianos que se transforman en paisajes oníricos. Lo impersonal se vuelve íntimo. Visualmente, nos inspiramos en los videos de bandas de rock de finales de los noventa y comienzos del milenio: una estética vibrante, con una fotografía que evoca el grano del 35mm y una paleta de colores brillante, casi nostálgica».
Este video es una exploración simbólica que desafía los cánones tradicionales de identidad y masculinidad. El artista reinterpreta su existencia desde la autenticidad y la rebeldía. La realidad y la imaginación se mezclan para cuestionar los modelos de belleza, las normas de lo masculino y las percepciones sociales sobre identidad y orientación sexual.
Para John Arango fue importante integrar a Alem al video como artista invitado, ya que él ha sido un alcahueta con todo lo que respecta a su álbum. Ha sido su compañero fiel en esta aventura, así que también es cómplice en el universo de Impersonal. Así como canta en los coros, también aparece en el video como un artista con el que se siente a la par; alguien a quien admira profundamente.
En este universo visual, ser impersonal es una defensa contra la crítica, un escudo frente a las etiquetas impuestas. Pero también es un manifiesto de libertad. El video culmina en un acto celebratorio, con personajes diversos y una energía que reafirma su mensaje central: ser uno mismo no debería depender jamás de la mirada ajena.
«La inspiración detrás de ‘Impersonal’ nace de mi experiencia enfrentando los moldes impuestos. Es una catarsis visual y sonora que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual. Va dirigida a quienes alguna vez sintieron que no encajaban, a quienes se atreven a ser auténticos pese al juicio ajeno. Mi mayor deseo es que la canción conecte con quien necesite escucharla. Si logra inspirar a alguien a sentirse libre y orgulloso de ser quien es, ya habrá cumplido su propósito. Con mi arte no busco masividad, sino conexión genuina», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ es el segundo sencillo del nuevo disco de John Arango titulado ‘Desde la sangre’, un proyecto experimental donde mezcla poesía con rock, coros melódicos y muchas emociones personales. Aún no hay una fecha exacta de lanzamiento porque el cantante quiere que cada sencillo tenga su propio universo antes de soltarlo completo.
«Esta canción es ideal para esos momentos en los que necesitas recordarte quién eres, cuando te sientes fuera de lugar o simplemente quieres ser tú sin filtros. Es perfecta para escucharse con el volumen alto, en un día de liberación, rebeldía o catarsis. También cuando te quieras reír de lo que otros opinan y abrazar lo que realmente eres», menciona el artista.
La portada del sencillo, producido por Lelo Arango en Volta Estudio, es una imagen de Santiago Piedrahita que muestra una expresión honesta de John Arango. El azul, en este contexto, representa esa calma que aparece en medio del caos, esa introspección en medio del ruido. Es una mirada azul y directa que conecta con el espíritu del video: vulnerable pero firme, confusa pero libre.
«Durante 2025, mi enfoque principal es ‘Impersonal’, seguido de dos sencillos más y finalmente el álbum completo en el último trimestre del año. Quiero seguir produciendo videoclips potentes, no solo para amplificar el mensaje, sino también para retarme a nivel visual y seguir creciendo como artista integral. Cada lanzamiento será una oportunidad para explorar nuevas ideas y narrativas que reflejen lo que realmente quiero comunicar», concluye John Arango.
Luego de presentar los sencillos ‘Ayer morí’, ‘Ondas de calor’ y ‘Delirios en Paraguay’, la banda de indie rock brasilera Atalhos presenta oficialmente su nuevo disco ‘A Força das Coisas’, el quinto en su carrera y el más autobiográfico de todos.
Durante los 35 minutos del disco, el oyente es invitado a viajar con Atalhos a través de la memoria y la atmósfera onírica de canciones que hablan de rupturas, y términos de relaciones que se transforman en potencia y persisten en la «fuerza de las cosas». Sus canciones son evocativas, reflexivas, inspiradoras y soñadoras.
«‘A Força das Coisas’ es un álbum dirigido a todos aquellos que tuvieron que atravesar rupturas difíciles y que supieron crear e inventar nuevos caminos posibles para seguir adelante hacia nuevos sueños», cuenta la banda originaria de Sao Paulo.
El sonido característico de Atalhos en ‘A Força das Coisas’ es el dreampop rutero, guitarras con mucho reverb, baterías y drum beats como si fueran una larga recta de una ruta, y dulces melodías vocales que unidas a nubes de teclados y sintetizadores forman una atmósfera evocadora de memoria y sueño.
‘A Força das Coisas’, sencillo promocional del disco, es una canción que habla de un reencuentro de una pareja después de muchos años de distancia. La historia es sobre un momento luminoso generado a través de un encuentro casual y el darse cuenta de que toda la potencia del amor persiste y no se desvaneció a pesar del fin de la relación, solo que se transformó en fuerza y ahora vive en todas las cosas.
«El momento ideal para escuchar el nuevo álbum de Atalhos es cuando estamos soñando despiertos. Nuestros ojos están fijos en un objeto, pero nuestro pensamiento está lejos, muy lejos. Cuando sentimos que nuestra memoria está dominando nuestro pensamiento y estamos viajando a través de escenas e imágenes que no sabemos distinguir más la realidad, bueno, este es momento ideal para escuchar el disco», enfatiza la banda.
«Esperamos seguir construyendo un camino lindo por Latinoamérica, tenemos dos participaciones hermosas de artistas amigos, uno es la banda El Culto Casero de Paraguay y la otra es Antonia Navarro de Chile. El disco sale junto a un anuncio de una gira importante con más de 20 shows por Brasil y países latinos, además de fechas ya confirmadas para una temporada en Europa a principios de 2026», agrega Atalhos.
La portada del disco es una foto sacada en un estudio durante una grabación y tiene todo un aspecto misterioso de una sombra, algo que remite a la memoria, los sueños y al hecho de que no se puede identificar la persona en la portada también abre puertas a la imaginación.
https://youtu.be/m_WW9qO6NvM
«Vamos a tener muchos conciertos en los próximos meses, la idea es después reunir las mejores fechas y armar un compilado para sacar un EP en vivo en 2026», señala el grupo.
‘A Força das Coisas’ de Atalhos es un disco inspirador y consciente de lo absurdo de la vida, de la inevitabilidad de la muerte y del final de las relaciones, pero sobre todo es un disco que genera mucha potencia, que invita a abrazar las transformaciones de la vida y a atravesar momentos difíciles para finalmente abrir nuevas puertas y vislumbrar nuevos horizontes, nuevos comienzos.
![[Estreno] Farid Abauat lanza ‘Manos vacías’, una reflexión sobre las inseguridades del amor](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/07/Farid-Abauat-Manos-vacias-2.jpg)
![[Novedad] Una Noche en Bogotá presenta ‘Hacia mí’](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/07/Una-Noche-en-Bogota-Hacia-Mi-12.jpg)
![[Nueva música] Andy Rosano lanza ‘Lección de vida’, una reflexión en tono punk rock](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/07/Andy-Rosano-Leccion-de-vida-2.jpeg)
![[Estreno] Una catarsis que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual, así es ‘Impersonal’ de John Arango](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/06/John-Arango-Impersonal-1.jpeg)
