Después de un semestre dedicado a la composición, producción y grabación de nuevo material, y de haberse presentado en el aniversario de SPR Shop junto a bandas como LAPM, Shiry y Odio a Botero en Bogotá; la banda colombiana Independiente 81 regresa con nueva música y hoy presenta ‘Anny’.
‘Anny’ es la historia de una mujer real que hace unos meses pasaba por una situación complicada en su vida. Con circunstancias emocionalmente difíciles, habla de una mujer que está en la búsqueda continua de encontrar su paz emocional. La canción también hace referencia a todas las mujeres que son víctimas de violencia de género.
A nivel sonoro, ‘Anny’ es una balada rockera y popera. Tiene sus momentos de pop punk, sobre todo en las estrofas, pero, en general, se trata de una balada pop. Son los sonidos rockeros y poperos que siempre han caracterizado a Independiente 81. La canción tiene unos arreglos especiales y el grupo juega con los tonos y la relación entre las cuerdas con algunos sonidos de sintetizador que sirven para darle más cuerpo a la canción.
«Es una canción muy personal dirigida a una persona que es especial para uno de los miembros de la banda. Se podría decir que esta canción es una forma de buscar sosiego a través de la música», comenta la agrupación.
El video de ‘Anny’ mezcla imágenes de una mujer que va caminando, como buscando algo, con los miembros de la banda tocando. Esta mujer va por diferentes lugares de la ciudad, hace diferentes actividades en busca de algo que nadie termina de comprender muy bien qué es. Se le ve inquieta, intranquila a ratos, con ganas de liberar energía sin ningún fin en particular; una persona que solo quiere estar y sentir sin necesariamente entender. Puede tener un dolor que la acompaña a todas partes o simplemente puede que esté aburrida y quiera liberar ese tedio.
Xonny te invita a desconectarte del ruido y conectar con nuevas emociones a través de la selección musical recomendada de hoy en FRECUENCIA ALTERNATIVA. Una curaduría pensada para descubrir sonidos que inspiran, artistas que merecen ser escuchados y canciones capaces de acompañarte en cualquier momento del día. Dale play, explora nuevos ritmos y déjate llevar por esta experiencia sonora que vibra con la esencia de nuestra comunidad.
Love My Robot, el universo musical de conciencia sobre inteligencia artificial creado por la productora colombiana de música electrónica, TEDx speaker, inversionista y fundadora Carolina Castilla, lanza el segundo capítulo de su álbum conceptual ‘Sense of Reality: The Human-Machine Interface – Where Minds & Machines Converge’.
Después de ‘Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress’, que presentó el universo del álbum a través de temas como ciudades inteligentes, computación cuántica, humanos sintéticos y ChatGPT, el Capítulo 2 se mueve hacia el interior. Esta nueva etapa explora lo que ocurre cuando la inteligencia artificial deja de ser una tecnología distante y se convierte en un espejo íntimo: aprende nuestros pensamientos, recuerda nuestros patrones, personaliza nuestras realidades y cuestiona lo que significa ser humano.
Para Castilla, este capítulo llega en un momento personal. Después de casi cinco años desarrollando su live act — años de música, visuales, tecnología, errores, miedo, reinvención, trabajo invisible y valentía — Love My Robot entra en una nueva fase como experiencia global de performance.
En los últimos meses, Carolina ha presentado Sense of Reality en escenarios y ecosistemas culturales internacionales, incluyendo DIG Shibuya en Tokio, el marco del India AI Impact Summit en Nueva Delhi, el Asia Fragrance Festival en Taiwán, el encuentro del Festival de Cine de Bogotá en el FICCI en Cartagena, y unSCruz, evento regional de Burning Man en California.
«Esta última etapa ha sido especialmente emocional para mí», dice Carolina Castilla. «Mi live act ha estado casi cinco años en construcción. Después de casi veinte años moviéndome entre tecnología, música, startups, inversionistas, artistas, conferencias e ideas imposibles, estoy entendiendo algo simple y poderoso: este es mi llamado», agrega el cerebro de Love My Robot.
Un álbum sobre IA, pero también sobre responsabilidad humana
Sense of Reality es el segundo álbum conceptual de Love My Robot. Construido como un viaje de tres capítulos y doce canciones, el álbum explora cómo la inteligencia artificial está transformando lo que los humanos ven, creen, compran, sienten y entienden como «real». Su mensaje central es que la IA no es solo tecnología: es cultura, poder, identidad, memoria y decisión humana.
El proyecto combina música electrónica, videoclips, performance en vivo y colaboradores de distintas partes del mundo para ayudar a las personas a comprender la inteligencia artificial no desde el miedo, sino desde la curiosidad, la emoción, la ética y la imaginación.
«Con Love My Robot usamos arte, música electrónica, videoclips y colaboración global para ayudar a las personas a relacionarse con la inteligencia artificial de otra manera», explica Castilla. «No desde el pánico. No desde el hype. Desde la curiosidad, la emoción, la ética y la imaginación», agrega.
El Capítulo 2 expande el mapa conceptual del álbum entrando en la capa de la interfaz humana: cognición, memoria, personalización y superinteligencia. Si el Capítulo 1 mostró la infraestructura y las sombras del progreso tecnológico, el Capítulo 2 revela la frontera psicológica y emocional donde las mentes y las máquinas empiezan a converger.
Lista de canciones del Capítulo 2
1. Thinking Archetype — Arquitecturas cognitivas, emoción vs. computación
Thinking Archetype abre el capítulo con uno de los conceptos intelectuales centrales de Castilla: la idea de que cada artista, fundador, inversionista, líder y tecnólogo opera desde una arquitectura cognitiva oculta. La canción explora la tensión entre emoción y computación: intuición y lógica, sesgo y reconocimiento de patrones, memoria y toma de decisiones. En el trabajo más amplio de Castilla, los thinking archetypes son planos cognitivos que ayudan a entender cómo las personas procesan realidad, poder, creatividad y riesgo. Musicalmente, el track se convierte en una máquina psicológica: por capas, pulsante, analítica, emocional y profundamente humana. La pregunta que plantea es: ¿Puede la IA modelar cómo pensamos sin entender por qué sentimos?
2. Infinite Context — Memoria, modelos de contexto largo y dilemas de privacidad
Infinite Context explora el sueño y el peligro de las máquinas que nunca olvidan. A medida que los sistemas de IA expanden sus capacidades de memoria y contexto largo, comienzan a retener más de nuestras conversaciones, hábitos, preferencias, procesos creativos, señales emocionales y decisiones. La canción transforma este concepto en un ambiente sonoro hipnótico hecho de repetición, acumulación, ecos, fragmentos y bucles de memoria digital. La pregunta que plantea es: ¿Qué ocurre cuando la conveniencia se convierte en dependencia? ¿Quién es dueño de la memoria de nuestras vidas? ¿Qué deberían poder recordar las máquinas — y qué deberíamos poder olvidar los humanos?
3. Personalized AI — El espejo que aprende tu deseo
Personalized AI examina el poder seductor de los sistemas inteligentes diseñados alrededor del individuo. Asistentes de IA, motores de recomendación, interfaces adaptativas, compañeros sintéticos, feeds algorítmicos y herramientas emocionalmente responsivas prometen un mundo hecho “solo para ti”. Pero la personalización también puede convertirse en manipulación cuando los sistemas aprenden no solo lo que queremos, sino cómo influir en lo que querremos después. Musicalmente, el track vive entre intimidad y vigilancia, comodidad y control, seducción y autonomía. La pregunta que plantea es: Cuando la tecnología conoce tus preferencias mejor que tú, ¿eres más libre o más programable?
La canción ‘Personalized Ai’ cuenta con un remix en colaboración con Benny Bajo, una de las canciones más importantes para Carolina Castilla en el álbum. Allí, la artista presenta una perspectiva positiva de interacción con la Ai, mientras que Benny muestra una perspectiva más apática a través de unos coros de house en la canción.
4. Super Intelligence — El umbral más allá de la escala humana
Super Intelligence cierra el Capítulo 2 desplazándose más allá de la interfaz personal hacia la frontera de la inteligencia misma. La canción confronta la posibilidad de sistemas que superen la capacidad cognitiva humana, no como ciencia ficción, sino como un umbral cultural, político y ético. Para Castilla, la pregunta no es si la inteligencia puede volverse más poderosa, sino si la humanidad puede volverse lo suficientemente consciente para guiarla.
Sense of Reality es un álbum conceptual de tres capítulos sobre cómo la inteligencia artificial está reescribiendo la realidad. El viaje conceptual del álbum se mueve a través de tres capas:
Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress: El mundo descubre la IA a través de infraestructura, ciudades, computación, identidad sintética y poder institucional.
Capítulo 2: The Human-Machine Interface — Where Minds & Machines Converge: La IA entra en la capa íntima: cognición, memoria, personalización, emoción y superinteligencia.
Capítulo 3: The Future Unwritten — Autonomy Redefined, Humanity Amplified: El capítulo final explora las consecuencias: autonomía, regulación, cultura, poder y el futuro de la agencia humana.
Xonny te invita a desconectarte del ruido y conectar con nuevas emociones a través de la selección musical recomendada de hoy en FRECUENCIA ALTERNATIVA. Una curaduría pensada para descubrir sonidos que inspiran, artistas que merecen ser escuchados y canciones capaces de acompañarte en cualquier momento del día. Dale play, explora nuevos ritmos y déjate llevar por esta experiencia sonora que vibra con la esencia de nuestra comunidad.
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Mustela Nivalis es un proyecto musical solista creado por el artista ecuatoriano Said Jhessua Moncayo Pérez y que nace del ímpetu por dar a conocer la música que ha creado desde muy joven. Empezó a componer a los 12 años y, desde entonces, siempre tuvo el deseo de compartir su arte y lograr que otras personas pudieran conectar con él. El proyecto se fundó en 2023 con el propósito de darle identidad y un espacio propio a sus ideas y composiciones.
Desde su creación, Mustela Nivalis ha sido un proyecto solista. Said se encarga de todo el proceso creativo: la composición, la producción musical y la creación de las portadas y la identidad visual que acompaña cada lanzamiento. La intención de su propuesta musical es crear una propuesta que se aleje de lo repetitivo y explore emociones y realidades que muchas veces son difíciles de expresar.
«Busco conectar especialmente con las nuevas generaciones y con aquellas personas que encuentran en la música una forma de sentirse comprendidas. Quiero que quien escuche una canción de Mustela Nivalis pueda encontrar esa sensación de semejanza, casi como escuchar un «yo te entiendo», y al mismo tiempo descubrir una propuesta musical que lo lleve hacia un lugar diferente», comenta el artista con influencias de The Growlers, Soundgarden, Extremoduro y Los Espíritus.
«El mensaje que quiero transmitir es que incluso las emociones más incómodas, oscuras y difíciles de expresar merecen tener un espacio. A través de mis canciones busco generar una sensación de identificación y compañía, una especie de «yo también he sentido esto». No pretendo ofrecer respuestas ni transmitir un optimismo forzado. Mi intención es transformar experiencias como el letargo, la monotonía, las adicciones, la muerte y el dolor en una forma de expresión artística con la que otras personas puedan conectar. Para mí, el arte también debe ser capaz de mirar de frente aquello que incomoda y duele», agrega el proyecto inspirado en sonoridades como el rock alternativo, la psicodelia, el post-punk y otros sonidos experimentales.
‘Mors Latens’ es lo nuevo de Mustela Nivalis, una canción que nació durante unos días grises de vacío y soledad, las horas pesaban y el artista encontraba pocas cosas en las que hallar consuelo. En uno de esos momentos tomó la guitarra para desahogarse y comenzó a improvisar. Mientras lo hacía apareció una melodía y, de forma casi espontánea, compuso toda la canción y su letra.
La canción habla de esa muerte latente que aparece cuando el ser humano existe, pero siente que algo dentro de él se apaga lentamente. La frase «la ciudad cementerio es ya de almas sin vida» lleva esa sensación más allá de lo personal, retrata un entorno lleno de personas atrapadas en la rutina, presentes físicamente, pero desconectadas de aquello que las hace sentirse vivas. Aborda el vacío existencial y la desconexión emocional, pero también la búsqueda de algo que, aunque sea por un instante, nos haga sentir vivos nuevamente.
A nivel sonoro, ‘Mors Latens’ es una atmósfera experimental y flotante, combina guitarra acústica y eléctrica, bajo, texturas lo-fi y saturaciones de cinta que dan un carácter cálido pero desgastado. No tiene batería, lo que ayuda a crear esa sensación etérea y melancólica. Tiene reverberaciones densas, delay y sonidos tétricos hechos con MIDI. Todos estos elementos buscan crear una sensación envolvente que acompañe el estado emocional de la letra.
El video de ‘Mors Latens’ es una pieza audiovisual que busca transmitir al espectador la sensación de estar observando algo inusual y fuera de lo cotidiano. A través de imágenes surrealistas y una narrativa ambigua, se construye un universo visual que acompaña y profundiza en la esencia de la canción. Aparecen elementos como paisajes surrealistas, ojos que observan, miradas expresivas y sujetos extraños, todo acompañado por una estética vintage tipo VHS con ruido y texturas desgastadas que refuerzan la atmósfera melancólica e inquietante. La intención no es contar una historia con una interpretación única, sino crear una experiencia visual que dialogue con la letra y permita que cada espectador encuentre su propio significado dentro de las imágenes.
«Con este lanzamiento espero llegar a más oyentes que puedan conectar emocionalmente con la canción y encontrar en ella una experiencia con la que se sientan identificados. También busco mostrar una propuesta musical diferente, donde la música, la letra y la parte visual se unen para crear una atmósfera propia. La intención es que Mors Latens pueda encontrar personas que valoren una expresión más introspectiva, experimental y profunda», menciona Said Moncayo.
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Canparaní es la abreviación de Canciones para Niños Grandes y Grandes Niños, un proyecto lúdico pedagógico que tiene la intención de compartir mensajes inspiradores para toda la familia, desde el canto, juego, ritmo y movimiento, uniendo diferentes generaciones.
El proyecto está integrado por Yili, docente de música para jóvenes y primera infancia conectando desde el arte y el amor con nuestras futuras generaciones; Hugo, músico versátil, alegre, carismático y comprometido con las causas nobles, artista en constante aprendizaje que cree profundamente en la música como proyecto de transformación personal y social; y Mauricio, un músico que comparte mensajes de unión y alegría, que está convencido que el arte es una poderosa herramienta para inspirar a ser mejores seres humanos y más felices.
«La intención de nuestra propuesta musical busca conectar con espectadores y oyentes desde la diversidad, la música con valores, el arte de contar, y la participación activa, donde todos puedan ser protagonistas», comenta el grupo.
«A través de nuestras canciones queremos inspirar de una manera lúdica, reflexiva, creativa y juguetona a que seamos mejores seres humanos y más felices», agrega la banda con influencias de Volar para Contar, Pim Pau, Jacana Jacana, Duo Karma, Totó la Momposina y Canticuénticos.
‘Titilan Tilán’ es lo nuevo de Camparaní, una canción de carranga y reggae que comparte de una manera juguetona, la importancia de los pequeños hábitos diarios y el poder de la voluntad, que se resalta en el coro a través de afirmaciones positivas. El nombre de la canción hace referencia a enfocarse en lo que hace titilar a las personas con más fuerza en la vida.
‘Titilan Tilán’ es una canción ideal para escuchar cuando sientas que el letargo o la pereza te dominan o simplemente cuando quieras contagiarte de alegría y bailar a ritmo de carranga y reggae.
Mauricio, el compositor de Canparaní, vive en una montaña donde siembra de una manera amorosa la tierra, parte de su consumo diario. También es apicultor, para él, los dos lugares preferidos en este planeta son las montañas y el mar que se representan con la carranga y reggae, dos ritmos con cadencias diferentes que se unen desde el arte.
«Con este lanzamiento buscamos que la mayor cantidad de personas de habla hispana canten la canción. Queremos generar una reflexión positiva del poder de nuestros pequeños hábitos y fuerza de voluntad como un motor para lograr lo que nos propongamos en la vida», enfatiza Canparaní.
‘Titilan Tilán’ es el nombre del tercer álbum de estudio de Canparaní, que consta de 7 canciones que se irán lanzando periódicamente. El disco tiene una tendencia a músicas campesinas, andinas y cumbias principalmente.
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‘Maremágnum’ de Sueños de un Tulpa nació luego de una experimentación sonora de rock progresivo, pero manteniendo intacta la atmósfera de horror cósmico que define al proyecto. El tema tiene un equilibrio desafiante, entrelaza métricas irregulares con texturas que evocaran una inmensidad aterradora e insondable, algo que simplemente escapa a la comprensión humana.
A nivel lírico, la canción es una idea que narra la lucha agónica de una persona tratando de evitar que una entidad tome el control absoluto de su mente. Siguiendo el canon de las influencias literarias de Sueños de un Tulpa como Lovecraft, frente a lo vasto y la maldición de lo desconocido, la condición humana siempre termina perdiendo. La entidad que protagoniza esta historia proviene de la mitología cristiana: Legión. Es una figura muy oscura, un ente que no es uno solo, sino una multitud de demonios habitando un mismo cuerpo («somos muchos», dice la tradición), lo que representa una invasión absoluta y abrumadora. El tema te sumerge en esa exploración psicológica y existencial, guiándote hasta el momento exacto en el que esa legión de voces finalmente posee y doblega por completo la voluntad del individuo.
«Desde su concepción, decidí estructurar la canción en un compás de 11/8. Esta métrica irregular es intencional; la utilizo para inyectar una tensión latente, para que quien la escuche sienta cómo desciende hacia esa exploración psicológica, sumergiéndose en una lucha directa contra lo insondable. Como siempre busco en este proyecto, la idea era materializar ese pensamiento sonoro a través del contraste: encontrar un punto de equilibrio entre la cualidad etérea de unas voces profundamente melódicas y la crudeza de ritmos muy marcados. Los solos de teclado y guitarra no son simples recursos técnicos; fueron invocados específicamente para causar incomodidad y tensión. Quería que se pudiera vivir sonoramente esa batalla, el caos de una mente resistiendo, para finalmente desembocar en el sonido de una pelea perdida. Es una incursión hacia un terreno mucho más experimental. A nivel personal, ha sido inmensamente satisfactorio porque me permite mantener mi aversión a las etiquetas y salirme de los patrones de un género musical en particular, dejando que la obra forje su propia identidad y adquiera vida propia al ser escuchada», comenta.
El tema cobró dimensiones insospechadas gracias a las colaboraciones de grandes talentos, la voz de Juli Guilleron, además de Natural Juandi invocando texturas como invitado en el solo de teclado del intermedio, y el regreso de David Bermúdez, quien aportó un gran solo de guitarra al final.
«Al igual que sucedió con ‘Segundo Acto’, mi intención con este lanzamiento no es entregar una moraleja ni una enseñanza. Busco que la canción funcione como una entidad sonora que cobra vida propia, permitiendo que el oyente experimente de primera mano ese conflicto interno que todos enfrentamos cuando sentimos que la realidad se nos sale de control. Dentro de esta exploración psicológica, utilizo la figura de la posesión como una metáfora existencial. Representa esa pérdida del control racional, esos momentos en los que nos dejamos arrastrar por emociones tan abrumadoras que sentimos que una voluntad ajena nos está reemplazando desde adentro. Este tema en particular, a diferencia de otras exploraciones sobre el dolor o la soledad, captura un umbral muy específico: habla de ese instante exacto en el que contemplamos con horror cómo dejamos de ser nosotros mismos, el momento preciso en el que nuestra mente cede ante lo insondable y perdemos nuestra propia esencia», enfatiza el artista colombiano.
El video de ‘Maremágnum’ de Sueños de un Tulpa tiene como intención llevar la narrativa visual un paso más allá. Tiene apoyo de la inteligencia artificial no solo como un recurso técnico, sino como una herramienta narrativa fundamental para otorgarle un contexto más profundo a la letra. Visualmente, invoca la estética del cine mudo de 1920. La pieza se construyó intercalando secuencias con esos clásicos carteles negros, donde se va revelando la letra de la canción como si fueran los ecos de una pesadilla. Incluso tiene subtítulos en inglés para darle el aura de una cinta antigua y olvidada que acaba de ser ‘restaurada’, haciendo que el video se convierta en una experiencia inmersiva e indispensable para apreciar la obra completa.
Para materializar esa agónica pérdida de humanidad, una mujer de tercera edad es la protagonista, jugando con un contraste inquietante. Se suele asociar la vejez con la fragilidad o la ternura, y precisamente se buscaba subvertir ese arquetipo para generar una tensión profunda, mostrándola luchar en absoluta soledad contra una presencia parasitaria. Al final, esta estética silente confirma el canon de este universo de horror cósmico: frente a la inmensidad de lo desconocido, la condición humana siempre termina perdiendo. Se ve cómo la entidad logra su cometido, y la mujer, ya totalmente despojada de su esencia, sugiere a través de imágenes no explícitas la consumación total del horror: la destrucción de su propia familia antes de arrojarse al abismo.
«Al construir la canción con una atmósfera inmersiva y oscura, siento que el entorno ideal para dejar que ‘Maremágnum’ cobre vida propia es en la absoluta oscuridad de una habitación. No es una pieza pensada para acompañar el ruido del día a día; es una puerta directa a la introspección profunda. La mejor forma de experimentarla es en soledad, con la mirada perdida en el vacío, dejando que tu mente se rinda ante la inmensidad de la orquestación coral, esa métrica tensionante y las melodías disonantes. Al final, más que solo escuchar una canción, la intención es que vivas una experiencia total: la de sumergirte y protagonizar tu propia historia de horror cósmico, enfrentándote a lo insondable desde el silencio de tu propio encierro», enfatiza Sueños de un Tulpa.
Después de un primer semestre de trabajo intenso en Madrid con productores como Carlos Almazan, Dabruk y Moisés Herrera en donde ha dado rienda suelta a su creatividad, la cantante, compositora y guitarrista colombiana Amparo Sandino, nacida en Bogotá y actualmente radicada en España, sigue construyendo lo que será su nuevo EP ‘Sesenta y Tres’ y hoy presenta su nuevo sencillo ‘Ella’.
‘Ella’ de Amparo Sandino, compuesta en 2002 en conjunto con el compositor y productor español José Manuel Moles, es una canción con una gran carga emocional que visibiliza la realidad de la violencia de género a través de una historia íntima y desgarradora de supervivencia y esperanza, de una mujer marcada por el miedo y la búsqueda de libertad.
A nivel sonoro, ‘Ella’ es una canción de pop latino con influencias de flamenco pop y sonidos de contrastes: guitarras acústicas junto a sintetizadores, sobre una percusión que marca la intensidad donde la voz lleva carácter propio.
«Más que una canción, ‘Ella’ es un homenaje a las víctimas y un llamado a romper el silencio, transformando la música en conciencia social. Es un mensaje claro para recordar que el amor jamás debe confundirse con el sufrimiento. Es una pieza que combina emoción y una narrativa capaz de conectar profundamente con el oyente», comenta Amparo Sandino. «La voz lleva carácter propio — ni grita ni suplica — y eso la hace magnética en cualquier en cualquier momento del día», agrega.
El video no fue construido solo para acompañar la canción, es una pieza con discurso visual propio. El espejo donde se reflejan las imágenes no solo representa dolor emocional, también es la memoria de ‘Ella’, de todo lo que vivió y de todas las señales que nadie quiso ver. Además, hay algo clave en cómo se plantea la violencia: no se enseña de forma explícita, más bien el enfoque simbólico genera más impacto emocional y universal para evitar caer en algo sensacionalista.
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LIRA es el laboratorio musical del compositor colombiano Rodrigo Pacheco. El proyecto comenzó a tomar forma en el 2022, después de años estudiando y explorando la composición, y fue lanzado oficialmente en 2025. El estilo experimental y ecléctico de LIRA transporta a los oyentes a diferentes paisajes sonoros con un tinte cinematográfico, evocando imágenes y escenas. Rodrigo ha trabajado como compositor para películas e instalaciones artísticas en los últimos años. A través de la música instrumental, el proyecto explora la relación entre sonido, imaginación y emoción, invitando al oyente a construir sus propias historias.
«Busco que cada pieza sea una experiencia abierta donde las personas puedan proyectar recuerdos, emociones o imágenes propias. La investigación y exploración de varios estilos musicales es una herramienta para recorrer distintos estados de ánimo y posibilidades sonoras. Me interesa la fusión entre tradición y exploración. Esto se ve reflejado en mis primeros dos álbumes, que fueron una exploración de varios ritmos tradicionales, armonías de jazz y sonidos de ambiente», comenta LIRA.
LIRA es un proyecto ecléctico. La curiosidad musical de Rodrigo le ha hecho experimentar con formas clásicas y contemporáneas, tomando como referencias artistas y compositores de varios géneros.
«La música no necesita palabras para transmitir emociones o acompañar procesos personales. Mi música busca despertar la imaginación, recordarnos que sentir también es una forma de comprendernos y que el arte puede ser una experiencia espiritual. Muchas veces la música expresa algo que todavía no sabemos nombrar», agrega el músico colombiano.
‘Escenario’ es el nuevo lanzamiento de LIRA, es un blues cinematográfico y ambient con influencias de jazz. El tema tiene un arreglo cercano a ciertos estilos de blues y jazz, con piano eléctrico, guitarra eléctrica y bajo eléctrico. Se caracteriza por su walking bass, los ritmos sincopados y el tresillo en las percusiones. Hacia el final de la canción tiene un cambio inesperado que genera un gran contraste.
Con este tema LIRA explora la forma del blues, que no es tan común hoy en día, y fusionarla con armonías de jazz. Además, incorpora sonidos de ambiente para convertirlo en un paisaje sonoro. Es una pieza cargada de tensión y misterio que sumerge al oyente en una atmósfera.
«Con el lanzamiento de ‘Escenario’ espero despertar curiosidad. Que los oyentes escuchen música que explora otros estilos y sonoridades diferentes al mainstream. Además, que se detengan a escuchar, exploren el misterio de la pieza y conecten con su imaginación», enfatiza el colombiano.
‘Escenario’ hace parte del primer álbum de estudio de LIRA titulado ‘Oculto Vol. 1’ lanzado en 2025. Este trabajo fue un proyecto en el que el músico experimentó con diferentes ritmos tradicionales, armonías de jazz y sonidos de ambiente.
Según LIRA, «Mi música se adapta a diferentes momentos del día. Hay temas lentos como ‘Preludio’ o ‘Agua y anillo’, perfectos para relajarse y cerrar el día. Para moverse y bailar está ‘Riesgo’, inspirado en ritmos de cumbia. Otras canciones como ‘Escenario’ o ‘Método’ están cargados de misterio y parecen la banda sonora de una película. Hasta ahora, mi proyecto ha sido cien por ciento instrumental, por lo que también puede acompañar otras actividades. Al ser instrumental, cada persona encuentra un significado distinto».
Isaac Victoria es un cantautor mexicano que desde 2012 cuenta historias a través de la música. Su trabajo es el punto de encuentro entre la solidez vocal y la pasión que da vida a sus letras. Con una trayectoria que ha resonado desde el Teatro Nacional en Santo Domingo hasta el Top 10 de las radios en Australia, se consolida como una de las voces más versátiles del pop contemporáneo. Cantautor y productor, fusiona la sensibilidad lírica con una producción de vanguardia.
Después de interpretar covers durante unos años en la República Mexicana, Isaac tuvo la necesidad de comenzar a componer canciones para contar su propia historia, su manera de ver la vida, de sentir el amor y el desamor, y de contar sus vivencias con su propia voz.
«Celebro la vida a través de mi música y mi canto. Quiero dejar bien presente que, si bien la vida no es perfecta, sí puede ser hermosa si cantamos nuestra historia desde el corazón», cuenta el músico.
«A través de mis canciones quiero contar historias, llevar buena vibra por esos tres minutos y cantar a plena voz alegrías y desamores», agrega el mexicano con influencias de Alex Filio, Ismael Serrano, Pedro Guerra, Raúl Paz y Pedro Capó.
‘Por si no hay mañana’ es el nuevo lanzamiento de Isaac Victoria, una canción que surgió en la época de la pandemia. Fueron momentos en los que el artista se replanteó «¿y si no hubiera un mañana? Es un recordatorio de que el amor y las palabras deben entregarse y vivirse en el momento presente.
La base de la canción nació como una balada suave con arpegios de guitarra de tipo folk pop o acoustic pop, donde la guitarra lleva el peso de la historia. En las sesiones de arreglos, Isaac le dio un toque de latin pop actual, intentando fusionar estos elementos para tratar de lograr un sonido fresco y emocional a la vez.
«Uno se enteraba de los miles de muertos en todo el mundo, pero también entre mis propios familiares y amigos. Entonces surgió la pregunta, ¿qué harías hoy si supieras que no habrá un mañana? A veces uno se guarda las cosas bonitas que uno siente por los amigos, la pareja o la familia», menciona el mexicano.
La narrativa del video de ‘Por si no hay mañana’ tiene un concepto claro: el amor como refugio. La intención principal es plasmar la honestidad y la entrega total en el amor. La idea de que, ante la incertidumbre del destino, lo único que importa es abrazar el presente y decirle a esa persona lo que se siente por ella. Visualmente, el director buscó recrear la atmósfera de un ‘castillo en ruinas’, como un símbolo de un mundo que se ha detenido, donde los dos protagonistas parecen ser los únicos habitantes. En medio de esa quietud y de los vestigios del pasado, el amor y la complicidad se convierten en el único refugio vivo, dándole una sensación de calidez, luz y esperanza a las ruinas.
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