[Perú] Un disco que narra las etapas de una ruptura amorosa, así es ‘707 Metamorfosis’ de Santal

Santiago Alejandro López Arenas, más conocido como Santal, es un chico peruano de 17 años radicado actualmente en Argentina que desde los 12 años está inmerso en el mundo del Rap. Su carrera comenzó cuando iba a las plazas a batallar, acompañado de su padre. Santal se describe como un artista romántico y sentimental, ama escribir poesía y lo refleja en las letras de sus canciones las cuales tienen gran profundidad y emotividad. La intención de su propuesta musical es poder conectar con los jóvenes y personas en general mediante experiencias y sentimientos vividos. Santal exterioriza sus pensamientos y emociones y los convierte en canciones.

«Quiero retratar los procesos de toda persona, todos pasamos por momentos buenos y malos; y creo que tenerlos en canciones son una forma de preservar ese sentir, identificarlo, procesarlo y, posteriormente, aprender de él», cuenta el cantante con influencias del rap y el R&B, de artistas como Mac Miller, Mac Demarco e inclusive estéticas de artistas como Billie Eillish.

‘707 Metamorfosis’ es el disco debut de Santal, un trabajo conceptual que tiene una estética sombría, retratada tanto en los temas musicales, como en los visualizers. A lo largo del álbum se puede observar la vida de una persona sumergida en su propio mundo, viendo un breve concepto de su niñez. Los temas del disco tienen un enfoque hacia las mujeres de su vida, al inicio el amor de madre y al crecer la necesidad del afecto femenino, llevándolo a una serie de situaciones en los que sufre rupturas, intenta reconciliaciones, se obsesiona y se «transforma». Al final del viaje, la producción refleja un final feliz y realista.

«El disco está inspirado en momentos a lo largo de mi vida. Siempre fui una persona muy sentimental conmigo mismo incluso, y me gusta poder compartir esas experiencias con quienes podrían pasar algo parecido. Muchos de los temas fueron dedicados a chicas de las que me enamoré o situaciones mías muy profundas con las que siento que puedo conectar con el público», agrega Santal.

A lo largo del disco ‘707 Metamorfosis’ se perciben todo tipo de instrumentos y sensaciones, guitarras eléctricas que acompañan el álbum con un sonido único, dándole un ambiente especial a las percusiones y guitarras acústicas. Este trabajo también incorpora violines, viola, chelos, contrabajo, saxo y piano. El sonido de esta producción es una apuesta única del artista peruano, al ser su primer álbum quiso hacer algo fuera de lo normal, salir de lo midi y volver a lo vivo.

Según Santal, «es un disco en el que experimentamos mucho con el Rap y el R&B, dándole un toque único incorporando instrumentos de orquesta grabados en estudio. Quisimos hacerlo lo más orgánico posible y fue así como quedó, es como poner tu vida en un disco y dejar que fluya».

[Estreno] Una canción de desamor con sonidos R&B, así es ‘La condena’ de DIMC

El artista bogotano DIMC nos adentra en la historia de su próximo álbum con el lanzamiento de ‘La Condena’, una canción de desamor con un sonido que recuerda al R&B de principios de los años dos mil.

El sencillo acaba con las introducciones y va al nudo de su segunda producción discográfica ‘Rompecorazones’.

‘La Condena’ conecta profundamente con la sensación de pérdida, impotencia y frustración que todos experimentamos cuando hemos tenido el corazón roto a causa de un mal de amor.

El artista bogotano se inspiró en los videoclips que se hicieron populares en los 90’s y 2000’s. Esta es la primera canción escrita, producida y grabada en su totalidad por DIMC (Diego Segura).

«La intención era clara: supervisar cada fase de la producción de esta canción en pro de conservar la esencia del desengaño», comenta el artista.

La canción es un R&B con vibras ‘dosmileras’ que recuerda los ritmos de Hip-Hop y su estética, apelando a la nostalgia de esos años.

‘La Condena’ nos muestra el desengaño desde la perspectiva de un hombre en su forma más vulnerable: «Este tema es el reflejo de la premisa del ‘Rompecorazones’: detrás de cada canción del álbum, hay un corazón roto, esta vez es el mío», explica DIMC.

Tras este lanzamiento se espera el primer show en vivo de DIMC en Bogotá después de haber estado en tarimas como el Festival Estéreo Picnic y el BIME.

[Lanzamiento] Desde España, Autofilia debuta con ‘Saboreando Sales’

Autofilia es una banda de pop punk fundada en 2024 en Islas Canarias, España gracias al compositor Danillo Ciafrei, quien en sus horas libres se dedicaba con devoción a explorar las melodías y sonidos de las canciones que formarían parte de su siguiente lanzamiento, tanto el nombre del disco como el de la banda fueron dándose a medida que surgían las canciones y su variedad de temáticas.

Del griego Auto = por sí mismo y Filia = amor, Autofilia creen firmemente en el amor propio desde un lugar equilibrado, poco amor propio es menospreciarse y demasiado amor es egocentrismo.

Integrado por músicos experimentados con una profunda conexión con la escena musical canaria como Danillo Ciafrei en la voz y guitarra, Jesús Iglesias en la guitarra, Jesús Fernández en el bajo y Luis Torrealba en la batería, Autofilia surge como proyecto musical innovador y apasionado enfocado en la creación de sonidos potentes y letras profundas y sentimentales; buscado así conectar emocionalmente con el público.

«A través de nuestras canciones enviamos mensajes directos y fáciles de captar desde un primer momento. Queremos que quien nos escuche se sienta acompañado en cada momento, de ahí la variedad de temáticas en nuestras canciones. Sabemos que, como seres humanos vamos cambiando emocionalmente de acuerdo a lo que sucede en nuestras vidas, razón por la cual nuestras canciones son muy diferentes entre sí», cuenta la banda con influencias de bandas como Three Days Grace, The Offspring, Blink-182 y Sober, y géneros como el punk, el metal alternativo y el pop punk.

‘Saboreando Sales’ es el álbum debut de Autofilia, un trabajo que en su concepto busca acompañar en distintas situaciones y emociones al oyente. El disco cuenta diferentes episodios y temáticas como la frustración, las adicciones, la introspección, los abusos, el amor y el desamor.

«Creemos que muchas veces la cura está en el agua salada del mar: llorar, transpirar o nadar. De ahí nace ‘Saboreando Sales’. Es un trabajo muy humano, hecho con el corazón y con el que muchos podrán sentirse identificados y conectados a través de nuestra música», cuenta la banda española.

‘Saboreando Sales’ surge de guitarras distorsionadas potentes, acompañadas de melódicos riffs, con letras y estribillos pegadizos. Además de potentes ritmos de batería y líneas de bajo muy elaboradas.

«Para este disco nos inspiramos en las luces y las sombras, en cómo lo vivido tiene un impacto en nuestro ser y a su vez cómo está en nosotros mismos el tener la capacidad de acompañarnos, crecer y salir de esos momentos que nos vienen a enseñar», enfatiza Autofilia.

‘Saboreando Sales’ de Autofilia le canta a la introspección y los aprendizajes en ‘Un lugar seguro’. Habla de una persona que se siente mal consigo misma, que aprende de sus errores del pasado y consigue sentirse en plenitud. ‘El tiempo pasa’ es una canción de paciencia y emoción en donde un chico que se enamora de niño pasa muchos años queriendo saber de ella hasta que se encuentran. ‘El guerrero sin armas’ es un tema de resiliencia y compasión en donde una persona que, por medio de engaños, cae en las manos de un abusador y luego de un tiempo al verlo el agresor le pide perdón; el abusado le dice que le ha perdonado hace tiempo y que se perdone a sí mismo.

‘Me cansé’ explora los límites y la consciencia. Habla de un hombre cansado que, al no verse amado por su pareja, decide terminar la relación. ‘Ser libre’ le canta a la liviandad y al poder. Es una persona que estuvo pendiente sobre qué pensaban los demás y luego de un tiempo se librera y deja de darle atención a esto y a su pasado. ‘Todo contigo’ aborda la incondicionalidad y la certeza del amor puro. ‘Mis miedos’ le canta a las sombras y los aprendizajes, se enfoca en alguien que está sometido por algún tipo de adicción. Finalmente, ‘Libertades que quedan atrás’ es una canción de corrupción y frustración y trata del impacto de la sociedad en la época de pandemia producida por el COVID-19.

Según Autofilia, «‘Saboreando Sales’ es un disco tan rebosante de buena energía, fuerza y positividad que puede ser escuchado en cualquier momento del día ya sea por introspección, amor, de desamor o frustración».

El diseño de la portada es un niño en un columpio porque los adultos nunca dejan de tener a su niño interior. El columpio simboliza ese concepto de cambio, de idas y venidas en los sentimientos y las emociones de las personas, además de ese salto al vacío de aprender a acompañarse.

«Nuestras expectativas con este disco son altas, pero con los pies en el suelo. Esperamos poder darnos a conocer en diferentes partes de nuestro país España, como fuera de él. Y si es sobre los escenarios mejor. Como artistas nos encantaría llegar al mayor número de personas posible y que se sientan identificadas y acompañadas con nuestras canciones», menciona Autofilia.

Autofilia lanzará el 2 de julio el video de su canción ‘Me cansé’, trabajo que fue grabado en lugares emblemáticos de Bogotá como la Virgen de Guadalupe y el Chorro de Quevedo durante las vacaciones de Danillo Ciafrei. De igual manera, la banda tendrá un concierto especial en noviembre en La Laguna (Tenerife) en el que las personas podrán disfrutar de su música en vivo. El evento contará con un registro audiovisual que será compartido en sus redes sociales.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Autofilia porque somos y tenemos raíces sudamericanas que llevamos con orgullo y de las cuales esperamos mostrar por ese enorme y fascinante continente. Danillo es de Brasil, Luis y Jesús Iglesias son de Venezuela y Jesús Fernández es de España. Además, hemos recibido muy buenas reseñas y comentarios, ya no solo de nuestros amigos y conocidos sino también por parte de los amantes de la música. De hecho, las personas que se dan la oportunidad de conocernos encuentran que nuestro sonido con bases de punk americano y con voces en español nos hace únicos», concluye Autofilia.

[Lanzamiento] Ese Zea presenta ‘Todos bailamos juntos’, una canción palpitante de post punk

Ese Zea es un proyecto colombiano nacido en la ciudad de Medellín de la mano del músico Santiago Zea Arrubla, originalmente como un proyecto unipersonal. Es una propuesta musical que explora diversos ambientes sonoros con la premisa de no coartar la creatividad del artista.

La intención de la propuesta de Ese Zea es convertir imágenes cotidianas en melodías y letras, transmitir a los oyentes emociones que conecten con sus historias personales, sublimar momentos que pueden ser comunes a muchas personas y enmarcarlos en una sonoridad especial; y crear imágenes en la cabeza del oyente en las que pueda proyectar sus propias vivencias, o fantasear.

«Con mis canciones quiero dejar un mensaje de que nos vamos a morir y es momento de hacer una pausa para ponerle atención a los pequeños momentos que nos brinda esta corta estancia. En este limitado tiempo que tenemos, deberíamos poder conectar con otros seres humanos, con nosotros mismos y con nuestros deseos; qué hacer con ellos ya es problema de cada quién, eso sí. Estamos en un mundo en el que constantemente, aunque estamos rodeados de gente, nos sentimos solos, y eso es muestra de que algo no está bien», cuenta el músico colombiano de la ciudad de Medellín con influencias de indie rock, shoegaze, post punk, bedroom pop e incluso el trap en proyectos como The Strokes, Molchat Doma, Tame Impala, Mac DeMarco, La Femme y Artemas.

‘Todos bailamos juntos’ de Ese Zea es una canción que habla de esa sensación, esa tensión placentera, la que algunos psicoanalistas relacionarían con la pulsión de muerte, y que además en la canción involucra a un otro; pero, por otro lado, también habla de esos instantes en el que aún en medio de algo que se disfruta, incluso en compañía de un otro, nos sentimos solos y vacíos.

‘Todos bailamos juntos’ tiene una sonoridad oscura y divertida. La guitarra utilizada en la grabación fue un Jackson King V con microfonía humbucker para darle potencia al sonido, se agregó distorsión a la guitarra rítmica y se utilizó un efecto de rotary en la melodía principal. El sonido de bajo es de un Warwick, haciendo más contundente la base de la canción, pero la percusión es de una caja de ritmos que utiliza sonidos de los 80’s, para darle un ambiente más post punk/darkwave y más bailable. Es una mezcla curiosa, porque suena muy denso, pero eso no impide que sea música que invita a mover el cuerpo.

«La temática de la canción y algunas de sus frases surgieron en medio de una conversación con una amiga cercana que disfruta, al igual que yo, de ambientes algo pesados para otras personas. Esa charla se dio mientras ambos pasábamos por una etapa emocionalmente complicada, y en ella estábamos describiendo escenas que veíamos en fiestas, sensaciones y experiencias que habíamos tenido en algún momento, algunas recientes. Creo que todos tenemos momentos de desenfreno, y aunque haya maneras más saludables de gestionar las emociones, a veces intentamos gestionarlas «disfrutando» de formas que podrían ser peligrosas o dañinas

El video de ‘Todos bailamos juntos’ es muy genuino. La base del visualizer nació antes que la canción, pues en algún momento alguien le envió al músico un video que podría interpretarse como erótico, pero que genuinamente le pareció muy artístico.

«Le pregunté a ella si podía conservar ese video para utilizarlo alguna vez en una canción y ella aceptó. Cuando terminé el proceso de composición de ‘Todos bailamos juntos’ ya sabía cuál iba a ser el visualizer. En el clip se puede observar la sombra de una mujer bailando lentamente en una habitación con luces bajas. Al trabajo se le agregaron efectos visuales de forma que complementara la música, además, de la letra de la canción», enfatiza Santiago.

Es una canción para escuchar en una fiesta, definitivamente; pero también, puede ser una canción para bailar solo en el cuarto y liberar tensiones. Si alguien se está sintiendo solo en algún momento difícil de su vida y la escucha, sentirá que alguien le entiende y ha pasado por lo mismo.

«Con ‘Todos bailamos juntos’ espero llegar a nuevo público, que la gente que escuche la canción la disfrute. No es una canción apta para todo público, pero sí veo que hay público en Colombia y Latinoamérica para estos géneros, y no tantas bandas los están explorando», menciona el artista.

En la portada del sencillo se observa la sombra de una mujer desnuda en un cuarto, centrando en su cabeza un bombillo para simbolizar que es un ser pensante. Es una mujer sensual, pero su cuerpo no es lo único atractivo que tiene por aportar, sino que su cabeza también es atrayente.

Ese Zea tiene pensado para lo que resta de 2025 publicar, por lo menos dos sencillos más. Respecto a shows, el proyecto tiene un par de negociaciones con algunos teatros en Medellín y está participando en convocatorias para festivales.

«Ese Zea es como esa persona que mira feo a todo el mundo, pero te acercas a hablarle y resulta ser super chévere y amable. Anhelo que sea un proyecto en el que esas personas que se sienten en un lugar extraño, o como que no pertenecieran o encajaran, se puedan reflejar, que podamos crear comunidad y empatizar entre nosotros. Además, es un proyecto que siempre intenta transmitir algo, hacer sentir, y no se encasilla en un tema, sino que puede transmitir amor, rabia, desazón, tristeza o tranquilidad», concluye el músico colombiano.

Una canción para conectar con las raíces y los orígenes, así es ‘Guellaz’ de Cejaz Negraz y Kory

Los raperos colombianos Cejaz Negraz y Kory se unen para presentar ‘Guellaz’, una canción enérgica, ideal para escuchar en las mañanas al despertar, para iniciar un día lleno de emoción y con los objetivos claros. Tiene un sonido pegajoso y un ritmo que despierta la energía e incita a no quedarse quieto. Habla de cómo muchas veces nos olvidamos de nosotros mismos, sin recordar todo lo bonito que podemos hacer cada minuto de nuestras vidas.

‘Guellaz’ más que una canción, es un mensaje de superación, un llamado a quien escucha Cejaz Negraz y Kory, una invitación a despertar para aprovechar el tiempo en la vida y así superar las adversidades de una forma inteligente.

«Es una canción que invita regresar al vientre, a volver a aquel sonido puro del rap y esas rimas que caracterizan a la banda Crack Family. Las líricas del progreso. Ese progreso reflejado en Cejaz Negraz quien es el reflejo directo de la sublevación para toda nuestra sociedad ya hecha y a la que más le disparamos a la sociedad en construcción», cuenta el rapero. «No hay que olvidar que aquí la historia de uno es la historia de miles», cuenta Cejaz Negraz.

‘Guellaz’ fluye sobre un sonido fresco, un beat limpio de rap transformado de lo under a algo más comercial sin perder su misma esencia.

«Esta canción invita a ir siempre en busca de lo mejor para sí mismo y aprovechar cada segundo. Debemos dejar siempre una huella en la tierra, en las personas y en tu historia. A ‘Guellaz’ le guardo un cariño muy grande ya que tiene un gran mensaje y es una colaboración muy esperada para mí, pues pude contar con la participación de Cejaz Negraz, el referente principal del rap colombiano». Quiero que este lanzamiento llegue a una gran masa de oyentes y que el mensaje penetre sus conciencias y genere un impacto personal. Tengo un sueño especial con este tema y es cantarlo algún día no muy lejano en Hip Hop al Parque en Bogotá junto al Cejón», menciona Kory.

El video de ‘Guellaz’ se realizó en Bogotá, marcando historia citadina a través de la imagen. Recorriendo la zona fría con el cantante Kory quien es el invitado a esta canción clásica del rap colombiano. La textura del clip es encontrarse con aquella Bogotá clásica del centro de la capital.

Para Kory fue un honor y un sueño cumplido trabajar con Cejaz Negraz en ‘Guellaz’. En su primera colaboración grande, el artista palmireño, gracias a su mánager y amigo Dj Zazu, celebra esta unión y admira el haber podido compartir con uno de los máximos exponentes del hip hop en Colombia.

«Cejaz Negraz es una leyenda de la música en Colombia, con un amplio recorrido lleno de mucho respeto y de cosas para admirar. Estoy totalmente agradecido por poder llegar a un nuevo público, a un radar más amplio que consume la propuesta de él».

‘Guellaz’ es el track número 12 del disco ‘Tierra’ de Cejaz Negraz que se lanzará en junio y contará con un total de 50 canciones, 50 cañonazos en homenaje a la música, a su carrera artística y en honor y a nombre del hip hop y sus 50 años. Los sencillos de esta producción fueron grabados en diferentes partes del mundo, gran parte de ellos en Australia, New York, Tailandia y Estados Unidos.

«Esta canción es un aliento en la mañana, sus vibes realmente tienen la capacidad de llenar de vida y alegría el espíritu de quien se conecte con ella. El coro dice «No pierdas el tiempo con las distracciones, concéntrate en traer cosas mejores, que el tiempo corre y si no dejas *GUELLAZ* jamás recordarán tus emociones»», enfatiza Cejaz Negraz.

Cejaz Negraz estará de gira pisando diferentes partes del planeta como Boston, New York, Quito, Barcelona, Bilbao, Madrid, Valencia, Mallorca, Málaga y La Paz.

Por su parte, Kory seguirá demostrando su versatilidad con una conexión directa desde Puerto Rico, Falsetto. Un referente creador de varios hits del género urbano. De igual manera, el artista planea nuevos lanzamientos con artistas locales y nacionales como Floyd, Kooky, entre otros; en colaboración con productores como Ruso Beat, Deejay Santacruz y Yairon Prod.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kory en Colombia y Latinoamérica porque siento que fuera del sueño que comparto, quizás con millones de otros artistas de vivir de la música, tengo un objetivo diferente y una propuesta totalmente única y fresca. Quiero llevar un mensaje directo siempre desde la versatilidad, quiero que mis letras toquen sus sentimientos, sin importar en qué género me escuchen; quiero conectar con mi público y generar algo más personal, algo que trascienda tanto en ellos como en mí», concluye Kory.

La banda colombo-alemana Carambolo presenta ‘Lo necesario’

Sobresaliendo con música alternativa que desdibuja las fronteras entre géneros y países, el proyecto dirigido por el cantautor colombo alemán Antonio García Hosie toma al oyente por sorpresa. Rock en español que recuerda a Charly y a Spinetta se sumerge luego en atmósferas de modern jazz, tomando prestados ritmos latinoamericanos en arreglos progresivos.

Las letras de Carambolo invitan a leerse (o escucharse) repetidas veces, con líneas poéticas y abstractas que flotan entre guitarras y sonidos electrónicos. Carambolo es una mezcla de elementos que no por ser variados son aleatorios. Más bien parece ser un meticuloso menjurje que fluye y se desenvuelve de maneras inesperadas.

El proyecto se presenta actualmente como un quinteto y cuenta con excelentes músicos de la escena Colombo Alemana. El sonido de Carambolo surge desde el 2024 de dos guitarras (Óscar Mosquera y Felipe Suárez León), bajo eléctrico (Max Schroth), batería (Jakob Dinnebier), sintetizador y voz (Antonio García Hosie). En vivo la banda absorbe al público con su multiculturalidad palpable, ya que sus integrantes vienen de Colombia y Alemania. Las letras son hasta ahora únicamente en español, al ser Antonio quien escribe las canciones.

Carambolo está listo para compartir con el mundo su nuevo EP ‘Lejanías’, una producción que refleja la versatilidad y el carácter profundo de su música. Su nuevo sencillo se titula ‘Lo Necesario’ y se convierte en el preámbulo del lanzamiento del EP en su totalidad que verá la luz el 6 de junio.

‘Lo Necesario’ reflexiona sobre los aspectos esenciales de la vida a nivel personal, material y emocional, y cómo reconocerlos nos permite aprovechar mejor el poco tiempo que tenemos.

«»Lo necesario no es urgente, necesariamente.» Esta frase resume el corazón de este sencillo. La canción explora situaciones y realizaciones que han de llegar tarde o temprano; cosas que no podemos evadir, y sobre las cuales muchas veces no tenemos el control», cuenta Antonio García.

Es una canción que se inspira en los tonos cálidos y reflexivos del rock alternativo, mezclados con elementos de jazz y pop. La composición es minimalista y atmosférica, utilizando la repetición para resaltar el impacto de los sutiles cambios armónicos y melódicos. El sencillo fue inspirado por ‘Out of Time’ de Blur, ampliando su temática y explorando conceptos compositivos similares. Otras referencias importantes para la canción fueron ‘Nude’ de Radiohead, de su aclamado álbum ‘In Rainbows’ y ‘Pasajeros’ de Lola Parda.

‘Lo Necesario’ forma parte del próximo EP de Carambolo, ‘Lejanías’, que profundiza en temas de distancia, conexión e introspección. Este tercer EP de estudio de Carambolo muestra un carácter sonoro claro, profundo y atmosférico. El lanzamiento está acompañado de una estética visual basada en el hielo seco, capturando el contraste entre luz y sombra en espacios casi vacíos, una metáfora visual de la profundidad lírica de las canciones.

Para celebrar el lanzamiento del EP ‘Lejanías’, Carambolo se presentará por primera vez en vivo en Colombia con una serie de conciertos durante el mes de agosto. El viernes 8 se presentará en el Teatro Unión en Honda, Tolima, y las siguientes fechas en Bogotá iniciando el sábado 9 en el Bolón de Verde, el viernes 15 en La Buhardilla, el viernes 22 en RPM Records y el viernes 29 de agosto en el Teatro Garaje.‘Lejanías’ es el tercer EP de estudio de Carambolo, un proyecto que muestra exploración musical y un estilo poético abstracto e inmersivo.

El artista costarricense Kamalo Plute presenta su EP ‘Orígenes’

Kamalo Plute es un artista de música alternativa nacido en Costa Rica que vive retándose a diario y que admira la apertura de pensamiento, la pasión y la libertad de ser sí mismo. Es un ser curioso lleno de creatividad que respira arte desde que nació, un poco incomprendido, disociado y elocuente de pensar algunas veces. Risueño con las personas y determinado con los sueños que quiere cumplir.

Más allá de una intención musical que -puede ser muy personal en cada quien lo escuche- la propuesta de Kamalo Plute busca emocionar a través de letras honestas y sonidos viscerales.

«Si lo que hago con mi música emociona, ayuda, se disfruta, se celebra, hace llorar o reír; es decir, genera una emoción, significa que las cosas cobran sentido», comenta el cantante y compositor.

A través de sus canciones, Kamalo Plute quiere enviar mensajes de reflexión, introspectivos, de mirar hacia adentro y sentir. La empatía y relación de las emociones humanas que se suelen vivir a lo largo de caminar y transitar sobre este mundo.

«Todxs sentimos diferente, aunque compartamos (o no) un mismo camino. También considero que la música es para disfrutarla, vivirla y compartirla. Si te suma, ahí es», agrega el costarricense con influencias de artistas y grupos como Lady Gaga, David Bowie, Björk y Coldplay.

‘Orígenes’ es el EP debut de Kamalo Plute, un trabajo compuesto por tres canciones que cuenta a través de historias los inicios del artista. Es una recopilación de lo que ha ganado, perdido, crecido y evolucionado. Todo converge en una narrativa visual en redes que evoca un mundo interno dentro del cuerpo humano, donde el auto descubrirse es un gran viaje.

‘Latiendo X Mil’ habla de esa conciencia inicial que acciona, dando pie a la liberación en la caverna, ‘Despertar’ relata el permitirse salir al mundo creyendo en sí mismo y ‘Gratitud’ que agradece a las oportunidades y personas que Kamalo Plute ha conocido en la vida.

A lo largo del EP hay exploraciones de sonidos que evocan cinematografía o bandas sonoras de videojuegos. Acompañados de sonidos en un pop movido, una electrónica enérgica y un agradecimiento para cerrar.

«La inspiración del EP ‘Orígenes’ nace de la nostalgia al recordar lo que fue dar el primer paso para empezar el viaje después de lo que llamé ‘depresión artística’. Va dirigido a esas o esos seres que aún no se atreven, que dudan. Dar el primer paso es el más difícil y sólo puedo comentarles desde mi punto de vista: viendo el camino desde un poco más adelante, ha valido la pena», enfatiza.

‘Orígenes’ de Kamalo Plute habla en ‘Latiendo X Mil’ de laconciencia y de las inseguridades que se rompen, en ‘Despertar’ habla de la importancia de confiar y conectar, y ‘Gratitud’ es una invitación a agradecer por lo vivido.

«El EP ‘Orígenes’ es perfecto para escuchar en cualquier momento del día, sin embargo, yo iniciaría la mañana con ‘Latiendo X Mil’ para el desayuno, luego ‘Despertar’ que tiene una energía para el resto del día y para cerrar ‘Gratitud’ justo antes de dormir», menciona Kamalo Plute.

Este trabajo marca un inicio en la carrera de Kamalo Plute, sin embargo, el artista lo ve como una ‘precuela’ que quería plasmar como presentación al mundo. Una experiencia que invita a las personas a que puedan descubrirlo, conectando desde sus emociones y uniéndose a este viaje juntxs.

El diseño de la portada propone una unión de tres momentos de los sencillos. Recordando a los anuncios de películas en los cines. Con texturas y una paleta de colores que evoca al cuerpo humano. Mezcla una idea atmosférica y ficción del camino a la liberación.

Además del lanzamiento de ‘Orígenes’, Kamalo Plute trabaja en un nuevo sencillo que es un punto que marca con dolor un antes y un después, un evento que es inevitable dentro de los ciclos de la vida humana. Es una reflexión que nace en los recuerdos. Después, una nueva historia comienza con más música y nuevo concepto visual.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kamalo Plute en Colombia y Latinoamérica porque me interesa ir agregándole al proyecto mayor valor cultural, diversidad, creatividad y experiencias con potencial de cambiar realidades. Las personas que escuchen mi propuesta serán esenciales en mi crecimiento y evolución. Juntxs podemos tener mayor conexión, empatía, oportunidades y transformación», concluye.

Verum West presenta ‘Monte’, un sencillo ambicioso y esperanzador

El 2025 para Verum West inicia con muchas ideas y proyectos en marcha, detonará un espacio para crear y conocer aún más sobre el sonido innovador que ofrecerá la banda en las próximas canciones a los oyentes de Colombia, México, Guatemala y Latinoamérica en general con el firme objetivo de seguir rompiendo fronteras.

‘Monte’ es el nuevo sencillo de Verum West, es el abrebocas de lo que la banda asume como su segunda etapa. Este año es el inicio del segundo septenio del grupo y como tal es un momento de madurez y de resignificar infinitas cosas.

«La canción habla de la tenue caricia que ofrece la serenidad de alcanzar objetivos propuestos, pero también despliega un sinfín de nuevas inquietudes al encontrarnos con una posible verdad: escalamos a la cima y ahora debemos seguir así sea oscuro e incierto el panorama, hasta llegar de nuevo a la cima de un ‘Monte’ aún más grande, con más retos por asumir», cuenta la agrupación.

‘Monte’ aborda de una manera muy abierta la comprensión de conceptos de filosofía estoica, rescatando valores como la templanza y la sabiduría, enfocarse en el ‘hi et nunc’ (aquí y ahora), que es lo único que importa para tener una sensata verdad. Es una canción llena de palabras que incitan a avanzar, si vas subiendo una colina, si vas llegando a la recta final de un objetivo o a una carrera universitaria; son 3:38 minutos para sentirse un completo ganador.

Verum West se destaca en sus composiciones por explorar y a veces abusar del sonido del progressive metalcore. La estridencia no se hace extrañar en las partes más contundentes y pesadas de la canción explorando riffs y acordes muy particulares.

«Podríamos decir que es el sonido más tiernamente pesado que hemos alcanzado hasta ahora. Tenemos un aspecto que destacar de nuestro vocalista quien ha explorado lo suficiente en sus sonidos vocales y ha encontrado melodías nuevas con las que trabajamos los coros y partes importantes de la canción».

La cantante y compositora colombiana Teresa Terracota es quien aporta ese aire dulce y genuino a ‘Monte’ como invitada especial en las voces femeninas que suenan durante toda la canción.

El videoclip de ‘Monte’, filmado bajo el lente del productor Bryan Beltrán, registra los momentos más divertidos, icónicos y especiales de la primera gira internacional de Verum West que los llevó a visitar Guatemala y México.

Según la banda, «el clip es una pequeña y sentida muestra de agradecimiento a nuestros amigos en Guatemala: Danny, Pedro, Arlequino. Y en México a los amigos de Betrayme, el crew precioso de Morelia, las bandas y colegas de CDMX y muy especialmente a Andrei Pulver y Ozzy Cadena de Los Vandidos. Todxs ellxs nos cuidaron y atendieron como si fuésemos amigos de toda una vida, como si existiera una historia más larga a las inolvidables horas que pasamos con ellos».

‘Monte’ es una canción que nace en el momento que termina el ‘Nauta’s Tour’ (gira por Guatemala y México), en donde los integrantes de Verum West quedaron con muchas sensaciones y deseos de seguir firmes en su ruta, rescatando una vez más lo valioso que se ha convertido para cada uno de ellos el ‘Verdadero Oeste’ para seguir proyectándose con ambición y sed de aprender más de ellos mismos para volver a salir a girar y presentar su arte dentro y fuera del país.

«Queremos alcanzar nuestro propio impacto, sentir que una vez más rompemos el esquema de creer que no hay nada más por decir o nada más por escuchar; ese impacto de ser creadores de algo tangible es algo que nunca dejaremos de destacar e indudablemente queremos transmitir ese mismo impacto a toda la audiencia que nos conoce en países como Colombia, España, México, Argentina, Guatemala, Costa Rica, Chile, entre otros», enfatiza Verum West.

‘Monte’ es el más reciente single de una etapa de exploración sonora y conceptual que Verum West ha venido desarrollando durante este año. Actualmente, el grupo está inmerso en la creación de su próximo álbum, una obra que busca revelar la esencia más profunda de la banda: quiénes son realmente, por qué existen como proyecto y qué propósito persigue su música.

El diseño del sencillo es una figura solitaria que se alza en la cima de una montaña mística, envuelta en un aura celestial, mientras símbolos cósmicos giran a su espalda como relojes sagrados del destino. La portada de ‘Monte’ evoca un viaje interior, una ascensión espiritual entre nubes densas, secretos tallados en piedra y la vastedad del universo silencioso.

Este sencillo es un canto a la introspección. Entre versos como «bajo los destellos de la luna todo de mí se oculta, pero en la profundidad del monte, todo de mí se enciende», la canción revela el peso de la soledad, la búsqueda de sentido y la transformación personal que sólo ocurre en las alturas, donde la verdad y el vacío se rozan.

Para este 2025, Verum West continuará explorando y componiendo canciones, el grupo prepara shows grandes y posibles encuentros que generen nuevos impactos y nuevos horizontes.

«Lo que más anhelamos este año es encontrarnos nuevamente con las personas que han hecho parte de todo el proceso de Verum West, acompañarnos y seguir creciendo juntos», concluye el grupo colombiano.

Penyair cierra su ‘Filantropía World Tour’ con un show en el Movistar Arena de Bogotá

El artista colombiano Penyair cerrará su ‘Filantropía World Tour’ con un show especial para todas las edades en el Movistar Arena de Bogotá. La cita es el próximo 4 de octubre a las siete de la noche.

La gira que incluye más de 20 conciertos en 10 países tendrá fechas en Colombia, en Latinoamérica y visitará ciudades emblemáticas como Berlín, París, Madrid y Sidney.

Penyair, que se encuentra presentando su nuevo álbum ‘Filantropía’, cierra una de las giras más importantes de su carrera con su primer show en el Movistar Arena de Bogotá, uno de los recintos más importantes de su ciudad natal.

La boletería ya se encuentra disponible a través de los canales oficiales de TuBoleta y podrá adquirirse en las localidades de Tribuna Fan Sur, Pista 1(Platea +18 años) y Rap del espíritu (2do Piso +7 años).

Información General

Boletería:

Medios de pago: Disponible con todos los medios de pago y todos los canales de venta autorizados de Tuboleta. https://www.tuboleta.com/es/eventos/penyair-filantropia-world-tour-2025

Medios de pago de Bancos Internacionales: Disponible a partir de la venta a Público en general. Entrega de boletería únicamente en la taquilla al titular de la compra.

Indicaciones especiales y restricciones:

El concierto iniciará a las 7:00 pm y las puertas se abrirán desde las 5:00 pm.

El evento contará con áreas para personas con movilidad reducida. Se debe informar esta condición en el momento de realizar la compra y al personal logístico el día del concierto.

No estará permitido el ingreso de mujeres en visible estado de embarazo, de acuerdo con las recomendaciones de las autoridades.

El show contará con una localidad habilitada para menores de edad ubicada en el segundo piso y libre de consumo de alcohol.

Todos los menores de edad entre 7-14 años deben ingresar con su padre o madre, y de 14-18 años con un adulto responsable. Tanto el adulto como el menor deben ingresar con boleta.

Las demás localidades sin excepción son para Mayores de 18 años de edad. En caso de no cumplir con el requisito mínimo de edad o comprar boletas para un menor de edad en otra localidad diferente a los sectores mencionados, no se permitirá el ingreso al concierto.

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Nito Mestre presenta en Colombia ‘A 50 años del Adiós’

Después de haberse presentado en 2022 en Colombia en el Teatro ABC en donde interpretó su show ‘Mi vida en canciones’ con la participación especial de su amigo Andrés Cepeda, el cantante, compositor y músico argentino Nito Mestre regresa a Colombia después de 3 años con su tour ‘A 50 años del adiós’ el próximo viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3).

‘A 50 años del adiós’ de Nito Mestre es un reencuentro con esas canciones que guardan pedacitos de vida, de despedidas, de sueños compartidos y cosechados durante cinco décadas de música del artista argentino.

Será una noche única en donde Nito Mestre volverá a ser esa voz que supo ser refugio y consuelo. No es un recital, es un reencuentro. Un hombre, su voz y su música. Un eco que persiste.

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Porque cuando Nito canta el tiempo se vuelve un instante detenido y lo que creíamos perdido reaparece. Las canciones que nos hicieron creer que siempre íbamos a ser jóvenes, las que sonaban en los patios, en los cuartos, en las radios con sonido a fritura. Esas canciones que hoy regresan para recordarnos que la nostalgia no es un ancla: es un puente que cruza hacia lo que somos ahora.

«Volver a interpretar esas canciones es volver a encontrarme», dice Nito, con esa voz calma, de filo suave que parece que no pesa. El músico argentino interpretará un extenso repertorio de la mayoría de los discos de la legendaria banda Sui Generis.

Con una producción a cargo de BELIVE GROUP, colectivo creativo que busca preservar la buena música y generar experiencias memorables, viviremos una experiencia única e inolvidable el viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3). Es un evento para mayores de 18 años.

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Mira ‘Espejo digital’, el nuevo lanzamiento en video de Karen Rod

‘Espejo digital’ es un llamado de atención hacia la hipnosis que generan las redes sociales y la IA.

La cantautora colombiana Karen Rod presenta ‘Espejo Digital’, una canción que nace como una reflexión sobre el impacto de las redes sociales y la inteligencia artificial en nuestra vida cotidiana. Con una mirada honesta y profundamente humana, la artista propone hacer un alto en el camino para reconectar con lo esencial: la empatía, la presencia y el mundo real que nos rodea.

Este nuevo sencillo, el segundo que lanza en 2025 tras ‘No Estamos Solos’ (tema dedicado al Día Mundial de la Lucha contra la Depresión), reafirma su compromiso con una propuesta artística que busca tocar fibras sensibles y generar conciencia desde la música.

‘Espejo Digital’ es, en palabras de Karen Rod, «una invitación a despertar de la desconexión emocional que puede generar el mundo virtual. El tema musical aborda con sutileza la ingeniería social, la hipervigilancia, la autoexplotación y la pérdida de contacto con la realidad. Esta canción está dirigida a todos, porque todos en algún momento, nos hemos sentido absorbidos por una vida digital que nos aleja del presente y de los demás. Quise tender un puente entre la indiferencia y la solidaridad, recordándonos que somos parte de una misma realidad colectiva que debemos crear y proteger como seres humanos», comparte la artista.

La letra, cargada de imágenes potentes, describe con crudeza: «Hurgando en la basura de un mundo virtual, que se come la vida real a voluntad. Nos hemos olvidado de mirar, ausentes como zombies en la oscuridad». Más que una crítica, se trata de un llamado a la introspección y al reencuentro con uno mismo.

Musicalmente, ‘Espejo Digital’ combina matices del synth pop con la esencia indie y el sonido pop rock que caracteriza a Karen Rod. Su intención, sin embargo, va más allá de un estilo: busca crear una obra atemporal que resista a las modas y permita al oyente regresar a ella como a un refugio. «Cuidé cada detalle en la producción porque creo que la música es el vehículo esencial para llevar un mensaje transformador», explica.

Es un tema ideal para esos momentos en los que nos sentimos saturados por la superficialidad y necesitamos reconectar con un propósito auténtico. Fue escrita el 16 de diciembre de 2023, en medio del conflicto entre Rusia y Ucrania. «Sentí mucha impotencia no solo por la guerra, sino por la desconexión emocional que notaba a mi alrededor. Niños y adultos inmersos en sus pantallas mientras al otro lado del mundo, otros niños perdían la vida. Esa dualidad me conmovió y me generó mucha frustración al mismo tiempo», recuerda Karen, actualmente radicada en México.

El videoclip de ‘Espejo Digital’ narra la intrusión constante de la tecnología en nuestras rutinas y relaciones. «Decidí no ser la protagonista y permitir que cada persona se identifique con la historia a su manera conservando siempre el estilo minimalista que prevalece en todo lo que hago», cuenta Karen Rod.

‘Espejo Digital’ es, en esencia, un recordatorio para volver a mirar con atención y salir del ensimismamiento digital. La misión de la artista es reconectar a las personas nuevamente con una vida consciente.

Tras este lanzamiento, Karen Rod se prepara para presentar su tercer sencillo, ‘Viviendo de lo Efímero’, durante el segundo semestre del año explorando nuevamente temáticas profundas y universales. La cantautora trabaja en nuevas versiones de sus canciones para llegar a nuevos países y oyentes. Además, está concentrada en la composición y producción de su próximo álbum, previsto para 2026.

Mientras tanto, la artista continuará promoviendo su música en distintos espacios culturales y mercados musicales, fortaleciendo el vínculo con su audiencia en Latinoamérica.

Un disco que redefine su universo musical, así es ‘Algo nuevo’, de Antonio Montenegro

Después de publicar los sencillos ‘Perdón por no pedir perdón’, ‘Ojos azules’, ‘La hora maldita’ y ‘Un buen final’, el cantante y compositor chileno Antonio Montenegro presenta su nuevo disco ‘Algo nuevo’, continuación de su álbum debut ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’ que relataba en orden las fases del fin del amor en un concepto íntimo con cuarteto de cuerdas. En esta nueva entrega, el protagonista de esta historia sigue adelante, buscando su camino en la vida y nuevas formas de querer, con una nueva banda que le aporta mucha energía a las canciones que no van necesariamente en orden como en la entrega anterior.

«La inspiración para este nuevo trabajo viene de un camino personal y cómo mi corazón buscaba expresar lo vivido recientemente… Recordemos que mi álbum anterior habla de cómo cuando el amor se acaba estamos listos para resurgir de esas cenizas, en esa transformación personal que experimentamos buscamos algo nuevo. A esas personas va dirigida la música, a quienes están en ese proceso de cambio», cuenta el artista chileno.

‘Algo nuevo’ de Antonio Montenegro explora sonidos distintos a su trabajo anterior, pero conservando la esencia original de la cantautoría. La influencia directa de artistas como Tracy Chapman o Norah Jones fueron fundamentales para el sonido de este disco.

«Mi voz y guitarra siguen ahí sonando tan enérgica y llena de esperanza, solo que ahora me acompañan una batería, un piano, un bajo eléctrico y una corista, que son propios de un estilo más cercano al pop», agrega el músico.

El nuevo disco de Antonio Montenegro explora tranquilidad y madurez en ‘La vida que ahora vivo’, presenta una canción reflexiva de aceptar para avanzar en ‘Perdón por no pedir perdón’, una amorosa y reflexiva en ‘Claudita’. Presenta una sorpresa que suena ligera como una canción veraniega, pero con una letra profunda en ‘Alerta de Tsunami’; lanza un sencillo enérgico, rítmico, optimista y esperanzador en ‘Un buen final’; entrega un tema cantautoril e intenso, de emociones fuertes que buscan otra forma de vivir en ‘De otra forma’; nos enseña una canción lúdica, rítmica y divertida de escuchar para un problema común de vivir en ‘Ojos azules’. Finalmente, estrena una balada para quien no se rinde en ‘En el borde de una estrella’, nos llena de nostalgia y soledad de madrugada con un aire jazz en el piano en ‘La hora maldita’ y concluye el disco con una historia profunda con espíritu de bolero con ‘Algo nuevo’.

«‘Algo nuevo’ es perfecto para escuchar en un momento de la vida que uno busque un cambio, para vivir, para escuchar o para sentir. Es un álbum muy variado, dependiendo de la canción hay horas en que son más ideales para apreciar la música. Este álbum es ideal para oírlo si tienes el corazón abierto a ‘Algo nuevo'», enfatiza Antonio Montenegro.

El concepto de la portada del álbum es directo, es Antonio Montenegro caminando. El mensaje del disco es sobre eso, seguir avanzando porque así es como nacen las experiencias, se crean las historias y se descubre lo nuevo en la vida.

«A nivel de expectativas, como artista lo único que espero de mi música es que le llegue el mensaje a la gente, que le quede en la memoria, que disfruten las melodías una y otra vez. El impacto real es que la gente pueda compartir el mensaje que intento dar en cada canción. Me gustaría que escuchen el primer disco y se sienta ese crecimiento musical y vital en ‘Algo nuevo'», puntualiza.

El lanzamiento del disco viene acompañado con el sencillo en video ‘Un buen final’. Para entender la historia hay que ver primero los videos en su orden (1. ‘Perdón por no pedir perdón’, 2. ‘Ojos azules’, 3. ‘La hora maldita’), siendo claramente ‘Un buen final’ el gran final de esta historia.

El concepto y sus sonidos se desenvuelven sobre el amor de dos personas que desean estar juntas, pero cuando las cosas no resultan por tantos factores que puede darnos la vida, culmina en el tema ‘Un buen final’ que invita a que las cosas no queden en un amargo odio, que en todas las versiones que se imaginen o se recuerden de la historia siempre habrá algo bello para recordar en la memoria.

En 2025 después de 5 sencillos publicados, 4 videoclips, un nuevo disco de 10 canciones y un cortometraje musical con el mismo nombre del disco, Antonio Montenegro busca conectar con nuevas audiencias y extender el mensaje más allá de las fronteras de Chile, con shows por primera vez en Colombia y México.

«Es importante que las personas escuchen ‘Algo nuevo’ para que tengan la fe y la determinación de que mejores cosas hay para quienes la buscan con el corazón abierto», concluye el chileno.

Escucha ‘Algo nuevo’ de Antonio Montenegro en tu plataforma favorita https://music.imusician.pro/a/kVmtfDxE/

The Good Gorilla estrena ‘Ay Mi Guitarra’ ¡Mira el video!

En el cruce de caminos donde la tradición se encuentra con la innovación, surge una fusión musical que refleja la dualidad de la existencia humana.

‘Ay Mi Guitarra’, el nuevo sencillo de The Good Gorilla, es un himno que late con el ritmo de la tierra y la pasión del alma.

‘Ay mi guitarra’ fue producida por Mr. Jonás y David Kawooq en Capital Latino Music. La canción es el punto de encuentro entre la tradición y la innovación.

La fusión de la música llanera con el hip hop se convierte en un viaje musical que te lleva de las montañas al llano, y te hace reflexionar sobre la vida y su complejidad.

‘Ay mi Guitarra’ será parte del primer álbum de The Good Gorilla que verá la luz en el mes de mayo y tendrá 17 tracks. En ellos el artista explora el universo de sonidos y sentimientos de este proyecto lleno de colores y emociones.

«Ay mi guitarra, aquí te canta… Pensamientos que te encantan las cigarras, en la noche en la montaña me acompañan… Monte adentro tu recuerdo no me daña», cuenta The Good Gorilla.

Una canción que invita a creer en el amor, así es ‘Obsesión’ de Dabi Santy & Baby Lam

Dabi Santy es un productor musical, artista y empresario colombiano que ha hecho de la música su propósito de vida. Como persona, es un apasionado, visionario y comprometido con su crecimiento personal y el de quienes lo rodean. Como artista, es un creador auténtico, con una propuesta que mezcla lo emocional, lo profundo y lo innovador. La intención de su propuesta musical se basa en crear música maravillosa que inspire y empodere, con un mensaje claro que acompañe el desarrollo personal de las personas y demostrar que se puede construir una carrera desde la independencia.

«A través de mis canciones quiero enviar un mensaje de que «¡Sí se puede!» Mis canciones son reflejo de superación, emociones reales y del poder de la música para transformar. Quiero que las personas crean en sus sueños y los persigan», cuenta Dabi Santy, quien tiene influencias de artistas como Russ, Kanye West, Pharrell Williams y Jay Z, con un enfoque en el sonido urbano global, la producción creativa y letras con propósito.

Baby Lam, tanto en lo personal como en lo artístico, es una sola esencia. Se define como un ser humano leal, respetuoso, siempre atento y comprometido con cuidar a los suyos. Esos valores están presentes tanto en su vida como en su propuesta de música urbana. La intención con su proyecto es llevar su música a cada rincón del mundo, conectando con las personas desde la emoción y la autenticidad; deseando que su audiencia disfrute de sus canciones tanto como él disfruta crearlas.

«Con mis canciones quiero enviar mensajes de amor, motivación, superación y buena energía. Creo en el poder de la música para inspirar y acompañar», enfatiza Baby Lam, un artista con influencias de Rauw Alejandro, Arcángel y Tego Calderón, con un estilo que mezcla lo clásico del reguetón con lo fresco del sonido moderno.

‘Obsesión’ es el nuevo lanzamiento de Dabi Santy & Baby Lam, una canción que habla del deseo desbordado por alguien que nos atrapa. Una historia de atracción intensa, contada con honestidad y estilo. Habla de un amor profundo y persistente, de esos que no se olvidan fácilmente. Es un homenaje a quienes creen en el amor verdadero y están dispuestos a defenderlo.

‘Obsesión’ fusiona sonidos urbanos con elementos electrónicos, R&B moderno, atmósferas densas y beats actuales. También tiene bases de reguetón melódico, sintetizadores, guitarras suaves, y una producción emocionalmente envolvente.

«Es una canción perfecta para escuchar en momentos de deseo, emoción intensa, una cita especial o cuando necesitas sentirte vivo», comentan Dabi Santy & Baby Lam.

‘Obsesión’ es una pieza independiente que abre camino a lo que viene después para los artistas.

Para Dabi Santi, «con ‘Obsesión’ quiero consolidar mi carrera y dar a conocer a Baby Lam, esperando que las personas disfruten y se conecten con el tema». Por su parte, según Baby Lam: «Espero que las personas se conecten emocionalmente con la canción y que me abra puertas para llegar más lejos».

Escucha ‘Obsesión’ de Dabi Santy & Baby Lam en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/obsesion-baby-lam

El sueño inspirador que rompe fronteras, así es ‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos

Luego de presentar a nivel mundial los sencillos ‘Ayer morí’ y ‘Ondas de calor’, la banda de indie rock brasileña Atalhos presenta su nuevo lanzamiento ‘Delirios en Paraguay’.

Si en ‘Ayer morí’ y en ‘Ondas de Calor’ la temática era el fin de las relaciones, ahora en ‘Delirios en Paraguay’, Atalhos habla de los inicios de la pasión, el sueño inspirador de una historia que comienza. También habla de un nuevo viaje hacia un nuevo país donde ese amor nace y se instala.

La canción es la definición precisa de lo que significa el dreampop de Atalhos, tanto en la letra como en los elementos como la batería pujante como si fuera una recta de una autopista, las guitarras llenas de reverb, sintetizadores y teclados van formando nubes en la imaginación.

El video de ‘Delirios en Paraguay’ fue grabado en Asunción por el amigo de la banda y director Guille Guillén y contó con la participación de la actriz paraguaya Laura Martínez.

«Como la canción habla directamente de Paraguay y de Asunción, yo quise que la producción se diera en ese mismo país. Estuve en reuniones a la distancia con el equipo durante todo el mes que duró la planificación y preparación del rodaje. El budget fue super pequeño, todo muy independiente, pero con mucho amor y creo que el resultado final demuestra ese esfuerzo entre artistas indie latinos intentando hacer algo de valor artístico», cuenta Gabriel Soares.

‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos es una canción que va dirigida a todos aquellos que se arriesgan a expandir sus historias y su amor a través de territorios cada vez más amplios.

«Las rutas latinoamericanas siempre fueron inspiración para mis composiciones. Me gusta mucho manejar largas distancias y estuve un par de veces viajando con mi auto en Paraguay, y creo que la canción refuerza ese aspecto delirante e inspirador de estos viajes; el hecho de cruzar fronteras, estas líneas imaginarias que creamos para separarnos, pero que al final son nada más que eso, líneas imaginarias. Uno cuando se cruza a una frontera en auto se da cuenta de eso», agrega.

‘Delirios en Paraguay’ cuenta con la participación de la banda de indie paraguaya El Culto Casero.

Según Gabriel, «es una banda que soy muy fan, los conocí durante la pandemia y empecé a investigar más el indie latino. Desde entonces, me hice amigo de Franco Ocampo, el vocalista, ya los vi en vivo en Asunción un par de veces. Me encanta la música que hacen y también me inspiran sus canciones, así que en marzo de este año nos encontramos en New York porque tocamos en el Festival The New Colossus; allí le conté a Franco que íbamos a sacar un tema inspirado en Paraguay y él me dijo que quería participar. Apenas regresó de los Estados Unidos empezó a grabar las voces y así fue, feliz que eso se dio».

‘Delirios en Paraguay’ es el último single antes de lanzamiento del disco completo que se llamará ‘A Força das Coisas’. El álbum saldrá el 13 de junio y será el quinto disco en la carrera de Atalhos. Es un álbum inspirado en historias personales de amores, viajes, cuestiones existenciales y la forma autobiográfica de usar la propia vida para hacer arte, o sea, hacer de la propia existencia una obra de arte. Por eso, el titulo va inspirado en el libro autobiográfico del mismo nombre de Simone de Beauvoir; quien escribe una frase que inspiró bastante este disco del grupo: «es imposible hablar de la propia vida sin iluminar la vida de los otros».

El diseño de la portada es una foto que Gabriel sacó en un baño durante un show de El Culto Casero en Asunción un par de años atrás. Este acontecimiento refuerza toda la conexión y la historia detrás del tema.

«Esperamos seguir llevando nuestra música a fronteras más allá de Brasil, conectarnos con artistas y con el público latinoamericano, y reforzar el camino de hermandad que venimos trazando ya hace un tiempo con nuestros temas que mezclan el portugués y el castellano», concluye Atalhos.

Atalhos lanzará el álbum ‘A Força das Coisas’ el 13 de junio e iniciará una gira grande que comenzará en Brasil, pasando por algunos países latinoamericanos. Para febrero de 2026, el grupo tiene cerrada una gira de más de 20 shows en Europa cuyos detalles serán divulgados en el segundo semestre de este año.

Escucha ‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos en tu plataforma musical favorita https://orcd.co/deliriosenparaguay

ALEQ presenta ‘Máquina del tiempo’, una canción de desamor y arrepentimiento

El artista colombiano de música urbana ALEQ ha tenido un 2025 con grandes presentaciones en fiestas municipales en Cumaral, Paratebueno y el Festival de Verano de Villavicencio, Meta. En simultánea, el cantante y compositor llega con nueva música para todos sus seguidores presentando una nueva era y etapa de su proyecto musical.

‘Máquina del tiempo’ es lo nuevo de ALEQ, una canción para retroceder en el tiempo y evitar haber traicionado a una mujer que confió en el artista. Habla del desamor por una infidelidad y del arrepentimiento después de lo sucedido. A nivel musical, el sencillo explora sonoridades frescas y caribeñas; propias de géneros urbanos como el reggaetón.

«Quisiera que existiera una máquina del tiempo para viajar al pasado y haberme contenido de traicionar a una mujer que depositó toda su confianza en mí. Esta canción la compuse y la grabé hace tres años, hace parte de los proyectos empolvados que todos los artistas tenemos y que un día merecen ver la luz», cuenta ALEQ.

El video de ‘Máquina del tiempo’ es un visualizer que muestra a ALEQ caminando en un bulevar de las calles de Villavicencio, Meta, con una chaqueta muy preciada para él, una prenda que hace homenaje a la saga Back To The Future, acompañado con un efecto de cámara lenta para el ‘vibe’ de la canción, mientras llega a su lugar de residencia y usa el ascensor para hacer un inesperado viaje en el tiempo. El clip contó con la producción audiovisual de Juan Acosta.

«Es una canción para dedicar, una muestra íntegra de lo que esa persona significa en nuestras vidas, y que como seres humanos nos sentimos arrepentidos por los errores cometidos. Es nuestro boleto a la última esperanza de recibir un perdón y empezar un nuevo ciclo en compañía de nuestro verdadero amor», enfatiza el cantante colombiano. «Es perfecta para el momento en el que se quiera fantasear con volver al pasado y arreglar un error», menciona.

‘Máquina del tiempo’ es el sencillo número 11 de ALEQ y se espera que haga parte de una futura producción musical que reúna todas las canciones de su carrera artística.

«Con este lanzamiento quiero tener un gran impacto tanto en Colombia como en América Latina. Siempre acostumbro a hacer letras para edificar, pero confieso que me da un poco de temor no recibir la misma aceptación al no ser una letra más atrevida, sin embargo, tengo la fe y la esperanza de cautivar a esas personas que están arrepentidas por haber cometido una infidelidad», agrega.

La portada de ‘Máquina del tiempo’, realizada por el diseñador gráfico Josué Bedoya de Visual Frame, está inspirada en la saga ‘Back to the Future’. En la placa del carro insignia, el Delorean, se escribió el nombre de la canción junto con el nombre de ALEQ y el productor Gonzza Master.

Para los próximos meses, ALEQ y su equipo preparan nueva música y sorpresas para toda su fanaticada, incluida una canción para el verano a mitad de año.

Fotos: Mateo Riaño.

Sangi Jiménez presenta ‘Ya no quiero’

Sangi Jiménez es una cantante y compositora de música urbana nacida en República Dominicana que intenta reflejar sus vivencias en sus canciones como una especie de catarsis o desahogo. Es una artista que considera que su música puede ayudar a otras personas para que puedan hablar con ella los que no tienen voz o los que nadie quiere escuchar. La intención de su propuesta musical busca que las personas puedan disfrutar de su música, que la lleven a todos lados, que la bailen y que puedan identificarse con sus historias. Es una persona auténtica y sensible, pero fuerte; es capaz de levantarse sola a pesar de los duros golpes de la vida. Es una persona resiliente que trata de darle lo mejor a los que la rodean. Sabe ser comprensiva y mostrar compasión, pero también sabe cómo no dejarse pisotear y decir la verdad sin importar.

«Como cantautora quiero reflejar sentimientos reales, amor propio y vivencias naturales y orgánicas.  Quiero demostrar con mis letras que aún existen las cosas buenas, que hay buenos sentimientos, que lo que se hace se paga, que el amor existe, que no hay mal que por bien no venga y que quien no te valora es porque simplemente no te merece. Todos estos conceptos acompañados de una gran producción y calidad interpretativa y musical, demostrando que la música urbana puede tener altos estándares y a la vez transmitir buenos deseos», cuenta la artista con influencias de reggaetón suave, romántico, tradicional y del trap, y de artistas como Karol G, Cazzu, Take 6, Nicky Jam y Shakira.

‘Ya no quiero’ es el más reciente lanzamiento de Sangi Jiménez y la carta de presentación previa a la publicación de su nuevo EP ‘Pa’ ti’. Es un tema muy personal escrito en la soledad de la habitación de la artista dominicana como suele ser costumbre. Habla de sus vivencias, de un amor que fue hermoso al principio, pensando que era genuino, pero que se volvió tóxico y una completa pesadilla que dejó heridas fuertes. Aunque luego la persona que le hizo daño quiso regresar, ya era demasiado tarde; evocando la clásica frase «nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde».

«El mensaje que quiero enviar con esta canción es que es importante perdonar, pero eso no significa volver a cometer el mismo error de estar con alguien que en el pasado te hizo daño. ‘Ya no quiero’ es una canción perfecta para aquellas personas que ya han empezado a experimentar el amor de pareja, también para los y las que hayan pasado por muchas situaciones en su relación; y para los y las que ya tienen un buen tiempo buscando amar a alguien», agrega Sangi Jiménez.

‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez aborda temáticas de superación, fortaleza, amor propio, convicción y de nunca volver atrás. El sencillo explora sonoridades de reggaetón suave y romántico. Es un tema sencillo, pero contundente; con un sonido envolvente que provoca relajación y la sensación de estar flotando.

«Con este sencillo y con mi nuevo EP tengo grandes expectativas porque junto a mi equipo hemos trabajado mucho, hemos puesto el corazón y mucho esfuerzo en este proyecto. Deseo conquistar nuevas audiencias en Colombia, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa; impactando a personas que hayan pasado por una situación similar, pero que aún crean que el amor existe y que no es necesario aferrarse a alguien que nos hace daño. Mi música es para personas que también buscan la calidad musical y que sepan ser seguidores fieles», puntualiza la artista dominicana.

‘Ya no quiero’ es la canción número 2 del EP ‘Pa’ ti’ que se publicará el 5 de junio en todas las plataformas digitales a nivel mundial.

El diseño de la portada es una foto semi futurista con una pose de medio cuerpo con un fondo rojo imponente, dando a entender que no hay nada mejor que lo que nos depara el futuro. La fotografía busca reflejar un sentido de esperanza y fuerza.

«Considero que es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sangi Jiménez en Colombia y Latinoamérica porque tengo la fe intacta de que con mi talento, valores, amor propio y experiencia puedo aportar cosas buenas, historias únicas y una gran calidad musical a la industria musical del género urbano», concluye la artista.

Escucha ‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez en tu plataforma musical favorita https://lnk.to/AsV6Mbcl

La banda de rock colombiana Carrera Séptima presenta su EP ‘Crónicas Bogotanas’

El EP debut de la banda bogotana habla de transformación, identidad y la experiencia de habitar la ciudad.

Carrera Séptima es un proyecto musical colombiano que nace en Bogotá en 2022. Fue creado por Santiago Muñoz, Martín Valencia y Juan Esteban Barbosa, amigos que en la universidad confluyeron en su pasión por la música y el cine; particularmente, por los movimientos artísticos de los 60’s y 70’s (Psicodelia y contracultura).

La banda ha estado activa fusionando el rock clásico de los 70’s con su visión contemporánea, destacando el uso del idioma español para conectar de manera más profunda con su público y reflejar su identidad cultural, con la intención de brindar una propuesta distinta alrededor del rock hecho en Bogotá y en Colombia.

«A través de nuestras canciones y creaciones musicales queremos romantizar las historias, emociones y sensaciones alrededor de Bogotá», comenta el grupo con influencias del rock clásico, funk y blues con matices progresivos e indies.

Entre sus influencias se destacan artistas como Vox Dei, Pink Floyd, Jimi Hendrix, Luis Alberto Spinetta, The Doors, Led Zeppelin, Pappo’s Blues y Banda Nueva. Además, los inspiran los movimientos de música en vivo como el Festival de Ancón, Woodstock, Festival de la Vida y sus análogos contemporáneos como el Festival Cordillera, Rock al Parque y Festival Centro, entre otros.

‘Crónicas Bogotanas’ es el EP debut de Carrera Séptima, un trabajo que captura la esencia de la vía carrera séptima como eje narrativo y simbólico de Bogotá, mediante una construcción conceptual audiovisualmente. Habla de transformación, identidad y la experiencia de habitar la ciudad.

«‘Crónicas Bogotanas’ es una oda a nuestra ciudad y sus historias. Con cada canción buscamos que los oyentes se transporten a la memoria histórica de Bogotá, con tintes nostálgicos y de experiencias nuevas que nacen en la séptima», enfatiza la agrupación capitalina.

El EP explora múltiples sonoridades, desde pasajes introspectivos llenos de psicodelia y atmósferas, hasta ritmos movidos del funk-blues, culminando con riffs y solos característicos del rock.

A través de sus canciones, la banda explora distintas etapas de un recorrido por la ciudad:

‘Desdoblado’ es una canción experimental, sensual y llena de psicodelia que representa el punto de partida, un estado de incertidumbre y búsqueda.

‘En Trance’ tiene una sonoridad progresiva y con un espíritu de rock & roll, mientras que ‘Confusión’ es un tema Funky y groovy; las dos canciones marcan la transición entre el asombro y el caos urbano.

‘Septimazo’ es un tema frenético y pesado; además, cierra el ciclo del EP con la explosión de energía y movimiento característicos del centro de la capital. La banda bogotana Oh’laville realizó un cover de esta canción. https://www.instagram.com/p/DCXzLIns6f3/

Adicionalmente, su videoclip fue presentado en la Cinemateca de Bogotá en el panorama nacional de Bogotá Music Video Festival.

«Con este trabajo queremos exponer nuestras influencias con una propuesta introductoria, que presente un sonido propio y original. Pretendemos establecer una propuesta que va más allá de lo musical incorporando las artes visuales para tener la oportunidad de presentarnos en espacios relevantes de la escena local. También esperamos llegar a curadores de grandes festivales a nivel nacional e internacional de la escena musical y artística de Bogotá y LATAM», puntualiza la banda.

La portada de ‘Crónicas Bogotanas’ fue capturada por el realizador audiovisual Santiago Muñoz y funciona como un homenaje visual a ‘Physical Graffiti’ de Led Zeppelin, pero reinterpretado en el contexto bogotano. La imagen retrata la fachada de un edificio residencial en la carrera séptima, un punto de encuentro clave en la ciudad. En la composición, algunas ventanas están abiertas y otras cerradas, jugando con la idea de historias que coexisten en un mismo espacio. El título Crónicas aparece en la portada, mientras que Bogotanas se revela en la contraportada, reforzando el concepto de la séptima como un lugar donde múltiples narrativas se cruzan y conviven.

«Este EP es ideal para escuchar desde ir caminando por las calles de la ciudad, mirando a través de la ventana en el transporte público o mientras manejas. Es muy disfrutable para parchar con amigos, pareja o estar solo», enfatiza la banda.

Carrera Séptima y su EP ‘Crónicas bogotanas’ han tenido un recorrido en bares icónicos de la ciudad como Smoking Molly y Ace of Spades en el marco del Circuito Bogotano de Rock. Sin embargo, la banda planea continuar su gira por varios escenarios de la capital y espera llevar su propuesta a nuevas ciudades del país.

«Carrera Séptima es una banda que nace del espíritu vibrante de Bogotá, pero su esencia va más allá de una sola ciudad: nuestra música es un reflejo de las calles, historias y emociones que resuenan en toda Latinoamérica. Nos inspiramos en el rock clásico, pero lo reinterpretamos desde nuestra identidad, fusionando sonidos que han marcado generaciones con una mirada fresca y contemporánea. En un continente donde la música siempre ha sido una forma de resistencia, expresión y comunidad, creemos que el rock en español sigue teniendo un espacio vital. Nuestra propuesta busca conectar con quienes encuentran en la música un lugar de pertenencia, una banda sonora para sus propias crónicas urbanas. Descubrir a Carrera Séptima es redescubrir el rock hecho en nuestra región: con identidad, con narrativa y con la energía de quienes creemos en la fuerza de la música en vivo», concluye la agrupación bogotana.

Una canción para cerrar ciclos, así es ‘Lunas’, lo nuevo de New Jaim

New Jaim es una banda colombiana de rock alternativo de origen boyacense (Tunja y Sogamoso) que desde 2018 se destaca por su capacidad de fusionar diversos géneros musicales como el hard rock, el funk y el indie rock, con toques electrónicos y pop creando un sonido único y distintivo. Actualmente, el grupo está integrado por Ferg González en la voz y la guitarra, Nicolás González en el bajo, Gonzalo Ramírez en la guitarra y Santiago Espitia en la batería.

La intención de su propuesta musical es establecer un vínculo emocional con sus seguidores a través de letras significativas y actuaciones enérgicas en vivo. Por medio de sus letras, la banda busca encontrar satisfacción y alegría en la creación y ejecución de su música, compartiendo su pasión y sonido con los demás.

«Nosotros transmitimos diversos mensajes a través de nuestras canciones. Las letras a menudo exploran temas como la introspección, la resiliencia, el amor y el desamor y la búsqueda de identidad. Algunas canciones se destacan por su enfoque en la auto reflexión, el crecimiento personal y los desafíos de la vida; mientras que otras combinan la poesía con referentes como Antonio Machado o Jorge Luis Borges», comenta el grupo con influencias de bandas como Radiohead, Incubus, Kings of Leon y Foster the People.

‘Lunas’ es lo nuevo de New Jaim, una canción que nace a partir de un poema del escritor Jorge Luis Borges, titulado ‘1964’, en el que bien pareciera profetizar la frase de Gustavo Cerati «Poder decir adiós es crecer», hablando de cerrar ciclos, en su tono místico y profundo, comparando espejos co-retrovisores que ya no quería más para su vida, y mientras la banda leyó el poema, supo que era una temática de esas que grita alto y fuerte y que merece ser canción y ser cantada.

‘Lunas’ explora una mezcla de sonidos retro y modernos. La canción tiene influencias del pop de los 80’s con indie rock moderno, combinadas con un toque de sonidos espaciales y futuristas, inspirado en los sonidos del rock europeo y las atmosferas de los sintetizadores con guitarras funk.

«La canción habla de recuperarse a uno mismo, de salvar lo que le queda a cada persona después de salir del desamor, después del desastre, juntar las piezas y decir: «no vuelvo ahí y deseo volver a amarme como debí hacerlo antes». Habla de retomar el sabor a la vida después del desamor», enfatiza la agrupación.

‘Lunas’ aborda todas las temáticas que se han conectado con el discurso New Jaim desde su creación como la resiliencia, el amor por las pequeñas cosas, el rescate de sí mismo y el dejar atrás el caos emocional que puede causar cualquier ruptura en cualquier área y con cualquier persona.

El video de la canción cuenta la historia de una chica (Andrea Fernández) en un karaoke, a la par de escenas de su vida cotidiana donde procura vivir su día a día de manera normal después de haber sufrido una experiencia emocional fuerte (el fin de una relación).

La protagonista pasa por todos los procesos hasta llegar a la aceptación y cada día que se va recuperando disfruta del tiempo consigo misma y recapacita lo que fue, estando en diversos lugares y concluyendo en un pub cantando con el karaoke de ‘Lunas’ para cerrar ese capítulo turbulento de su vida y así liberándose y dando fin a ese proceso doloroso.

Según New Jaim: «Es una canción para escuchar cuando las cosas van mal y uno tiene que decirse al yo interior lo importante que es. También cuando se está comenzando a sanar y se empieza a saborear la vida, los colores, como antes no se estaba haciendo. En fin, cuando las cosas se pongan difíciles, ‘Lunas’ es un recordatorio de no mirar atrás y saber ponerse las curas que el alma necesite».

El videoclip de ‘Lunas’ se desarrolló junto a la agencia audiovisual boyacense Cordillera Lab y fue dirigido por Daniel Ortiz.

«Esperamos que la gente se conecte con la canción y reaccione de manera positiva, ya que ‘Lunas’ es el cierre de nuestro LP ‘Mi poder’. Queremos que las personas se animen a escuchar los demás temas del álbum», enfatizan los integrantes de New Jaim.

El disco de ‘Mi poder’ de New Jaim es una invitación a que ante las adversidades cotidianas que involucran los sueños, sentimientos, emociones y planes; existe la capacidad para superar las adversidades y la clave está en ser conscientes del poder interno de cada persona para salir adelante. De ahí el título del álbum y el tigre como animal que representa el ideal de la banda por su capacidad de sobrevivir a los riesgos y lo inhóspito que puede ser la sabana.

El diseño de la portada de ‘Lunas’ es el mismo del disco al que pertenece la canción. Tiene un diseño minimalista y como protagonista al tigre que refleja la fortaleza en medio de la adversidad. Al alrededor cuenta con elementos que representan cada una de las canciones del álbum.

Este 2025 New Jaim estará concentrado en promocionar su disco ‘Mi poder’ a través de conciertos en diferentes ciudades del país con una gira por Bogotá, Cundinamarca, Boyacá, el Eje Cafetero, Medellín y la Costa Atlántica, además, presentará una sesión en vivo en colaboración con otros artistas de la escena del rock colombiano que pronto serán anunciados.

«Creemos que New Jaim aporta una perspectiva única al panorama musical latinoamericano con su estilo de rock alternativo y la mezcla de sus sonidos, enriqueciendo la oferta cultural. El apoyo a bandas como la nuestra contribuye al fomento del talento y la creatividad dentro de la comunidad musical. Queremos que nuestra música resuene con las experiencias y emociones de los oyentes, creando una conexión especial y que escuchen nuestro discurso enfocado en la resiliencia y el amor propio. Finalmente, queremos aportar frescura y originalidad a la escena musical, lo que es esencial para mantener viva y dinámica la industria del rock latino y colombiano», concluye el grupo.

NEO explora sensaciones, conflictos, dudas y reflexiones en su EP ‘Neo Retro’

Es un trabajo para escuchar en cualquier momento, especialmente en días de introspección y reflexión, cuando se buscan respuestas o se quiere conectar con emociones profundas.

La banda de rock colombiana NEO inicia el año con nueva música y presenta su EP debut ‘Neo Retro’, un trabajo que reúne los primeros sencillos del grupo junto a una canción inédita, ‘Autómata’.

Esta producción del proyecto conformado por Sebastián Pinto (bajo), Javier Flórez (guitarra), Leo Blanco (batería), Sara Rivera (voz) y Mario Alejandro Bustos (guitarra) representa la identidad sonora y conceptual de la banda en su primera etapa. Las canciones abordan temáticas que van desde lo personal e introspectivo hasta una visión crítica de la realidad, sin adoptar posturas políticas. Exploran sensaciones, conflictos, dudas y reflexiones tanto a nivel individual como en relación con el entorno.

«El EP está inspirado en experiencias y cuestionamientos universales que pueden resonar en cualquier persona con inquietudes similares. Aunque su música puede conectar con un público amplio, el enfoque principal está en oyentes a partir de los 18 años, incluyendo adultos contemporáneos que se identifican con la propuesta sonora y lírica de la banda», cuenta NEO.

En ‘Neo Retro’ la banda explora un sonido que fusiona el rock clásico de los años 70 con influencias del indie y el sonido alternativo de los 90. La composición se acerca más a un rock de estructura clásica, donde se da protagonismo a los instrumentos, con solos de guitarra y líneas de bajo bien definidas. Cada integrante tiene un papel fundamental en la música, no solo como acompañantes de la voz, sino como parte de un todo que construye el mensaje sonoro.

En su EP debut, NEO le canta al inconformismo y a los cuestionamientos en ‘Autómata’, a la nostalgia y la evocación de los recuerdos, incluso de aquellos no vividos en ‘Neo Retro’, a la obsesión y la repetición de los pensamientos en ‘Tú’, a la necesidad de libertad y expresión en ‘Luces’.

«No pretendemos dar una explicación total del EP, a la final cada uno interpreta las canciones de manera personal y única», enfatiza la agrupación bogotana.

El objetivo principal del EP para NEO es consolidar la identidad sonora de la banda y conectar con nuevos oyentes. Es una carta de presentación para ampliar su audiencia y tener una mayor presencia en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica.

El diseño de la portada de ‘Neo Retro’ gira en torno a la estética vintage, alineándose con el concepto sonoro de la banda. Se inspira en elementos como televisores antiguos y reproductores de cintas, objetos que evocan la idea de rebobinar y revivir momentos una y otra vez. La imagen refuerza el concepto de lo análogo y la memoria, elementos clave en la identidad visual de NEO.

El EP está acompañado del sencillo ‘Tú’, una canción íntima y personal que, en términos sonoros, mantiene la esencia del rock alternativo con una atmósfera envolvente y melancólica. Para el video, la banda decidió dejar la interpretación abierta al público. Se hizo una convocatoria en la que seguidores escucharon la canción y grabaron pequeños clips representando lo que significaba para ellos. El resultado fue un collage de imágenes con una estética vintage, evocando la nostalgia y lo personal, reforzando el concepto de la canción.

Actualmente, la banda está realizando una serie de presentaciones en festivales y bares, algunas en formato acústico (Solo Neo) y su nuevo EP servirá como una pieza central en distintas actividades musicales del grupo, incluyendo montajes sinfónicos y eventos académicos.

«Nosotros ya tenemos un álbum grabado y planeamos lanzar varios sencillos a lo largo del año. La idea es que, tras una serie de lanzamientos progresivos, realicemos la presentación oficial del álbum completo a finales de 2025 o inicios de 2026. Con este material, expandiremos nuestra propuesta sonora, explorando nuevas posibilidades en composición, arreglos y mensaje», concluye NEO.

Escucha ‘Neo Retro’ de NEO en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/neo_retro