El 2024 ha sido un año significativo para Falquez, sobre todo con el lanzamiento de su disco debut ‘Known Behaviors’. Este proceso comenzó en 2023 con el sencillo ‘Sometimes’, marcando la dirección emocional y sonora que continuaría en el álbum que se lanzó en su totalidad en mayo. Este trabajo es una colección completa que explora temas introspectivos y profundos a lo largo de cada canción, cada una de ellas complementada con su respectivo videoclip para fortalecer la narrativa visual y conceptual que define al músico colombo-estadounidense.
Para cerrar el año, Falquez presenta a toda la audiencia de Colombia y América Latina su nuevo lanzamiento ‘Broken Castle’, una balada de rock alternativo que explora un viaje emocional a través de una relación rota. La letra revela una lucha personal y de pareja, mientras ambos personajes buscan encontrarse, pero terminan perdiéndose en el proceso. La canción se basa en la sensación de un «castillo roto», una metáfora de una estructura alguna vez sólida que ahora yace en ruinas, simbolizando el desgaste y la fragilidad en la relación.
«‘Broken Castle’ está inspirada en la introspección y en los desafíos de enfrentarse a la realidad de una relación deteriorada. Explora el proceso de aceptación y el cierre que llega al reconocer el daño, incluso cuando se ha luchado por mantener algo que finalmente se pierde», comenta Falquez.
A nivel sonoro, la canción combina elementos de rock alternativo y ambient, generando una atmósfera melancólica que refuerza los sentimientos de nostalgia y cierre. Es una mezcla de guitarras profundas y sintetizadores suaves, diseñados para llevar al oyente en un viaje emocional.
El tema toca temas de nostalgia, dolor, pérdida y aceptación. Refleja el proceso de búsqueda de uno mismo a través del fracaso de una relación y cómo esto puede llevar a un nuevo entendimiento de quién eres en realidad.
«La canción está dirigida a cualquiera que haya experimentado la pérdida o el final de una relación significativa y que busque reflexionar sobre ese dolor desde una perspectiva de crecimiento y autoaceptación», agrega Falquez.
El video de la canción es una historia en cuatro partes, donde se sigue la narrativa de una relación en conflicto. Los personajes se buscan mutuamente, tratando de revivir lo que alguna vez tuvieron, pero eventualmente se pierden. Las escenas de aislamiento y encuentro simbólico enfatizan el sentimiento de pérdida, mientras que el viaje físico de los personajes hacia el mar representa el proceso de aceptación.
«Espero que la canción toque profundamente a los oyentes y les permita encontrar un espacio de reflexión en sus propias experiencias personales. ‘Broken Castle’ está destinada a resonar con aquellos que buscan sanar a través de la música», enfatiza.
Para Falquez «el mensaje central de la canción es que a veces, la ruptura y el dolor pueden guiarnos hacia la autoaceptación y el crecimiento personal. A pesar de las dificultades y el fin de algo querido, siempre hay una oportunidad para encontrar paz y claridad».
La portada de ‘Broken Castle’ muestra a uno de los personajes caminando hacia el mar, capturando visualmente el momento de búsqueda y cierre que define la canción. Este escenario representa la liberación y el desapego final, simbolizando tanto el dolor como la calma de dejar algo ir.
‘Broken Castle’ no estará incluida en un álbum o EP, Falquez decidió lanzarla como sencillo para darle el espacio especial que merece. Aunque fue creada durante el proceso de grabación de ‘Known Behaviors’, el músico sintió que esta canción, por su intensidad y tema, debía presentarse de forma independiente para resonar con los oyentes de manera única. De hecho, es una canción significativa para Falquez ya que fue la primera canción en la que grabó voces, marcando un momento de evolución creativa en su carrera.
Fantasía del Moribundo es un proyecto musical de loose rock, bautizado para el género que interpreta la banda colombiana, pues fue la mejor forma de encasillar el sonido mezclado, variado, fresco y novedoso de la agrupación. El proyecto surgió en Bogotá, y se ha ido transformando y evolucionando de manera oficial desde 2023. FM representa la dualidad y el contraste entre belleza y miseria, y vida y muerte; simboliza un profundo deseo por vivir a pesar de estar a un paso de morir. Es un nombre que invita a reflexionar y fonéticamente tiene un impacto dramático. La intención de su propuesta es generar impacto, sensación, reflexión y emoción; dándole un valor y voz a sus ideas.
«Queremos tener la oportunidad tan desperdiciada por gente pendeja con influencia social y medios económicos, para aprovecharla y aportar algo al mundo. Nuestras canciones buscan hacer sentir, cada canción tiene inspiraciones diferentes, actualmente son temas centrados en emociones, expresiones y catarsis que se organizan para llevar una narrativa emocional. Más adelante vendrán temas con narrativas más complejas y enlazadas más a nivel narrativo literario», cuenta el grupo bogotano de rock, bambuco, música electrónica, metal, emo, bossa nova, samba, jazz, blues y salsa, en artistas como Soda Stereo, Gustavo Cerati, Muse, Juanes, Led Zeppelin, Fito Páez, Charly García, Metallica, Skrillex, Foo Fighters, Nirvana, Royal Blood, My Chemical Romance y deadmau5.
‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ es el nuevo trabajo de Fantasía del Moribundo. Es un mini compilado que refleja un fragmento de la esencia del grupo, contiene 6 temas del primer álbum de la banda, titulado ‘Catarsis’. En esta producción se exploran temas rockeros, con el toque y sonoridad característica de FM.
«Queríamos que se sintiera el contraste en cuanto a todo lo que tocamos, por eso hay temas con secciones muy pesadas como ‘Pelea en vano’, y temas contrastantes como ‘Ciclo perfecto’ con influencia jazz y soul, y ‘La fantasía del moribundo’, una balada piano rock progresiva con secciones hechas en clave de son», agrega la banda.
‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ de Fantasía del Moribundo explora elementos fluidos y melancólicos en ‘Tu desnudez’, expresiones rockeras en ‘Tú lo sabes’, sonidos explosivos en ‘Rumbo explosión’, momentos violentos y enérgicos en ‘Pelea en vano’, temas emotivos y cambiantes en ‘La fantasía del moribundo’ y sonoridades apacibles y emotivos en ‘Ciclo perfecto’.
Para FM «La idea del EP es que cada quien lo signifique con sus propias experiencias y que nuestra música acompañe con intensidad y particularidad. Aunque, es dentro de todo, música con una carga emocional pesada, somos una banda para la noche con un dramatismo elegante. Es más sencillo reconocerse en este EP cuando se está deprimido, entusado o muy perdido en la vida».
‘Tu desnudez’ es el sencillo que acompaña el EP, un tema con una carga emocional melancólica que habla sobre el resultado de haber amado con deseo e intensidad. Es una canción de desamor. En la letra se retrata el hecho de perderse en otra persona, de arder intensamente y luego solo ser cenizas. Estos temas de FM guiados hacia lo emocional, están escritos con una intención poética. A nivel musical, toma inspiración de Gustavo Cerati, pero luego se adhieren elementos diversos, por eso la guitarra y el riff principal tiene influencia funk al estilo Cerati. Al final, la potencia y la rabia hacen la canción más oscura y pesada.
«Queremos darnos a conocer con este EP en Colombia y Latinoamérica y poder generar una red de contactos muy bien ubicados en la industria musical. Esperamos conquistar nuevas audiencias, armar nichos y comunidades para nuestra propuesta que, no sé si por suerte o por desgracia, no tiene un público específico aún», enfatiza la banda.
Fantasía del Moribundo planea para 2025 lanzar su álbum debut ‘Catarsis’ que tendrá un alto contenido emocional. A nivel de shows, el grupo se presentará el viernes 15 de noviembre en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el viernes 22 de noviembre en el Open Mic de la EMMAT y el jueves 19 de diciembre en Casa Usaquén.
«FM es un proyecto que, además de sonar bien y presentar un show original, tiene pretensiones e ideales valiosos y objetivamente positivos. Si le dan la oportunidad a la banda, a corto plazo van a disfrutar de muy buena música, un gran ambiente e increíble puesta en escena, y a mediano y largo plazo podrán ver un mensaje crítico y reflexivo acerca de la visión de la existencia. Si nos dan los espacios podremos exponer una manera muy diferente de ver el mundo y de ayudar a muchas personas», concluye Fantasía del Moribundo.
2024 ha sido un año increíble para el crecimiento del artista colombiano Santiago Giraldo Arboleda y su proyecto Enla Arboleda. A pesar de haber migrado a Londres y de enfrentarse con muchas barreras que hace unos años no existían, este proyecto sigue adelante y hoy celebra el lanzamiento de un EP en un nuevo idioma y en un país lejano al suyo. Durante este año, el músico paisa lanzó 4 sencillos, dos de ellos con videoclip, además; conformó el formato de banda para tocar en vivo, un trabajo retador al igual que conseguir conciertos en la capital inglesa.
‘Other Ways To Find Yourself’ es lo nuevo de Enla Arboleda, un EP refleja muchos de los momentos más importantes de su proceso de migración. El título traduce ‘Otras formas de encontrarte a ti mismo’ porque de eso se ha tratado escribir estas canciones. Ha sido una búsqueda por darle sentido a un montón de cosas que parecían ridículas en su momento y que le hacían sentir al artista que la vida lo estaba poniendo al límite extremo. Cada una de las canciones tiene ese elemento de «hasta aquí llegué, no puedo más con esto», por eso, este trabajo tiene una gran carga existencialista.
‘Other Ways To Find Yourself’ es una producción inspirada en la soledad, el silencio y la duda. Va dirigido a las personas curiosas, a quienes tal vez buscan significado en todo lo que hacen o en cada cosa que compran, que sienten pasión por algo o que se están cuestionando qué hacer con su vida. Tal vez estas canciones resuenen en alguna parte del cuerpo o de su memoria.
«Estas canciones las escribí en absoluta soledad, sin saber qué iba a pasar con este proyecto ni con mi vida. Fue una oportunidad para hacerme preguntas sobre las razones por las que quiero lo que quiero, por las que hago música, y por las que decidí dejarlo todo para estar finalmente conmigo mismo. Es interesante porque, estando lejos de la familia, que amo y extraño, de mis amigos y de todo lo que pensaba que era mi vida, me siento más cerca de mí», cuenta el artista de la ciudad de Medellín.
Las canciones que conforman el EP son bastante eclécticas porque mezclan elementos de jazz con influencias de la música electrónica. Tal vez uno de los cambios más drásticos fue haber puesto la guitarra en un segundo plano de manera deliberada, algo que resultó bastante inspirador porque obligó a Enla Arboleda a encontrar nuevas formas de comunicación a través de otros elementos.
«Decidí utilizar mi voz para crear más ambientes y loops, así como sintetizadores que a veces suenan bastante crudos. Son cosas que nunca había explorado de manera tan consciente, y creo que hay un terreno bastante interesante por delante», cuenta el músico.
Según Enla Arboleda «mi meta principal es conseguir más conciertos en Londres y lograr que nuevos seguidores se interesen en el proyecto. Con este lanzamiento decidí implementar un sistema de suscripción a un newsletter, lo que me permitirá tener conversaciones más cercanas con los fans. Si alguien está leyendo esto y siente curiosidad, al suscribirse recibirá un pequeño regalo».
Los dos videos que forman parte de este EP se lanzaron hace unos meses. El primero es con una bailarina que recorre la ciudad en reversa, haciendo alusión al título de la canción ‘Rewire Rewrite’ que traduce ‘Recablear, reescribir’ y que hace referencia directa al título del EP, sobre reencontrarse consigo mismo.
El segundo video es de la canción ‘When The Light Goes Out’ en el que Enla Arboleda aparece cantando en varios lugares icónicos de Londres, espacios que forman parte de su nueva cotidianidad y que enmarcan el contexto de este EP.
«Hay muchos mensajes en estas cinco canciones que le dan vida a ‘Other Ways To Find Yourself’; algunos tienen tintes coloridos y otros grises. En general, siempre trato de hacer un llamado a explorar las emociones y a vivir una vida más libre. Tal vez, para darle un toque más inspirador, mi mensaje es sobre irse de todo aquello a lo que uno ya no pertenece y que le hace daño», enfatiza.
La portada del EP fue diseñada por Enla Arboleda, pintada de forma manual, y significa la representación del caos y la libertad. El caos de mil cosas pasando a la vez, y la libertad del artista de no preocuparse por hacer una portada perfecta, sino algo que le generara alguna emoción y lo hiciera sentir auténtico y conectado consigo mismo.
«Tengo algunos conciertos programados en Londres, así como un par de grabaciones de canciones que no verán la luz hasta finales de 2025 o principios de 2026. Las canciones del primer trimestre de 2025 ya están listas y esperando su lanzamiento. Además, espero explorar colaboraciones para enriquecer el sonido del proyecto y continuar creciendo mi audiencia», concluye Enla Arboleda.
Kowloon es un artista estadounidense, de Los Ángeles, que ha lanzado un flujo constante de música en los últimos seis meses: 5 sencillos en este período, abarcando diferentes estilos y géneros. Escribió, grabó, produjo y tocó todas las partes. Durante el mismo tiempo, también produjo y coescribió para un artista de americana Luke Rathborne de Nueva York que aún no ha sido publicado. Su música ha tenido más de 50 millones de streams en Spotify y YouTube. Su música ha sido reproducida frecuentemente en la estación de radio de Los Ángeles KCRW, y también ha sido incluido en playlists grandes y editoriales de indie en Spotify.
Tras el lanzamiento de ‘Black & Blues’, Louie Rubio empacó su Stratocaster y pedalboard para una temporada de viajes internacionales, conectando con artistas de todo el mundo. Recientemente, ha pasado tiempo en reconocidos estudios de música en Francia, Londres y Nueva York (con el destacado talento de Shirazee). Este viaje lo ha llevado a explorar géneros diversos como el indie pop francés, rap del Reino Unido, latino, afrobeats y más. Un aspecto clave de este período ha sido su emocionante colaboración con el artista indie Kowloon en Los Ángeles titulada ‘Your Name’.
La génesis de ‘Your Name’ surgió durante una sesión de escritura/jam entre Kowloon y Louie Rubio. Mientras trabajaban en otra pista completamente distinta, Louie comenzó a tocar la línea de guitarra que es el corazón de la canción, y de inmediato Kowloon se inspiró para escribir la parte vocal.
«La canción surgió puramente por la alquimia de la colaboración. No podría existir si no hubiéramos compartido la habitación en ese momento, tocando instintivamente el uno con el otro. La canción surgió muy rápido e intuitivamente», mencionan los artistas.
‘Your Name’ es una narrativa cinematográfica, una historia de amor ambientada en un futuro postapocalíptico (¿o presente alternativo?) influenciada por los acontecimientos actuales del mundo.
Musicalmente, la canción toma influencias de los clásicos indie de principios de los 90 como ‘Odelay’ de Beck, así como de fuentes más antiguas como los Rolling Stones y actos de rock sureño como los Allman Brothers.
«‘Your Name’ está dirigida a todos los fans de la música nostálgica inspirada en los años 90 y 60. La canción aborda temáticas como la nostalgia, los romances condenados, la ansiedad por el futuro y el espíritu humano floreciendo a pesar de todas las adversidades», cuenta Louie Rubio y Kowloon. «Producción casera estilo años 90, baterías crujientes y trazas épicas sacadas de la era ‘Let It Bleed’ de los Rolling Stones», agrega
La nostálgica portada de ‘Your Name’ está pensada para evocar una diapositiva de Kodachrome, tal vez una fotografía de la familia de los personajes que nunca fue, pero que pudo haber sido.
«Esperamos atraer tanto a los fans actuales como conquistar a nuevos oyentes. Queremos hacer música que impacte la vida de las personas y se convierta en parte integral de la identidad diaria y nocturna de los oyentes», puntualizan Kowloon y Louie Rubio.
‘Your Name’ estará incluida en el próximo LP de Kowloon, tentativamente previsto para enero de 2025.
Louie Rubio tiene otro lanzamiento planeado antes de fin de año y continuará sus viajes colaborativos con artistas de diferentes géneros con el firme objetivo de seguir cultivando su exploración de diferentes sonidos.
Por su parte, Kowloon tiene dos sencillos más tras ‘YourName’: un tema polvoriento y melancólico titulado ‘Shadow’y una pista de ritmo acelerado inspirada en New Orderllamada ‘Heart Begins With You’. Además, prepara un video musical animado para el sencillo ‘Coastin’ que fue dirigido por el mismo cineasta detrás del aclamado video musical ‘Wake Up’ de Kowloon.
Dimas y Los Pexes o simplemente Los Pexes es una agrupación colombiana conformada por cinco músicos profesionales que se conocieron estudiando en la universidad. El proyecto surgió a finales de 2021 cuando Willie Vargas decidió, con firmeza, emprender todo lo pertinente para consolidar una banda indie (y todo lo que esto implica). Hacen música propia, pero también trabajan haciendo covers de rock. Durante su carrera, han publicado cinco sencillos, cuatro sesiones en vivo y un videoclip animado, además de hacer múltiples presentaciones en grandes venues de Bogotá.
Quienes escuchan a Dimas y Los Pexes dicen que no suenan parecido a casi nadie, marcando una intención que parece olvidada por estos tiempos: ser auténticos. La intención de su propuesta es rock con vertientes indie llevando casi todo su proceso de producción (pre-producción, captación de audio, edición, mezcla, y master) de forma autogestionada, logrando uno de sus objetivos: lograr autonomía musical con canciones que evocan la resiliencia, el amor y desamor, la cotidianidad, lo apolíneo y lo dionisiaco y en sí, el derrotero de la esperanza o de algo que puede llegar a ser, inclusive, como lo postula Coltrane, espiritual.
«A través de nuestras canciones queremos enviar mensajes de amor y esperanza. Asimismo, la amalgama de un mensaje que evoque una atmósfera de virtud, pero también un ambiente de lo festivo. Un poco de despecho, pertinente en la música popular. Diversión, también. Queremos que las canciones sean recordables, que no rayen por lo complejo, sino que cale directo en un público objetivo no experto», comenta la banda con influencias del indie-rock e indie-pop en general, rock en español, funk, indie Iberoamericano, post-punk, rock clásico e indie nacional en artistas como Foals, Motorama, The Whitest Boy Alive, Soda Stereo, El Mató a un Policía Motorizado, Arctic Monkeys y hasta Pastor López y las músicas tropicales o populares.
‘Delirio y resiliencia’ es el disco debut Dimas y Los Pexes, un trabajo que de entrada usa dos sustantivos que contrastan y eso precisamente evoca: la dualidad o lo binario, lo angelical y demoníaco, la luz y oscuridad, lo apolíneo y dionisiaco o, en síntesis, la naturaleza humana.
El disco explora principalmente sonidos no programados, todo hecho como lo harían The Strokes, algo sencillo, limpio, tangible. Casi todo lo que suena en estudio se puede hacer en vivo. Hay una que otra técnica compleja en la suma de bajo y batería, ya que Héctor (bajista) viene de la escuela del metal con su popular banda nacional Darkness y Juan Manuel (baterista), por su parte, gusta de las complejidades rítmicas a pesar que casi todo el álbum está en métrica de 4/4. No obstante, desde las guitarras, que son interpretadas por dos cantantes de profesión, hay algo que tiende más bien a lo Nirvanesco o a la propuesta estética del género grunge que creó Kurt Cobain, algo rayano en reírse de lo virtuoso y quizá más bien esmerado en crear contundencia y lo inteligible. Las cerezas del pastel son los sonidos de dos sintetizadores, factor que da el distintivo sobre la banda de rock usual y el hecho que todos los cinco cantan, a veces en polifonía, elemento que los acerca de manera relativa a una súper banda de indie-pop/funk como lo es Parcels.
«Con este disco queremos enviar un mensaje recordable, no complejo, que se expanda, positivo, que transite todas las emociones posibles, pero que deje un hálito de esperanza y amor», agregan.
El trabajo explora la naturaleza humana en canciones como ‘Como un ángel’ (apolíneo), un tema que le canta a la soledad (que muchos sintieron en pandemia), pero también a la resiliencia de un gran cambio que parte desde la individualidad, para así aportar a la sociedad. Por su parte, ‘Todos estamos locos’ (dionisiaco) aborda el delirio que muchos sintieron en pandemia o después, y el paliativo que es saber que todos tenemos algo de locura y que, a partir de esa premisa, podemos soltar el control de todo (budismo) y bailar tranquilos al ritmo de las olas del mar de Bogotá.
‘Delirio y resiliencia’, como parte del concepto, utiliza también un «caballito de guerra», que es hacerle canciones al despecho, como ‘Gritando tu nombre’, la historia de una traición marcada por la mentira y ‘Esa voz’, una lamentable asíntota, el anuncio de un amor que nunca será. Asimismo, como concepto, busca «lo divertido» con un par de canciones de amor cómico en los tracks 3 y 4, temas que hablan de vender un PlayStation por amor (tema que ha calado muy bien entre el público de preámbulo) y otra dualidad: una rara pareja formada por un tipo pacato y una mujer farrera. Al final, en el último track, llamado El Pez, se buscó amalgamar un sonido indie-pop, evocando también cierta influencia de la descarga del Hillsong, propio de los ámbitos protestantes. En este tema, Willie buscó hacer una canción llena de simbolismo o ambigüedad dedicada a Jesús Nazareno.
‘Delirio y resiliencia’ de Dimas y Los Pexes presenta canciones complejas y largas que hablan de tusas como ‘Gritando tu nombre’, historias dramáticas en ‘Esa voz’; momentos cómicos, dramáticos y postmodernos en ‘YPTVMPS’, temas divertidos y con voltaje en ‘450 voltios’,sonidos fuertes, enérgicos y resilientes en ‘Como un ángel’, le canta a la fiesta y al baile en ‘Todos estamos locos’ y cierra con una historia amorosa, linda y serena en ‘El pez’.
‘Como un ángel’ es el focus track del disco. Compuesta por Willie Vargas Lozano, fundador de la banda, producido y grabado por Dimas y Los Pexes, Santiago García y Sebastián Abril en Groove Studios y Dimas Records, es un canto a la resiliencia, basada en el individuo que entra, trasciende y sale de la pandemia y el paro nacional como aquella persona que sale de la tormenta: más fuerte, distinto. La canción explora, desde la espacialidad y las reverberaciones, propias del post-punk, un viaje introspectivo, que cuestiona asuntos como la soledad benigna, el sentido y el renacer de un sobreviviente, quizá protegido por una fuerza superior.
Respecto a esta canción, su compositor Willie declara que: «esta es la canción, hasta ahora producida, que más me ha enorgullecido. Siento que mi sueño artístico, de la mano de mis increíbles músicos y amigos, cada vez se va consolidando más y más y volviéndose realmente auténtico».
https://youtu.be/hTKtK5aPhaU
Con este disco, Dimas y Los Pexes quiere dejar una referencia en streaming para que cada evento en vivo tenga sustento y pueda pescar seguidores en Colombia, Latinoamérica e Iberoamérica.
«Dimas y Los Pexes es nuestro proyecto de vida y el que le da sentido. Queremos llegar lejos, lograr que el proyecto sea autosostenible y demostrar que sí es posible hacer y vivir del rock en Colombia. Es importante dejar el rastro de una banda independiente, esmerada en conocer el proceso de producción musical y audio, desde la idea hasta la masterización. Somos grupos que se esfuerzan por crear música buena, con las uñas, con una poética clara. Queremos trascender como artistas porque somos músicos profesionales y estudiamos la ciencia de las emociones».
«Queremos ser referentes filosóficos y estéticos para las actuales y nuevas generaciones, consolidar un nicho que aprecie un arte rico, que se aparte de casi todo lo que implica el perreo y retome las sendas de lo que en verdad es un artista. Desde este prisma, Dimas y Los Pexes es importante para la comunidad nacional e internacional, porque busca retomar el camino de un Gustavo Cerati y toda la generación anterior de poetas, de gente excelente en el estudio de su instrumento, composición, arreglos y orquestación, de gente que se tomó el arte como un ismo y un fin», concluye.
Dimas y Los Pexes es un proyecto musical colombiano conformado por Willie Vargas Lozano (frontman), Juan Guerrero Sierra (batería), Héctor Mariño Pedraza (bajo), Jose Ramírez Aguillón (guitarra líder) y Nicolás Nizo Medina (teclados).
Egórico, como personaje, es principalmente una semi-deidad de una mitología que su creador y fundador Emilio Paredes está creando en su universo literario aún no publicado. Es el dios del Ego, la deidad de los escribas y del instinto. En el universo musical que el artista de República Dominicana ha estado desarrollando tiene un enfoque al desapego y a la motivación, promoviendo el despeine como acto de rebeldía e invitando al prójimo a sacarse la mala vibra.
El proyecto artístico nace en 2022 de la mano de su arreglista y pianista Emilio Medrano y su productor de cabecera, el artista dominicano Fonzo, con quién hace poco lanzó el tema ‘Flaca, Ven’. Egórico como palabra está creada por la fusión de Ego + Rico y la reducción de la palabra ‘Alegórico’ siendo alegoría (representación) del dios del ego.
«Egórico nace como una vista introspectiva para hablar de temas personales y sociales. La mayoría de mis canciones nacen desde la introspección y buscan llevar apoyo y cambio de perspectiva a quienes escuchen. Mis canciones van desde críticas sociales como ‘Carnavales Digitales’ hasta canciones mucho más personales e interiorizadas como ‘Ardiendo en el Fuego Griego’. Siento que desde la interiorización se puede ayudar a muchas más personas a salir de los bucles negativos y tóxicos y se puede dar un poco de aliento a quienes más lo necesiten», cuenta el músico dominicano con influencias del hip hop alternativo, mambo, funk y rock en proyecto como Gorillaz, Canserbero, LosPetitFellas y Dawer X Damper.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es lo nuevo de Egórico, una canción de superación, aunque toca superficialmente temas como la hipocresía, la depresión, y las dificultades económicas. Aborda la perspectiva de estar ardiendo constante en un fuego que no se extingue que es una referencia a cómo el artista siente que funciona la vida, y de cómo el ser humano debe mantenerse fuerte a pesar de todas las circunstancias.
«La canción nos dice que debemos seguir ladrando y mordiendo a pesar de la hipocresía de algunos que solo miran («el prójimo solo observa como mi alma se desnuda» o «miran para afuera, pero por dentro tan ciegos»). El tema juega un poco con jergas y expresiones caribeñas, así como menciones de elementos de la cultura popular», agrega Egórico.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ a nivel sonoro es un hip hop alternativo / rap rock. Su influencia mayoritaria es rock, aunque el artista quiso que el primer verso de la canción iniciara en jazz como un guiño sutil a los cambios de la vida misma que a veces nos ofrece. Luego del segundo verso explora un rock un poco más progresivo casi punk.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es parte de un disco que por el momento Egórico no revelará el nombre. Dentro de sus sencillos actuales es su sexto lanzamiento.
Actualmente, Egórico trabaja en un EP colaborativo junto a su amigo, artista y productor Fonzo que se llamará ‘No Hay Flaca Que Por Bien no Venga’. Este trabajo será un hip hop alternativo con una perspectiva un poco más entre el romanticismo y el desamor y tendrá influencias de hip hop de los 90 y será lanzado en el primer trimestre de 2025.
«‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es una canción bien enérgica que entiendo que el mejor momento para disfrutarla es en el gimnasio, pero hay quienes me dicen que es excelente para iniciar el día o para una recarga de energía en las tardes», menciona el artista.
El dominicano realizará una serie de conciertos en lo que resta de 2024 y prepara un 2025 lleno de lanzamientos musicales para todos sus seguidores en América Latina. Además de su EP con Fonzo, Egórico está trabajando un EP de tres canciones en Spoken Word con la artista dominicana Idelmi y el arreglista/ pianista Emilio Medrano. A nivel individual, el artista se centrará en un EP de jazz rap para finales de 2025 titulado ‘Receta para Embalsamar el Cadáver del Ego’.
«Siento que ‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es toda una experiencia, a pesar de ser la punta del iceberg si lo comparamos con todo lo que viene. Es una experiencia y una apuesta arriesgada en un país como República Dominicana, pues ser artista indie y emergente de hip hop alternativo en la tierra del merengue, la bachata y el dembow no es sencillo, pero quisiera ser parte de la evolución y la inserción de esas propuestas más arriesgadas en los géneros populares», puntualiza.
«Egórico lo veo como una plataforma de enseñanza y de superación transmedia. Soy estudiante de cine y pretendo abordar la parte visual del proyecto desde una mirada cinematográfica. Así que parte del discurso se irá contando desde la música alternativa, otra parte desde la literatura y el resto desde la construcción audiovisual del mismo universo. Así que entiendo que puede resultar interesante y enriquecedor que desde toda Latinoamérica se pueda conocer el proyecto, estoy seguro de que muchos serán capaces de conectar con el dios del ego», concluye.
La Celebración del Rock Colombiano nació como una plataforma para fortalecer la industria y el ecosistema musical del rock y el metal en Colombia, entregando herramientas para el desarrollo de proyectos musicales que guíen a los artistas y apalanquen su desarrollo para salir de la escena emergente y se consoliden en diversos públicos generando comunidad.
La gestora cultural y líder de esta iniciativa Aida Hodson, quien ha trabajado en este sector en el desarrollo de artistas, plataformas y eventos para la escena colombiana desde hace más de diez años, hace un balance satisfactorio de la primera edición de la Celebración del Rock Colombiano.
«En esta primera versión la acogida fue importante, se inscribieron un total de 102 bandas y la calidad y versatilidad de la escena musical del género en nuestro país es grande y sigue creciendo. Esperamos cada año superar los resultados de los años anteriores», cuenta Hodson.
La Celebración del Rock Colombiano 2024 tuvo varias actividades previas a la final, en primera instancia se realizó una preselección de 32 bandas que sobresalían entre las 102 participantes por actividad, calidad musical y su notoria disponibilidad a crecer. Esta etapa estuvo curada por Alejandro Bonilla, Juan Burbano, Héctor Villamil y Aida Hodson, quien evaluó lo comunicacional. La segunda etapa estuvo llena de retos y fue interesante ver cómo reaccionaron a los proyectos participantes. De los 32 elegidos se seleccionaron 16 proyectos para que fueran parte del acetato: Celebración del rock colombiano que se lanzará a finales de noviembre.
Uno de los retos de la convocatoria fue un sincronizador o editor musical que pedía hipotéticamente a la banda versionar una de sus canciones o buscar en las mismas dos estrofas que debían proponer para la campaña del Día Mundial de los Animales. El resultado fue increíble, seguidamente de montar una campaña o estrategia comunicacional alrededor de la misma.
Según el desempeño y la participación de los retos, se escogieron 10 bandas en constante actividad para tocar en teatros y parques el pasado 20 de octubre en una coproducción con IDARTES para celebrar el Día Mundial de los Animales, entregando a los proyectos un reconocimiento.
Otra etapa fue el ciclo de talleres ‘Eso es pura rosca’ realizados en el Teatrino del Teatro Jorge Eliécer Gaitán en Bogotá en donde se sensibilizaron temas del diario vivir de esta industria como ‘¿usted no sabe quién soy yo?’ que se enfocaba a fortalecer su marca musical y cómo generar comunidad.
Las bandas finalistas de la Celebración del Rock Colombianoson: Camargo, Mandingasea, Coyote, Ennui, Mad Dogs, Gato Loko; desde Tuluá, Rain of Fire; desde Cali, Tortugas Azules; desde Circasia, Somer y la banda revelación Nightwatcher.
La gran final se realizará el próximo sábado 23 de noviembre en la emblemática Media Torta de Bogotá a partir de las 11:00 a.m. En el evento participarán las 10 agrupaciones finalistas y 2 bandas invitadas de otras regiones como parte de los intercambios con festivales. La entrada es gratuita.
La banda ganadora obtendrá la grabación de un sencillo profesional en el Bunker Estudio bajo la producción de Juan Burbano, además, un video profesional, $1’000.000 en merchandising, un año de asesoría legal con Alright, un estudio fotográfico, 6 sesiones de coach vocal, 6 sesiones de coach de expresión corporal y la participación en 6 festivales regionales en 2025.
Para Aida Hodson, «es importante que el público asista a la final de la Celebración del Rock Colombiano para apoyar la escena emergente del rock y del metal de nuestro país, porque queremos demostrar que la escena emergente está creciendo y se apropia de espacios como la emblemática Media Torta, y sobre todo porque serán siete horas de rock y metal independiente hecho en Colombia».
El 2024 ha sido un gran año para la banda ecuatoriana de criminal punk jazz Don Bolo. La agrupación cerró el Background Fest en Pasto, Colombia; hizo parte de grandes eventos junto a grupos locales en Nueva York, Estados Unidos; y dentro de Ecuador realizó un circuito de conciertos en espacios públicos para llevar su música directamente a la gente. De igual manera, la banda ultimó detalles para culminar su cuarto álbum de estudio que se lanzará en 2025 conmemorando 10 años de carrera y hoy presenta ‘Jihad’, un nuevo lanzamiento para su audiencia en América Latina.
‘Jihad’ de Don Bolo significa «guerra santa», es un concepto presente en la religión musulmana que hace alusión a las guerras que libró el profeta Mahoma para tomar la ciudad de Meca. También es un concepto utilizado en la obra literaria de ciencia ficción «DUNE» de Frank Herbert, obra que la banda ecuatoriana ha tomado como inspiración para su próximo álbum.
‘Jihad’ es el quinto tema del álbum y es el punto de inflexión en la historia de un falso profeta que descubre que fue enviado por Dios no para liberar a la humanidad sino para esclavizarla. Al darse cuenta que estaba siendo manipulado por una fuerza mayor decide no tomar el camino que ha sido trazado para él sino tomar el control del mundo y ser él quien esclavice a la humanidad, derrocando a Dios y estableciendo una nueva religión y un nuevo orden con este falso mesías como figura central. Jihad vendría a ser la historia de la guerra santa que libra esta figura para hacerse con el control de la humanidad y unir a todos los pueblos bajo una sola bandera y una sola fe.
‘Jihad’ aborda un sonido más ambiental, drone y avant garde que en las composiciones previas de la banda. Si bien, es el tema que más se asemeja al resto de la discografía, este se separa en definitiva del punk. La distorsión es el protagonista sonoro de esta composición, pero también existe un nuevo elemento explorado muy poco por la banda como la inclusión del piano como elemento melódico que brinda un dramatismo que el grupo jamás había explorado. El peso armónico que da el piano carga de una fuerza descomunal al tema haciendo que se escuche gigante. Tanto en ‘Jihad’ como en todo el nuevo álbum de Don Bolo, se ha priorizado el dramatismo y suspenso.
«Este sencillo como todo el nuevo álbum de Don Bolo están inspirados en la saga de ciencia ficción «DUNE». Fueron los conceptos filosóficos y políticos los que inspiraron la composición de la música y la narración de una historia que tiene como moraleja prevenir a todas las personas de líderes carismáticos y populistas, sean políticos o religiosos. Lo que Don Bolo desea transmitir es tener mucho cuidado con esas figuras que ofrecen salvación a cambio de sumisión», comenta el grupo.
Va dirigida a los librepensadores del mundo, a esas personas que no están dispuestas a estar dentro de ningún grupo o bajo ninguna bandera. Es para quienes no tienen miedo a cuestionar el orden establecido y para los que no comen cuento y ven con escepticismo a políticos y líderes religiosos.
‘Jihad’ cuenta con un video animado que utilizó para su creación la técnica de rotoscopia. Este video fue realizado por el artista ecuatoriano Sebastián Valbuena, también conocido como Pánico.
«Esperamos que este lanzamiento trascienda fronteras. Es una invitación a reflexionar y a cuestionar sus creencias y la manera en que estas se forman. A ver a las personas que ofrecen salvación como lo que realmente son y que las empodere a tomar control sobre sus vidas y a no ceder este control a terceros. Queremos que todos se tomen un momento para ver la situación que atraviesa el mundo y cómo este se está hundiendo. Encarar la realidad sin intentar endulzar o suavizar y entender cómo lo que afecta a uno (así sea al otro lado del mundo) afecta a todos», enfatiza la banda.
La portada del sencillo es una pintura realizada por Emilio Montenegro (bajista y compositor de la banda). Como ‘Jihad’ habla de una guerra santa, se utilizó el color rojo para ilustrar el sufrimiento y muerte que conllevan las guerras. El rojo simboliza la sangre de quienes mueren en los conflictos armados, sean civiles o militares. También simboliza una idea que para la muerte no importa el color de piel, nacionalidad, religión o posturas políticas. A la muerte no le importa quién es inocente y quien no. Para la tipografía, se creó una semejanza estética al abecedario árabe, pero siendo legible para el público occidental. Se utilizó crayón para dibujar el nombre del tema ‘Jihad’ para que tuviera la misma estética orgánica que la pintura que hace el arte del sencillo.
«Queremos enviar un mensaje de cuestionamiento y presentar al público con lo que Don Bolo considera es una realidad que viven muchas personas del mundo. Todos, sin importar nacionalidad, color de piel o religión, están siendo víctimas de los mismos males. Somos víctimas de los estados y de los intereses de las clases políticas y religiosas. El planeta está en un punto crítico en el que la civilización como la conocemos está a punto de cambiar para siempre. Lo más importante, es que todos sean conscientes de que estos eventos no son nuevos, se han repetido durante toda la historia de la humanidad, en todos los continentes y han afectado a pueblos y nacionalidades. El mensaje central es no creer tan fácil en quienes ofrecen un paraíso y entender la historia para que así la humanidad deje de repetir sus errores», menciona Don Bolo.
‘Jihad’ es especialmente relevante en este punto de la historia contemporánea. El tema está ligado a todos los conflictos armados que están sucediendo en este momento y todos los que están a punto de estallar. Las guerras en Gaza, Ucrania, Myanmar, el Congo, los conflictos que podrían desatarse dentro de Venezuela y la incertidumbre que ocasionaría el ascenso de políticos como Donald Trump.
«Por ahora, la banda está enfocada en el lanzamiento de su nuevo material y en la difusión del videoclip. Se realizarán algunas actividades como eventos en los que se presentará el nuevo álbum a un pequeño grupo de seguidores. En cuanto a conciertos, no hay nada programado aún, pero la banda está dispuesta y disponible para eventos dentro y fuera de Ecuador. Ansiosos también de tocar la música del nuevo álbum, Don Bolo está listo para presentarse en cualquier escenario. Finalmente, la banda está preparando nueva mercancía para recibir el nuevo álbum y el cumpleaños número 10 de Don Bolo», concluye la agrupación.
Durante el 2024, la banda de punk rock colombiana Sin Compromiso, fundada en Armenia, Quindío, ha estado trabajando en su imagen, en consolidar su sonido para poder seguir promocionando su música de forma más contundente. Además, ha sido un periodo de tiempo clave para ensayar y terminar de ajustar los detalles necesarios para lo que fue la grabación de ‘Ni un paso atrás’, su nuevo sencillo con el que esperan seguir impulsando su proyecto a un nuevo nivel.
‘Ni un paso atrás’ de Sin Compromiso es una canción que empezó a escribirse en 2012 en donde el cantante y compositor Styven Rutchell estaba pasando por un momento muy retador en su vida, pero al mismo tiempo estaba lleno de sueños y metas que literalmente lo alentaban a NO dar ni un paso atrás, así que encontraba en la letra de esta canción la fuerza necesaria para seguir adelante. Hoy, 12 años después, la canción está lista con la particularidad de que muchos de esos sueños que anheló se hicieron realidad, y que lo que empezó a escribir en un inicio lo aplicó y surtió efecto.
‘Ni un paso atrás’ es una canción de resiliencia, de aprender de los errores, de aprender que las caídas hacen parte de la vida, de que, si nos caemos 7 veces, nos levantamos 8 y que detrás de cada derrota o fracaso hay un aprendizaje y una oportunidad de hacernos más fuertes.
«La inspiración detrás de la canción son los sueños, las metas que la mayoría de las personas tenemos, reconocer nuestros logros y honrar todo lo que hemos pasado para llegar hasta donde estamos, sacar fuerza y energía para seguir avanzando y, sin importar los obstáculos que se nos presenten, seguir siempre adelante», comenta el grupo conformado por Jorge Rico (bajo/voz), Cristian Ocampo (batería) y Styven Rutchell Palacio (guitarra/voz).
‘Ni un paso atrás’ aborda temática de resiliencia, motivación, sueños, metas, experiencias y aprendizajes a través de sonoridades clásicas del punk rock y pinceladas de hardcore old school. Las voces tienen una relevancia importante, mezclando la voz más agresiva y algo rasgada de Styven con la voz melódica de Jorge, creando una mezcla de punk rock melódico con algo de punk hardcore. El bajo tiene un protagonismo importante, da el inicio de la canción y marca su ritmo, además en el intermedio también da la melodía en la parte en que la canción respira. Por su parte, la batería es rápida, potente y dinámica, dándole mucha fuerza a la canción.
«Es una canción que está basada en experiencias y vivencias personales, la persona para la que escribí esta canción soy yo, pero también quiero dedicársela a mi hermano Jeyson, esperando que en los momentos en que la escuche, pueda darle fuerzas para seguir adelante, al mismo tiempo sé que muchas personas se pueden identificar con la letra. También la escribí para el público de Sin Compromiso, quise que fuera una canción llena de energía, que incluso si había personas que escucharan esta canción por primera vez en vivo, se levantaran si estaban sentados, saltaran, bailaran o poguearan apenas empiece a sonar», agrega Styven.
Sin Compromiso presenta en este nuevo sencillo un sonido evolucionado y renovado que marca el punto de partida de lo que será su nuevo álbum de estudio.
La portada de ‘Ni un paso atrás’ tiene una bota gastada, como referencia al camino recorrido, a las experiencias adquiridas durante todo el viaje, dando a entender que ha pasado por un camino duro, con obstáculos, pero que sigue en pie.
Para los integrantes de Sin Compromiso, ‘Ni un paso atrás’ tiene dos momentos cruciales para ser escuchada: «el primero en un momento donde sientas que estás pasando por alguna situación retadora, que de algún modo estés pensando en rendirte o no continuar; podría ser una canción que te de las fuerzas necesarias para seguir adelante, para llenarte de fuerza y entender que hace parte del proceso y que más adelante agradecerás porque te estás haciendo más fuerte. El segundo para reconocer tus logros, para enorgullecerte de haber superado esos obstáculos y desafíos, y entender que quizá eres más fuerte y valioso de lo que crees».
‘Ni un paso atrás’ hace parte de lo que será el segundo disco de Sin Compromiso el cual llevará el mismo nombre. El álbum está aún en proceso de preproducción y se espera para mediados de 2025.
Sin Compromiso se estará presentando el próximo 1 de febrero de 2025 en Panamá en el Festival Rock a la Playa. De igual manera, la banda planea hacer un par de presentaciones más antes de finalizar el año con el fin de hacer el lanzamiento de este nuevo sencillo con estos shows en vivo.
El proyecto de música alternativa colombiano Myuras, conformado en 2022 por tres músicos hermanos: Emanuel, Hans y Sebastián Gamarra, ha tenido un 2024 memorable, primero, con la publicación de su exitoso sencillo ‘Versión de Mí’; segundo con los múltiples conciertos ofrecidos en Colombia cargados de enriquecedores en anécdotas y experiencias; y tercero con la publicación de su EP debut ‘Myuras’.
El EP homónimo de Myuras es su carta de presentación al mundo. Compuesto por tres canciones, este trabajo surgió de un profundo proceso de introspección y composición que vivió cada integrante del grupo y lo plasmaron en esta producción.
«El EP explora el concepto del amor desde nuestra experiencia y perspectiva, abordando diferentes facetas: desde ser la segunda opción de alguien, reflejado en ‘Comodín’, hasta las complejidades de una relación tóxica en ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ (No Busques Lo Que No Se Te Ha Perdido), para finalmente reconocer que quizás esa situación no es la mejor, en ‘Versión de Mí’, cuenta Myuras.
Con este trabajo debut, Myuras presenta una faceta muy versátil como proyecto, partiendo de beats cercanos al hip hop y al disco de los 80’s, con riffs y distorsiones intensas, pero también exploran bases más íntimas y atmosféricas. A lo largo de las tres canciones del EP, se destacan teclados icónicos como el Rhodes, junto a numerosos elementos percutivos minimalistas que añaden un toque final refinado a la producción.
«Con este EP buscamos conectar con las emociones universales que todos hemos experimentado en algún momento. Cada palabra es un reflejo de lo que significa vivir el amor en todas sus facetas, desde lo más tóxico hasta abrir los ojos y ver la relación contigo mismo. Queremos que quien lo escuche se vea a sí mismo en esas historias, sienta que no está solo en sus emociones, que al final todos compartimos esos mismos deseos y situaciones. Es un grito de autenticidad, un recordatorio de que somos parte de algo más grande, todos navegando por las mismas aguas», enfatizan.
‘Comodín’ de Myuras es una canción intrigante y riesgosa. Como cuando te acercas a alguien cuyo juego ya conoces, pero aun así decides participar, sabiendo que podrías terminar como una segunda opción o un plan B que nunca será suficiente. ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ es un tema curioso y peligroso. Es como la frase «La curiosidad mató al gato», donde te dejas llevar por algo que sabes que no te conviene, pero aún insistes en seguir detrás de ello. Finalmente, ‘Versión de Mí’ es una canción renovadora y liberadora en donde te das cuenta de que estás mejor fuera de una situación que no te beneficia, y buscar siempre ser tu mejor versión.
‘Comodín’ es el focus track del EP de Myuras. La canción nació de esos momentos en los que los integrantes de la banda se dieron cuenta de haber sido el plan B de alguien, como ese ‘booty call’ que siempre está disponible, pero que al final nunca te deja ir del todo. Es una relación en la que, aunque conoces las reglas del juego, decides seguir jugando, aceptando las condiciones y el papel que te ha tocado, a pesar de saber que nunca será suficiente.
El video de este sencillo nació bajo el concepto de «Una bodega del fin del mundo musicalizada». Allí se muestra la contundencia de la banda en su puesta en escena, con luces cortantes sobre Emanuel, Hans y Sebastián y una coloración que evoca las películas del género grindhouse de los 70’s.
«‘Myuras’ es un EP que, desde la primera canción, te hará querer levantarte del sofá o de tu silla de escritorio, ya sea mientras trabajas, lees o meditas, preguntándote: ¿Estoy viviendo como realmente quiero? Te invita a bailar, saltar, cantar a todo pulmón y a sentirte poderoso. Te impulsará a salir de tu espacio y enfrentarte al mundo con una energía renovada», enfatizan los hermanos Gamarra.
El EP fue grabado y producido en la ciudad de Barranquilla en Mala Hora Studios y fue mezclado por Carlos Imperatori (Arawato, Cuarteto de Nos, BTS, Los Mesoneros) de Custom Shop Studios en Miami, Florida. Además, fue masterizado por Reuben Cohen (Queens of the Stone Age, Pharrell Williams, Bruno Mars) de Lurssen Mastering en Burbank, California.
Myuras planea lanzar en los próximos meses un Live Session, así como el videoclip de ‘N.B.L.Q.N.S.T.H.P.’ (No Busques Lo Que No Se Te Ha Perdido). «Vamos a posicionarnos con este EP, ya que podrán escuchar todo el espectro de nuestra propuesta, planeamos una gira por el caribe colombiano y algunas ciudades del interior del país, para reencontrarnos con nuestros fans. Este trabajo es el comienzo del álbum que lanzaremos más adelante, es un manifiesto de la banda hacia el futuro, es con el que conocerán cómo sonamos, cómo pensamos. Somos una propuesta fresca, queremos ser una banda insignia de la región Caribe y demostrar que la música alternativa hecha a orillas del mar también puede ser un referente nacional e internacional», concluye Myuras.
Sr Nowak es el proyecto solista de Sebastián Echeverry Sossa, un músico, compositor e intérprete de la ciudad de Medellín, Colombia. En paralelo al trabajo con la agrupación Autor Anónimo, desde el año 2023 decide afrontar proyectos en solitario, tanto a nivel musical como literario, inspirado en su lema ‘psicólogo, escritor, rapero’; buscando con ello mantener unificados sus diferentes saberes.
Sr Nowak quiere, a través de su propuesta musical, narrar vivencias del barrio, de las comunidades, de muchos y muchas, desde un contexto psicológico, desde eso que acontece en el interior. No solo desde el dolor y la nostalgia, sino también desde el disfrute, el placer, la alegría; es una forma de narrar las vivencias de lo humano.
«Con mis canciones quiero hacer consciencia de aquello que nos acontece, que la mente humana es un mundo y que en la actualidad esta sociedad está más presta a la consciencia y la salud mental. Busco empatía y unión a través de la música, el reconocimiento de aquello que a cada uno le pasa en su ser», cuenta el artista que en sus proyectos cuenta con influencias del rap, la salsa y las baladas de Camilo Sesto, Nino Bravo, Nanpa Básico, Alcolirykoz, Juaninacka, Rxnde Akozta, entre otros.
‘Danzando con la muerte’ es el nuevo EP de Sr Nowak, un trabajo cuya narrativa es el suicidio, como el suicidio de un chico y la poca comprensión que tiene por parte de su entorno; o la historia de la madre y la pareja, expresando cada uno su sentir.
Esta producción tiene como base el ritmo de rap. Los samples y los sonidos tienen elementos de baladas en español, boleros, elementos del jazz y del blues, además de sonidos ambientales.
El EPes un viaje de dolor y depresión en su primera canción ‘Danzando con la muerte’, en su segundo track le canta al anhelo y los duelos con ‘Quédate en mis sueños’ y aborda temáticas de melancolía y soledad en su sencillo de cierre ‘Me voy contigo’.
Sebastián Echeverry Sossa lanza en simultáneo su libro debut que lleva el mismo nombre del EP ‘Danzando con la muerte’. Es una obra que retrata las vivencias de personas que han optado por el suicidio como salida a sus problemas. Mezclando la realidad y la ficción este relato, realizado desde el punto de vista del Sr Nowak, transita a través de historias provenientes de esa Medellín sombría, vulnerable y, casi siempre, olvidada con la que se ha encontrado el autor en los últimos años de su ejercicio profesional como psicólogo en atención de emergencias.
«Es un llamado a escuchar atentamente a quienes nos rodean, pues la muerte, a veces vestida con la máscara del suicidio, acecha siempre en un rincón del salón, presta a dar el último paso con quien menos lo esperamos y, en muchas ocasiones, sólo con escuchar y conectar con el otro podemos ser esa luz que necesita. Es la historia de cómo Sr Nowak coquetea con la muerte y logra sincronizarse con ella para quitarle de sus manos la vida que la misma muerte le ha permitido salvar», agrega.
La historia del Sr Nowak se va tejiendo entre la psicología y la música, con un aire de nostalgia y de melancolía. Es un héroe cuyo superpoder se encuentra en la palabra, en poder acercarse a lo profundo del alma y anclarla a la vida. Es por eso que su historia, envuelta en oscuridad, es al mismo tiempo una historia de esperanza, la esperanza de, quizá, lograr seguirle los pasos a la muerte en ese baile que todos deberemos bailar algún día, pero que, gracias al trabajo realizado por personas como el escritor paisa y miles de trabajadores del área de salud mental, puede ser un baile más largo y menos amargo. Este viaje es como el vaivén de un vals lleno de emociones, sensaciones y canciones cantadas en prosa.
Actualmente el libro se encuentra a la venta en las redes sociales del artista y próximamente estará disponible en plataformas como Amazon Kindle, para el público internacional.
«Con este lanzamiento multidisciplinar quiero crear consciencia sobre la problemática del suicidio y generar reflexión sobre la depresión en general», puntualiza Sr Nowak.
Durante los próximos meses, Sr Nowak espera lanzar una canción a finales de noviembre y prepara un EP en vivo a principios del 2025; y en ese mismo año publicará un álbum completo.
Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sr Nowak en Colombia y Latinoamérica por su sensibilidad, su capacidad profesional y creativa, porque son años de experiencia plasmadas en la labor actual y porque su material artístico puede ser de gran ayuda para muchas personas.
Su gira internacional de verano / otoño incluye conciertos en Colombia (Medellín y Bogotá), Ecuador, Perú y Canadá.
La cantautora mexicana Silvana Estrada regresa a Colombia en el marco de su Gira internacional Verano/Otoño 2024.
Luego de un exitoso show en Medellín en el mes de agosto, la artista se presentará durante tres noches consecutivas en Bogotá este 21, 22 y 23 de octubre en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.
Con dos fechas ‘Sold Out’ y la tercera a punto de agotarse, Silvana Estrada continúa en la capital de nuestro país su exitosa gira que la ha llevado a Ecuador, Perú, Canadá y México.
En territorio canadiense la cantautora hizo tres importantes shows, como parte del influyente POP Montreal Festival: un recital individual y luego dos días en un homenaje especial a Lhasa de Sela (una de sus grandes referencias), junto a colegas como Feist, Calexico y Juana Molina.
Además de su paso por Bogotá, Silvana Estrada dedicará octubre y noviembre a México, con presencia en tres importantes festivales: Pulso GNP de Querétaro, el Cervantino de Guanajuato y la primera edición del Spotify Mexcla en Ciudad de México, donde presentará su espectáculo ‘Ofrenda’, su particular altar musical de Día de Muertos.
GIRA VERANO / OTOÑO 2024:
Ago. 24 – Medellín (CO) – Teatro Pablo Tobón Uribe (Sold Out)
Sep. 4 – Quito (ECU) – Teatro Nacional Sucre (Sold Out)
Sep. 5 – Quito (ECU) – Teatro Nacional Sucre
Sep. 7 – Lima (PER) – La Cúpula de las Artes
Sep. 27 – Montreal (QC) – Sala Rossa [POP Montréal Festival]
Sep. 29 y 30 – Montreal (QC) – La Route Chante: Hommage à Lhasa – Théâtre Rialto [POP Montréal Festival]
Oct. 12 – Querétaro (MEX) – Festival Pulso – Autódromo de Querétaro
Oct. 15 – Guanajuato (MEX) – 52 Festival Internacional Cervantino – Teatro Juárez (Sold Out)
Oct. 21 (antes Agosto 27) – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Sold Out)
Oct. 22 (antes Agosto 28) – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Sold Out)
Oct. 23 – Bogotá (CO) – Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (Últimas boletas)
En mayo de 2024 Silvana Estrada fue portada de la revista Rolling Stone en Español en la que el respetado medio musical la destaca como ‘una artista del pasado, del presente y del futuro’ (Leer entrevista).
La multiinstrumentista, cantante y compositora recibió este año su primera nominación al Grammy en la categoría ‘Mejor Interpretación Musical Global’ por el tema “Milagro y Desastre”.
Silvana Estrada también ha sido nominada en múltiples oportunidades al Grammy Latino, premio que recibió en el año 2022.
‘Rojo Carmesí’ combina rock y poesía, brindando una experiencia sonora profundamente emotiva que aborda el VIH de manera significativa.
John Arango es artista colombiano fascinado por la poesía, la música y el arte audiovisual. Desde muy joven, se sintió atraído por las secciones habladas y recitadas en la música de Willie Colón lo que lo llevó a narrar sus historias a través de poemas acompañados por pistas musicales que complementaban su voz. Su innovador formato captó la atención del público y lo impulsó a seguir explorando y desarrollando su estilo único.
John Arango, en colaboración con Volta Estudio y el productor Lelo Arango, ha logrado transformar la poesía en música. Con su nuevo álbum, la intención es seguir compartiendo sus realidades, visiones y pensamientos de la vida y del mundo. En sus canciones, el artista aborda temas que le duele, alegra e inquieta, generando por emociones que provienen de su corazón.
‘Rojo Carmesí’ es el nuevo sencillo de John Arango, una canción que aborda el tema de las parejas serodiscordantes, es decir, aquellas en las que una persona cuenta con diagnóstico VIH positivo y el otro es VIH negativo. El tema explora la dualidad del amor, el sexo y el VIH. La canción suena sexy, oscura y, al mismo tiempo, esperanzadora.
La letra de ‘Rojo Carmesí’ofrece una narrativa personal y cruda desde la perspectiva de la persona VIH negativa al inicio de una relación. La frase del coro, «somos lo que tu sangre busca combatir… «, refleja la necesidad de comprensión y empatía en una relación serodiscordante. Aunque uno de los dos deberá tomar medicamentos, el acto de hacerlo es un gesto de amor compartido.
«La canción aborda una realidad muy cercana, incluso aunque no viva con VIH personalmente. He convivido con este entorno durante mi vida, desde la muerte de mi padre a causa del SIDA, hasta haber tenido parejas serodiscordante y acompañar a muchos amigos en sus procesos. ‘Rojo Carmesí’ es una reflexión íntima sobre el amor y el apoyo en contextos de salud complejos», cuenta.
El tema explora sonoridades rock de principio a fin. La guitarra juega un papel central, aportando un sonido oscuro y seductor. Cuando se combina con la voz de John Arango narradora, crea una atmósfera especial. La música, orgánica y cuidadosamente compuesta, fue interpretada por Lelo Arango y los coros estuvieron a cargo de los artistas de Medellín Sergio Mejía ‘Alem’ y Cristian López.
El video se rodó en Medellín y presenta un tratamiento audiovisual inspirado en el manga/anime AKIRA de Katsuhiro Otomo. La dirección de fotografía y el color grading evocan la estética de una cinta de 16 milímetros, con una paleta de colores carmesí que intensifica la narrativa simbólica sobre el VIH. Los protagonistas son una pareja que enfrenta el diagnóstico del VIH, mostrando abiertamente su temor y ansiedad. Están rodeados por personajes teatrales que simbolizan demonios y el propio virus, reflejando el miedo asociado a la infección. En contraste, un grupo de jóvenes vestidos de rojo con la palabra ‘antirretroviral’ como estandarte, representa la medicina y el tratamiento del virus, destacando su papel como una esperanza y un recurso vital.
Para John Arango «el clip utiliza una metáfora fantástica y teatral, inspirada en cómo las enfermedades eran percibidas en la Edad Media. En esa época, la superstición solía relacionar las enfermedades con castigos divinos o con lo diabólico y maligno. Esta representación dramática ilustra el enfrentamiento entre el sistema inmunológico y el virus, encarnados en dos bandos opuestos con visiones y características diferentes. El video, cargado de simbolismo, demuestra que enfrentar el VIH no solo requiere medicinas, sino también «empatía y amor». Estos elementos son tan cruciales como el tratamiento médico para combatir el virus. Además, tanto la canción como el video buscan que las personas, tengan o no el diagnóstico, puedan verse reflejadas en la narrativa presentada. Mi objetivo es visibilizar el VIH y normalizar la conversación sobre el virus, promoviendo el respeto y superando el desconocimiento que a menudo lo rodea».
‘Rojo Carmesí’ es el primer sencillo del tercer disco de estudio de John Arango. El disco incluirá 10 nuevos tracks y el sonido será orgánico, combinando matices de rock en sus inicios con un enfoque más acústico hacia el final. Cada canción está estructurada con versos recitados que interactúan con el ritmo, y coros melódicos que integran las voces en una experiencia sonora cohesiva. El álbum explora el amor en diferentes formas, capturando la dicotomía entre lo empalagoso y lo crudo que se experimenta desde el exterior hacia el interior del cuerpo humano.
«‘Rojo Carmesí’ es ideal para las mañanas, cuando solemos tener más dudas sobre cómo enfrentar el día. Es un buen momento para reflexionar sobre nuestras luchas y recordar que la empatía y el amor pueden traer consigo aún más empatía y amor. En términos de momentos en la vida, la canción es particularmente significativa cuando escuchas a alguien hablar sobre el VIH desde una perspectiva negativa o desesperanzada. El VIH sigue siendo un tema que afecta a muchos, y otros todavía luchan por salir de la oscuridad. La canción ofrece un respiro, actuando como una píldora de «empatía» y una reflexión sobre el «amor» en tiempos de VIH», menciona John Arango.
Descubrir ‘Rojo Carmesí’ es importante porque ofrece una perspectiva nueva y poderosa sobre el VIH y el amor. En Colombia y Latinoamérica, donde el VIH a menudo está rodeado de estigmas y malentendidos, esta canción y su video sirven como una herramienta para abrir conversaciones y proporcionar alivio a quienes viven con el virus y a sus seres queridos.
«Actualmente, su enfoque es ‘Rojo Carmesí’. Estoy explorando diversas maneras de asegurar que el mensaje del proyecto no solo se difunda a través de redes sociales y plataformas digitales, sino que también llegue a un público amplio. Mi objetivo es que más personas puedan acceder a recursos profesionales y organizaciones que ofrecen de forma gratuita apoyo psicológico, gestión de medicamentos antirretrovirales, o información sobre el VIH, como Fundación Rasa o Vida Sero.
John Arango planea lanzar varios sencillos antes de publicar el disco en su totalidad, incluyendo una colaboración con Gary Cardona de ‘My Nipples’ y ‘Gary’. También tiene en mente producir videos que hagan justicia a las historias narradas en el álbum, ya que el tratamiento audiovisual será un aspecto destacado del proyecto. La fecha de lanzamiento está prevista para 2025.
«Mis expectativas son altas; es, sin duda, mi esfuerzo más ambicioso hasta la fecha. Como artista independiente, le tengo un cariño especial y estoy decidido a desafiar un sistema establecido, con la esperanza de que llegue a la mayor cantidad de personas posible. En un entorno cultural donde la música puede ser un catalizador para el cambio, este proyecto tiene el potencial de inspirar, educar y fomentar la empatía a nivel regional», concluye.
Escucha ‘Rojo Carmesí’ de John Arango en tu plataforma musical favorita
El 2024 ha sido un gran año para la banda de rock fusión colombiana Sonidosis. Luego de enfocar el proceso de la banda en la producción y grabación, y de publicar el sencillo ‘Venceremos’ que logró una alta recepción en Colombia y Latinoamérica, el grupo bogotano regresa con ‘Ansiedad’, una canción más melancólica, pero con un enfoque social encaminado hacia la salud mental.
La ansiedad es una de las enfermedades más comunes del siglo XXI y cada vez es más recurrente que una buena parte de la población la padezca. Los integrantes de Sonidosis han experimentado la ansiedad en diferentes momentos de sus vidas y esto llevó a hacer una catarsis a través de la música.
En la canción, Sonidosis intenta plasmar los pensamientos y/o sensaciones que vive una persona en un ataque de ansiedad. Esto los ha ayudado tanto a tratar estos episodios complejos como a reflexionar sobre las propias preocupaciones que causan dichos episodios.
«En medio de la pandemia sufrimos varios cambios tanto personales como grupales que nos llevaron a entrar en episodios fuertes de ansiedad, luego de algunos años buscando formas de tratar este aspecto de nuestras vidas decidimos plasmar lo que pensábamos en una letra que nos sirvió como catarsis y esperamos que funcione de la misma manera para aquellos que la escuchen», comentan.
‘Ansiedad’ va dirigida tanto para personas que han tenido que atravesar ataques repentinos de ansiedad como para aquellos que viven con esta constantemente. Es una canción creada para que las personas puedan desahogarse a través del ritmo y la letra, así como para ayudar a concientizar a la sociedad de la importancia de la salud mental.
«La principal temática que tocamos en la canción es la de una persona que padece ansiedad y que expresa las diferentes emociones y sentimientos que atraviesa mientras está tratando dicha enfermedad. El sencillo va desde lo más tranquilo hasta lo más caótico haciendo alusión a los propios límites emocionales a los que nos lleva este padecimiento», agrega Sonidosis.
A nivel sonoro, ‘Ansiedad’ de Sonidosis está dividida en dos partes: la primera con un rock melancólico que va acompañando las disertaciones del cantante a lo largo de su episodio de ansiedad; para la segunda parte se hace uso de una fusión con música llanera que permite que el cantante haga un recitado encima de la base instrumental con una fuerza vocal mayor para dar a entender que se está llegando a un punto más complejo del padecimiento.
«Nuestro objetivo principal con este lanzamiento es llegar a aquellas personas que han sufrido o sufren constantemente de ansiedad, darles un mensaje desde la identificación que les permita darse cuenta de que es un sentimiento más común de lo que se desearía y que hay que ponerle atención antes que nos afecte a un mayor nivel», enfatizan los integrantes del grupo bogotano.
El video de ‘Ansiedad’ fue hecho con el apoyo de Tazmania Films y refleja lo que se puede llegar a sentir cuando se padece de ansiedad. Relata una noche en la vida de una mujer que está teniendo un episodio de ansiedad y siente unas voces que la persiguen y le hacen entrar en desesperación en medio de la oscuridad de la noche. A lo largo del video aparecen Big Leo y Jorginho cantando partes de la canción con unas telas que les cubren el rostro, personificando las propias voces de la cabeza.
Para Sonidosis, «la salud mental es un tema importante y debe ser tenido en cuenta tanto por el grueso de la sociedad como por las instituciones estatales. No se debe obviar la importancia de esta y debe haber una concientización que permita que cada vez haya menos personas que caigan en estos abismos mentales».
La portada de ‘Ansiedad’ se creó a partir del propio video y refleja lo caótico del padecimiento al tener dos imágenes superpuestas en las que Jorginho y Big Leo aparecen cantándole a la protagonista mientras ella intenta no pensar en esto.
‘Ansiedad’ es una canción perfecta para escuchar tanto para hacer una catarsis en los momentos en los que haya desesperación en la vida, así como para hacer una reflexión sobre la salud mental y sobre los diferentes aspectos que pueden llegar a jugar en contra en el día a día.
‘Ansiedad’ estará incluida en un disco futuro de Sonidosis que tendrá temáticas fuertes como la soledad y los problemas psicológicos y sociales. La banda planea lanzar un par de canciones más antes de finalizar el año y espera concretar una serie de conciertos para los próximos meses.
La banda de rock alternativo DeGlorian estrena ‘Peter Pan’, una canción que expresa la monotonía y frustraciones de la adultez, en contraste con la nostalgia de la niñez.
El sencillo tiene un sonido que evoca la nostalgia de la era ‘Y2K’ y los inicios del nuevo milenio, pero manteniendo la sensación de una producción fresca y actual. ‘Peter Pan’ hace referencia a elementos culturales de dicha época como la ‘Play’ y utiliza sonidos como el sample de ‘Malcolm el de en medio’ con el fin de capturar esta nostalgia.
Por medio del personaje de Peter Pan, el cual muchos recordarán de su niñez, el sencillo representa el deseo de escapar de la cotidianidad adulta y volver a un tiempo donde las cosas eran más simples.
La canción, compuesta por Andrea DeGlorian y Jordan Villamil, surge como respuesta al mundo adulto contemporáneo, en el que la rutina, el trabajo, las responsabilidades y el desgaste físico-emocional nos impulsa a querer ser niños de nuevo, cuando la realidad estaba llena de magia y creatividad.
En ‘Peter Pan’ se exploran elementos del indie rock, con mayor velocidad y simplicidad en el ritmo, guitarra distorsionada y sintetizadores para representar el brillo y mística con la que veíamos la vida cuando pequeños.
El videoclip que se rodó en Bogotá fue dirigido y producido completamente por la banda. Protagonizado por los integrantes de DeGlorian, el audiovisual captura la esencia de la juventud en contraste con la adultez, al retratar a un grupo de adultos divirtiéndose y participando en actividades «infantiles», como si se tratara de niños.
«Esta canción se convirtió en un auténtico desahogo frente a nuestra realidad. Muchas personas, incluyéndonos, enfrentan al crecer una carga de responsabilidades que nos obliga a dejar atrás la tranquilidad y la creatividad, robándonos la ilusión de que lo que vemos, oímos y sentimos puede ser completamente mágico. Es un homenaje a nuestras infancias… Y a la importancia de nunca dejar de ser niños», comenta la banda.
El artista colombiano Gregorio Uribe debuta como escritor con ‘El llamado’, una novela publicada por Abisinia Editorial. La historia que ocurre en las calles de Nueva York aborda desde la literatura, y con una mezcla de vivencias y fantasía, los dilemas existenciales de una mente brillante pero cansada de vivir.
En ‘El llamado’, el autor y músico que ha sido nombrado por el Gobierno nacional como uno de los «100 colombianos más exitosos en el extranjero» y que recientemente estuvo nominado al Latin Grammy, nos deja ver la complejidad y versatilidad de su pluma, tanto para la literatura como para la creación de canciones.
En esta nueva faceta, Gregorio Uribe nos abre su alma y deja que el lector entre en los rincones más profundos de su psique.
«Hay una frase que siempre caló en mí y sentí, que finalmente, lo lograba al escribir este libro: Habla de lo que sabes», comenta el autor.
‘El llamado’ tuvo un prelanzamiento en el Feria del Libro de Bogotá 2024 y el autor ha hecho presentaciones del libro en Bogotá, Medellín, Cali, Cartagena, Armenia y en las ciudades de Washington, New York y Boston en los Estados Unidos.
El presente relato ocurre en Nueva York durante todo un día a finales del verano. Un músico experimentado ha sentido a lo largo de su vida una presencia extraña en su interior que lo ronda y lo inquieta. Es una especie de «llamado» o «duende», como lo bautiza, que le habla sobre la muerte por mano propia y lo arrastra a reflexiones insólitas y recuerdos dolorosos.
Este espeluznante relato está magistralmente concebido, estructurado y ejecutado con la más erudita elegancia. Emparentado intelectualmente con La náusea y El extranjero, su maquinaria terrorífica e inexorable, al estilo de los mejores cuentos de Poe, arrastra al lector por los recovecos de una mente brillante pero decepcionada de la vida ante la inutilidad de la existencia. El vacío existencialista que describe minuciosamente Gregorio Uribe mientras se desplaza por las calles de Nueva York nos conduce implacablemente en su largo viaje hacia la noche, a la absoluta desnudez de sus más recónditas angustias. MIGUEL FALQUEZ-CERTAIN
La historia detrás del libro
El libro utiliza un momento de quiebre (13 de septiembre del 2016), como el punto desde donde el personaje principal analiza, recuenta su vida y su constante obstinación por el suicidio desde los ocho años.
«‘El llamado’ es una novela que comencé a escribir hace 7 años, el 13 de septiembre del 2016. Luego de pasar un momento que dividió mi vida en dos, me senté a intentar recordar los hechos con la mayor fidelidad posible. Poco a poco se fue desarrollando un tipo de relato que con los años continué trabajando hasta que llegar a convertirse en el libro que es hoy. Comencé a escribir a modo de terapia. Poco a poco, de la mano de Gabriela De La Parra inicialmente como correctora de estilo, y más adelante junto a Abisinia Editorial», explica Gregorio Uribe.
‘El llamado’ busca que el lector pueda entrar en la mente de una persona que ha decidido quitarse la vida por razones, quizá difíciles de entender o que podríamos llamar psicológicas o filosóficas.
La historia sucede por las calles de Nueva York y se mencionan lugares, esquinas, bares y muchas referencias que intentan describir una época – casi un laberinto – dentro de esta gran metrópolis, por un lado sobrepoblada y por otro, tan llena de soledades.
El libro y la música
Aunque ‘El llamado’ no es un libro musical, sí guarda relación con el tercer disco de Gregorio Uribe llamado ‘Hombre Absurdo’.
Según nos explica el propio Gregorio Uribe, «Alguien que lee el libro, podrá entender el disco». Todo comienza con el título del álbum musical (‘Hombre absurdo’) que se creó a partir de la lectura de ‘El mito de Sísifo’ del escritor Albert Camus, mencionado en la novela de varias maneras, incluida su frase icónica »No hay más que un problema filosófico verdaderamente serio y es el suicidio».
En ‘El llamado’ el lector podrá notar cómo algunas canciones fueron evolucionando o siendo interpretadas de distinta manera. También, muchas de estas canciones están basadas en las lecturas o reflexiones existenciales que, de cierta manera, acompañaron al autor durante aquel momento álgido. Por ejemplo, Atlas está basada en la frase de Nietzsche «Dios ha muerto». La canción intenta narrar de manera mitológica qué sucede cuando una persona o sociedad pierde su noción de «Dios».
‘Hombre Absurdo’, sencillo que da nombre al álbum, está basado en el mito de Sísifo de Camus, donde el autor propone la filosofía del «absurdo» como una alternativa al suicidio físico o filosófico. También se inspira en la frase de Sartre «Condenado a ser libre».
La canción ‘Palacio de cristal’ está inspirada en ‘Notas del subsuelo’ de Dostoievski e intenta hacer reflejo de la neurosis y el pensamiento cíclico. Por su parte, ‘Hamartia’ es una palabra griega de la poética de Aristóteles que nos habla de la caída del héroe. Esta canción conecta con el libro desde el aspecto de la desilusión sobre nosotros mismos y el sentirse o condenarse a no poder ser una mejor versión. Finalmente, ‘Damasco’ se basa en la historia bíblica de Saulo y la búsqueda de la redención.
Así que el disco, nominado al Latin Grammy 2023, es una manera de confesar todo aquello pero desde la sutileza, la metáfora, el mito, el acertijo… El llamado abarca estos temas desde la desnudez y la vulnerabilidad.
2024 ha sido un año productivo para Independiente 81. La banda de pop punk bogotana publicó los sencillos ‘Llévame a casa’, ‘En nombre de ella’ y ‘Básico’, regresó a los escenarios para tocar en varios lugares de la ciudad y amplió su base de fans en Colombia y Latinoamérica gracias a un trabajo de expansión que los llevó a dar a conocer su propuesta en todo el continente. Ahora, el grupo conformado por Lucas Urdaneta (voz/guitarra), Daniel Raad (bajo/voz), Carlos Bahamón (batería) y Andrés Pinzón (guitarra), está listo para presentarle al mundo su nuevo disco ‘Ruido Blanco’.
«Nos ha gustado la recepción que han tenido los sencillos en el público. Cada uno, a su manera, ha sido recibido de forma particular de acuerdo con su estilo y los gustos de la gente. Cada lanzamiento ha tenido su desarrollo y su vida a través de la recepción que hemos percibido del público y de los medios. Ha sido interesante ver y sentir cómo han conectado las personas con cada sencillo y cómo ha ayudado a que la banda tenga mayor visibilidad», comenta el grupo.
‘Ruido Blanco’ es el nuevo álbum de Independiente 81, un trabajo variado que habla de múltiples situaciones que vive un hombre en sus 40’s en medio de estas épocas tan volátiles y superficiales: el amor, los sueños bizarros y engañosos, la adicción a las redes, el paso del tiempo, la pérdida de un perro inseparable, la política y su teatro internacional, la simpleza de ser como persona, la inevitabilidad del pago de impuestos y un llamado a seguirle dedicando tiempo y esfuerzo a la música, al ruido que hace felices a los integrantes del grupo y les da algo de sentido a su vida.
El disco explora sonoridades de pop punk, skate punk, rock melódico, punk rock y balada pop sin casarse con un solo estilo y tono.
«Es un disco que cubre bastantes facetas y preocupaciones de una persona con el suficiente tiempo para reflexionar (¿perder?) de cuanta cosa le pasa por su cabeza. El mensaje principal del álbum es que los 40 llegan con toda a arrasar con sus afanes y responsabilidades (lo sentimos mucho Daniel que está en sus 20s con todas las ilusiones intactas). Sacamos todo lo que teníamos en la cabeza a través del punk rock que tanto nos apasiona», agrega la banda.
‘Ruido Blanco’ de Independiente 81 criticaa los tiempos actuales en tono oscuro y pesado en ‘Mi droga menos favorita’, aborda el rock con una pizca de hardcore melódico en ‘Indignación’, se burla de sí mismo en ‘Básico’, le hace una crítica social a la vida adulta con algo de humor en ‘Dile a la Dian’, le canta al amor y a las vibraciones positivas en ‘Llévame a casa’, reflexiona a través del rock en ‘Quédate a mi lado’, impregna pop punk en su máxima esencia en ‘El mal menor’, inspira un pogo agresivo con ‘En nombre de ella’, presenta una balada honesta y llena de sentimiento, un leve desgarro del alma, en ‘Tan solo ayer’; y le canta a la melancolía y la esperanza a través de una balada neo en ‘No dejes que se apague la luz’.
«Queremos que ‘Ruido Blanco’ llegue a la mayor cantidad de países y público posible y que los que lo escuchen conecten, a su manera, con la propuesta. Esperamos que este trabajo reciba buenos comentarios (los malos por favor con tacto porque somos sensibles) y logre conectar con las almas rockeras de la región», puntualiza Independiente 81.
Independiente 81 realizará el lanzamiento oficial del disco ‘Ruido Blanco’ el sábado 19 de octubre en Bogotá en la cervecería Statua Rota del Parkway. El concierto contará con la participación de las bandas amigas Blast55, Los Rabones, Bonus Trak y One Reason To Rise. «El nuevo álbum de Independiente 81 es una gran apuesta que hicimos desde su grabación hasta su conceptualización. Hay sonidos variados dentro del punk rock, el pop y el rock. En términos de las canciones, sus letras y ritmos son para todo el mundo y creemos que es un gran disco de rock colombiano que vale la pena oír. Fue trabajado con tiempo y dedicación y consideramos que se nota en el resultado final. La experiencia de haber tocado tantos años y conocer el género también cuenta», concluye Independiente 81.
Los Inconformes es una banda de ska y rock, fundada en Puerto Rico en los años 90 en una época donde la escena del rock nacional de su país comenzaba a dar los primeros pasos de lo que serían las agrupaciones que definieron el género en la isla.
Durante su carrera, el grupo ha tenido variación en su alineación, sin embargo, cada integrante ha aportado significativamente al proyecto hasta lograr consolidarlo como uno de los proyectos protagónicos del movimiento rock en Puerto Rico.
Abcir Meléndez (voz), Luis Santiago (guitarra), Héctor Cott (batería), Ángel Omy Rey (saxofón), Nicolás Rivera (congas), Víctor Hernández (bajo), Xavier Aponte (trompeta), Jose Cruz (saxofón) y Sony Díaz (trombón), integrantes de Los Inconformes en la actualidad, se definen como pioneros en Puerto Rico de la fusión de ska con otros géneros como el rock, reggae, rap, punk, funk y hardcore.
«A través de nuestras canciones tratamos de abordar todo tipo de temáticas. La vida nos sucede y como tal, así nacen las canciones. Pueden ser experiencias de vida como, situaciones de corte social, político o situaciones jocosas. En fin, de todo lo que nos rodea o inspire al momento de escribir siempre será perfecto para convertirlo en una canción», cuentan Los Inconformes cuyas influencias están marcadas por proyectos como Los Fabulosos Cadillacs, Control Machete, Voodoo Glow Skulls, Bad Religion, Red Hot Chilli Peppers, entre otros.
‘Así no se puede querer’ es lo nuevo de Los Inconformes, una canción que cuenta la historia de una Femme Fatale que utiliza sus atributos para dominar a un hombre. El sencillo tiene una base de ska con secciones de punk, rock pesado y un toque de flamenco español.
«Usualmente estamos acostumbrados a escuchar las historias de los chicos malos que se aprovechan de las mujeres, en este caso, la intención fue invertir la historia y que la mujer fuera la figura dominante de la canción. Básicamente ella es una Femme Fatale y durante el trayecto de la historia vemos cómo él se envuelve en este juego que, a pesar de que sabe que esta aventura tendrá un final oscuro, le resulta imposible de resistirse ya que le fascina este juego de seducción», enfatiza el grupo.
‘Así no se puede querer’ está acompañada de un videoclip que sigue el concepto de la letra de la canción. Se ve a la chica fatal entrar a un bar y mientras está en una barra tomando unos tragos junto a su cigarrillo, muestra varios cambios de conducta hacia su ‘víctima’. El clip refleja esas noches de fiesta, jolgorio y bohemia en las que no se sabe lo que pueda suceder.
Para Los Inconformes: «Al ver cómo se maneja la industria musical hoy en día entendimos que la mejor decisión en estos momentos es salir con sencillos de manera continua y de esta manera poder extender la vida de cada canción, tener tiempo para crear nuevas canciones con sus fusiones particulares y a la vez alimentar nuestra proyecto y propuesta ya que en la actualidad todo se mueve más rápido y la vida de un EP no es la misma que hace varios años atrás».
Los Inconformes se presentarán el próximo viernes 11 de octubre en el Rotofest en Cuenca, Ecuador y esperan seguir extendiendo su alcance internacional a varios países de Latinoamérica.
Los puertorriqueños visitaron Colombia en 2023 en el Ska Para Todos Fest en Bogotá y compartieron escenario con agrupaciones como El Punto Ska, Dafne Marahunta, Desorden Social y Los Highros.
«La meta de nuestra propuesta musical es disfrutar lo que hacemos. El ska es un género que invita a estar con amigos y eso intentamos hacer. Buscamos con nuestras canciones que quienes nos escuchen olviden sus problemas y tengan un momento de relajación y buena energía», concluyen Los Inconformes.
Ale Camalión es el proyecto solista de Alejandro Cardona Arango, un músico de la ciudad de Medellín, Colombia que busca vivir su vida de la manera más plena y esto lo logra haciendo música. Tras haberla abandonado durante 6 años por la presión social que dice «de la música no se vive», y caer en su más profunda depresión, entendió que una vida sin razón no es más que una mísera existencia por lo que decidió continuar trabajando como diseñador gráfico solamente para apostarlo todo tratando de algún día vivir de hacer música.
«Siempre sospeché de sufrir depresión, pero fue tan solo tras haberla vivido en su peor expresión que entendí lo que implica para alguien padecer una enfermedad como esta. Entonces tras conocer el canto de esa Gran Sirena, busco ofrecer mi voz enmarcada en un paisaje sonoro, esperando que todos aquellos que duermen bajo agua atados al canto de la depresión y otras sirenas, puedan escucharla y les sirva para liberarse, aunque sea lo suficiente como para volver a respirar», cuenta.
A través de sus canciones, Ale Camalión deja un mensaje claro: «no estamos solos en esta lucha contra nosotros mismos y al igual que mi música, yo mismo quiero ser apoyo, compañía y a su vez encontrar en los demás eso mismo».
Ale Camalión está inspirado por los ritmos y sintetizadores del synthpop y new wave, las guitarras cargadas de efectos del shoegaze y dream pop, las melodías vocales de The Beatles y el pop más actual, y la libertad de explorar el sonido que se permite el rock progresivo.
«Busco crear aquellas fotografías de mi mundo, referenciado en bandas como Tan Biónica, Zoé, MGMT, Arcade Fire, El Mató a Un Policía Motorizado, Margarita Siempre Viva y La Banda del Bisonte, entre otras», agrega el artista paisa.
‘Mal y un reloj’ es lo nuevo de Ale Camalión, una canción que aborda una temática conflictuante para quienes padecen de alguna enfermedad mental. Busca recrear ese espacio delirante que es la cabeza cuando escucha cantar a la sirena, mediante reverberación, sintetizadores que crean ambientes espaciales, pero manteniendo un ritmo y dinámica en el sonido. Es perfecta para escuchar no solo cuando se recae en esos problemas derivados de la neuro divergencia, sino también cuando se pasa por esos buenos momentos donde abunda el aire, donde igualmente es importante recordar que la vida es un vaivén.
«En la mayoría de los casos estas enfermedades nos acompañarán durante toda nuestra vida, por eso, es preciso aceptar que ese mal interior es parte de quienes somos y para aceptarnos a nosotros mismos también debemos entender a este como una parte nuestra. Así entonces, aunque a veces parezca que nuestros demonios ya no están, es solo cuestión de tiempo para que regresen, y es aquí donde está la importancia de saberlo, para así aprender a estar preparados y enfrentarlos nuevamente», enfatiza el músico.
El videoclip animado de ‘Mal y un reloj’ representa un poco lo que es hundirse en el fondo del mar que hay en la cabeza. Entonces se ve cómo los hábitos, el día a día, los pensamientos y hasta añoranzas, comienzan a nadar allí junto al intento por seguir a flote.
‘Mal y un reloj’ es el tercer lanzamiento de Ale Camalión y la canción que más logra acercarse al sonido que imagina para su proyecto. Inicialmente hace parte de lo que sería su Ep debut, aunque existe la posibilidad de que se convierta en un álbum. En cualquiera de los casos, será un viaje introspectivo donde nadaremos desde lo más hondo de su cabeza hasta la superficie, recorriendo los sucesos más trascendentales que ocurrieron hasta llegar allí.
Actualmente, Ale Camalión se encuentra trabajando en su próximo lanzamiento ‘Noche negra’ que ya está en proceso de mezcla y saldrá a finales de octubre o principios de noviembre.
«Todas mis canciones han sido grabadas en Medellín en el estudio Particular.rec, producidas por mí y por Simón Ramírez Acosta (guitarrista de La Banda del Bisonte), mezcladas por el mismo Simón y masterizadas por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy. La interpretación ha estado en manos de Simón Ramírez en las guitarras y bajo, Alejandro Campero en la batería (Miembro de Armenia) y por mí en los teclados y voz», puntualiza.
«Creo que para todos aquellos que nos embarcamos en este sueño nos es inevitable imaginarse algún día en medio de un estadio en el abrazo de miles de personas y, aunque no soy la excepción, la búsqueda de mi felicidad es la razón por la que hago música, así que con poder dedicarme 100% a mi música y de ayudar con ella a cuanta gente pueda, doy por cumplido el objetivo; sin embargo, conociéndome bien, soy un poco ambicioso y buscaré siempre llevar mi música a un nivel más alto, pues adaptarse al cambio para mejorar es en parte una de las razones por la que me llamo Ale Camalión», concluye.
Luego de haber dedicado el primer semestre del año a la exploración musical, con bastantes horas en estudio probando diferentes equipos y sonidos para sus futuros lanzamientos, el artista de punk rock colombiano Ollie Bend está de regreso con nueva música. Esta nueva etapa en su carrera lo ha llevado a tener nuevas influencias y a ampliar sus horizontes, inspirado y motivado a romper las barreras de la música moderna con un proyecto que está en proceso.
‘Sweet Liar’ es lo nuevo de Ollie Bend, una canción con sonido punk rock que nació cuando el artista, luego de mudarse a una ciudad diferente en Estados Unidos, conectó su guitarra por primera vez en su nuevo hogar. Habla acerca del desgaste y de un abrir de ojos a un amor que no está ahí. Una aceptación y muestra de desinterés a aquello que nos desgasta innecesariamente.
Es una canción abierta a las diferentes experiencias y dramas amorosos que cada persona ha vivido, donde la voz actúa como un desahogo. Su temática principal es el alter ego del amor, una versión de relación completamente contraria a lo que todos esperan del mismo.
«Al tocar, me produjo una sensación de un aire diferente y el comienzo de una nueva etapa en mi vida. Así describo el riff con el que comienza la canción, un riff enérgico alimentado por el sonido único de las guitarras Les Paul y la potencia de los cabezotes Marshall, seguido de un nuevo tono de voz más agresivo y propio del punk rock», comenta Ollie Bend.
El sonido de ‘Sweet Liar’ está muy inspirado en los tonos de guitarras del álbum ‘American Idiot’ de Green Day, el cual hace doce años fue la puerta de entrada del músico colombiano al mundo del rock, fue la inspiración perfecta para coger una guitarra por primera vez y el punto de partida de lo que es hoy musicalmente. En la batería tiene influencias de Travis Barker de Bink-182.
‘Sweet Liar’ es el regreso a las raíces musicales de Ollie Bend, es la muestra de lo que el artista puede hacer en el mundo del punk y es el punto de partida de lo que será una nueva etapa en su carrera musical. Esta canción es la demostración más pura de que, por mucho que el mundo cambie de una forma exponencial, el punk siempre va a ser la mejor y más sincera manifestación artística de expresión enérgica y atemporal. Una muestra más de que el rock jamás estará muerto.
El video de ‘Sweet Liar’ refleja el sentimiento de Ollie Bend al grabar la canción. Se muestra el proceso de grabación de varios instrumentos de forma independiente que convergen en el sonido completo y potente que tiene la canción. Es una canción con bastante energía, perfecta para comenzar el día y para hacer deporte o alguna actividad llena de adrenalina.
La portada del sencillo es una representación de lo que fue Ollie Bend en la composición de la canción. Estando en un espacio nuevo, encerrado con instrumentos e impulsando la creatividad.
«Una vez terminado el demo de la canción, me acosté en el suelo a escucharla, mientras veía los instrumentos que acaban de crear este nuevo track en un nuevo espacio, mientras tenia de frente a mí brazo con tatuajes que expresan mi historia musical. Fue un momento bastante significativo, por eso quise capturar el momento y adherirlo al conjunto de expresiones que la canción es para mí», enfatiza el artista colombiano.
‘Sweet Liar’ es la primera de un conjunto de canciones que hace parte de un proyecto en el que Ollie Bend está trabajando. Antes de finalizar el año, el músico lanzará un último sencillo que sentará las bases y a la vez se convertirá en un nuevo adelanto de lo que será su próximo disco de estudio. Este single irá acompañado de una serie de shows en Florida, Estados Unidos, los cuales serán anunciados a través de sus redes sociales.
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