Mira ‘Espejo digital’, el nuevo lanzamiento en video de Karen Rod

‘Espejo digital’ es un llamado de atención hacia la hipnosis que generan las redes sociales y la IA.

La cantautora colombiana Karen Rod presenta ‘Espejo Digital’, una canción que nace como una reflexión sobre el impacto de las redes sociales y la inteligencia artificial en nuestra vida cotidiana. Con una mirada honesta y profundamente humana, la artista propone hacer un alto en el camino para reconectar con lo esencial: la empatía, la presencia y el mundo real que nos rodea.

Este nuevo sencillo, el segundo que lanza en 2025 tras ‘No Estamos Solos’ (tema dedicado al Día Mundial de la Lucha contra la Depresión), reafirma su compromiso con una propuesta artística que busca tocar fibras sensibles y generar conciencia desde la música.

‘Espejo Digital’ es, en palabras de Karen Rod, «una invitación a despertar de la desconexión emocional que puede generar el mundo virtual. El tema musical aborda con sutileza la ingeniería social, la hipervigilancia, la autoexplotación y la pérdida de contacto con la realidad. Esta canción está dirigida a todos, porque todos en algún momento, nos hemos sentido absorbidos por una vida digital que nos aleja del presente y de los demás. Quise tender un puente entre la indiferencia y la solidaridad, recordándonos que somos parte de una misma realidad colectiva que debemos crear y proteger como seres humanos», comparte la artista.

La letra, cargada de imágenes potentes, describe con crudeza: «Hurgando en la basura de un mundo virtual, que se come la vida real a voluntad. Nos hemos olvidado de mirar, ausentes como zombies en la oscuridad». Más que una crítica, se trata de un llamado a la introspección y al reencuentro con uno mismo.

Musicalmente, ‘Espejo Digital’ combina matices del synth pop con la esencia indie y el sonido pop rock que caracteriza a Karen Rod. Su intención, sin embargo, va más allá de un estilo: busca crear una obra atemporal que resista a las modas y permita al oyente regresar a ella como a un refugio. «Cuidé cada detalle en la producción porque creo que la música es el vehículo esencial para llevar un mensaje transformador», explica.

Es un tema ideal para esos momentos en los que nos sentimos saturados por la superficialidad y necesitamos reconectar con un propósito auténtico. Fue escrita el 16 de diciembre de 2023, en medio del conflicto entre Rusia y Ucrania. «Sentí mucha impotencia no solo por la guerra, sino por la desconexión emocional que notaba a mi alrededor. Niños y adultos inmersos en sus pantallas mientras al otro lado del mundo, otros niños perdían la vida. Esa dualidad me conmovió y me generó mucha frustración al mismo tiempo», recuerda Karen, actualmente radicada en México.

El videoclip de ‘Espejo Digital’ narra la intrusión constante de la tecnología en nuestras rutinas y relaciones. «Decidí no ser la protagonista y permitir que cada persona se identifique con la historia a su manera conservando siempre el estilo minimalista que prevalece en todo lo que hago», cuenta Karen Rod.

‘Espejo Digital’ es, en esencia, un recordatorio para volver a mirar con atención y salir del ensimismamiento digital. La misión de la artista es reconectar a las personas nuevamente con una vida consciente.

Tras este lanzamiento, Karen Rod se prepara para presentar su tercer sencillo, ‘Viviendo de lo Efímero’, durante el segundo semestre del año explorando nuevamente temáticas profundas y universales. La cantautora trabaja en nuevas versiones de sus canciones para llegar a nuevos países y oyentes. Además, está concentrada en la composición y producción de su próximo álbum, previsto para 2026.

Mientras tanto, la artista continuará promoviendo su música en distintos espacios culturales y mercados musicales, fortaleciendo el vínculo con su audiencia en Latinoamérica.

Un disco que redefine su universo musical, así es ‘Algo nuevo’, de Antonio Montenegro

Después de publicar los sencillos ‘Perdón por no pedir perdón’, ‘Ojos azules’, ‘La hora maldita’ y ‘Un buen final’, el cantante y compositor chileno Antonio Montenegro presenta su nuevo disco ‘Algo nuevo’, continuación de su álbum debut ‘De las cenizas vendrá algo nuevo’ que relataba en orden las fases del fin del amor en un concepto íntimo con cuarteto de cuerdas. En esta nueva entrega, el protagonista de esta historia sigue adelante, buscando su camino en la vida y nuevas formas de querer, con una nueva banda que le aporta mucha energía a las canciones que no van necesariamente en orden como en la entrega anterior.

«La inspiración para este nuevo trabajo viene de un camino personal y cómo mi corazón buscaba expresar lo vivido recientemente… Recordemos que mi álbum anterior habla de cómo cuando el amor se acaba estamos listos para resurgir de esas cenizas, en esa transformación personal que experimentamos buscamos algo nuevo. A esas personas va dirigida la música, a quienes están en ese proceso de cambio», cuenta el artista chileno.

‘Algo nuevo’ de Antonio Montenegro explora sonidos distintos a su trabajo anterior, pero conservando la esencia original de la cantautoría. La influencia directa de artistas como Tracy Chapman o Norah Jones fueron fundamentales para el sonido de este disco.

«Mi voz y guitarra siguen ahí sonando tan enérgica y llena de esperanza, solo que ahora me acompañan una batería, un piano, un bajo eléctrico y una corista, que son propios de un estilo más cercano al pop», agrega el músico.

El nuevo disco de Antonio Montenegro explora tranquilidad y madurez en ‘La vida que ahora vivo’, presenta una canción reflexiva de aceptar para avanzar en ‘Perdón por no pedir perdón’, una amorosa y reflexiva en ‘Claudita’. Presenta una sorpresa que suena ligera como una canción veraniega, pero con una letra profunda en ‘Alerta de Tsunami’; lanza un sencillo enérgico, rítmico, optimista y esperanzador en ‘Un buen final’; entrega un tema cantautoril e intenso, de emociones fuertes que buscan otra forma de vivir en ‘De otra forma’; nos enseña una canción lúdica, rítmica y divertida de escuchar para un problema común de vivir en ‘Ojos azules’. Finalmente, estrena una balada para quien no se rinde en ‘En el borde de una estrella’, nos llena de nostalgia y soledad de madrugada con un aire jazz en el piano en ‘La hora maldita’ y concluye el disco con una historia profunda con espíritu de bolero con ‘Algo nuevo’.

«‘Algo nuevo’ es perfecto para escuchar en un momento de la vida que uno busque un cambio, para vivir, para escuchar o para sentir. Es un álbum muy variado, dependiendo de la canción hay horas en que son más ideales para apreciar la música. Este álbum es ideal para oírlo si tienes el corazón abierto a ‘Algo nuevo'», enfatiza Antonio Montenegro.

El concepto de la portada del álbum es directo, es Antonio Montenegro caminando. El mensaje del disco es sobre eso, seguir avanzando porque así es como nacen las experiencias, se crean las historias y se descubre lo nuevo en la vida.

«A nivel de expectativas, como artista lo único que espero de mi música es que le llegue el mensaje a la gente, que le quede en la memoria, que disfruten las melodías una y otra vez. El impacto real es que la gente pueda compartir el mensaje que intento dar en cada canción. Me gustaría que escuchen el primer disco y se sienta ese crecimiento musical y vital en ‘Algo nuevo'», puntualiza.

El lanzamiento del disco viene acompañado con el sencillo en video ‘Un buen final’. Para entender la historia hay que ver primero los videos en su orden (1. ‘Perdón por no pedir perdón’, 2. ‘Ojos azules’, 3. ‘La hora maldita’), siendo claramente ‘Un buen final’ el gran final de esta historia.

El concepto y sus sonidos se desenvuelven sobre el amor de dos personas que desean estar juntas, pero cuando las cosas no resultan por tantos factores que puede darnos la vida, culmina en el tema ‘Un buen final’ que invita a que las cosas no queden en un amargo odio, que en todas las versiones que se imaginen o se recuerden de la historia siempre habrá algo bello para recordar en la memoria.

En 2025 después de 5 sencillos publicados, 4 videoclips, un nuevo disco de 10 canciones y un cortometraje musical con el mismo nombre del disco, Antonio Montenegro busca conectar con nuevas audiencias y extender el mensaje más allá de las fronteras de Chile, con shows por primera vez en Colombia y México.

«Es importante que las personas escuchen ‘Algo nuevo’ para que tengan la fe y la determinación de que mejores cosas hay para quienes la buscan con el corazón abierto», concluye el chileno.

Escucha ‘Algo nuevo’ de Antonio Montenegro en tu plataforma favorita https://music.imusician.pro/a/kVmtfDxE/

The Good Gorilla estrena ‘Ay Mi Guitarra’ ¡Mira el video!

En el cruce de caminos donde la tradición se encuentra con la innovación, surge una fusión musical que refleja la dualidad de la existencia humana.

‘Ay Mi Guitarra’, el nuevo sencillo de The Good Gorilla, es un himno que late con el ritmo de la tierra y la pasión del alma.

‘Ay mi guitarra’ fue producida por Mr. Jonás y David Kawooq en Capital Latino Music. La canción es el punto de encuentro entre la tradición y la innovación.

La fusión de la música llanera con el hip hop se convierte en un viaje musical que te lleva de las montañas al llano, y te hace reflexionar sobre la vida y su complejidad.

‘Ay mi Guitarra’ será parte del primer álbum de The Good Gorilla que verá la luz en el mes de mayo y tendrá 17 tracks. En ellos el artista explora el universo de sonidos y sentimientos de este proyecto lleno de colores y emociones.

«Ay mi guitarra, aquí te canta… Pensamientos que te encantan las cigarras, en la noche en la montaña me acompañan… Monte adentro tu recuerdo no me daña», cuenta The Good Gorilla.

Una canción que invita a creer en el amor, así es ‘Obsesión’ de Dabi Santy & Baby Lam

Dabi Santy es un productor musical, artista y empresario colombiano que ha hecho de la música su propósito de vida. Como persona, es un apasionado, visionario y comprometido con su crecimiento personal y el de quienes lo rodean. Como artista, es un creador auténtico, con una propuesta que mezcla lo emocional, lo profundo y lo innovador. La intención de su propuesta musical se basa en crear música maravillosa que inspire y empodere, con un mensaje claro que acompañe el desarrollo personal de las personas y demostrar que se puede construir una carrera desde la independencia.

«A través de mis canciones quiero enviar un mensaje de que «¡Sí se puede!» Mis canciones son reflejo de superación, emociones reales y del poder de la música para transformar. Quiero que las personas crean en sus sueños y los persigan», cuenta Dabi Santy, quien tiene influencias de artistas como Russ, Kanye West, Pharrell Williams y Jay Z, con un enfoque en el sonido urbano global, la producción creativa y letras con propósito.

Baby Lam, tanto en lo personal como en lo artístico, es una sola esencia. Se define como un ser humano leal, respetuoso, siempre atento y comprometido con cuidar a los suyos. Esos valores están presentes tanto en su vida como en su propuesta de música urbana. La intención con su proyecto es llevar su música a cada rincón del mundo, conectando con las personas desde la emoción y la autenticidad; deseando que su audiencia disfrute de sus canciones tanto como él disfruta crearlas.

«Con mis canciones quiero enviar mensajes de amor, motivación, superación y buena energía. Creo en el poder de la música para inspirar y acompañar», enfatiza Baby Lam, un artista con influencias de Rauw Alejandro, Arcángel y Tego Calderón, con un estilo que mezcla lo clásico del reguetón con lo fresco del sonido moderno.

‘Obsesión’ es el nuevo lanzamiento de Dabi Santy & Baby Lam, una canción que habla del deseo desbordado por alguien que nos atrapa. Una historia de atracción intensa, contada con honestidad y estilo. Habla de un amor profundo y persistente, de esos que no se olvidan fácilmente. Es un homenaje a quienes creen en el amor verdadero y están dispuestos a defenderlo.

‘Obsesión’ fusiona sonidos urbanos con elementos electrónicos, R&B moderno, atmósferas densas y beats actuales. También tiene bases de reguetón melódico, sintetizadores, guitarras suaves, y una producción emocionalmente envolvente.

«Es una canción perfecta para escuchar en momentos de deseo, emoción intensa, una cita especial o cuando necesitas sentirte vivo», comentan Dabi Santy & Baby Lam.

‘Obsesión’ es una pieza independiente que abre camino a lo que viene después para los artistas.

Para Dabi Santi, «con ‘Obsesión’ quiero consolidar mi carrera y dar a conocer a Baby Lam, esperando que las personas disfruten y se conecten con el tema». Por su parte, según Baby Lam: «Espero que las personas se conecten emocionalmente con la canción y que me abra puertas para llegar más lejos».

Escucha ‘Obsesión’ de Dabi Santy & Baby Lam en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/obsesion-baby-lam

El sueño inspirador que rompe fronteras, así es ‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos

Luego de presentar a nivel mundial los sencillos ‘Ayer morí’ y ‘Ondas de calor’, la banda de indie rock brasileña Atalhos presenta su nuevo lanzamiento ‘Delirios en Paraguay’.

Si en ‘Ayer morí’ y en ‘Ondas de Calor’ la temática era el fin de las relaciones, ahora en ‘Delirios en Paraguay’, Atalhos habla de los inicios de la pasión, el sueño inspirador de una historia que comienza. También habla de un nuevo viaje hacia un nuevo país donde ese amor nace y se instala.

La canción es la definición precisa de lo que significa el dreampop de Atalhos, tanto en la letra como en los elementos como la batería pujante como si fuera una recta de una autopista, las guitarras llenas de reverb, sintetizadores y teclados van formando nubes en la imaginación.

El video de ‘Delirios en Paraguay’ fue grabado en Asunción por el amigo de la banda y director Guille Guillén y contó con la participación de la actriz paraguaya Laura Martínez.

«Como la canción habla directamente de Paraguay y de Asunción, yo quise que la producción se diera en ese mismo país. Estuve en reuniones a la distancia con el equipo durante todo el mes que duró la planificación y preparación del rodaje. El budget fue super pequeño, todo muy independiente, pero con mucho amor y creo que el resultado final demuestra ese esfuerzo entre artistas indie latinos intentando hacer algo de valor artístico», cuenta Gabriel Soares.

‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos es una canción que va dirigida a todos aquellos que se arriesgan a expandir sus historias y su amor a través de territorios cada vez más amplios.

«Las rutas latinoamericanas siempre fueron inspiración para mis composiciones. Me gusta mucho manejar largas distancias y estuve un par de veces viajando con mi auto en Paraguay, y creo que la canción refuerza ese aspecto delirante e inspirador de estos viajes; el hecho de cruzar fronteras, estas líneas imaginarias que creamos para separarnos, pero que al final son nada más que eso, líneas imaginarias. Uno cuando se cruza a una frontera en auto se da cuenta de eso», agrega.

‘Delirios en Paraguay’ cuenta con la participación de la banda de indie paraguaya El Culto Casero.

Según Gabriel, «es una banda que soy muy fan, los conocí durante la pandemia y empecé a investigar más el indie latino. Desde entonces, me hice amigo de Franco Ocampo, el vocalista, ya los vi en vivo en Asunción un par de veces. Me encanta la música que hacen y también me inspiran sus canciones, así que en marzo de este año nos encontramos en New York porque tocamos en el Festival The New Colossus; allí le conté a Franco que íbamos a sacar un tema inspirado en Paraguay y él me dijo que quería participar. Apenas regresó de los Estados Unidos empezó a grabar las voces y así fue, feliz que eso se dio».

‘Delirios en Paraguay’ es el último single antes de lanzamiento del disco completo que se llamará ‘A Força das Coisas’. El álbum saldrá el 13 de junio y será el quinto disco en la carrera de Atalhos. Es un álbum inspirado en historias personales de amores, viajes, cuestiones existenciales y la forma autobiográfica de usar la propia vida para hacer arte, o sea, hacer de la propia existencia una obra de arte. Por eso, el titulo va inspirado en el libro autobiográfico del mismo nombre de Simone de Beauvoir; quien escribe una frase que inspiró bastante este disco del grupo: «es imposible hablar de la propia vida sin iluminar la vida de los otros».

El diseño de la portada es una foto que Gabriel sacó en un baño durante un show de El Culto Casero en Asunción un par de años atrás. Este acontecimiento refuerza toda la conexión y la historia detrás del tema.

«Esperamos seguir llevando nuestra música a fronteras más allá de Brasil, conectarnos con artistas y con el público latinoamericano, y reforzar el camino de hermandad que venimos trazando ya hace un tiempo con nuestros temas que mezclan el portugués y el castellano», concluye Atalhos.

Atalhos lanzará el álbum ‘A Força das Coisas’ el 13 de junio e iniciará una gira grande que comenzará en Brasil, pasando por algunos países latinoamericanos. Para febrero de 2026, el grupo tiene cerrada una gira de más de 20 shows en Europa cuyos detalles serán divulgados en el segundo semestre de este año.

Escucha ‘Delirios en Paraguay’ de Atalhos en tu plataforma musical favorita https://orcd.co/deliriosenparaguay

ALEQ presenta ‘Máquina del tiempo’, una canción de desamor y arrepentimiento

El artista colombiano de música urbana ALEQ ha tenido un 2025 con grandes presentaciones en fiestas municipales en Cumaral, Paratebueno y el Festival de Verano de Villavicencio, Meta. En simultánea, el cantante y compositor llega con nueva música para todos sus seguidores presentando una nueva era y etapa de su proyecto musical.

‘Máquina del tiempo’ es lo nuevo de ALEQ, una canción para retroceder en el tiempo y evitar haber traicionado a una mujer que confió en el artista. Habla del desamor por una infidelidad y del arrepentimiento después de lo sucedido. A nivel musical, el sencillo explora sonoridades frescas y caribeñas; propias de géneros urbanos como el reggaetón.

«Quisiera que existiera una máquina del tiempo para viajar al pasado y haberme contenido de traicionar a una mujer que depositó toda su confianza en mí. Esta canción la compuse y la grabé hace tres años, hace parte de los proyectos empolvados que todos los artistas tenemos y que un día merecen ver la luz», cuenta ALEQ.

El video de ‘Máquina del tiempo’ es un visualizer que muestra a ALEQ caminando en un bulevar de las calles de Villavicencio, Meta, con una chaqueta muy preciada para él, una prenda que hace homenaje a la saga Back To The Future, acompañado con un efecto de cámara lenta para el ‘vibe’ de la canción, mientras llega a su lugar de residencia y usa el ascensor para hacer un inesperado viaje en el tiempo. El clip contó con la producción audiovisual de Juan Acosta.

«Es una canción para dedicar, una muestra íntegra de lo que esa persona significa en nuestras vidas, y que como seres humanos nos sentimos arrepentidos por los errores cometidos. Es nuestro boleto a la última esperanza de recibir un perdón y empezar un nuevo ciclo en compañía de nuestro verdadero amor», enfatiza el cantante colombiano. «Es perfecta para el momento en el que se quiera fantasear con volver al pasado y arreglar un error», menciona.

‘Máquina del tiempo’ es el sencillo número 11 de ALEQ y se espera que haga parte de una futura producción musical que reúna todas las canciones de su carrera artística.

«Con este lanzamiento quiero tener un gran impacto tanto en Colombia como en América Latina. Siempre acostumbro a hacer letras para edificar, pero confieso que me da un poco de temor no recibir la misma aceptación al no ser una letra más atrevida, sin embargo, tengo la fe y la esperanza de cautivar a esas personas que están arrepentidas por haber cometido una infidelidad», agrega.

La portada de ‘Máquina del tiempo’, realizada por el diseñador gráfico Josué Bedoya de Visual Frame, está inspirada en la saga ‘Back to the Future’. En la placa del carro insignia, el Delorean, se escribió el nombre de la canción junto con el nombre de ALEQ y el productor Gonzza Master.

Para los próximos meses, ALEQ y su equipo preparan nueva música y sorpresas para toda su fanaticada, incluida una canción para el verano a mitad de año.

Fotos: Mateo Riaño.

Sangi Jiménez presenta ‘Ya no quiero’

Sangi Jiménez es una cantante y compositora de música urbana nacida en República Dominicana que intenta reflejar sus vivencias en sus canciones como una especie de catarsis o desahogo. Es una artista que considera que su música puede ayudar a otras personas para que puedan hablar con ella los que no tienen voz o los que nadie quiere escuchar. La intención de su propuesta musical busca que las personas puedan disfrutar de su música, que la lleven a todos lados, que la bailen y que puedan identificarse con sus historias. Es una persona auténtica y sensible, pero fuerte; es capaz de levantarse sola a pesar de los duros golpes de la vida. Es una persona resiliente que trata de darle lo mejor a los que la rodean. Sabe ser comprensiva y mostrar compasión, pero también sabe cómo no dejarse pisotear y decir la verdad sin importar.

«Como cantautora quiero reflejar sentimientos reales, amor propio y vivencias naturales y orgánicas.  Quiero demostrar con mis letras que aún existen las cosas buenas, que hay buenos sentimientos, que lo que se hace se paga, que el amor existe, que no hay mal que por bien no venga y que quien no te valora es porque simplemente no te merece. Todos estos conceptos acompañados de una gran producción y calidad interpretativa y musical, demostrando que la música urbana puede tener altos estándares y a la vez transmitir buenos deseos», cuenta la artista con influencias de reggaetón suave, romántico, tradicional y del trap, y de artistas como Karol G, Cazzu, Take 6, Nicky Jam y Shakira.

‘Ya no quiero’ es el más reciente lanzamiento de Sangi Jiménez y la carta de presentación previa a la publicación de su nuevo EP ‘Pa’ ti’. Es un tema muy personal escrito en la soledad de la habitación de la artista dominicana como suele ser costumbre. Habla de sus vivencias, de un amor que fue hermoso al principio, pensando que era genuino, pero que se volvió tóxico y una completa pesadilla que dejó heridas fuertes. Aunque luego la persona que le hizo daño quiso regresar, ya era demasiado tarde; evocando la clásica frase «nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde».

«El mensaje que quiero enviar con esta canción es que es importante perdonar, pero eso no significa volver a cometer el mismo error de estar con alguien que en el pasado te hizo daño. ‘Ya no quiero’ es una canción perfecta para aquellas personas que ya han empezado a experimentar el amor de pareja, también para los y las que hayan pasado por muchas situaciones en su relación; y para los y las que ya tienen un buen tiempo buscando amar a alguien», agrega Sangi Jiménez.

‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez aborda temáticas de superación, fortaleza, amor propio, convicción y de nunca volver atrás. El sencillo explora sonoridades de reggaetón suave y romántico. Es un tema sencillo, pero contundente; con un sonido envolvente que provoca relajación y la sensación de estar flotando.

«Con este sencillo y con mi nuevo EP tengo grandes expectativas porque junto a mi equipo hemos trabajado mucho, hemos puesto el corazón y mucho esfuerzo en este proyecto. Deseo conquistar nuevas audiencias en Colombia, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa; impactando a personas que hayan pasado por una situación similar, pero que aún crean que el amor existe y que no es necesario aferrarse a alguien que nos hace daño. Mi música es para personas que también buscan la calidad musical y que sepan ser seguidores fieles», puntualiza la artista dominicana.

‘Ya no quiero’ es la canción número 2 del EP ‘Pa’ ti’ que se publicará el 5 de junio en todas las plataformas digitales a nivel mundial.

El diseño de la portada es una foto semi futurista con una pose de medio cuerpo con un fondo rojo imponente, dando a entender que no hay nada mejor que lo que nos depara el futuro. La fotografía busca reflejar un sentido de esperanza y fuerza.

«Considero que es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Sangi Jiménez en Colombia y Latinoamérica porque tengo la fe intacta de que con mi talento, valores, amor propio y experiencia puedo aportar cosas buenas, historias únicas y una gran calidad musical a la industria musical del género urbano», concluye la artista.

Escucha ‘Ya no quiero’ de Sangi Jiménez en tu plataforma musical favorita https://lnk.to/AsV6Mbcl

La banda de rock colombiana Carrera Séptima presenta su EP ‘Crónicas Bogotanas’

El EP debut de la banda bogotana habla de transformación, identidad y la experiencia de habitar la ciudad.

Carrera Séptima es un proyecto musical colombiano que nace en Bogotá en 2022. Fue creado por Santiago Muñoz, Martín Valencia y Juan Esteban Barbosa, amigos que en la universidad confluyeron en su pasión por la música y el cine; particularmente, por los movimientos artísticos de los 60’s y 70’s (Psicodelia y contracultura).

La banda ha estado activa fusionando el rock clásico de los 70’s con su visión contemporánea, destacando el uso del idioma español para conectar de manera más profunda con su público y reflejar su identidad cultural, con la intención de brindar una propuesta distinta alrededor del rock hecho en Bogotá y en Colombia.

«A través de nuestras canciones y creaciones musicales queremos romantizar las historias, emociones y sensaciones alrededor de Bogotá», comenta el grupo con influencias del rock clásico, funk y blues con matices progresivos e indies.

Entre sus influencias se destacan artistas como Vox Dei, Pink Floyd, Jimi Hendrix, Luis Alberto Spinetta, The Doors, Led Zeppelin, Pappo’s Blues y Banda Nueva. Además, los inspiran los movimientos de música en vivo como el Festival de Ancón, Woodstock, Festival de la Vida y sus análogos contemporáneos como el Festival Cordillera, Rock al Parque y Festival Centro, entre otros.

‘Crónicas Bogotanas’ es el EP debut de Carrera Séptima, un trabajo que captura la esencia de la vía carrera séptima como eje narrativo y simbólico de Bogotá, mediante una construcción conceptual audiovisualmente. Habla de transformación, identidad y la experiencia de habitar la ciudad.

«‘Crónicas Bogotanas’ es una oda a nuestra ciudad y sus historias. Con cada canción buscamos que los oyentes se transporten a la memoria histórica de Bogotá, con tintes nostálgicos y de experiencias nuevas que nacen en la séptima», enfatiza la agrupación capitalina.

El EP explora múltiples sonoridades, desde pasajes introspectivos llenos de psicodelia y atmósferas, hasta ritmos movidos del funk-blues, culminando con riffs y solos característicos del rock.

A través de sus canciones, la banda explora distintas etapas de un recorrido por la ciudad:

‘Desdoblado’ es una canción experimental, sensual y llena de psicodelia que representa el punto de partida, un estado de incertidumbre y búsqueda.

‘En Trance’ tiene una sonoridad progresiva y con un espíritu de rock & roll, mientras que ‘Confusión’ es un tema Funky y groovy; las dos canciones marcan la transición entre el asombro y el caos urbano.

‘Septimazo’ es un tema frenético y pesado; además, cierra el ciclo del EP con la explosión de energía y movimiento característicos del centro de la capital. La banda bogotana Oh’laville realizó un cover de esta canción. https://www.instagram.com/p/DCXzLIns6f3/

Adicionalmente, su videoclip fue presentado en la Cinemateca de Bogotá en el panorama nacional de Bogotá Music Video Festival.

«Con este trabajo queremos exponer nuestras influencias con una propuesta introductoria, que presente un sonido propio y original. Pretendemos establecer una propuesta que va más allá de lo musical incorporando las artes visuales para tener la oportunidad de presentarnos en espacios relevantes de la escena local. También esperamos llegar a curadores de grandes festivales a nivel nacional e internacional de la escena musical y artística de Bogotá y LATAM», puntualiza la banda.

La portada de ‘Crónicas Bogotanas’ fue capturada por el realizador audiovisual Santiago Muñoz y funciona como un homenaje visual a ‘Physical Graffiti’ de Led Zeppelin, pero reinterpretado en el contexto bogotano. La imagen retrata la fachada de un edificio residencial en la carrera séptima, un punto de encuentro clave en la ciudad. En la composición, algunas ventanas están abiertas y otras cerradas, jugando con la idea de historias que coexisten en un mismo espacio. El título Crónicas aparece en la portada, mientras que Bogotanas se revela en la contraportada, reforzando el concepto de la séptima como un lugar donde múltiples narrativas se cruzan y conviven.

«Este EP es ideal para escuchar desde ir caminando por las calles de la ciudad, mirando a través de la ventana en el transporte público o mientras manejas. Es muy disfrutable para parchar con amigos, pareja o estar solo», enfatiza la banda.

Carrera Séptima y su EP ‘Crónicas bogotanas’ han tenido un recorrido en bares icónicos de la ciudad como Smoking Molly y Ace of Spades en el marco del Circuito Bogotano de Rock. Sin embargo, la banda planea continuar su gira por varios escenarios de la capital y espera llevar su propuesta a nuevas ciudades del país.

«Carrera Séptima es una banda que nace del espíritu vibrante de Bogotá, pero su esencia va más allá de una sola ciudad: nuestra música es un reflejo de las calles, historias y emociones que resuenan en toda Latinoamérica. Nos inspiramos en el rock clásico, pero lo reinterpretamos desde nuestra identidad, fusionando sonidos que han marcado generaciones con una mirada fresca y contemporánea. En un continente donde la música siempre ha sido una forma de resistencia, expresión y comunidad, creemos que el rock en español sigue teniendo un espacio vital. Nuestra propuesta busca conectar con quienes encuentran en la música un lugar de pertenencia, una banda sonora para sus propias crónicas urbanas. Descubrir a Carrera Séptima es redescubrir el rock hecho en nuestra región: con identidad, con narrativa y con la energía de quienes creemos en la fuerza de la música en vivo», concluye la agrupación bogotana.

Una canción para cerrar ciclos, así es ‘Lunas’, lo nuevo de New Jaim

New Jaim es una banda colombiana de rock alternativo de origen boyacense (Tunja y Sogamoso) que desde 2018 se destaca por su capacidad de fusionar diversos géneros musicales como el hard rock, el funk y el indie rock, con toques electrónicos y pop creando un sonido único y distintivo. Actualmente, el grupo está integrado por Ferg González en la voz y la guitarra, Nicolás González en el bajo, Gonzalo Ramírez en la guitarra y Santiago Espitia en la batería.

La intención de su propuesta musical es establecer un vínculo emocional con sus seguidores a través de letras significativas y actuaciones enérgicas en vivo. Por medio de sus letras, la banda busca encontrar satisfacción y alegría en la creación y ejecución de su música, compartiendo su pasión y sonido con los demás.

«Nosotros transmitimos diversos mensajes a través de nuestras canciones. Las letras a menudo exploran temas como la introspección, la resiliencia, el amor y el desamor y la búsqueda de identidad. Algunas canciones se destacan por su enfoque en la auto reflexión, el crecimiento personal y los desafíos de la vida; mientras que otras combinan la poesía con referentes como Antonio Machado o Jorge Luis Borges», comenta el grupo con influencias de bandas como Radiohead, Incubus, Kings of Leon y Foster the People.

‘Lunas’ es lo nuevo de New Jaim, una canción que nace a partir de un poema del escritor Jorge Luis Borges, titulado ‘1964’, en el que bien pareciera profetizar la frase de Gustavo Cerati «Poder decir adiós es crecer», hablando de cerrar ciclos, en su tono místico y profundo, comparando espejos co-retrovisores que ya no quería más para su vida, y mientras la banda leyó el poema, supo que era una temática de esas que grita alto y fuerte y que merece ser canción y ser cantada.

‘Lunas’ explora una mezcla de sonidos retro y modernos. La canción tiene influencias del pop de los 80’s con indie rock moderno, combinadas con un toque de sonidos espaciales y futuristas, inspirado en los sonidos del rock europeo y las atmosferas de los sintetizadores con guitarras funk.

«La canción habla de recuperarse a uno mismo, de salvar lo que le queda a cada persona después de salir del desamor, después del desastre, juntar las piezas y decir: «no vuelvo ahí y deseo volver a amarme como debí hacerlo antes». Habla de retomar el sabor a la vida después del desamor», enfatiza la agrupación.

‘Lunas’ aborda todas las temáticas que se han conectado con el discurso New Jaim desde su creación como la resiliencia, el amor por las pequeñas cosas, el rescate de sí mismo y el dejar atrás el caos emocional que puede causar cualquier ruptura en cualquier área y con cualquier persona.

El video de la canción cuenta la historia de una chica (Andrea Fernández) en un karaoke, a la par de escenas de su vida cotidiana donde procura vivir su día a día de manera normal después de haber sufrido una experiencia emocional fuerte (el fin de una relación).

La protagonista pasa por todos los procesos hasta llegar a la aceptación y cada día que se va recuperando disfruta del tiempo consigo misma y recapacita lo que fue, estando en diversos lugares y concluyendo en un pub cantando con el karaoke de ‘Lunas’ para cerrar ese capítulo turbulento de su vida y así liberándose y dando fin a ese proceso doloroso.

Según New Jaim: «Es una canción para escuchar cuando las cosas van mal y uno tiene que decirse al yo interior lo importante que es. También cuando se está comenzando a sanar y se empieza a saborear la vida, los colores, como antes no se estaba haciendo. En fin, cuando las cosas se pongan difíciles, ‘Lunas’ es un recordatorio de no mirar atrás y saber ponerse las curas que el alma necesite».

El videoclip de ‘Lunas’ se desarrolló junto a la agencia audiovisual boyacense Cordillera Lab y fue dirigido por Daniel Ortiz.

«Esperamos que la gente se conecte con la canción y reaccione de manera positiva, ya que ‘Lunas’ es el cierre de nuestro LP ‘Mi poder’. Queremos que las personas se animen a escuchar los demás temas del álbum», enfatizan los integrantes de New Jaim.

El disco de ‘Mi poder’ de New Jaim es una invitación a que ante las adversidades cotidianas que involucran los sueños, sentimientos, emociones y planes; existe la capacidad para superar las adversidades y la clave está en ser conscientes del poder interno de cada persona para salir adelante. De ahí el título del álbum y el tigre como animal que representa el ideal de la banda por su capacidad de sobrevivir a los riesgos y lo inhóspito que puede ser la sabana.

El diseño de la portada de ‘Lunas’ es el mismo del disco al que pertenece la canción. Tiene un diseño minimalista y como protagonista al tigre que refleja la fortaleza en medio de la adversidad. Al alrededor cuenta con elementos que representan cada una de las canciones del álbum.

Este 2025 New Jaim estará concentrado en promocionar su disco ‘Mi poder’ a través de conciertos en diferentes ciudades del país con una gira por Bogotá, Cundinamarca, Boyacá, el Eje Cafetero, Medellín y la Costa Atlántica, además, presentará una sesión en vivo en colaboración con otros artistas de la escena del rock colombiano que pronto serán anunciados.

«Creemos que New Jaim aporta una perspectiva única al panorama musical latinoamericano con su estilo de rock alternativo y la mezcla de sus sonidos, enriqueciendo la oferta cultural. El apoyo a bandas como la nuestra contribuye al fomento del talento y la creatividad dentro de la comunidad musical. Queremos que nuestra música resuene con las experiencias y emociones de los oyentes, creando una conexión especial y que escuchen nuestro discurso enfocado en la resiliencia y el amor propio. Finalmente, queremos aportar frescura y originalidad a la escena musical, lo que es esencial para mantener viva y dinámica la industria del rock latino y colombiano», concluye el grupo.

NEO explora sensaciones, conflictos, dudas y reflexiones en su EP ‘Neo Retro’

Es un trabajo para escuchar en cualquier momento, especialmente en días de introspección y reflexión, cuando se buscan respuestas o se quiere conectar con emociones profundas.

La banda de rock colombiana NEO inicia el año con nueva música y presenta su EP debut ‘Neo Retro’, un trabajo que reúne los primeros sencillos del grupo junto a una canción inédita, ‘Autómata’.

Esta producción del proyecto conformado por Sebastián Pinto (bajo), Javier Flórez (guitarra), Leo Blanco (batería), Sara Rivera (voz) y Mario Alejandro Bustos (guitarra) representa la identidad sonora y conceptual de la banda en su primera etapa. Las canciones abordan temáticas que van desde lo personal e introspectivo hasta una visión crítica de la realidad, sin adoptar posturas políticas. Exploran sensaciones, conflictos, dudas y reflexiones tanto a nivel individual como en relación con el entorno.

«El EP está inspirado en experiencias y cuestionamientos universales que pueden resonar en cualquier persona con inquietudes similares. Aunque su música puede conectar con un público amplio, el enfoque principal está en oyentes a partir de los 18 años, incluyendo adultos contemporáneos que se identifican con la propuesta sonora y lírica de la banda», cuenta NEO.

En ‘Neo Retro’ la banda explora un sonido que fusiona el rock clásico de los años 70 con influencias del indie y el sonido alternativo de los 90. La composición se acerca más a un rock de estructura clásica, donde se da protagonismo a los instrumentos, con solos de guitarra y líneas de bajo bien definidas. Cada integrante tiene un papel fundamental en la música, no solo como acompañantes de la voz, sino como parte de un todo que construye el mensaje sonoro.

En su EP debut, NEO le canta al inconformismo y a los cuestionamientos en ‘Autómata’, a la nostalgia y la evocación de los recuerdos, incluso de aquellos no vividos en ‘Neo Retro’, a la obsesión y la repetición de los pensamientos en ‘Tú’, a la necesidad de libertad y expresión en ‘Luces’.

«No pretendemos dar una explicación total del EP, a la final cada uno interpreta las canciones de manera personal y única», enfatiza la agrupación bogotana.

El objetivo principal del EP para NEO es consolidar la identidad sonora de la banda y conectar con nuevos oyentes. Es una carta de presentación para ampliar su audiencia y tener una mayor presencia en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica.

El diseño de la portada de ‘Neo Retro’ gira en torno a la estética vintage, alineándose con el concepto sonoro de la banda. Se inspira en elementos como televisores antiguos y reproductores de cintas, objetos que evocan la idea de rebobinar y revivir momentos una y otra vez. La imagen refuerza el concepto de lo análogo y la memoria, elementos clave en la identidad visual de NEO.

El EP está acompañado del sencillo ‘Tú’, una canción íntima y personal que, en términos sonoros, mantiene la esencia del rock alternativo con una atmósfera envolvente y melancólica. Para el video, la banda decidió dejar la interpretación abierta al público. Se hizo una convocatoria en la que seguidores escucharon la canción y grabaron pequeños clips representando lo que significaba para ellos. El resultado fue un collage de imágenes con una estética vintage, evocando la nostalgia y lo personal, reforzando el concepto de la canción.

Actualmente, la banda está realizando una serie de presentaciones en festivales y bares, algunas en formato acústico (Solo Neo) y su nuevo EP servirá como una pieza central en distintas actividades musicales del grupo, incluyendo montajes sinfónicos y eventos académicos.

«Nosotros ya tenemos un álbum grabado y planeamos lanzar varios sencillos a lo largo del año. La idea es que, tras una serie de lanzamientos progresivos, realicemos la presentación oficial del álbum completo a finales de 2025 o inicios de 2026. Con este material, expandiremos nuestra propuesta sonora, explorando nuevas posibilidades en composición, arreglos y mensaje», concluye NEO.

Escucha ‘Neo Retro’ de NEO en tu plataforma musical favorita https://ditto.fm/neo_retro

Rappert Mc estrena su EP ‘4 Latidos’ ¡Escúchalo!

Rappert Mc es un artista versátil de la ciudad de Manizales que descubrió el amor por la música y los versos a los 16 años y rápidamente fue conociendo personas que hicieron que él se apasionara más por hacer música. Como artista independiente, ha construido una discografía que mezcla géneros y sensaciones, prometiendo un viaje sonoro que conectará con las emociones de sus oyentes. Su arte no solo suena, sino que inspira y transforma. La intención de su propuesta musical se basa en demostrar dinamismo en cada una de sus canciones, pues incursiona en varios géneros musicales como rap, trap, drill, reggaetón, afro beat y electrónica.

«Con mis canciones quiero representar múltiples emociones en quienes me escuchan. Quiero generar una conexión con el oyente a través de las letras, pero también de los ritmos y sonidos que exploro en mis composiciones», comenta el artista con influencias de Feid, Black Eyed Peas, Terror Reid, Massano, Radio Mc, Al2 El Aldeano, Feid, Bad Bunny, Ñengo Flow, Rels B, Kapo y Beéle.

‘4 Latidos’ es el nuevo EP de Rappert Mc, un trabajo cuyo concepto gráfico se basa en una ilustración futurista influenciado por la inteligencia artificial. A nivel musical, los 4 latidos son 4 ritmos producidos por Dealer Hits que se encuentran en el EP: afrobeat, reggaetón, trap y rap.

El afrobeat narra un momento en donde el artista trata de decirle a una chica que rompan la barrera y que sean más que amigos, el reggaetón relata la historia de cuando el artista tiene fantasías con una chica, pero sin llegar a enamorarse; en el trap se utilizan expresiones reales y directas, sin rodeos; y en el rap se cuenta en modo de crónica el cómo su vida ha evolucionado gracias a que todos los días dice la frase, «Me repito, lo quiero, lo voy a conseguir, vamos a hacerlo».

«La inspiración detrás del EP nace de seguirle apostando a nuevos retos. La idea de hacer afrobeat y de que esta sea la primera canción titulada ‘Agüita de coco’, dirigida a toda esa gente que quizás quiere romper esa barrera con alguien, pero no se atreve a decirlo por un rechazo. También hay presencia de rap hablando de persistencia para lograr los objetivos y dejando un mensaje positivo. En el trap hay que ir sin rodeos y ser lo más directo posible en todas las situaciones de la vida. Finalmente, el reggaetón es ideal para recordar los buenos momentos vividos», comenta el artista.

Canción por canción de ‘4 Latidos’ de Rappert Mc

‘Agüita de coco’ es una invitación a retarse, a arriesgarse, nada se pierde con intentarlo; ‘Días’ habla de que los buenos recuerdos son un tesoro muy preciado que en el futuro te sacarán una sonrisa; ‘Tren a vapor’ resume la idea de que hablar claro es más sencillo que hablar bonito y ‘Vamos a hacerlo’ consiste en las tres máximas de la vida: insistir, persistir y nunca desistir.

«Es un EP para escuchar en toda ocasión, desde estar en un carro parchado escuchándolo con los amigos, hasta estando en la oficina camellando juicioso. Es un trabajo variado, para los gustos, los colores, por eso siempre tratamos de hacer los temas diversos. Quiero llegar a nuevos públicos y tener presencia y altos impactos en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica. Quiero que las personas que escuchen esta propuesta disfruten las canciones, encuentren magia en ellas y que las disfruten de principio a fin», enfatiza Rappert Mc.

Desde la visión del diseño, el diseñador Jonathan Leonid y Rappert Mc tuvieron un enfoque tecnológico, contemporáneo y bastante digital, ilustrando al artista lleno de circuitos como si se estuviera convirtiendo en Inteligencia Artificial. La carátula del EP simboliza libertad y expresa que nos podemos convertir en cualquier cosa que queramos en la vida. Es una representación de libertad, una invitación a explotar y a trabajar por esa versión que cada uno se quiera convertir.

Rappert Mc también estrena el video de la canción de fiesta y seducción ‘Tu mirada’. Es una inmersión en un sueño hipnótico donde el artista es arrastrado por la tentación en medio de una fiesta deslumbrante. En este mundo onírico, una chica enigmática juega con su deseo, mientras símbolos poderosos como las manzanas y un anillo en forma de serpiente evocan el primer pecado de Adán y Eva en el jardín del Edén. Los sonidos de la canción mezclan la música electrónica tipo house, los sintetizadores y la voz del artista, creando una conexión única y especial. Es la segunda canción del EP ‘Don Rappert’, trabajo que nace del concepto, innovación y de la fusión de múltiples géneros musicales.

Dentro de los planes de Rappert Mc para los próximos meses está sacar un álbum cien por ciento colaborativo con artistas de la ciudad de Manizales, además de seguir innovando con mezclas sonoras que lograrán generar distintas emociones en su audiencia.

«Darse la oportunidad de conocer a Rappert Mc es conocer a un joven que persiste e insiste por sus sueños siendo innovador y creativo. Descubrir a Rappert Mc musicalmente es entender que un artista tiene distintas facetas, pero que en cada una de ellas hay sinceridad con el mensaje y la emoción que se quiere expresar y conectar. Hay que darse la oportunidad de conocer este proyecto para descubrir un nuevo universo en donde quizás encuentres algo de ti en él, pues todos tenemos algo de los demás en nosotros», concluye el cantante.

Escucha ‘4 Latidos’ de Rappert Mc en tu plataforma musical favorita https://ffm.to/o3ryedp

Matar Fuma estrena su tercer disco ‘No Fue Fácil’

‘No Fue Fácil’ es el tercer álbum de Matar Fuma que llega como continuación a su anterior producción discográfica. En este disco de ocho tracks, el cantautor fusiona letras pegajosas con una mezcla de ritmos pop y latinoamericanos, manteniendo la guitarra acústica como eje central.

El álbum se destaca por su profundidad lírica con canciones que transmiten nostalgia, pero en las que se da un mensaje positivo de amor propio. Cada tema invita a conectar con las emociones de manera honesta y cercana.

«‘No Fue Fácil’ nació como una forma de procesar lo que sentí en mis 20’s», explica el artista.

El álbum cuenta con la participación creativa de los compositores: William Ospina (Matar Fuma), Andrés Felipe Suárez, Santiago Mejía, Julián Picado y Crhistyan Camilo Velandia García.

La masterización estuvo a cargo de Antonio Esguerra y Julián Picado. La mezcla es de Antonio Esguerra y Julián Picado.

Track List:

Ay ay amor | Deseo | Dos Extraños | No Fue Fácil | No Fue Mi Intención | No Los Escuches | Volver | Vuelve a la Vida

Las canciones de ‘No Fue Fácil’ hablan de pérdidas, amistades, desamor y deseos. Además, aborda la idea de que, aunque a veces parezca complicado, al final las cosas encuentran su momento y lugar ideal.

https://youtu.be/euPmYG9BQnQ

El álbum tiene influencias sonoras que han marcado el camino de Matar Fuma, y más que contar una historia lineal, busca conectar con quien lo escuche.

«Es un disco honesto, sin pretensiones, hecho desde la necesidad de decir algo real», agrega.

Escucha ‘No Fue Fácil’ de Matar Fuma en tu plataforma musical favorita https://links.altafonte.com/NOFUEFACILALBUM

Llega a Colombia La Chirichota con su espectáculo cómico-musical ‘Los Clásicos’

La Chirichota visita Colombia con ‘Los Clásicos’, un espectáculo cómico-musical que te hará reir a carcajadas.

La agrupación cómico-musical La Chirichota visita Colombia con un show que combina humor, música y análisis social. La gira los llevará por Bogotá, Bucaramanga, Medellín y Cali del 16 al 22 de marzo.

Inspirados en las chirigotas del Carnaval de Cádiz, su espectáculo ‘Vuelven los Clásicos’ trae de regreso a compositores emblemáticos como Beethoven, Mozart y Vivaldi para reflexionar, a través de un prisma humorístico, sobre la cultura musical actual dominada por géneros como el trap y el reguetón.

Con un formato íntimo y versátil, de solo siete integrantes, La Chirichota incluye instrumentos como guitarra española, guitalele y percusión. Su propuesta escénica, enriquecida con disfraces y personajes, se desarrolla como un espectáculo teatral unitario que destaca por su ironía, referencias culturales y crítica social, brindando 70 minutos de entretenimiento inteligente y provocador.

El repertorio incluye adaptaciones de grandes éxitos como ‘La bilirrubina’ de Juan Luis Guerra, ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G, ‘Rayando el sol’ de Maná y ‘Te felicito’ de Shakira.

Sobre el espectáculo ‘Los Clásicos’

La música ha sufrido una evolución muy escandalosa. El trap y el reguetón copan las listas de éxitos y las ondas de radio desde hace años, y sus graves y reconocibles ritmos han hecho que algunos personajes se ‘revuelvan en sus tumbas’.

Beethoven, Vivaldi, Schubert, Mozart, Bach, Tchaikovsky… Los autores de las composiciones más atemporales de la humanidad se han visto obligados a volver de su (merecido) descanso eterno y hacer horas extras.

Un repertorio repleto de ironía y referencias a la cultura musical actual que también contiene aderezo en piezas destinadas a otras temáticas vigentes.

Gira por Latam y Colombia

El Tour ‘Latam 2025’ de La Chirochota presentando ‘Vuelven Los Clásicos’ iniciará en nuestro país con cuatro fechas y luego continuará su recorrido a Ecuador, Estados Unidos, Puerto Rico, México y República Dominicana.

Marzo 16: Bogotá, CO

Marzo 20: Bucaramanga, CO

Marzo 21: Medellín, CO

Marzo 22: Cali, CO

Marzo 29: Quito, EC

Abril 03: Miami, USA

Abril 06: Sanjuan, PR

Abril 09: CDMX, MX

Abril 12: RD

Compra tus entradas en www.lachirichota.com/tour

[Estreno] ha$lopablito presenta ‘BAILATA GOZATA: LA ÑAPA’

La dupla ha$lopablito y Hi-Kymon regresa con fuerza para ofrecernos ‘BAILATA GOZATA: LA ÑAPA’, un proyecto que explora la energía desenfrenada de la madrugada con un enfoque único al estilo del ‘B-Side’.

Con dos tracks explosivos, ‘RECOCHA (BAILATA, GOZATA) ‘ y ‘TRES Y MEDIA EN BOGOTÁ (C’EST L’AMOUR, C’EST LA VIE)’, logran capturar esa chispa que surge entre el caos de la ciudad y la euforia nocturna.

LA ÑAPA es el pie de página de la fiesta que propone el álbum ‘BAILATA GOZATA’. Dos canciones pertinentes para un remate ácido que se puede extender a días hábiles. En ellas confluyen sentimientos que transitan entre el desamor, las ganas de pasar la página y el frenesí de una noche hiperbólica y veloz.

El complemento perfecto para Bailata Gozata, BAILATA GOZATA: LA ÑAPA.

Con la producción de Hi-Kymon, el liricismo único de ha$lopablito y las mezclas impecables de William Vizcaíno y Samuel Huertas, estos temas demuestran por qué este dúo se posiciona como una fuerza imparable en la escena urbana.

LA ÑAPA está cuidadosamente creada para ser escuchada en altas horas de la noche/madrugada, ojalá estando dentro del caos nocturno de una metrópolis sudamericana.

El primer sencillo, ‘RECOCHA (BAILATA, GOZATA)’, es un Drum n’ Bass vibrante que acelera como si estuvieras jugando Midnight Club 3 Dub Edition, llevando el espíritu de la fiesta al extremo. Se trata del remix de una de las canciones del EP, que le agrega más fuerza y un sonido único.

Por otro lado, ‘TRES Y MEDIA EN BOGOTÁ (C’EST L’AMOUR, C’EST LA VIE)’ complementa a la perfección este viaje. Es una oda a las noches bogotanas, donde la intensidad de la vida y el amor se mezclan en el frenesí de la madrugada. Más que un simple track, es una experiencia que encapsula el pulso inconfundible de la capital.

https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_liFDhMlNvjjF7E8Ncr0Pz8BMjCQxjdzTM

Cerrando el capítulo experimental de la bailata y la gozadera que fue 2024, se vienen canciones que retoman la esencia de ha$lopablito como rapero/trapero.

A finales de este año, el artista bogotano lanzará un nuevo proyecto que marca el tan esperado regreso a sus raíces musicales, fusionando el rap y el trap que definieron sus primeros pasos en la escena.

El álbum, que podría llamarse ‘SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO’, fue producido en su totalidad por Pocket Tincho, bautizado de esa manera por la anécdota del Grupo Niche en su canción ‘Cali Ají’.

El nombre resume de manera efectiva el concepto del álbum, donde pablito se muestra siempre hambriento y ambicioso en una ciudad que a cualquiera nos come vivos. A la fecha es su álbum más íntimo, con un componente fuerte de storytelling. Este Long Play es el regreso de un pablito desapegado a la bailata y la gozata y aferrado a sus posturas más personales.

Será un viaje aspiracional y poderoso a esa esencia que lo impulsó desde el comienzo, un reencuentro con la fuerza y la pasión que cautivaron a su público. Prepárense para sentir la energía pura de sus rimas acompañadas del tradicional bombo y caja, renovados con la madurez de un artista que ha crecido y evolucionado sin perder la chispa original.

Sin duda, este nuevo capítulo promete encender los corazones de quienes han seguido su historia y esperan ansiosos lo que viene.

Escucha ‘BAILATA GOZATA: LA ÑAPA’ de ha$lopablito en tu plataforma musical favorita https://links.altafonte.com/LANAPA

Flor Frances analiza los álbumes icónicos de los últimos 40 años en su podcast The Making Of

El podcast The Making Of cubre con una mirada exclusiva a los álbumes icónicos de los últimos 40 años.

The Making Of, un nuevo podcast dedicado a descubrir las historias detrás de algunos de los álbumes más icónicos de las últimas cuatro décadas se estrena en todas las plataformas. Conducido por la periodista Flor Frances, cada episodio presenta conversaciones profundas con los artistas y compositores que dieron forma a estos discos legendarios, explorando el contexto social y las anécdotas personales que los hicieron realidad.

Con episodios de aproximadamente 15 minutos, The Making Of ofrece una exploración breve pero enriquecedora de la historia de la música, convirtiéndose en una opción ideal tanto para los aficionados casuales como para los audiófilos experimentados. El podcast estará disponible en todas las principales plataformas de streaming, con nuevos episodios lanzados regularmente.

Además de la serie en streaming, The Making Of organizará entrevistas en vivo y por temporadas en Technique Records, una de las disquerías independientes más importantes de Miami. Estos eventos exclusivos estarán abiertos al público, brindando a los fanáticos la oportunidad de interactuar directamente con sus artistas favoritos.

Lista de episodios:

● Episodio 1: Mike Score sobre el álbum homónimo de A Flock of Seagulls

● Episodio 2: Robbie Grey sobre ‘Mesh & Lace’ de Modern English

● Episodio 3: Arthur Baker sobre ‘Planet Rock’ de Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force y Confusion de New Order (grabado en vivo en Technique Records)

● Episodio 4: Peter Hook sobre ‘Unknown Pleasures’ y ‘Closer’ de Joy Division

● Episodio 5: John Stainer (Battles) sobre ‘Gloss Drop’ (grabado en vivo en Technique Records)

Escucha ‘El tiempo que nos sostiene’, el disco debut de la cantautora Ana Botero

La cantante y compositora colombiana radicada en Argentina, Ana Botero, presenta su disco debut ‘El tiempo que nos sostiene’, una obra que invita a recorrer el camino de la transformación personal a través de la música.

Más que un álbum, ‘El tiempo que nos sostiene’ es un diario sonoro, una bitácora que recorre los pasos de una niña que se convirtió en adolescente y luego en adulta. Cada canción nació en la intimidad, desde la vulnerabilidad, como una búsqueda de claridad y sostén en distintos momentos de la vida. Es un viaje de autoconocimiento, aceptación y liberación, donde cada palabra, melodía y armonía forman parte de ese tiempo que, entre luces y sombras, ha sostenido a la artista a lo largo de los años.

A través de 10 canciones, Ana Botero fusiona la calidez acústica del folk, la atmósfera expansiva del indie-pop y la profundidad de la música latinoamericana. Además, el álbum incorpora sutiles matices de sonoridades indias, creando un paisaje sonoro que invita a la introspección y la contemplación. Cada canción es un viaje en sí misma, pero todas convergen en un mismo destino: el tiempo que sostiene.

En ‘El tiempo que nos sostiene’ de Ana Botero cada canción cuenta una historia única. ‘Va a pasar’ es un mantra de esperanza que nos recuerda que todo es pasajero y que la vida sigue su curso. ‘Cambia’ invita a soltar el miedo al cambio con confianza y apertura. ‘Runaway’ es un susurro de libertad y una búsqueda interior, donde el deseo de escapar se convierte en una forma de encontrarse. ‘Prométeme’ es un canto íntimo de entrega a esa energía que todo lo permea y todo lo sostiene. ‘Tu cuerpo’ es una letra de amor desde la inocencia y la genuinidad, describiendo pequeños detalles donde solo el momento presente existe. ‘Sin filtro’ es una explosión de autenticidad, un recordatorio de vivir sin máscaras y desde la verdad. ‘I Am Here’ es una conversación con esa parte inmutable de nuestro ser, un recordatorio de que nunca es tarde para volver a casa. ‘Dueña de nada’ refleja la libertad interior y la comprensión de nuestra pequeñez en el universo, donde nada nos pertenece realmente. ‘Saber esperar’ es una reflexión sobre la paciencia y la confianza. Además, rinde homenaje a Carolyn Flechas, prima de Ana Botero, quien dejó un poema que hoy forma parte de esta canción. Finalmente, ‘Un pedacito’ (Versión Acústica) es un regreso a los inicios. Esta fue la primera canción publicada por la artista y, en esta versión íntima, le rinde homenaje con un nuevo arreglo que resalta sus raíces colombianas.

El álbum fue producido por tres productores: Nicolás Pucci (Argentina), Sergio González Aristi (Colombia) y Nicolás Sadovnik (Colombia). Además, cuenta con la colaboración de artistas como Thaissa, multiinstrumentista colombiana; Juan Pablo Camacho, bajista colombiano de Güaita; y David Sánchez, guitarrista colombiano y co-líder de Los Cotopla Boyz.

«Duré muchos años queriendo sacar este álbum, y parece mentira que finalmente haya salido. Ahora siento que puedo avanzar con otros proyectos; tengo muchas canciones esperando salir, pero necesitaba terminar y sacar al mundo este álbum. Este año sin duda será de mucha composición, producción y conciertos en vivo», comparte Ana Botero.

En video, Loy viaja en la máquina del tiempo y nos devuelve a los años más felices en ‘Yo no quería crecer’

La artista colombiana Loy inicia el 2025 con nueva música para todos sus seguidores. ‘Yo no quería crecer’ es el primer sencillo de una serie de cuatro lanzamientos que tendrá la cantante y compositora de Medellín durante los próximos meses, los cuales estarán apalancados con una fuerte presencia en medios de comunicación de Colombia y Latinoamérica y varias campañas interactivas a través de sus redes sociales.

‘Yo no quería crecer’ de Loy es una canción que nos regresa a la época donde éramos jóvenes o pequeños y todo se sentía más fácil, vivíamos la vida desde los sueños y las aspiraciones. Este sencillo es una «pataleta» al caos al que a veces nos enfrentamos como adultos, pero al mismo tiempo nos invita a abrazar a ese niño/niña interior que tenemos dentro para que nunca dejemos de soñar ni olvidemos cuánto hemos avanzado.

A nivel sonoro, el estilo de ‘Yo no quería crecer’ está inspirado en la época del rock pop con el que la cantante y compositora creció, evocando artistas como Avril Lavigne, Kudai, RBD, Belanova y Belinda.

«Es una canción que escribí en medio de sentirme abrumada por muchas cosas para las que la vida no te prepara y a medida que creces aprendes a lidiar con nuevas responsabilidades y expectativas. La hice dirigida a todas esas personas que nos sentimos así, pero que tenemos hermosos recuerdos de nuestra infancia. A veces solo tenemos que tomar una pausa para recordar lo lejos que hemos llegado y lo fuertes que nos hemos vuelto. Es una invitación a estar en contacto con nuestro niño/niña interior», comenta Loy.

El video de la canción cuenta la historia de un adulto cuya vida cotidiana la consume en estrés y frustración, pero su niña interior aparece para asegurarse que esté bien y para recordarle lo mucho que ha logrado en la vida y le deja claro que ser feliz es lo más importante. La niña interior le regresa la felicidad, el entusiasmo y la hace abrazar sus sueños y el proceso vivido.

‘Yo no quería crecer’ es perfecta para escuchar en cualquier momento en que el oyente lo sienta, puede ser después de un día largo, un viernes cuando vas al trabajo y no ves la hora de que se acabe la semana, cuando estés atravesando una situación de estrés o cuando sientas que estás saturado/a de un jefe o de colegas; cuando tengas una lista de pendientes que parece no tener fin, aunque también cuando estés cocinando con tus amigas o en el carro; en definitiva, cuando quieras una recarga de energía.

«Espero que esta canción llegue al corazón de miles de personas y que sea un refresco de una vibra más old school y que, a través de ella puedan soltar lo que sienten que está pasando en sus corazones», menciona la artista colombiana.

El diseño de la portada del sencillo se sacó durante el rodaje del video y plasma un momento de felicidad y amor de la Loy que es hoy con su niña interior.

Durante los próximos meses, Loy lanzará tres sencillos más los cuales irá revelando a través de sus redes sociales.

A Loy la encuentras en plataformas digitales como SOY LOY. https://links.altafonte.com/YoNoQueriaCrecer

[Lanzamiento] Atalhos muestra sus ‘Ondas de calor’

Letras evocadoras, melodías nostálgicas, guitarras distorsionadas y timbres aterciopelados son la mejor descripción de ‘Ondas de calor’, el nuevo sencillo de la banda de indie rock brasileña Atalhos que nuevamente mezcla de forma mágica la música y la literatura.

Recuperando las raíces rockeras de la banda y construyendo un paisaje sonoro con coqueteos seductores que van desde el shoegaze y el ruidoso hasta el dreampop característico presente en el universo de la banda, ‘Ondas de Calor’ es una llamado a soñar con el amor.

‘Ondas de calor’, el tema que sigue a su anterior lanzamiento ‘Ayer Morí’, presenta un poco más del universo del próximo álbum de la banda de São Paulo.

El estreno se produce una semana antes de los espectáculos que Atalhos presentará en Estados Unidos, primero en el festival neoyorquino The New Colossus Festival el 6 de marzo en Nublu, y luego en la misma ciudad el 9 de marzo en Pianos. Luego, el grupo pasará por Boston donde tocará el día 13 del mismo mes en The Lilypad.

‘Ondas de calor’ llega con un videoclip de tonos cálidos. Coloreando la canción, el video musical lo-fi muestra a la banda, formada por Gabriel Soares, Conrado Passarelli, Fabiano Boldo y Nico Paoliello, en su entorno natural: hacer sonido.

El guion, así como el montaje, está escrito por Gabriel Soares. La dirección es de Duo Cinza, la dirección de fotografía de Adriano Vanni, la dirección de arte de Tata Evagelidis, el color de Henrique Reganatti y el acabado de Zumbi Post. La asistencia de producción es de Gustavo Lot, la asistencia de fotografía es de Rafael Vieira y las fotografías son de Felipe Martins.

Atalhos, con más de una década de gira, tiene el deseo de estrechar su relación no sólo con los países latinoamericanos, sino también con la lengua española: de ahí que el sello del que forma parte, Costa Futuro, sea de Barcelona.

‘Ondas de calor’ es un paso más hacia el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, sucesor de ‘A Tentação do Fracasso’ (que les dio una gira mundial en 2022 con más de 50 shows en Brasil, Argentina, Estados Unidos y Europa), que se lanzará en 2025.

‘Soy yo’, una de las primeras canciones de reggaetón en Colombia, celebra 20 años

Se cumplen 20 años del aniversario de ‘Soy yo’ de la agrupación bogotana El Cartel, una canción que cuenta una historia, no solamente de amor y desengaño, sino que tiene la llave a la puerta que lleva al descubrimiento del inicio del reggaetón en Colombia.

Juan Manuel Cárdenas (Baby Daddy) nombrado así por el mismo Daddy Yankee; Wilmer Julián Beltrán (AO) en honor al streetballer Aaron Owens, y Jhon Rodríguez (DjJar) nos regalan un breve repaso en la historia de los comienzos de este género que al sol de hoy honra a Colombia, a su cultura, a su música y a su economía, con los artistas más grandes de la industria mundialmente.

Pasaba raudo el año 2004 cuando en Bogotá y en uno de sus barrios populares al sur de la ciudad se empezaba a crear uno de los primeros grupos de reggaetón en Colombia. Influenciados por una cultura hip hop propia de la época, éxitos como ‘Encoré’ de Eminem, ‘Get rich or die triyin’ de 50 Cent y ‘The Chronic’ de Dr. Dre dominaron el mundo gracias a su sonido, rebeldía, vestimenta y letras; llegando a Colombia para encantar a los jóvenes bogotanos, quienes querían verse permeados por esta cultura americana.

En 2003 Juan Manuel Cárdenas González del barrio el Quiroga y Wilmer Julián Beltrán Barón de Villa Mayor se conocieron en las primeras fiestas de reggaetón en la capital llamadas ‘Reggaeton Party’, en donde generalmente los días domingo, en forma de miniteka, se reunían los nuevos adeptos de este género convocados por emisoras de la ciudad para bailar, escuchar música y demostrar su talento con micrófono abierto o freestyles callejeros. Para este año llegaba a Colombia la primera oleada del reggaetón con artistas como Don Omar, Tego Calderón e Ivy Queen, ritmo que si no fuera por la separación del Canal de Panamá sería un género tan colombiano como la arepa.

Adolescentes rebeldes, con pocas oportunidades, pero ante todo líderes y con un gran corazón, debido a su conocimiento musical que para otros era nuevo, formaron su crew reclutando así a los que posteriormente serían los primeros fans y testigos del inicio de este grupo que tomaría por nombre El Cartel.

El Cartel fue uno de los primeros grupos de reggaetón en Colombia y de Bogotá. Conformados por Juan Manuel, Wilmer Julián, Juan Camilo y Alejandro Prieto, empezaron a darse a conocer en el país en donde el género ya venía tomando fuerza con agrupaciones en Antioquia, Valle del Cauca y la Costa Atlántica de Colombia.

Junto a la agrupación Yenexis Mc, El Cartel fue una de las agrupaciones pioneras de este género en la capital, creando obras de su autoría con su propia esencia, identidad y producción. Por estas épocas no era tan sencillo producir canciones propias de reggaetón en la ciudad, siendo esto un acto de valentía que en contra de todo pronóstico sacaron a la luz las primeras canciones de su autoría.

Canciones como ‘Ponle’ de Yenexis y ‘Soy yo‘ de El Cartel hacen parte hoy en día del memorable, multimillonario y extenso catálogo del reggaetón colombiano siendo de las primeras canciones que llegaron a ser radiadas y exportadas al mercado americano.

Luego de componer sus primeras canciones en los callejones del barrio el Quiroga y de estrenar su primer EP ‘Agresivo, bailable y enérgico’, El Cartel le apostó a una propuesta romántica con notas de desengaño hasta lograr ser firmados en 2006 por la disquera puertorriqueña Diamond Music, del productor Iván Joe reconocido por álbumes como 12 discípulos, en alianza con Flamingo Records, disquera colombiana que en sus filas ya tenía a artistas como Carolina Giraldo Navarro ‘Karol G’ quien en ese momento actuaba en un dúo llamado Karol G y Lil Slim.

‘Soy yo’, distribuida por Diamond Music, salió en el álbum ‘La invasión’ que se estrenó a nivel mundial en radios colombianas y de Estados Unidos gracias a la colaboración, gestión y apadrinamiento del que se convertiría en su mánager, amigo, director y productor, Carlos Osorio ‘Lito el Boricua’, ciudadano puertorriqueño que por esos años visitaba Colombia, siendo testigo del nacimiento de un género que él mismo vio crecer en las calles de su natal país. ‘Soy yo’ fue producida por Jhon Alexander Rodríguez (Dj Jar), compañero de fórmula de Juan Manuel y Wilmer, y con quien produjeron el EP ‘Son capital’. Este trabajo fue grabado en casa con los recursos básicos de tres adolescentes talentosos y soñadores, llegando a crear obras maestras del género como ‘Dame’, ‘Doggy Style’ y ‘Súbele presión’.

Astro presenta ‘Twilight’, una luz de esperanza en medio de la oscuridad

La boy band surcoreana, Astro, regresa con nueva música y presenta a nivel mundial ‘Twilight’, un sencillo lanzado en celebración de su noveno aniversario.

Esta canción habla de superar tiempos difíciles, encontrar fuerza en los recuerdos y abrazar los nuevos comienzos. Transmite un mensaje de esperanza y resiliencia, simbolizando la transición de la oscuridad a la luz en momentos difíciles. 

«Para Astro y para Aroha Starlighters, fanbase del grupo en Colombia, ‘resiliencia’ es la palabra que los define. La canción invita a brindar por los nuevos comienzos, transitando el camino de la superación con la luz que trae la aceptación de ese nuevo inicio», comenta Aroha Starlighters Colombia.

Desde su letra hasta su melodía, ‘Twilight’ puede interpretarse como una reflexión sobre las experiencias pasadas, tanto las buenas como las malas y cómo el aprendizaje las transforma en energía para seguir adelante.  Astro, con su estilo característico, construye un viaje musical de ascenso, recordando que incluso las emociones más oscuras pueden dar paso a momentos de claridad y fortaleza.

«‘Twilight’ es un mensaje de conexión y apoyo entre Astro y Aroha que ha permanecido y se ha fortalecido incluso en los momentos más difíciles. Genera una sensación de ilusión y la convicción de que las cosas siempre pueden mejorar, manteniendo presente el recuerdo de quienes formaron parte del camino, como Moon Bin, a quien la letra evoca como esa estrella que nos sonríe y acompaña desde el cielo», enfatiza la fanbase.

Un sonido envolvente, fusión de géneros y emociones en Twilight

Astro siempre ha destacado por su sonido único y refrescante, y Twilight no es la excepción. La canción fusiona pop, funk, synthwave y synthpop, con un groove que equilibra calma y energía. Su influencia funk aporta dinamismo, mientras la percusión ligera mantiene el interés. Los sintetizadores y efectos especiales crean una atmósfera futurista, evocando un viaje en el tiempo o el espacio. Las melodías suaves y susurros reflejan vulnerabilidad, mientras que las armonías vocales refuerzan momentos clave. Por ejemplo, resaltan la sensación de que el amor y la esperanza siempre están presentes, incluso en la incertidumbre. La progresión tonal, de menor a mayor, marca una transición emocional: inicia con melancolía e incertidumbre y, en el clímax, se eleva con fuerza, simbolizando renacimiento y luz.

El videoclip de Twilight como álbum de recuerdos

El videoclip de ‘Twilight’ se aleja un poco del estilo habitual de los videos de aniversario de Astro, que suelen mostrar momentos cotidianos y divertidos entre los integrantes. Aunque el concepto es distinto, mantiene la misma esencia orgánica. Con elementos que simulan garabatos en un cuaderno y las fotos en formato polaroid —extraídas de un Special Live Clip y de una cena de aniversario— (Contenido que puede encontrarse en el canal oficial de Astro), el video adopta la estética de un álbum de fotos personalizado. Esto refuerza la nostalgia y aporta dinamismo, creando la sensación de un collage en movimiento. 

Además, la letra, escrita a mano por los miembros de Astro, le da un toque más personal, mostrando una cercanía más madura, como si compartieran fragmentos auténticos de su día a día con Aroha.

Twilight, un nuevo amanecer y símbolo de sanación

‘Twilight’ simboliza el instante en que, tras la oscuridad, el sol comienza a salir. Es una metáfora del proceso de sanación y la promesa de un nuevo comienzo. Representa a Aroha, el amor incondicional que ha sostenido a Astro en los momentos más difíciles, la chispa de esperanza que los guía hacia un mañana más brillante. Su mensaje está dirigido tanto a sus fans como a cualquiera que atraviese un momento difícil. 

«Después de dos años de sanar a través de la música, de demostrar resiliencia y un amor increíble por Aroha, Astro envía un mensaje de seguir adelante y abrazar un nuevo comienzo tanto para Aroha como para el mundo. Su música siempre ha sido diferente y conectado con las emociones y experiencias de quienes la escuchan», menciona Aroha Starlighters Colombia.

Este mensaje se refuerza con el Special Live Clip lanzado recientemente, donde ‘Circles’ y ‘Twilight’ —canciones clave en la historia de Astro y Aroha— fueron regrabadas en un ambiente cálido y familiar, reflejando el vínculo inquebrantable que nos une tras todo lo vivido en 2023.  

Después de un 2023 marcado por desafíos, los aniversarios de Astro tienen un significado especial. En febrero, Rocky uno de los primeros trainees (aprendices) de Fantagio, dejó la empresa y el grupo. Luego, el 19 de abril, Moon Bin partió eternamente de este mundo, dejando un gran vacío en Astro y Aroha. Desde entonces, cada aniversario se ha convertido en un proceso de sanación donde Astro reafirma su gratitud, amor y compromiso con Aroha.

‘Twilight’ es un sencillo lanzado para el noveno aniversario de Astro, aunque aún no se sabe si formará parte de algún álbum.

Aroha Starlighters y su labor

Aroha Starlighters Colombia es una fanbase dedicada a difundir el trabajo de Astro en Colombia y a fortalecer una comunidad de seguidores que se apoyen y crezcan juntos.

Además de organizar actividades, la fanbase cuenta con un canal en Stationhead, donde la música de Astro suena 24/7 brindando un espacio de conexión para los fans.  

El 8 de marzo se llevará a cabo la Convención de Starlighters Colombia, un evento que reunirá a los fans de Astro y Rocky para compartir experiencias y celebrar su música. También busca impulsar los emprendimientos de los seguidores, dándoles espacio para presentar sus proyectos.

«Los fandoms de K-pop reúnen a personas con gran talento y corazón, quienes merecen un espacio para expresarse. Estamos convocando a todas las Arohas de Colombia, tanto antiguas como nuevas, para que se unan a trabajar por Astro y Aroha y demostrar que el amor por un artista también puede contribuir al país», concluyen.