Un disco de amor, resistencia, migración, raíces y sanación; así es ‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno

Fausto Moreno es un cantante y compositor panameño, un soñador que despertó para cumplir sus sueños. Es amante de la familia, los animales y las cosas sencillas de la vida. Una nota, un abrazo o unos buenos deseos son para él gestos enormemente significativos. La música es su refugio, el lugar donde expone su corazón. Cada vivencia y enseñanza de vida intenta plasmarla en canciones que, al escucharlas, actúan como un antídoto que sana y le recuerda el camino. Nada antes lo había hecho replantear tanto, y eso logró la música. Es un artista espontáneo, sensible y explosivo al interpretar su música llena de mensajes y conclusiones que pueden ayudar al oyente. Es fanático de fusionar letras con contenido y ritmos bailables, con coros pegajosos que transmitan energía y emoción.

«Mi propuesta busca conectar emociones, identidad y conciencia. A través de ritmos afrocaribeños, letras honestas y sonidos con raíz, deseo no solo entretener, sino también inspirar, sanar y generar reflexión. Es música que nace del alma, honra mi herencia y acompaña a quien la escuche en sus propios procesos de vida», cuenta el artista con influencias de afrobeat, reggae, dancehall y ritmos del tambor caribeño.

«Quiero a través de mis canciones transmitir esperanza, autenticidad y conexión. Mis canciones son un espejo del alma, hechas para recordar que la vida tiene propósito, que sanar es posible y que todos tenemos una raíz que nos sostiene», agrega el artista inspirado por proyectos como Omah Lay, Burna Boy, Tempoe, Nando Boom, El Roockie y Kafu Banton.

‘Mi Afro Esencia’ es el nuevo disco de estudio de Fausto Moreno, el segundo en su carrera, y representa una afirmación de identidad. Es un viaje sonoro y espiritual que habla de amor, resistencia, migración, raíces y sanación.

El álbum explora fusiones de afrobeat, reggae, tambores, R&B y ritmos latinos. Es una mezcla de beats modernos con instrumentos tradicionales y samples de raíces afro.

«Cada canción es una pieza de mi historia personal como artista independiente y como ser humano que decidió abrazar su raíz para proyectarse hacia el futuro», enfatiza Fausto Moreno.

‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno es espiritual y evocador en ‘1. D0a100’, platónico e inalcanzable en ‘Cada latido’, esperanzador y ligero en ‘Sé feliz’, místico y vibrante en ‘Divine’, un nuevo comienzo en ‘Tus lágrimas’, confrontante y lleno de recuerdos en ‘Dime’, poético y sexual en ‘Best Seller’, profundo y confrontativo en ‘Jenga’, de procesos y esperanza en ‘Choco’, curativo y honesto en ‘No te rindas’ y poderoso y electrificante en ‘Yenny’.

https://www.youtube.com/watch?v=KX2wCeZTx9Q&list=OLAK5uy_kqrHTEjrwStQqPYZjEhOyNVW0fTk92KuM

‘Jenga’ es uno de los focus track del disco, es una canción que combina el afrobeat con sonidos electrónicos, inspirado en la resiliencia y la capacidad de levantarse ante los retos de la vida. Su sonido vibrante y orgánico fusiona percusión africana con elementos modernos, invitando a pensar menos y sentir más. El mensaje central es que, como en el juego, la vida puede tambalearse, pero siempre hay forma de reconstruir. El video refleja esa energía positiva y colectiva, mostrando color y movimiento como símbolos de fortaleza y esperanza.

Por su parte, ‘Divine’ explora la conexión espiritual y emocional, mezclando ritmos afrolatinos con matices contemporáneos. Su sonido combina percusión viva, atmósferas etéreas y producción moderna que da protagonismo a la voz. La letra expresa adoración, reconocimiento del amor y su trascendencia. En el video, el girasol simboliza la lealtad, la admiración y el amor incondicional. Así como la flor sigue al sol, representa a quien elige amar con constancia, incluso en los momentos oscuros. Es un homenaje al amor que ilumina, nutre y da energía sin pedir nada a cambio.

«Es un disco ideal para escuchar en momentos de introspección, inspiración o sanación; para caminar, disfrutar un día de playa, una mañana con café o una noche entre amigos… ¡y por supuesto, para bailar!», puntualiza el músico panameño.

«Deseo que el disco llegue a los oídos correctos, que conecte con quienes necesiten su mensaje. Espero abrir más espacios para la música afroconsciente en Latinoamérica y posicionar un sonido auténtico, con raíz y propósito», menciona Fausto.

La portada del disco representa la conexión entre la espiritualidad, la tierra y el alma. Incluye elementos que evocan lo afrodescendiente, la divinidad interior y la fuerza de la identidad. Es una invitación visual a mirar hacia adentro y recordar de dónde venimos.

Fausto Moreno prepara el lanzamiento de ‘Roots’, previsto para finales de 2025 o inicios de 2026. También trabaja en nuevos sencillos en colaboración con Felo Flowerz, productor y músico bogotano con una sensibilidad única para los sonidos e instrumentos en vivo.

«Será un ciclo lleno de ritmo, emoción y sabor, con propuestas frescas que mantienen viva mi esencia afro», destaca.

«Es importante que las personas conozcan a Fausto Moreno en Colombia y Latinoamérica porque represento muchas voces que antes no se escuchaban. Mi música no solo entretiene: transforma, conecta y eleva. Es una propuesta auténtica, con raíz y con la intención de sanar, resistir y celebrar la vida», concluye.

Voltana le canta a la salud mental y emocional en ‘Rainy Night’ ¡Mira el video!

Voltana es una banda de rock colombiana que nace en 2023 de la necesidad de expresar vivencias, emociones e identidades a través del arte y la música. Desde el inicio, cada integrante ha aportado sus fortalezas y enfrentado sus falencias, lo que les ha permitido crecer individual y colectivamente.

La banda conformada por Paula Rodríguez [voz], William Bastian [bajo y coros], Caam [guitarra y coros] y Diego Caputo [batería], se describe como energía, pasión y rebeldía. Es terquedad con un propósito, convicción con causa. Es seriedad y respeto por un proyecto que trasciende la música: una lucha colectiva hacia una misma meta. Nacida del amor por el rock, en un entorno donde las oportunidades escasean, Voltana es un grito frente a la adversidad. Una declaración firme de que, pese a los obstáculos, lo único que realmente importa son los sueños, esos mismos que muchos dijeron que jamás se podrían alcanzar.

«Voltana significa «voltaje»: una carga de energía que nace de la presión que enfrentamos como seres humanos como: problemas laborales, personales o emocionales. Todo eso se transforma cuando entra la música. A través de ella, canalizamos esa tensión para convertirla en expresión, en arte. Los integrantes se conectan con esa energía, y juntos la hacen fluir en cada canción, transmitiendo al público con autenticidad y fuerza», comenta el grupo bogotano cuya intención principal es crear una propuesta versátil dentro del rock, tomando diferentes décadas del género y plasmándolo en un proyecto innovador, con una puesta visual atrevida y enérgica.

«A través de nuestras canciones queremos transmitir mensajes de confianza y de creer en sí mismo. De soñar, de hacer un llamado a no rendirse, de transformar la adversidad en fuerza para seguir luchando por los sueños. También hablamos sobre la fragilidad humana, sobre los momentos en los que todo parece perdido y oscuro, pero al final podemos levantarnos y encontrar esperanza», agrega la agrupación con influencias de Bon Jovi, Guns N’ Roses, Mötley Crüe, Foo Fighters, Stone Temple Pilots, The Killers, Maneskin y The Warning.

‘Rainy Night’ es lo nuevo de Voltana, una canción cuya historia nace de una vivencia real de uno de sus integrantes. Durante un momento crítico de su vida, todo pareció desmoronarse: la falta de sentido, el peso de los problemas y la carga emocional lo llevaron a un vacío del que no veía salida, un lugar sin fin ni luz. Habla de cómo la depresión puede apoderarse del ser humano y llevarlo al límite, hasta el punto de pensar en quitarse la vida. También refleja cómo muchas personas pueden estar viviendo un infierno interior sin que nadie lo note. Es una canción que acompaña en la tormenta, pero también invita a encontrar luz en medio de ella.

‘Rainy Night’ es una crítica a la problemática de la salud mental y al estigma que aún existe al buscar ayuda psicológica, ya que todavía hay quienes creen que ir al psicólogo significa estar «loco», pero la salud emocional es tan importante como la física y merece cuidado y comprensión. La lluvia en la canción simboliza ese estado emocional: la melancolía, la fragilidad y, al mismo tiempo, la posibilidad de detenerse, abrazarse a sí mismo y enfrentar los propios demonios para seguir adelante.

La canción explora sonidos rock de varias épocas, desde los 70s hasta la actualidad, dándole una riqueza sonora tanto en la parte armónica como en la melódica y rítmica, mezclando elementos de hard rock, punk, funk, soul y pop generando un ambiente de melancolía y un efecto sonoro especial de emocionalidad dentro de la canción.

«Esperamos conectar de manera profunda y sincera con quienes atraviesan momentos difíciles, acompañándolos a través de nuestra música. Queremos abrir un espacio de empatía y reflexión sobre la salud mental, derribando estigmas y promoviendo el diálogo. Musicalmente, buscamos que esta canción llegue a nuevas audiencias y muestre la evolución y madurez de Voltana como banda. Al ser una canción en inglés, representa una puerta para llegar a oyentes internacionales, sin embargo, también anhelamos consolidarnos a nivel nacional», enfatiza la banda capitalina.

El video de ‘Rainy Night’ está ambientado en un centro de salud mental y muestra la historia de una mujer sola bajo la lluvia y deambula por las calles en un momento de profunda tristeza. Al tomar unas pastillas, escucha un grito que la lleva a un hospital psiquiátrico, donde pasa sus días internada. Aborda los procesos que una persona puede vivir durante una depresión, cuando la vida parece perder sentido y el grito interno por encontrar una solución inmediata la lleva a ese punto extremo.

El concepto de la canción y el video busca mostrar cómo las personas pueden llegar al límite emocional y ser aisladas «por su propio bienestar». Al mismo tiempo, es una crítica a que cualquiera puede encontrarse en esa situación. De hecho, el clip también muestra cómo el propio psiquiatra depende de sus medicinas para estar bien y atender a sus pacientes.

«Queremos generar conciencia sobre la salud mental y cómo emocionalmente lidiamos con diferentes roles y expectativas sociales que a menudo crean brechas innecesarias y aumentan el desespero», enfatiza Voltana.

Es una canción perfecta para esos momentos en los que sientes que el peso de la vida es más fuerte que tú. Cuando estás cansado de buscar una salida y no la encuentras, cuando nadie parece entender cómo te sientes o cuando la esperanza parece haberse ido. También cuando quieres mirar atrás, recordar ese proceso tan difícil y abrazarlo, tomar fuerza de él y seguir adelante.

‘Rainy Night’ es el tercer sencillo del EP debut de Voltana titulado ‘Resilience’, un trabajo de cinco canciones de las cuales actualmente tres ya están disponibles en plataformas digitales. Los restantes sencillos que completan el EP serán lanzados en los próximos meses. Se espera que la banda publique el EP en su totalidad a finales de noviembre.

La portada del sencillo y del EP busca representar el caos mental que puede habitar dentro de una persona. Sin embargo, ese caos no es solo desorden, sino también una fuente de fuerza y luz. Cada canción del EP tiene colores dominantes que expresan distintas sensaciones, y esta portada recoge esa paleta para representar visualmente ese viaje emocional.

«Queríamos transmitir la idea de resiliencia: la confianza en uno mismo para transformar el caos interno en poder personal. Por eso, la imagen muestra un rostro con los ojos cerrados, simbolizando la introspección y el trabajo interno, mientras que en el centro se concentran múltiples elementos y colores que reflejan la complejidad emocional», menciona la banda.

‘Amor calcinado’ es otro de los sencillos recientes de Voltana, una canción que nace de una experiencia personal y visceral muy profunda. Trata sobre una relación amorosa que terminó de forma intensa y destructiva, sin posibilidad de vuelta atrás, refleja una lucha interna entre el dolor de pérdida, la necesidad de salir adelante y el camino hacia la sanación.

El título en sí es una metáfora fuerte: un amor que ardió tanto que terminó reducido a cenizas, pero dejando claro que de la más profunda tristeza puede emerger una gran fuerza que ayuda a mantenerse en pie e impulsa a salir adelante.

La canción explora sonidos de hard rock, funk y pop con una marcada influencia de rock moderno con melodías fuertes y emocionales, riffs de guitarras potentes, líneas de bajo elaboradas y una batería dinámica que le dan un sonido con una atmósfera especial al sencillo.

Según los integrantes de Voltana, «las temáticas del EP giran en torno a la depresión, la resiliencia, la fuerza y la firmeza para enfrentar las dificultades. Más allá de lo que pase, el mensaje central es la importancia de confiar en uno mismo. Queremos compartir con nuestro público la idea de que la música puede ser un refugio, y nosotros aspiramos a que lo puedan encontrar en nuestra música».

«Somos una banda que busca conectar genuinamente con el oyente, reflejando la lucha constante de equilibrar la vida personal con el sueño de entrar al mundo artístico profesional. Somos el grito de rebeldía para quienes no han creído en nosotros, la voz que desafía las adversidades y transforma el dolor en fuerza. Traemos un sonido de rock fresco y actual, dirigido a las nuevas generaciones, con una propuesta auténtica que mezcla pasión, resiliencia y un compromiso total con la calidad. Nuestra música no solo busca ser escuchada, sino sentida; y nuestro performance en el escenario genera una conexión real con el público para que se identifiquen con nuestras letras y emociones. Escucharnos es unirse a un movimiento de resistencia, de lucha y de esperanza, donde la música es el refugio y la fuerza para seguir adelante», concluye Voltana.

[Novedad] La artista dominicana Ivy Negro estrena su disco ‘Tártaro’

La cantautora de República Dominicana Ivy Negro publica su primer disco de estudio titulado ‘Tártaro’.

Luego de varios adelantos, una gira de medios y la realización de un exitoso concierto de prelanzamiento en Casa de Teatro el pasado 5 de septiembre, Ivy Negro culmina esta etapa donde comparte una selección de sus composiciones.

Las historias abordadas en ‘Tártaro’ van entrelazadas tanto por la estética como las referencias, en este disco escuchamos influencias del rock, del blues, funk, jazz, trova y otros ritmos. Los temas abordados van desde atracciones, lujuria, decepción, análisis introspectivos, hasta pasiones no consumadas.

‘Tártaro’, dentro de la mitología griega, se conoce como el fondo, lo más hondo del inframundo, un abismo sin salida donde se arrojaban los titanes.

«Mi Tártaro personal es mi horno interior: ahí deposito mis heridas, mis dudas, mis errores y mis miedos. Allí se queman, se transforman, se purifican y se convierten en canción. Llamar al álbum así es aceptar que el arte nace de la profundidad, en mi caso de mis entrañas, pero no para quedarse allí, sino para emerger distinto, más humano, más verdadero», comenta la artista dominicana.

El disco está compuesto por diez (10) canciones, donde todas las obras son autoría de Ivy Negro; a excepción de ‘Infierno en Mi piel’, la cual fue escrita junto a Pablo Cavallo. La artista también fue la coproductora del disco junto a Frnz Mendini, Rafa Payán, Alejandro Tavarez, cada uno en varias de las canciones. Por otro lado, Wenn Ferreira masterizó y mezcló varios de estos temas. Para algunos de los temas igualmente recibió coach vocal de Laura Rivera como de Gustavo Medina. En ese mismo orden, la cantante da menciones especiales a gente que creyó en ella como como Kelvin Socorro, Ángel Ortiz y a Carl Jackie por la disposición y el estar siempre presentes desde el principio.

El sencillo promocional que acompaña el lanzamiento del álbum debut de Ivy Negro es ‘El Tártaro’. El Tártaro es el encierro o el abismo donde la dominicana tiene encerradas sus emociones y las funde cual metal fundido hasta convertirlas en canciones.

[Estreno] Una canción de rock intensa e irreverente, así es ‘Catalina (mientes)’ de Edición LTDA

Edición Ltda no es solo una banda, es la unión de cuatro amigos con un mismo sueño: conquistar corazones a través de la música. Cada nota y cada letra nacen de vivencias reales, de experiencias que cualquiera puede sentir, porque su música está hecha para ser la mejor compañía. El grupo colombiano nació en los pasillos de un colegio en 2011. Como un sueño entre amigos doce años después, en 2022, ese sueño tomó forma y se convirtió en un proyecto musical que a la fecha se ha materializado en tres sencillos, y la participación en eventos como el Día de Rock organizado por Don Tetto y Colsubsidio, y el Montaña Rock Fest en Pensilvania, Caldas.

Edición Ltda es el resultado de un sueño que nunca se detuvo. Winder Bustos (Winny), vocalista y bajista; Harold Sosa (Hary), vocalista y guitarra rítmica; Iván Rico (Ivi), vocalista y guitarra líder; y Fabián Calderón (Dami), baterista, son un grupo de amigos que encontraron en la música la mejor forma de contar lo que viven, sienten y sueñan. Cada canción es una parte de ellos, una historia que busca conectar con quienes vibran igual: con pasión, con alma y con verdad.

«La intención de nuestra propuesta es lograr que las nuevas generaciones vuelvan a sentir el poder del rock, un género que, aunque a veces pasa desapercibido, sigue lleno de historias que merecen ser escuchadas. Queremos reactivar ese sonido que marcó a las anteriores generaciones y hacerlo vibrar de nuevo, porque sabemos que talento es lo que hay. Queremos transmitir mensajes en donde todos se sientan identificados. Todos hemos estado enamorados, desilusionados, despechados o simplemente con ganas de celebrar la vida. Nuestras canciones hablan de esas experiencias cotidianas que nos conectan como personas. Más allá de todo, el mensaje es simple: lo más bonito de la vida es estar vivo y sentirla al máximo», cuenta la banda con influencias de Metallica, Avenged Sevenfold, Pxndx, Allison, Blink-182, Green Day, My Chemical Romance, Don Tetto y Kraken.

‘Catalina (mientes)’ es el nuevo lanzamiento de Edición Ltda. Catalina puede ser cualquier persona, sin importar el sexo, de esas que pasan por la vida y tienen una doble cara.

La canción fusiona la fuerza del rock alternativo con riffs llenos de energía y sensualidad, donde cada interpretación transmite pura intensidad. Una percusión explosiva y un bajo irreverente completan la mezcla perfecta para una pieza de rock auténtico, atrevida y sin miedo a tocar tabúes.

«Todos hemos conocido a ese alguien que vive dos vidas, que se ve como alguien ejemplar, pero que tiene un lado oscuro y diferente, entregándose a sus deseos más banales, y al vivir estás dos vidas afecta a quien decide entrar en su mundo», agrega el grupo.

El video y el set de fotos del sencillo proyecta una estética atrevida y sensual, donde la banda expresa libertad sin pudor y desafía, con un toque de ironía, el miedo que genera la exposición pública. El cuerpo desnudo y sensual de la figura que representa a Catalina simboliza el deseo, mientras que la máscara refleja el contraste con la vergüenza de mostrar los instintos más profundos ante el mundo.

Más que contar una historia literal, el video se construye a partir de metáforas visuales. No hay una ‘Catalina’ física ni una narrativa lineal de pareja; lo que se muestra es el proceso mental y emocional de alguien que descubre una verdad incómoda. A través de espacios cerrados, luces y sombras, se representa esa sensación de estar atrapado en la propia mente, enfrentando el peso de la mentira y la vulnerabilidad que deja al descubierto.

El mensaje final es claro: cuando descubres que te mintieron, lo más difícil no es la otra persona… es enfrentarte a ti mismo y romper con la versión que permitió que todo eso pasara.

«‘Catalina (mientes)’ marca el momento más visceral en la carrera de la banda. No hicimos la canción pensando en números, sino en conectar. En que alguien escuche la letra y diga: «yo también pasé por eso». Si logra eso, ya estamos del otro lado. De igual forma, nos gustaría que fuera un punto de inflexión, que más gente conozca lo que estamos haciendo y entienda que el rock alternativo sigue muy vivo, con nuevas historias que contar. No queremos hacer ruido por hacer ruido: queremos dejar algo que quede resonando después de que termina la canción», enfatiza Edición Ltda.

‘Catalina (mientes)’ es el tercer sencillo de un EP que Edición Ltda lanzará a mediados de 2026 que contará con 5 canciones. La portada del sencillo muestra la dualidad entre el deseo y el contraste con la vergüenza de mostrar nuestros instintos más profundos ante el mundo.

«Es una canción ideal para los momentos en los que las apariencias se caen y las verdades salen a flote. Cuando descubres que no todo es lo que parece, cuando el deseo se mezcla con la duda y te enfrentas a la dualidad de alguien o incluso a la tuya propia. Porque todos tenemos una Catalina en la vida… y todos, alguna vez, también hemos mentido», enfatiza la agrupación.

Antes de finalizar el año, Edición Ltda lanzará su cuarto sencillo ‘Ella’, una balada romántica que habla del amor a primera vista. Por otra parte, el grupo se presentará el sábado18 de octubre en Relevent junto a Boca De Serpiente, Faxsia, Ruido D Fondo, Yooko y Hacia El Faro en el marco del Circuito Bogotano de Rock del sello Abril Records; el 15 de noviembre realizarán un tributo a Pxndx, Don Tetto y My Chemical Romance; y están a la espera de la confirmación para participar en un festival de bandas de la localidad de Kennedy en el mes de diciembre.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Edición Ltda porque somos una banda real, sin poses. Hacemos música desde lo que vivimos y sentimos. Nuestra propuesta es fresca, honesta y tiene ese toque de rock que no se disfraza. Cada canción tiene una historia, una emoción y una energía que queremos compartir con quienes buscan algo diferente, algo que se sienta de verdad», concluye el grupo.

[Estreno] Un disco para reconectarse con el amor propio, así es ‘555’ de Camilo Valencia

El cantautor, animalista y productor musical colombiano Camilo Valencia regresa con un nuevo disco: ‘555’. Las canciones del sucesor de ‘Versiones atómicas’ (2019) surgieron durante el COVID-19 en la soledad de su apartamento, junto a su hermanito Jack, quien inspiró la mayoría de ellas.

‘555’ es el quinto disco de Camilo Valencia como cantautor. Fue producido y mezclado por Leo Sierra en Estudio Retro (Medellín) y masterizado por Camilo Silva. Son 11 canciones que oscilan entre el indie, pop y rock, y se articula en torno a cinco temáticas centrales que dan cohesión al concepto: Salud mental, protección animal, protección de la mujer, amor propio y protección del planeta.

«En 2023 logré grabar el álbum y en 2024, cuando iba a comenzar la promoción, tuve que decirle adiós a Jack: mi maestro, guía, inspiración; el amor de mi vida. Hoy me encuentro remando contra la corriente en un momento complejo para los artistas independientes, aferrado a la promesa que le hice a Jack de sacar adelante esta producción y mantener, en su honor, mi ikigai como cantautor», cuenta Camilo Valencia.

El disco tiene un sonido maduro, consistente y versátil. Algunas canciones tienen un marcado estilo pop rock; y otras se inclinan hacia el indie y el pop. El álbum también incluye una balada íntima acompañada solo por piano y cello, así como una canción arropada por la calidez del folk.

«En 2018 viajé a España para realizar el legendario Camino de Santiago. Esta travesía se extendió durante tres meses y culminó en Asís (Italia) el 4 de octubre, fecha coincidente con el Día Internacional de los Animales. Durante esos meses, no sé si de manera sincronizada o casual, el número 555 apareció constantemente en mi trayecto. Al investigar su significado desde perspectivas energéticas, esotéricas, cuánticas y espirituales, las explicaciones me sacudieron profundamente. Toda esa peregrinación se vio marcada por la transformación, el cambio y por señales de sincronías que no se pueden explicar desde la lógica y la razón, justamente lo que significa el número 555. Las experiencias más trascendentales de esta peregrinación, como la pérdida y el reencuentro con mi hermanito Jack, confirmaron esa conexión profunda con ese número y todo lo vivido. Mi deseo es que quien escuche el álbum completo emprenda su propia peregrinación interior para reconectarse con el amor propio, el respeto hacia todas las formas de vida, los animales y el planeta», agrega.

La mayor referencia de este álbum es la banda Goo Goo Dolls. Casi todas las canciones fueron compuestas con guitarras acústicas utilizando afinaciones abiertas (drop), lo que impregnó hasta la médula las melodías, la armonía, los arreglos e incluso la postproducción. También hay fuertes influencias de Sting, My Chemical Romance, Snow Patrol, Hollow Coves, Marco Masini, Nek y Laura Pausini.

‘555’ de Camilo Valencia presenta en ‘Hey’ una canción potente y liberadora, en ‘La llave’ una historia descarnada, honesta y melancólica; en ‘Bella’, la belleza en todas sus dimensiones: espiritual y cósmica; ‘Aquí y ahora’ ofrece empatía y esperanza, ‘En la oscuridad’ es una denuncia en contra de la zoofilia, ‘Águila’ es íntima e inspiradora, un vuelo sobre las crisis personales; ‘Yo soy’ es poderosa y contundente, ‘Por ti’ es el tributo más hermoso a los hermanos animales, ‘No te vayas’ es desgarradora y profunda ante la partida de los animales compañeros, ‘Vulnerables’ retrata la pulsión humana hacia la maldad y ‘Me tuviste’ es fuerza pura y un himno al amor propio.

‘Vulnerables’ es el sencillo en video que acompaña el lanzamiento del disco ‘555’ de Camilo Valencia. Habla de la naturaleza caótica del ser humano y la estupidez absurda al creer que la guerra soluciona algo en el universo. Hoy, cuando somos testigos indiscutibles del genocidio en Gaza y cuando Colombia intenta retomar el camino de la paz —arrebatado por las fuerzas oscuras y anacrónicas que gobernaron entre 2018 y 2022—, llega una canción necesaria, urgente e imprescindible.

Las canciones de ‘555’ abordan la vida contemporánea y la realidad que experimenta el ser humano, llena de tabúes en torno a la salud mental y de una desconexión profunda con esa energía suprema que sustenta todo en el universo: el amor. Llegarán al corazón dependiendo del momento emocional que cada uno esté viviendo. Ya sea un estado de depresión constante, la idea recurrente del suicidio, un ataque de pánico o ansiedad; o quizá un momento de conexión profunda con tu animal de compañía, o el dolor indescriptible de saber que está enfermo y que deberá partir en cualquier momento. También para cuando debes renunciar a un amor tóxico o a una relación violenta; cuando necesitas recuperar tu amor propio o retomar el camino de tus sueños; o cuando tu preocupación se amplía a causas más globales, como el maltrato animal o la crisis climática, y buscas un mensaje que te motive a actuar para proteger causas justas.

«Mi propósito principal, no solo con ‘555’ sino con toda mi discografía es poder salvar vidas. Quiero hacerle sentir a alguien en medio de un episodio de depresión que no está solo o sola; hacerle entender a quien prefiere la compañía de un animal antes que la de otras personas, que no está loco (a). Mis canciones y mi mensaje buscan mostrar que todos cargamos con enfermedades mentales, soledades, manías, locuras, angustias, necesidades, placeres y secretos que no compartimos con nadie. Y aunque vivimos en una sociedad que insiste en desconectarnos y deshumanizarnos, aún podemos encontrar a otros seres que nos hacen sentir a salvo, que nos recuerdan que no estamos desquiciados. Quiero afirmar, con toda claridad, que los verdaderamente perdidos no son quienes sienten o piensan diferente, sino aquellos que no saben respetar todas las formas de vida ni creen en el amor. Si mis canciones logran que una persona se sienta menos sola, daré por cumplido mi propósito», enfatiza Camilo Valencia.

Camilo hace parte de la vieja escuela de artistas que concibe y trabaja por álbumes. Las canciones del disco requirieron cinco años de escritura y un año más de producción para ser grabadas. El primer sencillo se lanzó en junio de 2024, y desde entonces se han publicado cada una de las once canciones como sencillo individual.

Lo que sigue ahora, hacia finales de 2025 y 2026, es la promoción del álbum en su totalidad, con todo lo que eso implica para un artista independiente como Camilo: participar en convocatorias, ruedas de negocios, presentarse en venues y mantenerse visible en redes sociales con un mensaje coherente y alineado con las canciones.

«Cuando empecé a lanzar este álbum, me tracé metas y objetivos muy altos, pues considero que es el trabajo más maduro que he presentado hasta ahora. Sin embargo, la realidad es que la respuesta no ha sido la que esperaba. Siento que la industria musical está atravesando una transformación como no se veía desde aproximadamente 2007, cuando abandonó el formato físico y el modelo tradicional de promoción para digitalizarse por completo. Hoy, nos enfrentamos a nuevos desafíos: la desfiguración de la estética y la belleza musical por parte de cierto género que domina el streaming, y el avance imparable de la inteligencia artificial y el retorno de modelos de monopolio similares a los inicios de la industria. Todo ello hace que, como cantautor independiente, haya decidido conscientemente vivir en el «aquí y ahora». Hago música con la aspiración de que trascienda las tendencias efímeras y la velocidad absurda con la que vivimos. Este año de lanzamientos de los sencillos del álbum ha puesto a prueba constantemente mi salud mental; en parte, por la dolorosa partida de mi Jack, y también al comprobar que mis expectativas y mi sentido de merecimiento chocan frontalmente con las dinámicas actuales del negocio musical a nivel global. Después de varios meses de reflexión, he decidido abandonar dichas expectativas, reconectar con mi voz interior y dedicarme a hacer de este planeta un lugar mejor a través de canciones que sirvan a un propósito elevado», puntualiza enfatiza el músico colombiano.

«Ahí donde menos imaginas, hay alguien que se siente solo o sola; alguien que carga con grietas mentales, que quizá ya no quiere seguir viviendo, que solo halla refugio en un animal compañero. Alguien que cree que los animales de todas las especies merecen respeto y protección; que lucha por aprender a amarse a sí mismo o misma y debe romper ciclos de relaciones dolorosas. Ahí es donde un álbum como ‘555’ y un cantautor como Camilo Valencia pueden ser un cable a tierra, una brisa refrescante, una motivación para —como diría mi padre—: «Defender con toda la vitalidad la posibilidad de amar, de creer en alguien, de ver y sentir la vida, su presente y su futuro, como algo digno de un hermoso y emocionado optimismo»», concluye.

[Lanzamiento] El Diestro revive el rock progresivo en su álbum ‘Mientras viva, siempre te recuerdo’

Desde el lanzamiento de ‘En la Diestra de Dios Padre’, El Diestro, proyecto solista del músico y compositor colombiano Juan José Moreno, estuvo girando por Manizales, Ocaña y Medellín presentando un EP que produjo pensando en insistir en su visión menos sacra de la música clásica: ‘El Clave Mal Temperado’. Este trabajo fue una vuelta de tuerca al estilo de rock progresivo y canción de autor de los discos anteriores, utilizando sonoridades enteramente basadas en sintetizadores, máquinas de ritmo y mezclándolas con texturas propias del barroco y de la música de tradición escrita, usando referencias textuales a compositores como Debussy, Chopin y Grieg.

«Con este trabajo logré una nota muy polémica en El Espectador en la que me categoricé como una «nea», cosa que al público del periódico no le gustó mucho por la connotación que tiene esa palabra fuera de Medellín. Esto sólo me confirmó que, si mi música debe hablar por sí sola, era necesario hacer un álbum que dejara en claro que ser culto y ser popular no son necesariamente cosas que se excluyen entre sí», cuenta El Diestro.

‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ es el nuevo disco de El Diestro, un trabajo cuyo concepto viene de una serie pictórica del pintor Oswaldo Guayasamín, en la que explora este lema y la relación del artista con su madre. Es ideal escucharlo en un viaje porque es una experiencia catártica y graciosa.

«Yo lo transformé en un concepto que pretende abarcar todas las aristas del amor, la intimidad y el cariño con las mujeres que han pasado por mi vida. En una palabra, la memoria: cómo en definitiva quizás uno pueda recordar absolutamente a todas las personas con las que ha labrado relación, pero no necesariamente las extraña. Y como la memoria no es lineal, aparecen multitudes de anécdotas narradas y referencias a la cultura popular que lo configuran como una especie de monólogo interno y personal, como si quién canta y quién habla fueran personificaciones distintas de la memoria. A través del disco, recordar primero es un proceso de superposición de recuerdos y canciones mías previas, y luego es un torrente de cosas inconexas que forman un todo confuso y agridulce», agrega.

Con este álbum El Diestro pretende que la gente escuche y atesore las canciones como si vieran un álbum de fotos antiguas, en este sentido el disco es textualmente un álbum físico. Instantáneas que no representan una realidad latente, si no una captura honesta de cómo el artista se ha sentido al respecto del otro a través de los años. Busca que con la sonoridad recuerden que la mal llamada música clásica es una tradición gastada y como sostiene desde antes, un chiste mal contado. Sólo en el sentido de que si esta vale lo que vale por sí misma es por las obras individuales que han trascendido el tiempo, y no solo por ser una herencia europea o de otro estatus social. Estudiar y escuchar activamente esta música le ha ayudado a verla como una herramienta a la cual le debe su estilo compositivo, y no como un horizonte al cual ver con temor o recelo. Por ello, considera que la música contemporánea o de vanguardia son un lugar donde cabe cualquier tradición de cualquier época y es lo que pretende alcanzar sónicamente hacia el futuro.

‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ presenta una evolución a nivel de producción, buscando que las canciones remitan a artistas que hasta ahora el músico había temido imitar: Daft Punk, The Beatles, Gorillaz, pero teniendo como mayor referente el rock argentino de Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati. Es un disco profundamente relacionado al ‘rock nacional’ si se considera que los grandes referentes latinoamericanos en materia de new wave, rock progresivo y canción de autor son de Argentina, pero con la ayuda del productor Simón Acosta Ramírez de La Banda del Bisonte, El Diestro logró una sonoridad actualizada a los estándares de la industria musical de hoy en día. Hay desde canciones completamente sintéticas hasta canciones interpretadas en una guitarra acústica y algunos híbridos con sonidos orquestales y superposiciones de guitarras como un wall of sound.

La mayor inspiración del álbum de El Diestro fue el ‘Abbey Road’ de Los Beatles. El disco formalmente corresponde a las diecisiete canciones de ese disco, pensándolo como un LP de dos lados que contiene un medley en el lado B, de canciones cortas que se suceden unas a otras. A través del álbum aparecen recurrentemente motivos que anuncian o referencian a otras, y motivos de discos anteriores para insistir en el tema de la memoria, como si toda su obra estuviera sucediendo en el tiempo y nunca se cerraran las heridas que dieron pie a crear las canciones anteriores. Este disco es un esfuerzo consciente de cerrar esos capítulos. A nivel de arreglos y orquestación, The Beach Boys y el álbum ‘Say no More’ de Charly García, con un concepto propio de él que nombra como ‘Maravillización’: hacer que la mezcla de los instrumentos y los efectos de sonido parezcan una banda sonora de una película que no se ve, pero se escucha.

En ‘Mientras viva, siempre te recuerdo’ de El Diestro encontramosla canción homónima que abre el disco es un tema con variaciones, un género de la música clásica que insiste en un solo motivo que evoluciona y aparece y desaparece. ‘Tinto envenenado’ es un tango nadaísta, ‘El faro’ es una metáfora sobre las jerarquías en el amor, ‘Letterboxd’ es cinematográfica, ‘Cualquier cosa que no sea tu nombre’ es un pop progresivo, ‘Esclavo’ es jazz rock melancólico, ‘Vos querías ser darks’ es el amor sagrado, ‘Algún abril’ es un bolero tumbado, ‘Carlos E. Restrepo’ es una declaración de amor snobista, las seis canciones del medley son una carta abierta a muchas personas en las que el músico piensa constantemente, ‘Tardes del río’ es gratitud pura y ‘El porvenir’ es agridulce, una conclusión que confirma que la historia ha de repetirse, una condena y a la vez una despedida.

‘Tinto envenenado’ es el focus track del disco de El Diestro, un sencillo que es el abre bocas a la estética del disco, que fue direccionada por Miguel Álvarez y está inspirada en la filmografía de David Lynch. El disco insiste en el tema de los sueños y estéticamente busca acercarnos a una atmósfera inquietante que irá video por video dando una visión global del concepto del álbum.

Actualmente los videoclips de ‘Letterboxd’ y ‘Vos querías ser darks’ están en producción y se van hilvanando con este primer visualizer.

Según El Diestro, «a nivel audiovisual, el disco ronda sobre un monolito que encontré alguna vez en mi casa que tiene un círculo en la mitad y funciona como símbolo del álbum y a la vez como mi nuevo logo. Este símbolo es sugestivo esotéricamente, y puede significar cualquier cosa, pero para mí tiene un valor especial y este aparece a través de los videoclips de ‘Tinto envenenado’, ‘Letterboxd’ y ‘Vos querías ser darks’. Está abierto a interpretaciones, pero específicamente en el video de esta canción quise referenciar ‘Yendo de la cama al living’ de Charly García».

«Espero ser recordado por este disco y girar por todo el país con estas canciones, que sé que ya han marcado precedentes a nivel de oyentes y de difusión orgánica. Espero ver a muchas personas coreando lo que yo considero es el único disco hasta ahora que define mi estética: demasiado contemporáneo para los clásicos, demasiado clásico para los rockeros, demasiado rockero para los jazzistas, demasiado jazzista para los contemporáneos y así hasta el fin de los días», enfatiza.

El Diestro planea lanzar el en vivo de Ciudad Altavoz, que fue el mejor concierto de su carrera hasta ahora. Este año se separó la primera agrupación que tuvo, La Parrockia, y planea mantener su legado a flote con otro disco en vivo del último concierto que se está editando actualmente con el ingeniero y productor Juan José García.

Además, el músico se presentará en el Festival Internacional Altavoz en Medellín el lunes 13 de octubre a las 8:45 p.m. en el Escenario Late Más Fuerte del Parque Norte.

«Contando con un horario estelar, confiamos estar a la altura del reto y disfrutar inmensamente de la tarima que alcanzamos después de ser espectadores durante muchos años. Me siento afortunado de contar con un equipo y una banda que me acompaña en mi locura, y sé que va a ser una presentación histriónica y quizás algo irreverente con el estado del rock colombiano, o por lo menos de la escena indie alternativa de la que provengo, pero a la que sé que nunca he pertenecido. Por la misma situación de lo inclasificable que he sentido que puede ser mi música, para mí es una alegría gigantesca haber clasificado en la categoría rock haciendo lo que hago, y no siendo parte del status quo congelado que pretenden muchos oyentes de mi ciudad», puntualiza.

«Este disco fue hecho con el absoluto convencimiento de que se puede hacer música compleja y divertida a la vez y que hablar de la muerte y el dolor debe conducir de alguna forma al amor o a la vida misma. Estas licencias que solo tiene el arte hacen más llevadera la existencia en un país que año a año más se ve sin rumbo, pero creo que en las colectividades de nicho está la esperanza de que Colombia saque la cara por el arte y por la gente que lo conforma», concluye El Diestro.

Los Inconformes presentan ‘Platino’ y llegan a Colombia para participar en el Ska Para Todos Fest

La banda de ska y rock puertorriqueña Los Inconformes ha estado en constante actividad durante 2025. Luego de lanzar el sencillo ‘Mi sol de verano’, ahora presentan ‘Platino’; además el grupo confirma una presentación en Colombia para el próximo 21 de noviembre en Bogotá en el marco del festival Ska Para Todos Fest.

‘Platino’ es una canción de rock moderno que cuenta una historia de amor fugaz y verdadero, pero pasajero. Es perfecta para dedicar a esa persona especial que inspira, emociona y saca la mejor versión del otro. Aborda temáticas como amor desenfrenado, locura y desespero por alguien; y apego total.

«Es una canción de amor de esos que dura poco, pero que te vuelve loco de repente, que no puedes contenerte y que no dejas de contar los minutos para volver a ver a esa persona. Es más, parecería un amor de mentira, demasiado bueno para ser realidad… por eso la frase «No fue una falsa realidad…» En fin, un amor platino», cuenta la agrupación.

A nivel musical, ‘Platino’ tiene una inspiración de múltiplesvertientes dentro del rock como guitarras de rock progresivo, un bajo pegándole duro a las cuerdas y el toque característico de Los Inconformes con su sección de vientos para darle el toque especial a la canción. La melodía vocal es melancólica, profunda y sensual, muy acorde a la letra del sencillo.   

«Creemos que esta canción puede llegar a una audiencia mucho más amplia en Latinoamérica y una vez más demostramos que nos gusta fusionar diferentes géneros musicales. En la música, así como en la vida, no hay que limitarse, ni encajonarse en una esquina, por el contrario, hay que atreverse a explorar otras sonidos, rumbos y vertientes. Es parte de la evolución», agrega Los Inconformes.

El video de ‘Platino’ tiene una mezcla de dos conceptos: la primera se centró una pareja y su interacción física y sentimental con un toque de sensualidad y erotismo, y la segunda recrea un video clásico de las bandas ‘hair bands’ de los años 80.

Según la banda, «Un chico ve a una mujer caminando hacia un establecimiento, la sigue, y cuando entra al local se refleja como si entrara en otra dimensión donde está tocando una banda con estilo hairband de los ochenta; mientras tanto, él sigue pendiente de la chica que lo dejó loco. Al final, es como si todo hubiese sido una fantasía y nada de lo que vio sucedió realmente… «una falsa realidad».   

Si quieres levantarte el ánimo y las energías, escucha ‘Platino’, si quieres escuchar música bien alta y que retumben las bocinas, escucha ‘Platino’; y si quieres recordar a ese amor que te voló la cabeza, escucha ‘Platino’. 

Los Inconformes se presentarán en Colombia el próximo 21 de noviembre en Capital Music (carrera 13 # 48-90) en Bogotá en el marco del Ska Para Todos Fest en donde compartirán escenario con artistas como Jamaica 69, Maskatesta y Travelers All Stars de México, y Skatma de Colombia.

[Novedad] Una invitación a no ocultar la tristeza, así es ‘Viejos Escombros’ de Leon Clef

El artista colombiano de rock Leon Clef está de regreso con nueva música. Desde su último lanzamiento ‘Si la vida me deja’, el cantante y compositor de Medellín inició un proceso de recoger ideas que tenía guardadas desde hace años. A partir de ahí, se reunió con su nuevo productor Pyngwi para iniciar el proceso de creación de su nuevo álbum de estudio.

«Este 2025 ha sido un año interesante, con varios conciertos, pero sin duda el más importante fue en el Circuito Bogotano de Rock, un espacio que me abrió las puertas aún siendo de otra ciudad y me han tratado de una forma especial», cuenta el músico.

‘Viejos Escombros’ es lo nuevo de Leon Clef, una canción que habla de esos momentos en la vida en los que nos sentimos abrumados, salimos porque toca y sonreímos casi por obligación, aunque por dentro no siempre lo queremos. Es una canción sobre esos días grises que llegan de vez en cuando y que, aunque difíciles, hacen parte inevitable de la vida.

Las guitarras siempre son un elemento predominante en las creaciones musicales de Leon Clef y en ‘Viejos Escombros’ no es la excepción. Se combinan con sintetizadores que aportan atmósferas intensas y un aire contemporáneo. Para el artista colombiano, esta canción en particular se alinea más con el sonido de Interpol y, en algunos matices con Foals, logrando un balance entre lo sombrío y lo melódico que refuerza la carga emocional de la letra.

«La inspiración surgió de los sentimientos de un día gris. Va dirigida a cualquier persona que haya sentido esa pesadez existencial que, aunque pasajera, marca y se queda en la memoria. Es una canción para quienes entienden que no siempre hay que ocultar la tristeza», cuenta Leon.

El sencillo no tendrá videoclip, al menos por ahora. La intención es que la canción hable por sí sola y que el público conecte directamente con la letra y el sonido, sin distracciones visuales.

«Con ‘Viejos Escombros’ quiero simplemente compartir mi música y conectar con aquellas personas que puedan disfrutarla y encontrar un reflejo de sus propios sentimientos en ella», enfatiza.

‘Viejos Escombros’ hace parte del álbum que llevará el mismo nombre. Será el primer larga duración de Leon Clef, un trabajo de 8 canciones en el que explora temáticas como la melancolía, la resiliencia y la autenticidad. Cada sencillo será un capítulo distinto de un mismo viaje emocional. El lanzamiento completo está previsto para el primer trimestre de 2026.

Según León, «Es una canción para esos días grises, emocionalmente hablando. Momentos en los que necesitamos dejarnos acompañar por la música y aceptar lo que sentimos sin pretender ocultarlo».

El arte de la portada no tiene una representación directa con la canción. En esta ocasión Leon Clef quiso buscar una pieza visual con la que conectara de manera personal: arte real, hecho por un artista. Descubrió a un fotógrafo ruso cuyo trabajo le transmitió esa atmósfera introspectiva que buscaba, y logró adaptar su imagen para que dialogara con ‘Viejos Escombros’.

«Tengo planeado lanzar cuatro sencillos más que irán saliendo de manera escalonada. Luego publicaré el álbum ‘Viejos Escombros’ en su totalidad que reunirá todas esas piezas en un solo concepto», concluye Leon Clef.

Escucha ‘Viejos Escombros’ de Leon Clef en tu plataforma musical favorita https://hypeddit.com/leonclef/viejosescombros

[Lanzamiento] Dan T debuta con ‘Golpe de suerte’, una canción de amor infinito

Dan T es el proyecto solista de Alejandro Huérfano, cantautor colombiano, vocalista de la banda de Los Huérfanos. Nace con el propósito de compartir con el mundo varias canciones de diferentes géneros musicales que ha compuesto a lo largo de estos años.

El nombre Dan T está inspirado en el poeta y escritor italiano Dante Alighieri, autor de la obra ‘La Divina Comedia’. El proyecto nace en agosto de 2025 con el lanzamiento de su primer sencillo, ‘Golpe de suerte’. La intención de su propuesta musical busca compartir con el mundo historias y canciones de diferentes géneros que el artista ha compuesto a lo largo de estos años.

«A través de mis canciones, quiero enviar mensajes de amor, despecho y de todo lo que se me ocurra sin importar el tema o el género», cuenta el músico bogotano con influencias en géneros como pop, rock, rap, ranchera y reguetón; y artistas y grupos como Manuel Medrano, Andrés Cepeda, The Beatles, Pink Floyd, Soda Stereo y Bad Bunny.

‘Golpe de suerte’ es el sencillo debut de Dan T, es una canción de amor que habla de lo afortunadas que son las personas que encuentran al amor de su vida.

«Es una canción muy especial que escribí para una persona con la que compartí gran parte de mi vida. Es para esas personas que se aman y pueden construir una vida juntos», agrega.

‘Golpe de suerte’ explora sonidos pop, con guitarras acústicas, violines, cajón peruano y bongos. Es ideal para dedicar a esa persona especial, ya sea esposx, compañerx, novix, amigx, padre, madre, hijx, amigx o familiar.

«Mi mayor expectativa es que las personas se enamoren de esta canción, la dediquen, la compartan y poder seguir haciendo música para que la disfruten», menciona. «Además, espero tener un gran impacto en medios de comunicación locales, nacionales e internacionales», recalca Dan T.

El video de ‘Golpe de suerte’ tiene una estética urbana, mostrando diferentes lugares de la ciudad de Bogotá, mientras se interpreta la canción.

‘Golpe de suerte’ es el primer sencillo del primer EP de Dan T que se titulará ‘La D.C.’, abreviación de la Divina Comedia. Será una producción, inicialmente, de tres canciones y se espera que el segundo sencillo denominado ‘Tú canción’ se publique antes de finalizar este año.

La portada del EP es una pintura inspirada en el libro de La Divina Comedia, en la que aparece Dante con su pareja, Helena, quien lo ayudó a salir del infierno y llegar al cielo.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Dan T en Colombia y Latinoamérica porque seguramente se van a sentir identificadxs con las temáticas de las canciones, y las van a querer escuchar y dedicar todo el tiempo», concluye.

Así será La Siembra Festival 2025

La Siembra Festival es un espacio de conexión y reflexión que nació en 2023 como un sueño colectivo desde el sello Grabaciones Tierranegra, buscando unir la música alternativa con la conciencia ambiental y el amor por el territorio.  En sus dos primeras ediciones se presentaron 16 artistas como Héctor Buitrago, Killabeatmaker y Simón Mejía, se promocionaron más de 50 emprendimientos locales con productos sostenibles, y se presentaron 12 charlas sobre temas de sostenibilidad y ecosistema musical. Además, se realizaron acciones de transporte consciente, siembra de árboles, manejo circular de residuos, medición de huella de carbono y política de cero impresiones.

Los sonidos de este festival

Con el propósito de generar un espacio donde el arte y la naturaleza conversen, este 2025, La Siembra Festival celebrará su tercera edición consolidándose como un referente de festival sostenible en Medellín con invitados de diferentes regiones de Colombia. Este año, el cartel estará conformado por Pernett, pionero de la música electrónica con raíces caribeñas; Inner Groove, un proyecto de hip hop con toques de funk y jazz; Frailejón y su fuerza con sonidos de la folktronica; Wana con su propuesta meditativa y de contemplación; eme Zzz, haciendo ambient con reggaetón desde una mirada moderna; Karmata Blues, que mezcla raíces indígenas y blues desde un espíritu comunitario; y como ganadora de la convocatoria de Monte Olimpa estará Dj Kath con su propuesta de afrobeats, dancehall, amapiano y moonbathon. 

Cada artista refleja la diversidad sonora de las músicas alternativas colombianas: propuestas que vibran con la naturaleza, el territorio y el espíritu de La Siembra. 

Programación que fomenta la acción por el cambio

Además de la música, el festival crece en experiencias: tendrá un mercado sostenible con cerca de 40 emprendimientos que le apuestan a la producción local y la economía colaborativa, ofreciendo productos para el bienestar, vestuario, alimentos y bebidas, productos para la alacena, decoración y accesorios. La Siembra cree firmemente que los emprendimientos locales son una excelente forma de incorporar hábitos de consumo más conscientes.

Dentro de la programación se encuentran tres charlas inspiradoras que cruzan arte y ecología: la Charla Perpetua ‘Somos todas las aguas’ con la divulgadora científica Cristina Romero presentada por Bodega/Comfama; ¿Es posible un hogar con pocos residuos? con Hábitat Compostaje y Festivales sostenibles: un disfrute más consciente con el Bazar de la Confianza y el Festival Altavoz Internacional.

Como parte de la apuesta por generar un festival alineado al lema Amor por la música + Respeto por la naturaleza, La Siembra cuenta con zonas de experiencia con entidades aliadas y campañas ambientales que promueven el compostaje y la correcta disposición de residuos, reducen los plásticos de un solo uso, evitan las impresiones, fomentan la utilización de transporte sostenible y la reducción de decibeles como prevención de la contaminación auditiva. 

Más que un festival, una comunidad

Con el propósito de inspirar a la acción y el cambio a través del encuentro alrededor de la música y la reflexión sobre el medio ambiente, La Siembra ha publicado hasta el momento cinco compilados donde participan artistas colombianos y latinoamericanos. Durante el festival estarán resonando las canciones del más reciente lanzamiento: Canción de la Montaña Vol. 2 que reúne nombres como el Dúo Mapas de Argentina, El Trinar de la Montaña y Wana, «propuestas que dialogan entre el folclor colombiano, la canción de autor y los sonidos experimentales», comenta Magio Giraldo, director del evento.

Estos compilados de distribución digital son una forma de extender el festival más allá del evento, usando las canciones como medios para sensibilizar a la sociedad sobre la importancia de la preservación ambiental, promoviendo la apreciación y el respeto por los recursos naturales y planteando la diversidad artística como un puente para comunicar y expresar diferentes visiones del mundo.

A programarse para hacer parte de La Siembra Festival

La Siembra Festival se realizará el domingo 5 de octubre de 2025, de 12 del mediodía a 9 de la noche, en Parques del Río Medellín. La entrada es libre con inscripción previa, porque la organización considera que la cultura y el arte deben ser accesibles para todas y todos. El registro para ingresar al festival ya está disponible en lasiembrafestival.com. Esta modalidad permite controlar el aforo, garantizar una experiencia segura y, sobre todo, seguir conectados con la comunidad, además, los inscritos participarán por sorpresas que se entregarán el día del evento. La inscripción previa es una forma de evidenciar el impacto del festival ante las entidades que apoyan, este gesto apoya la sostenibilidad de la propuesta de La Siembra Festival.

Una canción de sensualidad y empoderamiento, así es ‘Chimbita’ de Kory y Kooky

Luego de presentar el sencillo ‘Guellaz’ junto al legendario rapero Cejaz Negraz, el artista colombiano Kory regresa con nueva música para todos sus seguidores en Colombia y Latinoamérica, y hoy presenta ‘Chimbita’.

‘Chimbita’ es una canción que nace en Medellín, en compañía de Ruso Beat y Kooky, que fusiona el funk brasileño con el sonido urbano, llevando el sencillo a un ritmo más comercial.

Es una canción fresca, hecha para escuchar en momentos de seducción. Ideal para bailar, conquistar y calentar el ambiente.

‘Chimbita’ de Kory, conocido artísticamente como Kory ‘El de la Palma’, aborda una temática sensual, atrevida y directa, refiriéndose a una chica sensual. Explora sonoridades funk y reggaetón para dar como resultado una canción explosiva.

El video de la canción fue grabado en la ciudad de Medellín, conceptualizando un estilo sensual y erótico dirigido totalmente para las mujeres.

«Esta canción es para todos los amantes de la fiesta, pero especialmente está hecha para el público femenino. Está inspirada por una musa sensual y dedicada para las chicas lindas, sensuales y empoderadas», cuenta Kory.

«Con este lanzamiento quiero conquistar nuevos nichos de oyentes, llegar a un público más amplio y diverso deseando impactar de una excelente forma el mercado comercial latinoamericano», agrega el artista.

‘Chimbita’ de Kory cuenta con la participación de Kooky, artista emergente de Manizales, y de Ruso Beats, productor con una gran trayectoria en la industria, quien ha trabajado con artistas de la talla de Kevin Roldán, Zion, Ñengo Flow y Leo Dan. El master estuvo a cargo de Yairon Prod.

«Con Kooky y Ruso Beats creamos este excelente proyecto lleno de unión, creatividad y ganas de seguir pisando fuerte en el territorio nacional e internacional», argumenta Kory.

Durante los próximos días, Kory publicará un EP de tres canciones que mostrará toda su versatilidad, con un ritmo fresco, innovador y al agrado de todo tipo de público; buscando tocar las fibras más sensibles y haciendo volar la imaginación de quien escucha su propuesta con letras de calidad que narran historias reales.

El artista de Palmira, Valle del Cauca también realizará algunas colaboraciones musicales con colegas como Floyd y Falsetto de Puerto Rico, conocidos también por su antiguo dúo Sammy & Falseto.

Escucha ‘Chimbita’ de Kory en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/chimbita-kory

Sergio Vargas de concierto en Bogotá

El ícono del merengue Sergio Vargas se presentará en Bogotá en Chamorro City Hall el 4 de octubre. El artista dominicano regresa a Colombia para cantarle al público capitalino en una noche que promete ser inolvidable.

La cita es el próximo 4 de octubre en el Chamorro City Hall (Autopista Norte #153-81) a partir de las 7:00 p.m.

El ganador Congo de Oro (Barranquilla 2014) interpretará éxitos como ‘La Ventanita’, ‘Ni tu ni yo’, ‘Vete y Dile’ y ‘La quiero a morir’. Más que un concierto será una fiesta en la que el romanticismo, el baile y la sabrosura se darán cita.

 La boletería ya está disponible en https://allticketscol.com/eventos/evento/1959

El evento, que abrirá sus puertas a las 7:00 pm, tendrá palcos y zonas de acomodación tipo concierto, además contará con una variada oferta gastronómica y zona de experiencias.

Podrás adquirir tus entradas desde $80 mil (Más servicio) para las localidades: Palcos La Ventanita (Individual / Grupos de 10 tickets), Palcos La Quiero a Morir (Individual / Grupos de 10 tickets), Palcos Ni Tu Ni Yo (Grupos de 10 tickets), Preferencial y Zona Ni tu ni yo.

¡Prepárate para una noche llena de música color y baile!

Compra tus entradas en https://allticketscol.com/eventos/evento/1959

[Lanzamiento] Un EP para afrontar la adultez en tono new wave, así es ‘Me dejé caer’ de Tomás Santiago

Tomás Santiago es un artista y cantor colombiano. El canto ha sido su forma más leal de arte desde muy temprana edad haciendo parte de coros estudiantiles o simplemente como medio de expresión en cualquier contexto de la vida. Con el tiempo y la madurez entendió que la composición era un factor fundamental para acompañar esa proyección de su existencia, más allá de lo que hace con su voz, crear su propia música es la mejor manera de decir «este soy yo, y esto dice mi alma».

Después de la separación de su banda Rucus, en donde era el principal compositor, Tomás Santiago tomó la decisión de continuar el camino de la composición de canciones, pero esta vez a su nombre siguiendo el camino de la clásica figura del cantautor. Entre 2019 y 2020 comenzó la composición de su EP debut ‘Me dejé caer’ el cual vio la luz 5 años después en agosto de 2025.

La intención de su propuesta musical busca unir a la gente, ayudar a las personas a canalizar las emociones que no saben cómo expresar, utilizar el arte como medio para exponer y combatir las opresiones del sistema capitalista, esparcir amor y lograr la trascendencia a través de la constante creación y el constante cambio.

«A través de mis canciones quiero enviar múltiples mensajes como por ejemplo que el amor es lo más grande que hay en el universo, que un mundo equitativo y en paz puede ser una utopía, pero la resistencia a la injusticia y el caos, y la capacidad de no caer en el cinismo y el pesimismo son fundamentales para el avance y la permanencia de la humanidad. También quiero decir que somos esclavos de la entropía, que todo tiene su final, que Colombia merece paz y que la construcción de identidad es una forma de combatir el fascismo y la hiperglobalización que quiere que todos seamos iguales en pro del capital», afirma Tomás Santiago, quien para su proyecto solista tiene influencias de rock, soul, pop y folk.

‘Me dejé caer’ es el EP debut de Tomás Santiago, es una exploración con el diseño sonoro y la fusión de dichas influencias. Aborda temas variados como en su carta de amor a los artistas en ‘Brillo en tanta oscuridad’, la protesta social en ‘Sin alma y corazón’, el reencontrarse y sanar en ‘Sol hermoso bermexas’ y el crecer y abandonar la niñez en ‘Hoy’.

«Al tocar temáticas variadas la inspiración viene de varios lugares. El amor propio y amor a la humanidad, el deseo de justicia. El entrar a la adultez y asumirse como ser independiente en busca de crear su propio camino. La resistencia a la desigualdad, la opresión o el caos», cuenta el artista.

A nivel sonoro, el EP ‘Me dejé caer’ está inclinado hacia el new wave y el art-pop siendo una exploración con sonidos más sintéticos. Las baterías son hechas con samples (con la excepción de ‘Sin alma y corazón’ que cuenta con la única batería real del EP). Así mismo los sintetizadores fueron el centro de los acompañamientos ritmo-armónicos y las guitarras poniendo su cuota rockera funcionando como un hilo conductor en todo el EP.

‘Me dejé caer’ de Tomás Santiago trae la calma antes del frenesí en ‘Brillo en tanta oscuridad’, protesta social al estilo new wave latinoamericano en ‘Sin alma y corazón’, experimentos eclécticos en ‘Sol hermoso bermexas’ y la plantilla que define el estilo sonoro del Ep en ‘Hoy’.

El EP viene acompañado del sencillo en video ‘Sin alma y corazón’, una canción con influencias de Prince y Charly García. Surgió por el simple divertimento de un groove animado y frenético. El concepto lírico es la protesta a la desigualdad y al poder oligárquico y aristocrático el cual fue la inspiración para el videoclip teniendo como protagonistas a unos sombríos títeres que simbolizan el poder oculto detrás de los políticos y cómo se crea una fachada vacía para hacerlos ver competentes para representar al pueblo cuando en realidad tienen sus propios intereses a favor de los ultra ricos y poderosos que llevan controlando el país por siglos.

Para Tomás Santiago «‘Me dejé caer’ es perfecto para escuchar en esa época de la vida en la que se afronta la adultez y se empieza a ser parte del sistema de una forma más directa. En la construcción del amor propio y hacia los demás teniendo en cuenta la responsabilidad social que eso implica».

«Este trabajo musical es el inicio de un largo camino. Es apenas el primer paso por lo que las expectativas que tengo actualmente no son más que activar la chispa de algo mucho más grande que está por venir», enfatiza.

La portada del EP fue creada por Sabina Piñeros (directora del videoclip de ‘Sin alma y corazón’ y la principal colega de creación audiovisual del proyecto). Está influenciada por los sonidos sintéticos del álbum mezclando lo análogo con lo digital. Fue una fotografía tomada en 2020 y posteriormente editada en 2025 para darle ese toque digital yendo de la mano con el concepto sonoro del EP.

Tomás Santiago se presentará junto a los proyectos musicales colombianos Urdaneta y Thaissa el 25 de octubre en Teatro de Garaje (Carrera 10 #54 a – 27) en Bogotá. Será un show que mezcla distintos estilos al contar con artistas de distintas perspectivas fusionando géneros como el rock alternativo, el neo soul y el new wave.

Para los próximos meses, Tomás Santiago prepara un nuevo EP grabado con su nueva banda que marcará la diferencia con ‘Me dejé caer’ al tener un estilo más rockero, análogo y minimalista.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Tomás Santiago en Colombia y Latinoamérica porque conocerán una voz única y particular, y un artista que abraza y busca el cambio constante por lo que siempre podrán esperar la reconstrucción artística», concluye.

[Nueva música] Una canción llena de melancolía y fuerza, así es ‘Solo para ti’ de TAPPAN

TAPPAN se sumerge en la melancolía de la pérdida y la transforma en una experiencia vibrante y emotiva con su lanzamiento ‘Solo para ti’.

Más que hablar de la ausencia, la canción revela la intimidad del duelo y la vulnerabilidad de quien intenta recomponerse frente a un amor que ya no está.

‘Solo para ti’ aborda la contradicción entre aparentar fortaleza y aceptar que algo esencial se ha ido para siempre.

La canción se grabó en Estudios Eón, 5ta Estudio, Warner Chappell y Tappan Music estudio, bajo la producción de William Tappan. La mezcla es de Andy Quiroga y fue masterizada por Carlos Silva en C1 Mastering.

‘Solo Para Tí’ es un encuentro entre la melancolía y el ritmo. Sus atmósferas se mueven entre la calidez del soul, la crudeza del blues y la energía del rock, logrando un equilibrio que es a la vez íntimo y poderoso. Su sonido envolvente, cargado de emoción, invita a dejarse llevar por la intensidad del momento y conecta con la vulnerabilidad del corazón.

Esta obra está hecha para dejar huella, tanto en quienes han amado intensamente como en quienes buscan en la música un espejo donde reconocerse

El guitarrista, productor y compositor colombo-mexicano cuenta con una trayectoria de más de 20 años en la música, lo que lo ha llevado a trabajar con grandes artistas en giras internacionales, crear música para televisión y producir artistas independientes.

[Estreno] Los mexicanos Bobby Zaga y Halcón 7 presentan la versión metal de ‘Revolución’

‘Revolución’ de Bobby Zaga y Halcón 7 es un junte histórico entre el poder del manifiesto y la fuerza del metal.

Después del impacto mediático de ‘Revolución’ —tema con el que el músico, compositor y productor mexicano Bobby Zaga irrumpió en solitario y que lo llevó a medios internacionales como Rolling Stone— llega ahora una versión demoledora: la versión metal de ‘Revolución’, en colaboración con la agrupación Halcón 7, originaria de Torreón, Coahuila.

UNA CONTINUACIÓN AUDIOVISUAL DE ALTO VOLTAJE

El lanzamiento no es solo una reinterpretación, sino una secuela audiovisual y conceptual de lo que Bobby Zaga presentó en el desierto de Torreón con el videoclip original.

Si aquella primera entrega retrataba el hartazgo colectivo y la necesidad de transformación, esta nueva versión lo lleva a un territorio más crudo y visceral, donde la contundencia del metal se convierte en catalizador de rabia, energía y resistencia.

«Esta versión es una revolución desde otra trinchera: la del metal. Es un grito que no tiene miedo a confrontar la oscuridad para encontrar un nuevo comienzo», afirma Bobby Zaga.

HALCÓN 7: EL METAL COMO VERDAD INCÓMODA

Con más de nueve años de trayectoria, Halcón 7 se ha consolidado como una de las propuestas más potentes del metal nacional. La banda nació en Torreón con la consigna de decir lo que nadie quiere escuchar: verdades incómodas sobre la sociedad, la destrucción y la violencia cotidiana.

Influenciados por Gojira, Korn, Pantera, Slipknot y Sepultura, Halcón 7 ha forjado una identidad marcada por riffs pesados, líricas densas y presentaciones en vivo viscerales. Su carrera incluye logros como abrir el concierto de Metallica en México (2017), un hito que los catapultó como referentes de la escena.

REVOLUCIÓN METAL: UN GRITO COLECTIVO

La unión entre Bobby Zaga y Halcón 7 no es casualidad: ambos proyectos comparten raíces y una amistad de años. Este junte significa llevar la esencia de ‘Revolución’ a otra dimensión, donde el manifiesto lírico y espiritual de Zaga se fusiona con la brutalidad sonora de Halcón 7.

«Queríamos que la canción tuviera una segunda vida, más agresiva, más cruda, que conectara con quienes necesitan un golpe directo al corazón y a la conciencia», comenta Halcón 7.

Este lanzamiento es un grito compartido desde el desierto, donde la rabia se convierte en arte y el metal en un manifiesto de resistencia.

[Novedad] La banda colombiana de pop rock electrónico E Multicolor presenta su disco ‘Nada que nos sea difícil’

E Multicolor estrena un disco personal e introspectivo y se prepara para presentarse en vivo en Bogotá el sábado 27 de septiembre en Smoking Molly.

E Multicolor es un proyecto musical colombiano de pop rock electrónico que nace en 2010 como consecuencia del desarrollo en artes visuales especializado en animación de Nicolás Botero, un artista multidisciplinario independiente que está en la búsqueda de encontrar su lugar en el mundo.

Después de haber pasado años buscando pertenecer a una banda y no tener resultado alguno, el músico, guitarrista, cantante, escritor, compositor y productor decidió formar su propio proyecto para darle rienda suelta a su creatividad, además, para trabajar también su faceta audiovisual con un enfoque artístico para su trabajo de grado. Inicialmente formó un grupo, eligió tres canciones, les hizo videos animados y las presentó en su proyecto de grado en enero de 2010. Ahora, quince años después, E Multicolor está más vigente que nunca y con nuevas canciones.

«A través de mis canciones quiero mostrarle al mundo que hay varias formas de pensar y varias ideas que pueden existir conceptualmente, abriendo horizontes y proponiendo una mirada diferente de la vida. Tiendo a escribir sobre ideas que me gustan como en dónde se encuentra sentido a lo que no tiene sentido en ‘La Colección de Verónica’, o ideas que contraponen extremos como ‘Nuestra Mala Suerte Universal’ o ‘Matilde’. Soy una persona con pensamientos y mensajes individuales, únicos y originales en cuanto al artista independiente que me considero», cuenta el músico bogotano con influencias de Pink Floyd, Gustavo Cerati, Justice, Leonard Cohen, New Order y David Bowie.

‘Nada que nos sea difícil’ es el nuevo disco de E Multicolor y el tercero en su carrera. Es un álbum doble de 15 canciones compuestas después que Nicolás Botero se hubiera dedicado en su segundo trabajo a hacer canciones comerciales enérgicas y movidas. Este es el descanso después de la gran fiesta. Es el volver a escribir por el amor a componer y escribir sin el afán de querer gustar en una discoteca o que el «gancho» se le quede pegado a todo el que lo escuche.

«Es el disco con las letras más personales que he escrito, y también con el que más me he divertido haciéndolo. Este álbum es para mí un regreso a la buena música, una colección de buenas canciones que tienen como fin su mismo existir, sin muchas más pretensiones», cuenta el artista bogotano. «El disco va dirigido a todas aquellas personas a quienes, por encima de todas las tendencias y modas, disfrutan de la buena música, sea la que sea y del género que sea», complementa.

E Multicolor siempre ha sido un proyecto que mezcla sin perder su estilo de pop rock electrónico. Sin embargo, el disco tiene una tendencia rock blues en donde la guitarra es protagonista.

«Este disco es excelente para empezar el día. Es un recorrido para acompañar durante un largo viaje en bus hacia la escuela, la universidad o el trabajo. También funciona para una caminata en la tarde sin rumbo alguno, para dejar que la mente se vuele con las letras y los sonidos», puntualiza.

‘Nada que nos sea difícil’ de E Multicolor aborda en ‘Isabel primera’ la redención, en ‘Realmente no quiero trabajar para humanos’ el futuro desde un punto de vista cínico, en ‘Acuérdame’ sonidos postpunk + electrónica, en ‘Mucho tiempo en muy poco tiempo’ la introspección y el romanticismo, en ‘El día está corrupto’ el humor negro, en ‘Matilde’ el rock de alto octanaje, en ‘Y lo peor fue…’ las reflexiones durante una cepillada de dientes, en ‘No conocí al diablo (pero sí a un hombre malvado)’ el blues clásico, en ‘Tan cerca y tan lejos’ el arrepentimiento. ‘Tengo que aprender a desconfiar’ habla de la neurosis, ‘Cuando seas grande’ es una canción de cuna honesta, ‘Tengo que aprender a destruirme’ es un sencillo de autoayuda brutalmente honesto, ‘Veo que los años pasan’ le canta al mundo y su actualidad, en ‘Ella multicolor’ al amor aceptado con y a pesar de todos sus colores, y en ‘Las cosas más fáciles del mundo’ a la redención.

‘Matilde’ es el sencillo que acompaña este nuevo lanzamiento de E Multicolor, una canción de blues rock de carretera. Es una canción rápida de alto octanaje con buenos solos de guitarra y una percusión agresiva que inspira a subirse a una motocicleta y recorrer la carretera. En contraposición a esto, su letra habla desde la perspectiva de Matilde, una niña ‘quejetas’ de 7 años que siente egoístamente que la vida es injusta con ella.

«Lo que más quiero con este disco es que me escuchen. Que gente que yo sé que está ahí afuera, gente a quienes sé que les gustaría lo que hago y que no saben que existo, se enteren de lo que hago», menciona Nicolás.

La portada del disco es una mezcla conceptual entre el ADN humano y la representación gráfica de una onda de audio. Está abierta a interpretaciones múltiples porque es un juego de yuxtaposición. En lo personal simplemente me gusta la idea. Me parece elegante y sencilla.

E Multicolor se presentará en vivo en Bogotá el sábado 27 de septiembre en Smoking Molly (Calle 29 Bis # 5-74) junto a las agrupaciones invitadas Fool Moon y Cuerpo Meridiano. El evento tiene un valor de $20.000. Será una noche para escuchar propuestas variadas y originales, acompañadas de un espectáculo visual de múltiples proyecciones sincronizadas que sirven tanto para impactar como para darle un ambiente único y emocionante al show. También estará presente ‘La Colección de Verónica’, la tienda de objetos artísticos de E Multicolor.

Por otra parte, E Multicolor tiene pensado hacer otro evento el último sábado de noviembre en Casa Magola y un concierto acústico solista en la segunda semana de diciembre, aún por definir el lugar.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a E Multicolor en Colombia y Latinoamérica porque hacen falta buenas bandas de rock en español. Lejanos están los días de las glorias de Soda Stereo, Caifanes, Héroes del Silencio, Sui Generis o Zoé; el público está porque el legado de todos estos artistas está más vigente que nunca.

Hubo una generación que creció con Soda Stereo, Cristina y los Subterráneos, Andrés Calamaro, Charly García y Fito Páez. Hubo otra que creció con Molotov, Zoé, Café Tacvba y Jaguares. ¿Con quiénes están creciendo estas nuevas generaciones? Yo creo que mi proyecto puede caber en ese vacío que hay, pero no quisiera ser el único. Me gustaría inspirar a que haya buenas bandas de rock en un mundo en donde el rock gusta como nunca antes», concluye E Multicolor.

[Estreno] Una crítica sonora a la tortura, así es ‘Malleus Maleficarum’ de Sueños de un Tulpa

Sueños de un Tulpa es un proyecto musical colombiano que surgió de un impulso creativo, un espacio donde la experimentación sonora tomó forma. Jhon González Amortegui, caleño residente en Bogotá, desmembró sus experiencias en proyectos pasados y presentes (Empyra, Ruido Saturno, Dark Shadow, Wonderstorm) para dar a luz a esta exploración musical. Como un tulpa, una entidad nacida de la voluntad y el pensamiento en la mística budista, esta propuesta es la materialización de una duda existencial: ¿qué podría soñar un ser concebido en el éter de la mente? ¿Posee una conciencia propia, una agonía separada? ¿Qué podría crear?

Desde mediados de 2024, en un refugio de una pequeña habitación bogotana, este ensayo ha tomado forma, transmutando las vivencias más oscuras en melodías. Ha contado diferentes vocalistas de sesión, pero es la voz de la argentina Juli Guilleron (quien también da vida a su propio proyecto sonoro enfocado al pop urbano) la que le otorga un aliento especial, una amalgama de sonidos que dan vida a esta penumbra melódica.

La propuesta de Sueños de un Tulpa es un descenso al abismo de emociones, explorando historias diferentes, pero con sentimientos comunes (soledad, luto, frustración). No se busca la compañía, sino el eco íntimo de la introspección. Es la música que se escucha a solas, la que invita a cerrar los ojos y perderse en sus las melodías. Se explora los confines del rock, pero en un sendero de experimentación. Es una metamorfosis constante, una búsqueda de una nueva identidad sonora.

«Las letras son el reflejo del dolor más crudo y la agonía del alma humana: la depresión, el luto, la soledad. Se cuestiona de la moralidad de la humanidad. Se cuentan las historias de aquellos condenados por falsos dogmas, como en ‘Malleus Maleficarum’, donde la caza de brujas es un eco de la barbarie. También se desentierra los horrores de nuestra tierra, como en ‘Evanescente’, para no olvidar (las ejecuciones extrajudiciales). No hay finales felices ni promesas de luz. Solo la realidad, cruda y desgarradora. Se adentra en la mente humana, en las motivaciones de la crueldad y la deshumanización. El universo de Sueños de un Tulpa es un laberinto de preguntas sin respuesta», cuenta Jhon González con influencias de Tear for Fears, Toto, Tina Turner, Whitney Houston y Charly García. Sueños de un Tulpa es un híbrido de la nostalgia melódica y del ruido del presente.

‘Malleus Maleficarum’ es lo nuevo de Sueños de un Tulpa, es una crítica sonora a la tortura. Habla del suplicio de una mujer acusada de brujería, cuya única culpa fue su gnosis (su sabiduría). En una época donde el conocimiento era la herencia exclusiva de los hombres, poseerlo era una llama peligrosa, un desafío que ardía contra el orden establecido.  Su cuerpo, reducido a cenizas, es un eco de las miles de almas humilladas y asesinadas en nombre de un credo perverso. Aborda la tiranía de la crueldad, la sed de poder que profana lo sagrado y silencia a los distintos. Es un réquiem por la inocencia vulnerada y una maldición al infierno que la hipocresía religiosa creó. 

‘Malleus Maleficarum’ explora la penumbra del synthwave y la agresión del rock, con un bajo que evoca la sevicia de las torturas. Es un oxímoron sonoro: melodías que intentan ser bellas en medio de un paisaje sonoro de suplicio. Es el canto de una víctima atrapada en un infierno en vida. 

«El propósito de ‘Malleus Maleficarum’ es la exploración. Cada sencillo es un nuevo capítulo, un nuevo mundo melódico. Si este canto llega a oídos que lo entiendan, seguiremos esa senda. Se busca la comunión con aquellos que, como Sueños de un Tulpa, se deleitan en la reflexión y el abismo del alma humana», agrega el artista colombiano.

El libro Malleus Maleficarum sirvió como un manual de tortura durante la época medieval, detallando métodos para infligir el máximo dolor y así obtener confesiones forzadas. Aquellas mujeres que desafiaban el statu quo o poseían conocimiento eran silenciadas y ejecutadas. La letra de la canción se enfoca en la frustración, el dolor y la desolación de estas víctimas, cuestionando la moralidad que justifica una política de tortura y el sufrimiento que se causa en nombre de un supuesto bien.

El video de la canción es un retrato de esta caza de brujas, un reflejo de la crueldad de quienes se autodenominaron jueces. Representa la persecución de mujeres, almas inocentes que fueron tildadas de monstruos cuando, en realidad, los verdaderos demonios eran sus perseguidores. En esencia, es una historia de desolación, una crítica a la política del terror que nos convierte en cómplices de los horrores cometidos en nombre de una falsa moralidad.

‘Malleus Maleficarum’ es el octavo sencillo de Sueños de un Tulpa, la octava exploración en este viaje sonoro. No hay álbum, solo un goteo constante de sencillos. La mutabilidad es el credo. Una idea que nace como balada puede mutar en un huracán de rock; un grunge se convierte en un eco electrónico.

«Es una canción perfecta para escuchar en aquellos momentos en los que la mente navega por pensamientos destructivos, cuando el alma anhela la depresión como un viejo amigo. Es la banda sonora de la ruina, el acompañamiento perfecto para la introspección más oscura», enfatiza.

La portada de ‘Malleus Maleficarum’ es una visión de dolor y suplicio, una mujer torturada por la crueldad de la religión y sus prejuicios. Es la representación del juicio, donde la víctima es exhibida mientras los opresores se ocultan en las sombras. El arte, creado con el auxilio de la inteligencia artificial, busca evocar la fragilidad de la inocencia frente a la brutalidad de la hipocresía.

Sueños de un Tulpa trabaja en la profanación de un clásico de Black Sabbath, fusionando la solemnidad del lando afro-peruano con la crudeza del rock y el pulso electrónico. Es un experimento que para algunos será un acto de sevicia y para otros, una revelación.

«En un mundo de atención fragmentada, donde las canciones se crean para satisfacer algoritmos y la música es reducida a un producto rápido, Sueños de un Tulpa se rebela. Se toma el tiempo de crear experiencias, de construir atmósferas. Para aquellos que aún se atreven a sumergirse en canciones, que se deleitan en la introspección y la reflexión, este proyecto es un refugio. Es para los melómanos que se atreven a escuchar la soledad en su forma más pura», concluye.

[Estreno] Una canción que explora la lucha interna de un amor inconcluso, así es ‘Muriendo por vos’ de Insómnica

Insómnica es una banda de pop rock alternativo fundada en Tunja, Colombia en el año 2020 bajo influencias del rock en español, el pop rock, el funk, el blues y la electrónica. A lo largo de los años, se ha consolidado como una de las agrupaciones más representativas del departamento de Boyacá, al llevar una continuidad en su proyecto con calidad, persistencia, pasión y amor por la música.

Conformado por Lamena (voz y bajo), Betty (teclados), Favarez (voz y guitarra electroacústica), Juancho (guitarra líder) y Walter (batería), el grupo logra conectar con su público al combinar influencias del rock clásico con una identidad propia, donde las canciones abordan emociones profundas y humanas a modo de dualidades entre el dolor y el amor, la depresión o las ganas de vivir, rendirse o seguir para cumplir los sueños del corazón; logrando acompañar a sus seguidores tanto en momentos de introspección como de catarsis, al crear una atmósfera emocional y energética en los oídos y el corazón de quienes escuchan su música.

La intención de Insómnica no es solo hacer canciones, sino crear un puente emocional entre lo clásico y lo alternativo, invitando al público a experimentar un viaje entre la introspección y la catarsis. Su visión apunta a ser una banda que acompaña emocionalmente y vibra energéticamente en cada escenario, a través de su sonido propio con potencial para resonar en Colombia y el mundo.

«Nuestra música busca reflejar dualidades humanas: amor vs dolor, depresión vs ganas de vivir, rendirse vs luchar por los sueños, nostalgia vs esperanza; busca ser un espejo donde la gente se reconozca viviendo en esas contradicciones, pero sintiendo a la vez que no están solas», comenta el grupo. «La intención de nuestras canciones es acompañar emocionalmente al oyente, tanto en momentos de introspección como en instantes de catarsis y liberación; aunque algunas de nuestras letras relaten dolor y tristeza, también contienen un impulso vital que invita a seguir construyendo sueños y renacer de las cenizas, para transformar esas emociones en fuerza y conexión», agrega el proyecto con influencias de Soda Stereo, Gustavo Cerati, Duncan Dhu, Red Hot Chili Peppers, Luis Alberto Spinetta, Zoe, Radiohead, Aterciopelados, The Mills y Diamante Eléctrico.

‘Muriendo por vos’ es el nuevo lanzamiento de Insómnica, una canción que narra la lucha interna de alguien atrapado en el recuerdo de un amor que dejó heridas. A pesar de haber intentado callar y ocultar el dolor, el vacío sigue presente y aquel protagonista vuelve una y otra vez al mismo punto; es la imposibilidad de olvidar y la contradicción entre querer soltar y seguir sintiendo.

Es la confesión de un amor que no termina, que se convierte en un ciclo emocional sin fin, donde el silencio no cura, sino que profundiza la herida. ‘Muriendo por vos’ retrata la batalla emocional de un amor inconcluso, donde la herida sigue abierta y el protagonista oscila entre la soledad, el recuerdo y la imposibilidad de dejar de sentir. Es un tema cargado de honestidad emocional, que invita al oyente a conectar con su propio dolor y convertirlo en catarsis.

‘Muriendo por vos’ explora un sonido de pop rock alternativo con tintes electrónicos, donde la melancolía de la voz y las atmósferas sintetizadas conviven con la fuerza de guitarras y batería. Es un tema diseñado para generar catarsis emocional, moviendo las fibras de los oyentes entre lo íntimo y lo explosivo.

Guitarras eléctricas con riffs melódicos, teclados atmosféricos envolventes, una batería marcada con tintes de bambuco, bajo con líneas que refuerzan el pulso y sostienen el dramatismo, con un tempo medio que genera una sensación de intensidad continua.

«Es perfecta para esos momentos íntimos y vulnerables, cuando el corazón está en duelo o atrapado en un ciclo de recuerdos. Es un tema de sanación emocional y de compañía en la soledad, ideal para escuchar cuando el silencio y la calma hacen más evidentes los recuerdos y las emociones; también en esos instantes de desvelo, cuando vuelven pensamientos sobre alguien que no se olvida», agrega.

La portada cuenta la historia de alguien marcado por las heridas del amor, pero que aún guarda en sus manos la posibilidad de transformarse y renacer. Es una metáfora visual perfecta del mensaje del sencillo: el dolor es real, pero también lo es la esperanza de seguir adelante. El dominó funciona como metáfora del destino, pues una pequeña ficha puede desencadenar un gran efecto, así como una relación o una herida emocional puede transformar toda la vida. Esta ficha es el número 7, posición que ocupa la canción en el álbum y es parte importante de la historia que se quiere contar.

«Este lanzamiento busca reafirmar el sonido propio de Insómnica: un pop rock alternativo emotivo y moderno, capaz de competir dentro del circuito latinoamericano. Con cerca de 15.000 reproducciones a la fecha en Spotify, la banda anhela que la canción siga posicionándose en playlists editoriales y colaborativas», cuenta el grupo. «Esperamos que la canción se convierta en un himno de catarsis para quienes atraviesan rupturas o procesos emocionales difíciles, que el público sienta que ‘Muriendo por vos’ representa aquellas palabras o mensajes que no pudieron decir.

‘Muriendo por vos’ es el primer sencillo del segundo disco de estudio de Insómnica. El album tendrá un relato propio, una historia real que contar, y que, conectados entre sí, formarán una historia de amor, dolor y resiliencia emocional. Es la puerta de entrada a un viaje sonoro y emocional de 8 canciones que narran una historia completa de amor, desilusiones y catarsis.

La banda planea lanzar otras canciones que mostrarán diferentes colores emocionales y sonoros del álbum. Mientras ‘Muriendo por vos’ se centra en la herida y el vacío tras la ruptura, la siguiente canción explorará la magia de la búsqueda del amor y la conquista, acompañada de ritmos del blues sin dejar a un lado el rock y los tintes electrónicos característicos de Insómnica.

«Es importante descubrir a Insómnica porque somos una banda que no solo hace música, sino que genera experiencias emocionales y colectivas, aportando una propuesta fresca y honesta al pop rock alternativo. Apoyarnos, es apostar por diversidad, resiliencia y calidad artística en la región.

En una escena musical donde muchas propuestas tienden a sonar parecidas, Insómnica ofrece una identidad fresca, pero con raíces sólidas en el rock en español, el funk, el blues y la electrónica; no es una copia de fórmulas comerciales; es una propuesta profunda, emocional y artística», concluye.

La Armada llega a Colombia para realizar dos conciertos y anuncia nueva música

La Armada es una agrupación de hardcore punk originada en Santo Domingo, República Dominicana en 2001. Actualmente, la banda está radicada en Chicago, IL desde 2008 y está compuesta por miembros dominicanos y puertorriqueños. La intención de su propuesta musical es dejar una huella en la historia de la música pesada, representando al caribe en el rock latinoamericano y mundial.

La banda fusiona ritmos afrocaribeños—de forma sutil o explícita—para crear un sonido propio, fácilmente reconocible y que sirva como bandera musical de la región dentro del género, así como el merengue y la salsa han representado al Caribe internacionalmente en los géneros tropicales.

«Queremos que el público latino vea en nosotros una banda con calidad igual o mejor que cualquier otra de nivel internacional, y que a través de eso sirvamos de inspiración», cuenta el grupo.

«Como propósito ideológico, la banda recurre a la sátira y el auto-cuestionamiento para evidenciar los males socio-políticos que aquejan a la sociedad actual, como el neo-colonialismo en Latinoamérica, las guerras a nivel mundial, el control de las redes sociales y las formas inconscientes en que el modernismo conduce al autosabotaje», agrega la banda con influencias del punk, el metal y rock duro en bandas como La Polla Records, No Demuestra Interés. Bad Brains, Propagandhi y Death, Deftones y Alice in Chains.

‘500 años’ es uno de los más recientes lanzamientos de La Armada, es un rugido de indignación ante la renovada crisis mundial de refugiados por las guerras genocidas y la represión dictatorial.

«Es un tema donde denunciamos la indiferencia, el cinismo y la hipocresía de las naciones del primer mundo ante el desplazamiento humano. Con la misma, nos mantenemos en solidaridad con los pueblos de Gaza, Venezuela, y cualquier región en conflicto; en donde los ricos y poderosos ponen las bombas y la represión y el pueblo pone los muertos», enfatiza La Armada.

‘500 años’ es una fiel representación del tipo de crossover o mezcla que define musicalmente a La Armada. En menos de 3 minutos, la canción explora grooves nu metal, acordes grunge, el punk, y hasta lo caótico y experimental, pasando de un estilo al otro de manera sutil.

La Armada ya tiene grabado un nuevo EP titulado ‘Ofensas’, un trabajo de seis que será lanzado a finales de 2025 y cuenta con las composiciones más desafiantes de su trayectoria.

«Continuando nuestra misión de no solo ser participantes, sino innovadores dentro de la música pesada en español, estamos listos para presentar material nuevo», menciona el grupo.

‘Ofensas’ es un llamado a mirar hacia adentro, a cuestionar cómo la sociedad moderna ha influenciado al hombre hasta el punto de actuar en contra de su propio beneficio al igual que el de su prójimo. Musicalmente, la banda busca expandir sus capacidades hasta lograr un balance entre lo memorable y lo experimental; para ello han colaborado con percusionistas y compositores conocidos en los géneros Afrocaribeños.

‘Ofensas’ será lanzado con sencillos sucesivos, iniciando en octubre con la canción ‘Over’ la cual la banda ya la presentó en sus redes sociales con un video en vivo desde su sala de ensayos.

La Armada se estará presentando en Colombia por primera vez en su historia con dos grandes y expectantes shows, el primero en Bogotá el viernes 26 de septiembre en A Fuego Centro Cultural junto a las bandas Alta Agresión, Distracción y Sin Nadie al Mando con entrada gratuita. La segunda fecha será en Medellín el sábado 27 de septiembre en Club Líbido junto a los grupos Grito, Ahora o Nunca y Control. La entrada tendrá un costo de $30.000. En el mes de octubre, La Armada abrirá la gira de Strung Out y Agnostic Front por territorio estadounidense.

[Estreno] Vehementes presenta ‘Narcótica’

Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.

Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento.

«Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio», cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro. 

‘Narcótica’ es el nuevo lanzamiento de Vehementes, una canción que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latin, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.

«Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco», comenta la banda.

Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la ‘miércoles’ y gritar con fuerza «maldito el momento».

«Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros», agrega.

‘Narcótica’ hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas. 

La siguiente canción que la banda lanzará se titula ‘Precisa’ y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que vemos a la otra persona en un pedestal, cantada muy desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es ‘Narcótica’.

La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop», concluye la agrupación.

Escucha ‘Narcótica’ de Vehementes, en tu plataforma musical favorita https://offstep.link/303036509294