Ana Barajas es una artista colombiana nacida en Tunja que vive desde 2011 en Austin, Texas. Su propuesta musical busca conectar sus múltiples experiencias sonoras con sus raíces como boyacense, colombiana y latinoamericana de la diáspora. Cree firmemente en que el arte y la música son las mejores formas de tender puentes entre culturas y experiencias de vida diversas.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de que la memoria es importante, que la palabra y la poesía siguen en la actualidad teniendo más valor que nunca, que la música tiene la capacidad de transportarnos a diferentes lugares, y que la curiosidad y la creatividad siguen siendo la mejor herramienta para mantener viva nuestra identidad colectiva en un mundo globalizado», cuenta la artista quien considera que su música tiene un elemento experimental fuerte y que si hay una línea que atraviesa todo lo que hace es la raíz.
‘Mango Motel’ es el nuevo disco de Ana Barajas, un homenaje a la música popular Latinoamericana de antes de los años setenta y sus recorridos y encuentros con la música hecha en Estados Unidos.
Es un disco fundamentalmente de versiones de canciones clásicas latinoamericanas en donde Ana Barajas explora en cada una de ellas otros sonidos y arreglos experimentales. La producción cuenta con sonoridades de jazz, surf, rock, country y tiene sampleos de material sonoro de películas antiguas. Es un álbum para escuchar, disfrutar y recordar.
«Es mi encuentro desde la diáspora con mis memorias sonoras familiares y con esa identidad que no veía tan clara estando en Colombia, mi identidad como Latinoamericana. ‘Mango Motel’ hace referencia a los moteles de paso en Estados Unidos a donde llegan viajeros y migrantes, lugares quizás genéricos, pero que tienen mucho que decir sobre las personas que pasan por allí, por eso se entremezcla por ejemplo el bolero con el surf, la ranchera con el country y la balada con la música gipsy, entre otros géneros», enfatiza la artista.
‘Mango Motel’ surge en pandemia cuando se frenó la música en vivo y Ana Barajas tuvo que retomar desde la producción y arreglos parte del repertorio que cantaba en Austin. La artista descubrió canciones que no conocía, la historia detrás de ellas y jugó a explorarlas a su manera y estilo, y junto a su amigo Phil Spencer, con quien coprodujo el álbum, trabajaron juntos sin miedo a explorar nuevos terrenos sonoros.
Según la óptica de Ana Barajas en ‘Mango Motel’, la primera canción ‘Ojos Bonitos’ describe cuando Los Andes se fueron para Texas, pero no dejaron sus montañas; ‘A Melody From Heaven’ es la historia de un bolero que se fue de viaje a Inglaterra en los años 50, hizo una película y se transformó en rock and roll; ‘Volver Volver’ es un mariachi en París, Texas; ‘Siboney’ es un encuentro de Tom Jones y Tom Waits en Cuba mientras se filma una película de cine negro, ‘My Funny Valentine’ es un jazz y un mojito en un bar clásico, ‘Tabú’ es un surf selvático y ‘Cara de Gitana’ representa a la gitana Latina que se fue a Los Balcanes.
«Quiero conectarme con la audiencia en Latinoamérica, desde hace muchos años vivo en Estados Unidos y me gustaría mucho poder compartir mi música en mi país y en la región, y que la gente encuentre múltiples maneras de conectarse a estas canciones desde la perspectiva en la que yo las presento. Tengo interés en poder promocionar mi música en Colombia y en poder tocar más seguido allá, y la intención de poder tocar en México y probablemente en Argentina este 2025», menciona.
La portada del disco fue realizada por la ilustradora tunjana Camila Niño también conocida como Infausta, quien también ha hecho las portadas de los 3 sencillos que Ana Barajas ha lanzado anteriormente. Está inspirada en los avisos antiguos de los moteles de carretera de Estados Unidos.
Ana Barajas tiene en paralelo a su carrera solista otro proyecto personal de música electrónica llamado VHU el cual se encuentra en periodo de finalización de su disco debut.
«Siento que es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme y descubrirme porque he venido trabajando por mucho tiempo, quizás más silenciosamente de lo que debía, en desarrollar una propuesta que hoy en día siento sólida y con un sonido propio que puede llevar a las personas a paisajes sonoros que aún no han visitado», concluye Ana Barajas.
Escucha ‘Mango Motel’ de Ana Barajas en tu plataforma musical favorita
Nave Fónica es una banda de rock bogotana con más de tres años de trayectoria en la escena musical. El proyecto nació a partir de una iniciativa de un grupo de músicos de la ASAB (Facultad de Artes de la Universidad Distrital) conformado Andrés Castillo (Lennon) en la guitarra y voz principal, Wilder Buitrago en la batería, Jorge Casas en el piano y Alexander Contreras. La intención de su propuesta musical busca contar las historias del ciudadano latinoamericano, del que persiste, lucha, ama y crece con sus caídas.
«Apartados de la creencia de que el rock tiene una bandera política o geográfica, pero siempre orgullosos de dónde venimos. Nuestras canciones han venido centrándose en vivencias del común, pero nuestro eje siempre está en la superación de la dificultad, del crecimiento interno y la contemplación de las vivencias», comenta el grupo influenciado por el rock de los 80’s y principios de los 90’s, tanto en inglés como en español.
‘Sigo tu voz’ es el nuevo lanzamiento de Nave Fónica, una canción que cuenta la historia de un amor pasajero. Habla del entendimiento de 2 personas en la intimidad, de la curiosidad genuina por el placer del otro y de cómo ese momento constituye un pequeño escape a sus problemas.
Influenciados por el hard rock de los 80’s de bandas como Def Leppard, Poison y Van Halen, ‘Sigo tu voz’ marca una nueva etapa de la banda. Las letras y las armonías son más sencillas, robustas y directas, las guitarras son más pesadas y los sintetizadores son más protagónicos.
«Muchas veces llegan a nuestras vidas personas que conectan muy rápido con nosotros, pero las circunstancias hacen que el estar juntos sea incierto a futuro», enfatiza la banda colombiana.
El video de ‘Sigo tu voz’ amplía la historia de la canción. Los 2 personajes vienen de épocas distintas, la chica es una estudiante muy aplicada de ciencias y física que construye una máquina del tiempo para traer a su artista favorito de los 80’s. Hay referencias a películas de la época, pero la referencia más clara es la primera entrega de ‘Terminator’.
«Con este lanzamiento buscamos captar la atención del público rockero que disfruta de todo el poder melódico y distorsionado de las bandas de hard rock. Es ideal para los amantes de los coros pegajosos, el blues distorsionado, los arreglos de sintetizadores y los coros reverberados. Def Leppard y Mötley Crüe llenaron el Simón Bolívar hace poco, y no solo con rockeros de vieja guardia sino con mucha gente joven, a todos ellos queremos llegarles con nuestro nuevo sencillo. Queremos conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica y que los medios de comunicación se fijen en nuestra propuesta», agrega Nave Fónica.
‘Sigo tu voz’ es el primer sencillo de la nueva etapa de Nave Fónica. Por ahora, no está pensado para hacer parte de un álbum o EP, sin embargo, sí tiene una conexión sonora y conceptual importante respecto al próximo sencillo que el grupo publicará. A finales de este año, la banda tiene proyectado comenzar a grabar su primer EP.
La portada del sencillo es una foto artística realizada por Laura Palomino. gestora cultural y fotógrafa. Una fracción de piel desnuda, de la zona del hombro y el cuello, es un símbolo de sensualidad y el color azul es un color muy importante para la banda. El azul del mar es el camino por seguir de la Nave Fónica, un camino que puede ser muy duro, pero también tranquilo y hermoso.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir Nave Fónica en porque en nuestras letras hay un valor que nos une como latinoamericanos, el aguante. Nuestro trabajo evoca parte de lo hecho por artistas norteamericanos y europeos, porque fue allí donde germinó el género. No peleamos contra eso, pero igualmente, desde finales de los 80, Latinoamérica demostró que también tiene su propia manera de hacer rock, por eso nuestras letras son en español y figuras como Elkin Ramírez de Kraken y Gustavo Cerati de Soda Stereo siempre están presentes en nuestra expresión creativa», concluye Nave Fónica.
Ivancho es un cantante y compositor mexicano de indie rock alternativo que escribe sobre sus experiencias, pensamientos e ideas relacionadas con el amor, las crisis, las despedidas y la soledad. Su objetivo es conectar con quienes se identifiquen con sus letras y que su música les sirva de impulso para seguir adelante.
Amante de los viajes, la naturaleza y la libertad, el artista expresa a través de sus canciones un aura positiva sin importar si habla de amor, desamor, dolor, tristeza, esperanza o nostalgia.
«Más que un mensaje, quisiera poder dejar con mis creaciones sensaciones de libertad, desahogo y, simplemente, emociones que hagan sentir», cuenta el cantautor con influencias de rock alternativo con indie/pop, con referencias a los años 80 en artistas como Siddhartha, Zoé y Gustavo Cerati.
‘Eternos’ es el nuevo lanzamiento de Ivancho, una canción que nació a partir de un recuerdo del artista quien estaba con una persona importante para él y sintió como si el tiempo se detuviera. Luego, al revivir ese momento y sentirlo tan vivo después de tantos años lo hizo pensar que los momentos eternos son los que nunca se olvidan y siempre se sienten.
«‘Eternos’ aborda ese recuerdo y trata de todos esos momentos que físicamente ya no están, pero que vivirán siempre que los recuerdes. Es una canción de amor y nostalgia bonita», agrega Ivancho.
‘Eternos’ explora sonoridades de rock alternativo, pero tiene colores de los años 80 en algunas partes, como en la batería al estilo Phil Collins y en algunos synths y guitarras.
Según Ivancho, «Esta es de mis canciones favoritas del EP, tiene un sonido fresco y diferente para muchos oídos. Lo único que espero es que ‘Eternos’ llegue a la gente y pueda ser el soundtrack de algún momento importante».
Es una canción ideal para un viaje en carretera, para estar con tu novi@, para escucharse solo en algún lugar mágico y, por supuesto, en algún festival.
‘Eternos’ es el segundo sencillo del primer EP de Ivancho titulado ‘Al otro lado del mundo’ que cuenta con cinco canciones y saldrá en su totalidad el 25 de abril.
‘Al otro lado del mundo’ refleja la introspección del artista hacia vivencias relacionadas con el amor, el crecimiento personal, la soledad y la solitud.
El diseño de ‘Eternos’ fue realizado por Ambiorix Martínez y la fotografía de Natalia robledo. La imagen es morada porque el color del sonido de la canción es eléctrico y prendido. La locación es una casa abandonada que refleja el paso del tiempo junto con el reloj y el teléfono viejo. El cuadro representa la unión con esa persona especial a lo largo del tiempo, aunque ya no esté tan cerca.
Grabada y producida por el músico y productor dominicano Adrián Castro y de la autoría de Iván Chávez (Ivancho), ‘Eternos’ cuenta con la mezcla del ingeniero dominicano Allan Leschhorn y el argentino Eduardo Bergallo, en la masterización, en los estudios Bergallo Studios, Buenos Aires Argentina. La distribución de la canción llega a través de Primada Records, sello digital independiente de República Dominicana.
Lando Lavarra o The Black Lyon como también es conocido, es un rapero, productor musical, beatmaker y compositor de Guantánamo, Cuba, que actualmente radica en Londres, Reino Unido. Es considerado el creador del género musical Changotrap, el cual es el resultado de la fusión simbiótica entre la Música Afrocubana (Rumba, Conga, Bembe) y el Trap Music.
Su carrera musical como solista comenzó en 2017 en La Habana, Cuba. Desde donde desarrolló su carrera apareciendo en los programas de radio y televisión más populares del país y actuando en espacios reconocidos de la música en vivo en la Isla.
Lando Lavarra es un artista de gran proyección y experiencia en el escenario con cientos de presentaciones, incluidos conciertos en Fábrica de Arte Cubano (Cuba), Centro Cultural de Santiago de Cali (Colombia), Museo Etnológico de Plovdiv (Bulgaria) y Hootanany Brixton (Reino Unido).
Ha ganado varios premios y nominaciones, entre ellos Cuerda Viva 2023, Hip Hop Cinefest 2023, nominado a Cubadisco 2024 y pre – nominado a Latin Grammy Sevilla 2023.
‘La vida’ es el nuevo lanzamiento de Lando Lavarra, es una canción muy emotiva que nos recuerda el valor que tienen las pequeñas cosas, y lo importante que es disfrutarlas a diario.
Con frases como «…tienes para vivir más de mil razones…», esta obra de arte nos da la oportunidad de escuchar un poderoso discurso, mientras bailamos al compás del instrumental de afrobeat que la acompaña. Su coro, está inspirado en uno de los cantos yorubas a la orisha «Oshun», y forma parte de una de los tracks del próximo álbum de Lando Lavarra llamado ‘Flores’.
«‘La vida’ es la canción perfecta para escuchar mientras nos preparamos para comenzar el día o vamos de camino al trabajo o la escuela; ya que nos llena de buena vibra, esperanza y nos alienta a sonreír y disfrutar el ahora», comenta el artista.
El video de La vida’ de Lando Lavarra cuenta la historia de un extraño que llega a Londres con el propósito de iluminar la ciudad con su buena vibra. Para cumplir su propósito, camina por las calles regalando flores a los ciudadanos junto a una nota que dice «Life is Beautiful. Smile and enjoy it» (La vida es hermosa. Sonríe y disfrútala). Su buena acción, provoca que un ángel guerrero descienda de los cielos con el objetivo de protegerlo y acompañarlo durante sus andanzas por la ciudad. Para esto, el ángel se coloca en el punto más alto de la ciudad desde donde puede ver cada paso que da el viajero.
«Con este lanzamiento quiero despertar las conciencias de las personas que escuchen esta canción, conectar con un público nuevo y joven en Latinoamérica y llegar a playlists de música hispana como un artista afrolatino que promueve sus raíces y cultura», concluye The Black Lyon.
La cantautora independiente Zofi Consta, oriunda de Panamá y residente en Miami, FL (EE.UU.), inicia el 2025 lleno de promesas y oportunidades. La artista trabaja fuertemente para lograr sacar durante la primera mitad del año los tres temas que completan su primer EP ‘Tu Favorita’. El primer sencillo de ese trabajo se titula ‘Breathe’ y ya está en las plataformas digitales. ‘Entre los dos’ es el segundo de cuatro temas que formarán su EP debut.
‘Entre los dos’ de Zofi Consta es una reflexión emocional sobre el conflicto interno que surge al estar atrapada entre dos amores muy distintos. La canción cuenta la historia de una joven que navega entre la pasión y la conexión emocional que siente con una persona, mientras encuentra estabilidad y cuidado en otra relación. Líneas como «Estoy entre los dos y no» y «Baby no eres tú, es que soy difícil de complacer» capturan el corazón de este dilema.
«Explora la complejidad de las emociones humanas tocando temas como la duda, la vulnerabilidad y las elecciones difíciles que enfrentamos en algún momento. Espero conectar con una audiencia que sienta que la canción cuenta su propia historia y la incluyan en momentos significativos de sus vidas. Mi sueño es que ‘Entre los dos’ inspire, emocione y se convierta en un himno para quienes navegan las complejidades del amor y las decisiones.», agrega Zofi Consta.
‘Entre los dos’ explora un sonido fresco y contemporáneo que combina elementos del pop latino, R&B indie y balada moderna con algo que sugiere sabor caribeño. La producción es suave pero envolvente, con una mezcla de ritmos electrónicos, progresiones melódicas cautivadoras y un teclado que aporta una atmósfera introspectiva. Se buscó que la batería añadiera dinamismo, mientras que los coros en momentos clave reforzaran la profundidad emocional del tema.
El video se realizó en Casa Providencia, en Medellín. El concepto y el alcance fueron definidos con el apoyo de JxC y su equipo. Expresa todo en blanco y negro para transmitir el contraste entre «lo uno y lo otro,» reflejando el conflicto de estar «Entre los dos.» A nivel narrativo, se centra en Zofi Consta, capturando lo que sucede en su interior y las emociones transmitidas en la letra del tema.
«Es una canción ideal para escuchar en noches tranquilas y en calma, ya sea en casa o mientras conduces, dejando que la melodía y la letra te envuelvan. En días de melancolía o nostalgia, cae bien mientras estás procesando emociones o recordando momentos especiales. También cae bien al enfrentarte a decisiones difíciles en el amor o en la vida ya que puede ser un acompañamiento emocional. Puede estar en playlists para momentos chill o románticos», enfatiza.
‘Entre los dos’ forma parte de un EP compuesto por cuatro canciones: dos en inglés y dos en español. Los cuatro temas buscan mostrar la versatilidad de Zofi Consta, permitiendo explorarse y descubrirse más como artista, retándose a sí misma y conectando con sus propias experiencias. La temática principal de este trabajo gira en torno al amor y las relaciones, basándose en vivencias personales.
Para este EP, Zofi Consta está acompañada de un equipo estelar: los talentosos Albert Sterling Menendez y Timothy «Tim» Mitchell (músicos de Shakira), junto con ritmos creados por «Beats by Forza» y mezclas de Franklin E. Socorro. La masterización estuvo a cargo de David Kutch de The Mastering Palace.
Zofi Consta se encuentra trabajando en un segundo EP con todos los temas en español. El plan es que esté saliendo en la segunda mitad del año. De igual manera, la artista panameña se encuentra preparando más presentaciones en vivo para ir promocionando su música como lo hizo recientemente en Miami, Florida en donde realizó un set acústico en Savage Labs Wynwood.
Tim Steinruck, músico canadiense y líder de la banda de rock The Mighty One, inicia el año con nueva música y hoy presenta a todo el mundo su nuevo lanzamiento ‘Letting You Go’ bajo su proyecto solista Steinruck.
El año de Tim inicia un mes antes de sus celebraciones de Año Nuevo. Tiene un proceso en el que se pregunta qué salió bien, qué no y qué podría hacer mejor en el próximo año. Las cosas que no salieron bien las revisa y las deja ir por completo. Si hay algo por lo que necesita perdonarse a sí mismo o a otra persona, también lo hace. Luego hace un plan para asegurarse de que nunca vuelva a suceder. Finalmente, realiza una lista de objetivos visualizándose el 31 de diciembre de 2025. Se sumerge profundamente en imágenes, pensamientos, sentimientos y sensaciones corporales de ese momento como si ya hubiera sucedido. Luego, descompone las acciones mensuales, semanales y diarias para llegar allí. Es como escribir un guion para su año.
«Estoy en modo de creación de legado total. The Mighty One tiene un gran impulso y mucha música nueva en camino, pero el gran enfoque para principios de 2025 es mi proyecto personal Steinruck. Tengo mucho material nuevo e increíble en camino, es música nueva y única que he estado creando durante más de una década y ahora, finalmente, es el momento de compartirla con el mundo. Visualizo este año como el más exitoso de toda mi vida», cuenta el músico canadiense.
‘Letting You Go’ de Steinruck es una canción que nació 24 horas después de que el artista tuviera una sesión de coaching muy profunda y transformadora con un hombre que tiene una organización llamada I AM DIVINITY. Si estás pasando por una ruptura, ‘Letting You Go’ es para ti. Si estás considerando romper con alguien (o contigo mismo) porque sabes que no te conviene, esta canción resonará contigo.
«He tenido muchas experiencias de coaching en mi vida y he realizado cientos de horas de auto-procesamiento utilizando Evolución Acelerada (™), en la cual ahora soy un maestro certificado, pero en esta sesión, se descubrió una creencia muy negativa. Era una de la que estaba completamente inconsciente ya que la había creado hace tantos años cuando tenía 6 años. Debido a lo que había experimentado en la iglesia cuando estaba creciendo, creé una creencia muy destructiva que luego permití que me acompañara toda mi vida. ‘Letting You Go’ cuenta la historia de cómo rompí con esa creencia sobre sí mismo de una vez por todas», agrega Tim.
La canción explora un sonido con un enfoque de alt-pop rock muy mainstream, además, incluye instrumentos de música country. La canción es interpretada por Tim a dúo con su amiga, la talentosa artista Sarah Smith.
El video de ‘Letting You Go’ fue grabado en un hermoso parque forestal cerca de la casa de Steinruck. Es un lugar al que el artista va a menudo para inspirarse y realizar ceremonias.
La historia del video es la de un hombre que ha llegado a la encrucijada de la verdad en su vida y se ha comprometido a volverse completamente libre y divino nuevamente, tal como era al nacer.
«Creo que nuestra alma es tanto masculina como femenina. Por eso era tan importante tener a Sarah en el video y cantar conmigo», enfatiza.
Aunque ‘Letting You Go’ es una canción muy personal, resonará con cualquiera que haya tenido que terminar una relación y todos los sentimientos que conlleva. Es una canción para entender que la relación más importante que se debe tener es consigo mismo. El amor propio es verdaderamente el amor más grande. Este sencillo ayudará a otros a fortalecer su relación personal.
El diseño de la portada de ‘Letting You Go’ lo realizó el artista gráfico colombiano Gonzalo Restrepo, quién lo creó mientras escuchaba la canción y leía la letra. El espejo es tan simbólico porque mirar profundamente dentro de nosotros mismos es increíblemente importante si queremos sanar las partes rotas de nosotros mismos. Todos las tenemos. El rojo es el color del verdadero amor y también es el color de la sangre, esto simboliza que también debemos morir de alguna manera si queremos renacer como algo más grande de lo que alguna vez fuimos.
‘Letting You Go’ hace parte de un EP que Steinruck lanzará a finales de 2025. Hay dos sencillos anteriores que ha lanzado en 2024, la más reciente es ‘YHWH’ que grabó con un grupo de música indígena de Papúa Nueva Guinea llamado Ancient Dusk. Antes de eso, Tim estuvo involucrado en una colaboración con un cantautor italiano llamado Fear Escape en una canción llamada ‘I am Avatar’. El artista canadiense también tiene dos duetos más en camino, uno con Sarah Smith y otro con un destacado compositor canadiense con el que ha estado trabajando.
Adicionalmente, Tim Steinruck lanzará un álbum acústico espiritual el 15 de marzo que se llama ‘God’s Chair’. En abril, el músico lanzará otro sencillo de Steinruck con la altamente respetada y exitosa cantante y compositora canadiense Annette Ducharme. La canción se llama ‘Atmosphere’.
«Estoy muy emocionado de compartir todo esto con el mundo. Estoy muy agradecido por todo lo que está sucediendo en este momento y los hermosos regalos que ya puedo ver en el futuro», concluye el músico.
El sencillo ‘Con Tacto Cero’ se da inicio a una nueva etapa del artista colombiano DIMC que se prepara para lanzar su álbum ‘Rompecorazones’.
La canción, que explora una narrativa profunda y honesta desde la pérdida de un amor, está inspirada en una ruptura que marcó al artista y simboliza el inicio del quiebre desde la ‘Dimcho Temporada’, temática de su anterior EP.
Esta nueva etapa sonora de DIMC se siente igual a cuando pierdes al amor de tu vida como consecuencia de tus decisiones.
En ‘Con Tacto Cero’ se vuelve real la premisa de que » Todo lo que nos rompe la cabeza tarde o temprano nos rompe el corazón».
La canción fue escrita por Diego Segura (DIMC) y co-producida con Cristopher Velandia, quien además se encargó de interpretar en el piano los sentimientos de tristeza que aborda el sencillo.
Con masterización de RI y mezcla es de DIMC, este sencillo es un abrebocas del álbum que será presentado próximamente.
La canción se estrena con un videoclip rodado en Bogotá bajo la dirección de Laura López y Juan Triana. El audiovisual reúne los recuerdos y momentos que se vivieron en la relación durante el día a día.
Los besos, las tardes, ver películas juntos, hacer planes y hablar por horas, son algunas de las imágenes que pasan frente DIMC mientras transcurre el video.
«Cuando ya no puedes hacer nada por la persona que amas, lo mejor es soltar… Esta canción es para pedir perdón y decir adiós», explica DIMC.
Este lanzamiento se conecta con el álbum ‘Rompecorazones’ en la exploración de temáticas emocionales y profundamente conectadas con la autocomprensión, la culpa, el perdón y la aceptación.
La producción musical tendrá una evolución narrativa y sonora que iremos conociendo con cada track. La canción ‘Con Tacto Cero’ se sitúa en un momento crucial de la historia, en la que DIMC acepta que debe dejar ir al amor de su vida y lo único que puede hacer es pedirle perdón y aceptar las consecuencias de sus actos.
A partir de ahí, las demás canciones del álbum irán desarrollando diferentes fases del proceso de ruptura, curación y transformación del yo.
Amparo Sandino es una cantante, compositora y guitarrista colombiana nacida en Bogotá y actualmente radicada en España. Es licenciada en Pedagogía Musical y desde hace 25 años forma parte de la editorial Peermusic Spain como compositora. Ha tenido la fortuna de crecer escuchando música de diferentes géneros, ampliando así su conocimiento y experiencia valiosa durante más de 30 años. Es una de las precursoras del término Tropical Pop o Tropipop por la mezcla de ritmos tradicionales caribeños como el vallenato, la salsa o el merengue con la música pop.
«La intención de mi propuesta es conectar con las personas a través de mis canciones y que quienes las escuchen se sientan identificadas. Si hay sinergia entre letra y la música hará que no solo te llegue al corazón, sino que también te llene de energía. Para nosotros como compositores, el principal fin a la hora de crear una canción es transmitir emociones», cuenta la artista.
‘Primero tú’ es el nuevo lanzamiento de Amparo Sandino, una canción cuya letra nace a raíz de un acontecimiento personal en donde la resiliencia se impone sobre el pesimismo.
«A comienzos de 2023 mi hija de 19 años fue diagnosticada con artritis reumatoide y aunque fue muy doloroso, la paciencia, la resiliencia y el positivismo de ella me hizo reflexionar sobre lo bueno de la vida y que tras las caídas hay que levantarse y seguir adelante», enfatiza Amparo Sandino. «Quiero la canción sea un recordatorio para todos que siempre podemos empezar de nuevo y que se puede dar la vuelta a la vida».
‘Primero tú’ habla de encontrar fuerza incluso cuando las cosas no salen bien. La canción explora sonoridades de pop latino y con el apoyo del productor y compositor Carlos Almazán consiguió un sonido contemporáneo con un pequeño guiño al tropipop a través de una voz que transmite emociones y sentimientos reales.
«Nos sentamos con Carlos en el estudio de Peermusic en Madrid y yo venía con esta idea de letra. Inmediatamente empezó a fluir la música con la letra y compusimos la canción en 2 horas», asegura la compositora colombiana.
Para la grabación del video Amparo Sandino quería desarrollar un concepto sencillo donde se viera en primera persona explicando la idea de «primero tú», que significa «estar bien contigo mismo; si tú estás bien, la gente de tu entorno recibirá esa buena onda y las cosas fluirán mejor».
A partir de ese momento, la directora española Paula Herrera presentó el concepto creativo «la calma después de la tormenta. El renacimiento de una mariposa» que junto al estilismo de Iván Aguilera y el diseño artístico de Paula Garrote, se adaptaba perfectamente al concepto de la canción. El clip fue grabado en Madrid, España, en La Infame Estudios.
Para la sesión de fotos, Amparo Sandino trabajó con el fotógrafo español Salva Musté y el estilista español Iván Aguilera. La portada estuvo a cargo de la diseñadora gráfica colombiana Maretti Jiménez. El diseño genera un contraste marcado que captura la atención del espectador, subrayando el mensaje de autoconfianza y empoderamiento que acompaña el concepto del single.
«Es importante que el público de Colombia y Latinoamérica redescubra a Amparo Sandino porque llevo 25 años en el mundo de la música siendo auténtica, versátil, talentosa y creativa. Estoy convencida que la gente que escuche mis canciones las disfrutará a tope. No hay nada mejor que te digan: «Tú canción la pongo todos los días y me anima un montón»», concluye la artista.
Salvaguardia es una banda de hardcore punk colombiana fundada hace 13 años en el municipio de Soacha, Cundinamarca. Conformado por Yesid Hernández (bajo), Andrey Feo (guitarra), Andrés Mancera (voz), Walter Duque (batería) y Johan Hernández (guitarra), el grupo desarrolla una propuesta única saliéndose de los cánones establecidos de la música extrema captando la atención del público a través de sonidos fuertes y agresivos, acompañados de líricas directas y digeribles; permitiendo generar una conexión cercana en quienes los escuchan, logrando así desarrollar una identidad propia con las problemáticas que vive el ciudadano de a pie en el día a día.
«Con nuestras canciones queremos romper la barrera entre público y agrupación, hablarle a nuestra audiencia con historias reales de tal manera que sienta una cercanía sobre los diversos temas que nos hacen humanos; desde el sentimiento de amor a nuestros padres, las vivencias entre amigos, las experiencias de vida y las criticas sociales», comenta la agrupación inspirada en la velocidad y la estridencia de Slayer, Sepultura y Obituary; la estética y el performance de Slipknot y Raise Of The North Star; y las líricas claras y directas del hardcore y el hardcore punk de la vieja escuela.
¡La rebeldía tiene una nueva voz!
‘Aborigen’ es lo nuevo de Salvaguardia, una canción que hace referencia a la llamada conquista de América que, como muchos de los grandes rasgos de la historia de América Latina y Colombia, están manchados de sangre. Habla del flagelo de nuestros ancestros y esas leyendas heroicas deformadas en los libros de escuela que pintaron como salvadores a saqueadores y asesinos.
A nivel sonoro, el intro de ‘Aborigen’ está ambientado en la paz de la naturaleza nativa, el sonido de la percusión hace referencia a los tambores africanos que alimentaron la música de los ancestros y tiene guitarras densas y agresivas al estilo del death metal que resaltan la violencia de la «conquista».
El video de ‘Aborigen’ fue filmado en el Festival Sua Rock 2024 en Soacha, escenario emblemático del lugar de nacimiento de Salvaguardia. En el clip, el grupo plasma la alegría y el apoyo de las personas que han seguido a la banda desde el principio captando sus diferentes reacciones.
«Esperamos que este lanzamiento tenga un impacto profundo en Colombia y Latinoamérica, inspirando al público a que nos escuche, vea el video y que los lleve a reflexionar sobre temas importantes más allá de la música. Queremos que las personas se identifiquen con temáticas atípicas lejanas de géneros que no tienen aportes culturales», agrega la banda colombiana.
‘Aborigen’ plasma la mezcla de sonidos que ha venido nutriendo la propuesta de Salvaguardia con su alineación actual y abre la puerta a nuevas canciones que están en proceso de composición y grabación. Este lanzamiento consolida el sonido que caracteriza al grupo y permite que sus temáticas rompan fronteras y generen mayor interés en sus seguidores.
«Queremos conectar con nuestra audiencia de manera más profunda y significativa, anhelamos que nuestra música sea un reflejo de las emociones que sentimos y las experiencias que vivimos. Esperamos tener un impacto positivo en nuestra comunidad y en la sociedad, inspirando a otros a crear música auténtica y con contenido», enfatiza Salvaguardia.
El diseño de la portada del sencillo plasma un aborigen con características típicas de los nativos latinoamericanos, resaltando la majestuosidad del jaguar y la apariencia exótica y llamativa de los ancestros guerreros, acompañado de tintes modernos al estilo del arte urbano.
Durante este año, Salvaguardia continuará grabando canciones para compartir en sus plataformas digitales. De igual manera, realizará videos, video lyrics, sesiones y presentaciones en vivo, y videos animados para que sus seguidores puedan tener una gran experiencia audiovisual de su proyecto. Finalmente, la banda tendrá su primera salida internacional a Chile con una gira que visitará varias ciudades del país austral. Las fechas del tour serán informadas a través de sus redes sociales.
«Coincidimos en que lo más importante para nuestra propuesta radica en el mensaje de nuestras letras ya que siempre realizamos una crítica a diferentes temas sociales, transmitiendo mensajes que aporten o revelen enseñanzas en la cotidianidad. Nuestro objetivo es brindar la oportunidad de que en otros países de Latinoamérica conozcan la propuesta, destacando la música, la cultura y la puesta en escena digna de ideas nacidas en un barrio popular», concluye Salvaguardia.
El Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá recibe por primera vez a la FMS Colombia el próximo domingo 16 de febrero.
La cita es a las 5:30 pm con la cuarta jornada de la liga nacional de Freestyle Master Series (FMS) que en esta oportunidad enfrentará a Marithea como líder de la tabla con Lokillo, uno de los freestylers más mediáticos de Latinoamérica.
Chang, segundo en la tabla, se enfrentará con el extraplayer Facu HDR que nos visita desde Argentina y se reencuentra con G Sony en una batalla que promete ser inolvidable.
Así va la 3ª Temporada FMS Colombia:
La Liga del Sabor regresa a Bogotá tras una fecha ‘sold out’ en Cali que nos dejó a Lokillo como ganador de la mejor rima, misma que se ha hecho viral en redes sociales.
La tabla de posiciones está liderada por Marithea y Chang con 18 puntos, seguidos por Lokillo en el tercer lugar con 12.
En el cuarto es G Sony con 9 puntos, seguido de Puppy y Airon con 8, Fat N y Filósofo con 7, Coloso con 6 y hasta el momento Rbn no ha sumado puntos, lo que lo ubica al final de la tabla.
Durante esta jornada Marithea disputará su batalla Nro. 20 en FMS Colombia y lidera esta temporada con seis batallas ganadas.
Por su parte, Chang está a la cabeza de la tabla histórica de FMS Colombia con 14 victorias seguidas, igualando la marca de Chuty en FMS España y teniendo por delante solo a Aczino con 18 en FMS México.
La 3ª temporada de FMS Colombia llegó en 2024 con más ambición que nunca, nuevas incorporaciones y leyendas de la escena colombiana. El regreso de la Liga del sabor le ha dado a los fanáticos del Freestyle tres jornadas inolvidables.
Los competidores que ya han hecho vibrar al público en Bogotá, Pereira y Cali son: Lokillo, Marithea, G Sony (traspaso), Filósofo (regreso), Chang (regreso), Fat N (ascenso), Puppy, RBN, Airon y Coloso.
Clandestino es una agrupación musical de rock alternativo de la ciudad de Medellín que nace de la inquietud y la facilidad de Hana para componer canciones que hablan de historias propias y comunes. La banda ha tenido una serie de transformaciones y vuelve a surgir en 2018 como dúo junto a Alex con el álbum ‘Historias’, proyecto al que se unirían amigos entrañables de la vida, como Santiago Lopera en el bajo y Santiago Torres en la batería.
Clandestino es una banda que cuenta historias de todo tipo, especialmente románticas (de la vida real, de experiencias personales y sentimientos vividos), también hacen reflexiones serias sobre la vida y la existencia, dedican canciones a los seres amados; los que están y los que ya no están, con una firme creencia que la música es inspirada por Dios.
«A través de nuestras canciones queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida; que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida, y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», cuenta el grupo con influencias de Draco Rosa, Coldplay, Radiohead, Gustavo Cerati, Natalia Lafourcade, Muse, Aterciopelados, Superlitio, Foo Fighters, Carla Morrison, Rojo, Paramore, Zoe y Siddhartha.
‘Nostalgia’ es el nuevo lanzamiento de Clandestino, una canción que nació a partir de un proceso creativo muy íntimo en el que la letra jugó un papel central para plasmar la melancolía de una relación amorosa que se termina y donde la persona que narra la ruptura hace un camino por sus recuerdos, evocando momentos gratos mezclados con el dolor por el desenlace que tuvo la relación.
«Es una canción llena de romance, pero un romance agridulce. Como toda historia real, tiene su protagonista y seguro muchos oyentes serán los protagonistas», comenta Clandestino.
‘Nostalgia’ es una canción inspirada en aquellas baladas románticas de Hispanoamérica de los 70’s y 80’s que aún se escuchan y que marcaron varias generaciones, un camino sonoro entre el surf, el bolero y la canción romántica latinoamericana, pero con elementos actuales del rock alternativo y la balada contemporánea.
«Para el video quisimos recrear esta historia en una época colonial que conectara con la melancolía de la canción. Nos gusta hacer parte de todos los procesos creativos que tengan que ver con nuestro proyecto, por eso escribimos el libreto buscando recrear la idea que estaba en nuestra cabeza. En ese camino nos encontramos con personas y amigos que fueron fundamentales para lograr el resultado final. Sandra Bautista, Leonardo Guerrero y Jacobo Castro productores de Duck Sessions fueron esos amigos que nos dejó esta producción que, con su profesionalismo, experiencia y capacidad para captar nuestra idea, hicieron realidad un sueño llamado ‘Nostalgia’. En la búsqueda de materializar este trabajo también nos encontramos con Casa Providencia, un lugar hermoso ubicado en el centro histórico de Prado de la ciudad de Medellín, además se sumaron familiares y más amigos que aportaron mucho a este video», enfatiza el grupo.
Es una canción para ser escuchada en esos momentos del día donde florece la melancolía, cuando el sol empieza a ocultarse en el horizonte o cuando de forma imponente, la luna nos recuerda que ella lo sabe todo. Es una canción para toda la vida, pues su propósito es hacer inmortal un amor que ya acabó.
‘Nostalgia’ hace parte del álbum ‘Supremacía’, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, el indie rock, el neo soul, la balada, entre otros. El disco, producido en Estudio Naranja por Pedro Rovetto (Superlitio), quien además realizó la mezcla de todas las canciones; y masterizado por Camilo Silva, estará disponible a finales de 2025.
«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con ‘Nostalgia’ sino con lo que es Clandestino. Deseamos que muchos corazones se identifiquen con esta canción que cuenta una historia real vivida por tantas personas; como decimos siempre, son historias que todos hemos vivido o viviremos. Esperamos conocer cada vez más oyentes que se interesen y se relacionen con nuestra forma de contar las historias», puntualiza la agrupación.
La portada del sencillo es una fotografía realizada por DuckSessions que conserva la línea de época del video, también refleja la historia detrás de este romance, y el dolor de amar a quien no está.
«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la banda colombiana.
El músico, multi instrumentista y cantante de Los Ángeles, Estados Unidos, Louie Rubio tiene como objetivo principal para este 2025 lanzar música que la gente pueda disfrutar en cualquier etapa de la vida explorando múltiples géneros que evoquen la nostalgia.
‘Again’ de Louie Rubio es una canción que surgió casi en un instante, en una tarde, mientras el artista tocaba su guitarra, una Nash Telecaster. La canción habla de una relación intermitente en la que la pareja sigue enamorándose una y otra vez. A nivel sonoro, el artista explora sonidos indie pop con un ligero toque funk.
«‘Again’ será el tema que cierre el álbum y, en cierto modo, casualmente tiene un doble significado: como músicos cuando terminamos un álbum sabemos que vamos a repetir todo el proceso nuevamente», cuenta Louie Rubio.
‘Again’ forma parte del álbum debut de Louie Rubio ‘Find Your Light’, del cual ya se conocen los sencillos ‘Find Your Light’, ‘Mar y Sol’ y ‘Heart of Gold’, disponibles en todas las plataformas digitales.
«Quiero sencilla y simplemente que este nuevo lanzamiento el público en el mundo entero lo pueda disfrutar sin importar la hora o el día, solo hay que dejarse llevar por la música», enfatiza.
El diseño de la portada se realizó una tarde de jam en donde el talentoso artista indie Kowloon tomó fotos con su cámara analógica. El resultado fue fascinante y Louie Rubio decidió utilizarla como imagen de su nuevo sencillo.
Durante los próximos meses, Louie Rubio publicará nuevos sencillos antes de publicar su disco.
Louie Rubio continuará sus viajes colaborativos conectando con artistas de todo el mundo de diferentes géneros con el firme objetivo de seguir cultivando su exploración de diferentes sonidos. Este viaje lo ha llevado a explorar géneros diversos como el indie pop francés, el rap del Reino Unido, latino, afrobeats y más.
El cantante, compositor, letrista, poeta, guitarrista y productor Antonio Montenegro inicia el año como nunca antes, publicando nueva música que lleva trabajando desde 2024 mientras promocionaba su álbum debut ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’ en teatros y salas de conciertos de su natal Chile en donde llegó a compartir escenario con artistas de la talla de Abel Pintos.
‘Perdón por no pedir perdón’ es la primera parada de este viaje del músico chileno que llevará a todos sus seguidores a un viaje audiovisual sin regreso, con la fe intacta de seguir creciendo como artista íntegro independiente con trabajos llenos de calidad y profesionalismo.
Antonio Montenegro rodó en tiempo récord 4 videoclips de 4 singles nuevos que saldrán durante la primera mitad de este 2025 y de los cuales ‘Perdón por no pedir perdón’ es el primero. Todo ese material será parte de su próximo disco titulado ‘Algo nuevo’, cumpliendo la promesa de su primer álbum ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’.
‘Perdón por no pedir perdón’ es una canción que Antonio Montenegro escribió una mañana donde se dio cuenta de una situación trascendental en su vida con el primer verso: «parece que quiero sentirme bien» y que para hacerlo debía aceptar la tristeza como algo natural de ciertos momentos de la vida, independiente de lo difícil que fuera para él hasta entonces.
«Es una aceptación de que no hay que sentir vergüenza ni pedir perdón (alusión a un verso de Joaquín Sabina -perdón por la tristeza- en ‘A Mis 40 y 10’) por las emociones que usualmente escondemos y una revelación al mismo tiempo de que podría ser feliz algún día. De que dejar de cantar es la única forma segura de retroceder y seguir haciéndolo es la única que tenía de avanzar», comenta el artista.
‘Perdón por no pedir perdón’ sigue fiel al estilo de escritura de Antonio Montenegro como cantautor, aunque esta vez con un formato de banda que explora sonidos más pop; con una letra profunda y meditativa, pero también con una música muy enérgica, con un bajo eléctrico, un piano y una batería que aportan mucha fuerza al ánimo de la canción.
«Es una canción perfecta para escuchar en cualquier momento del día donde se necesite aceptar las verdades que esperas que te lleven a vivir la vida que quisieras, a querer y que te quieran como eres. Es una canción para mirar hacia adelante y ponerte en paz con lo pasado», puntualiza el compositor.
El video de ‘Perdón por no pedir perdón’ es visualmente sobrecogedor y a nivel de historia es bastante conceptual. El protagonista va descubriendo cosas de sí mismo deambulando meditativamente en una introspección donde, inmerso en la característica naturaleza del Embalse El Yeso, amplia y desolada, profundiza en esta búsqueda individual y existencial de seguir adelante, de buscar su propia felicidad incluso en la dirección diferente de alguien a quien ha amado, y es justamente por ese amor propio que cada uno mira, busca y sigue caminos distintos.
«Este lanzamiento es especial, es la primera vez que publicaré la nueva versión de una canción que saqué en tiempos pandémicos (2021), donde no tenía los medios para reunir una banda y darle al fin, después de 4 años, el sonido y la fuerza que soñaba para esta canción. En esta nueva versión hay paciencia, pasión y también un crecimiento personal y como músico que espero se refleje en el mismo sentir de quien la escuche. Artísticamente es también el inicio de una nueva etapa, con un sonido renovado y la primera incursión en el mundo audiovisual de los videoclips. Esta canción definitivamente busca conectar emocionalmente con oyentes que aprecian la autenticidad y la introspección», enfatiza el músico chileno.
‘Perdón por no pedir perdón’ es el segundo track de un disco de 10 canciones llamado ‘Algo nuevo’, segundo álbum de estudio de Antonio Montenegro después de ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’ (2023). Este álbum verá la luz en junio de 2025. Será un recorrido musical y audiovisual hasta llegar ahí, con 4 lanzamientos de sencillos con videoclips: ‘Perdón por no pedir perdón’, ‘Ojos azules’, ‘La hora maldita’ y ‘Un buen final’ como último single que le dará el paso a la publicación del álbum.
La portada del sencillo es una escena recogida del propio videoclip de la canción, donde la simetría, la amplitud de la naturaleza, la intensidad de los colores tanto del paisaje como los vestuarios y la disposición de los personajes que miran en direcciones diferentes, muestran el tono y la profundidad de la canción. Se mira hacia adelante, quizás en una dirección distinta, pero con la confianza y la serenidad de quien está listo para avanzar.
Escucha ‘Perdón por no pedir perdón’ de Antonio Montenegro en tu plataforma favorita
Ciudadano Z arranca el año firme y con pie derecho. Luego de cerrar con broche de oro el 2024, recibiendo el premio por el videoclip de su canción ‘El Rey Sol’ en la categoría Mejor Video con uso de I.A. en el Muvic Fest de la ciudad de Pasto, Colombia, y premio a Mejor Score Original en el Bogotá Horror Film Fest por la banda sonora del cortometraje ‘Una noche de estas’, el proyecto de hip hop bogotano inicia el 2025 con música y una sesión en vivo muy íntima de una reversión de la canción ‘De las calles con amor’.
«El objetivo principal de este año es lanzar el nuevo álbum a mediados de 2025 y promocionarlo, será muy versátil y diverso, así que la idea es poder abrirnos espacio en diferentes audiencias, desde la escena hip hop hasta la escena alternativa. De aquí a la fecha de publicación se lanzarán algunos sencillos y para el mes de abril estaremos presentándonos en el Eje Cafetero (Montenegro y Pereira)», cuenta el artista bogotano.
‘De las calles con amor’ de Ciudadano Z es una observación de las calles nocturnas de una urbe vibrante y voraz como Bogotá, una visión de sus dinámicas, sus historias y sus habitantes. Habla de la vida en las calles desde una óptica contemplativa, pasando de ser contada por un testigo omnisciente que describe el paisaje nocturno y situaciones callejeras, a convertirse en un narrador en primera persona que reflexiona sobre su vida. Aborda temas como la melancolía, la drogadicción, las dinámicas sociales en la vida de calle y el anhelo de amor a pesar de las dificultades.
La canción es un Bolero / Trip Hop que mezcla trompeta, trombón, contrabajo, percusión, piano, voces y pregones, con un beat pesado que mantiene el cabeceo sobre la base latina y añadiendo una atmósfera un poco más oscura y menos tropical que genera una simbiosis perfecta con la crudeza de los temas tratados en la canción.
«Al ser una canción tan diversa sonoramente, le apuesto a que sea escuchada por audiencias muy distintas, el nicho está en la cultura hip hop, pero maneja un lenguaje muy digerible para oyentes de cualquier tendencia. El hecho de que sea un bolero que habla de la calle y sus problemáticas en los 2020’s, también permite que nuevas generaciones se acerquen a este género y a la música tradicional latinoamericana y se identifiquen con las visiones y emociones allí plasmadas; todo con la intención de tocar puertas en nuevos espacios para mostrar la propuesta de Ciudadano Z», cuenta.
El video de ‘De las calles con amor’ es una sesión en vivo que se realizó dentro de una serie de sesiones producidas por El Orden Del Beat, en cabeza del productor Freddy Páez, denominada ‘Enlazador’, y de la cual ya se publicó también ‘Tiempos de quiebre’, canción de Páez 0dB.
La sesión cuenta con la participación de grandes músicos como Juan Manuel Toro (Hombre de Barro y RompeRayo) en el contrabajo, Juan Pablo Bello (TSH Sudaca y Hábitat) en el piano, Jeisson Mora (Alerta) en la trompeta, Jaime Giraldo (Sr. Ledesma y Ali A.K.A. Mind) en el trombón y Germán Gómez e Isabel Segura en la percusión y los coros.
El videoclip se grabó en directo en las instalaciones de Enno Music, sello independiente y estudio de grabación ubicado en el barrio La Macarena de Bogotá.
«Es ideal escuchar ‘De las calles con amor’ en la noche para reflexionar o en la madrugada para ahogar las penas, aunque también en momentos de agradecimiento por la vida, para recordar la realidad palpitante de una metrópoli», puntualiza Sebastián Zúñiga, cerebro de Ciudadano Z.
‘De las calles con amor’, originalmente hace parte de ‘Una noche de estas OST’, banda sonora del cortometraje que lleva el mismo nombre y que ganó premio a mejor corto nacional y Mejor Música Original en el Bogotá Horror Film Festival.
Esta nueva versión está cantada por Ciudadano Z y no por Lucho Zúñiga como en la versión original, y tiene los arreglos del beat Trip Hop, además de haber sido grabada en vivo, Con esta sesión se cierra la etapa de ‘Una noche de estas’ para recibir los nuevos sencillos que vienen en camino mientras se estrena el álbum: ‘Cicatrices’ (Un bolero de guitarra y rap), ‘Agrio’ (Un experimento de Trap iracundo) y una colaboración muy especial que muy pronto se revelará.
La portada de ‘De las calles con amor’ fue diseñada por Natalia Durán, utilizando dos fotografías de la calle que posteriormente fueron intervenidas. En el fondo se observa un callejón y la silueta de tres músicos con sus instrumentos (personajes fundamentales en las calles de Bogotá), y al frente una mesa con dos vasos flameados, haciendo alusión al coro de la canción: «Brindo con fuego por todos, de las calles con amor»; siendo una invitación directa a brindar por la vida, la noche, las calles y sus habitantes.
Escucha ‘De las calles con amor’de Ciudadano Z en tu plataforma musical favoritahttps://found.ee/DLCCAZ-1
Es una canción ideal para momentos de introspección, es perfecta para reflexionar, encontrar claridad y reconectar con el propósito personal.
El artista colombo estadounidense Falquez y el músico y compositor cubano Pavel Urkiza comienzan el año con el lanzamiento de ‘Río Arriba’, un proyecto que une sus estilos y visiones artísticas.
‘Río Arriba’ es una oda al espíritu resiliente que navega contracorriente. Explora la búsqueda de identidad y propósito en un mundo lleno de desafíos. Temáticamente, aborda la soledad, el rechazo y la transformación personal, encapsulando un viaje hacia la autoaceptación y la libertad.
‘Río Arriba’ fusiona elementos de música andina, rock alternativo y folk contemporáneo. Con guitarras acústicas y eléctricas, percusiones profundas, y un timple que evoca raíces ancestrales, la canción ofrece una atmósfera envolvente que conecta lo introspectivo con lo universal.
«Queremos conectar emocionalmente con la audiencia y posicionar la canción en mercados clave de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. También buscamos establecer una base sólida de oyentes y presentar un repertorio colaborativo que refleje nuestra versatilidad musical», cuentan.
El video de ‘Río Arriba’ se desarrolló utilizando imágenes generadas con inteligencia artificial, una decisión artística que realza la temática de la canción. Las imperfecciones propias de esta tecnología se convierten en una metáfora visual de las emociones humanas y de la vulnerabilidad que aborda la letra. A través de esta estética, el video refleja la fragilidad de la condición humana, mostrando el contraste entre la búsqueda de perfección y la autenticidad emocional.
La canción es el resultado de un esfuerzo colectivo que combina distintos talentos y sensibilidades musicales, grabada en múltiples locaciones. Pavel Urkiza lidera la producción y los arreglos, además de contribuir con su voz, guitarra española, timple, teclados y programación, fusionando influencias afrocaribeñas y mediterráneas. Daniel Falquez aporta su voz, guitarras acústicas y eléctricas, y coros, añadiendo una sensibilidad melancólica y alternativa al tema. Ambos grabaron sus partes en el estudio personal de Pavel en Miami. La batería, a cargo de Jorge ‘Gio’ Montañez, fue grabada por Paolo Angulo en The Heat Studio en Pembroke Pines, mientras que el bajo, interpretado por Arián Suárez, así como la mezcla y masterización, fueron realizados por Javier Monteverde en Cezanne Producciones en Madrid, España. Estos aportes se integraron para crear un tema con dinamismo, profundidad melódica y un sonido cálido y cohesivo.
«La canción busca resonar con una audiencia global que se identifique con sus temas de resiliencia y transformación. Esperamos posicionarla en playlists, medios que se afinen con la temática y conectar emocionalmente con oyentes de diversas culturas», agregan Falquez y Pavel Urkiza.
El arte de la portada está inspirado en el video y captura la esencia del personaje en un momento de soledad introspectiva. Con un enfoque minimalista, la imagen transmite la lucha interna y la conexión con la naturaleza, simbolizando el viaje emocional de la protagonista. La combinación de texturas y colores refuerza la sensación de aislamiento, mientras sugiere esperanza en medio del desafío.
Durante el primer semestre de 2025, tanto Falquez como Pavel Urkiza tienen planeados nuevos lanzamientos musicales dentro de sus respectivos proyectos. Además, ambos continuarán realizando presentaciones en vivo, tanto como solistas como en proyectos grupales. Pavel retomará escenarios con el icónico dúo Gema y Pavel, mientras que Falquez seguirá activo con su banda Ramshackles, consolidando su propuesta alternativa. Estas actividades reflejan su compromiso con la música y su versatilidad artística, ofreciendo a sus seguidores experiencias únicas en cada presentación.
La banda colombiana de indie rock alternativo Una Noche en Bogotá inicia el año con nueva música y hoy presenta ‘Resolución’, una canción que habla de una persona que estuvo durante mucho tiempo en una relación tóxica con algo (no necesariamente una pareja), y después de mucho tiempo por fin pudo salir de ella y retomar su vida. Es una carta de liberación donde esa persona se dice así misma «ya salí del infierno, ya salí de la oscuridad», resolviendo todo lo malo que implicaba estar en esa relación y le da la bienvenida a nuevos comienzos.
‘Resolución’ es probablemente la canción más compleja de Una Noche en Bogotá donde se exploran múltiples sonidos y ritmos, incluye ritmos colombianos como el bambuco, mezclados con drum n bass, sintetizadores y guitarras saturadas de efectos sin perder los ritmos distorsionados y fuertes de la banda.
«Esta canción muestra la madurez que ha adquirido la banda y creemos que es la puerta a un nuevo público. Queremos que esta canción marque el estilo del grupo y del álbum que vamos a lanzar durante este 2025. Es ideal para escuchar en esas ocasiones que necesitamos un empujón para seguir luchando por algo», comenta Una Noche en Bogotá.
La portada del sencillo es el bosque que está detrás del Usaquén urbano en Bogotá con un estilo neo black noir que es la propuesta visual que integrará todo el disco.
‘Resolución’ es el segundo sencillo del nuevo álbum que prepara Una Noche en Bogotá el cual se lanzará durante este año. El plan de la banda colombiana es lanzar 6 sencillos de un disco de 9 canciones. Esta producción explorará sonidos más crudos y una temática más oscura que el EP ‘Candelaria’.
«En nuestro nuevo álbum vamos a incluir más sonidos electrónicos, sintetizadores, guitarras influenciadas por el shoegaze y un sonido más fuerte», menciona el grupo.
«Este semestre nos vamos a enfocar más en la grabación del álbum que en los conciertos, sin embargo, estamos apostando para realizar al menos tres eventos», concluye Una Noche en Bogotá.
El músico colombiano xCRISx EDGE inicia el 2025 enfocado y con nueva música. Luego de centrar el 2024 en planificar su proyecto, ha destinado este nuevo año a materializar sus ideas y ‘Vulnerable’ es su primera carta de presentación.
‘Vulnerable’ es una canción que aborda un tema profundo de introspección, es la conversación entre una persona y sus sentimientos de ansiedad y depresión, esa voz que lo invita a caer en las sombras, a sumergirse en el silencio, buscando tal vez un lugar seguro o de escape, pero termina encerrado en un caos, pánico, llanto y dolor, tal vez en un ataque de pánico.
«La canción trata sobre temas de los cuales todos vivimos, pero no sabemos explicar, por eso quise plasmarlo de alguna manera en las líricas y melodías. De igual manera, nos invita a sentirnos identificados con estos estados de los cuales todos somos vulnerables», comenta el artista. «Es un recordatorio de que siempre somos vulnerables y que no está mal serlo o sentirnos caídos en algún momento de nuestras vidas», complementa.
Siguiendo la línea de sus antiguos lanzamientos, xCRISx EDGE va dejando una línea musical más definida entre los sonidos oscuros del new wave, con tonos más góticos y alternativos. Para ‘Vulnerable’, el músico se inspiró en proyectos como Nine Inch Nails, Clan of Xymox y Love and rockets, sonidos que le sirvieron de guía para el resultado que consiguió en la canción.
El video de ‘Vulnerable’ de xCRISx EDGE refleja de manera visual las sensaciones de vivir las emociones de ansiedad y depresión, la parte oscura, las voces de introspección que no se saben de dónde vienen, flashes de imágenes y cosas raras.
«Quería hacer un audiovisual artístico sin una narrativa lineal, más bien experimental e intentar que el espectador tenga el foco puesto en todo lo que pasa; también tal vez con la idea de sentirse identificado con la sinestesia de estas emociones», enfatiza el músico.
‘Vulnerable’ es el tercer single de xCRISx EDGE, sin embargo, aún no está pensado como un disco o EP. El artista seguirá lanzando sencillos que serán piezas que encajan en este proyecto solista para mostrar el sonido innovador y diferente que tiene acostumbrado a sus seguidores. Las temáticas y mensajes irán por la misma línea de introspección, emoción y vivencia con los sentimientos.
«Con cada lanzamiento que realizo, y este no es la excepción, quiero llegar a las personas que sientan la música de una manera más emotiva, que encuentren respuestas o algo en mis canciones como compañía o simplemente que alguien se identifique con ellas. Cada canción que compongo es un pedazo del alma que toma vuelo sin rumbo y sin esperar retorno», puntualiza xCRISx EDGE.
La portada de ‘Vulnerable’ busca transmitir o expresar el silencio y el vacío confuso entre el ruido y el «yo» que es un poco de lo que trata la canción.
xCRISx EDGE trabaja desde ya en un par de canciones más que verán la luz durante el año, entre ellas, un cover ya que con ‘La cinta rosa’ fue una buena antesala para apostar de nuevo a reversionar algún clásico. De igual manera, el artista espera confirmar varias presentaciones en vivo y si es posible llevar su proyecto a otras ciudades del país fuera de Manizales.
El Último Dinosaurio es un proyecto musical de indie rock formado en Buenos Aires por Boika (voz y guitarra), Michael (bajo) y Sebastián (baterista). La propuesta nace cuando Gerardo Zelada (Boika) se fue de su país natal, Bolivia, para mudarse a Argentina.
La propuesta de El Último Dinosaurio se basa en la exploración emocional mediante la música. EUD es el alma de las canciones, es un ente que le da vida al arte de sus integrantes.
«A través de nuestras canciones nos permitimos sentir, conocernos mediante las emociones, aprender a disfrutar los momentos de la vida, caerse y levantarse, estar bien y estar mal, aceptarnos como humanos tal y como somos», cuenta el grupo con influencias de rock progresivo, surf rock, indie pop, synthwave y rock psicodélico en bandas como Pink Floyd y Tame Impala.
‘Café sin azúcar’ es el nuevo lanzamiento de El Último Dinosaurio, una canción que Boika escribió cuando extrañaba a alguien. Aborda el amor y el sentimiento de extrañar a un ser querido.
«Extrañar a alguien a veces tiene un sabor amargo, pero al mismo tiempo es bonito, como el café sin azúcar que es muy amargo, pero me gusta tomarlo de esta forma como a la persona que extrañaba», agrega Boika.
‘Café sin azúcar’ explora sonidos rock pop y electro pop. El grupo experimenta con instrumentos digitales que suenan a electro pop, pero manteniendo sonoridades rock en las guitarras.
El video de la canción muestra cómo se puede dar vida a un recuerdo, incluso sentir la presencia de esa persona. En la habitación tocando guitarra el ambiente se torna cálido y nostálgico para recordar con amor a esa persona que fue tan especial. El clip fue dirigido por Manuel Ríos Bridoux.
«Es una canción perfecta para escuchar en un parque recordando a un ex amor y disfrutando del amargo sabor de un café sin azúcar», enfatiza EUD.
‘Café sin azúcar’ forma parte del primer álbum de El Último Dinosaurio titulado ‘No puedo ser normal’ que consta de 11 canciones, las cuales abordan temas profundamente personales, la búsqueda del ser y la angustia existencial. El disco fue producido por Boika y masterizado por José Rico Suárez.
La portada del disco la diseñó Verónica Pulfer y refleja la angustia que transmiten las canciones. Es una persona en una posición de meditación que siente angustia, pero trata de mantenerse calmada; ella acepta lo que siente y se permite sentirlo para canalizarlo con música.
«Queremos darle tiempo de digestión al disco, darnos el tiempo de disfrutarlo y tocarlo en vivo. Esperamos lanzar un segundo álbum a finales de 2025», enfatiza la agrupación.
El Último Dinosaurio busca conectar emocionalmente con las personas de manera genuina. El propósito de la banda, liderada por Boika, es seguir haciendo música de corazón.
«Es una alegría inmensa ver al público disfrutando de nuestra música, siempre pondremos todo nuestro esfuerzo para sacar el mejor resultado posible», concluye la banda.
Nicolás Gámez es un destacado bajista eléctrico colombiano, reconocido por su versatilidad y trayectoria en la escena del jazz y otros géneros musicales. Formado en la Pontificia Universidad Javeriana y actualmente en la Universidad Sergio Arboleda, ha participado en algunos de los festivales más importantes del país como Estéreo Picnic, Jazz al Parque, Rock al Parque y Cordillera, colaborando con artistas de diversos estilos.
La intención de su proyecto busca dar a conocer una propuesta de jazz con un enfoque norteamericano, pero con una raíz colombiana. Con una sólida formación y un estilo propio, Nicolás Gámez se posiciona como una de las figuras emergentes del jazz en Colombia.
«Mi objetivo es abrirle camino a esta propuesta dentro del ámbito internacional, destacando el talento y la creatividad que se está gestando en Colombia. Un elemento distintivo de mi próximo álbum ‘Augurio’ es la inclusión del bajo eléctrico, un instrumento que no forma parte del formato tradicional del jazz, pero que he integrado ya que es el instrumento que toco. Este proyecto refleja una búsqueda personal en la que quiero mostrar cómo el bajo eléctrico puede ser parte integral del jazz, expandiendo las posibilidades del género», cuenta el músico.
«Disfruto mucho escuchar jazz y a los artistas que admiro en este género. Quiero poder transmitir eso mismo que estos artistas me transmiten, desde las experiencias que he compartido con los músicos y amigos con los que llevo tocando hace tiempo», agrega Nicolás cuyas influencias hacen parte jazzistas de distintas corrientes como Lee Konitz, Warne Marsh, Joe Henderson, Dexter Gordon, McCoy Tyner, Peter Bernstein, Mark Turner, entre otros.
‘Augurio’ es el nuevo lanzamiento de Nicolás Gámez, es una composición propia en la que el músico busca evocar el lado más «blues» y «pesado» del hard bop. Al componer esta canción, el artista pensó en las sensaciones que le transmiten escuchar a McCoy Tyner y Joe Henderson.
Otro de sus sencillos es ‘Mentes estables’, una canción que surgió de la idea de querer componer un contrafact del standard «Stablemates». Un contrafact es una composición musical que se basa en la progresión de acordes de un standard ya existente, pero con una melodía y arreglos nuevos.
Esta canción busca esa sonoridad «hardbopera» que tiene el standard «Stablemates», pero desde una interpretación propia. El sencillo cuenta con un video grabado en una sesión en vivo.
«Estos sencillos son una muestra de lo que será el álbum ‘Augurio’ en donde busco integrar el bajo eléctrico como parte del formato del jazz y dar a conocer parte de la escena que se está gestando en el país», enfatiza el músico.
‘Augurio’, segunda producción discográfica de Nicolás Gámez, verá la luz el viernes 7 de marzo y está compuesto por 7 canciones. Este trabajo está inspirado en el jazz tradicional.
El arte de los sencillos y del álbum en general estuvo a cargo de Martín Sánchez Martínez, un artista que le ayudó al músico colombiano a conceptualizar la idea que tenía, buscando representar esas portadas clásicas de los discos de jazz de la disquera Blue Note de los años 50’s, 60’s y 70’s.
«Con este álbum pretendo expandir mi audiencia a nivel nacional e internacional. Pienso que este enfoque de jazz más «tradicional» no se ha explorado lo suficiente en el país. Además, creo que el bajo eléctrico no se ha explorado lo suficiente dentro de este enfoque, por lo menos en Latinoamérica, y pienso que es necesario darles visibilidad a propuestas de jazz en la región», concluye Nicolás Gámez.
Teresa Terracota es el proyecto de Ana Teresa García, una artista colombiana que encarna la dualidad de la vida: la resistencia y la adaptación. El nombre ‘Terracota’ no es solo un seudónimo, sino un reflejo de cómo la arcilla, un material moldeable y resistente, simboliza un viaje artístico. La propuesta nace de una conexión profunda con la música, las artes visuales y la vida misma; una fusión de influencias personales y culturales que emergen desde su infancia en La Ceja del Tambo, Colombia. Terracota es una manifestación de vida y muerte, una mezcla de lo tangible e intangible, y una búsqueda constante de identidad y expresión.
«Desde mis primeros pasos en la música junto a mi hermana, hasta mi evolución como artista en solitario, Teresa Terracota representa la transformación constante. La arcilla, como símbolo, captura esta dualidad: maleable pero fuerte, frágil pero resistente. Mi propuesta busca ser un espacio de encuentro entre el oyente y sus emociones más profundas. La intención es crear una experiencia auditiva que no solo entretenga, sino que también invite a la introspección y al autoconocimiento. Cada nota y cada palabra está diseñada para resonar con las experiencias universales del amor, la pérdida y la búsqueda de significado. Quiero que cada canción sea un refugio, un espejo donde las personas puedan verse a sí mismas, confrontar sus emociones, y encontrar consuelo o inspiración en el proceso. Además, comprender que somos una obra de arte, somos porque creemos y porque creamos. La intención de mi propuesta musical ha sido salvar mi propia existencia», comenta la artista con influencias de los boleros, el rock, el rap, el indie y el alternativo en artistas como Amy Winehouse, Ella Fitzgerald, Etta James, Billie Holiday, Norah Jones y Mon Laferte.
El mensaje principal de las canciones de Teresa Terracota es la aceptación de la dualidad de la vida: amor y pérdida, presencia y ausencia, luz y sombra. Son un llamado a abrazar la complejidad de la vida y a encontrar belleza incluso en los momentos más oscuros.
«Quiero transmitir que está bien sentirse vulnerable, que el dolor y la alegría son parte de un todo que nos hace humanos. Mis canciones son un recordatorio de que cada emoción y experiencia tiene un propósito en nuestro crecimiento personal. Quiero que mi música inspire a las personas a ser valientes, a encontrar belleza en lo cotidiano y a aceptar su propia humanidad con todas sus imperfecciones», agrega la cantante colombiana.
‘Lo Etéreo’ es lo nuevo de Teresa Terracota, es una introspección poética que nos sumerge en la complejidad de las emociones humanas frente al paso del tiempo y las cicatrices del amor. La canción está cargada de simbolismo, reflexionando sobre la inevitabilidad del cambio y el poder transformador de las experiencias amorosas. La letra toca temas universales como el aprendizaje, el desapego, y la resiliencia emocional. Musicalmente, el tema explora texturas suaves y melancólicas, probablemente con una base de jazz y soul que se entrelaza con elementos de indie y alternativo.
Invita al oyente a abrazar la impermanencia y encontrar belleza en la capacidad de amar a pesar del dolor. Es una canción que, aunque íntimamente personal, resuena con cualquiera que haya enfrentado la pérdida o el cambio. La intención es llevar al oyente a una reflexión profunda sobre sus propios viajes emocionales, instándolos a encontrar luz en la oscuridad y a seguir adelante, a pesar de las cicatrices del corazón. Es un acto de catarsis, sanación y la liberación emocional.
Otro de sus recientes sencillos es ‘El Deseo’, una oda a la pasión y la conexión íntima, explorando la profundidad del anhelo y el deseo humano en su forma más pura. La letra refleja una narrativa sensual y emocional, donde cada palabra está cuidadosamente tejida para evocar imágenes de cercanía y vulnerabilidad. La canción invita a un viaje de descubrimiento emocional, en el cual no solo se busca la cercanía física, sino una conexión profunda y auténtica con el otro. La letra sugiere un balance delicado entre la intensidad del deseo y la calma de un amor consciente. La dualidad entre la luz y la oscuridad es otro tema central. Con referencias a la noche, la luna y la luz que emana de ella, la canción crea un ambiente íntimo y misterioso.
Musicalmente, la canción se sumerge en el mundo del gypsy jazz o manouche, un estilo que aporta una mezcla de ritmo y elegancia. Los vientos crean un diálogo musical que acompaña la narrativa lírica, ofreciendo momentos de tensión y liberación que reflejan la dualidad del deseo. El gypsy jazz aporta una sensación de movimiento y fluidez, con sus ritmos ágiles y acordes complejos que crean un ambiente de misterio y encanto. La inclusión de elementos de jazz proporcionan una sofisticación que refuerza el carácter elegante de la canción. El ritmo funky, por otro lado, inyecta una energía contagiosa, haciendo que el deseo se sienta vivo y vibrante. Es una experiencia sensorial y emocional que invita al oyente a sumergirse en el universo del deseo consciente. Es una reflexión sobre la naturaleza del deseo y la conexión humana, sugiriendo que cuando el deseo se vive con autenticidad y presencia, se convierte en una fuerza que puede iluminar incluso los rincones más oscuros de la experiencia humana.
«Con estos lanzamientos, espero no solo resonar a nivel musical, sino crear una experiencia emocional que invite a cada oyente a adentrarse en sus propios mundos internos. ‘Lo Etéreo’ y ‘El Deseo’ no son solo canciones; son puentes entre el corazón y la mente, entre la vulnerabilidad y la fuerza que todos llevamos dentro. A través de sus letras y su música, deseo ofrecer un espacio seguro para que las personas puedan reconocer sus deseos más profundos, sus miedos y sus anhelos, y abrazar la complejidad de sus emociones sin juicio ni temor», enfatiza Teresa Terracota.
‘Lo etéreo’ y ‘El deseo’ hacen parte del álbum debut de Teresa Terracota llamado ‘Entre el amor y la ausencia’ que constará de 9 canciones y que van desde donde nace algo, puede ser tan sólo un instante de felicidad o de belleza, hasta un momento a solas o una soledad insoportable. Es una obra profundamente introspectiva y emocional que refleja las complejidades de la experiencia humana.
«A través de 9 canciones, exploro desde la primera chispa de la vida, cuando todo comienza a surgir en nuestras emociones, hasta el inevitable vacío de la ausencia que nos acompaña. Cada canción tiene su propio espacio y propósito dentro del álbum, creado con la intención de guiar al oyente a través de los altibajos de la vida, sin miedo a las sombras, pero con la esperanza de hallar luz incluso en los momentos más oscuros», puntualiza la artista.
Además de la publicación de su primer álbum, ‘Entre el amor y la ausencia’, Teresa Terracota tiene en mente una serie de lanzamientos que enriquecerán su propuesta. Planea lanzar sencillos que continúen explorando las temáticas universales del amor, la ansiedad, la ausencia y la búsqueda de la paz. Además, sus otros 2 álbumes ‘Esencias’ y ‘En Carne y Hueso’ vienen en camino para aportar más crecimiento a su proyecto. También tiene en mente un Live Session acústico.
La música de Teresa Terracota es ideal para aquellos momentos en los que se busca conectar con su ser más profundo. Es perfecta para las noches solitarias, cuando las emociones afloran, o para los días de lluvia, cuando la melancolía y la reflexión parecen abrazarnos. También es una excelente compañía para momentos de introspección, viajes largos donde el pensamiento se pierde en el horizonte o meditaciones en busca de claridad mental. La música de Terracota está diseñada para resonar tanto en la alegría como en la tristeza, como un refugio emocional que nos ayuda a navegar las complejidades de la vida con serenidad y entendimiento. Esta propuesta busca ser esa compañía para los días grises, pero también en los momentos de expansión, de creación, de descubrimiento. Porque al final, tanto en el amor como en la ausencia, cada emoción tiene su lugar en la danza de la vida, y sus canciones son un reflejo de ese viaje emocional que todos compartimos.
«Mis expectativas con este proyecto son profundas y de largo alcance. En primer lugar, espero conectar con aquellos que buscan más que música superficial, con quienes anhelan una experiencia emocional genuina. Aspiro a crear un espacio donde la música no sea solo un conjunto de melodías, sino una herramienta para la introspección y el crecimiento personal. Quiero que mi música resuene profundamente en quienes están dispuestos a sentir, a vivir plenamente cada emoción, sin miedo a lo que nos hace humanos. Es crucial que las personas descubran a Terracota porque mi música nace de nuestras raíces, pero busca trascender las fronteras de la región. Mi propuesta tiene una carga emocional fuerte, una autenticidad que no se encuentra fácilmente en el panorama musical actual, y una sensibilidad que refleja las luchas, los sueños y las esperanzas de nuestra cultura. En estos tiempos, donde la ansiedad, la desconexión y la incertidumbre parecen dominar, mi música puede ofrecer un espacio de refugio, de sanación, y de reencuentro. A través de mi trabajo, quiero ser una voz que no solo lleve el mensaje de las canciones, sino que también inspire a otros a ser vulnerables, a compartir sus historias, y a encontrar consuelo en su propio ser. Mi música habla de lo que nos une como seres humanos: el amor, el dolor, la esperanza, la ausencia. Es un llamado a abrazar todo lo que somos, a reconocer la belleza de nuestras imperfecciones, y a recordar que, a pesar de todo, no estamos solos», concluye.
![[Novedad] Zofi Consta presenta ‘Entre los dos’, una ruleta de emociones introspectivas](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/02/Zofi-Consta-Entre-los-dos-1.jpg)
