Antifaz es un proyecto musical colombiano liderado por Guillermo García ‘Guillo’ que nació tras su salida de la banda Mojiganga en el año 2025. El nombre sale de la frase anónima «Detrás de un antifaz todos somos héroes y villanos», además, la palabra es muy parecida a Antifa. Conformados por Esteban Rodríguez Arcila en la batería, Boris Vásquez en el bajo, Santiago Castañeda en el trombón, Gabriel Espitia Mesa en la trompeta y Guillo Moji en la guitarra y la voz, Antifaz es una banda de punk que fusiona elementos del ska-core, hardcore y hardcore melódico con influencias de The Voodoo Glow Skulls, The Toy Dolls, Against All Authority y The Mighty Mighty Bosstones.
«Hace rato tenía la idea de tener un proyecto aparte con canciones que tenía archivadas o que habían sido producidas muy precariamente», cuenta el cantante y guitarrista colombiano.
‘¡Qué dolor!’ es el disco debut de Antifaz, un trabajo de 12 canciones que recopila temas de un demo de Guillo del 2003 titulado ‘Malos Ratos’ y que ahora ven la luz con una mejor producción y unas importantes colaboraciones, además de otras canciones recientes que Guillo tenía archivadas.
«¡Qué dolor!’ Es una frase del coro del último sencillo del álbum titulado ‘La cartera’ y abarca la temática de la mayoría de las canciones que hablan de frustración, rabia, desconsuelo y nostalgia. Hay historias personales y otras sociales generales a la realidad, el desamor y la rebeldía en este entorno político tan debilitante que vivimos, que es doloroso», enfatiza Guillo.
El álbum a nivel sonoro es una mezcla visceral donde convive el legado del punk Medallo con melodías de vientos de ska y fraseos de voces hardcoreras. El sonido crudo, desenfrenado y caótico es la base de la mayoría de las canciones que tienen coros muy cortos, rápidos y repetitivos, característicos de las bandas ochenteras de la ciudad.
«Quiero seguir expandiendo ideas y temas que no son representados en otros géneros musicales, hablar de las cosas que no pasan en las noticias, que no te manda el algoritmo de TikTok, cosas de las que a veces nos incomoda hablar, pero que tenemos que sacar a flote. Desahogarnos un poco de las frustraciones del día a día, así sea a través de la música», puntualiza el artista paisa.
‘¡Qué dolor!’ de Antifaz habla en ‘Mata al cura, mata al Rey’ de cómo la manipulación y la adoctrinación en los medios facilita el control de las masas. ‘Morir en la playa’ es un tema anecdótico del paseo de un punk al Caribe, ‘Este mes nene’ es una historia sobre un embarazo no deseado en adolescentes, ‘Tu sonrisa’ es una historia de desamor en New York, ‘El Icetex’ habla de lo difícil que es acceder y pagar créditos de educación, ‘Utopía de mi clase’ es una canción de amor colegial no correspondido, ‘Himnos y banderas’ está inspirada en el estallido social del 2021 en Colombia, ‘La cartera’ es una anécdota sobre los amores materialistas, ‘Barcos de papel’ es un tema de despecho, de un amor difícil de olvidar; ‘Faranduleros’ está en contra de la gente materialista, ‘No me vayas a llorar’ habla del suicidio y ‘Punkies somos’ habla del orgullo de ser punk.
El disco cuenta con invitados de bandas como Los Suziox, Johnie All Stars, Código Rojo, Pacífico Sur, Popcorn, Vaho A Peste, El Piloto Ciego y Comandante Cobra.
‘Himnos y Banderas’ es el focus track del disco debut de Antifaz, una canción inspirada en el estallido social de Colombia en 2021. El video son recortes de noticias de las marchas sociales y la respuesta violenta de la autoridad. Está dedicada a todas las personas que tienen la valentía de salir a resistir a las calles, a pelear por sus derechos y dignidad, que han sido heridos o muertos soñando por un mejor mañana, un pequeño homenaje a su revolución.
‘La Cartera’ es otro sencillo del disco. Es un tema ligero que tiene un coro pegajoso y se expande a una canción basada en esas relaciones que terminan volviéndose interesadas y materialistas. Al principio te la juegas a que todo salga bien, y a veces es mejor alejarse antes de perder más de lo debido. El video fue hecho a modo guerrilla, caminando por los casinos en Fremont st. en Las Vegas.
«Esperamos que la gente lo disfrute, que se identifique con las canciones y lo compre. Vamos a sacar 300 copias en vinilo, un formato ideal para coleccionar música y en esta era de streaming la mejor manera, (aparte de ir a conciertos) de apoyar a las bandas», menciona Guillo.
En la política colombiana, el tamal no es solo gastronomía; es una moneda de cambio, un símbolo del silencio comprado y de la democracia de estómago.
Una arquitectura sónica sin precedentes
‘Todo es Tamal’,el nuevo sencillo de la banda colombiana Modo Visage irrumpe en la escena nacional como una pieza de Industrial-Nü Metal densa, producida para tiempos de polarización extrema. La canción no se queda en la superficie del ruido: cada instrumento toma partido en un campo de batalla sonoro cuidadosamente diseñado, donde el mensaje trasciende el género para convertirse en crónica política, con letras crudas, directas, que no dejan nada a la imaginación, la canción que le pone nombre a lo que todos ya saben.
Una orquesta de sintetizadores sinfónicos exhala el aire rancio y solemne de la derecha tradicionalista, mientras texturas electrónicas difusas retratan el laberinto doctrinal de la izquierda. En medio de este choque de trenes, las guitarras eléctricas emergen no como acompañamiento, sino como el grito de inconformismo de una sociedad agotada por la gestión ineficiente de ambos bandos.
El pulso de la movilización y la sombra de la represión
Rítmicamente, el track avanza con una percusión marcial que evoca tanto la movilización social como la sombra de la represión estatal. Sin embargo, el corazón del mensaje reside en la tensión de la juventud: una capa electrónica vibrante que lucha por definir el futuro político, resistiendo la inercia de un sistema que lleva décadas comprando voluntades con bandejas de comida.
El giro inesperado: el color de la esperanza
El cierre de la obra es su mayor audacia compositiva: una explosión armónica que abandona deliberadamente la oscuridad industrial para ofrecer un destello de esperanza. Es el despertar intelectual sobre el clientelismo; la comprensión colectiva de que, mientras todo sea tamal, nada podrá cambiar. Una obra necesaria, cruda y de una simbología sonora tan compleja como el propio mapa electoral del país.
‘Todo es Tamal’ de Modo Visage es una obra necesaria, cruda, sin anestesia y producida para tiempos de elecciones y polarización extrema.
Rueda Empire es un cantante y compositor estadounidense de música urbana. De padres y raíces mexicanas, Josué Rueda es un artista que busca a través de sus canciones darle amor al público con historias cotidianas que identifiquen a quien lo escucha. Sus letras y melodías reflejan a un artista que sueña con los pies en la tierra.
«La intención de mi propuesta musical es conquistar y hacer feliz a la gente latinoamericana y de habla hispana a través de mis creaciones. Mis letras reflejan positivismo y alegría», cuenta el cantante con influencias de la cultura musical mexicana y latina.
‘Terminus’ es el nuevo disco de Rueda Empire, un trabajo que busca transmitir su sentir como artista y como persona de que todos los logros y objetivos son posibles sin importar las dificultades. El disco explora sonoridades de música urbana (reggaetón, trap), pop latino, y mucho sabor mexicano (corridos) y caribeño.
«Siempre tenemos días buenos y días malos, pero al final de la jornada tenemos más motivos para estar más alegres que triste», agrega.
El álbum aborda temáticas e historias de amor, desamor y superación. Tiene referentes musicales como Piso 21, Manuel Turizo, Junior H y Natanael Cano.
‘Terminus’ está inspirado en el vacío que un ser humano puede sentir cuando afronta nuevas situaciones y retos en su vida. Va dirigido a las personas que tienen sueños y objetivos por cumplir y que nunca se rinden hasta alcanzarlos.
«La mayor inspiración que tuve para hacer este disco fue mi mismo dolor, logré sacar mis sentimientos y plasmarlos en mis letras y ritmos. Es un trabajo de felicidad, fuerza y sentimiento», enfatiza Rueda Empire.
La portada de ‘Terminus’ de Rueda Empire fue creada por Woocimic, un destacado diseñador artístico latinoamericano.
«Lo más importante en esta etapa de mi vida es conectar con la gente real, con los humanos genuinos que escuchan mis canciones por la naturaleza de sus letras y no por una moda o una tendencia», puntualiza.
La banda de hardcore punk colombiana Pepe Bocadillo está de regreso con su nuevo disco de estudio, el cuarto en sus 27 años de carrera, titulado ‘PEPE+’.
‘PEPE+’ es un disco intenso, directo y honesto que recoge años de experiencia, rabia contenida y reflexión. Conceptualmente, explora la violencia en sus múltiples formas: social, mental, estructural y emocional. No desde la exageración, sino desde la experiencia cotidiana de habitar un mundo hostil. Las canciones hablan de desgaste, ansiedad, rutina, memoria, fe, contradicción, resistencia y del choque constante entre el caos interno y el ruido del sistema. Es un retrato visceral de la vida contemporánea.
El álbum fue compuesto, producido y grabado por Pepe Bocadillo en Okupa Studios (Bogotá, Colombia), bajo su filosofía DIY (Do It Yourself – Hazlo Tu Mismo) y de autogestión. La mezcla y el mastering estuvieron a cargo de John DiBiase, ingeniero ganador del Grammy, quien ha trabajado con artistas como Jeff Beck, The Offspring, Taj Mahal y Plague Vendor, aportando una visión sonora potente, clara y contundente que potencia el carácter agresivo y frontal del disco.
«Con este disco queremos decir que la independencia artística sigue siendo posible. Nuestra filosofía está basada en el DIY, la autogestión y una postura creativa influenciada por el dadaísmo y la anarquía como ruptura estética y mental. ‘PEPE+’ es una invitación a ver de frente la realidad a través de un viaje sonoro de música extrema y mensajes contundentes», comenta la banda bogotana.
Durante el álbum, Pepe Bocadillo explora sonidos de hardcore punk, noise, thrash metal, grindcore y texturas cercanas al shoegaze, manteniendo una identidad cruda y visceral. Trabajan desde la distorsión, el ruido y la intensidad, pero con una producción y grabación sólida. Es un disco diverso dentro de lo extremo: hay canciones explosivas, agresivas y frontales, pero también momentos de tensión emocional más contenida como ‘La Balada’ con synthes de Juan Cajiao, que es la canción más suave del álbum, aunque mantiene una carga visceral profunda.
«En el álbum nos inspiramos en el sonido disonante como dominio, escalas menores, atonalidades dentro de figuras básicas que terminan siendo una extensión de expresión frente a la dualidad de no poder encontrarse uno mismo con lo que es verdaderamente. Lo desgarrante de poder sentirse libre por medio de una propuesta irreverente pero madura. La inconformidad de un sistema impuesto como combustible sonoro. Nuestra identidad creativa se nutre del dadaísmo, la anarquía y la ruptura estética, entendiendo el arte como resistencia», enfatiza el grupo conformado por Diego Forero en el bajo, Nicolás Siachoque en la guitarra y la voz, Camilo Sierra en la voz líder, Carlos Jiménez en la batería y la voz, y Carlos Gutiérrez en la guitarra.
‘Tiempos violentos’ es el sencillo en video que acompaña el lanzamiento del disco. Dirigido por Freddy Peláez, es un thriller policial que retrata un entorno hostil y asfixiante, donde la violencia no solo es física sino estructural y psicológica. Con una narrativa tensa y cinematográfica, la pieza refuerza el concepto del disco: vivir tiempos acelerados, violentos y emocionalmente saturados.
‘PEPE+’ de Pepe Bocadillo presenta en ‘Rocky Billies’, una canción irónica y frenética, en ‘Selecta Lista’, una historia crítica y directa, en ‘La Balada’, un tema intenso y emocional, en ‘Discrepante’, una propuesta confrontativa y disonante, en ‘Murmuras’, un sencillo tenso y paranoico, en ‘Grotesque’, una canción ácida y oscura, en ‘Que Arda’, una temática explosiva e incendiaria, en ‘Hacia el Vacío (Ensayo de Angustia)’, un tema experimental y asfixiante, en ‘Tiempos Violentos’, un lanzamiento urgente y cinemático, en ‘Mil Razones’, una propuesta reflexiva y determinante; y en ‘Dementes’, una historia caótica y radical.
«Queremos consolidar la evolución sonora de Pepe Bocadillo y expandir nuestro alcance dentro de la escena independiente nacional e internacional. Buscamos conectar con oyentes que resuenen con la música extrema, honesta y con contenido. Esperamos que ‘PEPE+’ no sea solo un lanzamiento, sino una experiencia que reafirme que el punk no se repite: se transforma, resiste y evoluciona», puntualiza la banda bogotana.
La portada de ‘PEPE+’ fue diseñada por Carlos Jiménez, baterista de la banda. Las fotos fueron tomadas en Okupa Studio, dirigidas por Camilo Sierra, en una sesión donde las ideas fluyeron. El concepto fue irreverente, visualmente fuerte, con un contraste entre lo sucio y lo limpio, lo real y lo simbólico. El resultado es una obra conceptual que provoca al espectador, lo invita a pensar y a encontrar su propio significado dentro del caos visual. Es minimalista pero provocadora, teniendo en cuenta corrientes como el dadaísmo, el surrealismo y la anarquía como expresión artística.
![[Discos] Un retrato visceral de la vida contemporánea, así es ‘PEPE +’ de Pepe Bocadillo](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2026/02/Pepe-Bocadillo-Rocky-Billies-8.jpg)