La banda de rock alternativo DeGlorian estrena ‘Peter Pan’, una canción que expresa la monotonía y frustraciones de la adultez, en contraste con la nostalgia de la niñez.
El sencillo tiene un sonido que evoca la nostalgia de la era ‘Y2K’ y los inicios del nuevo milenio, pero manteniendo la sensación de una producción fresca y actual. ‘Peter Pan’ hace referencia a elementos culturales de dicha época como la ‘Play’ y utiliza sonidos como el sample de ‘Malcolm el de en medio’ con el fin de capturar esta nostalgia.
Por medio del personaje de Peter Pan, el cual muchos recordarán de su niñez, el sencillo representa el deseo de escapar de la cotidianidad adulta y volver a un tiempo donde las cosas eran más simples.
La canción, compuesta por Andrea DeGlorian y Jordan Villamil, surge como respuesta al mundo adulto contemporáneo, en el que la rutina, el trabajo, las responsabilidades y el desgaste físico-emocional nos impulsa a querer ser niños de nuevo, cuando la realidad estaba llena de magia y creatividad.
En ‘Peter Pan’ se exploran elementos del indie rock, con mayor velocidad y simplicidad en el ritmo, guitarra distorsionada y sintetizadores para representar el brillo y mística con la que veíamos la vida cuando pequeños.
El videoclip que se rodó en Bogotá fue dirigido y producido completamente por la banda. Protagonizado por los integrantes de DeGlorian, el audiovisual captura la esencia de la juventud en contraste con la adultez, al retratar a un grupo de adultos divirtiéndose y participando en actividades «infantiles», como si se tratara de niños.
«Esta canción se convirtió en un auténtico desahogo frente a nuestra realidad. Muchas personas, incluyéndonos, enfrentan al crecer una carga de responsabilidades que nos obliga a dejar atrás la tranquilidad y la creatividad, robándonos la ilusión de que lo que vemos, oímos y sentimos puede ser completamente mágico. Es un homenaje a nuestras infancias… Y a la importancia de nunca dejar de ser niños», comenta la banda.
El artista colombiano Gregorio Uribe debuta como escritor con ‘El llamado’, una novela publicada por Abisinia Editorial. La historia que ocurre en las calles de Nueva York aborda desde la literatura, y con una mezcla de vivencias y fantasía, los dilemas existenciales de una mente brillante pero cansada de vivir.
En ‘El llamado’, el autor y músico que ha sido nombrado por el Gobierno nacional como uno de los «100 colombianos más exitosos en el extranjero» y que recientemente estuvo nominado al Latin Grammy, nos deja ver la complejidad y versatilidad de su pluma, tanto para la literatura como para la creación de canciones.
En esta nueva faceta, Gregorio Uribe nos abre su alma y deja que el lector entre en los rincones más profundos de su psique.
«Hay una frase que siempre caló en mí y sentí, que finalmente, lo lograba al escribir este libro: Habla de lo que sabes», comenta el autor.
‘El llamado’ tuvo un prelanzamiento en el Feria del Libro de Bogotá 2024 y el autor ha hecho presentaciones del libro en Bogotá, Medellín, Cali, Cartagena, Armenia y en las ciudades de Washington, New York y Boston en los Estados Unidos.
El presente relato ocurre en Nueva York durante todo un día a finales del verano. Un músico experimentado ha sentido a lo largo de su vida una presencia extraña en su interior que lo ronda y lo inquieta. Es una especie de «llamado» o «duende», como lo bautiza, que le habla sobre la muerte por mano propia y lo arrastra a reflexiones insólitas y recuerdos dolorosos.
Este espeluznante relato está magistralmente concebido, estructurado y ejecutado con la más erudita elegancia. Emparentado intelectualmente con La náusea y El extranjero, su maquinaria terrorífica e inexorable, al estilo de los mejores cuentos de Poe, arrastra al lector por los recovecos de una mente brillante pero decepcionada de la vida ante la inutilidad de la existencia. El vacío existencialista que describe minuciosamente Gregorio Uribe mientras se desplaza por las calles de Nueva York nos conduce implacablemente en su largo viaje hacia la noche, a la absoluta desnudez de sus más recónditas angustias. MIGUEL FALQUEZ-CERTAIN
La historia detrás del libro
El libro utiliza un momento de quiebre (13 de septiembre del 2016), como el punto desde donde el personaje principal analiza, recuenta su vida y su constante obstinación por el suicidio desde los ocho años.
«‘El llamado’ es una novela que comencé a escribir hace 7 años, el 13 de septiembre del 2016. Luego de pasar un momento que dividió mi vida en dos, me senté a intentar recordar los hechos con la mayor fidelidad posible. Poco a poco se fue desarrollando un tipo de relato que con los años continué trabajando hasta que llegar a convertirse en el libro que es hoy. Comencé a escribir a modo de terapia. Poco a poco, de la mano de Gabriela De La Parra inicialmente como correctora de estilo, y más adelante junto a Abisinia Editorial», explica Gregorio Uribe.
‘El llamado’ busca que el lector pueda entrar en la mente de una persona que ha decidido quitarse la vida por razones, quizá difíciles de entender o que podríamos llamar psicológicas o filosóficas.
La historia sucede por las calles de Nueva York y se mencionan lugares, esquinas, bares y muchas referencias que intentan describir una época – casi un laberinto – dentro de esta gran metrópolis, por un lado sobrepoblada y por otro, tan llena de soledades.
El libro y la música
Aunque ‘El llamado’ no es un libro musical, sí guarda relación con el tercer disco de Gregorio Uribe llamado ‘Hombre Absurdo’.
Según nos explica el propio Gregorio Uribe, «Alguien que lee el libro, podrá entender el disco». Todo comienza con el título del álbum musical (‘Hombre absurdo’) que se creó a partir de la lectura de ‘El mito de Sísifo’ del escritor Albert Camus, mencionado en la novela de varias maneras, incluida su frase icónica »No hay más que un problema filosófico verdaderamente serio y es el suicidio».
En ‘El llamado’ el lector podrá notar cómo algunas canciones fueron evolucionando o siendo interpretadas de distinta manera. También, muchas de estas canciones están basadas en las lecturas o reflexiones existenciales que, de cierta manera, acompañaron al autor durante aquel momento álgido. Por ejemplo, Atlas está basada en la frase de Nietzsche «Dios ha muerto». La canción intenta narrar de manera mitológica qué sucede cuando una persona o sociedad pierde su noción de «Dios».
‘Hombre Absurdo’, sencillo que da nombre al álbum, está basado en el mito de Sísifo de Camus, donde el autor propone la filosofía del «absurdo» como una alternativa al suicidio físico o filosófico. También se inspira en la frase de Sartre «Condenado a ser libre».
La canción ‘Palacio de cristal’ está inspirada en ‘Notas del subsuelo’ de Dostoievski e intenta hacer reflejo de la neurosis y el pensamiento cíclico. Por su parte, ‘Hamartia’ es una palabra griega de la poética de Aristóteles que nos habla de la caída del héroe. Esta canción conecta con el libro desde el aspecto de la desilusión sobre nosotros mismos y el sentirse o condenarse a no poder ser una mejor versión. Finalmente, ‘Damasco’ se basa en la historia bíblica de Saulo y la búsqueda de la redención.
Así que el disco, nominado al Latin Grammy 2023, es una manera de confesar todo aquello pero desde la sutileza, la metáfora, el mito, el acertijo… El llamado abarca estos temas desde la desnudez y la vulnerabilidad.
2024 ha sido un año productivo para Independiente 81. La banda de pop punk bogotana publicó los sencillos ‘Llévame a casa’, ‘En nombre de ella’ y ‘Básico’, regresó a los escenarios para tocar en varios lugares de la ciudad y amplió su base de fans en Colombia y Latinoamérica gracias a un trabajo de expansión que los llevó a dar a conocer su propuesta en todo el continente. Ahora, el grupo conformado por Lucas Urdaneta (voz/guitarra), Daniel Raad (bajo/voz), Carlos Bahamón (batería) y Andrés Pinzón (guitarra), está listo para presentarle al mundo su nuevo disco ‘Ruido Blanco’.
«Nos ha gustado la recepción que han tenido los sencillos en el público. Cada uno, a su manera, ha sido recibido de forma particular de acuerdo con su estilo y los gustos de la gente. Cada lanzamiento ha tenido su desarrollo y su vida a través de la recepción que hemos percibido del público y de los medios. Ha sido interesante ver y sentir cómo han conectado las personas con cada sencillo y cómo ha ayudado a que la banda tenga mayor visibilidad», comenta el grupo.
‘Ruido Blanco’ es el nuevo álbum de Independiente 81, un trabajo variado que habla de múltiples situaciones que vive un hombre en sus 40’s en medio de estas épocas tan volátiles y superficiales: el amor, los sueños bizarros y engañosos, la adicción a las redes, el paso del tiempo, la pérdida de un perro inseparable, la política y su teatro internacional, la simpleza de ser como persona, la inevitabilidad del pago de impuestos y un llamado a seguirle dedicando tiempo y esfuerzo a la música, al ruido que hace felices a los integrantes del grupo y les da algo de sentido a su vida.
El disco explora sonoridades de pop punk, skate punk, rock melódico, punk rock y balada pop sin casarse con un solo estilo y tono.
«Es un disco que cubre bastantes facetas y preocupaciones de una persona con el suficiente tiempo para reflexionar (¿perder?) de cuanta cosa le pasa por su cabeza. El mensaje principal del álbum es que los 40 llegan con toda a arrasar con sus afanes y responsabilidades (lo sentimos mucho Daniel que está en sus 20s con todas las ilusiones intactas). Sacamos todo lo que teníamos en la cabeza a través del punk rock que tanto nos apasiona», agrega la banda.
‘Ruido Blanco’ de Independiente 81 criticaa los tiempos actuales en tono oscuro y pesado en ‘Mi droga menos favorita’, aborda el rock con una pizca de hardcore melódico en ‘Indignación’, se burla de sí mismo en ‘Básico’, le hace una crítica social a la vida adulta con algo de humor en ‘Dile a la Dian’, le canta al amor y a las vibraciones positivas en ‘Llévame a casa’, reflexiona a través del rock en ‘Quédate a mi lado’, impregna pop punk en su máxima esencia en ‘El mal menor’, inspira un pogo agresivo con ‘En nombre de ella’, presenta una balada honesta y llena de sentimiento, un leve desgarro del alma, en ‘Tan solo ayer’; y le canta a la melancolía y la esperanza a través de una balada neo en ‘No dejes que se apague la luz’.
«Queremos que ‘Ruido Blanco’ llegue a la mayor cantidad de países y público posible y que los que lo escuchen conecten, a su manera, con la propuesta. Esperamos que este trabajo reciba buenos comentarios (los malos por favor con tacto porque somos sensibles) y logre conectar con las almas rockeras de la región», puntualiza Independiente 81.
Independiente 81 realizará el lanzamiento oficial del disco ‘Ruido Blanco’ el sábado 19 de octubre en Bogotá en la cervecería Statua Rota del Parkway. El concierto contará con la participación de las bandas amigas Blast55, Los Rabones, Bonus Trak y One Reason To Rise. «El nuevo álbum de Independiente 81 es una gran apuesta que hicimos desde su grabación hasta su conceptualización. Hay sonidos variados dentro del punk rock, el pop y el rock. En términos de las canciones, sus letras y ritmos son para todo el mundo y creemos que es un gran disco de rock colombiano que vale la pena oír. Fue trabajado con tiempo y dedicación y consideramos que se nota en el resultado final. La experiencia de haber tocado tantos años y conocer el género también cuenta», concluye Independiente 81.
Los Inconformes es una banda de ska y rock, fundada en Puerto Rico en los años 90 en una época donde la escena del rock nacional de su país comenzaba a dar los primeros pasos de lo que serían las agrupaciones que definieron el género en la isla.
Durante su carrera, el grupo ha tenido variación en su alineación, sin embargo, cada integrante ha aportado significativamente al proyecto hasta lograr consolidarlo como uno de los proyectos protagónicos del movimiento rock en Puerto Rico.
Abcir Meléndez (voz), Luis Santiago (guitarra), Héctor Cott (batería), Ángel Omy Rey (saxofón), Nicolás Rivera (congas), Víctor Hernández (bajo), Xavier Aponte (trompeta), Jose Cruz (saxofón) y Sony Díaz (trombón), integrantes de Los Inconformes en la actualidad, se definen como pioneros en Puerto Rico de la fusión de ska con otros géneros como el rock, reggae, rap, punk, funk y hardcore.
«A través de nuestras canciones tratamos de abordar todo tipo de temáticas. La vida nos sucede y como tal, así nacen las canciones. Pueden ser experiencias de vida como, situaciones de corte social, político o situaciones jocosas. En fin, de todo lo que nos rodea o inspire al momento de escribir siempre será perfecto para convertirlo en una canción», cuentan Los Inconformes cuyas influencias están marcadas por proyectos como Los Fabulosos Cadillacs, Control Machete, Voodoo Glow Skulls, Bad Religion, Red Hot Chilli Peppers, entre otros.
‘Así no se puede querer’ es lo nuevo de Los Inconformes, una canción que cuenta la historia de una Femme Fatale que utiliza sus atributos para dominar a un hombre. El sencillo tiene una base de ska con secciones de punk, rock pesado y un toque de flamenco español.
«Usualmente estamos acostumbrados a escuchar las historias de los chicos malos que se aprovechan de las mujeres, en este caso, la intención fue invertir la historia y que la mujer fuera la figura dominante de la canción. Básicamente ella es una Femme Fatale y durante el trayecto de la historia vemos cómo él se envuelve en este juego que, a pesar de que sabe que esta aventura tendrá un final oscuro, le resulta imposible de resistirse ya que le fascina este juego de seducción», enfatiza el grupo.
‘Así no se puede querer’ está acompañada de un videoclip que sigue el concepto de la letra de la canción. Se ve a la chica fatal entrar a un bar y mientras está en una barra tomando unos tragos junto a su cigarrillo, muestra varios cambios de conducta hacia su ‘víctima’. El clip refleja esas noches de fiesta, jolgorio y bohemia en las que no se sabe lo que pueda suceder.
Para Los Inconformes: «Al ver cómo se maneja la industria musical hoy en día entendimos que la mejor decisión en estos momentos es salir con sencillos de manera continua y de esta manera poder extender la vida de cada canción, tener tiempo para crear nuevas canciones con sus fusiones particulares y a la vez alimentar nuestra proyecto y propuesta ya que en la actualidad todo se mueve más rápido y la vida de un EP no es la misma que hace varios años atrás».
Los Inconformes se presentarán el próximo viernes 11 de octubre en el Rotofest en Cuenca, Ecuador y esperan seguir extendiendo su alcance internacional a varios países de Latinoamérica.
Los puertorriqueños visitaron Colombia en 2023 en el Ska Para Todos Fest en Bogotá y compartieron escenario con agrupaciones como El Punto Ska, Dafne Marahunta, Desorden Social y Los Highros.
«La meta de nuestra propuesta musical es disfrutar lo que hacemos. El ska es un género que invita a estar con amigos y eso intentamos hacer. Buscamos con nuestras canciones que quienes nos escuchen olviden sus problemas y tengan un momento de relajación y buena energía», concluyen Los Inconformes.
Ale Camalión es el proyecto solista de Alejandro Cardona Arango, un músico de la ciudad de Medellín, Colombia que busca vivir su vida de la manera más plena y esto lo logra haciendo música. Tras haberla abandonado durante 6 años por la presión social que dice «de la música no se vive», y caer en su más profunda depresión, entendió que una vida sin razón no es más que una mísera existencia por lo que decidió continuar trabajando como diseñador gráfico solamente para apostarlo todo tratando de algún día vivir de hacer música.
«Siempre sospeché de sufrir depresión, pero fue tan solo tras haberla vivido en su peor expresión que entendí lo que implica para alguien padecer una enfermedad como esta. Entonces tras conocer el canto de esa Gran Sirena, busco ofrecer mi voz enmarcada en un paisaje sonoro, esperando que todos aquellos que duermen bajo agua atados al canto de la depresión y otras sirenas, puedan escucharla y les sirva para liberarse, aunque sea lo suficiente como para volver a respirar», cuenta.
A través de sus canciones, Ale Camalión deja un mensaje claro: «no estamos solos en esta lucha contra nosotros mismos y al igual que mi música, yo mismo quiero ser apoyo, compañía y a su vez encontrar en los demás eso mismo».
Ale Camalión está inspirado por los ritmos y sintetizadores del synthpop y new wave, las guitarras cargadas de efectos del shoegaze y dream pop, las melodías vocales de The Beatles y el pop más actual, y la libertad de explorar el sonido que se permite el rock progresivo.
«Busco crear aquellas fotografías de mi mundo, referenciado en bandas como Tan Biónica, Zoé, MGMT, Arcade Fire, El Mató a Un Policía Motorizado, Margarita Siempre Viva y La Banda del Bisonte, entre otras», agrega el artista paisa.
‘Mal y un reloj’ es lo nuevo de Ale Camalión, una canción que aborda una temática conflictuante para quienes padecen de alguna enfermedad mental. Busca recrear ese espacio delirante que es la cabeza cuando escucha cantar a la sirena, mediante reverberación, sintetizadores que crean ambientes espaciales, pero manteniendo un ritmo y dinámica en el sonido. Es perfecta para escuchar no solo cuando se recae en esos problemas derivados de la neuro divergencia, sino también cuando se pasa por esos buenos momentos donde abunda el aire, donde igualmente es importante recordar que la vida es un vaivén.
«En la mayoría de los casos estas enfermedades nos acompañarán durante toda nuestra vida, por eso, es preciso aceptar que ese mal interior es parte de quienes somos y para aceptarnos a nosotros mismos también debemos entender a este como una parte nuestra. Así entonces, aunque a veces parezca que nuestros demonios ya no están, es solo cuestión de tiempo para que regresen, y es aquí donde está la importancia de saberlo, para así aprender a estar preparados y enfrentarlos nuevamente», enfatiza el músico.
El videoclip animado de ‘Mal y un reloj’ representa un poco lo que es hundirse en el fondo del mar que hay en la cabeza. Entonces se ve cómo los hábitos, el día a día, los pensamientos y hasta añoranzas, comienzan a nadar allí junto al intento por seguir a flote.
‘Mal y un reloj’ es el tercer lanzamiento de Ale Camalión y la canción que más logra acercarse al sonido que imagina para su proyecto. Inicialmente hace parte de lo que sería su Ep debut, aunque existe la posibilidad de que se convierta en un álbum. En cualquiera de los casos, será un viaje introspectivo donde nadaremos desde lo más hondo de su cabeza hasta la superficie, recorriendo los sucesos más trascendentales que ocurrieron hasta llegar allí.
Actualmente, Ale Camalión se encuentra trabajando en su próximo lanzamiento ‘Noche negra’ que ya está en proceso de mezcla y saldrá a finales de octubre o principios de noviembre.
«Todas mis canciones han sido grabadas en Medellín en el estudio Particular.rec, producidas por mí y por Simón Ramírez Acosta (guitarrista de La Banda del Bisonte), mezcladas por el mismo Simón y masterizadas por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy. La interpretación ha estado en manos de Simón Ramírez en las guitarras y bajo, Alejandro Campero en la batería (Miembro de Armenia) y por mí en los teclados y voz», puntualiza.
«Creo que para todos aquellos que nos embarcamos en este sueño nos es inevitable imaginarse algún día en medio de un estadio en el abrazo de miles de personas y, aunque no soy la excepción, la búsqueda de mi felicidad es la razón por la que hago música, así que con poder dedicarme 100% a mi música y de ayudar con ella a cuanta gente pueda, doy por cumplido el objetivo; sin embargo, conociéndome bien, soy un poco ambicioso y buscaré siempre llevar mi música a un nivel más alto, pues adaptarse al cambio para mejorar es en parte una de las razones por la que me llamo Ale Camalión», concluye.
Luego de haber dedicado el primer semestre del año a la exploración musical, con bastantes horas en estudio probando diferentes equipos y sonidos para sus futuros lanzamientos, el artista de punk rock colombiano Ollie Bend está de regreso con nueva música. Esta nueva etapa en su carrera lo ha llevado a tener nuevas influencias y a ampliar sus horizontes, inspirado y motivado a romper las barreras de la música moderna con un proyecto que está en proceso.
‘Sweet Liar’ es lo nuevo de Ollie Bend, una canción con sonido punk rock que nació cuando el artista, luego de mudarse a una ciudad diferente en Estados Unidos, conectó su guitarra por primera vez en su nuevo hogar. Habla acerca del desgaste y de un abrir de ojos a un amor que no está ahí. Una aceptación y muestra de desinterés a aquello que nos desgasta innecesariamente.
Es una canción abierta a las diferentes experiencias y dramas amorosos que cada persona ha vivido, donde la voz actúa como un desahogo. Su temática principal es el alter ego del amor, una versión de relación completamente contraria a lo que todos esperan del mismo.
«Al tocar, me produjo una sensación de un aire diferente y el comienzo de una nueva etapa en mi vida. Así describo el riff con el que comienza la canción, un riff enérgico alimentado por el sonido único de las guitarras Les Paul y la potencia de los cabezotes Marshall, seguido de un nuevo tono de voz más agresivo y propio del punk rock», comenta Ollie Bend.
El sonido de ‘Sweet Liar’ está muy inspirado en los tonos de guitarras del álbum ‘American Idiot’ de Green Day, el cual hace doce años fue la puerta de entrada del músico colombiano al mundo del rock, fue la inspiración perfecta para coger una guitarra por primera vez y el punto de partida de lo que es hoy musicalmente. En la batería tiene influencias de Travis Barker de Bink-182.
‘Sweet Liar’ es el regreso a las raíces musicales de Ollie Bend, es la muestra de lo que el artista puede hacer en el mundo del punk y es el punto de partida de lo que será una nueva etapa en su carrera musical. Esta canción es la demostración más pura de que, por mucho que el mundo cambie de una forma exponencial, el punk siempre va a ser la mejor y más sincera manifestación artística de expresión enérgica y atemporal. Una muestra más de que el rock jamás estará muerto.
El video de ‘Sweet Liar’ refleja el sentimiento de Ollie Bend al grabar la canción. Se muestra el proceso de grabación de varios instrumentos de forma independiente que convergen en el sonido completo y potente que tiene la canción. Es una canción con bastante energía, perfecta para comenzar el día y para hacer deporte o alguna actividad llena de adrenalina.
La portada del sencillo es una representación de lo que fue Ollie Bend en la composición de la canción. Estando en un espacio nuevo, encerrado con instrumentos e impulsando la creatividad.
«Una vez terminado el demo de la canción, me acosté en el suelo a escucharla, mientras veía los instrumentos que acaban de crear este nuevo track en un nuevo espacio, mientras tenia de frente a mí brazo con tatuajes que expresan mi historia musical. Fue un momento bastante significativo, por eso quise capturar el momento y adherirlo al conjunto de expresiones que la canción es para mí», enfatiza el artista colombiano.
‘Sweet Liar’ es la primera de un conjunto de canciones que hace parte de un proyecto en el que Ollie Bend está trabajando. Antes de finalizar el año, el músico lanzará un último sencillo que sentará las bases y a la vez se convertirá en un nuevo adelanto de lo que será su próximo disco de estudio. Este single irá acompañado de una serie de shows en Florida, Estados Unidos, los cuales serán anunciados a través de sus redes sociales.
Después del lanzamiento del sencillo ‘Kickin’ Stones’ y de tener un gran recibimiento en medios de comunicación en más de 40 países en todo el mundo en donde The Mighty One envió un mensaje de preservar la vida a través de una balada rock, y de alcanzar un óptimo posicionamiento en redes sociales y plataformas digitales, el proyecto de rock canadiense liderado por Tim Steinruck, está listo para un nuevo paso en su carrera musical independiente y autogestionada.
«El lanzamiento de ‘Kickin’ Stones’ fue un proyecto épico y tardamos meses en montarlo. Encontrar un almacén que no costara miles de dólares fue el mayor reto. Al final encontré una empresa local que coincidía con mis intenciones de crear un video que sirviera de catalizador para incentivar conversaciones sobre la salud mental y la prevención del suicidio. Los dos propietarios de Burnaby Blacktop se han recuperado de adicciones a sustancias y han puesto en marcha un centro de reinserción para hombres, por lo que estaban muy motivados para apoyar mi visión. Después de eso todo encajó muy rápidamente. 250.000 transmisiones digitales y casi 100.000 reproducciones en YouTube son un gran impulso para un artista independiente», comenta Tim.
‘When This Is Over’ es lo nuevo de The Mighty One, una canción incluida en el disco ‘Torch Of Rock And Roll’ que plantea una visión de cómo sería la vida cuando todo el miedo de lo vivido en la pandemia hubiera pasado. Es un himno de esperanza para las épocas más oscuras.
La canción habla de la fuerza que viene a desafiarnos y a poner a prueba nuestra voluntad de sobrevivir. Vencer el miedo es la mayor victoria que podemos tener en nuestra vida. El miedo nos roba la alegría. En muchos sentidos, es la enfermedad más poderosa y rampante a la que nos enfrentamos en el mundo actual. La esperanza, y el saber que un día todo acabará, es la cura. La esperanza y la visualización de un futuro brillante son las claves para superar un presente oscuro.
‘When This Is Over’ es un tema triunfante a nivel sonoro, tipo marcha hacia la batalla. Una de las características musicales únicas de esta canción es la línea de bajo giratoria, «burbujeante» y sincopada. Está impulsada por el estribillo y aporta esa sensación de galope que se tiene en canciones como ‘Run To The Hills’ de Iron Maiden. Otra característica importante son las armonías vocales a tres voces en el estribillo, que dan mucho protagonismo al tema de la esperanza. En el puente del tema se anima al oyente a levantarse y a luchar, sigue un canto indígena que aporta fuerza, valor y la bendición del espíritu para la batalla que se avecina.
«La canción se inspiró en la necesidad de creer que un día la oscuridad de la pandemia terminaría. Ese día celebraremos la vida y un futuro brillante. Creo que ahora mismo eso es más importante que nunca. Ahora digo: «Siempre está más oscuro justo antes del amanecer», agregaSteinruck.
‘When This Is Over’ está dirigida a las personas que estén luchando a diario con la vida, aquellas que no ven la manera de seguir adelante y han perdido la esperanza. Es una invitación a cerrar los ojos y visualizar la vida que realmente se quiere, si se logra este objetivo con el tiempo se hará realidad.
El visualizer de la canción fue realizado por el artista David D quien le pidió a Tim cinco palabras claves que describieran la canción las cuales fueron: cosmos, mago, fuego, guitarra y eléctrico.
Según Tim Steinruck, «este lanzamiento podrá ayudar a la audiencia a experimentar una faceta poderosa. Es mi intención que esta canción continúe construyendo sobre el impulso que se creó con ‘Kickin’ Stones’ presentando un lado diferente de la música de la banda. Es perfecta para escuchar siempre que sientas que has perdido la esperanza y que no puedes seguir adelante, que necesites recordarte a ti mismo que lo que estás viviendo es temporal. Esta noche oscura acabará y volverá a salir el sol. No te rindas. No te dejes vencer por el miedo».
La portada del sencillo es una combinación de la sesión de fotos del video de ‘Kickin’ Stones’ y el logo de la banda que es una llama. Significa el nuevo fuego que arde desde el exitoso lanzamiento de ‘Kickin’ Stones’. En muchos sentidos, es una celebración y una culminación.
Adamant es un grupo de rock de Panamá que nace del proyecto solista del guitarrista Christian León, quien junto al baterista Jacques Paul Smith, decidieron continuar plasmando su música después de que un par de bandas en las que estuvieron no funcionaran. Bajo el nombre del proyecto solista de [Christian] se lanzaron las canciones ‘Universo Interno’, ‘Despertar’ y ‘Una Historia que Contar’. Durante la producción de la cuarta canción ‘Nueva Rosa’ se unió al proyecto el cantante Ian Evers.
«Algunas de nuestras líricas tocan temas filosóficos sobre la vida, la consciencia, el espíritu humano y su relación con el todo, la superación personal, el seguir adelante a pesar de los obstáculos, pero, así mismo, algunas de nuestras líricas tocan temas más terrenales como ‘Decirte Adiós’ que trata de cuando decidimos dejar algo atrás en nuestras vidas, ‘Fragmentos de Luz’ que habla sobre el amor romántico o ‘No Podrás Ocultar’ que cuenta la historia de amor prohibido. En resumen, queremos expresar el mayor espectro posible de la vida misma a través de nuestra música, pero siempre dando ese hincapié de inspiración y elevación», comenta Adamant cuyas influencias son tan diversas que van desde Dream Theater en el aspecto de la elaboración de arreglos musicales, Nightwish en la integración sinfónica al rock, y Muse en la combinación de sonidos electrónicos al rock.
‘Nueva Rosa’ es lo nuevo de Adamant, una canción escrita musicalmente por Christian León y en letra a cargo de Jacques Paul Smith. Habla del despertar de una nueva consciencia humana, más empática, amorosa, genuina y en armonía con todo a su alrededor y con El Todo. Es una canción de amor, pero amor hacia el proceso de la vida.
La producción de ‘Nueva Rosa’ terminó siendo el catalizador para la creación de Adamant como banda. Es una canción que se expresa a través del rock progresivo con influencias metal y sinfónicas, manteniendo la melodía fresca y catchy.
‘Nueva Rosa’ es el primer sencillo de Adamant y se lanza como single que contiene 3 tracks: ‘Nueva rosa’, ‘Nueva Rosa’ (Radio Edit) y ‘Nueva Rosa’ (Instrumental). Adicionalmente, el grupo panameño ya finalizó la grabación y edición de su segundo sencillo ‘Sueños y Señales’ y entra en proceso de mezcla y masterización. ‘Carpe Diem’ y ‘Decirte Adiós’ serán las canciones que seguirán, las cuales están en los procesos finales de edición.
Adamant significa «De espíritu y voluntad inquebrantable» y bajo ese ideal se formó este proyecto musical en donde sus integrantes buscan expresar la vida misma a través del rock con influencias alternativas, progresivas, metal, pop y sinfónicas. Mezclando los gustos, ideas y la creatividad musical, el grupo busca posicionarse como una nueva y necesaria propuesta rica en arreglos elaborados, prolífica técnica musical, melodías memorables y líricas inspiradoras, pero relacionables para quienes los escuchen.
«Adamant abarca una diversidad de sonidos, temáticas, intensidades y mezcla de géneros musicales tan amplia que sabemos que cualquier persona podría escuchar y relacionarse con alguna canción para cualquier momento o situación de su día. Hay canciones con mucha intensidad energética y líricas cantables para aquellos que quieran iniciar su día con todo, o para hacer ejercicio o tener un boost de energía a través del día. Hay otras que son más baladas con temas amorosos para aquellos que quieran sentir/cantar/conectarse con sus emociones en algún momento. Hay canciones más straight-forward estilo rock alternativo para la escucha de cualquier momento y también existen instrumentales orquestales para aquellos que buscan esa experiencia cinemática inspiradora. Creemos que hay algo de Adamant para todos y para cualquier momento», enfatiza el grupo.
En septiembre, Adamant realizará un evento en Panamá para darle oficialización al lanzamiento de ‘Nueva Rosa’ y también para presentar nuevas canciones a todos sus seguidores.
«Creemos que es importante que Latinoamérica tenga propuestas musicales con contenido, llenas de fondo y no solo forma, que puedan llevar al oyente a buscar superarse de una forma u otra a través de la inspiración que la música causa. Vivimos en una época en donde la música en español está dominada por géneros musicales que apuntan hacia lo efímero, lo groso, lo pasajero, aquello que llamamos «música estilo comida chatarra» la cual consumes rápido y deshechas, y ya se siente vieja al par de meses. Creemos en el ideal de que la música debe apuntar hacia la belleza, lo atemporal y lo eterno y que, en ese proceso, las personas se nos unan en este viaje. Nuestras expectativas son sencillas: Ser lo que describimos y llegarle a la mayor cantidad de personas para tocar y elevar el espíritu y los corazones», concluye Adamant.
Supremo es el proyecto musical del colombiano Juan Manuel Cárdenas, un artista soñador y creador de un legado musical que asegura quedará para varias generaciones. Es un melómano que hace caso a su intuición, a su oído y a su gusto musical, experimentando cada sensación que genera agregar un sonido diferente en el proceso creativo de una obra. El proyecto nace después de hacer música urbana durante 17 años y de tener un despertar de conciencia que lo llevó a experimentar y a encontrar su identidad celebrando y honrando los ritmos de sus ancestros.
La intención de la propuesta musical de Supremo es celebrar y honrar la música colombiana, los ritmos, los instrumentos, la cultura, las regiones, la identidad, la gente y los ancestros con el fin de sensibilizar a las futuras generaciones de la riqueza musical que hay en el país.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de alegría. A lo largo de mi vida, la música ha sido una salida a diferentes escenarios de depresión, ansiedad y estrés, y con su compañía he logrado encontrar alegría, paz y tranquilidad; y eso es lo que quiero compartir a todo aquel que quiera escucharla, vibrarla y disfrutarla. Mi música es creación de lo más profundo de mi corazón con historias cuya fuente principal de inspiración es el amor», comenta Supremo cuyas influencias son la cumbia, el vallenato, el porro, el currulao, la salsa, el rock y el rap en artistas como Joe Arroyo, Juancho Rois, El Pollo Isra, Lucho Bermúdez, Jairo Varela, Los Mirlos y Caifanes.
Supremo presenta ‘Colombia (Guajira y Tambores)’, una canción que rescata lo mejor de Colombia. Es un homenaje a las generaciones pasadas y a los héroes que se han forjado en Colombia ámbitos como los deportes, la música, los escritores y los científicos, entre otros. Es un canto a la riqueza natural y a la diversidad cultural de Colombia. Es un poema hecho canción.
«Esta canción es mi forma nada humilde de expresar mi gratitud y respeto a mi país. Es un homenaje a Colombia, a mi familia, mi sentir, mi corazón, nuestra gente y nuestros héroes que durante generaciones nos han brindado alegrías», enfatiza el artista.
En su versión original (Cumbia) es un poema que pasa por todas las regiones sobre un ritmo de cumbia sabanera acompañada de tamboras, cantos y acordeón.
«Dejé su sonido criollo grabado de una papayera y de voces en vivo porque así suena la cumbia en el Magdalena, lugar en donde fue grabada esta obra musical», cuenta.
La versión electrónica es donde Supremo aplica todos los elementos y conocimientos adquiridos en la música urbana acelerando su tempo y creando un merengue vallenato con sonidos electrónicos que crean una fusión alegre y bailable.
«Es aquí donde honro mi familia. Escuchar vallenato durante toda mi vida en una familia de clase media amante del vallenato y sus artistas fue una gran inspiración», menciona.
https://youtu.be/1ryMZPBDQqY
El video de la versión electrónica de ‘Colombia (Guajira y Tambores)’ tiene un concepto vintage en donde los protagonistas son un viejo grupo de televisores en los que se reflejan diferentes momentos de la historia de Colombia desde 1987, año de nacimiento de Supremo hasta 2024.
El videoclip se filmó en Bogotá en los estudios de Black Communications, y fue dirigido y editado por Sebastián Cárdenas y Juan Manuel Cárdenas, quienes también crearon desde cero la portada del sencillo recreando una estampilla del mar caribe y la silueta de un juglar vallenato en cuya sombra se visualiza el famoso sombrero vueltiao, todo en el concepto de una carta dirigida a Colombia.
‘Colombia (Guajira y Tambores)’ es una canción perfecta para escuchar al amanecer, mientras se tima un café y se inicia el día con las vibraciones altas, pensando en lo bendecidos que somos al nacer y ser colombianos. También se puede escuchar para celebrar un triunfo de nuestra selección o de un deportista en general, para despertar el orgullo que sentimos del país, para subir la energía y correr, y para trabajar armónicamente. Fue hecha en la nota Fa que conecta con el corazón, es propicia para cualquier actividad en el que dicho órgano esté involucrado.
‘Colombia (Guajira y Tambores)’ hace parte del disco ‘Soulution’ (Una solución para el alma), un álbum creado completamente en casa a través del celular de Supremo. La producción también contará con fusiones de música electrónica, sonidos de la naturaleza y folklore instrumental. Se espera que el disco de nueve tracks esté listo a finales de año.
Durante los próximos meses Supremo estrenará ‘Los reyes del mambo’, una cumbia, rap y rumba psicodélica en colaboración con el artista urbano Big Daddy (su alter ego). Será el abrebocas de este álbum cuya columna vertebral es la cumbia, fusionándola con distintas expresiones y ritmos.
«Estoy en un momento de mi vida en donde expreso todo mi ser en mis obras y en mis composiciones. Quienes escuchen mi propuesta serán testigos de la más fiel expresión de amor. No tengo reglas para hacer música, no me cohíbo de mezclar sonidos ni al crear una estructura musical, no tengo patrones a seguir. Lo que escucharán es un producto visceral de mi mente, mis emociones, mi gusto y mi oído musical. No se priven de escuchar a un artista genuino, con mucho que contar y con mucho que compartir en sus creaciones», concluye Supremo.
La agrupación de Queer Punk Entreco, originaria de Cali y perfilada como una de las grandes promesas de la escena colombiana, estrena su nuevo álbum de estudio ‘T.V’.
Entreco juega con las melodías para encapsular intenciones y ofrece espectáculos en vivo que dejan una huella indeleble en el público, generando expectación por lo que vendrá.
La banda caleña proyecta una imagen de rebeldía que celebra la libertad de vestirse, expresarse y vivir sin miedo al juicio de los demás. Entreco se define por su autenticidad. Más que músicos; son individuos que viven intensamente y se expresan a través de su arte y estilo personal.
Sobre T.V
La producción, grabación, mezcla y masterización del álbum estuvo a cargo de la vocalista de la banda, Wabi Arias Sierra, en su estudio Baby Ramen. La producción discográfica fue lanzada bajo el sello Bota Roja Records radicado en Cali, Colombia.
El disco viene acompañado del sencillo promocional ‘Un Mar’. Con desgarradoras instrumentales que tocan el alma y letras introspectivas, la canción captura la sensación de ahogo y la lucha por mantenerse a flote en un océano de emociones. Es una pieza musical que resuena con la experiencia universal de navegar por aguas desconocidas del corazón.
‘Un Mar’ sumerge al oyente en la tumultuosa etapa adolescente, donde las emociones son un mar de sentimientos inexplorados. El videoclip se rodó en Sala Cali Underground bajo la dirección del caleño Nícolo Meneses y la producción de Tres Pescados Films (productora de Nícolo Meneses) y Bota Roja Records.
El audiovisual refleja la intensidad que se siente al presenciar un show en vivo de Entreco y ‘Un Mar’, según explica el director, captura lo que siente el público en los conciertos de la banda, ya que cuenta con todo tipo de intensidades e intenciones distintas que la convierten en toda una experiencia para el oyente.
El sonido de Entreco ha llamado poderosamente la atención del público, pues a su base rockera, que va del punk al indie y otras derivaciones, suman un elemento muy particular: el uso de la trompeta.
La alineación un tanto atípica, la energía que despliegan sobre el escenario y una lírica conectada con las inquietudes de su generación, los han llevado a ganarse un público joven y entusiasta que corea sus canciones con mucha pasión.
Aun siendo muy jóvenes en la escena, su música y actuaciones en vivo son tan sólidas y maduras como los de las mejores bandas del país. esto les ha permitido girar dentro y fuera de Colombia.
En estos seis años de intenso trabajo, no solo lanzaron el EP ‘Las Primeras’ y varios sencillos más, sino que también han abierto camino para sus presentaciones en vivo, ya sea como invitados de otras agrupaciones o en festivales como FIURA, el Festival Internacional Unirock Alterrnativo y Rock X La Vida.
Entreco son Wabi Arias ‘Wabs’ (Vocalista/Bajo), David Perdomo ‘Yuki’ (Guitarra/Coros), Juan Sepúlveda ‘Trompe’ (Trompeta/Coros/Bajo) y Camilo Morales ‘Mostri’ (Batería).
El cantante de trap y rap colombiano Ha$lopablito está de regreso con un nuevo sencillo que promete ser un himno para los fanáticos del fútbol y la música.
‘La Cumbia del Tigre’, canción que lanza a través del sello M3 Records, celebra la llegada de Radamel Falcao García al equipo de fútbol Millonarios FC, marcando un momento icónico para el deporte y la cultura musical de Bogotá.
Ha$lopablito, conocido por su distintivo sonido que mezcla trap/rap con samplers de funk, reggaetón y salsa, ha creado una pieza que captura la emoción y el orgullo de tener a una leyenda como Falcao en uno de los equipos más queridos de la capital colombiana.
‘La Cumbia del Tigre’ no solo rinde homenaje al futbolista, sino que también refleja la energía y la pasión que Ha$lopablito aporta a cada uno de sus proyectos. Sonó por primera vez en estadio El Campín durante la ceremonia de recibimiento de Falcao, asegurando que este homenaje sea recordado por todos los asistentes.
Con esta canción, Ha$lopablito continúa demostrando su versatilidad y capacidad para conectar con su audiencia a través de letras poderosas y producciones innovadoras.
‘La Cumbia del Tigre’ es una celebración tanto del deporte como de la música, y está destinada a convertirse en un favorito tanto en las canchas de fútbol como en las pistas de baile.
Viajero es una banda colombiana de indie rock y electro rock residente en la ciudad de Medellín Antioquia. Integrado por Juan Gabriel Bustamante, productor, líder vocal y guitarrista; José Lopera, baterista; Andrés Suaza, teclados y programación; y Johnny Meléndez, coro y guitarra; el grupo tiene como intención de su propuesta musical proponer, innovar y enriquecer la escena musical independiente y alternativa latinoamericana con un sonido fresco e innovador. Es perfecto para escuchar en momentos de pausa y reflexión, pero también para momentos de éxtasis y catarsis.
«Las letras de Viajero representan las vivencias e interpretaciones del mundo habitual, la vida cotidiana, el viaje introspectivo, los sueños, la nostalgia, la resistencia, la gratitud por el presente, el éxtasis ante la simpleza y grandeza de la existencia. La conexión espiritual con el entorno», comenta el grupo con influencias de Depeche Mode, Pink Floyd, Sting, Coldplay, U2, Tears for Fears, The Cure, Muse, Soda Stereo, Gustavo Cerati, Fito Páez, Caifanes, Zoé, Café Tacvba y Draco Rosa.
‘Nican Axcan’(aquí y ahora) es el más reciente lanzamiento de Viajero, sencillo que le da el nombre a la más reciente producción del grupo colombiano. Es una pieza musical cargada de ancestralidad que nace luego de un viaje a Teotihuacán, México. La canción está basada en un antiguo poema Anáhuac llamado Niquitoa que resalta la fragilidad de la vida, pero también nos centra en el presente como fuente de poder y nos invita a honrar y agradecer por el presente.
«Un guía del lugar nos compartió la filosofía Anáhuac sobre el presente que dice que si queremos estar en él lo primero que se debe hacer es remitirse a los latidos de nuestro propio corazón, que el presente está en cada uno de nosotros vivos, latiendo», agrega Viajero.
‘Nican Axcan’(aquí y ahora) aborda el ritmo de chacarera soportado por elementos de síntesis y samples elegidos, guitarras acústicas y eléctricas, texturas y arpegiadores junto a una base de rock clásico y otros elementos electrónicos y folclóricos.
El video de la canción es un liryc con los logos animados, unas texturas visuales y una fuente que conecta al observador con el concepto mencionado.
‘Nican Axcan’ (aquí y ahora) es el quinto sencillo de diez canciones que harán parte del nuevo disco que prepara Viajero. La banda prepara su próximo lanzamiento ‘No hay límite’ con un sonido de rock electrónico y una temática futurista en sus arreglos de texturas y síntesis. El concepto de la letra habla de que el único límite es mental, invita a la conexión con esa fuente que no podemos ver, pero que nos hace avanzar desde lo incierto y etéreo hasta lo concreto.
Viajero planea lanzar periódicamente los tracks restantes del álbum y unificarlos en una producción para compartirlos en todas las plataformas digitales y hacer algunas piezas físicas del disco.
«Somos una banda con un sonido único y unas temáticas variadas y honestas que seguro van a conectar con las vivencias de cualquiera que se permita escucharlo. Las canciones también pueden ser un gran medio para la introspección y el viaje interior, música para la conexión universal y la conciencia sobre el territorio personal, las conexiones sensoriales y espirituales a través de la música», concluye Viajero.
La cantautora colombiana Ana Botero presenta su nuevo sencillo ‘Sin filtro’, una canción que nace de un conflicto interno entre el odio y el amor, el dejar o seguir. Una incertidumbre mental que surge cuando las emociones se alborotan y no hay claridad sobre cómo actuar frente a lo que en el fondo es simplemente dolor.
«Por lo general, esto sucede con la gente que más amamos. Discutimos, nos sentimos mal y, después, en la soledad, llegan las mil voces que quieren hablar sin filtro. Pero, por más rabia y enojo que haya, al final la voz del amor siempre gana», comenta Ana Botero.
‘Sin filtro’ reúne sonidos andinos colombianos como el bambuco con un toque pop-folk. La canción cuenta con la colaboración musical en interpretación de voz y guitarra por Giorgio Rome, cantautor colombiano; Nicolás Sadovnik, cantante y requintista de la banda Los Carrangomelos, en la interpretación de requinto, tiple, percusión, producción, mezcla y master; y de Juan Pablo Camacho, bajista de la banda Guaita, entre otras, interpretando el bajo.
La artista colombiana Loy (quien en tiendas digitales ahora se encuentra como Soy Loy) está de regreso con nueva música. En esta ocasión, la cantante y compositora de la ciudad de Medellín presenta su nuevo lanzamiento titulado ‘Un poquito mejor’, una canción de agradecimiento, inspirada en las relaciones humanas. Toca asuntos tan importantes como la inteligencia emocional, la salud mental y la conexión con la familia y los amigos.
Es una canción personal que Loy compuso desde su lado más sensible, vulnerable e íntimo. Es un tema hecho para las personas que aman y protegen siempre a toda costa. El sencillo lleva un mensaje de amor y gratitud con el que la artista busca crear conciencia en quienes la escuchen.
«Es una canción especial para mí, porque cuando comencé a escribirla lo hice pensando en mi familia y esas personas cercanas a mí que hacen que todo se sienta mejor cuando veo que el mundo se me viene abajo. De tantas personas que conocemos a lo largo de la vida, realmente son pocas a las que podemos llamar amigos. Son ellos, los amigos y la familia, quienes siempre nos aman y apoyan incondicionalmente sin importar nada. Para ese circulito pequeño que nos rodea hice esta canción», cuenta Loy.
‘Un poquito mejor’ explora sonidos de pop angloamericano, dándole una versatilidad a la propuesta musical de Loy, quien día a día trabaja arduamente de la mano de su sello Indiemass Music para ofrecer sonidos frescos e innovadores en la competida industria musical.
El video de ‘Un poquito mejor’ se caracteriza por su naturalidad, es un viaje por los mejores recuerdos y momentos vividos de Loy junto a sus seres queridos.
«Desde que hice la canción supe que quería que mi familia saliera en el video y al momento de pensar en el concepto y en cómo plasmarlo, opté por usar videos y fotos de mi celular. Esos son los momentos más hermosos, porque muestran la realidad de cómo soy en mi día a día con mi familia. Quería que fuera muy orgánico», agrega la artista.
‘Un poquito mejor’ está hecha para escuchar en cualquier momento del día, al levantarse para sentirse agradecido, cuando haya un mal día, para recordar que todo estará un poquito mejor siempre; cuando se esté cocinando o manejando para disfrutar de una buena melodía o cuando se está con los amigos pasando un buen rato y dejando de lado la rutina. Es una invitación a apropiarse de la canción como cada uno mejor la sienta.
Según Loy, ‘Un poquito mejor’ «no fue difícil de hacer porque el sentimiento y la intención eran tan claras que todo fluyó de una forma linda y espontánea, tanto la letra como la música. Al grabar las voces, quisimos que quedara natural, suave, íntima, personal y cercana».
Loy (ahora como Soy Loy en plataformas musicales) continuará sorprendiendo a todos sus seguidores con historias verdaderas y sonidos innovadores que giran en torno al pop y a sentimientos personales. La artista tiene claro que no hará canciones por moda o con letras sin sentido, quiere sumarle a la industria de la música, a los oyentes y a la vida con contenido de calidad.
«‘Un poquito mejor’ tiene un mensaje que merece ser escuchado, hemos pasado años escuchando canciones sin sentido, por eso, es importante que volvamos a llenar nuestra cabeza y nuestro corazón de letras que nos sumen», concluye Loy.
Ser artista, componer, producir, cantar, es una oportunidad de llevar un mensaje al mundo de forma masiva, desde y para la sensibilidad humana. En este momento de la historia, invitar a conectarse consigo mismo, a agradecer a los demás por estar, valorar lo vivido y atesorar el amor de los otros, es un valioso aporte que merece asumirse y multiplicarse, por eso, la música, es también una enorme responsabilidad social.
PINK STEREO es un productor musical impulsado a revivir el sonido del hip-hop de finales de los 90 y principios de los 2000. En un proyecto personal de redescubrimiento musical, PINK STEREO regresa a su juventud con ritmos melódicos, minimalistas y hábilmente elaborados que relatan elocuentemente una época pasada. Es tanto un tributo personal al hip-hop como una ventana a su propio viaje musical y exploración creativa.
