Ciudadano Z presenta el bolero trip hop ‘De las calles con amor’

Ciudadano Z arranca el año firme y con pie derecho. Luego de cerrar con broche de oro el 2024, recibiendo el premio por el videoclip de su canción ‘El Rey Sol’ en la categoría Mejor Video con uso de I.A. en el Muvic Fest de la ciudad de Pasto, Colombia, y premio a Mejor Score Original en el Bogotá Horror Film Fest por la banda sonora del cortometraje ‘Una noche de estas’, el proyecto de hip hop bogotano inicia el 2025 con música y una sesión en vivo muy íntima de una reversión de la canción ‘De las calles con amor’.

«El objetivo principal de este año es lanzar el nuevo álbum a mediados de 2025 y promocionarlo, será muy versátil y diverso, así que la idea es poder abrirnos espacio en diferentes audiencias, desde la escena hip hop hasta la escena alternativa. De aquí a la fecha de publicación se lanzarán algunos sencillos y para el mes de abril estaremos presentándonos en el Eje Cafetero (Montenegro y Pereira)», cuenta el artista bogotano.

‘De las calles con amor’ de Ciudadano Z es una observación de las calles nocturnas de una urbe vibrante y voraz como Bogotá, una visión de sus dinámicas, sus historias y sus habitantes. Habla de la vida en las calles desde una óptica contemplativa, pasando de ser contada por un testigo omnisciente que describe el paisaje nocturno y situaciones callejeras, a convertirse en un narrador en primera persona que reflexiona sobre su vida. Aborda temas como la melancolía, la drogadicción, las dinámicas sociales en la vida de calle y el anhelo de amor a pesar de las dificultades.

La canción es un Bolero / Trip Hop que mezcla trompeta, trombón, contrabajo, percusión, piano, voces y pregones, con un beat pesado que mantiene el cabeceo sobre la base latina y añadiendo una atmósfera un poco más oscura y menos tropical que genera una simbiosis perfecta con la crudeza de los temas tratados en la canción.

«Al ser una canción tan diversa sonoramente, le apuesto a que sea escuchada por audiencias muy distintas, el nicho está en la cultura hip hop, pero maneja un lenguaje muy digerible para oyentes de cualquier tendencia. El hecho de que sea un bolero que habla de la calle y sus problemáticas en los 2020’s, también permite que nuevas generaciones se acerquen a este género y a la música tradicional latinoamericana y se identifiquen con las visiones y emociones allí plasmadas; todo con la intención de tocar puertas en nuevos espacios para mostrar la propuesta de Ciudadano Z», cuenta.

El video de ‘De las calles con amor’ es una sesión en vivo que se realizó dentro de una serie de sesiones producidas por El Orden Del Beat, en cabeza del productor Freddy Páez, denominada ‘Enlazador’, y de la cual ya se publicó también ‘Tiempos de quiebre’, canción de Páez 0dB.

La sesión cuenta con la participación de grandes músicos como Juan Manuel Toro (Hombre de Barro y RompeRayo) en el contrabajo, Juan Pablo Bello (TSH Sudaca y Hábitat) en el piano, Jeisson Mora (Alerta) en la trompeta, Jaime Giraldo (Sr. Ledesma y Ali A.K.A. Mind) en el trombón y Germán Gómez e Isabel Segura en la percusión y los coros.

El videoclip se grabó en directo en las instalaciones de Enno Music, sello independiente y estudio de grabación ubicado en el barrio La Macarena de Bogotá.

«Es ideal escuchar ‘De las calles con amor’ en la noche para reflexionar o en la madrugada para ahogar las penas, aunque también en momentos de agradecimiento por la vida, para recordar la realidad palpitante de una metrópoli», puntualiza Sebastián Zúñiga, cerebro de Ciudadano Z.

‘De las calles con amor’, originalmente hace parte de ‘Una noche de estas OST’, banda sonora del cortometraje que lleva el mismo nombre y que ganó premio a mejor corto nacional y Mejor Música Original en el Bogotá Horror Film Festival.

Esta nueva versión está cantada por Ciudadano Z y no por Lucho Zúñiga como en la versión original, y tiene los arreglos del beat Trip Hop, además de haber sido grabada en vivo, Con esta sesión se cierra la etapa de ‘Una noche de estas’ para recibir los nuevos sencillos que vienen en camino mientras se estrena el álbum: ‘Cicatrices’ (Un bolero de guitarra y rap), ‘Agrio’ (Un experimento de Trap iracundo) y una colaboración muy especial que muy pronto se revelará.

La portada de ‘De las calles con amor’ fue diseñada por Natalia Durán, utilizando dos fotografías de la calle que posteriormente fueron intervenidas. En el fondo se observa un callejón y la silueta de tres músicos con sus instrumentos (personajes fundamentales en las calles de Bogotá), y al frente una mesa con dos vasos flameados, haciendo alusión al coro de la canción: «Brindo con fuego por todos, de las calles con amor»; siendo una invitación directa a brindar por la vida, la noche, las calles y sus habitantes.

Escucha ‘De las calles con amor’ de Ciudadano Z en tu plataforma musical favorita https://found.ee/DLCCAZ-1

Una canción de resiliencia y transformación, así es ‘Río Arriba’ de Falquez y Pavel Urkiza

Es una canción ideal para momentos de introspección, es perfecta para reflexionar, encontrar claridad y reconectar con el propósito personal.

El artista colombo estadounidense Falquez y el músico y compositor cubano Pavel Urkiza comienzan el año con el lanzamiento de ‘Río Arriba’, un proyecto que une sus estilos y visiones artísticas.

‘Río Arriba’ es una oda al espíritu resiliente que navega contracorriente. Explora la búsqueda de identidad y propósito en un mundo lleno de desafíos. Temáticamente, aborda la soledad, el rechazo y la transformación personal, encapsulando un viaje hacia la autoaceptación y la libertad.

‘Río Arriba’ fusiona elementos de música andina, rock alternativo y folk contemporáneo. Con guitarras acústicas y eléctricas, percusiones profundas, y un timple que evoca raíces ancestrales, la canción ofrece una atmósfera envolvente que conecta lo introspectivo con lo universal.

«Queremos conectar emocionalmente con la audiencia y posicionar la canción en mercados clave de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. También buscamos establecer una base sólida de oyentes y presentar un repertorio colaborativo que refleje nuestra versatilidad musical», cuentan.

El video de ‘Río Arriba’ se desarrolló utilizando imágenes generadas con inteligencia artificial, una decisión artística que realza la temática de la canción. Las imperfecciones propias de esta tecnología se convierten en una metáfora visual de las emociones humanas y de la vulnerabilidad que aborda la letra. A través de esta estética, el video refleja la fragilidad de la condición humana, mostrando el contraste entre la búsqueda de perfección y la autenticidad emocional.

La canción es el resultado de un esfuerzo colectivo que combina distintos talentos y sensibilidades musicales, grabada en múltiples locaciones. Pavel Urkiza lidera la producción y los arreglos, además de contribuir con su voz, guitarra española, timple, teclados y programación, fusionando influencias afrocaribeñas y mediterráneas. Daniel Falquez aporta su voz, guitarras acústicas y eléctricas, y coros, añadiendo una sensibilidad melancólica y alternativa al tema. Ambos grabaron sus partes en el estudio personal de Pavel en Miami. La batería, a cargo de Jorge ‘Gio’ Montañez, fue grabada por Paolo Angulo en The Heat Studio en Pembroke Pines, mientras que el bajo, interpretado por Arián Suárez, así como la mezcla y masterización, fueron realizados por Javier Monteverde en Cezanne Producciones en Madrid, España. Estos aportes se integraron para crear un tema con dinamismo, profundidad melódica y un sonido cálido y cohesivo.

«La canción busca resonar con una audiencia global que se identifique con sus temas de resiliencia y transformación. Esperamos posicionarla en playlists, medios que se afinen con la temática y conectar emocionalmente con oyentes de diversas culturas», agregan Falquez y Pavel Urkiza.

El arte de la portada está inspirado en el video y captura la esencia del personaje en un momento de soledad introspectiva. Con un enfoque minimalista, la imagen transmite la lucha interna y la conexión con la naturaleza, simbolizando el viaje emocional de la protagonista. La combinación de texturas y colores refuerza la sensación de aislamiento, mientras sugiere esperanza en medio del desafío.

Durante el primer semestre de 2025, tanto Falquez como Pavel Urkiza tienen planeados nuevos lanzamientos musicales dentro de sus respectivos proyectos. Además, ambos continuarán realizando presentaciones en vivo, tanto como solistas como en proyectos grupales. Pavel retomará escenarios con el icónico dúo Gema y Pavel, mientras que Falquez seguirá activo con su banda Ramshackles, consolidando su propuesta alternativa. Estas actividades reflejan su compromiso con la música y su versatilidad artística, ofreciendo a sus seguidores experiencias únicas en cada presentación.

Escucha ‘Río Arriba’ de Falquez y Pavel Urkiza en tu plataforma musical favorita https://onerpm.link/103162585515

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Una carta de liberación y paz interior, así es ‘Resolución’ de Una Noche en Bogotá

La banda colombiana de indie rock alternativo Una Noche en Bogotá inicia el año con nueva música y hoy presenta ‘Resolución’, una canción que habla de una persona que estuvo durante mucho tiempo en una relación tóxica con algo (no necesariamente una pareja), y después de mucho tiempo por fin pudo salir de ella y retomar su vida. Es una carta de liberación donde esa persona se dice así misma «ya salí del infierno, ya salí de la oscuridad», resolviendo todo lo malo que implicaba estar en esa relación y le da la bienvenida a nuevos comienzos.

‘Resolución’ es probablemente la canción más compleja de Una Noche en Bogotá donde se exploran múltiples sonidos y ritmos, incluye ritmos colombianos como el bambuco, mezclados con drum n bass, sintetizadores y guitarras saturadas de efectos sin perder los ritmos distorsionados y fuertes de la banda.

«Esta canción muestra la madurez que ha adquirido la banda y creemos que es la puerta a un nuevo público. Queremos que esta canción marque el estilo del grupo y del álbum que vamos a lanzar durante este 2025. Es ideal para escuchar en esas ocasiones que necesitamos un empujón para seguir luchando por algo», comenta Una Noche en Bogotá.

La portada del sencillo es el bosque que está detrás del Usaquén urbano en Bogotá con un estilo neo black noir que es la propuesta visual que integrará todo el disco.

‘Resolución’ es el segundo sencillo del nuevo álbum que prepara Una Noche en Bogotá el cual se lanzará durante este año. El plan de la banda colombiana es lanzar 6 sencillos de un disco de 9 canciones. Esta producción explorará sonidos más crudos y una temática más oscura que el EP ‘Candelaria’.

«En nuestro nuevo álbum vamos a incluir más sonidos electrónicos, sintetizadores, guitarras influenciadas por el shoegaze y un sonido más fuerte», menciona el grupo.

«Este semestre nos vamos a enfocar más en la grabación del álbum que en los conciertos, sin embargo, estamos apostando para realizar al menos tres eventos», concluye Una Noche en Bogotá.

Escucha ‘Resolución’ de Una noche en Bogotá en tu plataforma favorita https://onerpm.link/123228527402

La canción que desnuda el lado oscuro de la mente, así es ‘Vulnerable’ de xCRISx EDGE

El músico colombiano xCRISx EDGE inicia el 2025 enfocado y con nueva música. Luego de centrar el 2024 en planificar su proyecto, ha destinado este nuevo año a materializar sus ideas y ‘Vulnerable’ es su primera carta de presentación.

‘Vulnerable’ es una canción que aborda un tema profundo de introspección, es la conversación entre una persona y sus sentimientos de ansiedad y depresión, esa voz que lo invita a caer en las sombras, a sumergirse en el silencio, buscando tal vez un lugar seguro o de escape, pero termina encerrado en un caos, pánico, llanto y dolor, tal vez en un ataque de pánico.

«La canción trata sobre temas de los cuales todos vivimos, pero no sabemos explicar, por eso quise plasmarlo de alguna manera en las líricas y melodías. De igual manera, nos invita a sentirnos identificados con estos estados de los cuales todos somos vulnerables», comenta el artista. «Es un recordatorio de que siempre somos vulnerables y que no está mal serlo o sentirnos caídos en algún momento de nuestras vidas», complementa.

Siguiendo la línea de sus antiguos lanzamientos, xCRISx EDGE va dejando una línea musical más definida entre los sonidos oscuros del new wave, con tonos más góticos y alternativos. Para ‘Vulnerable’, el músico se inspiró en proyectos como Nine Inch Nails, Clan of Xymox y Love and rockets, sonidos que le sirvieron de guía para el resultado que consiguió en la canción.

El video de ‘Vulnerable’ de xCRISx EDGE refleja de manera visual las sensaciones de vivir las emociones de ansiedad y depresión, la parte oscura, las voces de introspección que no se saben de dónde vienen, flashes de imágenes y cosas raras.

«Quería hacer un audiovisual artístico sin una narrativa lineal, más bien experimental e intentar que el espectador tenga el foco puesto en todo lo que pasa; también tal vez con la idea de sentirse identificado con la sinestesia de estas emociones», enfatiza el músico.

‘Vulnerable’ es el tercer single de xCRISx EDGE, sin embargo, aún no está pensado como un disco o EP. El artista seguirá lanzando sencillos que serán piezas que encajan en este proyecto solista para mostrar el sonido innovador y diferente que tiene acostumbrado a sus seguidores. Las temáticas y mensajes irán por la misma línea de introspección, emoción y vivencia con los sentimientos.

«Con cada lanzamiento que realizo, y este no es la excepción, quiero llegar a las personas que sientan la música de una manera más emotiva, que encuentren respuestas o algo en mis canciones como compañía o simplemente que alguien se identifique con ellas. Cada canción que compongo es un pedazo del alma que toma vuelo sin rumbo y sin esperar retorno», puntualiza xCRISx EDGE.

La portada de ‘Vulnerable’ busca transmitir o expresar el silencio y el vacío confuso entre el ruido y el «yo» que es un poco de lo que trata la canción.

xCRISx EDGE trabaja desde ya en un par de canciones más que verán la luz durante el año, entre ellas, un cover ya que con ‘La cinta rosa’ fue una buena antesala para apostar de nuevo a reversionar algún clásico. De igual manera, el artista espera confirmar varias presentaciones en vivo y si es posible llevar su proyecto a otras ciudades del país fuera de Manizales.

Una canción para recordar a un viejo amor, así es ‘Café sin azúcar’ de El Último Dinosaurio

El Último Dinosaurio es un proyecto musical de indie rock formado en Buenos Aires por Boika (voz y guitarra), Michael (bajo) y Sebastián (baterista). La propuesta nace cuando Gerardo Zelada (Boika) se fue de su país natal, Bolivia, para mudarse a Argentina.

La propuesta de El Último Dinosaurio se basa en la exploración emocional mediante la música. EUD es el alma de las canciones, es un ente que le da vida al arte de sus integrantes.

«A través de nuestras canciones nos permitimos sentir, conocernos mediante las emociones, aprender a disfrutar los momentos de la vida, caerse y levantarse, estar bien y estar mal, aceptarnos como humanos tal y como somos», cuenta el grupo con influencias de rock progresivo, surf rock, indie pop, synthwave y rock psicodélico en bandas como Pink Floyd y Tame Impala.

‘Café sin azúcar’ es el nuevo lanzamiento de El Último Dinosaurio, una canción que Boika escribió cuando extrañaba a alguien. Aborda el amor y el sentimiento de extrañar a un ser querido.

«Extrañar a alguien a veces tiene un sabor amargo, pero al mismo tiempo es bonito, como el café sin azúcar que es muy amargo, pero me gusta tomarlo de esta forma como a la persona que extrañaba», agrega Boika.

‘Café sin azúcar’ explora sonidos rock pop y electro pop. El grupo experimenta con instrumentos digitales que suenan a electro pop, pero manteniendo sonoridades rock en las guitarras.

El video de la canción muestra cómo se puede dar vida a un recuerdo, incluso sentir la presencia de esa persona. En la habitación tocando guitarra el ambiente se torna cálido y nostálgico para recordar con amor a esa persona que fue tan especial. El clip fue dirigido por Manuel Ríos Bridoux.

«Es una canción perfecta para escuchar en un parque recordando a un ex amor y disfrutando del amargo sabor de un café sin azúcar», enfatiza EUD.

 ‘Café sin azúcar’ forma parte del primer álbum de El Último Dinosaurio titulado ‘No puedo ser normal’ que consta de 11 canciones, las cuales abordan temas profundamente personales, la búsqueda del ser y la angustia existencial. El disco fue producido por Boika y masterizado por José Rico Suárez.

La portada del disco la diseñó Verónica Pulfer y refleja la angustia que transmiten las canciones. Es una persona en una posición de meditación que siente angustia, pero trata de mantenerse calmada; ella acepta lo que siente y se permite sentirlo para canalizarlo con música.

«Queremos darle tiempo de digestión al disco, darnos el tiempo de disfrutarlo y tocarlo en vivo. Esperamos lanzar un segundo álbum a finales de 2025», enfatiza la agrupación.

El Último Dinosaurio busca conectar emocionalmente con las personas de manera genuina. El propósito de la banda, liderada por Boika, es seguir haciendo música de corazón.

«Es una alegría inmensa ver al público disfrutando de nuestra música, siempre pondremos todo nuestro esfuerzo para sacar el mejor resultado posible», concluye la banda.

Con ‘Augurio’ y ‘Mentes estables’, el colombiano Nicolás Gámez explora el jazz norteamericano

Nicolás Gámez es un destacado bajista eléctrico colombiano, reconocido por su versatilidad y trayectoria en la escena del jazz y otros géneros musicales. Formado en la Pontificia Universidad Javeriana y actualmente en la Universidad Sergio Arboleda, ha participado en algunos de los festivales más importantes del país como Estéreo Picnic, Jazz al Parque, Rock al Parque y Cordillera, colaborando con artistas de diversos estilos.

La intención de su proyecto busca dar a conocer una propuesta de jazz con un enfoque norteamericano, pero con una raíz colombiana. Con una sólida formación y un estilo propio, Nicolás Gámez se posiciona como una de las figuras emergentes del jazz en Colombia.

«Mi objetivo es abrirle camino a esta propuesta dentro del ámbito internacional, destacando el talento y la creatividad que se está gestando en Colombia. Un elemento distintivo de mi próximo álbum ‘Augurio’ es la inclusión del bajo eléctrico, un instrumento que no forma parte del formato tradicional del jazz, pero que he integrado ya que es el instrumento que toco. Este proyecto refleja una búsqueda personal en la que quiero mostrar cómo el bajo eléctrico puede ser parte integral del jazz, expandiendo las posibilidades del género», cuenta el músico.

«Disfruto mucho escuchar jazz y a los artistas que admiro en este género. Quiero poder transmitir eso mismo que estos artistas me transmiten, desde las experiencias que he compartido con los músicos y amigos con los que llevo tocando hace tiempo», agrega Nicolás cuyas influencias hacen parte jazzistas de distintas corrientes como Lee Konitz, Warne Marsh, Joe Henderson, Dexter Gordon, McCoy Tyner, Peter Bernstein, Mark Turner, entre otros.

‘Augurio’ es el nuevo lanzamiento de Nicolás Gámez, es una composición propia en la que el músico busca evocar el lado más «blues» y «pesado» del hard bop. Al componer esta canción, el artista pensó en las sensaciones que le transmiten escuchar a McCoy Tyner y Joe Henderson.

Otro de sus sencillos es ‘Mentes estables’, una canción que surgió de la idea de querer componer un contrafact del standard «Stablemates». Un contrafact es una composición musical que se basa en la progresión de acordes de un standard ya existente, pero con una melodía y arreglos nuevos.

Esta canción busca esa sonoridad «hardbopera» que tiene el standard «Stablemates», pero desde una interpretación propia. El sencillo cuenta con un video grabado en una sesión en vivo.

«Estos sencillos son una muestra de lo que será el álbum ‘Augurio’ en donde busco integrar el bajo eléctrico como parte del formato del jazz y dar a conocer parte de la escena que se está gestando en el país», enfatiza el músico.

‘Augurio’, segunda producción discográfica de Nicolás Gámez, verá la luz el viernes 7 de marzo y está compuesto por 7 canciones. Este trabajo está inspirado en el jazz tradicional.

El arte de los sencillos y del álbum en general estuvo a cargo de Martín Sánchez Martínez, un artista que le ayudó al músico colombiano a conceptualizar la idea que tenía, buscando representar esas portadas clásicas de los discos de jazz de la disquera Blue Note de los años 50’s, 60’s y 70’s.

«Con este álbum pretendo expandir mi audiencia a nivel nacional e internacional. Pienso que este enfoque de jazz más «tradicional» no se ha explorado lo suficiente en el país. Además, creo que el bajo eléctrico no se ha explorado lo suficiente dentro de este enfoque, por lo menos en Latinoamérica, y pienso que es necesario darles visibilidad a propuestas de jazz en la región», concluye Nicolás Gámez.

Música para reflexionar, acompañar y sanar, así es ‘Lo Etéreo’ y ‘El Deseo’ de Teresa Terracota

Teresa Terracota es el proyecto de Ana Teresa García, una artista colombiana que encarna la dualidad de la vida: la resistencia y la adaptación. El nombre ‘Terracota’ no es solo un seudónimo, sino un reflejo de cómo la arcilla, un material moldeable y resistente, simboliza un viaje artístico. La propuesta nace de una conexión profunda con la música, las artes visuales y la vida misma; una fusión de influencias personales y culturales que emergen desde su infancia en La Ceja del Tambo, Colombia. Terracota es una manifestación de vida y muerte, una mezcla de lo tangible e intangible, y una búsqueda constante de identidad y expresión.

«Desde mis primeros pasos en la música junto a mi hermana, hasta mi evolución como artista en solitario, Teresa Terracota representa la transformación constante. La arcilla, como símbolo, captura esta dualidad: maleable pero fuerte, frágil pero resistente. Mi propuesta busca ser un espacio de encuentro entre el oyente y sus emociones más profundas. La intención es crear una experiencia auditiva que no solo entretenga, sino que también invite a la introspección y al autoconocimiento. Cada nota y cada palabra está diseñada para resonar con las experiencias universales del amor, la pérdida y la búsqueda de significado. Quiero que cada canción sea un refugio, un espejo donde las personas puedan verse a sí mismas, confrontar sus emociones, y encontrar consuelo o inspiración en el proceso. Además, comprender que somos una obra de arte, somos porque creemos y porque creamos. La intención de mi propuesta musical ha sido salvar mi propia existencia», comenta la artista con influencias de los boleros, el rock, el rap, el indie y el alternativo en artistas como Amy Winehouse, Ella Fitzgerald, Etta James, Billie Holiday, Norah Jones y Mon Laferte.

El mensaje principal de las canciones de Teresa Terracota es la aceptación de la dualidad de la vida: amor y pérdida, presencia y ausencia, luz y sombra. Son un llamado a abrazar la complejidad de la vida y a encontrar belleza incluso en los momentos más oscuros.

«Quiero transmitir que está bien sentirse vulnerable, que el dolor y la alegría son parte de un todo que nos hace humanos. Mis canciones son un recordatorio de que cada emoción y experiencia tiene un propósito en nuestro crecimiento personal. Quiero que mi música inspire a las personas a ser valientes, a encontrar belleza en lo cotidiano y a aceptar su propia humanidad con todas sus imperfecciones», agrega la cantante colombiana.

‘Lo Etéreo’ es lo nuevo de Teresa Terracota, es una introspección poética que nos sumerge en la complejidad de las emociones humanas frente al paso del tiempo y las cicatrices del amor. La canción está cargada de simbolismo, reflexionando sobre la inevitabilidad del cambio y el poder transformador de las experiencias amorosas. La letra toca temas universales como el aprendizaje, el desapego, y la resiliencia emocional. Musicalmente, el tema explora texturas suaves y melancólicas, probablemente con una base de jazz y soul que se entrelaza con elementos de indie y alternativo.

Invita al oyente a abrazar la impermanencia y encontrar belleza en la capacidad de amar a pesar del dolor. Es una canción que, aunque íntimamente personal, resuena con cualquiera que haya enfrentado la pérdida o el cambio. La intención es llevar al oyente a una reflexión profunda sobre sus propios viajes emocionales, instándolos a encontrar luz en la oscuridad y a seguir adelante, a pesar de las cicatrices del corazón. Es un acto de catarsis, sanación y la liberación emocional.

Otro de sus recientes sencillos es ‘El Deseo’, una oda a la pasión y la conexión íntima, explorando la profundidad del anhelo y el deseo humano en su forma más pura. La letra refleja una narrativa sensual y emocional, donde cada palabra está cuidadosamente tejida para evocar imágenes de cercanía y vulnerabilidad. La canción invita a un viaje de descubrimiento emocional, en el cual no solo se busca la cercanía física, sino una conexión profunda y auténtica con el otro. La letra sugiere un balance delicado entre la intensidad del deseo y la calma de un amor consciente. La dualidad entre la luz y la oscuridad es otro tema central. Con referencias a la noche, la luna y la luz que emana de ella, la canción crea un ambiente íntimo y misterioso.

Musicalmente, la canción se sumerge en el mundo del gypsy jazz o manouche, un estilo que aporta una mezcla de ritmo y elegancia. Los vientos crean un diálogo musical que acompaña la narrativa lírica, ofreciendo momentos de tensión y liberación que reflejan la dualidad del deseo. El gypsy jazz aporta una sensación de movimiento y fluidez, con sus ritmos ágiles y acordes complejos que crean un ambiente de misterio y encanto. La inclusión de elementos de jazz proporcionan una sofisticación que refuerza el carácter elegante de la canción. El ritmo funky, por otro lado, inyecta una energía contagiosa, haciendo que el deseo se sienta vivo y vibrante. Es una experiencia sensorial y emocional que invita al oyente a sumergirse en el universo del deseo consciente. Es una reflexión sobre la naturaleza del deseo y la conexión humana, sugiriendo que cuando el deseo se vive con autenticidad y presencia, se convierte en una fuerza que puede iluminar incluso los rincones más oscuros de la experiencia humana.

«Con estos lanzamientos, espero no solo resonar a nivel musical, sino crear una experiencia emocional que invite a cada oyente a adentrarse en sus propios mundos internos. ‘Lo Etéreo’ y ‘El Deseo’ no son solo canciones; son puentes entre el corazón y la mente, entre la vulnerabilidad y la fuerza que todos llevamos dentro. A través de sus letras y su música, deseo ofrecer un espacio seguro para que las personas puedan reconocer sus deseos más profundos, sus miedos y sus anhelos, y abrazar la complejidad de sus emociones sin juicio ni temor», enfatiza Teresa Terracota.

‘Lo etéreo’ y ‘El deseo’ hacen parte del álbum debut de Teresa Terracota llamado ‘Entre el amor y la ausencia’ que constará de 9 canciones y que van desde donde nace algo, puede ser tan sólo un instante de felicidad o de belleza, hasta un momento a solas o una soledad insoportable. Es una obra profundamente introspectiva y emocional que refleja las complejidades de la experiencia humana.

«A través de 9 canciones, exploro desde la primera chispa de la vida, cuando todo comienza a surgir en nuestras emociones, hasta el inevitable vacío de la ausencia que nos acompaña. Cada canción tiene su propio espacio y propósito dentro del álbum, creado con la intención de guiar al oyente a través de los altibajos de la vida, sin miedo a las sombras, pero con la esperanza de hallar luz incluso en los momentos más oscuros», puntualiza la artista.

Además de la publicación de su primer álbum, ‘Entre el amor y la ausencia’, Teresa Terracota tiene en mente una serie de lanzamientos que enriquecerán su propuesta. Planea lanzar sencillos que continúen explorando las temáticas universales del amor, la ansiedad, la ausencia y la búsqueda de la paz. Además, sus otros 2 álbumes ‘Esencias’ y ‘En Carne y Hueso’ vienen en camino para aportar más crecimiento a su proyecto. También tiene en mente un Live Session acústico.

La música de Teresa Terracota es ideal para aquellos momentos en los que se busca conectar con su ser más profundo. Es perfecta para las noches solitarias, cuando las emociones afloran, o para los días de lluvia, cuando la melancolía y la reflexión parecen abrazarnos. También es una excelente compañía para momentos de introspección, viajes largos donde el pensamiento se pierde en el horizonte o meditaciones en busca de claridad mental. La música de Terracota está diseñada para resonar tanto en la alegría como en la tristeza, como un refugio emocional que nos ayuda a navegar las complejidades de la vida con serenidad y entendimiento. Esta propuesta busca ser esa compañía para los días grises, pero también en los momentos de expansión, de creación, de descubrimiento. Porque al final, tanto en el amor como en la ausencia, cada emoción tiene su lugar en la danza de la vida, y sus canciones son un reflejo de ese viaje emocional que todos compartimos.

«Mis expectativas con este proyecto son profundas y de largo alcance. En primer lugar, espero conectar con aquellos que buscan más que música superficial, con quienes anhelan una experiencia emocional genuina. Aspiro a crear un espacio donde la música no sea solo un conjunto de melodías, sino una herramienta para la introspección y el crecimiento personal. Quiero que mi música resuene profundamente en quienes están dispuestos a sentir, a vivir plenamente cada emoción, sin miedo a lo que nos hace humanos. Es crucial que las personas descubran a Terracota porque mi música nace de nuestras raíces, pero busca trascender las fronteras de la región. Mi propuesta tiene una carga emocional fuerte, una autenticidad que no se encuentra fácilmente en el panorama musical actual, y una sensibilidad que refleja las luchas, los sueños y las esperanzas de nuestra cultura. En estos tiempos, donde la ansiedad, la desconexión y la incertidumbre parecen dominar, mi música puede ofrecer un espacio de refugio, de sanación, y de reencuentro. A través de mi trabajo, quiero ser una voz que no solo lleve el mensaje de las canciones, sino que también inspire a otros a ser vulnerables, a compartir sus historias, y a encontrar consuelo en su propio ser. Mi música habla de lo que nos une como seres humanos: el amor, el dolor, la esperanza, la ausencia. Es un llamado a abrazar todo lo que somos, a reconocer la belleza de nuestras imperfecciones, y a recordar que, a pesar de todo, no estamos solos», concluye.

[Novedad] UBanda despide el año con un mosaico junto a Banda Parranda

Luego de reactivarse con el lanzamiento de su sencillo ‘Don José y Doña Nubia’, la banda pop rock latino UBanda, originaria de Duitama (Boyacá), cierra el año con un mosaico de canciones junto a la prestigiosa agrupación Banda Parranda.

«Hemos tenido la bendición de un gran año rodeado de oportunidades y nueva música, nos estamos reinventando cada vez y el aprendizaje de cada día es invaluable para seguir progresando y proyectando nuestra carrera musical», comenta UBanda.

‘Mosaico’ es el nuevo de lanzamiento de UBanda junto a Banda Parranda, una recopilación de canciones perfectas para escuchar en temporada decembrina y de fin de año.

El Mosaico está conformado por el clásico ‘Golpe con golpe’ de Pastor López, continúa con la salsa ‘El preso’ de Fruko y sus Tesos, ‘La bella’ de Lisandro Meza y cierra con ‘Te necesito’ de la orquesta tropical colombiana Los Tupamaros.

A nivel sonoro, ‘Mosaico’ tiene bases de merengue, salsa, música tropical, bachata y rock latino. Es perfecta para subir el ánimo, tiene mucha fuerza y alegría impresa. Es una canción que representa felicidad en la época favorita del año.

«Nuestro ingeniero Andrés tiene una amistad linda con Charly y Willy de Banda Parranda (exintegrantes originales de Los 50 de Joselito), por eso, nos atrevimos a invitarlos y ellos con su súper actitud y sabor aceptaron e hicieron de este mosaico algo magistral», agrega el grupo.

Por su parte, para Banda Parranda «Es una hermosa oportunidad para colaborar con UBanda, su experiencia y talento nos aporta en lo absoluto a lo que esperamos se convierta en un gran éxito».

El video de ‘Mosaico’ fue grabado en el estudio de UBanda con un estilo Free Live que mostrara la espontaneidad de los dos grupos a la hora de interpretar las canciones con mucho sabor y alegría.

«Deseamos que ‘Mosaico’ sea una canción que las personas bailen y canten en estas fiestas de fin de año, pero sobre todo que disfruten a máximo volumen de esta colaboración única y especial. Nos encanta explorar nuevos sonidos y que mejor que hacerlo reviviendo clásicos hermosos que vale la pena escuchar mil años más», enfatiza UBanda.

UBanda tiene en las próximas semanas varias presentaciones confirmadas en los aguinaldos de Tunja y para el próximo año en las ferias y fiestas de Duitama.

Systema Solar y Herencia de Timbiquí encabezan el cartel del Encuentro Cultural Ciberpaz

El 13 de diciembre Bogotá recibe el primer Encuentro Cultural Ciberpaz, un evento en el que la música, la fotografía, la danza y otras artes se darán cita para hablar del uso seguro, consciente, crítico, incluyente y productivo del internet.

El evento será de entrada libre hasta completar aforo en Corferias a la 1:00 pm para disfrutar de una programación cultural en la que se premiará a los ganadores de las convocatorias y podrás disfrutar de muestras artísticas y música en vivo.

El Line UP está encabezado por Herencia de Timbiquí, Systema Solar y Adriana Lucía tres grandes representantes del folclor colombiano. A ellos se suman Metropol, Alto Grado, The Good Gorilla, Monserrate y muchos más.

El Encuentro Cultural Ciberpaz también será un espacio para entregar los premios de las convocatorias y conocer los nuevos talentos que participaron en ellas.

Sobre la ‘Hackathon’:

CiberPaz invitó a innovadores, expertos en ciberseguridad, diseñadores, entusiastas de la programación y desarrolladores a una ‘Hackathon’, que busca encontrar soluciones de acceso a datos disponibles en la web que sean relevantes para los seis pilares del programa, uso de modelos generativos y ‘Large Language Model-LLM’. El objetivo era encontrar soluciones de seguridad y convivencia digital.

Para esto, se destinó una bolsa de premios que oscila entre los 4 y los 10 millones de pesos y serán entregados durante el evento.

Sobre la Convocatoria de artistas:

La convocatoria invitó a artistas colombianos de diferentes disciplinas a mostrar su talentoy conectar con Ciberpaz. Las categorías fueron: Música (solista/agrupación), Poesía, Fotografía, Danza, Literatura, Artes Plásticas y Muralismo.

Se evaluó su originalidad, creatividad, calidad artística y coherencia con las temáticas de la convocatoria. Los ganadores recibirán equipos tecnológicos y/o la oportunidad de exponer su trabajo en el Encuentro Cultural.

Sobre CiberPaz

Este programa del Ministerio TIC busca crear nuevas ciudadanías digitales en Colombia, donde el diálogo, la empatía y el uso responsable de las TIC sean la norma. A través de talleres gratuitos y formaciones virtuales, se brindan las herramientas y el conocimiento para navegar por Internet de forma segura, consciente, crítica, incluyente y productiva.

La Iniciativa que hace parte de la Dirección de Apropiación TIC llega a los 32 departamentos de Colombia, con una oferta que estará a disposición de todos los ciudadanos. Cuenta con una oferta inclusiva dirigida a niñas, niños, adolescentes, adultos, adultos mayores, personas con discapacidad, minorías, y comunidades en zonas rurales, comunidades NARP, indígenas, mujeres, víctimas del conflicto armado y la población LGBTIQ y municipios PDET. Tecnología y medio ambiente.

A través de CiberPaz se fomenta la creación de ciudadanías digitales en las que la convivencia constructiva y el acceso empático a la sociedad del conocimiento son prioritarios mediante seis componentes clave:

-Seguridad y confianza digital

-Diversidad e inclusión digital

-Libertades tecnológicas

-Herramientas TIC para el trabajo incluyente y seguro

-Derechos digitales y derechos de autor

-Tecnología y medio ambiente

CiberPaz es un programa gratuito y abierto a toda la población colombiana, que no necesita de conocimientos previos en tecnología para participar. Podrás sumarte mediante dos líneas de acción: Ciberpaz Sensibilizaciones y CiberPaz Formaciones.

Laura Azul lanza ‘¿Quién soy?’, una canción para hacer catarsis y reencontrarse

La cantante y compositora colombiana Laura Azul ha tenido un 2024 imparable lleno de noticias musicales y shows inimaginables. Comienza el año como artista invitada en la gira nacional Don Tetto Acústico en Medellín, participó en el Festival Iberoamericano de la Voz (hablada e interpretada) Viva Voz para grabar y cantar el jingle oficial en Bogotá, cantó junto a su agrupación Lilith en el Festival Rock al Parque 2024, retomó su proyecto Blakk Bone Band ahora banda de planta de 20 Mission Bar, además sigue consolidando sus shows tributos como los mas exitosos de la ciudad con numerosas presentaciones como tributos a Shakira Filarmónico, Divas del Pop y A grito herido, esperando a expandirse a otras ciudades del país. Ahora, para finalizar el año, la artista paisa presenta su nuevo sencillo ‘¿Quién soy?’.

‘¿Quién soy?’ de Laura Azul es el tercer capítulo de su EP ‘Renacer’ que consta de 4 capítulos que cuentan una historia hilada entre canciones, habla de un ser complejo que sufre una serie de rupturas y va mutando con el tiempo hasta renacer y reencontrarse a si mismo. Es una historia cotidiana en la que cualquier persona puede verse sumergida e identificada.

El primer capítulo es ‘La Mirada’,el comienzo del caos, cuando las palabras ya no alcanzan está esa mirada que lo dice todo, que muestra la incomodidad de alguien que ya no se siente bien con los que lo rodean ni consigo mismo. El segundo capítulo es ‘Respirar’,una sensación levitativa donde el caos ‘ya pasó’, sale de ese entorno caótico y toma un respiro en medio de todo lo que tiene que asimilar, un respiro en medio de la bruma que no le permite ver dónde está su verdadero yo.

El tercer capítulo ‘¿Quién soy?’, una canción que denota el caos nuevamente, luego del respiro y de evadir la realidad se encuentra con un ser que desconoce, no sabe en qué se ha convertido. Es una búsqueda de su verdadero yo entre tanto dolor, tomar los trozos y juntarlos para volver a ver el panorama completo.

El último capítulo será ‘Fénix’,el fin de la historia, un ser totalmente reconstruido y preparado para enfrentar lo que esté por venir. Un entendimiento total y consiente de todo el proceso que lo llevó a surgir de las cenizas, un ser que ama desde su parte más oscura hasta su más luminosa.

‘¿Quién soy?’ como cada uno de los capítulos de este EP viene cargado de mucho rock n’ roll , cada uno en su esencia. Esta canción es una transición entre la calma y el caos, un viaje impetuoso e impredecible. Su inicio sutil lleva luego a lo más denso que puede alguien estar sintiendo en un momento de aparente calma. Siempre cargado de ese estilo noventero, mezclados perfectamente con armonías y melodías que contrastan esa crudeza del rock.

«Esta canción va dirigida a todos los que estén pasando por ese caos interno, donde esa luz intensa los está cegando e impidiendo ver dentro de sí mismos, esos seres que quieren reencontrarse y sanar tanto dolor, dolor que solo ellos saben y conocen desde sus cimientos. Es para los que se están preparando para brillar más que nunca, solo que aún no lo saben», comenta Laura Azul.

El video de ‘¿Quién soy?’ se compone de planos medios y primeros planos. Es como si se le estuviera contando todo a una luz que no nos permite ver más allá, una luz que nos ciega y nos juzga. Es una lucha por reencontrarnos para responder la pregunta que queremos resolver. Esa luz que no nos permite ver y esa luz a la que le contamos todo, al final somos nosotros mismos.

La realización edición y materialización de la idea de Laura Azul estuvo a cargo de Yecely Muños. Alberto Mira Mora, Ana María Mira Mora y Marión Baamonde son parte de su equipo de trabajo y un engranaje necesario en la realización de esta producción.

«‘¿Quién soy?’ habla de esa gestión del dolor, de caos, de buscar en lo más oscuro que tenemos cada uno para luego entendernos como un todo. Con luz y sombras, con matices y con historias que nos marcan, historias que llevamos tatuadas en el ser, solo se puede convivir con ellas, pero nunca eliminar. Es lo que forja nuestro camino. Es una reconciliación. Todos somos seres de contrastes, debemos amarnos y reconciliarnos con nuestros procesos. Cuando creemos que retrocedemos, cuando creemos estar en lo más oscuro y no vemos esa salida cercana es justo cuando estamos preparándonos para salir disparados como un resorte; ese tirón hacia atrás es solo un impulso que tomamos, y nos disparamos con toda la fuerza solo cuando está todo calibrado, en la justa medida, cuando estamos en el punto exacto y sabemos a dónde debemos ir», enfatiza la artista.

El diseño de la portada fue de Marión Baamonde y su agencia Monē Studio | Creative Strategy & Brand Story, la fotografía estuvo a cargo de Alberto Mira Mora bajo el concepto de Laura Azul.

‘¿Quién soy?’ se grabó en 406 Recording Estudio a cargo de Sebastián de los Ríos. La masterización fue realizada por Sebastián Lopera. Los músicos que hicieron parte de esta canción fueron Andrés Salgado: guitarra principal, Andrés Correa: bajo y guitarras, Jorge Tobón: Batería y Camilo Arévalo: teclados. Es una composición de Laura Azul y la coproducción de Andrés Correa

Para el próximo año, Laura Azul publicará en su totalidad el EP ‘Renacer’ y lanzarlocon un concierto en vivo. Además, la banda Lilith cumplirá 25 años en 2025 y se espera mucho movimiento con esta celebración.

Escucha ‘¿Quién soy?’ de Laura Azul en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/quien-soy-laura-azul

Una sátira que conecta las raíces y los orígenes, así es ‘La mama de Tarzán’ de Velo de Oza

Durante los últimos años la banda de carranga rock boyacense Velo de Oza se dio un respiro creativo. Sin embargo, esto no fue impedimento para girar por Estados Unidos y presentarse en estados como Nueva York y Nueva Jersey mostrando su show a nuevas audiencias. Ahora, para finalizar el año y en un nuevo ciclo, el proyecto liderado por Frank Forero presenta ‘La mama de Tarzán’, una canción fiestera acorde con la temporada.

‘La mama de Tarzán’ de Velo de Oza es una canción inspirada en las personas que crecieron con uno y que después pasan por ahí, sin saludar y sin siquiera mirarlo a uno. Esas que se creen la última Coca Cola del desierto, la última empanada de la vitrina. Siempre pasaba en las fiestas de fin de año cuando regresa al pueblo. Todos conocemos a alguien así. Es un sencillo apoyado de algunas frases populares con las que Frank Forero creció en Boyacá como «jum, se cree la mama de Tarzán» o «Uy, eso se cree la mamá de los pollitos». Está dirigida a todas las personas que se van y regresan despreciando sus raíces y tradiciones. La palabra ‘mama’ sin tilde es intencional por cómo el músico escuchaba esta pronunciación en su región de nacimiento.

«La inspiración detrás de la canción es la rabia que a uno le da que la gente olvide sus orígenes y que se crean más que otros. Es decir, un saludo no se le niega a nadie. Pero cuando las veía regresar y ver que no caminaban sino levitaban dije «Uy tengo que hacerle su canción. Y tenga, ahí está». También quería hacer una canción con beats, estaba en mora de hacerlo porque me gusta mucho explorar en diferentes géneros musicales donde veo riqueza y, además, me encanta el minimalismo. Así que la música no pierde la esencia de la banda, pero sí propone sobre lo ya construido», comenta.

‘La mama de Tarzán’ es una exploración sonora que involucra la rumba carranguera con toques de música arrabalera, pero a su vez con elementos del pop y del rock que rematan y alzan la fiesta con los beats electrónicos; jugando siempre entre ellos. Incluso, en un momento de la canción, hay influencia de la champeta cartagenera.

Con este lanzamiento, Velo de Oza busca una reactivación del proyecto redireccionándolo a conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica sin dejar de lado su fiel fanaticada cosechada en sus casi 17 años de carrera.

«De una manera graciosa, le canto a la gente del pueblo que se creció y que ya no miran pa’ abajo, denotando que uno pudo haberse ido de la tierra… pero la tierra jamás se irá de uno.  Por eso mismo, acudo al concepto Gomeche (gomelo + campeche). Es una canción con cariño que invita a volar y progresar sin olvidarse de dónde se viene», agrega el músico.

El video combina elementos tradicionales de la cultura boyacense como la ruana y el sombrero con excentricidades como carros Lamborghini, Tesla y Mercedes Benz. El clip se rodó entre Atlanta y Tunja, la dirección general estuvo a cargo de Frank Forero y contó con la participación de la influencer colombiana Lorena Borda. El video tiene elementos del concepto Gomeche que contrasta realidades de forma caricaturesca.

La portada del sencillo es un collage refleja una mujer con rasgos medio de mala onda por su actitud, despreciando una empanada, pero a la vez deseándola. En el fondo se ve Nueva York para contrastar la imagen principal. Fue creada inicialmente con IA, para luego tener intervención humana.

Según Frank Forero, «Es una canción fiestera de carranga con beat. Es perfecta para bailar, pero también para iniciar el día con buena energía. Es un tema multigeneracional».

‘La mama de Tarzán’ estará incluida en un nuevo disco que lanzará Velo de Oza en 2025. El proyecto lanzará periódicamente varios sencillos antes de publicar el álbum en su totalidad. El trabajo tendrá sonidos enérgicos y agresivos hasta baladas nostálgicas. Las temáticas tendrán el ADN característico del grupo en donde se mezclarán historias graciosas con letras raizales, siempre orgulloso de su tierra y su ciudad boyacense, Tunja.

«Después de regresar a las fiestas de los pueblos boyacenses donde uno es feliz, la banda retomará las giras internacionales y lanzará una canción infantil con un artista paisa muy importante en el mes de enero. Es el cantante más querido en el ranking del corazón de los colombianos sin duda alguna. Ahí les dejamos este trompo en la uña», concluye Frank Forero de Velo de Oza.

Una canción nostálgica para superar las rupturas de amor, así es ‘Ayer morí’ de Atalhos

2024 fue un año bastante movido para la banda de indie rock brasilera Atalhos, quien recorrió su país con shows en Sao Paulo, Brasilia, Goiania, entre otras ciudades, finalizando la fase del disco anterior, A Tentação do Fracasso, responsable de una gira mundial en los últimos dos años con más de 50 shows incluyendo festivales en los Estados Unidos, presentaciones en Europa, Argentina y otros países de Latinoamérica. Ahora, para cerrar el año e iniciar un nuevo ciclo, el grupo conformado por Gabriel Soares y Conrado Passarelli estrena ‘Ayer morí’, single que abre camino hacia el quinto disco de Atalhos que llegará en el primer semestre de 2025.

‘Ayer morí’ es una canción con atmósfera nostálgica, tiene un ritmo evocador de la drum machine y acordes melódicos de la guitarra que se impregnan en una letra cantada en portugués y español, que desemboca en un torrente de guitarras distorsionadas y batería transformadora. Habla de un término de relacionamiento, del enfrentamiento al fin del amor y de la transformación para seguir la vida después del amor. El sencillo aborda temáticas del existencialismo, el absurdo de la vida, las rupturas y especialmente de las transformaciones.

«‘Ayer morí’ está inspirada en la vida real, en los términos de relaciones, en las rupturas y las dificultades de mantener el amor en situaciones límites. Va dirigida a todos los que han enfrentado situaciones de rupturas, de desamor y que, de alguna manera, lograron encontrar la transformación necesaria para seguir adelante. Sí existe vida después de una gran ruptura, lo importante no son los finales de las cosas y de las relaciones, sino la travesía», cuenta Atalhos.

La canción explora sonidos variados, desde el beat electrónico presente en la drum machine, la presencia fuerte de la guitarra acústica, hasta llegar en la segunda parte a guitarras distorsionadas y fuertes. Es un tema de indie rock, pero que también flirtea con la atmósfera del rock de los años 90, siempre aliada a elementos contemporáneos que representan una frescura del sonido. El track fue grabado y mezclado en Sao Paulo en el estudio Space Blues, reconocido por haber ganado ya 3 Grammys Latino, y fue masterizada en Suecia.

«Esperamos que la canción refuerce la importancia de Atalhos en la escena indie de Brasil, donde la banda es una de las principales protagonistas, además de expandir el conocimiento en países latinoamericanos, por ejemplo, Argentina, país donde Atalhos ya se presentó varias veces y tiene featurings con artistas locales como El Príncipe Idiota y Delfina Campos», agrega el dúo.

El videoclip de ‘Ayer morí’ fue grabado en Sao Paulo y está dirigido por el dúo Cinza. Tiene una temática en blanco y negro que revela los bastidores del estudio cinematográfico donde el video es grabado, con Gabriel (vocalista) llegando en su auto para juntarse con la banda que lo espera ya dentro del estudio. El clip tiene una ventana 4:3 inspirada en los videoclips de los años 90.

La portada del sencillo se enfoca en Gabriel y Conrado tocando en vivo dentro de un estudio de cine.

Es una canción que amerita ser escuchada en momentos de reflexión en donde se pueda realmente conectarse con la atmósfera que propone la canción.

‘Ayer morí’ estará presente en el próximo disco de Atalhos, el quinto álbum de su historia, y que contará con una gira mundial que iniciará en Estados Unidos en marzo de 2025. El dúo publicará dos sencillos más que anticiparán el lanzamiento completo del nuevo disco que llegará a las plataformas y a las tiendas en formato vinilo en mayo de 2025.

Escucha ‘Ayer morí’ de Atalhos en tu plataforma musical favorita https://orcd.co/ayermori

[Lanzamiento] Sonidosis rinde homenaje a Julio Jaramillo con ‘Rock Ruiseñor’

Después de publicar los sencillos ‘Ansiedad’ y ‘Venceremos’ con sus respectivos videoclips, la banda de rock fusión colombiana Sonidosis cierra el año con su nuevo lanzamiento ‘Rock Ruiseñor’.

‘Rock Ruiseñor’ nace desde la idea de homenajear a través de la banda a uno de los mayores exponentes de la música Latinoamericana: Julio Jaramillo. Es una interpretación que Big Leo y Jorginho hacen de algunas de las canciones más exitosas del ruiseñor de América, fusionándolas con toda la potencia del rock, dándole a las letras nostálgicas un toque más rabioso y potente.

«En el momento de concebir la idea de hacer el homenaje de Julio Jaramillo nos planteamos que no debíamos caer en la simple interpretación cuadriculada de la música ya hecha por él, sino que buscamos imprimirle el sello de la banda de una forma más orgánica de entender cómo nos atraviesa el legado del artista», comenta el grupo.

‘Rock Ruiseñor’ está conformada por cuatro éxitos del cantante y compositor ecuatoriano: ‘No me toquen ese vals’, ‘Te esperaré’, ‘Reminiscencias’ y ‘Que nadie sepa mi sufrir’. Es un viaje por el trasegar de una relación que va desde el dolor de la separación, el anhelo del regreso y la rabia que se presentan por las despedidas.

«Solo se puede ver hacia el futuro reconociendo el pasado y consideramos que la música interpretada por Julio Jaramillo tiene una belleza tan potente que no solo se queda en sus letras sino en la interpretación instrumental. Consideramos que traer aquella música y fusionarla con nuestro estilo permitirá a todos aquellos que aún no conocen al artista acercarse a su grandeza y conocer tanto lo hecho por él en su tiempo, como lo que buscamos nosotros como banda, al fusionar música del folclor latinoamericano con el rock», agrega Sonidosis.

‘Rock Ruiseñor’ de Sonidosis habla de amor, desamor, sufrimiento y desespero. Son letras que representan, cada una a su manera, diferentes formas de vivir las emociones de una relación de pareja y de la ruptura de la misma.

La canción es una fusión entre los boleros tradicionales de Julio Jaramillo y el rock y metal que explora Sonidosis. De igual forma hay espacios más experimentales desde lo vocal que le dan un tinte más caótico a la parte final del tema.

El video de la canción relata cómo un hombre llega a un bar en el que Sonidosis se está presentando. Allí va recordando un viejo amor mientras escucha las canciones hasta terminar embriagándose mientras intenta interactuar con desconocidos que disfrutan del show. Finalmente, el hombre se queda dormido en la barra del bar luego de ahogar sus recuerdos en alcohol.

«Deseamos que todas las personas que alguna vez han disfrutado de la música de Julio Jaramillo puedan recordar aquellas bellas letras junto con la potencia instrumental que proponemos. Así mismo, las personas pueden llegar a nuestra música en la cual el legado de estos grandes artistas ha sido parte de nuestra propuesta», menciona el grupo. «Las letras con sentido deben prevalecer en estos tiempos en que se priorizan los mensajes más básicos. Queremos tanto con este tema como con nuestras otras canciones llegar a aquellos oídos que están cansados de las temáticas vacías de la música más escuchada en la actualidad», complementa el dúo.

La portada de ‘Rock Ruiseñor’ le rinde homenaje a las carátulas de aquellos discos de boleros de la época de Julio Jaramillo en donde aparecían los artistas con gestos joviales y con atuendos formales. Es una manera de contrastar en imagen la idea del homenaje con la apuesta rock del sonido.

«Es perfecta para escuchar tomando unas copas, mientras cantamos a pulmón herido aquellas letras que nos recuerdan aquel amor que ya no está o que aún seguimos esperando», asegura Sonidosis.

‘Rock Ruiseñor’ estará incluida en el próximo disco de Sonidosis que tendrá temáticas fuertes como la soledad y los problemas psicológicos y sociales. La banda planea lanzar un par de canciones más en el primer semestre de 2025 y retomará las presentaciones en vivo que informarán oportuna y detalladamente a través de sus redes sociales.

Checho Sasa lanza ‘Cuando tú no estás’ junto a Nami y Dani Monti

El artista colombiano Checho Sasa despide el año con su sencillo ‘Cuando tú no estás’ junto a Nami y Dani Monti.

La canción tiene una base de pop fusionado con sonidos de la música afro-caribe como la cumbia. Habla del dolor y la nostalgia por un amor ausente y es perfecta para dedicarle a esa persona que no queremos dejar ir.

Checho Sasa se inspira en nuestra música colombiana, mezclada con la seducción, el coqueteo y las ganas de bailar con la pareja.

‘Cuando tú no estás’ fue escrita por Checho Sasa, Dani Monti y Nami. Cuenta con arreglos musicales de Yoshy García y Cfelo.

La canción fue grabada, producida y mezclada en Yoshy Records. Master y producción final de Cfelo.

«La letra expresa la profunda añoranza y el amor que siente una pareja ausente… Habla sobre los recuerdos y la tristeza de la pérdida, deseando volver a estar juntos en esta vida y en la próxima», explica Checho Sasa.

‘Cuando tú no estás’ es el segundo sencillo de su EP ‘Pa’ qué’, en el que el artista experimenta con diversos estilos musicales del sabor colombiano y contará con colaboraciones especiales. El videoclip fue rodado en Bogotá bajo la dirección y producción de Sebastián Juyo y Julián Guevara de StationRoots Company (Reconocidos por trabajar con artistas como La 33, Lion Reggae, Dr. Mich, Unbroken, Latin Roots, Tato Guerra, entre otros).

Alea presenta el video de ‘Rompe To’ ¡Míralo!

La artista colombiana Alea presenta su poderosa canción ‘Rompe To’ junto al pionero de la electrónica latina, y nominado al Grammy, Mr. Pauer.

El sencillo que será parte de un nuevo álbum, fusiona el característico sonido alternativo latino de Alea con la innovadora mezcla de ritmos latinos tradicionales y beats electrónicos de Mr. Pauer, entregando un himno electrizante de transformación personal.

‘Rompe To’ es un himno audaz que desafía a los oyentes a romper con los estereotipos y los moldes limitantes que impone la sociedad, y que también se imponen ellos mismos. La canción es un recordatorio empoderador de que todos tienen la fuerza, creatividad y valentía para transformar su realidad y construir el mundo que desean.

Lleva un poderoso mensaje para las comunidades latinas, alentándolas a nunca agachar la cabeza y a abrazar los cambios que merecen.

Co-escrita y co-producida por Alea, Mr. Pauer y Maria Elisa Ayerbe (Ingeniera ganadora del Latin Grammy y productora nominada seis veces), ‘Rompe To’ captura la energía dinámica y la química del equipo creativo en el estudio.

La canción fue mezclada por Ayerbe y masterizada por el renombrado ingeniero Carlos Freitas, logrando un sonido distintivo que refleja la evolución artística de Alea. Se trata de un adelanto de su próximo álbum, que promete romper esquemas con elementos electrónicos experimentales y un profundo sentimiento latino.

‘Rompe To’ combina beats electrónicos con las ricas tradiciones folclóricas de Colombia y Venezuela. La producción incluye la chirimía, un conjunto de viento tradicional colombiano, arreglada con la ayuda de Produ 2233 en Cali, lo que le da a la canción un sonido vibrante y auténtico.

«Escribí esta canción para mí misma, como un recordatorio de que no tengo que quedarme donde no prospero. Puedo romper con cualquier cosa que me detenga o que ya no me sirva. Se trata de reafirmar quién soy como mujer latina en un mundo que a menudo se siente distante de mis raíces y mi identidad. ‘Rompe To’ es una invitación a crecer, evolucionar y redescubrirte una y otra vez», comenta Alea.

El video de ‘Rompe To’ es una exploración experimental y sensorial, fusionando lo extravagante con lo cotidiano. Representa el viaje de romperse y recrearse, reflejando la esencia de Nueva York—una ciudad de inmigrantes, trabajadores, soñadores y valientes—. La protagonista del video, una mariposa (interpretada por Alea), emerge de su capullo y deambula por las calles de Nueva York, encontrándose con otros que, al igual que ella, están en un constante estado de transformación.

La producción del videoclip fue un esfuerzo colaborativo entre Tobías Arboleda, Valeria Avina, y Pablo Monsalve. Presentando arte hecho a mano y alas de mariposa confeccionadas con retazos de tela por el renombrado diseñador colombiano Giovanni Fajardo, esta obra visual refleja el espíritu de evolución y resistencia.

«Rendimos homenaje al denim y al diseño de alta costura, colaborando con Giovanni Fajardo, la mente creativa detrás de los looks icónicos de mezclilla de Britney Spears y Justin Timberlake en los 2000s», explica Alea. «Prepárate para vivir un viaje sonoro que te invita a liberarte, crecer y tomar control de tu propia narrativa», agrega.

‘Rompe To’ es una colaboración con el DJ y productor nominado al Latin Grammy, Mr. Pauer (Toto González).  Nominado al Latin Grammy en la categoría de “Mejor Álbum Alternativo,” es reconocido por su fusión innovadora de sonidos electrónicos con géneros musicales latinos. Su impresionante carrera incluye colaboraciones con estrellas internacionales como Goyo, Elena Rose, Diplo, Chucky73, Daddy Yankee, RedOne, French Montana, y Los Amigos Invisibles, entre muchos otros.

Escucha ‘Rompe To’ de Alea en tu plataforma musical favorita https://ffm.to/rompeto

[Novedad] Isla de Perros estrena ‘MOLOTOV’, un EP de resistencia, rebeldía y solidaridad

A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum ‘E.C.O’., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.

El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP ‘MOLOTOV’, un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, ‘MOLOTOV’ presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.

Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con ‘E.C.O.’ y ‘MOLOTOV’, la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.

‘MOLOTOV’ de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.

«‘MOLOTOV’ es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad», comenta el grupo.

Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo ‘MOLOTOV’ en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.

En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que no solo impulsa el dinamismo de sus composiciones, sino que también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.

‘Escapar’, primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, ‘Escapar’aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.

El segundo tema del EP es ‘Primera línea’, una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. ‘Primera línea’ no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.

«El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que no solo enciende el ánimo, sino que también motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria», enfatiza la agrupación.

La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.

«Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades», mencionan sus integrantes.

Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.

Supremo le rinde homenaje al barrio y sus raíces en ‘Cumbia’

2024 fue un año en donde Supremo, proyecto musical del colombiano Juan Manuel Cárdenas, se dedicó exclusivamente a la producción del álbum ‘Los Reyes del Mambo’.Su proceso creativo comenzó en marzo en la gira realizada por España en donde visitó Madrid, Barcelona, Bilbao y Sevilla con dos fechas por ciudad, produciendo sus canciones en hoteles y aeropuertos. Adicionalmente, este año el artista subió el catálogo completo de sus 20 años de historia musical a plataformas para que todos sus seguidores se deleiten con sus obras creadas. Para cerrar un año con broche de oro, Supremo presenta su nuevo lanzamiento ‘Cumbia’.

‘Cumbia’ es una canción que nace por un proceso de recordar y honrar la adolescencia de Supremo en el barrio Quiroga, en el sur de Bogotá. Un barrio futbolero, cumbiero y rapero fue la inspiración del artista colombiano que incluye rap, cumbia, electrónica y acordeón en medio de una lírica llena de empoderamiento. Es una obra enérgica de motivación personal.

«Para este lanzamiento me inspiré en mis raíces, mi familia, el barrio, mi ciudad y los sueños de un colombiano adolescente promedio que crece con música típica, y en su viaje de la vida va anexando canciones a su playlist personal. Esta canción llegó a mi vida en un momento de lucidez luego de escenarios de depresión y ansiedad», cuenta Supremo.

A nivel sonoro, ‘Cumbia’ tiene la potencia de un boom bap (patrón de rap) cuyos hi hat el artista reemplazó por la güira manteniendo ambas esencias intactas. El maestro Jairo Sanz, ingeniero de mezcla y mastering, fue quien encontró este punto exacto entre los dos mundos, elementos como el acordeón que fue el último detalle que incluyó con melodía vibrante le dan ese toque especial. Además, las trompetas y algunos elementos del hip hop de la costa oeste americana como pads y synths completan su composición.

«Este lanzamiento marca una nueva etapa y comienzo en mi vida y en mi carrera como productor, compositor y director; su impacto será tal que se convertirá en un legado para las nuevas generaciones y los fans de mi música. Quiero mostrarle a los nuevos músicos, artistas y jóvenes la riqueza musical de nuestro país y su importancia para el mundo», agrega el colombiano.

En la cumbia como género, Supremo encontró un multiverso en el que como pez en el agua pudo experimentar con muchos más ritmos, colores, matices, texturas y géneros como el rap con el que empezó su viaje en la música, adicionándole el sonido criollo para que se convierta en un tema apto para cualquier tipo de audiencia sin importar la edad, la raza, el género o la religión.

«Musicalmente, esta canción es energía 100% que te motiva, es alegría hecha ritmo, el mensaje en su letra es de empoderamiento, de sueños cumplidos, de esa semilla que fue enterrada y brotó con nuevas ideas; más fuerte y con una raíz una base sólida y poderosa. Honrar esa raíz va a hacer crecer el árbol más fuerte del bosque», enfatiza.

La canción tiene dos portadas, una para plataformas con un concepto hip hop, su cultura y uno de sus elementos como el grafiti que describe de una forma minimalista este single. La otra para el merch y las redes de Supremo basado en las tablas de los buses en Colombia y mensajes que identifican al artista como su año de nacimiento, su barrio, su calle, música, café, el álbum y, por supuesto Colombia, en colores vivos y alegres para que definitivamente todos los destinos sirvan.

Para Supremo, «la composición, los elementos, los acordes y las notas de ‘Cumbia’ la hacen perfecta para iniciar una mañana, para escuchar después de almuerzo y recargarse de energía, para la ducha, para una fiesta y para una discoteca… está diseñada para cualquier momento del día o de la noche que requieras energía».

‘Cumbia’ es el primer sencillo del álbum ‘Los Reyes del Mambo’ y fue elegida como primer track porque define el inicio en la música de Supremo, los sonidos urbanos, los scratches y el bajo potente son elementos que crean una atmósfera urbano/criolla única para desarrollar el concepto de esta obra, inspirada en sus inicios en un barrio del sur de Bogotá donde creció.

Sobre el disco ‘Los Reyes del Mambo’, Supremo cuenta que «la palabra mambo proviene de África y se relaciona con tambores, alegría, danza y los latidos del corazón. Así se empezó a formar la cumbia que al llegar a América y tener su mezcla con nuestros indígenas dio luz, esto me llevó a hacer las diferentes fusiones del álbum respetando su inicio, el mambo, el trabajo, los sueños, la música, el colombiano, el latino, el emigrante, el que se levanta temprano a trabajar por lo suyo y por los suyos. Todos somos los reyes del mambo, los reyes de nuestros latidos y de nuestro corazón». Supremo dedicará el resto de año a promocionar ‘Cumbia’ a nivel nacional e internacional para impulsar su exposición y su difusión. En cuanto a los shows, estará en enero de 2025 en el cierre de uno de los torneos más importantes a nivel Colombia del fútbol amateur como es el Hexagonal del Olaya en donde estará como artista invitado en el cierre del torneo en el estadio del barrio en el que creció y jugó.

[Novedad] Luq Arlequin y La Ruka presentan ‘Insiste Resiste’, un canto a la diversidad, la identidad y la lucha

Luq Arlequin es un cantautor trans no binario de Argentina, es artista y músico independiente que combina elementos acústicos con letras reflexivas abordando temas de transformación personal y social en sus canciones.

La Ruka es una artista afrocolombiana que fusiona el hip hop, la salsa y la música tradicional. Con estudios en trabajo social y comunitario ha logrado contar las historias y vivencias de sus pueblos y comunidades negras.

‘Insiste Resiste’ es el nuevo lanzamiento de Luq Arlequin y La Ruka, es una colaboración de coautoría entre los artistas con aportes del productor colombiano Lanzapro.

‘Insiste Resiste’ cuenta la historia de dos artistas, su vida cotidiana y su encuentro, reflejando la situación de muchas personas migrantes en el mundo, así como las experiencias de mujeres y la comunidad LGTBIQ+. Habla de la importancia de las redes de apoyo y la fortaleza personal en momentos difíciles, especialmente en el proceso migratorio. Es un canto a la diversidad, la identidad y la lucha por la inclusión en tiempos de adversidad.

En ‘Insiste Resiste’ el uso de ritmos de hip hop y guitarra acústica añaden una dimensión dinámica a la canción, fusionando sonidos folclóricos y urbanos lo que hace que este lanzamiento sea accesible y resonante para un público amplio.

«Es una canción que subraya la importancia de la inclusión y el reconocimiento de distintas realidades en la sociedad, enfocándose en la resiliencia, la capacidad de adaptación y la importancia de las redes de apoyo ante la adversidad, los desafíos y el cambio», cuentan.

«El temaaborda temáticas como el apoyo mutuo, la resiliencia, la fuerza interior, el optimismo y la fe, queriendo mostrar que se puede resurgir y transformarse mediante la mentalidad y actitud positiva y la influencia que cada individuo puede tener en su entorno», agregan.

El video de ‘Insiste Resiste’ fue filmado en Barcelona por la cineasta argentina Amparo Andreoli y muestra fragmentos de la vida cotidiana de Luq Arlequin y La Ruka, dos artistas inmigrantes radicades en esta ciudad, con sus distintas realidades, y el encuentro que les une a través de la música y la amistad.

«‘Insiste Resiste’ puede ser una fuente de inspiración y apoyo, ayudando a las personas a recordar que siempre vale la pena seguir adelante. Es una canción que tiene motivación, identificación, empoderamiento, conexión emocional, cultura y comunidad», puntualizan.

En la actualidad, La Ruka tiene un proyecto con el sello discográfico Galletas Calientes, donde lanzará un Ep titulado ‘En la isla’ a comienzos del 2025. Por su parte, Luq Arlequin estará lanzando un disco de folk punk con músiques invitades y co-producido con Tribal Records de Argentina a comienzos del próximo año.

Los Hermanos Aicardi presentan ‘El Acongojao’, una cumbia decembrina

Los talentosos hijos de la leyenda de la música tropical Rodolfo Aicardi, lanzan su nueva canción original ‘El Acongojao’, una explosión de sabor, energía y pura tradición colombiana.

Desde las primeras notas, esta canción de Los Hermanos Aicardi promete conquistar corazones y pies alrededor del mundo. ‘El Acongojao’ trae consigo el inconfundible sabor de la música tropical Aicardi, que nunca pasa de moda.

Con una mezcla de instrumentos tradicionales, una letra extremadamente pegajosa y arreglos musicales modernos, este nuevo sencillo compuesto por Gianni y Rodolfo Aicardi, rememora los «cañonazos» decembrinos que hacían bailar a toda Colombia.

La grabación de ‘El Acongojao’captura la energía vibrante y auténtica de la música tropical Aicardi. Su contagioso ritmo, lleno de percusiones que invitan al baile, evoca una sensación nostálgica de las noches decembrinas, las reuniones familiares y los bailes en la calle hasta el amanecer.

La melodía no solo enciende la pista de baile, sino que también transporta a quienes la escuchan a un deseo profundo de vivir la vida al máximo.

¡Escucha ‘El Acongojao’ y prepárate para bailar sin parar! ¡No hay excusa para no dejarse llevar por este pegajoso tema!

Escucha ‘El Acongojao’ de Los Hermanos Aicardi en tu plataforma musical favorita https://naeku.app/ps-el-acongojao-n44

Jaison Neutra se pone ‘Liviano’ y anuncia concierto en Bogotá

Con una canción bajo el brazo y dando continuidad a la gira nacional ‘Un Arrabalero en tu ciudad’, el artista colombiano Jaison Neutra se presentará en Bogotá el próximo 21 de noviembre en Estudio de la Piña (Carrera 17 # 60 – 25).

‘Liviano’ es una balada nostálgica que refleja cómo el amor puede redimir y transformar a alguien que ha tocado fondo en su vida emocional. Con una estética pop/rock de los noventa y una emotiva interpretación de guitarra, la canción transmite la idea de que este amor devuelve incluso más de lo que recibió, resaltando las cicatrices como parte valiosa de la experiencia humana.

Jaison Neutra, artista M3 Publishing y M3 Records, inicia con esta canción la conversación sobre su próximo álbum, que saldrá en 2025 y continuará desarrollando temas de sanación, amor y redención.

Sobre el show en Bogotá

Durante esta gira, Jaison Neutra ha estado interpretando algunos éxitos de ‘Resabia’o’, su primer álbum, pero es principalmente una oportunidad para interpretar canciones de ‘Elegante Arrabalero’ (publicado en 2023 a través de M3 Records).

El show de Bogotá será especial pues presentará oficialmente su nuevo sencillo ‘Liviano’. El artista santandereano, estará interpretando canciones que se han vuelto obligadas en su catálogo, como ‘Bailo Lento’ (producida por Juan Galeano, ganador de 4 Latin Grammys con Diamante Eléctrico), ‘Nelly’ y ‘El Peso’, canción junto al cantautor ibaguereño Santiago Cruz y con la que estuvo nominado a los Premios Nuestra Tierra 2024 en la categoría Mejor Canción Tropical, Salsa o Cumbia.

Estos shows se presentarán en un formato íntimo, que busca un acercamiento a la música desde su propio núcleo en la guitarra y voz de su compositor Jaison Neutra. Será la última vez en un buen tiempo en el que la audiencia podrá escuchar las canciones en este formato, pues el tercer álbum de Jaison Neutra vendrá con sonoridades mucho más volcadas hacia la cumbia y la música tropical.

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‘Liviano’ está inspirada en el concepto japonés de Kintsugi, que celebra las fracturas y cicatrices de un objeto reparándolas con oro, la canción muestra cómo un hombre, tras sumergirse en lo más profundo de su miseria, es sanado y redimido por el amor.

Establece el tono para el próximo álbum, el cual también explorará temas de sanación y amor, proponiendo un recorrido introspectivo donde cada canción será una etapa en el camino de redención del protagonista. ‘Liviano’ sirve como el primer paso en este viaje emocional, preparando al público para una obra que explorará cómo el amor y la aceptación son esenciales para sanar.