Luego de reactivarse con el lanzamiento de su sencillo ‘Don José y Doña Nubia’, la banda pop rock latino UBanda, originaria de Duitama (Boyacá), cierra el año con un mosaico de canciones junto a la prestigiosa agrupación Banda Parranda.
«Hemos tenido la bendición de un gran año rodeado de oportunidades y nueva música, nos estamos reinventando cada vez y el aprendizaje de cada día es invaluable para seguir progresando y proyectando nuestra carrera musical», comenta UBanda.
‘Mosaico’ es el nuevo de lanzamiento de UBanda junto a Banda Parranda, una recopilación de canciones perfectas para escuchar en temporada decembrina y de fin de año.
El Mosaico está conformado por el clásico ‘Golpe con golpe’ de Pastor López, continúa con la salsa ‘El preso’ de Fruko y sus Tesos, ‘La bella’ de Lisandro Meza y cierra con ‘Te necesito’ de la orquesta tropical colombiana Los Tupamaros.
A nivel sonoro, ‘Mosaico’ tiene bases de merengue, salsa, música tropical, bachata y rock latino. Es perfecta para subir el ánimo, tiene mucha fuerza y alegría impresa. Es una canción que representa felicidad en la época favorita del año.
«Nuestro ingeniero Andrés tiene una amistad linda con Charly y Willy de Banda Parranda (exintegrantes originales de Los 50 de Joselito), por eso, nos atrevimos a invitarlos y ellos con su súper actitud y sabor aceptaron e hicieron de este mosaico algo magistral», agrega el grupo.
Por su parte, para Banda Parranda «Es una hermosa oportunidad para colaborar con UBanda, su experiencia y talento nos aporta en lo absoluto a lo que esperamos se convierta en un gran éxito».
El video de ‘Mosaico’ fue grabado en el estudio de UBanda con un estilo Free Live que mostrara la espontaneidad de los dos grupos a la hora de interpretar las canciones con mucho sabor y alegría.
«Deseamos que ‘Mosaico’ sea una canción que las personas bailen y canten en estas fiestas de fin de año, pero sobre todo que disfruten a máximo volumen de esta colaboración única y especial. Nos encanta explorar nuevos sonidos y que mejor que hacerlo reviviendo clásicos hermosos que vale la pena escuchar mil años más», enfatiza UBanda.
UBanda tiene en las próximas semanas varias presentaciones confirmadas en los aguinaldos de Tunja y para el próximo año en las ferias y fiestas de Duitama.
El 13 de diciembre Bogotá recibe el primer Encuentro Cultural Ciberpaz, un evento en el que la música, la fotografía, la danza y otras artes se darán cita para hablar del uso seguro, consciente, crítico, incluyente y productivo del internet.
El evento será de entrada libre hasta completar aforo en Corferias a la 1:00 pm para disfrutar de una programación cultural en la que se premiará a los ganadores de las convocatorias y podrás disfrutar de muestras artísticas y música en vivo.
El Line UP está encabezado por Herencia de Timbiquí, Systema Solar y Adriana Lucía tres grandes representantes del folclor colombiano. A ellos se suman Metropol, Alto Grado, The Good Gorilla, Monserrate y muchos más.
El Encuentro Cultural Ciberpaz también será un espacio para entregar los premios de las convocatorias y conocer los nuevos talentos que participaron en ellas.
Sobre la ‘Hackathon’:
CiberPaz invitó a innovadores, expertos en ciberseguridad, diseñadores, entusiastas de la programación y desarrolladores a una ‘Hackathon’, que busca encontrar soluciones de acceso a datos disponibles en la web que sean relevantes para los seis pilares del programa, uso de modelos generativos y ‘Large Language Model-LLM’. El objetivo era encontrar soluciones de seguridad y convivencia digital.
Para esto, se destinó una bolsa de premios que oscila entre los 4 y los 10 millones de pesos y serán entregados durante el evento.
Sobre la Convocatoria de artistas:
La convocatoria invitó a artistas colombianos de diferentes disciplinas a mostrar su talentoy conectar con Ciberpaz. Las categorías fueron: Música (solista/agrupación), Poesía, Fotografía, Danza, Literatura, Artes Plásticas y Muralismo.
Se evaluó su originalidad, creatividad, calidad artística y coherencia con las temáticas de la convocatoria. Los ganadores recibirán equipos tecnológicos y/o la oportunidad de exponer su trabajo en el Encuentro Cultural.
Sobre CiberPaz
Este programa del Ministerio TIC busca crear nuevas ciudadanías digitales en Colombia, donde el diálogo, la empatía y el uso responsable de las TIC sean la norma. A través de talleres gratuitos y formaciones virtuales, se brindan las herramientas y el conocimiento para navegar por Internet de forma segura, consciente, crítica, incluyente y productiva.
La Iniciativa que hace parte de la Dirección de Apropiación TIC llega a los 32 departamentos de Colombia, con una oferta que estará a disposición de todos los ciudadanos. Cuenta con una oferta inclusiva dirigida a niñas, niños, adolescentes, adultos, adultos mayores, personas con discapacidad, minorías, y comunidades en zonas rurales, comunidades NARP, indígenas, mujeres, víctimas del conflicto armado y la población LGBTIQ y municipios PDET. Tecnología y medio ambiente.
A través de CiberPaz se fomenta la creación de ciudadanías digitales en las que la convivencia constructiva y el acceso empático a la sociedad del conocimiento son prioritarios mediante seis componentes clave:
-Seguridad y confianza digital
-Diversidad e inclusión digital
-Libertades tecnológicas
-Herramientas TIC para el trabajo incluyente y seguro
-Derechos digitales y derechos de autor
-Tecnología y medio ambiente
CiberPaz es un programa gratuito y abierto a toda la población colombiana, que no necesita de conocimientos previos en tecnología para participar. Podrás sumarte mediante dos líneas de acción: Ciberpaz Sensibilizaciones y CiberPaz Formaciones.
La cantante y compositora colombiana Laura Azul ha tenido un 2024 imparable lleno de noticias musicales y shows inimaginables. Comienza el año como artista invitada en la gira nacional Don Tetto Acústico en Medellín, participó en el Festival Iberoamericano de la Voz (hablada e interpretada) Viva Voz para grabar y cantar el jingle oficial en Bogotá, cantó junto a su agrupación Lilith en el Festival Rock al Parque 2024, retomó su proyecto Blakk Bone Band ahora banda de planta de 20 Mission Bar, además sigue consolidando sus shows tributos como los mas exitosos de la ciudad con numerosas presentaciones como tributos a Shakira Filarmónico, Divas del Pop y A grito herido, esperando a expandirse a otras ciudades del país. Ahora, para finalizar el año, la artista paisa presenta su nuevo sencillo ‘¿Quién soy?’.
‘¿Quién soy?’ de Laura Azul es el tercer capítulo de su EP ‘Renacer’ que consta de 4 capítulos que cuentan una historia hilada entre canciones, habla de un ser complejo que sufre una serie de rupturas y va mutando con el tiempo hasta renacer y reencontrarse a si mismo. Es una historia cotidiana en la que cualquier persona puede verse sumergida e identificada.
El primer capítulo es ‘La Mirada’,el comienzo del caos, cuando las palabras ya no alcanzan está esa mirada que lo dice todo, que muestra la incomodidad de alguien que ya no se siente bien con los que lo rodean ni consigo mismo. El segundo capítulo es ‘Respirar’,una sensación levitativa donde el caos ‘ya pasó’, sale de ese entorno caótico y toma un respiro en medio de todo lo que tiene que asimilar, un respiro en medio de la bruma que no le permite ver dónde está su verdadero yo.
El tercer capítulo ‘¿Quién soy?’, una canción que denota el caos nuevamente, luego del respiro y de evadir la realidad se encuentra con un ser que desconoce, no sabe en qué se ha convertido. Es una búsqueda de su verdadero yo entre tanto dolor, tomar los trozos y juntarlos para volver a ver el panorama completo.
El último capítulo será ‘Fénix’,el fin de la historia, un ser totalmente reconstruido y preparado para enfrentar lo que esté por venir. Un entendimiento total y consiente de todo el proceso que lo llevó a surgir de las cenizas, un ser que ama desde su parte más oscura hasta su más luminosa.
‘¿Quién soy?’ como cada uno de los capítulos de este EP viene cargado de mucho rock n’ roll , cada uno en su esencia. Esta canción es una transición entre la calma y el caos, un viaje impetuoso e impredecible. Su inicio sutil lleva luego a lo más denso que puede alguien estar sintiendo en un momento de aparente calma. Siempre cargado de ese estilo noventero, mezclados perfectamente con armonías y melodías que contrastan esa crudeza del rock.
«Esta canción va dirigida a todos los que estén pasando por ese caos interno, donde esa luz intensa los está cegando e impidiendo ver dentro de sí mismos, esos seres que quieren reencontrarse y sanar tanto dolor, dolor que solo ellos saben y conocen desde sus cimientos. Es para los que se están preparando para brillar más que nunca, solo que aún no lo saben», comenta Laura Azul.
El video de ‘¿Quién soy?’ se compone de planos medios y primeros planos. Es como si se le estuviera contando todo a una luz que no nos permite ver más allá, una luz que nos ciega y nos juzga. Es una lucha por reencontrarnos para responder la pregunta que queremos resolver. Esa luz que no nos permite ver y esa luz a la que le contamos todo, al final somos nosotros mismos.
La realización edición y materialización de la idea de Laura Azul estuvo a cargo de Yecely Muños. Alberto Mira Mora, Ana María Mira Mora y Marión Baamonde son parte de su equipo de trabajo y un engranaje necesario en la realización de esta producción.
«‘¿Quién soy?’ habla de esa gestión del dolor, de caos, de buscar en lo más oscuro que tenemos cada uno para luego entendernos como un todo. Con luz y sombras, con matices y con historias que nos marcan, historias que llevamos tatuadas en el ser, solo se puede convivir con ellas, pero nunca eliminar. Es lo que forja nuestro camino. Es una reconciliación. Todos somos seres de contrastes, debemos amarnos y reconciliarnos con nuestros procesos. Cuando creemos que retrocedemos, cuando creemos estar en lo más oscuro y no vemos esa salida cercana es justo cuando estamos preparándonos para salir disparados como un resorte; ese tirón hacia atrás es solo un impulso que tomamos, y nos disparamos con toda la fuerza solo cuando está todo calibrado, en la justa medida, cuando estamos en el punto exacto y sabemos a dónde debemos ir», enfatiza la artista.
El diseño de la portada fue de Marión Baamonde y su agencia Monē Studio | Creative Strategy & Brand Story, la fotografía estuvo a cargo de Alberto Mira Mora bajo el concepto de Laura Azul.
‘¿Quién soy?’ se grabó en 406 Recording Estudio a cargo de Sebastián de los Ríos. La masterización fue realizada por Sebastián Lopera. Los músicos que hicieron parte de esta canción fueron Andrés Salgado: guitarra principal, Andrés Correa: bajo y guitarras, Jorge Tobón: Batería y Camilo Arévalo: teclados. Es una composición de Laura Azul y la coproducción de Andrés Correa
Para el próximo año, Laura Azul publicará en su totalidad el EP ‘Renacer’ y lanzarlocon un concierto en vivo. Además, la banda Lilith cumplirá 25 años en 2025 y se espera mucho movimiento con esta celebración.
Durante los últimos años la banda de carranga rock boyacense Velo de Oza se dio un respiro creativo. Sin embargo, esto no fue impedimento para girar por Estados Unidos y presentarse en estados como Nueva York y Nueva Jersey mostrando su show a nuevas audiencias. Ahora, para finalizar el año y en un nuevo ciclo, el proyecto liderado por Frank Forero presenta ‘La mama de Tarzán’, una canción fiestera acorde con la temporada.
‘La mama de Tarzán’ de Velo de Oza es una canción inspirada en las personas que crecieron con uno y que después pasan por ahí, sin saludar y sin siquiera mirarlo a uno. Esas que se creen la última Coca Cola del desierto, la última empanada de la vitrina. Siempre pasaba en las fiestas de fin de año cuando regresa al pueblo. Todos conocemos a alguien así. Es un sencillo apoyado de algunas frases populares con las que Frank Forero creció en Boyacá como «jum, se cree la mama de Tarzán» o «Uy, eso se cree la mamá de los pollitos». Está dirigida a todas las personas que se van y regresan despreciando sus raíces y tradiciones. La palabra ‘mama’ sin tilde es intencional por cómo el músico escuchaba esta pronunciación en su región de nacimiento.
«La inspiración detrás de la canción es la rabia que a uno le da que la gente olvide sus orígenes y que se crean más que otros. Es decir, un saludo no se le niega a nadie. Pero cuando las veía regresar y ver que no caminaban sino levitaban dije «Uy tengo que hacerle su canción. Y tenga, ahí está». También quería hacer una canción con beats, estaba en mora de hacerlo porque me gusta mucho explorar en diferentes géneros musicales donde veo riqueza y, además, me encanta el minimalismo. Así que la música no pierde la esencia de la banda, pero sí propone sobre lo ya construido», comenta.
‘La mama de Tarzán’ es una exploración sonora que involucra la rumba carranguera con toques de música arrabalera, pero a su vez con elementos del pop y del rock que rematan y alzan la fiesta con los beats electrónicos; jugando siempre entre ellos. Incluso, en un momento de la canción, hay influencia de la champeta cartagenera.
Con este lanzamiento, Velo de Oza busca una reactivación del proyecto redireccionándolo a conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica sin dejar de lado su fiel fanaticada cosechada en sus casi 17 años de carrera.
«De una manera graciosa, le canto a la gente del pueblo que se creció y que ya no miran pa’ abajo, denotando que uno pudo haberse ido de la tierra… pero la tierra jamás se irá de uno. Por eso mismo, acudo al concepto Gomeche (gomelo + campeche). Es una canción con cariño que invita a volar y progresar sin olvidarse de dónde se viene», agrega el músico.
El video combina elementos tradicionales de la cultura boyacense como la ruana y el sombrero con excentricidades como carros Lamborghini, Tesla y Mercedes Benz. El clip se rodó entre Atlanta y Tunja, la dirección general estuvo a cargo de Frank Forero y contó con la participación de la influencer colombiana Lorena Borda. El video tiene elementos del concepto Gomeche que contrasta realidades de forma caricaturesca.
La portada del sencillo es un collage refleja una mujer con rasgos medio de mala onda por su actitud, despreciando una empanada, pero a la vez deseándola. En el fondo se ve Nueva York para contrastar la imagen principal. Fue creada inicialmente con IA, para luego tener intervención humana.
Según Frank Forero, «Es una canción fiestera de carranga con beat. Es perfecta para bailar, pero también para iniciar el día con buena energía. Es un tema multigeneracional».
‘La mama de Tarzán’ estará incluida en un nuevo disco que lanzará Velo de Oza en 2025. El proyecto lanzará periódicamente varios sencillos antes de publicar el álbum en su totalidad. El trabajo tendrá sonidos enérgicos y agresivos hasta baladas nostálgicas. Las temáticas tendrán el ADN característico del grupo en donde se mezclarán historias graciosas con letras raizales, siempre orgulloso de su tierra y su ciudad boyacense, Tunja.
«Después de regresar a las fiestas de los pueblos boyacenses donde uno es feliz, la banda retomará las giras internacionales y lanzará una canción infantil con un artista paisa muy importante en el mes de enero. Es el cantante más querido en el ranking del corazón de los colombianos sin duda alguna. Ahí les dejamos este trompo en la uña», concluye Frank Forero de Velo de Oza.
2024 fue un año bastante movido para la banda de indie rock brasilera Atalhos, quien recorrió su país con shows en Sao Paulo, Brasilia, Goiania, entre otras ciudades, finalizando la fase del disco anterior, A Tentação do Fracasso, responsable de una gira mundial en los últimos dos años con más de 50 shows incluyendo festivales en los Estados Unidos, presentaciones en Europa, Argentina y otros países de Latinoamérica. Ahora, para cerrar el año e iniciar un nuevo ciclo, el grupo conformado por Gabriel Soares y Conrado Passarelli estrena ‘Ayer morí’, single que abre camino hacia el quinto disco de Atalhos que llegará en el primer semestre de 2025.
‘Ayer morí’ es una canción con atmósfera nostálgica, tiene un ritmo evocador de la drum machine y acordes melódicos de la guitarra que se impregnan en una letra cantada en portugués y español, que desemboca en un torrente de guitarras distorsionadas y batería transformadora. Habla de un término de relacionamiento, del enfrentamiento al fin del amor y de la transformación para seguir la vida después del amor. El sencillo aborda temáticas del existencialismo, el absurdo de la vida, las rupturas y especialmente de las transformaciones.
«‘Ayer morí’ está inspirada en la vida real, en los términos de relaciones, en las rupturas y las dificultades de mantener el amor en situaciones límites. Va dirigida a todos los que han enfrentado situaciones de rupturas, de desamor y que, de alguna manera, lograron encontrar la transformación necesaria para seguir adelante. Sí existe vida después de una gran ruptura, lo importante no son los finales de las cosas y de las relaciones, sino la travesía», cuenta Atalhos.
La canción explora sonidos variados, desde el beat electrónico presente en la drum machine, la presencia fuerte de la guitarra acústica, hasta llegar en la segunda parte a guitarras distorsionadas y fuertes. Es un tema de indie rock, pero que también flirtea con la atmósfera del rock de los años 90, siempre aliada a elementos contemporáneos que representan una frescura del sonido. El track fue grabado y mezclado en Sao Paulo en el estudio Space Blues, reconocido por haber ganado ya 3 Grammys Latino, y fue masterizada en Suecia.
«Esperamos que la canción refuerce la importancia de Atalhos en la escena indie de Brasil, donde la banda es una de las principales protagonistas, además de expandir el conocimiento en países latinoamericanos, por ejemplo, Argentina, país donde Atalhos ya se presentó varias veces y tiene featurings con artistas locales como El Príncipe Idiota y Delfina Campos», agrega el dúo.
El videoclip de ‘Ayer morí’ fue grabado en Sao Paulo y está dirigido por el dúo Cinza. Tiene una temática en blanco y negro que revela los bastidores del estudio cinematográfico donde el video es grabado, con Gabriel (vocalista) llegando en su auto para juntarse con la banda que lo espera ya dentro del estudio. El clip tiene una ventana 4:3 inspirada en los videoclips de los años 90.
La portada del sencillo se enfoca en Gabriel y Conrado tocando en vivo dentro de un estudio de cine.
Es una canción que amerita ser escuchada en momentos de reflexión en donde se pueda realmente conectarse con la atmósfera que propone la canción.
‘Ayer morí’ estará presente en el próximo disco de Atalhos, el quinto álbum de su historia, y que contará con una gira mundial que iniciará en Estados Unidos en marzo de 2025. El dúo publicará dos sencillos más que anticiparán el lanzamiento completo del nuevo disco que llegará a las plataformas y a las tiendas en formato vinilo en mayo de 2025.
Después de publicar los sencillos ‘Ansiedad’ y ‘Venceremos’ con sus respectivos videoclips, la banda de rock fusión colombiana Sonidosis cierra el año con su nuevo lanzamiento ‘Rock Ruiseñor’.
‘Rock Ruiseñor’ nace desde la idea de homenajear a través de la banda a uno de los mayores exponentes de la música Latinoamericana: Julio Jaramillo. Es una interpretación que Big Leo y Jorginho hacen de algunas de las canciones más exitosas del ruiseñor de América, fusionándolas con toda la potencia del rock, dándole a las letras nostálgicas un toque más rabioso y potente.
«En el momento de concebir la idea de hacer el homenaje de Julio Jaramillo nos planteamos que no debíamos caer en la simple interpretación cuadriculada de la música ya hecha por él, sino que buscamos imprimirle el sello de la banda de una forma más orgánica de entender cómo nos atraviesa el legado del artista», comenta el grupo.
‘Rock Ruiseñor’ está conformada por cuatro éxitos del cantante y compositor ecuatoriano: ‘No me toquen ese vals’, ‘Te esperaré’, ‘Reminiscencias’ y ‘Que nadie sepa mi sufrir’. Es un viaje por el trasegar de una relación que va desde el dolor de la separación, el anhelo del regreso y la rabia que se presentan por las despedidas.
«Solo se puede ver hacia el futuro reconociendo el pasado y consideramos que la música interpretada por Julio Jaramillo tiene una belleza tan potente que no solo se queda en sus letras sino en la interpretación instrumental. Consideramos que traer aquella música y fusionarla con nuestro estilo permitirá a todos aquellos que aún no conocen al artista acercarse a su grandeza y conocer tanto lo hecho por él en su tiempo, como lo que buscamos nosotros como banda, al fusionar música del folclor latinoamericano con el rock», agrega Sonidosis.
‘Rock Ruiseñor’ de Sonidosis habla de amor, desamor, sufrimiento y desespero. Son letras que representan, cada una a su manera, diferentes formas de vivir las emociones de una relación de pareja y de la ruptura de la misma.
La canción es una fusión entre los boleros tradicionales de Julio Jaramillo y el rock y metal que explora Sonidosis. De igual forma hay espacios más experimentales desde lo vocal que le dan un tinte más caótico a la parte final del tema.
El video de la canción relata cómo un hombre llega a un bar en el que Sonidosis se está presentando. Allí va recordando un viejo amor mientras escucha las canciones hasta terminar embriagándose mientras intenta interactuar con desconocidos que disfrutan del show. Finalmente, el hombre se queda dormido en la barra del bar luego de ahogar sus recuerdos en alcohol.
«Deseamos que todas las personas que alguna vez han disfrutado de la música de Julio Jaramillo puedan recordar aquellas bellas letras junto con la potencia instrumental que proponemos. Así mismo, las personas pueden llegar a nuestra música en la cual el legado de estos grandes artistas ha sido parte de nuestra propuesta», menciona el grupo. «Las letras con sentido deben prevalecer en estos tiempos en que se priorizan los mensajes más básicos. Queremos tanto con este tema como con nuestras otras canciones llegar a aquellos oídos que están cansados de las temáticas vacías de la música más escuchada en la actualidad», complementa el dúo.
La portada de ‘Rock Ruiseñor’ le rinde homenaje a las carátulas de aquellos discos de boleros de la época de Julio Jaramillo en donde aparecían los artistas con gestos joviales y con atuendos formales. Es una manera de contrastar en imagen la idea del homenaje con la apuesta rock del sonido.
«Es perfecta para escuchar tomando unas copas, mientras cantamos a pulmón herido aquellas letras que nos recuerdan aquel amor que ya no está o que aún seguimos esperando», asegura Sonidosis.
‘Rock Ruiseñor’ estará incluida en el próximo disco de Sonidosis que tendrá temáticas fuertes como la soledad y los problemas psicológicos y sociales. La banda planea lanzar un par de canciones más en el primer semestre de 2025 y retomará las presentaciones en vivo que informarán oportuna y detalladamente a través de sus redes sociales.
El artista colombiano Checho Sasa despide el año con su sencillo ‘Cuando tú no estás’ junto a Nami y Dani Monti.
La canción tiene una base de pop fusionado con sonidos de la música afro-caribe como la cumbia. Habla del dolor y la nostalgia por un amor ausente y es perfecta para dedicarle a esa persona que no queremos dejar ir.
Checho Sasa se inspira en nuestra música colombiana, mezclada con la seducción, el coqueteo y las ganas de bailar con la pareja.
‘Cuando tú no estás’ fue escrita por Checho Sasa, Dani Monti y Nami. Cuenta con arreglos musicales de Yoshy García y Cfelo.
La canción fue grabada, producida y mezclada en Yoshy Records. Master y producción final de Cfelo.
«La letra expresa la profunda añoranza y el amor que siente una pareja ausente… Habla sobre los recuerdos y la tristeza de la pérdida, deseando volver a estar juntos en esta vida y en la próxima», explica Checho Sasa.
‘Cuando tú no estás’ es el segundo sencillo de su EP ‘Pa’ qué’, en el que el artista experimenta con diversos estilos musicales del sabor colombiano y contará con colaboraciones especiales. El videoclip fue rodado en Bogotá bajo la dirección y producción de Sebastián Juyo y Julián Guevara de StationRoots Company (Reconocidos por trabajar con artistas como La 33, Lion Reggae, Dr. Mich, Unbroken, Latin Roots, Tato Guerra, entre otros).
La artista colombiana Alea presenta su poderosa canción ‘Rompe To’ junto al pionero de la electrónica latina, y nominado al Grammy, Mr. Pauer.
El sencillo que será parte de un nuevo álbum, fusiona el característico sonido alternativo latino de Alea con la innovadora mezcla de ritmos latinos tradicionales y beats electrónicos de Mr. Pauer, entregando un himno electrizante de transformación personal.
‘Rompe To’ es un himno audaz que desafía a los oyentes a romper con los estereotipos y los moldes limitantes que impone la sociedad, y que también se imponen ellos mismos. La canción es un recordatorio empoderador de que todos tienen la fuerza, creatividad y valentía para transformar su realidad y construir el mundo que desean.
Lleva un poderoso mensaje para las comunidades latinas, alentándolas a nunca agachar la cabeza y a abrazar los cambios que merecen.
Co-escrita y co-producida por Alea, Mr. Pauer y Maria Elisa Ayerbe (Ingeniera ganadora del Latin Grammy y productora nominada seis veces), ‘Rompe To’ captura la energía dinámica y la química del equipo creativo en el estudio.
La canción fue mezclada por Ayerbe y masterizada por el renombrado ingeniero Carlos Freitas, logrando un sonido distintivo que refleja la evolución artística de Alea. Se trata de un adelanto de su próximo álbum, que promete romper esquemas con elementos electrónicos experimentales y un profundo sentimiento latino.
‘Rompe To’ combina beats electrónicos con las ricas tradiciones folclóricas de Colombia y Venezuela. La producción incluye la chirimía, un conjunto de viento tradicional colombiano, arreglada con la ayuda de Produ 2233 en Cali, lo que le da a la canción un sonido vibrante y auténtico.
«Escribí esta canción para mí misma, como un recordatorio de que no tengo que quedarme donde no prospero. Puedo romper con cualquier cosa que me detenga o que ya no me sirva. Se trata de reafirmar quién soy como mujer latina en un mundo que a menudo se siente distante de mis raíces y mi identidad. ‘Rompe To’ es una invitación a crecer, evolucionar y redescubrirte una y otra vez», comenta Alea.
El video de ‘Rompe To’ es una exploración experimental y sensorial, fusionando lo extravagante con lo cotidiano. Representa el viaje de romperse y recrearse, reflejando la esencia de Nueva York—una ciudad de inmigrantes, trabajadores, soñadores y valientes—. La protagonista del video, una mariposa (interpretada por Alea), emerge de su capullo y deambula por las calles de Nueva York, encontrándose con otros que, al igual que ella, están en un constante estado de transformación.
La producción del videoclip fue un esfuerzo colaborativo entre Tobías Arboleda, Valeria Avina, y Pablo Monsalve. Presentando arte hecho a mano y alas de mariposa confeccionadas con retazos de tela por el renombrado diseñador colombiano Giovanni Fajardo, esta obra visual refleja el espíritu de evolución y resistencia.
«Rendimos homenaje al denim y al diseño de alta costura, colaborando con Giovanni Fajardo, la mente creativa detrás de los looks icónicos de mezclilla de Britney Spears y Justin Timberlake en los 2000s», explica Alea. «Prepárate para vivir un viaje sonoro que te invita a liberarte, crecer y tomar control de tu propia narrativa», agrega.
‘Rompe To’ es una colaboración con el DJ y productor nominado al Latin Grammy, Mr. Pauer (Toto González). Nominado al Latin Grammy en la categoría de “Mejor Álbum Alternativo,” es reconocido por su fusión innovadora de sonidos electrónicos con géneros musicales latinos. Su impresionante carrera incluye colaboraciones con estrellas internacionales como Goyo, Elena Rose, Diplo, Chucky73, Daddy Yankee, RedOne, French Montana, y Los Amigos Invisibles, entre muchos otros.
A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum ‘E.C.O’., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.
El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP ‘MOLOTOV’, un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, ‘MOLOTOV’ presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.
Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con ‘E.C.O.’ y ‘MOLOTOV’, la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.
‘MOLOTOV’ de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.
«‘MOLOTOV’ es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad», comenta el grupo.
Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo ‘MOLOTOV’ en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.
En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que no solo impulsa el dinamismo de sus composiciones, sino que también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.
‘Escapar’, primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, ‘Escapar’aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.
El segundo tema del EP es ‘Primera línea’, una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. ‘Primera línea’ no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.
«El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que no solo enciende el ánimo, sino que también motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria», enfatiza la agrupación.
La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.
«Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades», mencionan sus integrantes.
Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.
2024 fue un año en donde Supremo, proyecto musical del colombiano Juan Manuel Cárdenas, se dedicó exclusivamente a la producción del álbum ‘Los Reyes del Mambo’.Su proceso creativo comenzó en marzo en la gira realizada por España en donde visitó Madrid, Barcelona, Bilbao y Sevilla con dos fechas por ciudad, produciendo sus canciones en hoteles y aeropuertos. Adicionalmente, este año el artista subió el catálogo completo de sus 20 años de historia musical a plataformas para que todos sus seguidores se deleiten con sus obras creadas. Para cerrar un año con broche de oro, Supremo presenta su nuevo lanzamiento ‘Cumbia’.
‘Cumbia’ es una canción que nace por un proceso de recordar y honrar la adolescencia de Supremo en el barrio Quiroga, en el sur de Bogotá. Un barrio futbolero, cumbiero y rapero fue la inspiración del artista colombiano que incluye rap, cumbia, electrónica y acordeón en medio de una lírica llena de empoderamiento. Es una obra enérgica de motivación personal.
«Para este lanzamiento me inspiré en mis raíces, mi familia, el barrio, mi ciudad y los sueños de un colombiano adolescente promedio que crece con música típica, y en su viaje de la vida va anexando canciones a su playlist personal. Esta canción llegó a mi vida en un momento de lucidez luego de escenarios de depresión y ansiedad», cuenta Supremo.
A nivel sonoro, ‘Cumbia’ tiene la potencia de un boom bap (patrón de rap) cuyos hi hat el artista reemplazó por la güira manteniendo ambas esencias intactas. El maestro Jairo Sanz, ingeniero de mezcla y mastering, fue quien encontró este punto exacto entre los dos mundos, elementos como el acordeón que fue el último detalle que incluyó con melodía vibrante le dan ese toque especial. Además, las trompetas y algunos elementos del hip hop de la costa oeste americana como pads y synths completan su composición.
«Este lanzamiento marca una nueva etapa y comienzo en mi vida y en mi carrera como productor, compositor y director; su impacto será tal que se convertirá en un legado para las nuevas generaciones y los fans de mi música. Quiero mostrarle a los nuevos músicos, artistas y jóvenes la riqueza musical de nuestro país y su importancia para el mundo», agrega el colombiano.
En la cumbia como género, Supremo encontró un multiverso en el que como pez en el agua pudo experimentar con muchos más ritmos, colores, matices, texturas y géneros como el rap con el que empezó su viaje en la música, adicionándole el sonido criollo para que se convierta en un tema apto para cualquier tipo de audiencia sin importar la edad, la raza, el género o la religión.
«Musicalmente, esta canción es energía 100% que te motiva, es alegría hecha ritmo, el mensaje en su letra es de empoderamiento, de sueños cumplidos, de esa semilla que fue enterrada y brotó con nuevas ideas; más fuerte y con una raíz una base sólida y poderosa. Honrar esa raíz va a hacer crecer el árbol más fuerte del bosque», enfatiza.
La canción tiene dos portadas, una para plataformas con un concepto hip hop, su cultura y uno de sus elementos como el grafiti que describe de una forma minimalista este single. La otra para el merch y las redes de Supremo basado en las tablas de los buses en Colombia y mensajes que identifican al artista como su año de nacimiento, su barrio, su calle, música, café, el álbum y, por supuesto Colombia, en colores vivos y alegres para que definitivamente todos los destinos sirvan.
Para Supremo, «la composición, los elementos, los acordes y las notas de ‘Cumbia’ la hacen perfecta para iniciar una mañana, para escuchar después de almuerzo y recargarse de energía, para la ducha, para una fiesta y para una discoteca… está diseñada para cualquier momento del día o de la noche que requieras energía».
‘Cumbia’ es el primer sencillo del álbum ‘Los Reyes del Mambo’ y fue elegida como primer track porque define el inicio en la música de Supremo, los sonidos urbanos, los scratches y el bajo potente son elementos que crean una atmósfera urbano/criolla única para desarrollar el concepto de esta obra, inspirada en sus inicios en un barrio del sur de Bogotá donde creció.
Sobre el disco ‘Los Reyes del Mambo’, Supremo cuenta que «la palabra mambo proviene de África y se relaciona con tambores, alegría, danza y los latidos del corazón. Así se empezó a formar la cumbia que al llegar a América y tener su mezcla con nuestros indígenas dio luz, esto me llevó a hacer las diferentes fusiones del álbum respetando su inicio, el mambo, el trabajo, los sueños, la música, el colombiano, el latino, el emigrante, el que se levanta temprano a trabajar por lo suyo y por los suyos. Todos somos los reyes del mambo, los reyes de nuestros latidos y de nuestro corazón». Supremo dedicará el resto de año a promocionar ‘Cumbia’ a nivel nacional e internacional para impulsar su exposición y su difusión. En cuanto a los shows, estará en enero de 2025 en el cierre de uno de los torneos más importantes a nivel Colombia del fútbol amateur como es el Hexagonal del Olaya en donde estará como artista invitado en el cierre del torneo en el estadio del barrio en el que creció y jugó.
Luq Arlequin es un cantautor trans no binario de Argentina, es artista y músico independiente que combina elementos acústicos con letras reflexivas abordando temas de transformación personal y social en sus canciones.
La Ruka es una artista afrocolombiana que fusiona el hip hop, la salsa y la música tradicional. Con estudios en trabajo social y comunitario ha logrado contar las historias y vivencias de sus pueblos y comunidades negras.
‘Insiste Resiste’ es el nuevo lanzamiento de Luq Arlequin y La Ruka, es una colaboración de coautoría entre los artistas con aportes del productor colombiano Lanzapro.
‘Insiste Resiste’ cuenta la historia de dos artistas, su vida cotidiana y su encuentro, reflejando la situación de muchas personas migrantes en el mundo, así como las experiencias de mujeres y la comunidad LGTBIQ+. Habla de la importancia de las redes de apoyo y la fortaleza personal en momentos difíciles, especialmente en el proceso migratorio. Es un canto a la diversidad, la identidad y la lucha por la inclusión en tiempos de adversidad.
En ‘Insiste Resiste’ el uso de ritmos de hip hop y guitarra acústica añaden una dimensión dinámica a la canción, fusionando sonidos folclóricos y urbanos lo que hace que este lanzamiento sea accesible y resonante para un público amplio.
«Es una canción que subraya la importancia de la inclusión y el reconocimiento de distintas realidades en la sociedad, enfocándose en la resiliencia, la capacidad de adaptación y la importancia de las redes de apoyo ante la adversidad, los desafíos y el cambio», cuentan.
«El temaaborda temáticas como el apoyo mutuo, la resiliencia, la fuerza interior, el optimismo y la fe, queriendo mostrar que se puede resurgir y transformarse mediante la mentalidad y actitud positiva y la influencia que cada individuo puede tener en su entorno», agregan.
El video de ‘Insiste Resiste’ fue filmado en Barcelona por la cineasta argentina Amparo Andreoli y muestra fragmentos de la vida cotidiana de Luq Arlequin y La Ruka, dos artistas inmigrantes radicades en esta ciudad, con sus distintas realidades, y el encuentro que les une a través de la música y la amistad.
«‘Insiste Resiste’ puede ser una fuente de inspiración y apoyo, ayudando a las personas a recordar que siempre vale la pena seguir adelante. Es una canción que tiene motivación, identificación, empoderamiento, conexión emocional, cultura y comunidad», puntualizan.
En la actualidad, La Ruka tiene un proyecto con el sello discográfico Galletas Calientes, donde lanzará un Ep titulado ‘En la isla’ a comienzos del 2025. Por su parte, Luq Arlequin estará lanzando un disco de folk punk con músiques invitades y co-producido con Tribal Records de Argentina a comienzos del próximo año.
Los talentosos hijos de la leyenda de la música tropical Rodolfo Aicardi, lanzan su nueva canción original ‘El Acongojao’, una explosión de sabor, energía y pura tradición colombiana.
Desde las primeras notas, esta canción de Los Hermanos Aicardi promete conquistar corazones y pies alrededor del mundo. ‘El Acongojao’ trae consigo el inconfundible sabor de la música tropical Aicardi, que nunca pasa de moda.
Con una mezcla de instrumentos tradicionales, una letra extremadamente pegajosa y arreglos musicales modernos, este nuevo sencillo compuesto por Gianni y Rodolfo Aicardi, rememora los «cañonazos» decembrinos que hacían bailar a toda Colombia.
La grabación de ‘El Acongojao’captura la energía vibrante y auténtica de la música tropical Aicardi. Su contagioso ritmo, lleno de percusiones que invitan al baile, evoca una sensación nostálgica de las noches decembrinas, las reuniones familiares y los bailes en la calle hasta el amanecer.
La melodía no solo enciende la pista de baile, sino que también transporta a quienes la escuchan a un deseo profundo de vivir la vida al máximo.
¡Escucha ‘El Acongojao’ y prepárate para bailar sin parar! ¡No hay excusa para no dejarse llevar por este pegajoso tema!
Con una canción bajo el brazo y dando continuidad a la gira nacional ‘Un Arrabalero en tu ciudad’, el artista colombiano Jaison Neutra se presentará en Bogotá el próximo 21 de noviembre en Estudio de la Piña (Carrera 17 # 60 – 25).
‘Liviano’ es una balada nostálgica que refleja cómo el amor puede redimir y transformar a alguien que ha tocado fondo en su vida emocional. Con una estética pop/rock de los noventa y una emotiva interpretación de guitarra, la canción transmite la idea de que este amor devuelve incluso más de lo que recibió, resaltando las cicatrices como parte valiosa de la experiencia humana.
Jaison Neutra, artista M3 Publishing y M3 Records, inicia con esta canción la conversación sobre su próximo álbum, que saldrá en 2025 y continuará desarrollando temas de sanación, amor y redención.
Sobre el show en Bogotá
Durante esta gira, Jaison Neutra ha estado interpretando algunos éxitos de ‘Resabia’o’, su primer álbum, pero es principalmente una oportunidad para interpretar canciones de ‘Elegante Arrabalero’ (publicado en 2023 a través de M3 Records).
El show de Bogotá será especial pues presentará oficialmente su nuevo sencillo ‘Liviano’. El artista santandereano, estará interpretando canciones que se han vuelto obligadas en su catálogo, como ‘Bailo Lento’ (producida por Juan Galeano, ganador de 4 Latin Grammys con Diamante Eléctrico), ‘Nelly’ y ‘El Peso’, canción junto al cantautor ibaguereño Santiago Cruz y con la que estuvo nominado a los Premios Nuestra Tierra 2024 en la categoría Mejor Canción Tropical, Salsa o Cumbia.
Estos shows se presentarán en un formato íntimo, que busca un acercamiento a la música desde su propio núcleo en la guitarra y voz de su compositor Jaison Neutra. Será la última vez en un buen tiempo en el que la audiencia podrá escuchar las canciones en este formato, pues el tercer álbum de Jaison Neutra vendrá con sonoridades mucho más volcadas hacia la cumbia y la música tropical.
‘Liviano’ está inspirada en el concepto japonés de Kintsugi, que celebra las fracturas y cicatrices de un objeto reparándolas con oro, la canción muestra cómo un hombre, tras sumergirse en lo más profundo de su miseria, es sanado y redimido por el amor.
Establece el tono para el próximo álbum, el cual también explorará temas de sanación y amor, proponiendo un recorrido introspectivo donde cada canción será una etapa en el camino de redención del protagonista. ‘Liviano’ sirve como el primer paso en este viaje emocional, preparando al público para una obra que explorará cómo el amor y la aceptación son esenciales para sanar.
El 2024 ha sido un año significativo para Falquez, sobre todo con el lanzamiento de su disco debut ‘Known Behaviors’. Este proceso comenzó en 2023 con el sencillo ‘Sometimes’, marcando la dirección emocional y sonora que continuaría en el álbum que se lanzó en su totalidad en mayo. Este trabajo es una colección completa que explora temas introspectivos y profundos a lo largo de cada canción, cada una de ellas complementada con su respectivo videoclip para fortalecer la narrativa visual y conceptual que define al músico colombo-estadounidense.
Para cerrar el año, Falquez presenta a toda la audiencia de Colombia y América Latina su nuevo lanzamiento ‘Broken Castle’, una balada de rock alternativo que explora un viaje emocional a través de una relación rota. La letra revela una lucha personal y de pareja, mientras ambos personajes buscan encontrarse, pero terminan perdiéndose en el proceso. La canción se basa en la sensación de un «castillo roto», una metáfora de una estructura alguna vez sólida que ahora yace en ruinas, simbolizando el desgaste y la fragilidad en la relación.
«‘Broken Castle’ está inspirada en la introspección y en los desafíos de enfrentarse a la realidad de una relación deteriorada. Explora el proceso de aceptación y el cierre que llega al reconocer el daño, incluso cuando se ha luchado por mantener algo que finalmente se pierde», comenta Falquez.
A nivel sonoro, la canción combina elementos de rock alternativo y ambient, generando una atmósfera melancólica que refuerza los sentimientos de nostalgia y cierre. Es una mezcla de guitarras profundas y sintetizadores suaves, diseñados para llevar al oyente en un viaje emocional.
El tema toca temas de nostalgia, dolor, pérdida y aceptación. Refleja el proceso de búsqueda de uno mismo a través del fracaso de una relación y cómo esto puede llevar a un nuevo entendimiento de quién eres en realidad.
«La canción está dirigida a cualquiera que haya experimentado la pérdida o el final de una relación significativa y que busque reflexionar sobre ese dolor desde una perspectiva de crecimiento y autoaceptación», agrega Falquez.
El video de la canción es una historia en cuatro partes, donde se sigue la narrativa de una relación en conflicto. Los personajes se buscan mutuamente, tratando de revivir lo que alguna vez tuvieron, pero eventualmente se pierden. Las escenas de aislamiento y encuentro simbólico enfatizan el sentimiento de pérdida, mientras que el viaje físico de los personajes hacia el mar representa el proceso de aceptación.
«Espero que la canción toque profundamente a los oyentes y les permita encontrar un espacio de reflexión en sus propias experiencias personales. ‘Broken Castle’ está destinada a resonar con aquellos que buscan sanar a través de la música», enfatiza.
Para Falquez «el mensaje central de la canción es que a veces, la ruptura y el dolor pueden guiarnos hacia la autoaceptación y el crecimiento personal. A pesar de las dificultades y el fin de algo querido, siempre hay una oportunidad para encontrar paz y claridad».
La portada de ‘Broken Castle’ muestra a uno de los personajes caminando hacia el mar, capturando visualmente el momento de búsqueda y cierre que define la canción. Este escenario representa la liberación y el desapego final, simbolizando tanto el dolor como la calma de dejar algo ir.
‘Broken Castle’ no estará incluida en un álbum o EP, Falquez decidió lanzarla como sencillo para darle el espacio especial que merece. Aunque fue creada durante el proceso de grabación de ‘Known Behaviors’, el músico sintió que esta canción, por su intensidad y tema, debía presentarse de forma independiente para resonar con los oyentes de manera única. De hecho, es una canción significativa para Falquez ya que fue la primera canción en la que grabó voces, marcando un momento de evolución creativa en su carrera.
Fantasía del Moribundo es un proyecto musical de loose rock, bautizado para el género que interpreta la banda colombiana, pues fue la mejor forma de encasillar el sonido mezclado, variado, fresco y novedoso de la agrupación. El proyecto surgió en Bogotá, y se ha ido transformando y evolucionando de manera oficial desde 2023. FM representa la dualidad y el contraste entre belleza y miseria, y vida y muerte; simboliza un profundo deseo por vivir a pesar de estar a un paso de morir. Es un nombre que invita a reflexionar y fonéticamente tiene un impacto dramático. La intención de su propuesta es generar impacto, sensación, reflexión y emoción; dándole un valor y voz a sus ideas.
«Queremos tener la oportunidad tan desperdiciada por gente pendeja con influencia social y medios económicos, para aprovecharla y aportar algo al mundo. Nuestras canciones buscan hacer sentir, cada canción tiene inspiraciones diferentes, actualmente son temas centrados en emociones, expresiones y catarsis que se organizan para llevar una narrativa emocional. Más adelante vendrán temas con narrativas más complejas y enlazadas más a nivel narrativo literario», cuenta el grupo bogotano de rock, bambuco, música electrónica, metal, emo, bossa nova, samba, jazz, blues y salsa, en artistas como Soda Stereo, Gustavo Cerati, Muse, Juanes, Led Zeppelin, Fito Páez, Charly García, Metallica, Skrillex, Foo Fighters, Nirvana, Royal Blood, My Chemical Romance y deadmau5.
‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ es el nuevo trabajo de Fantasía del Moribundo. Es un mini compilado que refleja un fragmento de la esencia del grupo, contiene 6 temas del primer álbum de la banda, titulado ‘Catarsis’. En esta producción se exploran temas rockeros, con el toque y sonoridad característica de FM.
«Queríamos que se sintiera el contraste en cuanto a todo lo que tocamos, por eso hay temas con secciones muy pesadas como ‘Pelea en vano’, y temas contrastantes como ‘Ciclo perfecto’ con influencia jazz y soul, y ‘La fantasía del moribundo’, una balada piano rock progresiva con secciones hechas en clave de son», agrega la banda.
‘El EP más bonito que escucharán en sus vidas’ de Fantasía del Moribundo explora elementos fluidos y melancólicos en ‘Tu desnudez’, expresiones rockeras en ‘Tú lo sabes’, sonidos explosivos en ‘Rumbo explosión’, momentos violentos y enérgicos en ‘Pelea en vano’, temas emotivos y cambiantes en ‘La fantasía del moribundo’ y sonoridades apacibles y emotivos en ‘Ciclo perfecto’.
Para FM «La idea del EP es que cada quien lo signifique con sus propias experiencias y que nuestra música acompañe con intensidad y particularidad. Aunque, es dentro de todo, música con una carga emocional pesada, somos una banda para la noche con un dramatismo elegante. Es más sencillo reconocerse en este EP cuando se está deprimido, entusado o muy perdido en la vida».
‘Tu desnudez’ es el sencillo que acompaña el EP, un tema con una carga emocional melancólica que habla sobre el resultado de haber amado con deseo e intensidad. Es una canción de desamor. En la letra se retrata el hecho de perderse en otra persona, de arder intensamente y luego solo ser cenizas. Estos temas de FM guiados hacia lo emocional, están escritos con una intención poética. A nivel musical, toma inspiración de Gustavo Cerati, pero luego se adhieren elementos diversos, por eso la guitarra y el riff principal tiene influencia funk al estilo Cerati. Al final, la potencia y la rabia hacen la canción más oscura y pesada.
«Queremos darnos a conocer con este EP en Colombia y Latinoamérica y poder generar una red de contactos muy bien ubicados en la industria musical. Esperamos conquistar nuevas audiencias, armar nichos y comunidades para nuestra propuesta que, no sé si por suerte o por desgracia, no tiene un público específico aún», enfatiza la banda.
Fantasía del Moribundo planea para 2025 lanzar su álbum debut ‘Catarsis’ que tendrá un alto contenido emocional. A nivel de shows, el grupo se presentará el viernes 15 de noviembre en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el viernes 22 de noviembre en el Open Mic de la EMMAT y el jueves 19 de diciembre en Casa Usaquén.
«FM es un proyecto que, además de sonar bien y presentar un show original, tiene pretensiones e ideales valiosos y objetivamente positivos. Si le dan la oportunidad a la banda, a corto plazo van a disfrutar de muy buena música, un gran ambiente e increíble puesta en escena, y a mediano y largo plazo podrán ver un mensaje crítico y reflexivo acerca de la visión de la existencia. Si nos dan los espacios podremos exponer una manera muy diferente de ver el mundo y de ayudar a muchas personas», concluye Fantasía del Moribundo.
2024 ha sido un año increíble para el crecimiento del artista colombiano Santiago Giraldo Arboleda y su proyecto Enla Arboleda. A pesar de haber migrado a Londres y de enfrentarse con muchas barreras que hace unos años no existían, este proyecto sigue adelante y hoy celebra el lanzamiento de un EP en un nuevo idioma y en un país lejano al suyo. Durante este año, el músico paisa lanzó 4 sencillos, dos de ellos con videoclip, además; conformó el formato de banda para tocar en vivo, un trabajo retador al igual que conseguir conciertos en la capital inglesa.
‘Other Ways To Find Yourself’ es lo nuevo de Enla Arboleda, un EP refleja muchos de los momentos más importantes de su proceso de migración. El título traduce ‘Otras formas de encontrarte a ti mismo’ porque de eso se ha tratado escribir estas canciones. Ha sido una búsqueda por darle sentido a un montón de cosas que parecían ridículas en su momento y que le hacían sentir al artista que la vida lo estaba poniendo al límite extremo. Cada una de las canciones tiene ese elemento de «hasta aquí llegué, no puedo más con esto», por eso, este trabajo tiene una gran carga existencialista.
‘Other Ways To Find Yourself’ es una producción inspirada en la soledad, el silencio y la duda. Va dirigido a las personas curiosas, a quienes tal vez buscan significado en todo lo que hacen o en cada cosa que compran, que sienten pasión por algo o que se están cuestionando qué hacer con su vida. Tal vez estas canciones resuenen en alguna parte del cuerpo o de su memoria.
«Estas canciones las escribí en absoluta soledad, sin saber qué iba a pasar con este proyecto ni con mi vida. Fue una oportunidad para hacerme preguntas sobre las razones por las que quiero lo que quiero, por las que hago música, y por las que decidí dejarlo todo para estar finalmente conmigo mismo. Es interesante porque, estando lejos de la familia, que amo y extraño, de mis amigos y de todo lo que pensaba que era mi vida, me siento más cerca de mí», cuenta el artista de la ciudad de Medellín.
Las canciones que conforman el EP son bastante eclécticas porque mezclan elementos de jazz con influencias de la música electrónica. Tal vez uno de los cambios más drásticos fue haber puesto la guitarra en un segundo plano de manera deliberada, algo que resultó bastante inspirador porque obligó a Enla Arboleda a encontrar nuevas formas de comunicación a través de otros elementos.
«Decidí utilizar mi voz para crear más ambientes y loops, así como sintetizadores que a veces suenan bastante crudos. Son cosas que nunca había explorado de manera tan consciente, y creo que hay un terreno bastante interesante por delante», cuenta el músico.
Según Enla Arboleda «mi meta principal es conseguir más conciertos en Londres y lograr que nuevos seguidores se interesen en el proyecto. Con este lanzamiento decidí implementar un sistema de suscripción a un newsletter, lo que me permitirá tener conversaciones más cercanas con los fans. Si alguien está leyendo esto y siente curiosidad, al suscribirse recibirá un pequeño regalo».
Los dos videos que forman parte de este EP se lanzaron hace unos meses. El primero es con una bailarina que recorre la ciudad en reversa, haciendo alusión al título de la canción ‘Rewire Rewrite’ que traduce ‘Recablear, reescribir’ y que hace referencia directa al título del EP, sobre reencontrarse consigo mismo.
El segundo video es de la canción ‘When The Light Goes Out’ en el que Enla Arboleda aparece cantando en varios lugares icónicos de Londres, espacios que forman parte de su nueva cotidianidad y que enmarcan el contexto de este EP.
«Hay muchos mensajes en estas cinco canciones que le dan vida a ‘Other Ways To Find Yourself’; algunos tienen tintes coloridos y otros grises. En general, siempre trato de hacer un llamado a explorar las emociones y a vivir una vida más libre. Tal vez, para darle un toque más inspirador, mi mensaje es sobre irse de todo aquello a lo que uno ya no pertenece y que le hace daño», enfatiza.
La portada del EP fue diseñada por Enla Arboleda, pintada de forma manual, y significa la representación del caos y la libertad. El caos de mil cosas pasando a la vez, y la libertad del artista de no preocuparse por hacer una portada perfecta, sino algo que le generara alguna emoción y lo hiciera sentir auténtico y conectado consigo mismo.
«Tengo algunos conciertos programados en Londres, así como un par de grabaciones de canciones que no verán la luz hasta finales de 2025 o principios de 2026. Las canciones del primer trimestre de 2025 ya están listas y esperando su lanzamiento. Además, espero explorar colaboraciones para enriquecer el sonido del proyecto y continuar creciendo mi audiencia», concluye Enla Arboleda.
Kowloon es un artista estadounidense, de Los Ángeles, que ha lanzado un flujo constante de música en los últimos seis meses: 5 sencillos en este período, abarcando diferentes estilos y géneros. Escribió, grabó, produjo y tocó todas las partes. Durante el mismo tiempo, también produjo y coescribió para un artista de americana Luke Rathborne de Nueva York que aún no ha sido publicado. Su música ha tenido más de 50 millones de streams en Spotify y YouTube. Su música ha sido reproducida frecuentemente en la estación de radio de Los Ángeles KCRW, y también ha sido incluido en playlists grandes y editoriales de indie en Spotify.
Tras el lanzamiento de ‘Black & Blues’, Louie Rubio empacó su Stratocaster y pedalboard para una temporada de viajes internacionales, conectando con artistas de todo el mundo. Recientemente, ha pasado tiempo en reconocidos estudios de música en Francia, Londres y Nueva York (con el destacado talento de Shirazee). Este viaje lo ha llevado a explorar géneros diversos como el indie pop francés, rap del Reino Unido, latino, afrobeats y más. Un aspecto clave de este período ha sido su emocionante colaboración con el artista indie Kowloon en Los Ángeles titulada ‘Your Name’.
La génesis de ‘Your Name’ surgió durante una sesión de escritura/jam entre Kowloon y Louie Rubio. Mientras trabajaban en otra pista completamente distinta, Louie comenzó a tocar la línea de guitarra que es el corazón de la canción, y de inmediato Kowloon se inspiró para escribir la parte vocal.
«La canción surgió puramente por la alquimia de la colaboración. No podría existir si no hubiéramos compartido la habitación en ese momento, tocando instintivamente el uno con el otro. La canción surgió muy rápido e intuitivamente», mencionan los artistas.
‘Your Name’ es una narrativa cinematográfica, una historia de amor ambientada en un futuro postapocalíptico (¿o presente alternativo?) influenciada por los acontecimientos actuales del mundo.
Musicalmente, la canción toma influencias de los clásicos indie de principios de los 90 como ‘Odelay’ de Beck, así como de fuentes más antiguas como los Rolling Stones y actos de rock sureño como los Allman Brothers.
«‘Your Name’ está dirigida a todos los fans de la música nostálgica inspirada en los años 90 y 60. La canción aborda temáticas como la nostalgia, los romances condenados, la ansiedad por el futuro y el espíritu humano floreciendo a pesar de todas las adversidades», cuenta Louie Rubio y Kowloon. «Producción casera estilo años 90, baterías crujientes y trazas épicas sacadas de la era ‘Let It Bleed’ de los Rolling Stones», agrega
La nostálgica portada de ‘Your Name’ está pensada para evocar una diapositiva de Kodachrome, tal vez una fotografía de la familia de los personajes que nunca fue, pero que pudo haber sido.
«Esperamos atraer tanto a los fans actuales como conquistar a nuevos oyentes. Queremos hacer música que impacte la vida de las personas y se convierta en parte integral de la identidad diaria y nocturna de los oyentes», puntualizan Kowloon y Louie Rubio.
‘Your Name’ estará incluida en el próximo LP de Kowloon, tentativamente previsto para enero de 2025.
Louie Rubio tiene otro lanzamiento planeado antes de fin de año y continuará sus viajes colaborativos con artistas de diferentes géneros con el firme objetivo de seguir cultivando su exploración de diferentes sonidos.
Por su parte, Kowloon tiene dos sencillos más tras ‘YourName’: un tema polvoriento y melancólico titulado ‘Shadow’y una pista de ritmo acelerado inspirada en New Orderllamada ‘Heart Begins With You’. Además, prepara un video musical animado para el sencillo ‘Coastin’ que fue dirigido por el mismo cineasta detrás del aclamado video musical ‘Wake Up’ de Kowloon.
Dimas y Los Pexes o simplemente Los Pexes es una agrupación colombiana conformada por cinco músicos profesionales que se conocieron estudiando en la universidad. El proyecto surgió a finales de 2021 cuando Willie Vargas decidió, con firmeza, emprender todo lo pertinente para consolidar una banda indie (y todo lo que esto implica). Hacen música propia, pero también trabajan haciendo covers de rock. Durante su carrera, han publicado cinco sencillos, cuatro sesiones en vivo y un videoclip animado, además de hacer múltiples presentaciones en grandes venues de Bogotá.
Quienes escuchan a Dimas y Los Pexes dicen que no suenan parecido a casi nadie, marcando una intención que parece olvidada por estos tiempos: ser auténticos. La intención de su propuesta es rock con vertientes indie llevando casi todo su proceso de producción (pre-producción, captación de audio, edición, mezcla, y master) de forma autogestionada, logrando uno de sus objetivos: lograr autonomía musical con canciones que evocan la resiliencia, el amor y desamor, la cotidianidad, lo apolíneo y lo dionisiaco y en sí, el derrotero de la esperanza o de algo que puede llegar a ser, inclusive, como lo postula Coltrane, espiritual.
«A través de nuestras canciones queremos enviar mensajes de amor y esperanza. Asimismo, la amalgama de un mensaje que evoque una atmósfera de virtud, pero también un ambiente de lo festivo. Un poco de despecho, pertinente en la música popular. Diversión, también. Queremos que las canciones sean recordables, que no rayen por lo complejo, sino que cale directo en un público objetivo no experto», comenta la banda con influencias del indie-rock e indie-pop en general, rock en español, funk, indie Iberoamericano, post-punk, rock clásico e indie nacional en artistas como Foals, Motorama, The Whitest Boy Alive, Soda Stereo, El Mató a un Policía Motorizado, Arctic Monkeys y hasta Pastor López y las músicas tropicales o populares.
‘Delirio y resiliencia’ es el disco debut Dimas y Los Pexes, un trabajo que de entrada usa dos sustantivos que contrastan y eso precisamente evoca: la dualidad o lo binario, lo angelical y demoníaco, la luz y oscuridad, lo apolíneo y dionisiaco o, en síntesis, la naturaleza humana.
El disco explora principalmente sonidos no programados, todo hecho como lo harían The Strokes, algo sencillo, limpio, tangible. Casi todo lo que suena en estudio se puede hacer en vivo. Hay una que otra técnica compleja en la suma de bajo y batería, ya que Héctor (bajista) viene de la escuela del metal con su popular banda nacional Darkness y Juan Manuel (baterista), por su parte, gusta de las complejidades rítmicas a pesar que casi todo el álbum está en métrica de 4/4. No obstante, desde las guitarras, que son interpretadas por dos cantantes de profesión, hay algo que tiende más bien a lo Nirvanesco o a la propuesta estética del género grunge que creó Kurt Cobain, algo rayano en reírse de lo virtuoso y quizá más bien esmerado en crear contundencia y lo inteligible. Las cerezas del pastel son los sonidos de dos sintetizadores, factor que da el distintivo sobre la banda de rock usual y el hecho que todos los cinco cantan, a veces en polifonía, elemento que los acerca de manera relativa a una súper banda de indie-pop/funk como lo es Parcels.
«Con este disco queremos enviar un mensaje recordable, no complejo, que se expanda, positivo, que transite todas las emociones posibles, pero que deje un hálito de esperanza y amor», agregan.
El trabajo explora la naturaleza humana en canciones como ‘Como un ángel’ (apolíneo), un tema que le canta a la soledad (que muchos sintieron en pandemia), pero también a la resiliencia de un gran cambio que parte desde la individualidad, para así aportar a la sociedad. Por su parte, ‘Todos estamos locos’ (dionisiaco) aborda el delirio que muchos sintieron en pandemia o después, y el paliativo que es saber que todos tenemos algo de locura y que, a partir de esa premisa, podemos soltar el control de todo (budismo) y bailar tranquilos al ritmo de las olas del mar de Bogotá.
‘Delirio y resiliencia’, como parte del concepto, utiliza también un «caballito de guerra», que es hacerle canciones al despecho, como ‘Gritando tu nombre’, la historia de una traición marcada por la mentira y ‘Esa voz’, una lamentable asíntota, el anuncio de un amor que nunca será. Asimismo, como concepto, busca «lo divertido» con un par de canciones de amor cómico en los tracks 3 y 4, temas que hablan de vender un PlayStation por amor (tema que ha calado muy bien entre el público de preámbulo) y otra dualidad: una rara pareja formada por un tipo pacato y una mujer farrera. Al final, en el último track, llamado El Pez, se buscó amalgamar un sonido indie-pop, evocando también cierta influencia de la descarga del Hillsong, propio de los ámbitos protestantes. En este tema, Willie buscó hacer una canción llena de simbolismo o ambigüedad dedicada a Jesús Nazareno.
‘Delirio y resiliencia’ de Dimas y Los Pexes presenta canciones complejas y largas que hablan de tusas como ‘Gritando tu nombre’, historias dramáticas en ‘Esa voz’; momentos cómicos, dramáticos y postmodernos en ‘YPTVMPS’, temas divertidos y con voltaje en ‘450 voltios’,sonidos fuertes, enérgicos y resilientes en ‘Como un ángel’, le canta a la fiesta y al baile en ‘Todos estamos locos’ y cierra con una historia amorosa, linda y serena en ‘El pez’.
‘Como un ángel’ es el focus track del disco. Compuesta por Willie Vargas Lozano, fundador de la banda, producido y grabado por Dimas y Los Pexes, Santiago García y Sebastián Abril en Groove Studios y Dimas Records, es un canto a la resiliencia, basada en el individuo que entra, trasciende y sale de la pandemia y el paro nacional como aquella persona que sale de la tormenta: más fuerte, distinto. La canción explora, desde la espacialidad y las reverberaciones, propias del post-punk, un viaje introspectivo, que cuestiona asuntos como la soledad benigna, el sentido y el renacer de un sobreviviente, quizá protegido por una fuerza superior.
Respecto a esta canción, su compositor Willie declara que: «esta es la canción, hasta ahora producida, que más me ha enorgullecido. Siento que mi sueño artístico, de la mano de mis increíbles músicos y amigos, cada vez se va consolidando más y más y volviéndose realmente auténtico».
https://youtu.be/hTKtK5aPhaU
Con este disco, Dimas y Los Pexes quiere dejar una referencia en streaming para que cada evento en vivo tenga sustento y pueda pescar seguidores en Colombia, Latinoamérica e Iberoamérica.
«Dimas y Los Pexes es nuestro proyecto de vida y el que le da sentido. Queremos llegar lejos, lograr que el proyecto sea autosostenible y demostrar que sí es posible hacer y vivir del rock en Colombia. Es importante dejar el rastro de una banda independiente, esmerada en conocer el proceso de producción musical y audio, desde la idea hasta la masterización. Somos grupos que se esfuerzan por crear música buena, con las uñas, con una poética clara. Queremos trascender como artistas porque somos músicos profesionales y estudiamos la ciencia de las emociones».
«Queremos ser referentes filosóficos y estéticos para las actuales y nuevas generaciones, consolidar un nicho que aprecie un arte rico, que se aparte de casi todo lo que implica el perreo y retome las sendas de lo que en verdad es un artista. Desde este prisma, Dimas y Los Pexes es importante para la comunidad nacional e internacional, porque busca retomar el camino de un Gustavo Cerati y toda la generación anterior de poetas, de gente excelente en el estudio de su instrumento, composición, arreglos y orquestación, de gente que se tomó el arte como un ismo y un fin», concluye.
Dimas y Los Pexes es un proyecto musical colombiano conformado por Willie Vargas Lozano (frontman), Juan Guerrero Sierra (batería), Héctor Mariño Pedraza (bajo), Jose Ramírez Aguillón (guitarra líder) y Nicolás Nizo Medina (teclados).
Egórico, como personaje, es principalmente una semi-deidad de una mitología que su creador y fundador Emilio Paredes está creando en su universo literario aún no publicado. Es el dios del Ego, la deidad de los escribas y del instinto. En el universo musical que el artista de República Dominicana ha estado desarrollando tiene un enfoque al desapego y a la motivación, promoviendo el despeine como acto de rebeldía e invitando al prójimo a sacarse la mala vibra.
El proyecto artístico nace en 2022 de la mano de su arreglista y pianista Emilio Medrano y su productor de cabecera, el artista dominicano Fonzo, con quién hace poco lanzó el tema ‘Flaca, Ven’. Egórico como palabra está creada por la fusión de Ego + Rico y la reducción de la palabra ‘Alegórico’ siendo alegoría (representación) del dios del ego.
«Egórico nace como una vista introspectiva para hablar de temas personales y sociales. La mayoría de mis canciones nacen desde la introspección y buscan llevar apoyo y cambio de perspectiva a quienes escuchen. Mis canciones van desde críticas sociales como ‘Carnavales Digitales’ hasta canciones mucho más personales e interiorizadas como ‘Ardiendo en el Fuego Griego’. Siento que desde la interiorización se puede ayudar a muchas más personas a salir de los bucles negativos y tóxicos y se puede dar un poco de aliento a quienes más lo necesiten», cuenta el músico dominicano con influencias del hip hop alternativo, mambo, funk y rock en proyecto como Gorillaz, Canserbero, LosPetitFellas y Dawer X Damper.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es lo nuevo de Egórico, una canción de superación, aunque toca superficialmente temas como la hipocresía, la depresión, y las dificultades económicas. Aborda la perspectiva de estar ardiendo constante en un fuego que no se extingue que es una referencia a cómo el artista siente que funciona la vida, y de cómo el ser humano debe mantenerse fuerte a pesar de todas las circunstancias.
«La canción nos dice que debemos seguir ladrando y mordiendo a pesar de la hipocresía de algunos que solo miran («el prójimo solo observa como mi alma se desnuda» o «miran para afuera, pero por dentro tan ciegos»). El tema juega un poco con jergas y expresiones caribeñas, así como menciones de elementos de la cultura popular», agrega Egórico.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ a nivel sonoro es un hip hop alternativo / rap rock. Su influencia mayoritaria es rock, aunque el artista quiso que el primer verso de la canción iniciara en jazz como un guiño sutil a los cambios de la vida misma que a veces nos ofrece. Luego del segundo verso explora un rock un poco más progresivo casi punk.
‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es parte de un disco que por el momento Egórico no revelará el nombre. Dentro de sus sencillos actuales es su sexto lanzamiento.
Actualmente, Egórico trabaja en un EP colaborativo junto a su amigo, artista y productor Fonzo que se llamará ‘No Hay Flaca Que Por Bien no Venga’. Este trabajo será un hip hop alternativo con una perspectiva un poco más entre el romanticismo y el desamor y tendrá influencias de hip hop de los 90 y será lanzado en el primer trimestre de 2025.
«‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es una canción bien enérgica que entiendo que el mejor momento para disfrutarla es en el gimnasio, pero hay quienes me dicen que es excelente para iniciar el día o para una recarga de energía en las tardes», menciona el artista.
El dominicano realizará una serie de conciertos en lo que resta de 2024 y prepara un 2025 lleno de lanzamientos musicales para todos sus seguidores en América Latina. Además de su EP con Fonzo, Egórico está trabajando un EP de tres canciones en Spoken Word con la artista dominicana Idelmi y el arreglista/ pianista Emilio Medrano. A nivel individual, el artista se centrará en un EP de jazz rap para finales de 2025 titulado ‘Receta para Embalsamar el Cadáver del Ego’.
«Siento que ‘Ardiendo en el Fuego Griego’ es toda una experiencia, a pesar de ser la punta del iceberg si lo comparamos con todo lo que viene. Es una experiencia y una apuesta arriesgada en un país como República Dominicana, pues ser artista indie y emergente de hip hop alternativo en la tierra del merengue, la bachata y el dembow no es sencillo, pero quisiera ser parte de la evolución y la inserción de esas propuestas más arriesgadas en los géneros populares», puntualiza.
«Egórico lo veo como una plataforma de enseñanza y de superación transmedia. Soy estudiante de cine y pretendo abordar la parte visual del proyecto desde una mirada cinematográfica. Así que parte del discurso se irá contando desde la música alternativa, otra parte desde la literatura y el resto desde la construcción audiovisual del mismo universo. Así que entiendo que puede resultar interesante y enriquecedor que desde toda Latinoamérica se pueda conocer el proyecto, estoy seguro de que muchos serán capaces de conectar con el dios del ego», concluye.
La Celebración del Rock Colombiano nació como una plataforma para fortalecer la industria y el ecosistema musical del rock y el metal en Colombia, entregando herramientas para el desarrollo de proyectos musicales que guíen a los artistas y apalanquen su desarrollo para salir de la escena emergente y se consoliden en diversos públicos generando comunidad.
La gestora cultural y líder de esta iniciativa Aida Hodson, quien ha trabajado en este sector en el desarrollo de artistas, plataformas y eventos para la escena colombiana desde hace más de diez años, hace un balance satisfactorio de la primera edición de la Celebración del Rock Colombiano.
«En esta primera versión la acogida fue importante, se inscribieron un total de 102 bandas y la calidad y versatilidad de la escena musical del género en nuestro país es grande y sigue creciendo. Esperamos cada año superar los resultados de los años anteriores», cuenta Hodson.
La Celebración del Rock Colombiano 2024 tuvo varias actividades previas a la final, en primera instancia se realizó una preselección de 32 bandas que sobresalían entre las 102 participantes por actividad, calidad musical y su notoria disponibilidad a crecer. Esta etapa estuvo curada por Alejandro Bonilla, Juan Burbano, Héctor Villamil y Aida Hodson, quien evaluó lo comunicacional. La segunda etapa estuvo llena de retos y fue interesante ver cómo reaccionaron a los proyectos participantes. De los 32 elegidos se seleccionaron 16 proyectos para que fueran parte del acetato: Celebración del rock colombiano que se lanzará a finales de noviembre.
Uno de los retos de la convocatoria fue un sincronizador o editor musical que pedía hipotéticamente a la banda versionar una de sus canciones o buscar en las mismas dos estrofas que debían proponer para la campaña del Día Mundial de los Animales. El resultado fue increíble, seguidamente de montar una campaña o estrategia comunicacional alrededor de la misma.
Según el desempeño y la participación de los retos, se escogieron 10 bandas en constante actividad para tocar en teatros y parques el pasado 20 de octubre en una coproducción con IDARTES para celebrar el Día Mundial de los Animales, entregando a los proyectos un reconocimiento.
Otra etapa fue el ciclo de talleres ‘Eso es pura rosca’ realizados en el Teatrino del Teatro Jorge Eliécer Gaitán en Bogotá en donde se sensibilizaron temas del diario vivir de esta industria como ‘¿usted no sabe quién soy yo?’ que se enfocaba a fortalecer su marca musical y cómo generar comunidad.
Las bandas finalistas de la Celebración del Rock Colombianoson: Camargo, Mandingasea, Coyote, Ennui, Mad Dogs, Gato Loko; desde Tuluá, Rain of Fire; desde Cali, Tortugas Azules; desde Circasia, Somer y la banda revelación Nightwatcher.
La gran final se realizará el próximo sábado 23 de noviembre en la emblemática Media Torta de Bogotá a partir de las 11:00 a.m. En el evento participarán las 10 agrupaciones finalistas y 2 bandas invitadas de otras regiones como parte de los intercambios con festivales. La entrada es gratuita.
La banda ganadora obtendrá la grabación de un sencillo profesional en el Bunker Estudio bajo la producción de Juan Burbano, además, un video profesional, $1’000.000 en merchandising, un año de asesoría legal con Alright, un estudio fotográfico, 6 sesiones de coach vocal, 6 sesiones de coach de expresión corporal y la participación en 6 festivales regionales en 2025.
Para Aida Hodson, «es importante que el público asista a la final de la Celebración del Rock Colombiano para apoyar la escena emergente del rock y del metal de nuestro país, porque queremos demostrar que la escena emergente está creciendo y se apropia de espacios como la emblemática Media Torta, y sobre todo porque serán siete horas de rock y metal independiente hecho en Colombia».
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