Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.
‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.
«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.
Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.
La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.
El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.
«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.
‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.
Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.
«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.
La banda de hard rock colombiana Mad Dogs estrena en plataformas digitales su disco ‘Never Too Late’, una producción que condensa el trabajo de muchos años desde la fundación del grupo hasta la fecha en donde han recogido historias, emociones y sentimientos en canciones. El álbum es una declaración de intenciones, donde, a pesar de ser Colombia un país el cual los géneros tropicales tienen más aceptación o que algunos dicen que el rock está muerto, para Mad Dogs está vivo.
El disco, producido por Oscar Javier Romero (Killcrops, Arzen) en On Axis Estudio y Mix Factory Estudio, mezclado y masterizado por Matthias Krieger en Pocket Audio, cuenta la evolución musical, iniciando con su lado festivo y rockero y avanza a un lado sensible a través de power ballads, llegando hasta una pieza progresiva. La composición de las letras es sobre temas complejos como: la dominación colectiva por el sistema actual, la renuncia a la libertad de manera voluntaria e inconsciente, las luchas internas y el desamor.
«Seguimos apostando por hacer hard rock en pleno 2025 recogiendo los tintes clásicos, pero con un sonido moderno. Nunca será tarde para hacer rock y que las nuevas generaciones tengan más y mejores opciones de música. Es un álbum para aquellos que se enamoraron de la música en vivo pero tocada de verdad, por humanos, busca inspirar a los que se enamoraron de este género, los que se rehúsan a dejarlo morir y los que pretenden construir una industria alrededor del mismo, donde el arte permita ser una forma de vida y de sustento. Narramos historias personales y reales de amor (o dolor), incluso de aspectos existenciales de la vida misma, sin dejar de lado que también la música debe divertir y que la vida es y debe tener su momento para celebrar», comenta Mad Dogs.
‘Never Too Late’, nombre homónimo del disco y primer sencillo del álbum de Mad Dogs es un himno; el grito ante el mundo donde se ratifica que no importa lo que digan, tú eres lo que haces y solo serás libre cuando sigues tus principios. ‘The way of the rocker’ es el camino para llegar al rock y la historia de cómo te convertiste en rockero, ‘Grabado en mi piel’ es cuero y látex; el lado oscuro del amor y la lujuria. El rock n’ roll es erotismo y sexualidad, siempre. ‘Stay through the night’ es amor, sensibilidad, dulzura y poesía; ‘Rock is on fire’ es una sensación de que el rock arde dentro de nosotros y por eso creemos a muerte en lo que hacemos. ‘Fear the world’ habla de la consciencia. El rock es y será antisistema y se enfrentará a todo método de dominación que quiera llevarse tu libertad. ‘Demons’ es la dualidad… donde hay luz, hay oscuridad, vive dentro de cada uno, pero cada quien elige quien quiere ser. ‘My love doesn’t need my pride’ habla del drama, es una historia personal y real… de amor. ‘Sabueso’ es el regreso a la fiesta, a la eterna juventud del rock; ‘Love born dead’ porque cuando se es el otro en el amor… duele.
«Es un disco perfecto para escuchar cuando quieras subir la mala onda o simplemente llenarte de energía. También cuando estás en uno de esos días de «malparidez existencial», tristeza o incluso odio. Las canciones de Mad Dogs siempre te van a subir el ánimo», agrega la banda bogotana.
‘Never Too Late’ es el álbum que consolida la propuesta de Mad Dogs en Colombia. Es el primer paso firme para tener un reconocimiento en Latinoamérica y así conquistar nuevas audiencias y tarimas a nivel nacional e internacional.
El borrador de la portada del disco fue diseñado por Germán Ducón y Fabián Martínez, y fue finalmente diagramada por Camilo Beltrán (@anglcam) usando la técnica Matte Painting, que consiste en realizar un montaje digital para recrear paisajes, espacios y escenas. La imagen pretende mostrar la realidad del rock desde sus inicios y es que siempre se ha enfrentado a un mundo agresivo y dominador, que busca someter a las personas a través de distintas hegemonías políticas, estéticas y religiosas, acompañado de la tiranía del paso del tiempo. Mad Dogs se levanta con su música y se enfrenta a todo lo que te quiera someter y quitar tu libertad, dejando un mensaje claro de lucha, pero sin olvidar que el rock debe ser para divertir y disfrutar.
2025 ha sido un año muy movido para Mad Dogs, estuvieron nominados a los premios Monster Music Awards 2025 en México como Mejor artista rock y se presentaron el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte del show central de los premios, siendo la primera vez que una banda de rock colombiana lograra este hito. Además, la banda fue elegida por la banda norteamericana W.A.S.P para ser su acto de apertura en su concierto histórico de los 40 años de su disco debut homónimo, el pasado 27 de abril en el Teatro Royal Center en Bogotá, ante más de 2.500 fanáticos y los medios asistentes. Para el segundo semestre de 2025, el grupo realizará una serie de conciertos promocionales del álbum en Bogotá, a nivel nacional y prepara una gira internacional en países como Panamá y México. Las fechas aún están por confirmar.
«La escena rock en Colombia ha crecido exponencialmente en los últimos 20 años, posicionándose como una de las de mayor potencial en Latinoamérica respecto a la calidad de sus bandas. El público colombiano aún es reticente a apoyar lo nacional, pero es más por desconocimiento que por falta de calidad. Esta es una razón suficiente para que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco ‘Never Too Late’, una vez lo hagan, sabrán que tenemos razón.
Hoy las bandas nacionales, con la correcta producción y apoyo en cuanto logística y montaje, pueden sonar tan poderosas como cualquier acto internacional; por eso es necesario apoyarlas para su financiación y el público es clave. Si el público gastara lo que invierte en conciertos internacionales en bandas nacionales sería una diferencia enorme. Es hora de dejar de vernos como enemigos por ser colombianos y entender que lo nacional merece una oportunidad como sucede en otros países de la región como México, Argentina o Estados Unidos», concluye Mad Dogs.
El sencillo que acompaña el lanzamiento del álbum ceremonial ‘El Guardián de la Noche’ de Chigasumanda es un puente entre la sabiduría ancestral del yagé y la experimentación sonora y visual contemporánea.
El colectivo Chigasumanda presenta su primer trabajo discográfico: ‘El Guardián de la Noche’, un álbum ceremonial que nace en el corazón del Putumayo, bajo la guía del taita Humberto Díaz, discípulo del legendario taita Querubín Queta. Este lanzamiento tiene como propósito principal preservar, honrar y compartir la sabiduría ancestral del yagé a través de la música, en un momento en que las tradiciones indígenas enfrentan amenazas culturales, sociales y ambientales.
El disco se estrena con el sencillo ‘La Ortiga’, en colaboración con el productor musical Juan Carlos Pellegrino y la artista visual Vanessa Gocksch, reconocidos por ser fundadores de Systema Solar, una de las agrupaciones más influyentes de la música alternativa en Colombia.
‘La Ortiga’ es una pieza onírica que busca abrir nuevos encuentros con la medicina del yagé, conectando la tradición espiritual con dimensiones sonoras y visuales contemporáneas», comenta Pellegrino.
El Guardián de la Noche: un testimonio musical del legado indígena
‘El Guardián de la Noche’, una historia de vida convertida en álbum que narra, a través de la música, las memorias del taita Humberto Díaz: su crianza en Jardines de Sucumbíos junto al taita Querubín, su paso por comunidades cofanes como Bocanas de Luzón, y su conexión profunda con la selva y el misterio de la existencia. El disco es un reflejo de lo que es una noche de ceremonia con el Taita Humberto Diaz. Las temáticas giran en torno a la espiritualidad, el respeto por la naturaleza, la sabiduría ancestral y el llamado a las nuevas generaciones para que se reconecten con sus raíces.
‘El Guardián de la Noche’ es más que un álbum: es un viaje sonoro durante una noche de ceremonia con yagé. Grabado con técnica binaural, el álbum recrea una experiencia inmersiva en 360 grados que transporta al oyente al interior de una ceremonia. El oyente, con audífonos, puede percibir la espacialidad de los cantos, los sonidos de la naturaleza y la selva viva. El álbum fue grabado por Juan Carlos Pellegrino, productor musical colombiano, que comenzó a tomar Yage desde el 2017 con Taita Humberto, y después de varios años se obtuvo el permiso para grabar al Taita Humberto en el espacio de una ceremonia.
Canción por canción de ‘El Guardián de la Noche’ de Chiga Su Manda
‘Cura yagé’ es un canto ancestral que hacen los taitas para conjurar la medicina de yagé, ‘ Armonica «La chuma»‘ es un viaje por las notas musicales que se transforman en colores; es armonía para el alma. ‘Jardines de Sucumbíos’ está dedicada al maestro, el abuelo Querubín; ‘Selvas del Amazonas’ es una dedicatoria al pueblo cofán, ‘La Ortiga’ es un canto de medicina natural, ‘Putumayo tierra hermosa’ es el himno de la medicina del yagé, ‘Qué lindo amanecer’ habla del color de la selva y sus cantos, ‘Padre Bendito’ es una alabanza a Dios, ‘Mis abuelos me enseñaron’ está dedicada a los taitas del Putumayo y el cierre ‘Armonica «Pinta Yage» ‘ es para llamar la pinta del yagé.
«Este disco es una ofrenda, un llamado a las nuevas generaciones a reconectarse con sus raíces. Es un mensaje de paz, sanación y respeto por la vida», afirma el taita Humberto Díaz.
‘La Ortiga’: canto medicina convertido en pieza audiovisual
‘La Ortiga’ es uno de los cantos más poderosos del álbum, dedicado a una planta sagrada usada en procesos de limpieza energética y física dentro del contexto ceremonial del yagé. En esta nueva versión, Juan Pellegrino transforma el canto original en una escultura sonora, resaltando los sonidos originales y agregando elementos electrónicos que acompaña con sutileza.
El videoclip, dirigido por Vanessa Gocksch (también conocida como Pata de Perro), fue grabado durante una noche de ceremonia en Chigasumanda. Con una mirada profunda y simbólica, Gocksch retrata el misterio, la belleza y el poder de la noche Yagecera, combinando estética ritual con sensibilidad cinematográfica.
«Quise dejar que la selva hablara, que el fuego, los cantos y las plantas nos guiara visualmente, sin imponer una narrativa. El video es un retrato de la experiencia sagrada que vivimos esa noche y el espacio de Chigasumanda en el Putumayo», dice Gocksch.
Chigasumanda: música medicina al servicio de la memoria espiritual
Chigasumanda es una asociación sin ánimo de lucro compuesta por tomadores de yagé que, bajo el liderazgo del taita Humberto, buscan preservar y visibilizar la tradición espiritual andino-amazónica. Su nombre significa en idioma cofán ‘Dios Manda’, y refleja la visión de un camino guiado por la divinidad, la naturaleza y el respeto profundo por los mayores sabedores.
La asociación trabaja con el Yagé y se abre ahora al uso de herramientas contemporáneas —música, grabación binaural, arte visual, redes sociales— para crear puentes entre la espiritualidad indígena y el mundo moderno. Su misión es sembrar conciencia sobre la importancia de proteger la selva, escuchar a los pueblos originarios y recuperar el vínculo espiritual con la madre tierra.
«Este proyecto no busca fama ni espectáculo. Es una memoria viva para las futuras generaciones, una invitación a recordar que la vida es sagrada», concluye Pellegrino.
Este lanzamiento cuenta con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes en el marco de Programa Nacional de Estímulos 2025.
El poeta y artista visual colombiano John Arango está de regreso con nueva música y hoy presenta ‘Impersonal’, una canción que lo retrata tanto como persona como artista.
Con ‘Impersonal’ el artista busca aceptarse tal como es, incluso en sus contradicciones. Utiliza la sátira como escudo y también como lanza. Se burla de las etiquetas, de los juicios, de las miradas que intentan reducirlo o encasillarlo. Se ríe de lo malo que puedan decir de él y celebra todo lo que es, aunque no encaje, aunque incomode. En ese gesto hay fuerza y, sobre todo, libertad.
«He escrito poemas y canciones durante años, inspiradas en situaciones, pérdidas, triunfos y personas que han dejado una huella en mí. Pero esta canción es distinta. Es la pieza que mejor me retrata, es una catarsis, un estallido sincero de todo lo que durante mucho tiempo llevé dentro», cuenta John Arango. ‘Impersonal’ habla de mí, de un ser humano fracturado, incómodo, feroz y profundamente honesto. De alguien que no encaja —y que ya no pretende hacerlo—. Es una exposición cruda de lo que soy, sin máscaras ni filtros, pero también un acto de autoafirmación: no busco aprobación, pero tampoco me escondo», agrega el artista paisa.
Siguiendo la misma línea de su anterior sencillo ‘Rojo Carmesí‘, ‘Impersonal’ llega con un sonido irreverente de rock, pero esta vez con una energía más alegre y vital. Tiene coros melódicos, interpretados —una vez más— por Alem y Cristian López, y en esta ocasión, John Arango también se atrevió a sumarse con su voz en algunas partes.
«Esta canción, en particular, me recuerda por qué amo tanto el rock. Su fuerza, libertad y capacidad de decirlo todo sin pedir permiso. Siento que Lelo Arango, productor de la canción, logró algo muy especial: le dio a esta pieza el sonido que he estado buscando por años. El sonido de «la bestia», ese alter ego poético que ha habitado mis letras desde siempre», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ cuenta con un video íntimo y personal. Desde muy joven, John Arango sintió cómo a su alrededor le intentaban imponer una idea rígida y parca de la masculinidad. En medio de ese intento por «ser un hombre», terminó improvisando. ‘Impersonal’ nace de esa lucha interna y de esa improvisación continua.
Según John Arango, «el concepto del video es sencillo y al mismo tiempo poderoso: mi mente es como un video de rock de principios de los 2000. Cada imagen proyecta mi universo interior, como un collage sensorial donde la realidad se entrelaza con la imaginación. Es una secuencia de percepciones fragmentadas pero conectadas, que construyen un viaje simbólico más que una narrativa lineal. Apostamos por locaciones minimalistas, espacios cotidianos que se transforman en paisajes oníricos. Lo impersonal se vuelve íntimo. Visualmente, nos inspiramos en los videos de bandas de rock de finales de los noventa y comienzos del milenio: una estética vibrante, con una fotografía que evoca el grano del 35mm y una paleta de colores brillante, casi nostálgica».
Este video es una exploración simbólica que desafía los cánones tradicionales de identidad y masculinidad. El artista reinterpreta su existencia desde la autenticidad y la rebeldía. La realidad y la imaginación se mezclan para cuestionar los modelos de belleza, las normas de lo masculino y las percepciones sociales sobre identidad y orientación sexual.
Para John Arango fue importante integrar a Alem al video como artista invitado, ya que él ha sido un alcahueta con todo lo que respecta a su álbum. Ha sido su compañero fiel en esta aventura, así que también es cómplice en el universo de Impersonal. Así como canta en los coros, también aparece en el video como un artista con el que se siente a la par; alguien a quien admira profundamente.
En este universo visual, ser impersonal es una defensa contra la crítica, un escudo frente a las etiquetas impuestas. Pero también es un manifiesto de libertad. El video culmina en un acto celebratorio, con personajes diversos y una energía que reafirma su mensaje central: ser uno mismo no debería depender jamás de la mirada ajena.
«La inspiración detrás de ‘Impersonal’ nace de mi experiencia enfrentando los moldes impuestos. Es una catarsis visual y sonora que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual. Va dirigida a quienes alguna vez sintieron que no encajaban, a quienes se atreven a ser auténticos pese al juicio ajeno. Mi mayor deseo es que la canción conecte con quien necesite escucharla. Si logra inspirar a alguien a sentirse libre y orgulloso de ser quien es, ya habrá cumplido su propósito. Con mi arte no busco masividad, sino conexión genuina», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ es el segundo sencillo del nuevo disco de John Arango titulado ‘Desde la sangre’, un proyecto experimental donde mezcla poesía con rock, coros melódicos y muchas emociones personales. Aún no hay una fecha exacta de lanzamiento porque el cantante quiere que cada sencillo tenga su propio universo antes de soltarlo completo.
«Esta canción es ideal para esos momentos en los que necesitas recordarte quién eres, cuando te sientes fuera de lugar o simplemente quieres ser tú sin filtros. Es perfecta para escucharse con el volumen alto, en un día de liberación, rebeldía o catarsis. También cuando te quieras reír de lo que otros opinan y abrazar lo que realmente eres», menciona el artista.
La portada del sencillo, producido por Lelo Arango en Volta Estudio, es una imagen de Santiago Piedrahita que muestra una expresión honesta de John Arango. El azul, en este contexto, representa esa calma que aparece en medio del caos, esa introspección en medio del ruido. Es una mirada azul y directa que conecta con el espíritu del video: vulnerable pero firme, confusa pero libre.
«Durante 2025, mi enfoque principal es ‘Impersonal’, seguido de dos sencillos más y finalmente el álbum completo en el último trimestre del año. Quiero seguir produciendo videoclips potentes, no solo para amplificar el mensaje, sino también para retarme a nivel visual y seguir creciendo como artista integral. Cada lanzamiento será una oportunidad para explorar nuevas ideas y narrativas que reflejen lo que realmente quiero comunicar», concluye John Arango.
Luego de presentar los sencillos ‘Ayer morí’, ‘Ondas de calor’ y ‘Delirios en Paraguay’, la banda de indie rock brasilera Atalhos presenta oficialmente su nuevo disco ‘A Força das Coisas’, el quinto en su carrera y el más autobiográfico de todos.
Durante los 35 minutos del disco, el oyente es invitado a viajar con Atalhos a través de la memoria y la atmósfera onírica de canciones que hablan de rupturas, y términos de relaciones que se transforman en potencia y persisten en la «fuerza de las cosas». Sus canciones son evocativas, reflexivas, inspiradoras y soñadoras.
«‘A Força das Coisas’ es un álbum dirigido a todos aquellos que tuvieron que atravesar rupturas difíciles y que supieron crear e inventar nuevos caminos posibles para seguir adelante hacia nuevos sueños», cuenta la banda originaria de Sao Paulo.
El sonido característico de Atalhos en ‘A Força das Coisas’ es el dreampop rutero, guitarras con mucho reverb, baterías y drum beats como si fueran una larga recta de una ruta, y dulces melodías vocales que unidas a nubes de teclados y sintetizadores forman una atmósfera evocadora de memoria y sueño.
‘A Força das Coisas’, sencillo promocional del disco, es una canción que habla de un reencuentro de una pareja después de muchos años de distancia. La historia es sobre un momento luminoso generado a través de un encuentro casual y el darse cuenta de que toda la potencia del amor persiste y no se desvaneció a pesar del fin de la relación, solo que se transformó en fuerza y ahora vive en todas las cosas.
«El momento ideal para escuchar el nuevo álbum de Atalhos es cuando estamos soñando despiertos. Nuestros ojos están fijos en un objeto, pero nuestro pensamiento está lejos, muy lejos. Cuando sentimos que nuestra memoria está dominando nuestro pensamiento y estamos viajando a través de escenas e imágenes que no sabemos distinguir más la realidad, bueno, este es momento ideal para escuchar el disco», enfatiza la banda.
«Esperamos seguir construyendo un camino lindo por Latinoamérica, tenemos dos participaciones hermosas de artistas amigos, uno es la banda El Culto Casero de Paraguay y la otra es Antonia Navarro de Chile. El disco sale junto a un anuncio de una gira importante con más de 20 shows por Brasil y países latinos, además de fechas ya confirmadas para una temporada en Europa a principios de 2026», agrega Atalhos.
La portada del disco es una foto sacada en un estudio durante una grabación y tiene todo un aspecto misterioso de una sombra, algo que remite a la memoria, los sueños y al hecho de que no se puede identificar la persona en la portada también abre puertas a la imaginación.
https://youtu.be/m_WW9qO6NvM
«Vamos a tener muchos conciertos en los próximos meses, la idea es después reunir las mejores fechas y armar un compilado para sacar un EP en vivo en 2026», señala el grupo.
‘A Força das Coisas’ de Atalhos es un disco inspirador y consciente de lo absurdo de la vida, de la inevitabilidad de la muerte y del final de las relaciones, pero sobre todo es un disco que genera mucha potencia, que invita a abrazar las transformaciones de la vida y a atravesar momentos difíciles para finalmente abrir nuevas puertas y vislumbrar nuevos horizontes, nuevos comienzos.
Si manifestar es real, Ha$lopablito lo hace con todos los juguetes en el segundo sencillo de su álbum venidero con Pocket Tincho. ‘Tengo un sueño’ es un manifiesto aspiracional y una predicción de éxito musical. Al mejor estilo de Tony Soprano, Pablo tiene un sueño revelador: existe un futuro utópico en el que ‘coronó’ a punta de música.
La canción es una radiografía de sus anhelos más personales. Una producción mística que celebra el éxito futuro de ha$lopablito, en el que nos relata todo lo que logró gracias a la música. Sobre un beat perfecto para flexear, el artista colombiano se sumerge en detalle en todo lo que logró hacer gracias al dinero conseguido por una carrera musical triunfal.
‘Tengo un sueño’ fue escrita por ha$lopablito (Pablo Jaramillo Cavallazzi) y si bien, en gran parte es aspiracional y pone en palabras un futuro próspero, celebra el presente y el camino recorrido hasta ahora. Fue producida por Pocket Tincho quien también será el productor del nuevo álbum. La mezcla y masterización fue hecha por William Vizcaino.
‘Tengo un sueño’ sigue dibujando el universo de SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO. El oyente puede ir trazando el hilo conductor del proyecto y puede hacerse una idea de la temática de todo el disco.
«Se acerca el lanzamiento de mi tercer disco: SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO, quizá mi proyecto más personal hasta la fecha, un ‘baldado’ de realidad en el que convergen diferentes emociones, anhelos y miedos. Su hilo conductor es el dinero, un lugar común del que nadie se cansa de hablar, pues media, limita e intercede nuestra vida en todas sus dimensiones», explica ha$lopablito.
La historia detrás de la canción
«Se me ocurrió la idea de hacer una canción como las que hacen los artistas que ya están pegados. En estos temas de celebración hacen una apología a ese camino del héroe que logra su objetivo luego de una tortuosa odisea. Generalmente presumen sus pertenencias materiales y poder adquisitivo por medio del recurso de poner en comparación su situación de escasez antes de haberla logrado. A pesar de que no la he logrado, un día me puse a imaginar qué haría si tuviera mucha plata gracias a la música y de ahí nació la canción. Por ahora es un sueño.
La canción se sitúa en un sueño de hace un buen tiempo, en el que tampoco hubiera podido saber el camino que ya he recorrido. Desde que tengo memoria me apasionaba la idea de ser cantante. El sueño que tengo también narra mi presente, cosa que el Pablo de ocho o nueve años tampoco sabía. Para terminar el tema y que concluyera la ambientación de ser un sueño, le pedí a mi mamá que me enviara un audio despertándome como cuando era pequeño. Toda la vida he tenido un sueño muy pesado y eso fue un motivo de bastante estrés para ella en mis tiempos colegiales», concluye ha$lopablito.
El músico colombiano David Mora ha tenido un 2025 lleno de música. El artista de la ciudad de Medellín ha mostrado durante el primer semestre canciones que estuvo trabajando el año anterior con el objetivo de seguir aprendiendo, compartiendo con músicos increíbles y conectando a través del arte con amigos, familiares y seguidores del proyecto que disfrutan sus canciones tanto como él.
Hoy, David Mora nos sorprende con tres nuevos lanzamientos que ingresan directamente a su catálogo musical: ‘Mi historia’,‘Cuánto te quiero’ y ‘Olvido y tiempo’.
‘Mi historia’, su primer lanzamiento del año, es una canción que da las gracias a todas las personas que se han ido sumando como audiencia en el proyecto. La particularidad de este sencillo es que el formato es con una guitarra resonador, una tabla de lavar (washboard), dedales, campanita de hotel, corneta de bicicleta, vibra slap, pandereta, cajón peruano, cucharas y cualquier cosa con la que David Mora y su equipo pudieran hacer ruido.
«Textualmente dice que para todas las personas que me escuchan voy a seguir cantando, hasta que se gaste la voz, con y sin errores, pero con todo el amor», cuenta el músico.
El segundo sencillo de 2025 es ‘Cuánto te quiero’, un tema en colaboración con el artista Monopop que habla de esas veces que no decimos todo el tiempo cuánto amamos a una persona, pero que, aunque no lo digamos, recordamos a la persona todo el tiempo y es una forma bonita de decir algo así como: «mira así no te lo diga, quiero que sepas que pienso mucho en ti y que te quiero mucho». Musicalmente es muy entretenida, tiene influencias de los artistas de bluegrass como Billy Strings y Trey Hensley quienes inspiraron a David Mora a escribir una guitarra en este estilo tan demandante.
«La letra aparece por que tiendo a ser un poco seco en el día a día y en alguna conversación con mi esposa fue una pregunta que me hizo, entonces escribí esta canción para explicar un poco cómo era la cosa», menciona. «El bluegrass es un formato muy interesante, se toca con una orquesta de cinco cuerdas (Contrabajo, Banjo, Mandolina, Violín y Guitarra) y quisimos respetar el estilo», agrega.
Su nuevo lanzamiento es ‘Olvido y tiempo’, un antojo musical que nació cuando David Mora escuchó el concierto de Andrés Cepeda hizo con guitarra y voz en el Teatro Colón. La temática de la canción es un despecho. Uno de los amigos de David pasaba por una ruptura amorosa y muchas de las palabras que le decía se convirtieron en la letra de la canción.
«Soy un fan del trabajo de D’artagnan (guitarrista de Andrés Cepeda), así que me propuse fusionar mi estilo blues rock con un poco de boleros latinoamericanos. La interpretación la hice en una guitarra con cuerdas de nylon (como debe tocarse el bolero) y fue todo un reto tocar lo que yo llamo «la guitarra difícil»», puntualiza el músico.
David Mora reunirá estas canciones y sus próximos lanzamientos en un disco, el tercero en su carrera, de múltiples formatos como blues rock, big band, country rock y guabina bebop.
«Ya tengo toda la música, pero aún no me decido por un nombre. Me gustaría llamarlo formatos, pero creo que es un poco académico llamarlo de esa forma.
David Mora está muy contento con un formato de conciertos que inició el año pasado denominado Cantautores y ya va por la tercera edición. Es un festival de 5 artistas donde en dos horas y media se muestra música original en un formato reducido de guitarra o teclado y voz.
«Tengo la causa perdida de recuperar la palabra cantautor como persona que hace canciones y las canta, no necesariamente como un género musical. Muchos de los artistas que hemos tocado en el festival somos artistas rock o pop y no tenemos nada que ver con los sonidos o las temáticas propuestas normalmente en el género al que se le atribuye este nombre», replica el artista.
David Mora tiene la firme intención de seguir creciendo, llevando su música a más personas y lugares. Está más interesado en conectar con las personas y que los que escuchen su propuesta sientan algo especial, así ese algo no sea bonito, pero la música debe hacerte sentir algo.
«No estoy tan preocupado por hacer parte de una tendencia, escribo música para aprender, para compartir y escribo sobre todo lo que me pasa y veo que le pasa a las personas que quiero. Tengo música para maridar con un buen trago, para ir en el tráfico, para bailar (soy un defensor de que todas las músicas se pueden bailar, de hecho, el jazz, el blues y el rock and roll eran músicas bailables y de fiesta, parece que lo olvidamos), o para enamorarnos. La música es una bonita forma de acompañar nuestra vida», concluye David Mora.
El artista bogotano Matiesi regresa con una canción que habla directo al alma. ‘Contando las horas’ narra una historia de amor a distancia y las emociones que produce el reencuentro.
Con un sonido pop que mezcla guitarras suaves y toques de sintetizadores inspirados en los 80, el sencillo se inspira en los que esperan y creen que el amor siempre encuentra el día y el lugar apropiados.
La canción, que fue escrita por Matiesi (Nicolás Espitia), se grabó y produjo en Bogotá bajo la dirección musical de David Useche (teclista de la banda Lika Nova) y fue masterizada por Carlos Silva.
«‘Contando las horas’ habla de la perseverancia que debes tener para superar las dificultades de un amor a distancia, así como las emociones y sentimientos cuanto te reencuentras con una persona que amas, pero que hace un tiempo no ves», explica Matiesi.
De esta forma, Matiesi presenta el tercer capítulo de una historia de amor a distancia y de una pareja, que, a pesar de las dificultades, espera con paciencia el momento de volver a estar juntos.
El videoclip se rodó en La Vega (Cundinamarca – Colombia) bajo la dirección de Laura Mojica Moreno (@la_que_escribe), quien ha sido la productora audiovisual detrás de todo el proyecto musical de Matiesi, logrando, entre otras cosas, varias nominaciones a festivales.
La canción cuenta la historia de un amor a distancia y una pareja se separó por un tiempo, pero ha llegado el momento de verse de nuevo. Desde lo audiovisual, se usa la metáfora de los niños que crecieron juntos y sintieron una fuerte amistad y que se reencuentran con los años.
«Es la primera vez que grabamos un video con niños y así mismo, era la primera vez que los niños se enfrentaban a las cámaras… Fue algo muy especial», comenta Matiesi.
Ariel Tobo es un artista colombiano de la ciudad de Bucaramanga que cree profundamente en el poder de la música para transformar, para sanar y para acompañar los procesos humanos. Como persona, es un observador del mundo, un educador que trabaja con niños y jóvenes desde la sensibilidad artística. Como artista, es el resultado de muchos caminos: del jazz que estudió en la UNAB, de los boleros y la salsa que cantó en tarima, y del rock y el blues que descubrió en la universidad gracias a sus compañeros de guitarra y a los profesores que le abrieron los oídos y el corazón a nuevas sonoridades. Ese cruce de géneros lo definen como un artista que le gusta caminar entre lo clásico y lo contemporáneo, y entre lo técnico y lo visceral.
«A través de mis canciones quiero decir que el amor, el dolor, la nostalgia, la esperanza y la transformación son experiencias universales. Que no hay que tener miedo de sentir ni de decir lo que nos pasa por dentro. Mis canciones invitan a mirar hacia adentro, a abrazar lo vivido y a seguir adelante con el alma un poco más ligera», cuenta el músico colombiano.
‘Hasta el final’ es lo nuevo de Ariel Tobo, es una conversación interna. Es un diálogo entre dos voces que habitan dentro de un personaje: una que no quiere soltar, que sigue aferrada al recuerdo de alguien que ya tomó otro rumbo, y otra que grita por dentro, que pide soltar, que suplica volver a la vida, disfrutar el presente, reconocer que hay cosas más importantes que por el dolor han quedado invisibles. La canción aborda el duelo emocional, el apego, la lucha interna y la necesidad urgente de sanar, dentro de todo eso es también un mensaje de lucha interna constante.
‘Hasta el final’, grabada por Ariel Tobo (voz y guitarras), Jorge Ortiz (piano y sintetizadores), Hernán Lezama (bajo) Leonardo Parra (batería), es una exploración del blues rock contemporáneo, con una base sólida de batería y bajo, guitarras que dibujan melodías con sentimiento, un solo que canta desde el alma y texturas sutiles de sintetizadores que aportan profundidad emocional. La voz está al frente, con intención, sin artificios.
«‘Hasta el final’ nació de un momento de crisis personal. De estar frente al espejo emocional, reconociendo que por más que uno quiera algo, a veces hay que dejar ir. Va dirigida a todos los que han tenido una lucha interna entre quedarse o soltar. A los que se sienten partidos por dentro, pero que saben que tienen que elegir volver a vivir», enfatiza Ariel Tobo.
«Más que números, quiero generar conexión. Espero que esta canción llegue a personas que necesiten escucharla justo en el momento en que se están preguntando si seguir aferrados o dejar ir. Es un paso más en el proceso de consolidar un proyecto que cree en la música como espejo emocional», menciona el músico. «Espero tocar fibras. Que alguien diga: «esta canción soy yo ahora mismo». Quiero que mi música acompañe procesos reales. También espero que este lanzamiento me permita seguir abriéndome camino en la escena musical independiente de Colombia y Latinoamérica», agrega.
‘Hasta el final’, producida por Ariel Tobo y Juan J. Ortiz (mezcla y master), y grabada en Juan J. Ortiz Estudio, es una canción ideal para las noches silenciosas, los regresos a casa, los momentos en que se necesite entender lo que se siente. También para cuando se toma un café pensando en lo que fue, o cuando se está en carretera y el alma va manejando.
‘Hasta el final’ hace parte del disco debut de Ariel Tobo titulado ‘Jet Lag’ que se lanzará en septiembre de 2025. El álbum es un viaje emocional: habla de lo que queda después de amar, del desarraigo, de la búsqueda de sentido, del insomnio emocional y de los reencuentros consigo mismo. Incluirá 10 canciones, entre ellas ‘El Viaje’, ‘Hasta el final’ y ‘Tu Silencio’, que saldrá en julio. Cada tema es una estación de este viaje, una conversación íntima en medio del ruido.
La portada de ‘Hasta el final’ muestra a Ariel Tobo caminando solo, guitarra al hombro, como quien va dejando atrás una historia que dolió. Es un retrato sencillo pero poderoso: ese momento en que uno decide soltar, aunque cueste, y seguir adelante. La hicimos con Casa Liminal y fue tomada por Julián León, cuidando cada detalle para que se sintiera honesta. La luz, el camino, el silencio del entorno… todo habla de un diálogo interno, de esa voz que te dice: «vuelve a la vida».
En julio, Ariel Tobo lanza ‘Tu Silencio’, una canción muy honesta. Aunque la letra es emocional y habla desde lo más profundo, el sonido es fuerte, con una base rockera que le da carácter. No es una balada suave, es una canción que dice las cosas de frente, con energía. Es como cuando uno se cansa de callar y por fin lo dice todo. Luego, en septiembre, llega el álbum completo ‘Jet Lag’, con 10 canciones que hablan de momentos de confusión, decisiones difíciles y cambios personales. Para cerrar el año, Ariel planea una serie de conciertos pequeños y cercanos y un mini documental del proceso creativo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme y descubrirme en Colombia y Latinoamérica porque lo que hago viene desde un lugar genuino. Porque mi música no es una fórmula: es una carta abierta, una confesión con acordes. Porque represento a muchos artistas que creen en el arte como lenguaje humano, no solo como industria. Y porque en medio de tanto ruido, creo que es valioso escuchar algo que viene desde el alma y va directo al corazón», concluye.
La Reforma es una banda colombiana que nació hace 13 años con una visión clara: fusionar de manera innovadora el folclor colombiano con nuevos ritmos y lenguajes sonoros. Surgió como una necesidad artística y cultural, no solo musical, de crear un puente entre lo tradicional y lo contemporáneo. El proyecto está integrado por Christian Lacouture (voz principal), Sergio Lacouture (guitarra eléctrica), Daniel Reyes (bajo), Jhonatan Lacouture (batería), Jesús Sierra (percusión) y Fabián Dada (piano y sintetizadores), músicos que, más allá del virtuosismo, entienden que la música tiene el poder de mover una generación entera.
La Reforma tiene una propuesta tanto social como folclórica. Su música busca conectar al oyente con sus raíces, recordándole que la identidad cultural no es algo del pasado, sino un poder vivo que puede transformar realidades. No es solo entretenimiento, es expresión, memoria y resistencia. La Reforma eleva la voz del pueblo con sonidos que despiertan orgullo, conciencia y ritmo. La Reforma es herencia y evolución. Es un proyecto que mezcla raíz y revolución con una identidad propia.
«Con nuestras canciones no venimos a predicar, venimos a incomodar, inspirar y despertar. Hablan de identidad, fe, resistencia y propósito. Hablan del dolor que se transforma en arte, del barrio que se convierte en escenario, del pueblo que se vuelve un movimiento. Cada canción tiene el corazón de una historia real: la del que lucha, del que cree, del que no se rinde. No buscan que los entiendan todos, buscan que los sientan con fuerza porque lo suyo no es adornar el mundo, es confrontarlo con belleza», cuenta la agrupación que suena a cumbia tradicional, tambor de callejón, vallenato de parranda y rebelión costeña con influencias directas de Carlos Vives, Totó la Momposina, Joe Arroyo, Lucho Bermúdez, y la potencia moderna de Rescate y Calle 13.
La Reforma estrena ‘El Power’,una canción que no nació para ser un hit sino para ser un estandarte. Habla del poder interior que se despierta cuando decides no adaptarte a lo superficial. Toca temas como la autenticidad, la resistencia espiritual, la conexión con la tierra y el fuego interno que todos llevamos. No es una canción motivacional, es una bomba sonora con mensaje de fondo. Es para los que siguen de pie, aunque la vida les haya querido tumbar.
En ‘El Power’ se siente la cumbia tradicional colombiana en su forma más pura, con un acordeón que suena como si hablara por el Caribe entero. Esa base se fusiona con un ritmo irrepetible, una cadencia que solo La Reforma sabe hacer: una mezcla de guitarras eléctricas, tambores criollos y efectos contemporáneos que no rompen la tradición, sino que la empoderan. Es una obra de arte musical que suena a calle, a tradición y a revolución.
El video de ‘El Power’ es una explosión visual entre lo urbano y lo ancestral. Fue grabado entre Bogotá y locaciones emblemáticas de Cartagena como sus ruinas y su muralla colonial, en una apuesta por mostrar el contraste entre lo moderno y lo histórico. En la narrativa visual, la banda aparece como símbolo de resistencia, con imágenes que evocan lucha, identidad y calle. Al final, todos aparecen con máscaras de luchador, dejando claro que todos somos guerreros en la vida cotidiana. El director fue David Jassir de Parábola Films, quien logró capturar el mensaje con una estética poderosa y cinematográfica.
«Las expectativas que tenemos con ‘El Power’ son altas y estratégicas. Comercialmente, queremos posicionar a La Reforma como una banda pionera en una nueva ola de música latinoamericana con raíz y propuesta. No buscamos pegar un sencillo, buscamos construir una marca cultural. A nivel social, queremos que la canción despierte orgullo en lo local, inspirar a artistas emergentes y mover conciencias. Queremos que este sencillo se convierta en himno de quienes tienen algo que decir, pero no sabían cómo gritarlo. Es el inicio de un movimiento sonoro, visual y emocional», enfatiza.
‘El Power’ es el inicio de un movimiento. El proyecto completo incluirá varias canciones que explorarán temáticas sociales, espirituales y culturales con sonidos que van desde la cumbia hasta lo urbano experimental. Cada sencillo será un capítulo de una narrativa mayor. La Reforma prepara más lanzamientos, colaboraciones y piezas visuales que mantendrán vivo el concepto y expandirán el alcance del mensaje. No se trata de sacar música, se trata de construir un lenguaje nuevo.
«Es una canción perfecta para los días en los que necesitas levantarte con propósito, para cuando el mundo te quiera callar y tú decidas rugir. Es el track ideal para iniciar el día con actitud, para entrenar con convicción, para pensar en alto o simplemente recordar quién eres. Es música para cuando estás listo para dejar de sobrevivir… y empezar a vivir con poder», puntualiza la agrupación.
La portada del sencillo muestra un león con una bandera en alto, con una estética callejera y un grafiti latino. El león simboliza identidad, fuerza, resistencia. No es una imagen decorativa: es una declaración de guerra contra la apatía, el conformismo y el olvido cultural. El león no ruge por sonar fuerte, ruge para despertar. Es una invitación visual a sacar tu power, a no esconder tu fuego y a convertir tu voz en bandera.
Durante el 2025, La Reforma realizará una gira nacional con un show que no solo será música, sino una experiencia sensorial. La banda colombiana también prepara contenido con impacto y movimientos de comunidad. Cada escenario será una plataforma para algo más grande que un concierto: será una protesta artística, una celebración cultural y una provocación emocional.
«La Reforma representa lo que muchos sienten, pero no saben cómo expresar. En un continente que a veces olvida su poder, ellos lo recuerdan con cada verso, cada tambor y cada show. Son la voz de los que no caben en los moldes, de los que aman su cultura, pero no quieren vivir anclados al pasado. La Reforma no busca fans, busca aliados. Quien los escuche se une a un movimiento que no se vende, que no se rinde y que viene a encender una generación con el verdadero power», concluye la banda.
Santiago Alejandro López Arenas, más conocido como Santal, es un chico peruano de 17 años radicado actualmente en Argentina que desde los 12 años está inmerso en el mundo del Rap. Su carrera comenzó cuando iba a las plazas a batallar, acompañado de su padre. Santal se describe como un artista romántico y sentimental, ama escribir poesía y lo refleja en las letras de sus canciones las cuales tienen gran profundidad y emotividad. La intención de su propuesta musical es poder conectar con los jóvenes y personas en general mediante experiencias y sentimientos vividos. Santal exterioriza sus pensamientos y emociones y los convierte en canciones.
«Quiero retratar los procesos de toda persona, todos pasamos por momentos buenos y malos; y creo que tenerlos en canciones son una forma de preservar ese sentir, identificarlo, procesarlo y, posteriormente, aprender de él», cuenta el cantante con influencias del rap y el R&B, de artistas como Mac Miller, Mac Demarco e inclusive estéticas de artistas como Billie Eillish.
‘707 Metamorfosis’ es el disco debut de Santal, un trabajo conceptual que tiene una estética sombría, retratada tanto en los temas musicales, como en los visualizers. A lo largo del álbum se puede observar la vida de una persona sumergida en su propio mundo, viendo un breve concepto de su niñez. Los temas del disco tienen un enfoque hacia las mujeres de su vida, al inicio el amor de madre y al crecer la necesidad del afecto femenino, llevándolo a una serie de situaciones en los que sufre rupturas, intenta reconciliaciones, se obsesiona y se «transforma». Al final del viaje, la producción refleja un final feliz y realista.
«El disco está inspirado en momentos a lo largo de mi vida. Siempre fui una persona muy sentimental conmigo mismo incluso, y me gusta poder compartir esas experiencias con quienes podrían pasar algo parecido. Muchos de los temas fueron dedicados a chicas de las que me enamoré o situaciones mías muy profundas con las que siento que puedo conectar con el público», agrega Santal.
A lo largo del disco ‘707 Metamorfosis’ se perciben todo tipo de instrumentos y sensaciones, guitarras eléctricas que acompañan el álbum con un sonido único, dándole un ambiente especial a las percusiones y guitarras acústicas. Este trabajo también incorpora violines, viola, chelos, contrabajo, saxo y piano. El sonido de esta producción es una apuesta única del artista peruano, al ser su primer álbum quiso hacer algo fuera de lo normal, salir de lo midi y volver a lo vivo.
Según Santal, «es un disco en el que experimentamos mucho con el Rap y el R&B, dándole un toque único incorporando instrumentos de orquesta grabados en estudio. Quisimos hacerlo lo más orgánico posible y fue así como quedó, es como poner tu vida en un disco y dejar que fluya».
El artista bogotano DIMC nos adentra en la historia de su próximo álbum con el lanzamiento de ‘La Condena’, una canción de desamor con un sonido que recuerda al R&B de principios de los años dos mil.
El sencillo acaba con las introducciones y va al nudo de su segunda producción discográfica ‘Rompecorazones’.
‘La Condena’ conecta profundamente con la sensación de pérdida, impotencia y frustración que todos experimentamos cuando hemos tenido el corazón roto a causa de un mal de amor.
El artista bogotano se inspiró en los videoclips que se hicieron populares en los 90’s y 2000’s. Esta es la primera canción escrita, producida y grabada en su totalidad por DIMC (Diego Segura).
«La intención era clara: supervisar cada fase de la producción de esta canción en pro de conservar la esencia del desengaño», comenta el artista.
La canción es un R&B con vibras ‘dosmileras’ que recuerda los ritmos de Hip-Hop y su estética, apelando a la nostalgia de esos años.
‘La Condena’ nos muestra el desengaño desde la perspectiva de un hombre en su forma más vulnerable: «Este tema es el reflejo de la premisa del ‘Rompecorazones’: detrás de cada canción del álbum, hay un corazón roto, esta vez es el mío», explica DIMC.
Tras este lanzamiento se espera el primer show en vivo de DIMC en Bogotá después de haber estado en tarimas como el Festival Estéreo Picnic y el BIME.
Autofilia es una banda de pop punk fundada en 2024 en Islas Canarias, España gracias al compositor Danillo Ciafrei, quien en sus horas libres se dedicaba con devoción a explorar las melodías y sonidos de las canciones que formarían parte de su siguiente lanzamiento, tanto el nombre del disco como el de la banda fueron dándose a medida que surgían las canciones y su variedad de temáticas.
Del griego Auto = por sí mismo y Filia = amor, Autofilia creen firmemente en el amor propio desde un lugar equilibrado, poco amor propio es menospreciarse y demasiado amor es egocentrismo.
Integrado por músicos experimentados con una profunda conexión con la escena musical canaria como Danillo Ciafrei en la voz y guitarra, Jesús Iglesias en la guitarra, Jesús Fernández en el bajo y Luis Torrealba en la batería, Autofilia surge como proyecto musical innovador y apasionado enfocado en la creación de sonidos potentes y letras profundas y sentimentales; buscado así conectar emocionalmente con el público.
«A través de nuestras canciones enviamos mensajes directos y fáciles de captar desde un primer momento. Queremos que quien nos escuche se sienta acompañado en cada momento, de ahí la variedad de temáticas en nuestras canciones. Sabemos que, como seres humanos vamos cambiando emocionalmente de acuerdo a lo que sucede en nuestras vidas, razón por la cual nuestras canciones son muy diferentes entre sí», cuenta la banda con influencias de bandas como Three Days Grace, The Offspring, Blink-182 y Sober, y géneros como el punk, el metal alternativo y el pop punk.
‘Saboreando Sales’ es el álbum debut de Autofilia, un trabajo que en su concepto busca acompañar en distintas situaciones y emociones al oyente. El disco cuenta diferentes episodios y temáticas como la frustración, las adicciones, la introspección, los abusos, el amor y el desamor.
«Creemos que muchas veces la cura está en el agua salada del mar: llorar, transpirar o nadar. De ahí nace ‘Saboreando Sales’. Es un trabajo muy humano, hecho con el corazón y con el que muchos podrán sentirse identificados y conectados a través de nuestra música», cuenta la banda española.
‘Saboreando Sales’ surge de guitarras distorsionadas potentes, acompañadas de melódicos riffs, con letras y estribillos pegadizos. Además de potentes ritmos de batería y líneas de bajo muy elaboradas.
«Para este disco nos inspiramos en las luces y las sombras, en cómo lo vivido tiene un impacto en nuestro ser y a su vez cómo está en nosotros mismos el tener la capacidad de acompañarnos, crecer y salir de esos momentos que nos vienen a enseñar», enfatiza Autofilia.
‘Saboreando Sales’ de Autofilia le canta a la introspección y los aprendizajes en ‘Un lugar seguro’. Habla de una persona que se siente mal consigo misma, que aprende de sus errores del pasado y consigue sentirse en plenitud. ‘El tiempo pasa’ es una canción de paciencia y emoción en donde un chico que se enamora de niño pasa muchos años queriendo saber de ella hasta que se encuentran. ‘El guerrero sin armas’ es un tema de resiliencia y compasión en donde una persona que, por medio de engaños, cae en las manos de un abusador y luego de un tiempo al verlo el agresor le pide perdón; el abusado le dice que le ha perdonado hace tiempo y que se perdone a sí mismo.
‘Me cansé’ explora los límites y la consciencia. Habla de un hombre cansado que, al no verse amado por su pareja, decide terminar la relación. ‘Ser libre’ le canta a la liviandad y al poder. Es una persona que estuvo pendiente sobre qué pensaban los demás y luego de un tiempo se librera y deja de darle atención a esto y a su pasado. ‘Todo contigo’ aborda la incondicionalidad y la certeza del amor puro. ‘Mis miedos’ le canta a las sombras y los aprendizajes, se enfoca en alguien que está sometido por algún tipo de adicción. Finalmente, ‘Libertades que quedan atrás’ es una canción de corrupción y frustración y trata del impacto de la sociedad en la época de pandemia producida por el COVID-19.
Según Autofilia, «‘Saboreando Sales’ es un disco tan rebosante de buena energía, fuerza y positividad que puede ser escuchado en cualquier momento del día ya sea por introspección, amor, de desamor o frustración».
El diseño de la portada es un niño en un columpio porque los adultos nunca dejan de tener a su niño interior. El columpio simboliza ese concepto de cambio, de idas y venidas en los sentimientos y las emociones de las personas, además de ese salto al vacío de aprender a acompañarse.
«Nuestras expectativas con este disco son altas, pero con los pies en el suelo. Esperamos poder darnos a conocer en diferentes partes de nuestro país España, como fuera de él. Y si es sobre los escenarios mejor. Como artistas nos encantaría llegar al mayor número de personas posible y que se sientan identificadas y acompañadas con nuestras canciones», menciona Autofilia.
Autofilia lanzará el 2 de julio el video de su canción ‘Me cansé’, trabajo que fue grabado en lugares emblemáticos de Bogotá como la Virgen de Guadalupe y el Chorro de Quevedo durante las vacaciones de Danillo Ciafrei. De igual manera, la banda tendrá un concierto especial en noviembre en La Laguna (Tenerife) en el que las personas podrán disfrutar de su música en vivo. El evento contará con un registro audiovisual que será compartido en sus redes sociales.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Autofilia porque somos y tenemos raíces sudamericanas que llevamos con orgullo y de las cuales esperamos mostrar por ese enorme y fascinante continente. Danillo es de Brasil, Luis y Jesús Iglesias son de Venezuela y Jesús Fernández es de España. Además, hemos recibido muy buenas reseñas y comentarios, ya no solo de nuestros amigos y conocidos sino también por parte de los amantes de la música. De hecho, las personas que se dan la oportunidad de conocernos encuentran que nuestro sonido con bases de punk americano y con voces en español nos hace únicos», concluye Autofilia.
Ese Zea es un proyecto colombiano nacido en la ciudad de Medellín de la mano del músico Santiago Zea Arrubla, originalmente como un proyecto unipersonal. Es una propuesta musical que explora diversos ambientes sonoros con la premisa de no coartar la creatividad del artista.
La intención de la propuesta de Ese Zea es convertir imágenes cotidianas en melodías y letras, transmitir a los oyentes emociones que conecten con sus historias personales, sublimar momentos que pueden ser comunes a muchas personas y enmarcarlos en una sonoridad especial; y crear imágenes en la cabeza del oyente en las que pueda proyectar sus propias vivencias, o fantasear.
«Con mis canciones quiero dejar un mensaje de que nos vamos a morir y es momento de hacer una pausa para ponerle atención a los pequeños momentos que nos brinda esta corta estancia. En este limitado tiempo que tenemos, deberíamos poder conectar con otros seres humanos, con nosotros mismos y con nuestros deseos; qué hacer con ellos ya es problema de cada quién, eso sí. Estamos en un mundo en el que constantemente, aunque estamos rodeados de gente, nos sentimos solos, y eso es muestra de que algo no está bien», cuenta el músico colombiano de la ciudad de Medellín con influencias de indie rock, shoegaze, post punk, bedroom pop e incluso el trap en proyectos como The Strokes, Molchat Doma, Tame Impala, Mac DeMarco, La Femme y Artemas.
‘Todos bailamos juntos’ de Ese Zea es una canción que habla de esa sensación, esa tensión placentera, la que algunos psicoanalistas relacionarían con la pulsión de muerte, y que además en la canción involucra a un otro; pero, por otro lado, también habla de esos instantes en el que aún en medio de algo que se disfruta, incluso en compañía de un otro, nos sentimos solos y vacíos.
‘Todos bailamos juntos’ tiene una sonoridad oscura y divertida. La guitarra utilizada en la grabación fue un Jackson King V con microfonía humbucker para darle potencia al sonido, se agregó distorsión a la guitarra rítmica y se utilizó un efecto de rotary en la melodía principal. El sonido de bajo es de un Warwick, haciendo más contundente la base de la canción, pero la percusión es de una caja de ritmos que utiliza sonidos de los 80’s, para darle un ambiente más post punk/darkwave y más bailable. Es una mezcla curiosa, porque suena muy denso, pero eso no impide que sea música que invita a mover el cuerpo.
«La temática de la canción y algunas de sus frases surgieron en medio de una conversación con una amiga cercana que disfruta, al igual que yo, de ambientes algo pesados para otras personas. Esa charla se dio mientras ambos pasábamos por una etapa emocionalmente complicada, y en ella estábamos describiendo escenas que veíamos en fiestas, sensaciones y experiencias que habíamos tenido en algún momento, algunas recientes. Creo que todos tenemos momentos de desenfreno, y aunque haya maneras más saludables de gestionar las emociones, a veces intentamos gestionarlas «disfrutando» de formas que podrían ser peligrosas o dañinas
El video de ‘Todos bailamos juntos’ es muy genuino. La base del visualizer nació antes que la canción, pues en algún momento alguien le envió al músico un video que podría interpretarse como erótico, pero que genuinamente le pareció muy artístico.
«Le pregunté a ella si podía conservar ese video para utilizarlo alguna vez en una canción y ella aceptó. Cuando terminé el proceso de composición de ‘Todos bailamos juntos’ ya sabía cuál iba a ser el visualizer. En el clip se puede observar la sombra de una mujer bailando lentamente en una habitación con luces bajas. Al trabajo se le agregaron efectos visuales de forma que complementara la música, además, de la letra de la canción», enfatiza Santiago.
Es una canción para escuchar en una fiesta, definitivamente; pero también, puede ser una canción para bailar solo en el cuarto y liberar tensiones. Si alguien se está sintiendo solo en algún momento difícil de su vida y la escucha, sentirá que alguien le entiende y ha pasado por lo mismo.
«Con ‘Todos bailamos juntos’ espero llegar a nuevo público, que la gente que escuche la canción la disfrute. No es una canción apta para todo público, pero sí veo que hay público en Colombia y Latinoamérica para estos géneros, y no tantas bandas los están explorando», menciona el artista.
En la portada del sencillo se observa la sombra de una mujer desnuda en un cuarto, centrando en su cabeza un bombillo para simbolizar que es un ser pensante. Es una mujer sensual, pero su cuerpo no es lo único atractivo que tiene por aportar, sino que su cabeza también es atrayente.
Ese Zea tiene pensado para lo que resta de 2025 publicar, por lo menos dos sencillos más. Respecto a shows, el proyecto tiene un par de negociaciones con algunos teatros en Medellín y está participando en convocatorias para festivales.
«Ese Zea es como esa persona que mira feo a todo el mundo, pero te acercas a hablarle y resulta ser super chévere y amable. Anhelo que sea un proyecto en el que esas personas que se sienten en un lugar extraño, o como que no pertenecieran o encajaran, se puedan reflejar, que podamos crear comunidad y empatizar entre nosotros. Además, es un proyecto que siempre intenta transmitir algo, hacer sentir, y no se encasilla en un tema, sino que puede transmitir amor, rabia, desazón, tristeza o tranquilidad», concluye el músico colombiano.
Los raperos colombianos Cejaz Negraz y Kory se unen para presentar ‘Guellaz’, una canción enérgica, ideal para escuchar en las mañanas al despertar, para iniciar un día lleno de emoción y con los objetivos claros. Tiene un sonido pegajoso y un ritmo que despierta la energía e incita a no quedarse quieto. Habla de cómo muchas veces nos olvidamos de nosotros mismos, sin recordar todo lo bonito que podemos hacer cada minuto de nuestras vidas.
‘Guellaz’ más que una canción, es un mensaje de superación, un llamado a quien escucha Cejaz Negraz y Kory, una invitación a despertar para aprovechar el tiempo en la vida y así superar las adversidades de una forma inteligente.
«Es una canción que invita regresar al vientre, a volver a aquel sonido puro del rap y esas rimas que caracterizan a la banda Crack Family. Las líricas del progreso. Ese progreso reflejado en Cejaz Negraz quien es el reflejo directo de la sublevación para toda nuestra sociedad ya hecha y a la que más le disparamos a la sociedad en construcción», cuenta el rapero. «No hay que olvidar que aquí la historia de uno es la historia de miles», cuenta Cejaz Negraz.
‘Guellaz’ fluye sobre un sonido fresco, un beat limpio de rap transformado de lo under a algo más comercial sin perder su misma esencia.
«Esta canción invita a ir siempre en busca de lo mejor para sí mismo y aprovechar cada segundo. Debemos dejar siempre una huella en la tierra, en las personas y en tu historia. A ‘Guellaz’ le guardo un cariño muy grande ya que tiene un gran mensaje y es una colaboración muy esperada para mí, pues pude contar con la participación de Cejaz Negraz, el referente principal del rap colombiano». Quiero que este lanzamiento llegue a una gran masa de oyentes y que el mensaje penetre sus conciencias y genere un impacto personal. Tengo un sueño especial con este tema y es cantarlo algún día no muy lejano en Hip Hop al Parque en Bogotá junto al Cejón», menciona Kory.
El video de ‘Guellaz’ se realizó en Bogotá, marcando historia citadina a través de la imagen. Recorriendo la zona fría con el cantante Kory quien es el invitado a esta canción clásica del rap colombiano. La textura del clip es encontrarse con aquella Bogotá clásica del centro de la capital.
Para Kory fue un honor y un sueño cumplido trabajar con Cejaz Negraz en ‘Guellaz’. En su primera colaboración grande, el artista palmireño, gracias a su mánager y amigo Dj Zazu, celebra esta unión y admira el haber podido compartir con uno de los máximos exponentes del hip hop en Colombia.
«Cejaz Negraz es una leyenda de la música en Colombia, con un amplio recorrido lleno de mucho respeto y de cosas para admirar. Estoy totalmente agradecido por poder llegar a un nuevo público, a un radar más amplio que consume la propuesta de él».
‘Guellaz’ es el track número 12 del disco ‘Tierra’ de Cejaz Negraz que se lanzará en junio y contará con un total de 50 canciones, 50 cañonazos en homenaje a la música, a su carrera artística y en honor y a nombre del hip hop y sus 50 años. Los sencillos de esta producción fueron grabados en diferentes partes del mundo, gran parte de ellos en Australia, New York, Tailandia y Estados Unidos.
«Esta canción es un aliento en la mañana, sus vibes realmente tienen la capacidad de llenar de vida y alegría el espíritu de quien se conecte con ella. El coro dice «No pierdas el tiempo con las distracciones, concéntrate en traer cosas mejores, que el tiempo corre y si no dejas *GUELLAZ* jamás recordarán tus emociones»», enfatiza Cejaz Negraz.
Cejaz Negraz estará de gira pisando diferentes partes del planeta como Boston, New York, Quito, Barcelona, Bilbao, Madrid, Valencia, Mallorca, Málaga y La Paz.
Por su parte, Kory seguirá demostrando su versatilidad con una conexión directa desde Puerto Rico, Falsetto. Un referente creador de varios hits del género urbano. De igual manera, el artista planea nuevos lanzamientos con artistas locales y nacionales como Floyd, Kooky, entre otros; en colaboración con productores como Ruso Beat, Deejay Santacruz y Yairon Prod.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kory en Colombia y Latinoamérica porque siento que fuera del sueño que comparto, quizás con millones de otros artistas de vivir de la música, tengo un objetivo diferente y una propuesta totalmente única y fresca. Quiero llevar un mensaje directo siempre desde la versatilidad, quiero que mis letras toquen sus sentimientos, sin importar en qué género me escuchen; quiero conectar con mi público y generar algo más personal, algo que trascienda tanto en ellos como en mí», concluye Kory.
Sobresaliendo con música alternativa que desdibuja las fronteras entre géneros y países, el proyecto dirigido por el cantautor colombo alemán Antonio García Hosie toma al oyente por sorpresa. Rock en español que recuerda a Charly y a Spinetta se sumerge luego en atmósferas de modern jazz, tomando prestados ritmos latinoamericanos en arreglos progresivos.
Las letras de Carambolo invitan a leerse (o escucharse) repetidas veces, con líneas poéticas y abstractas que flotan entre guitarras y sonidos electrónicos. Carambolo es una mezcla de elementos que no por ser variados son aleatorios. Más bien parece ser un meticuloso menjurje que fluye y se desenvuelve de maneras inesperadas.
El proyecto se presenta actualmente como un quinteto y cuenta con excelentes músicos de la escena Colombo Alemana. El sonido de Carambolo surge desde el 2024 de dos guitarras (Óscar Mosquera y Felipe Suárez León), bajo eléctrico (Max Schroth), batería (Jakob Dinnebier), sintetizador y voz (Antonio García Hosie). En vivo la banda absorbe al público con su multiculturalidad palpable, ya que sus integrantes vienen de Colombia y Alemania. Las letras son hasta ahora únicamente en español, al ser Antonio quien escribe las canciones.
Carambolo está listo para compartir con el mundo su nuevo EP ‘Lejanías’, una producción que refleja la versatilidad y el carácter profundo de su música. Su nuevo sencillo se titula ‘Lo Necesario’ y se convierte en el preámbulo del lanzamiento del EP en su totalidad que verá la luz el 6 de junio.
‘Lo Necesario’ reflexiona sobre los aspectos esenciales de la vida a nivel personal, material y emocional, y cómo reconocerlos nos permite aprovechar mejor el poco tiempo que tenemos.
«»Lo necesario no es urgente, necesariamente.» Esta frase resume el corazón de este sencillo. La canción explora situaciones y realizaciones que han de llegar tarde o temprano; cosas que no podemos evadir, y sobre las cuales muchas veces no tenemos el control», cuenta Antonio García.
Es una canción que se inspira en los tonos cálidos y reflexivos del rock alternativo, mezclados con elementos de jazz y pop. La composición es minimalista y atmosférica, utilizando la repetición para resaltar el impacto de los sutiles cambios armónicos y melódicos. El sencillo fue inspirado por ‘Out of Time’ de Blur, ampliando su temática y explorando conceptos compositivos similares. Otras referencias importantes para la canción fueron ‘Nude’ de Radiohead, de su aclamado álbum ‘In Rainbows’ y ‘Pasajeros’ de Lola Parda.
‘Lo Necesario’ forma parte del próximo EP de Carambolo, ‘Lejanías’, que profundiza en temas de distancia, conexión e introspección. Este tercer EP de estudio de Carambolo muestra un carácter sonoro claro, profundo y atmosférico. El lanzamiento está acompañado de una estética visual basada en el hielo seco, capturando el contraste entre luz y sombra en espacios casi vacíos, una metáfora visual de la profundidad lírica de las canciones.
Para celebrar el lanzamiento del EP ‘Lejanías’, Carambolo se presentará por primera vez en vivo en Colombia con una serie de conciertos durante el mes de agosto. El viernes 8 se presentará en el Teatro Unión en Honda, Tolima, y las siguientes fechas en Bogotá iniciando el sábado 9 en el Bolón de Verde, el viernes 15 en La Buhardilla, el viernes 22 en RPM Records y el viernes 29 de agosto en el Teatro Garaje.‘Lejanías’ es el tercer EP de estudio de Carambolo, un proyecto que muestra exploración musical y un estilo poético abstracto e inmersivo.
Kamalo Plute es un artista de música alternativa nacido en Costa Rica que vive retándose a diario y que admira la apertura de pensamiento, la pasión y la libertad de ser sí mismo. Es un ser curioso lleno de creatividad que respira arte desde que nació, un poco incomprendido, disociado y elocuente de pensar algunas veces. Risueño con las personas y determinado con los sueños que quiere cumplir.
Más allá de una intención musical que -puede ser muy personal en cada quien lo escuche- la propuesta de Kamalo Plute busca emocionar a través de letras honestas y sonidos viscerales.
«Si lo que hago con mi música emociona, ayuda, se disfruta, se celebra, hace llorar o reír; es decir, genera una emoción, significa que las cosas cobran sentido», comenta el cantante y compositor.
A través de sus canciones, Kamalo Plute quiere enviar mensajes de reflexión, introspectivos, de mirar hacia adentro y sentir. La empatía y relación de las emociones humanas que se suelen vivir a lo largo de caminar y transitar sobre este mundo.
«Todxs sentimos diferente, aunque compartamos (o no) un mismo camino. También considero que la música es para disfrutarla, vivirla y compartirla. Si te suma, ahí es», agrega el costarricense con influencias de artistas y grupos como Lady Gaga, David Bowie, Björk y Coldplay.
‘Orígenes’ es el EP debut de Kamalo Plute, un trabajo compuesto por tres canciones que cuenta a través de historias los inicios del artista. Es una recopilación de lo que ha ganado, perdido, crecido y evolucionado. Todo converge en una narrativa visual en redes que evoca un mundo interno dentro del cuerpo humano, donde el auto descubrirse es un gran viaje.
‘Latiendo X Mil’ habla de esa conciencia inicial que acciona, dando pie a la liberación en la caverna, ‘Despertar’ relata el permitirse salir al mundo creyendo en sí mismo y ‘Gratitud’ que agradece a las oportunidades y personas que Kamalo Plute ha conocido en la vida.
A lo largo del EP hay exploraciones de sonidos que evocan cinematografía o bandas sonoras de videojuegos. Acompañados de sonidos en un pop movido, una electrónica enérgica y un agradecimiento para cerrar.
«La inspiración del EP ‘Orígenes’ nace de la nostalgia al recordar lo que fue dar el primer paso para empezar el viaje después de lo que llamé ‘depresión artística’. Va dirigido a esas o esos seres que aún no se atreven, que dudan. Dar el primer paso es el más difícil y sólo puedo comentarles desde mi punto de vista: viendo el camino desde un poco más adelante, ha valido la pena», enfatiza.
‘Orígenes’ de Kamalo Plute habla en ‘Latiendo X Mil’ de laconciencia y de las inseguridades que se rompen, en ‘Despertar’ habla de la importancia de confiar y conectar, y ‘Gratitud’ es una invitación a agradecer por lo vivido.
«El EP ‘Orígenes’ es perfecto para escuchar en cualquier momento del día, sin embargo, yo iniciaría la mañana con ‘Latiendo X Mil’ para el desayuno, luego ‘Despertar’ que tiene una energía para el resto del día y para cerrar ‘Gratitud’ justo antes de dormir», menciona Kamalo Plute.
Este trabajo marca un inicio en la carrera de Kamalo Plute, sin embargo, el artista lo ve como una ‘precuela’ que quería plasmar como presentación al mundo. Una experiencia que invita a las personas a que puedan descubrirlo, conectando desde sus emociones y uniéndose a este viaje juntxs.
El diseño de la portada propone una unión de tres momentos de los sencillos. Recordando a los anuncios de películas en los cines. Con texturas y una paleta de colores que evoca al cuerpo humano. Mezcla una idea atmosférica y ficción del camino a la liberación.
Además del lanzamiento de ‘Orígenes’, Kamalo Plute trabaja en un nuevo sencillo que es un punto que marca con dolor un antes y un después, un evento que es inevitable dentro de los ciclos de la vida humana. Es una reflexión que nace en los recuerdos. Después, una nueva historia comienza con más música y nuevo concepto visual.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Kamalo Plute en Colombia y Latinoamérica porque me interesa ir agregándole al proyecto mayor valor cultural, diversidad, creatividad y experiencias con potencial de cambiar realidades. Las personas que escuchen mi propuesta serán esenciales en mi crecimiento y evolución. Juntxs podemos tener mayor conexión, empatía, oportunidades y transformación», concluye.
El 2025 para Verum West inicia con muchas ideas y proyectos en marcha, detonará un espacio para crear y conocer aún más sobre el sonido innovador que ofrecerá la banda en las próximas canciones a los oyentes de Colombia, México, Guatemala y Latinoamérica en general con el firme objetivo de seguir rompiendo fronteras.
‘Monte’ es el nuevo sencillo de Verum West, es el abrebocas de lo que la banda asume como su segunda etapa. Este año es el inicio del segundo septenio del grupo y como tal es un momento de madurez y de resignificar infinitas cosas.
«La canción habla de la tenue caricia que ofrece la serenidad de alcanzar objetivos propuestos, pero también despliega un sinfín de nuevas inquietudes al encontrarnos con una posible verdad: escalamos a la cima y ahora debemos seguir así sea oscuro e incierto el panorama, hasta llegar de nuevo a la cima de un ‘Monte’ aún más grande, con más retos por asumir», cuenta la agrupación.
‘Monte’ aborda de una manera muy abierta la comprensión de conceptos de filosofía estoica, rescatando valores como la templanza y la sabiduría, enfocarse en el ‘hi et nunc’ (aquí y ahora), que es lo único que importa para tener una sensata verdad. Es una canción llena de palabras que incitan a avanzar, si vas subiendo una colina, si vas llegando a la recta final de un objetivo o a una carrera universitaria; son 3:38 minutos para sentirse un completo ganador.
Verum West se destaca en sus composiciones por explorar y a veces abusar del sonido del progressive metalcore. La estridencia no se hace extrañar en las partes más contundentes y pesadas de la canción explorando riffs y acordes muy particulares.
«Podríamos decir que es el sonido más tiernamente pesado que hemos alcanzado hasta ahora. Tenemos un aspecto que destacar de nuestro vocalista quien ha explorado lo suficiente en sus sonidos vocales y ha encontrado melodías nuevas con las que trabajamos los coros y partes importantes de la canción».
La cantante y compositora colombiana Teresa Terracota es quien aporta ese aire dulce y genuino a ‘Monte’ como invitada especial en las voces femeninas que suenan durante toda la canción.
El videoclip de ‘Monte’, filmado bajo el lente del productor Bryan Beltrán, registra los momentos más divertidos, icónicos y especiales de la primera gira internacional de Verum West que los llevó a visitar Guatemala y México.
Según la banda, «el clip es una pequeña y sentida muestra de agradecimiento a nuestros amigos en Guatemala: Danny, Pedro, Arlequino. Y en México a los amigos de Betrayme, el crew precioso de Morelia, las bandas y colegas de CDMX y muy especialmente a Andrei Pulver y Ozzy Cadena de Los Vandidos. Todxs ellxs nos cuidaron y atendieron como si fuésemos amigos de toda una vida, como si existiera una historia más larga a las inolvidables horas que pasamos con ellos».
‘Monte’ es una canción que nace en el momento que termina el ‘Nauta’s Tour’ (gira por Guatemala y México), en donde los integrantes de Verum West quedaron con muchas sensaciones y deseos de seguir firmes en su ruta, rescatando una vez más lo valioso que se ha convertido para cada uno de ellos el ‘Verdadero Oeste’ para seguir proyectándose con ambición y sed de aprender más de ellos mismos para volver a salir a girar y presentar su arte dentro y fuera del país.
«Queremos alcanzar nuestro propio impacto, sentir que una vez más rompemos el esquema de creer que no hay nada más por decir o nada más por escuchar; ese impacto de ser creadores de algo tangible es algo que nunca dejaremos de destacar e indudablemente queremos transmitir ese mismo impacto a toda la audiencia que nos conoce en países como Colombia, España, México, Argentina, Guatemala, Costa Rica, Chile, entre otros», enfatiza Verum West.
‘Monte’ es el más reciente single de una etapa de exploración sonora y conceptual que Verum West ha venido desarrollando durante este año. Actualmente, el grupo está inmerso en la creación de su próximo álbum, una obra que busca revelar la esencia más profunda de la banda: quiénes son realmente, por qué existen como proyecto y qué propósito persigue su música.
El diseño del sencillo es una figura solitaria que se alza en la cima de una montaña mística, envuelta en un aura celestial, mientras símbolos cósmicos giran a su espalda como relojes sagrados del destino. La portada de ‘Monte’ evoca un viaje interior, una ascensión espiritual entre nubes densas, secretos tallados en piedra y la vastedad del universo silencioso.
Este sencillo es un canto a la introspección. Entre versos como «bajo los destellos de la luna todo de mí se oculta, pero en la profundidad del monte, todo de mí se enciende», la canción revela el peso de la soledad, la búsqueda de sentido y la transformación personal que sólo ocurre en las alturas, donde la verdad y el vacío se rozan.
Para este 2025, Verum West continuará explorando y componiendo canciones, el grupo prepara shows grandes y posibles encuentros que generen nuevos impactos y nuevos horizontes.
«Lo que más anhelamos este año es encontrarnos nuevamente con las personas que han hecho parte de todo el proceso de Verum West, acompañarnos y seguir creciendo juntos», concluye el grupo colombiano.
El artista colombiano Penyair cerrará su ‘Filantropía World Tour’ con un show especial para todas las edades en el Movistar Arena de Bogotá. La cita es el próximo 4 de octubre a las siete de la noche.
La gira que incluye más de 20 conciertos en 10 países tendrá fechas en Colombia, en Latinoamérica y visitará ciudades emblemáticas como Berlín, París, Madrid y Sidney.
Penyair, que se encuentra presentando su nuevo álbum ‘Filantropía’, cierra una de las giras más importantes de su carrera con su primer show en el Movistar Arena de Bogotá, uno de los recintos más importantes de su ciudad natal.
La boletería ya se encuentra disponible a través de los canales oficiales de TuBoleta y podrá adquirirse en las localidades de Tribuna Fan Sur, Pista 1(Platea +18 años) y Rap del espíritu (2do Piso +7 años).
Medios de pago de Bancos Internacionales: Disponible a partir de la venta a Público en general. Entrega de boletería únicamente en la taquilla al titular de la compra.
Indicaciones especiales y restricciones:
El concierto iniciará a las 7:00 pm y las puertas se abrirán desde las 5:00 pm.
El evento contará con áreas para personas con movilidad reducida. Se debe informar esta condición en el momento de realizar la compra y al personal logístico el día del concierto.
No estará permitido el ingreso de mujeres en visible estado de embarazo, de acuerdo con las recomendaciones de las autoridades.
El show contará con una localidad habilitada para menores de edad ubicada en el segundo piso y libre de consumo de alcohol.
Todos los menores de edad entre 7-14 años deben ingresar con su padre o madre, y de 14-18 años con un adulto responsable. Tanto el adulto como el menor deben ingresar con boleta.
Las demás localidades sin excepción son para Mayores de 18 años de edad. En caso de no cumplir con el requisito mínimo de edad o comprar boletas para un menor de edad en otra localidad diferente a los sectores mencionados, no se permitirá el ingreso al concierto.
Después de haberse presentado en 2022 en Colombia en el Teatro ABC en donde interpretó su show ‘Mi vida en canciones’ con la participación especial de su amigo Andrés Cepeda, el cantante, compositor y músico argentino Nito Mestre regresa a Colombia después de 3 años con su tour ‘A 50 años del adiós’ el próximo viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3).
‘A 50 años del adiós’ de Nito Mestre es un reencuentro con esas canciones que guardan pedacitos de vida, de despedidas, de sueños compartidos y cosechados durante cinco décadas de música del artista argentino.
Será una noche única en donde Nito Mestre volverá a ser esa voz que supo ser refugio y consuelo. No es un recital, es un reencuentro. Un hombre, su voz y su música. Un eco que persiste.
Porque cuando Nito canta el tiempo se vuelve un instante detenido y lo que creíamos perdido reaparece. Las canciones que nos hicieron creer que siempre íbamos a ser jóvenes, las que sonaban en los patios, en los cuartos, en las radios con sonido a fritura. Esas canciones que hoy regresan para recordarnos que la nostalgia no es un ancla: es un puente que cruza hacia lo que somos ahora.
«Volver a interpretar esas canciones es volver a encontrarme», dice Nito, con esa voz calma, de filo suave que parece que no pesa. El músico argentino interpretará un extenso repertorio de la mayoría de los discos de la legendaria banda Sui Generis.
Con una producción a cargo de BELIVE GROUP, colectivo creativo que busca preservar la buena música y generar experiencias memorables, viviremos una experiencia única e inolvidable el viernes 6 de junio en el Teatro Juan Pablo González Pombo de Bogotá (Centro Comercial Santa Fe – Calle 185 No. 45-3). Es un evento para mayores de 18 años.
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