SanGold presenta “Mujo”, una nueva apuesta por los sonidos afro contemporáneos

“Mujo” de SanGold es una propuesta vibrante que combina la energía del Afrobeat con influencias de Amapiano y sonidos de Afro House, creando un ritmo cálido, envolvente y profundamente bailable. La producción destaca por sus melodías memorables, una base rítmica sólida y una energía que mantiene el movimiento de principio a fin.

La canción transmite una sensación de celebración y libertad, apoyándose en una mezcla de voces en inglés y yoruba que refuerza su identidad africana y le aporta un carácter auténtico. Su equilibrio entre groove, melodía y percusión hace que “Mujo” resulte accesible desde la primera escucha, pero conserve suficientes detalles para seguir descubriéndola.

Con una producción moderna y una energía contagiosa, SanGold construye un tema pensado para conectar con el público tanto en playlists como en espacios donde el ritmo sea protagonista.

Lovebugs presenta “Hurry Up and Wait”, una canción sobre aprender a vivir el presente

Después de su regreso con “Miracle”, la banda suiza Lovebugs vuelve con “Hurry Up and Wait”, un sencillo que combina la energía del indie rock con una reflexión sobre una sensación cada vez más familiar: estar siempre esperando que algo suceda y, al mismo tiempo, tener miedo de perdernos algo.

Desde sus primeros compases, la canción apuesta por el movimiento. Baterías pulsantes, melodías reconocibles y un estribillo pensado para quedarse en la cabeza construyen una pieza llena de energía y euforia, mientras debajo de esa apariencia luminosa se esconde una inquietud mucho más profunda.

“Hurry Up and Wait” habla de esa tendencia a anticipar constantemente lo que viene, esperar lo peor y olvidarnos de disfrutar el momento que tenemos delante. Una contradicción resumida perfectamente en su propio título: apresurarse mientras se espera.

La producción también aporta peso al resultado. El tema fue mezclado por el ingeniero ganador de un Grammy, Joe Joaquin, quien suma profundidad, potencia y brillo a una propuesta que conserva la esencia melódica de Lovebugs y su conexión con el indie rock.

El resultado es una canción que consigue moverse entre dos mundos: es contagiosa y bailable, pero también invita a detenerse y pensar. Una combinación especialmente efectiva para una banda que este verano llevará su música a distintos escenarios y festivales de Suiza.

Con “Hurry Up and Wait”, Lovebugs dejan un mensaje sencillo detrás de toda esa energía: la vida no debería ser algo que simplemente observamos mientras esperamos lo siguiente. Hay que vivirla.

🎧 Una canción para cantar, moverse y, de paso, recordar que el presente también merece nuestra atención.

Stefan Rose presenta “Closing In”, un viaje melódico pensado para la pista y para quedarse

Stefan Rose continúa desarrollando su identidad sonora con “Closing In”, un nuevo sencillo que combina atmósferas melódicas, voces potentes y una percusión envolvente dentro del universo del house y el techno melódico.

El artista describe el lanzamiento como un nuevo paso en su evolución musical, construido alrededor de los elementos que actualmente definen su sonido: melodías atmosféricas, vocales de gran presencia y una base rítmica contundente.

Pero “Closing In” no parece estar pensado únicamente para funcionar durante la noche. Su propuesta busca ese equilibrio entre la energía inmediata de la pista de baile y una sensación más duradera, de esas canciones que continúan resonando incluso cuando la música ya terminó.

El resultado es un sencillo hipnótico y dinámico, capaz de mantener el movimiento de la pista mientras construye una atmósfera que invita a permanecer dentro de ella.

Publicado por el sello estadounidense Music Is 4 Lovers, “Closing In” representa otro paso en el recorrido de Stefan Rose y en la consolidación de una propuesta que encuentra su fuerza en la conexión entre melodía, voz y ritmo.

Steady Sun regresa con el psicodélico y cambiante “Mercy Vision”

Steady Sun vuelve a explorar los límites del rock psicodélico con “Mercy Vision”, un nuevo sencillo que apuesta por una experiencia sonora tan cambiante como envolvente.

Descrito por la propia banda como un tema caleidoscópico, “Mercy Vision” combina sintetizadores y guitarras con una producción registrada en cinta y una estructura que no teme jugar con los cambios de compás. El resultado es una canción que mantiene al oyente atento a cada giro de su recorrido.

La propuesta conecta con el universo sonoro que Steady Sun ha desarrollado a lo largo de su trayectoria. La banda neoyorquina ha construido su identidad alrededor de atmósferas psicodélicas, guitarras envolventes y grooves que mezclan experimentación con una fuerte sensibilidad melódica.

Con “Mercy Vision”, el grupo continúa esa búsqueda desde una producción que privilegia la textura y el movimiento. Más que seguir una fórmula predecible, la canción parece diseñada para descubrirse poco a poco, dejando que los cambios de ritmo, las capas instrumentales y el carácter analógico de la grabación sean parte fundamental de la experiencia.

Lanzado en julio de 2026 a través de Looking Glass Eye, “Mercy Vision” representa una nueva entrada en el catálogo de Steady Sun y una invitación a dejarse llevar por una canción que cambia de forma mientras avanza.

Julieta G’ One convierte sus experiencias en rimas en “Es Relativo”

La vida puede verse de muchas maneras, y “Es Relativo”, de la artista colombiana Julieta G’ One, parte precisamente de esa idea para convertir experiencias personales en una propuesta de rap cargada de reflexión.

El sencillo se construye a partir de rimas conscientes y barras con contenido crítico, utilizando el rap como una forma de contar historias reales y expresar pensamientos nacidos de las propias vivencias de la artista.

Más que presentar una historia ajena, Julieta G’ One apuesta por hablar desde su experiencia. “Es Relativo” reúne situaciones personales que, a través de sus letras, buscan conectar con quienes puedan reconocer en ellas parte de sus propias historias.

Con una propuesta que combina rap, neo-soul y hip-hop latino, el tema encuentra su fuerza en la palabra y en la capacidad de transformar experiencias cotidianas en versos con significado.

“Es Relativo” es, en esencia, una mirada personal que deja una pregunta abierta: cuando cada persona vive una realidad diferente, ¿qué cosas son realmente absolutas?

🎧 Una canción para escuchar las barras, pero también para detenerse a pensar en ellas.

Noonzy transforma “If I Were You” hasta encontrar su verdadera identidad

Hay canciones que nacen prácticamente terminadas y otras que necesitan cambiar de forma varias veces antes de descubrir quiénes quieren ser. “If I Were You”, el nuevo sencillo de Noonzy, pertenece claramente al segundo grupo.

El tema es uno de los adelantos de su próximo álbum debut, Plan Is Bad, y tiene detrás un proceso creativo bastante particular. Según cuenta Noonzy, la canción comenzó como un tema de pop-rock bastante agresivo, pero durante su desarrollo fue tomando un camino completamente diferente hasta convertirse en la pieza de pop tropical suave que finalmente llegó al público.

Curiosamente, también fue la primera canción en la que Noonzy y su productor trabajaron juntos, aunque terminó siendo la última que completaron. En lugar de aferrarse a la idea original, ambos fueron dejando que la canción evolucionara hasta construirla alrededor de un elemento fundamental: la melodía del estribillo.

Uno de los detalles más particulares llegó durante la grabación. El músico Nathan Pigott duplicó con clarinete la melodía de silbido que aparece en el coro. La colaboración abrió además la puerta a experimentar con otras ideas para el instrumento, hasta llegar a uno de los momentos favoritos de Noonzy: el largo colchón de clarinete que aparece durante el puente.

Ese detalle ayuda a entender por qué “If I Were You” funciona como algo más que un sencillo de pop. La canción es también el resultado de un proceso de transformación en el que una idea inicialmente mucho más agresiva terminó encontrando una personalidad más relajada, cálida y melódica.

Con “If I Were You”, Noonzy continúa preparando el terreno para Plan Is Bad, mientras demuestra que, en ocasiones, la mejor versión de una canción aparece precisamente cuando se deja de intentar que sea lo que originalmente se había imaginado.

Kickstand Jenny une dos generaciones musicales en “Lose Together”

¿Qué ocurre cuando la actitud del rock de The Beatles se encuentra con la intensidad rítmica de Eminem? Kickstand Jenny responde a esa pregunta con “Lose Together”, un nuevo lanzamiento que lleva dos referentes de épocas y géneros diferentes hacia el terreno del rock moderno.

El tema parte de la energía de Lose Yourself y el groove característico de Come Together para construir una propuesta propia, en la que guitarras contundentes, ritmos marcados y una interpretación cargada de energía se encuentran en un mismo espacio sonoro.

Desde sus primeros compases, “Lose Together” apuesta por una guitarra de carácter áspero que recuerda la actitud del rock clásico, antes de incorporar un flujo rítmico más cercano a la intensidad del hip-hop. El contraste entre ambos mundos es precisamente uno de los elementos que define la canción.

El resultado busca ser familiar y, al mismo tiempo, diferente: una combinación que mira hacia atrás para tomar referencias reconocibles y las transforma dentro de una producción contemporánea. En lugar de tratar esas influencias como piezas separadas, Kickstand Jenny las utiliza como punto de partida para crear un tema con vocación de himno rockero.

Más allá del experimento musical, “Lose Together” representa una idea que atraviesa el proyecto: la música puede conectar generaciones que, a primera vista, parecen estar muy alejadas. El rock clásico, el hip-hop y el sonido de una banda contemporánea encuentran aquí un punto de encuentro construido a través de guitarras potentes, melodías y una energía pensada para escucharse a todo volumen.

Con este lanzamiento, Kickstand Jenny convierte la mezcla de referencias en parte esencial de su propuesta y demuestra que mirar hacia la historia de la música también puede ser una manera de crear algo nuevo.

Panama y AMTRAC reinventan «Hummingbird» con un remix firmado por Banyan

El proyecto estadounidense Panama y el productor AMTRAC presentan una nueva versión de «Hummingbird» con un remix a cargo de Banyan, quien reinterpreta el tema original desde una perspectiva más cercana al melodic house y la electrónica contemporánea.

Lejos de limitarse a una adaptación, esta versión mantiene la esencia melódica de la composición mientras incorpora nuevos matices rítmicos y una producción enfocada en las atmósferas envolventes, los sintetizadores y un pulso constante pensado para la pista de baile sin perder el carácter emocional del tema.

La reinterpretación de Banyan aporta una identidad propia, equilibrando momentos de calma con un desarrollo progresivo que invita tanto a la escucha inmersiva como a las sesiones de música electrónica. El resultado es un remix que amplía el alcance de «Hummingbird», ofreciendo una experiencia distinta para quienes ya conocían la versión original y una puerta de entrada para nuevos oyentes.

Con este lanzamiento, Panama, AMTRAC y Banyan demuestran cómo un remix puede ir más allá de una simple actualización sonora, convirtiéndose en una nueva lectura de una canción que encuentra otra forma de conectar con el público.

The Human Cans presenta «Iron Crowd», un himno sobre la identidad sorda y el derecho a ser escuchados

La banda italiana The Human Cans apuesta por un mensaje poderoso en «Iron Crowd», un sencillo que combina el rock alternativo con influencias del industrial y el grunge para abordar un tema poco habitual en la música: la identidad de las personas sordas y el reconocimiento de la lengua de señas como parte fundamental de su cultura.

A través de su letra, «Iron Crowd» reflexiona sobre las experiencias de quienes han crecido en un mundo diseñado principalmente para personas oyentes. La canción hace referencia al silencio en las aulas, antiguas normas que afectaron a la comunidad sorda, la presión por adaptarse a modelos centrados en la audición y el orgullo de comunicarse mediante la lengua de señas.

Musicalmente, el tema construye una atmósfera intensa gracias a la combinación de piano en tonalidades menores, guitarras de inspiración industrial, una interpretación vocal de gran carga emocional y un estribillo que crece hasta desembocar en un contundente «We Will Be Heard» («Seremos escuchados»), convirtiéndose en el momento más representativo de la canción.

Más allá de su sonido, «Iron Crowd» propone una reflexión sobre la inclusión, la identidad y el derecho de cada persona a ser reconocida desde su propia realidad. The Human Cans transforma estas ideas en un lanzamiento que utiliza la fuerza del rock para abrir una conversación sobre diversidad, respeto y representación.

VROWN presenta «Itsy Bitzy (Fettuccine)» y da vida al universo de Zungk Pop

VROWN continúa desarrollando la serie debut «Itsy Bitzy» con el lanzamiento de «Itsy Bitzy (Fettuccine)», una propuesta que va más allá de un sencillo convencional para presentar un universo creativo propio dentro del panorama del pop contemporáneo.

Con este proyecto, VROWN introduce el concepto de «Zungk Pop», una identidad sonora que se distancia de la producción impecable y las fórmulas habituales del K-Pop comercial. En su lugar, apuesta por una combinación de influencias del hip-hop, la música electrónica, el soul y el pop, utilizando capas de samples, texturas crudas y contrastes intencionales para construir un sonido con personalidad propia.

La filosofía detrás de Zungk Pop parte de una idea clara: encontrar belleza en el choque entre elementos inesperados. En lugar de perseguir la perfección, el proyecto convierte la fricción, el ruido y la energía espontánea en los pilares de una propuesta que desafía los esquemas tradicionales y abre espacio para la experimentación.

El concepto de «Itsy Bitzy» también reinterpreta un referente clásico de la cultura pop. Inspirándose en el imaginario de «Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini», VROWN transforma la idea de lo «pequeño» y «tímido» en un símbolo de velocidad, imprevisibilidad y fuerza, ofreciendo una lectura completamente distinta de ese concepto.

Más que presentar un nuevo sencillo, «Itsy Bitzy (Fettuccine)» funciona como un nuevo capítulo dentro de un proyecto artístico que busca construir una identidad propia. Con Zungk Pop, VROWN propone una forma diferente de entender el pop contemporáneo, donde la creatividad nace de romper las reglas, mezclar influencias y convertir el contraste en una parte esencial del lenguaje musical.

Gabriel Grey transforma el duelo en una poderosa reflexión con «Phantom Frequency»

El músico estadounidense Gabriel Grey presenta «Phantom Frequency», una intensa propuesta de alternative rock y alternative metal que nace desde una de las experiencias más difíciles que puede atravesar una persona: la pérdida de un hijo.

Lejos de centrarse únicamente en el dolor, la canción explora una idea profundamente humana: la esperanza de que quienes ya no están puedan encontrar una forma de comunicarse con nosotros, aunque sea una última vez. Esa premisa da forma a una composición donde la fuerza del rock alternativo se convierte en el vehículo para expresar emociones difíciles de poner en palabras.

Con guitarras contundentes, una atmósfera envolvente y una interpretación cargada de honestidad, «Phantom Frequency» construye un recorrido emocional que encuentra el equilibrio entre la intensidad sonora y la vulnerabilidad de su mensaje. El resultado es una obra que invita tanto a la reflexión como a la conexión con quienes han experimentado la ausencia de un ser querido.

La canción forma parte del álbum The Hidden Design, una producción que profundiza en paisajes sonoros oscuros y emocionales, consolidando la propuesta artística de Gabriel Grey.

Con «Phantom Frequency», Gabriel Grey demuestra que la música también puede convertirse en un espacio para la memoria, la esperanza y la resiliencia. Más que una canción sobre la pérdida, este lanzamiento es un recordatorio de que los vínculos más profundos continúan resonando, incluso cuando las personas ya no están físicamente presentes.

Dacris invita a dejarse llevar por el ritmo con «Leave It To The Night»

El productor griego Dacris presenta «Leave It To The Night», un sencillo que combina la calidez de los afrobeats, la energía del dance pop y la profundidad rítmica del amapiano para crear una propuesta pensada para acompañar las noches de verano.

Con una producción elegante y una atmósfera envolvente, la canción apuesta por ritmos suaves, melodías contemporáneas y un groove constante que invita a disfrutar del momento sin prisas. La presencia de Marie Amara aporta un matiz melódico que complementa la identidad sonora del lanzamiento y refuerza su carácter internacional.

Más que buscar un impacto inmediato, «Leave It To The Night» construye una experiencia donde la música fluye con naturalidad, equilibrando sonidos electrónicos y orgánicos para ofrecer un tema que encaja tanto en una playlist relajada como en una pista de baile al aire libre.

Con este lanzamiento, Dacris continúa explorando una propuesta donde el ritmo y la emoción conviven en armonía. «Leave It To The Night» es una invitación a desconectarse de la rutina, disfrutar del presente y dejar que la música sea la protagonista cuando cae la noche.

Mr. Echo mezcla humor y reflexión en «Green’in 50 Tonu», una propuesta fresca del rap turco

El artista turco Mr. Echo presenta «Green’in 50 Tonu», un sencillo que combina la energía del rap moderno con una producción cargada de bajos, melodías luminosas y un ritmo contagioso que invita a moverse desde el primer compás.

Construida sobre una base de aproximadamente 117 BPM, la canción fusiona elementos del hip-hop, el trap y el alt pop, logrando un sonido dinámico que mantiene el equilibrio entre la potencia rítmica y una producción pulida. Su interpretación fluida y sus estribillos memorables convierten al tema en una propuesta accesible tanto para los seguidores del rap como para quienes disfrutan de sonidos urbanos contemporáneos.

Más allá de su energía, «Green’in 50 Tonu» destaca por el uso del humor y el juego de palabras para desarrollar una historia con un trasfondo social. A través del simbolismo de un solo color, la canción explora cómo una misma idea puede despertar emociones, deseos e interpretaciones completamente diferentes, aportando una dimensión creativa que va más allá de la superficie.

Con «Green’in 50 Tonu», Mr. Echo demuestra que el rap también puede ser ingenioso, cercano y divertido sin perder profundidad. El resultado es un lanzamiento vibrante que combina ritmo, personalidad y una propuesta creativa capaz de conectar tanto por su sonido como por el mensaje que transmite.

Spectaculars explora la vida digital con «I’m A Hologram», un himno indie cargado de energía

La banda estadounidense Spectaculars presenta «I’m A Hologram», un sencillo que combina alternative rock, indie-funk e indie dance para construir una propuesta vibrante que reflexiona, con humor e ingenio, sobre la inteligencia artificial, la realidad virtual y la creciente conexión entre la vida cotidiana y el mundo digital.

Impulsada por un bajo enérgico, una potente sección de metales y un ritmo pensado para mantenerse en movimiento, la canción ofrece una experiencia dinámica que mezcla melodías pegadizas con una actitud desenfadada. Su letra aborda temas como los avatares digitales y la vida «en la nube», transformando conceptos tecnológicos en una historia entretenida y cercana.

Con influencias que recuerdan al espíritu bailable, «I’m A Hologram» apuesta por un sonido fresco y contagioso que encaja tanto en playlists de indie moderno como en sesiones de entrenamiento, videojuegos o momentos donde la energía es protagonista.

Con «I’m A Hologram», Spectaculars demuestra que la música también puede abordar los cambios tecnológicos con creatividad y sentido del humor. El resultado es un sencillo lleno de personalidad que invita a bailar mientras plantea, entre líneas, una divertida reflexión sobre la identidad en la era digital.

Jaguar Guane convierte una experiencia real en una poderosa historia con «Caramelo Roto»

El artista colombiano Jaguar Guane presenta «Caramelo Roto», un sencillo que transforma una vivencia profundamente personal en una propuesta cargada de simbolismo y emoción. Entre el latin pop, el pop rock y el latin rock, la canción explora las huellas que deja una relación cuando llega a su final y el difícil camino hacia la reconstrucción emocional.

Compuesta y autoproducida en Montreal, la canción nace de un recuerdo imposible de olvidar: un instante de dolor compartido que el artista convierte en una historia donde las grietas, los cristales rotos y la caída de dos personas al mismo abismo representan la fragilidad de los vínculos cuando todo parece desmoronarse.

Lejos de quedarse únicamente en la pérdida, «Caramelo Roto» también habla de la posibilidad de dejar atrás el caos y encontrar una nueva oportunidad para seguir adelante. La intensidad de la interpretación y el crecimiento de la producción —que alcanza uno de sus momentos más impactantes hacia la mitad final del tema— refuerzan el viaje emocional que propone la canción.

Con «Caramelo Roto», Jaguar Guane demuestra que las experiencias más difíciles también pueden convertirse en arte. A través de una composición honesta y una producción que evoluciona con fuerza, el artista entrega un lanzamiento que conecta desde la vulnerabilidad y recuerda que incluso después de las fracturas más profundas siempre existe la posibilidad de reconstruirse.

KARYO une fuerzas con Basta Lion en «Gyal Dem», una explosiva fusión de dancehall, shatta y basshall

El productor y artista KARYO continúa ampliando su propuesta musical con «Gyal Dem», un sencillo que reafirma su apuesta por fusionar el dancehall contemporáneo con influencias del shatta y el basshall, dando como resultado una producción vibrante y llena de energía.

Para este lanzamiento, KARYO suma la participación de Basta Lion, artista originario de Madagascar y reconocido por su colaboración en «Colombian» junto a Kybba y Tribal Kush. La unión de ambos talentos aporta una identidad internacional a la canción, combinando ritmos contagiosos con una interpretación que invita al movimiento desde el primer compás.

El lanzamiento llega acompañado de una intensa agenda de presentaciones en algunos de los festivales más importantes de la temporada, entre ellos Tomorrowland, Pal Mundo, Zwarte Cross y LatinVillage, escenarios que servirán como plataforma para acercar «Gyal Dem» a miles de nuevos oyentes y consolidar el crecimiento internacional del proyecto.

Con «Gyal Dem», KARYO demuestra que la música urbana sigue encontrando nuevas formas de evolucionar. La combinación de ritmos caribeños, sonidos electrónicos y colaboraciones internacionales convierte este sencillo en una propuesta fresca, diseñada para conquistar pistas de baile y festivales alrededor del mundo.

SanMusix presenta «Tabla Rebound Riddim», una invitación a disfrutar del ritmo dancehall

SanMusix apuesta por los sonidos tropicales con «Tabla Rebound Riddim», una producción que fusiona la esencia del dancehall con influencias de la música del sur de Asia, dando como resultado una propuesta fresca y llena de energía.

Con una base rítmica envolvente y una producción diseñada para mantener el movimiento de principio a fin, el lanzamiento transmite una atmósfera relajada y festiva. Sus elementos percusivos y su enfoque instrumental convierten a «Tabla Rebound Riddim» en una opción ideal tanto para disfrutar en una reunión como para inspirar nuevas creaciones vocales dentro de la cultura del riddim.

La combinación de sonidos tropicales y matices contemporáneos aporta una identidad propia a esta producción, demostrando cómo diferentes influencias pueden convivir en una propuesta pensada para conectar con los amantes de los ritmos caribeños.

Con «Tabla Rebound Riddim», SanMusix ofrece una experiencia sonora que apuesta por la frescura, el groove y la versatilidad. Un lanzamiento que invita a subir el volumen y dejarse llevar por el ritmo, confirmando el atractivo que el dancehall sigue teniendo dentro de la escena musical actual.

The Bitch Slaps lleva su sonido al límite con «Mortal Combat»

La banda The Bitch Slaps, originaria de Evansville, Indiana, apuesta por la intensidad con «Mortal Combat», un sencillo que combina guitarras contundentes, una base rítmica demoledora y una interpretación vocal que golpea con la misma fuerza que su título sugiere.

Desde los primeros segundos, la canción deja claro su propósito: ofrecer una descarga de energía sin concesiones. Con una producción sólida y un sonido directo, el tema mantiene un ritmo implacable que refleja la evolución de la banda hacia una propuesta cada vez más pesada y contundente.

Construida para disfrutarse a todo volumen, «Mortal Combat» destaca por su precisión instrumental y una ejecución que equilibra agresividad y control, convirtiéndose en una muestra del carácter que define a The Bitch Slaps dentro de la escena del rock pesado.

Con este lanzamiento, The Bitch Slaps reafirma que la potencia también puede ir de la mano con una producción cuidada. «Mortal Combat» es una declaración de fuerza que invita a subir el volumen y dejarse llevar por una experiencia sonora intensa de principio a fin.

Tara Macri transforma los recuerdos en un poderoso himno con «Grace»

La cantante y compositora Tara Macri presenta «Grace», un sencillo que invita a reflexionar sobre aquellas personas que dejan una huella imborrable en nuestras vidas. Más que hablar del desamor o la pérdida, la canción explora un sentimiento universal: el impacto de quienes, aun cuando ya no están, continúan acompañándonos de alguna manera.

Nacida al piano durante un momento de profunda introspección, «Grace» evolucionó de una historia personal hacia un mensaje capaz de conectar con cualquier oyente. Con una interpretación cargada de sensibilidad y una producción de carácter cinematográfico, el sencillo construye un recorrido emocional que crece desde una delicada melodía hasta convertirse en un himno de esperanza y conexión.

La producción estuvo a cargo de Jordan «AliasOne» Winfield, mientras que la mezcla fue realizada por el cinco veces ganador del premio GRAMMY, Chris Lord-Alge, aportando un sonido envolvente que realza la fuerza interpretativa de Macri. El lanzamiento también está acompañado por un videoclip cinematográfico, filmado en Nueva York por Julia Baylis y Sam Guest, que amplía el universo emocional de la canción.

Con «Grace», Tara Macri demuestra que las historias más personales pueden convertirse en experiencias compartidas. Su interpretación, unida a una producción impecable, da vida a un sencillo que invita a recordar, sanar y valorar a quienes han marcado nuestro camino, convirtiéndolo en una propuesta que trasciende la escucha para quedarse en la memoria del oyente.

True Tales presenta «Cynthia», un sencillo irresistible entre el indie pop y el dance rock

El dúo True Tales continúa construyendo su propuesta musical con «Cynthia», un sencillo que combina melodías pegadizas, energía bailable y una producción de primer nivel. Con un sonido fresco y dinámico, la canción se perfila como una invitación a dejarse llevar por el ritmo desde la primera escucha.

El lanzamiento cuenta con la producción y mezcla de Luke Moellman y Jesse McGinty aporta su talento en la producción y los arreglos de saxofón, añadiendo una identidad sonora que enriquece el tema.

Publicado bajo el sello Beformer, «Cynthia» confirma la intención de True Tales de seguir consolidando un catálogo de canciones vibrantes y memorables, ideal para quienes disfrutan del indie pop con influencias electrónicas y un espíritu festivo.

Con «Cynthia», True Tales demuestra que las colaboraciones acertadas y una producción cuidada pueden dar vida a un sencillo fresco, dinámico y con un gran potencial para conquistar tanto playlists como escenarios. Una propuesta que merece un lugar en la lista de reproducción de quienes disfrutan el pop alternativo con un toque bailable.