Escucha ‘Sense of Reality’, lo nuevo de Love My Robot

Love My Robot presenta el primer capítulo de su segundo trabajo discográfico ‘Sense of Reality’.

Capítulo 1: The Dawn of AI — Living in the Shadows of Progress es el inicio de la era: el mundo se enamora de la promesa de la IA, mientras aprende que todo avance tiene sombras. Musicalmente es club futurista: tensión cinematográfica, pulso urbano y narrativa tecnológica, pero emocionalmente humana.

1) Smart Cities — homenaje a Startup Shibuya Support

‘Smart Cities’ es un homenaje a Startup Shibuya Support, una organización gubernamental japonesa que impulsa a creativos y startups con infraestructura, acompañamiento y comunidad. La canción captura esa energía de ciudad-laboratorio donde la innovación también es cultura y colaboración. Aborda temáticas de ecosistemas creativos, movilidad, comunidad, datos y confianza cívica. A nivel sonoro se destaca el pulso urbano, la energía de neón y una sensación de movimiento constante.

2) Quantum Computing — cuando lo cuántico desafía la realidad

Es un track sobre el vértigo de lo cuántico: la realidad deja de ser binaria, aparecen posibilidades simultáneas y la ciencia se vuelve cotidiana. Habla de incertidumbre, futuro y los límites de lo comprensible. Sus sonoridades tienen texturas abstractas, cambios inesperados y tensión elegante.

3) Synthetic Humans — avatares, clones, consentimiento, biotecnología

La belleza y el riesgo de copiar lo humano: identidad replicable y dilemas sobre consentimiento, derechos y deseo en la era de datos. Aborda temas de deepfakes, consentimiento, biotecnología y derechos digitales. Su sonido es sensual y oscuro; orgánico vs mecánico.

4) ChatGPT — crítica a la tensión nonprofit vs for-profit

La canción nace como crítica artística a la tensión entre promesa de misión pública y el giro hacia el lucro. Cuestiona incentivos, concentración de poder y el choque entre eficiencia y responsabilidad. Sus temas principales son ética, incentivos, transparencia y confianza pública. Su sonido es contundente y directo; vibra de debate en la pista.

«Este primer capítulo es perfecto para escuchar de noche en la ciudad o estando en movimiento por la carretera. También funciona como soundtrack de enfoque creativo (escritura, diseño, construcción) y como «reset» mental antes de salir: energía de club con narrativa y propósito», cuenta Love My Robot.

‘Sense of Reality’ es el segundo álbum conceptual de Love My Robot. Está estructurado en 3 capítulos con 12 canciones (4 por capítulo). El mensaje central: la IA no es solo tecnología; es cultura, poder y decisión humana. El lanzamiento será por capítulos para darle vida editorial y audiovisual a cada track.

‘Sense of Reality’ trata de cómo la IA reescribe lo que se entiende por realidad: lo que se ve, lo que se cree, lo que se compra, lo que se siente y lo que se le conoce como «humano». El álbum plantea preguntas: ¿qué se gana y qué se pierde con la eficiencia?, ¿dónde empieza el consentimiento en un mundo de avatares y clones?, ¿quién captura el valor cuando todo se vuelve dato?

Aborda elementos y temáticas como IA y ética (incentivos, poder, transparencia, responsabilidad), Identidad digital (avatares, clones, deepfakes y consentimiento), Ciudades inteligentes (sensores, movilidad, privacidad y confianza cívica), Realidad alterada (sesgos, «alucinaciones», y futuros posibles) y Creatividad en la era algorítmica (autoría, derechos y trazabilidad).

‘Sense of Reality’ tiene un mapa conceptual que funciona como un viaje en tres capas: Infraestructura: datos, cómputo, redes, sensores, modelos, estándares; Interfaz humana: identidad, cuerpo, deseo, creatividad, consentimiento; y Consecuencia: autonomía, regulación, cultura, economía y poder. Cada capítulo ofrece un lente diferente para observar la misma era: progreso, espejo humano y dilema ético.

Escucha ‘El baile de los que sobran’ en una nueva versión de Bonus Trak

La banda colombiana Bonus Trak lanza su nuevo sencillo ‘El Baile de los que Sobran’, una reinterpretación de uno de los grandes himnos del rock latino, originalmente popularizado por Los Prisioneros.

Luego del lanzamiento de ‘Si No Fuera Yo’ en noviembre —primer adelanto de su segundo álbum— Bonus Trak continúa construyendo su narrativa musical con una canción que sigue siendo incómoda, vigente y necesaria. Más que un ejercicio de nostalgia, esta versión conecta el mensaje original con una sensibilidad actual, manteniendo intacta su carga social y emocional, pero llevándola a un terreno sonoro propio de la banda.

«‘El Baile de los que Sobran’ es una canción que sigue hablando por muchos. Nosotros crecimos con ella y hoy sentimos la necesidad de volver a decirla desde nuestro lugar y nuestro tiempo», comenta la banda.

No es casualidad que Bonus Trak lance este cover en temporada de regreso a clases. La temática de la canción que hace crítica al sistema de educación fallido parece más vigente que nunca, y el inicio de clases es el momento para levantar la voz con un tema que sigue conectando a las nuevas generaciones, afirma la banda.

El sencillo fue producido por Juanda Morales y masterizado por Emily Lazar, ganadora de múltiples premios Grammy, reconocida por su trabajo con artistas como Foo Fighters y Bomba Estéreo, entre otros. Su aporte le da solidez y carácter a una versión que respeta el espíritu del original, pero lo interpreta desde una mirada contemporánea, directa y honesta.

Durante los próximos meses, Bonus Trak tendrá lanzamientos constantes de nuevas canciones, así como conciertos en los meses de febrero, abril y mayo. Además, el grupo está apuntándole a varios festivales y convocatorias a nivel nacional e internacional.

El Concierskazo Fest 2026: un festival internacional gratuito que mezcla ska, circo, teatro y artes gráficas

Bogotá vivirá una nueva experiencia cultural con El Concierskazo Fest 2026, un festival internacional gratuito que une ska, teatro y artes gráficas en un solo escenario. El evento se realizará el domingo 1 de marzo de 2026 en el Teatro al Aire Libre La Media Torta, con una jornada continua de 8 horas de programación, desde las 11:00 a. m. hasta las 7:00 p. m., y entrada libre hasta completar aforo.

Esta será la primera edición de El Concierskazo en formato festival. En 2024, el proyecto se desarrolló a través de seis fechas bajo el nombre ‘El Concierskazo de El Punto Ska’, realizadas en distintos espacios de Bogotá, donde la agrupación El Punto Ska propuso un formato híbrido que mezclaba música en vivo y teatro. Lo que comenzó como un show protagonizado por la banda y un DJ hoy evoluciona hacia un festival de gran formato, ampliando su propuesta artística, su duración y su impacto cultural.

El festival es posible gracias a que El Punto Ska resultó ganador de la Invitación Cultural ‘¡Arma tu festival! Eventos artísticos en los Escenarios Móviles o en el Teatro al Aire Libre La Media Torta – IDARTES 2025’, lo que permite que El Concierskazo Fest 2026 haga parte de la programación oficial del escenario y garantice el acceso gratuito para el público. Así mismo, el evento cuenta con el respaldo de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño (FUGA),tras ser ganadores de la convocatoria ‘Más Cultura Local’ para la producción y circulación de agentes artísticos, culturales y creativos en La Candelaria, resultado del trabajo realizado por la agrupación en esta localidad de manera independiente desde 2019. Con estas alianzas y trabajos público-privados se fortalece el alcance territorial y comunitario en la localidad de La Candelaria.

En cuanto a su programación musical, El Concierskazo Fest 2026 reunirá a Triciclo Circus Band (México), El Punto Ska, La Real Skademia, Breska, La Raska y Skartone. La jornada se complementa con la participación de los selectores Big Dirty Beat, Christine Keeler y Black Rooster Selectah, y una curaduría pensada para ofrecer una experiencia continua, diversa y de alta calidad para los públicos que siguen el ska y sus cruces con otras expresiones urbanas.

Los presentadores de El Concierskazo Fest serán Diana ‘Amaranta’, gestora cultural y bailarina bogotana, e Iván Samudio, periodista, locutor y podcaster, fanático del ska bogotano, director de Anti*Cast (podcast) y 4LT3R (único programa radial en FM dedicado al ska, al punk y al hardcore).

Más allá de la música, el festival propone una experiencia cultural integral abierta a todo el público bogotano que vibra con el ska, el reggae, la música circense, el balkan, entre otros géneros. El Concierskazo Fest apuesta por una magnitud similar a la que tuvo el Ska Para Todos Fest 2022, realizado también en La Media Torta y que congregó a más de 2.500 asistentes. En ese sentido, este festival se consolida como la nueva apuesta gratuita de gran formato de estos procesos culturales, en un contexto donde otros festivales históricos del género han pasado a modelos privados.

La programación incluirá, además, una feria de emprendimientos en alianza con Memorias Colombia, fundación de excombatientes de la localidad de La Candelaria; una estampatón, donde el público podrá llevar su camiseta y estamparla por $10.000 COP; y una intervención de pintura en vivo y arte graffiti a cargo de Mat Creativo (SIC), fortaleciendo el cruce entre música, memoria, economía cultural y artes visuales.

El día anterior al festival, el 28 de febrero, se realizará un Meet & Greet en Fátima Hostels, reconocido hostal de La Candelaria, donde los fanáticos del festival podrán asistir a tomarse fotos con sus artistas favoritos, así como disfrutar de un pequeño show acústico realizado por la agrupación Triciclo Circus Band.

Como parte central del festival, El Punto Ska realizará el lanzamiento de su videoclip ‘Sweet Loretta’ en el escenario de La Media Torta. Además, la banda llegará al evento tras estrenar su nuevo sencillo ‘Babylon’ en el marco de las Ska Punkie Reggae Parties, una colaboración en versión rap junto a Desorden Social Rap, reafirmando el espíritu colaborativo y experimental de su proyecto.

Una reflexión sobre la pequeñez humana y el sentido de existir, así es ‘Partícula’ de Rastro MC

El rapero bogotano Rastro Mc, reconocido por su original estilo y sus más de 15 años de trayectoria en la escena Hip Hop, presenta su más reciente sencillo titulado ‘Partícula’.

La canción propone una mirada profunda y poética sobre la condición humana, partiendo de una poderosa metáfora: la de ser partículas diminutas viajando en un universo inmenso.

A través de una lírica introspectiva, ‘Partícula’ reflexiona sobre lo efímero del tiempo, la fragilidad de la existencia y la importancia de aprovechar ese breve instante que llamamos vida para comprender —o al menos intentar comprender— qué significa realmente vivir. La canción invita a una escucha consciente, donde la palabra se convierte en herramienta de cuestionamiento y autoconocimiento.

En lo sonoro, el tema se construye sobre una atmósfera envolvente y minimalista que acompaña el mensaje sin distraerlo, permitiendo que la voz y la idea central se mantengan al frente. Fiel a su estilo, Rastro MC apuesta por un rap honesto, sin artificios, donde el contenido y la emoción son el eje principal.

‘Partícula’ continúa el camino artístico que Rastro MC ha venido desarrollando desde 2013 como solista, consolidándolo como una de las voces del hip hop colombiano que dialoga entre lo social, lo espiritual y lo existencial.

Este lanzamiento se suma a la antesala de ‘Místico’, su próximo álbum programado para abril de 2026.

Escucha ‘Tirado en el sofá’ y ‘María José’, lo nuevo de Samuel Osorio

Samuel Osorio es un productor musical bogotano de 22 años. Egresado de la Universidad de Berklee en Boston y actualmente cursando su maestría en Chicago, tiene como intención en su propuesta musical retratar situaciones de la vida cotidiana suyas o de personas cercanas. Hacer música es un acto liberador por eso, sus canciones hablan de amor, confusión, de no entender por qué las cosas se dan de tal manera con sus palabras. Le encanta pintar escenarios y llenarlos de colores y texturas musicales para poder imprimir una foto con significado y estética.

«Quiero que mis canciones tengan un espacio en el oyente para que entiendan que las situaciones normales, felices o complicadas también son candidatas a ser arte. Que puedan acompañar a quién las escucha dentro de momentos en los que de verdad se hallen dentro de ellas», cuenta el artista con influencias de Juan Pablo Vega, Monsieur Periné, Vicente García, Esteman, Luis Miguel, Diamante Eléctrico, Bandalos Chinos, Earth Wind and Fire, Bill Evans, Jamiroquai y Bon Iver.

‘Tirado en el sofá’ es el más reciente lanzamiento de Samuel Osorio, una canción que, musicalmente, es inspiración de Kings of Convenience, guitarras y folklor estadounidense. Inspirado en ello, grabó violines, síntesis modular, guitarra lapsteel, bajo, percusiones y demás elementos que se adecuan a ese folk. La historia se basa en la experiencia de un amigo suyo quien tenía una relación en donde siempre se hallaba «solo», pues su pareja estaba ocupada todo el tiempo y la relación era más esperar y recordar momentos, que vivirlos.

«Es difícil cuando los tiempos en las relaciones no encajan, y cuando alguien queda libre, el otro se ocupa. Esta canción es una demostración de esos momentos donde los relojes no son capaces de coordinarse. El video (totalmente DIY), muestra a una persona en donde la tarde pasa, y solo se le ve esperando por alguien que no llega o no se hacer sentir. Algo muy común de esos momentos, que es cotidiano, pero no le quita lo difícil», enfatiza el músico.

Otro de sus lanzamientos es ‘María José’, una canción de amor que nació en 2022, durante la etapa de enamoramiento, cuando conoció a su novia. El tema les ayudó a entender que estaban en la misma sintonía y que estaban destinados a estar juntos. Aborda el amor, el esperar, y la reciprocidad.

«Tiene un sonido ochentero, pero a la vez moderno. Es algo que hubiera podido ser creado por Benny Sings o por Christopher Cross. La producción fue muy de síntesis y guitarras en un arreglo donde todo pudo respirar, sonidos muy positivos y brillantes. El video es analógico, y somos los dos siendo felices por un parque en Usaquén en Bogotá. Quería tener esa sensación retro, de algo dañado, de algo que podrían encontrar en un disquette viejo que lleva tiempo acumulando polvo», menciona.

Las dos canciones hacen parte del EP debut de Samuel Osorio llamado ‘Tirado En El Sofá’. Todos los temas manejan una misma estética sonora y emocional, un momento de singular en su vida.

«Quiero empezar a compartir quién soy, que la gente empiece a encontrarse en mi música y que llegue a las personas adecuadas, que pueda haber un disco ahí afuera que represente fielmente quién era durante esa etapa de mi vida. Me encantaría llegar a más gente para poder escuchar qué les genera la música y en qué momentos de su vida la escucharían. Adoraría llegar al público hispanohablante y empezar a hacer recorrido, poder abrir más puertas, poder tocar en vivo y colaborar con más artistas», puntualiza el artista colombiano.

Actualmente, Samuel Osorio trabaja en una sesión en vivo grabada en Boston del sencillo ‘Lejos’, una versión muy rockera de la canción original. De igual manera, el artista publicará en marzo un sencillo titulado ‘2is (dosis)’, con música inspirada en Dana & Alden y Anatole Muster, una sonoridad indie jazz. Adicionalmente, el músico ya tiene un EP de 6 canciones nuevas de un momento emocionalmente más duro y desafiante del amor que vivió durante el 2025.

[Estreno] Una canción de liberación y amor propio, así es ‘Done’ de Grace de Gier y Edgar Grimaldos

El 2025 fue un año intenso, desafiante y significativo a nivel artístico para la cantante y compositora de rock, indie y pop colombo holandesa Grace de Gier. Fue un año de crecimiento, aprendizaje y con una proyección clara hacia nuevos lanzamientos.

Actualmente, Grace de Gier a dúo con Edgar Grimaldos, se encuentraen la promoción de su nuevo sencillo en inglés titulado ‘Done’, una canción que habla sobre salir de una relación tóxica como un acto de liberación. La canción retrata ese momento en el que se rompe un círculo vicioso del que no es fácil salir, pero que llega a un punto en el que ya no se puede más. Es el instante de claridad en el que se dice «I’m done». La canción aborda temáticas como el desgaste emocional, la dependencia, la liberación personal y el amor propio, mostrando el proceso de tomar una decisión definitiva incluso cuando hacerlo implica dolor.

En ‘Done’ se explora un sonido alternativo, con una base de indie rock más fuerte de lo que el proyecto venía trabajando anteriormente. No se encasilla en el hard rock ni en el dream pop o indie pop, sino que se mueve dentro de una energía más cruda y directa, alineada con el mensaje de ruptura y liberación que transmite la canción.

‘Done’ representa un paso importante en el desarrollo de Grace de Gier como proyecto junto a Edgar Grimaldos. La cantante estuvo a cargo de la composición y la lírica, mientras que el músico multiinstrumentista grabó todos los instrumentos de la canción en un estudio profesional en París, aportando de manera decisiva a la identidad sonora y al resultado final del track. Este proceso permitió consolidar un sonido más definido y sólido para este sencillo a dúo.

«‘Done’ no nace de una experiencia personal. La inspiración nace de una experiencia muy cercana, al ser testigo del impacto de la violencia psicológica y emocional, en este caso ejercida hacia un hombre. Escuchar esas historias y ver las consecuencias de ese tipo de relación fue lo que motivó la escritura de la canción», comenta la artista colombiana.

«Es una canción dirigida a todas las personas que han sufrido en silencio, ya sea por miedo, dependencia, apego o por estar atrapadas en una relación tóxica, y que lograron romper esas cadenas y decir ‘Done'», agrega Grace de Gier.

El videoclip representa los lazos emocionales que nos mantienen atrapados en situaciones tóxicas. Estas ataduras aparecen representadas a través de figuras como monjes encapuchados, que simbolizan las fuerzas invisibles: los recuerdos, los patrones repetitivos y las emociones que nos atan y nos mantienen emocionalmente encapsulados. El concepto refleja la sensación de estar atrapado en un bucle, similar a un televisor antiguo que no se puede cambiar de canal, donde las mismas imágenes, recuerdos y emociones se repiten una y otra vez. Las fotografías, los lugares y las escenas recurrentes representan cómo el pasado sigue dando vueltas en la mente.

El video fue concebido como una pieza con estética noventera, inspirada en los visuales alternativos de los años 90, con una narrativa cruda, repetitiva y atmosférica. Producido y filmado por una productora francesa Lahbabi producción y los actores francés Benoît Martínez y Valentina Coenen.

Grace y Edgar aparecen dentro de esta atmósfera para recordarle al espectador que esas ataduras emocionales pueden romperse. Done se convierte en el punto de inflexión, el momento de claridad en el que la liberación es posible y comienza la libertad. Asimismo, imágenes de prensa creadas por el fotógrafo francés Jean Jacques Luc aparecen integradas de manera discreta en el videoclip, invitando al espectador atento a descubrirlas como fragmentos ocultos dentro de la narrativa visual.

«Hasta el momento, ‘Done’ ha tenido un impacto muy positivo, especialmente en países angloparlantes. El feedback ha sido favorable tanto a nivel artístico como dentro de la industria musical. Entre los comentarios recibidos se destaca el de Adam Ayan, ingeniero de masterización ganador de siete premios Grammy, quien elogió el track y expresó públicamente cuánto le gustó la canción durante el proceso de masterización. Asimismo, Jake Blanton, bajista de tour de The Killers, describió ‘Done’ como una canción «on fire», destacando su energía y el trabajo detrás del tema. El objetivo ahora es fortalecer la conexión con Latinoamérica, donde lanzamientos anteriores del proyecto también han tenido una respuesta positiva», mencionan Grace de Gier y Edgar Grimaldos.

‘Done’ es un single independiente. Aunque inicialmente estaba pensado como parte de un EP, se decidió lanzarlo como sencillo para darle la atención y el protagonismo que merecía.

Bajo su lema, ‘Médico de día, rockero de noche’, el cantante colombiano Dr. Torralvo presenta ‘Perdóname’ y ‘Hechizo Elemental’

Dr. Torralvo es un médico internista y oncólogo colombiano, nacido en Montería y radicado en Suiza desde hace dos décadas, que combina su vocación científica con una profunda pasión por la música. Cantante y multiinstrumentista, ha cultivado canciones durante años hasta que en 2024 decidió materializar el proyecto junto a su amigo y productor Daniel Gómez (Danny Roots). El proyecto tomó forma definitiva durante un viaje a Colombia, con grabaciones realizadas en Bogotá.

La intención de su propuesta musical busca dar nueva vida a canciones que merecían salir del olvido y contribuir activamente al resurgimiento del rock en español, aportando una voz honesta y contemporánea dentro del género.

«Cada canción tiene una identidad propia, pero el álbum en conjunto propone un recorrido emocional que va desde estados más oscuros hasta otros más luminosos, reflejando procesos de transformación personal», comenta Dr. Torralvo cuyas influencias se nutren del rock en español de los años noventa y del rock alternativo de la misma década, de bandas y artistas como Héroes del Silencio, Soda Stereo y Miguel Mateos.

‘Perdóname’ es el más reciente lanzamiento de Dr. Torralvo, una canción escrita por Daniel Gómez con un aporte autoral de Dr. Torralvo. Aborda la búsqueda obsesiva del perdón tras una ruptura, incluso cuando ha habido engaño, explorando la redención, la vulnerabilidad y el deseo de volver a pesar de todo, sobre una base de rock intenso y emocional.

‘Hechizo Elemental’ es otro de los sencillos recientes de Dr. Torralvo, unacanción que utiliza una metáfora poética para hablar del deseo, la atracción y el impulso natural que surge cuando alguien se enamora. Explora ese ‘hechizo’ primario e inevitable que forma parte de la naturaleza humana.

«Quiero que mi música y mis historias lleguen al mayor número de oídos posible, que genere conexión con el público y permita consolidar el proyecto a largo plazo», enfatiza el artista quien define su proyecto musical bajo el eslogan ‘Médico de día, rockero de noche’.

Ambos sencillos hacen parte del álbum debut de Dr. Torralvo titulado ‘Hechizo Elemental’, compuesto por diez canciones y dos interludios instrumentales. El disco está estructurado en tres bloques conceptuales: Perdición, Redención y Renacer. Ha sido lanzado progresivamente por sencillos, con el resto del álbum previsto para los próximos meses.

«La música de Dr. Torralvo ofrece canciones para distintos estados de ánimo y momentos del día. Aunque el eje es el rock, incorpora elementos de metal, ska, reggae, pop y balada, lo que amplía su versatilidad emocional», enfatiza el colombiano.

Durante el primer semestre de 2026, Dr. Torralvo publicará dos videoclips. Paralelamente, el artista trabajará en nuevas composiciones y en el crecimiento de su comunidad en Colombia, América Latina y Europa, con la mira puesta en futuras presentaciones en vivo.

«Con este proyecto busco contribuir al regreso del rock en español y de una música genuina, centrada en el talento y la expresión artística más que en fórmulas algorítmicas o comerciales, invitando al público a redescubrir el valor del arte auténtico», concluye Dr. Torralvo.

Fractal Caravan estrena su disco homónimo debut, garage rock con raíces y enfoque futurista

Fractal Caravan es un poderoso trío de rock and roll cósmico del siglo XXI fundado en 2013, con un toque de ciencia ficción con alma. La agrupación con integrantes de Norteamérica y Sudamérica está conformada por Edwin Quirk (cantante y guitarrista), Fabio Montenegro (bajista y productor), David Cornejo (baterista) y Dani Segura (baterista). El nombre del proyecto es una mezcla de lo antiguo y lo moderno, y simboliza el patrón eterno de movimiento y creatividad a través del universo.

«Todos recordamos habernos enamorado de nuestras bandas de rock favoritas en la adolescencia, y especialmente haber quedado impresionados al verlas en vivo por primera vez. Queremos generar hoy esa sensación mágica y eléctrica en la gente», cuenta Fractal Caravan.

Fractal Caravan presenta su nuevo álbum homónimo, un disco de garage rock con raíces y enfoque futurista. Es un álbum conceptual sobre una IA rebelde que viaja en el tiempo e intenta vender su alma para convertirse en rockero. Cuando su máquina del tiempo falla, se desatan momentos divertidos y dramáticos.

Cada canción describe un capítulo distinto de la aventura de nuestro héroe mientras viaja del futuro al Antiguo Egipto, a la Florencia del siglo XVI, y finalmente llega al Brooklyn y a la Bogotá actuales.

«El mensaje que queremos transmitir con este lanzamiento es «No confíes en los mensajes, ¡piensa por ti mismo!», agregan.

La música que Fractal Caravan salta entre géneros reggae, grunge, garage punk crudo y sucio, y soul moderno con influencia blusera y un sutil brillo psicodélico. En su propuesta el grupo canta sobre filosofía, conciencia, física cuántica y amor. Ningún género está fuera de los límites para los verdaderos aventureros musicales.

«Queremos romper tus expectativas musicales en cada giro… ¡y hacerte bailar!», enfatiza la banda con influencias desde Muddy Waters hasta The Clash, de Morphine a Peter Tosh, y de Arctic Monkeys a ZZ Top.

‘Deep Into The Future’ es el sencillo principal del álbum de Fractal Caravan.Es un tema explosivo de punk rock con mucha actitud, sobre un ser que no sabe si es humano o máquina, ¡pero sí sabe que quiere conectar!

El diseño de la portada es simplemente el símbolo de la banda. Se usó así y se tituló el álbum con el nombre del grupo porque es el primer disco con el que el grupo siente que suena como si la persona que lo escucha estuviera en la habitación con la banda, escuchándolos como suenan en vivo.

Para este año, Fractal Caravan planea crear un video musical profesional del sencillo ‘Deep Into The Future’, además, espera presentarse en varios conciertos en Bogotá, generar contenido multimedia para sus redes sociales, y aumentar exponencialmente su número de seguidores y oyentes.

«Latinoamérica es muy importante para nosotros porque somos una banda de rock cósmico americano con miembros en Norteamérica y Sudamérica. Todos somos bilingües, incorporamos ritmos latinos en muchas de nuestras canciones, y estamos en una posición única para conectar personas creando puentes musicales a través del planeta», concluye Fractal Caravan.

[Estreno] Un manifiesto de criterio y libertad mental, así es ‘Qué pretendes’ de TrasArder

TrasArder es una banda de rock alternativo nacida en Medellín que irrumpe en la escena con una propuesta directa, intensa y sin concesiones. Fundado oficialmente en 2024, el proyecto está integrado por Juan Pablo Palacio (voz y guitarra), Mauricio Gutiérrez (bajo) y Juan José Pacheco (batería). Su música combina distorsiones potentes, bases rítmicas sólidas y estructuras de rock moderno con una lírica profundamente introspectiva y confrontacional.

Desde su origen, TrasArder entiende el rock como un canal de catarsis y posicionamiento personal. Su propuesta transforma emociones complejas y vivencias profundas en una descarga de energía sonora que no busca anestesiar, sino incomodar, reflejar y activar. Cada canción funciona como un espejo: un espacio donde conviven la vulnerabilidad y la fuerza, invitando al oyente a enfrentar sus propios conflictos internos y a tomar postura frente a ellos.

‘Qué pretendes’: Pensar por cuenta propia en un mundo que no lo permite

El sencillo ‘Qué pretendes’ es un manifiesto de libertad mental. La canción nace de la urgencia de cuestionar lo establecido y recuperar el criterio propio en un mundo que empuja a seguir la corriente, sobre todo por el impulso marcado de la presión social y de la premisa «si no estás conmigo, estás contra mí» y cómo las personas ceden para evitar la tensión y el odio. La letra es una confrontación directa: un llamado a no dejarse manipular, a sostener la propia voz incluso cuando pensar distinto incomoda.

Musicalmente, el tema no se guarda nada. TrasArder entra de golpe en una descarga veloz, frenética y compacta, donde la banda estalla al unísono en un ejercicio de intensidad pura. Es una canción corta, directa y agresiva, concebida como un impacto inmediato: energía cruda diseñada para sacudir al oyente y dejarlo sin aire.

El video: Cuando renuncias a pensar, dejas de ser

El videoclip de ‘Qué pretendes’ refuerza el mensaje desde una narrativa simbólica clara y perturbadora. A través de la figura de una bruja que hipnotiza a los integrantes de la banda, el video representa la pérdida del control y de la libertad de pensamiento. El entorno seduce, confunde y despoja al individuo de su criterio hasta borrar su identidad. La transformación final de la banda en personajes enmascarados es una metáfora directa: cuando se renuncia a pensar por cuenta propia, se deja de ser uno mismo para convertirse en una pieza funcional dentro del sistema de otro.

‘Qué pretendes’ forma parte del EP debut homónimo ‘TrasArder’ (2025), un trabajo que define el ADN del proyecto. El EP equilibra la potencia del rock alternativo con una mirada introspectiva sobre el ciclo de la transformación humana. A lo largo de sus canciones, la banda recorre temas como la autonomía, la nostalgia, la resiliencia y el renacer personal, construyendo un relato donde la crudeza instrumental y la honestidad emocional avanzan de la mano.

TrasArder entra en una etapa de expansión activa. El proyecto avanza con nueva música en desarrollo, un fortalecimiento contundente de su propuesta en vivo y una presencia cada vez más firme en la escena alternativa de Medellín. La banda apunta a ocupar escenarios clave, ampliar su alcance y consolidarse como una de las propuestas emergentes con discurso, identidad y carácter dentro del rock alternativo colombiano. 

La música de TrasArder funciona como detonante y refugio. Es para el momento en que necesitas adrenalina para enfrentar un desafío, pero también para la quietud incómoda de una tarde introspectiva. Es para cuando decides dejar algo atrás, cuando necesitas recordar quién eres o cuando buscas que la distorsión de una guitarra silencie el ruido del mundo.

TrasArder apuesta por una sonoridad vanguardista que oxigena el rock alternativo, con distorsiones actuales, ritmos tensos y una narrativa que no esquiva el conflicto. Es una propuesta basada en la autenticidad, que demuestra que el rock en Medellín sigue vivo, mutando y diciendo cosas incómodas cuando es necesario. Conocer a TrasArder es entrar en contacto con un proyecto que no teme experimentar y que utiliza la energía del rock como vehículo para hablar de libertad, criterio propio y resistencia personal.

Explorando la fragilidad humana con Sueños de un Tulpa en ‘Segundo acto’

El 2025 para Sueños de un Tulpa no fue simplemente tiempo transcurrido, sino un rito de iniciación. En la soledad del sendero independiente, Jhon González Amortegui, líder de este proyecto musical colombiano, aprendió que la verdadera alquimia sonora requiere paciencia y sacrificio; la forja del artista es un abismo que devuelve la mirada. Fue un año de materialización prolífica en el que la   banda logró rasgar el velo en cinco ocasiones. Invocó la fuerza humana con ‘Resiliente’ y la cruda realidad de ‘Evanescente (6402)’; exploró antiguos grimorios en ‘Malleus Maleficarum’ y rindió tributo a los padres de la oscuridad con la versión de ‘Solitude’. Finalmente, cerró el ciclo abrazando el vacío existencial con ‘Lo Absurdo’. Aunque la obra nunca está completa y el hambre de creación es un devorador insaciable, cada paso ha servido para construir los cimientos de este templo sonoro. Este proyecto sigue explorando combinaciones que inquieten la realidad, buscando siempre esa frecuencia única capaz de inducir el trance.

«Para este nuevo ciclo, mi ambición es profundizar el trance. Mi meta es invocar mucha más música, puliendo la alquimia de mi composición y producción, y asegurándome de que las visiones visuales (videos) estén a la altura de lo sonoro. Seguiré buscando la gnosis de este oficio, lanzando nuevos fragmentos de esta historia hasta lograr materializar un grimorio completo: un álbum que compile mis invocaciones más potentes a la fecha. Mi búsqueda es incansable hacia sonidos inexplorados; quiero que escuchar Sueños de un Tulpa sea rasgar el velo de la realidad habitual y encontrar algo verdaderamente extraño y único», cuenta el artista.

‘Segundo acto’ es lo nuevo de Sueños de un Tulpa, es la materialización sonora de la maldición descrita en El Rey de Amarillo de Robert W. Chambers. En esta obra ficticia, el Primer Acto es una trampa de aparente normalidad, una introducción inofensiva que baja las guardias del lector; sin embargo, el Segundo Acto revela verdades universales tan terribles que la mente humana colapsa al leerlas. En la canción, la voz es de un invocador iluso que demanda saber la verdad, creyéndose digno de portar la ‘omnisciencia cósmica’ del Rey de Amarillo. La historia explora el terror de la incomprensión: el momento exacto en que la ambición se convierte en ‘exterminio total’. Habla de la fragilidad humana ante lo primigenio; de cómo, al intentar someter fuerzas más allá de nuestro entendimiento, terminamos siendo nosotros los sacrificios de un horror que no tiene nombre.

La canción explora la intersección entre la crudeza del rock y la inmensidad del cosmos. La canción se cimienta en una base sólida de bajo, guitarra y voz, pero está envuelta en capas de sintetizadores que respiran una estética ochentera. No es solo música, es ambientación. Utiliza pasajes instrumentales que invitan al trance y a la introspección, fusionando géneros para que el oyente sienta que está viajando a través de las eras. El objetivo es que cada nota contribuya a la narrativa del horror cósmico: bello, vasto y aterrador. 

El soporte visual es una ventana directa al ‘ritual prohibido’ que narra la canción. La historia sigue a una secta en el proceso de invocar a la entidad Hastur, el Rey Amarillo, y a una mujer que se ofrece voluntariamente como ‘recipiente’ para esta fuerza abismal», agrega Sueños de un Tulpa.

Según Jhon González, «Visualmente, jugamos con el engaño: al principio parece que ella logra contener la gnosis, pero pronto la ‘cruda realidad’ se impone y la entidad la consume de forma horrorosa, desdibujando su psique hasta hacerla dudar de su propia existencia antes de esfumarla. Aquí radica un giro crucial respecto a la letra: mientras que en la canción canto sobre la soberbia de querer controlar lo incontrolable, el video revela al final que la motivación de la protagonista era altruista. Es una tragedia mayor: demostrar que al horror cósmico no le importan las buenas intenciones humanas; el resultado sigue siendo el exterminio».

El título ‘Segundo acto’ es una llave directa a la mitología de El Rey de Amarillo. No hay una canción previa llamada ‘Primer Acto’ porque, conceptualmente, el primer acto representa la normalidad, la inocencia y el aburrimiento de la vida cotidiana que todos viven antes de conocer la verdad. El artista llamó así esta pieza porque, en la obra de Chambers, es en este punto donde la realidad se quiebra. Es el momento específico de la invocación a la entidad cósmica, cuando el lector pierde la cordura. La canción es ese instante preciso: el paso de lo mundano a lo incomprensible, el momento en que Hastur entra en escena y ya no hay vuelta atrás.

«Espero que esta canción actúe como una transmisión que capte a un público más vasto, aquellos que buscan oscuridad, pero no necesariamente estridencia. La meta es abrir un camino donde Sueños de un Tulpa sea la prueba de que el miedo a lo desconocido puede ser melódico. Quiero que el oyente descubra que el verdadero horror cósmico no siempre llega con furia y distorsión extrema, sino que también puede manifestarse en la elegancia de un sintetizador o en la profundidad de un bajo, invitando a la reflexión antes que al caos sonoro», puntualiza el artista.

El diseño de la portada funciona como una advertencia visual. El elemento central es el tomo prohibido, brillando con la promesa engañosa de conocimiento, contrastando con el terror en los ojos de quien lo porta. La atmósfera opresiva y la luna carmesí no son decorativas; son la señal de que las leyes naturales se han roto. La imagen busca comunicar, sin necesidad de palabras, que el ‘Segundo Acto’ es una tragedia. Es la representación gráfica de la soledad absoluta ante el horror, donde la única iluminación proviene de la fuente misma de la locura.

«‘Segundo acto’ es una pieza nocturna por excelencia. Fue concebida para resonar en el habitáculo de un auto que corta la oscuridad de una autopista vacía. El momento ideal es ese instante de calma tensa al volante, rodeado de sombras, donde la música actúa como única ancla a la realidad. Si buscas una banda sonora para perderte en la carretera y en tus propios pensamientos, este es el momento y el lugar», menciona el músico.

‘Segundo acto’ es el sencillo 11 de Sueños de un Tulpa, un artefacto solitario en un plan mayor. La gestación fue ardua; el plan temporal marcaba su salida para el cierre de 2025, pero la búsqueda de la perfección técnica retrasó el lanzamiento. Sin embargo, el tiempo es irrelevante ante el resultado: Jhon ha logrado esculpir su mejor obra hasta el momento en términos de ingeniería y emoción. La meta es seguir acumulando estas piezas. No hay prisa por cerrar el álbum, pero sí una obsesión por seguir explorando temáticas oscuras. Sus próximos pasos se hundirán más en el horror psicológico y cósmico, narrando las fracturas de la mente humana ante lo desconocido. «Continuaré tejiendo la red. Mi energía estará volcada totalmente en la composición, persiguiendo esa quimera que todo artista busca: materializar lo imposible en un mundo saturado de repeticiones. Sobre los escenarios, he decidido no manifestarme físicamente todavía. Las ceremonias en vivo requieren una congregación preparada. Prefiero esperar a que el culto crezca orgánicamente antes de convocar a las masas a una experiencia presencial. Por ahora, la transmisión seguirá siendo a distancia», concluye Sueños de un Tulpa.

Escucha ’23 de septiembre’, lo nuevo de Los Inconformes

Luego de tener un 2025 muy productivo lanzando los sencillos ‘Mi sol de verano’, ‘Platino ‘ y ‘Pura adrenalina’ y tocando en varios festivales, incluido el Ska Para Todos Fest en Bogotá, Colombia; la banda de ska y rock puertorriqueña Los Inconformes inicia el 2026 con nueva música y con la firme intención de seguir conquistando corazones y oyentes en Latinoamérica.

«Queremos seguir componiendo y lanzando nueva música, ese proceso creativo tiene un valor incalculable. Aspiramos hacer colaboraciones con otros artistas y en eso estamos trabajando. También buscaremos seguir presentándonos en vivo, es lo que nos apasiona hacer. Esperamos visitar otros países, conocer sus culturas, confraternizar con colegas músicos y compartir con los fanáticos», cuenta la agrupación.

’23 de septiembre’ es lo nuevo de Los Inconformes, es el relanzamiento de una canción que la banda puertorriqueña tocaba en vivo, pero que aún no estaba en plataformas digitales.

La canción hace referencia a la fecha en la que anualmente se celebra en Puerto Rico el ‘Grito de Lares’, que conmemora los acontecimientos ocurridos en el pueblo de Lares el 23 de septiembre de 1868. Ese día, bajo las consignas de «Viva Puerto Rico libre», «Abajo los impuestos», entre otras, cientos de puertorriqueños se tomaron el pueblo de Lares y proclamaron la independencia de Puerto Rico por varias horas.

Cada año, ese día en el pueblo de Lares se combina la memoria histórica con celebraciones culturales. Los eventos atraen tanto a turistas como a residentes locales, los cuales disfrutan de desfiles, conferencias educativas, y presentaciones en vivo de diferentes artistas. La lírica de la canción en efecto hace un recorrido del jolgorio que se forma al ir a la celebración de esa fecha.

’23 de septiembre’ explora sonidos de ska y plena de Puerto Rico. La canción desde su origen y cuando fue por primera vez grabada, siempre tuvo el elemento musical de plena en la parte del coro. Solo que, en este relanzamiento, y para darle un elemento novelesco a la canción, tiene al inicio unas estrofas y una ambientación musical estricta de lo que es la plena puertorriqueña.

«Esperamos que nuestros fans internacionales conozcan un poco más de lo que es la música tradicional de Puerto Rico. Nuestro país se conoce mucho por la salsa y los grandes artistas de pop y música urbana que han emergido, sin embargo, la música de plena es esencial en cada fiesta que se forma en nuestro país», enfatizan Los Inconformes.

Con ’23 de septiembre’, Los Inconformes cierran otra etapa en la evolución de la banda. Es posible que la canción esté incluida en un LP que incluya todas las canciones lanzadas en forma de sencillos.

«Seguimos creando música y creciendo como músicos, obviamente a nuestro estilo. Siempre trataremos de que cada canción tenga algún elemento novel diferente e interesante que la haga única. Por eso, este 2026 estaremos lanzando más música», menciona la agrupación.

Con la portada, Los Inconformes buscaron unir los elementos musicales de la canción: ska y plena. En el ska, la trompeta es quien la simboliza; y en la plena, el pandero es el protagonista.

«Para este año tenemos varios acercamientos para tocar en eventos locales e internacionales. Lo que sí es seguro es que estaremos presentándonos por primera vez en Perú en el Perú Ska Festival 2026 a celebrarse en la municipalidad de Ilo el 14 de febrero de 2026. Allí, compartiremos tarima con diferentes exponentes internacionales del ska», concluyen Los Inconformes.

Sophie Angel se presenta con ‘You Said Goodbye’, ‘Mi Refugio’ y ‘Nada es Temporal’

Sophie Angel es una artista colombiana obstinada, empática y fuerte que busca comprender las emociones, tanto suyas como de los demás partiendo del concepto de la crudeza, donde cada expresión se refleja sin filtros con el fin de transformar la vulnerabilidad en fuerza y firmeza. Su proyecto nació a partir del sueño de una joven adolescente de 14 años que quería triunfar con la música y cambiar la industria del rock alejándose del concepto de que todos los vocalistas deben tener una voz rasposa, creando una propuesta fresca e innovadora a través de una voz fuerte y dulce.

«La intención de mi propuesta musical busca reflejar diferentes emociones a través de situaciones como la pérdida, las rupturas amorosas, encontrar el amor en varias formas y superar las adversidades. Todo con el fin de traer un concepto fresco uniendo las ideas manejadas en el rock de la década de los 2000 con el rock contemporáneo», comenta la artista con influencias de géneros pop rock, punk rock, power ballad y nü-metal, aparte de estilos latinoamericanos como el bolero.

«A través de mis canciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida», agrega la cantante colombiana con referencias de bandas como Evanescence y Linkin Park, y de las cantantes solistas Avril Lavigne y Olivia Rodrigo.

‘You Said Goodbye’ es lo nuevo de Sophie Angel, una canción que habla del proceso del duelo tras la pérdida de un ser querido que marcó un antes y un después, pasando de una herida abierta que parece no tener forma de sanar, a una que sigue abierta, pero con la cual la persona prefiere quedarse con los recuerdos bonitos de esa historia.

«El tema surgió una mañana cuando mi mamá me dijo que la abuela de una prima mía había fallecido. Al haber convivido con esa mujer en varias ocasiones, el dolor fue punzante, y con eso las ideas no tardaron en formarse en mi cabeza», menciona.

En términos de sonido, es una fusión entre el bolero y el rock sinfónico para transmitir esa sensación de dolor y vacío que se puede convertir en resiliencia, incluso si el dolor sigue latente al igual que ese amor que jamás podrá apagarse. Esto se muestra de forma gradual, iniciando con la suavidad del bolero, y donde se van agregando poco a poco la batería, la guitarra con distorsión, para finalmente alcanzar la fuerza del rock sinfónico. El video muestra flores abriéndose y creciendo, representando el renacer de una persona que incluso en medio de una pérdida, decide avanzar.

Otro de los sencillos recientes de Sophie Angel es ‘Mi Refugio’, una canción que nació del amor que la cantante le tiene a sus dos perritas, Tokyo de 5 años y Lancy que falleció de 14 años en julio de 2025. Habla desde el amor más puro a nivel universal para convertirla en una canción para dedicar a cualquier persona o lugar que se hubiera convertido en un espacio seguro.

Aborda sonidos de pop rock y la power ballad, conservando la suavidad y dulzura inicial de ambos géneros, para después por medio de la distorsión generar un contraste que refleje la intensidad de ese amor que se puede llegar a sentir por alguien o por algo. El video se hizo al aire libre para mostrar la inmensidad con la que el amor puede transformar los días más grises en color.

Finalmente, la tercera carta de presentación de Sophie Angel es ‘Nada es Temporal’, una canción de empoderamiento.

«Habla de que, aunque muchas veces las palabras duelen y pueden afectar la percepción que tenemos de nosotros mismos, debemos enfocarnos en que nadie aparte de nosotros puede ser nuestro limitante al momento de alcanzar nuestras metas. Nació en una etapa donde me sentía insegura e insuficiente en cada cosa que intentaba aprender o mejorar, hasta que un día me pregunté «¿por qué debería sentirme así si tengo muchas cualidades?», y decidí hablar de esas emociones desde el empoderamiento», enfatiza.

Es una canción de punk rock por su fuerza para transmitir esa necesidad de creer en uno mismo sin importar la opinión ajena, destacando al violín como instrumento solista al tener su propia línea melódica. El video es sencillo, pero en cada movimiento que se ejecuta y las diferentes miradas a la cámara, busca representar esa fuerza y resiliencia que hay que tener para no retroceder ante la adversidad ni las críticas destructivas.

«Con estos lanzamientos quiero generar una conexión a través de la letra de cada canción, donde tanto jóvenes como adultos puedan sentir que una parte de su historia es contada, aunque las letras solo hablen desde la emoción bajo un contexto universal», puntualiza la artista colombiana.

Sophie Angel formará un disco con todos los temas en inglés, tendrá nueve canciones y se estima que vea la luz a inicios de 2027. De igual manera, publicará un EP de cinco canciones en español durante el segundo trimestre de 2026. Los conceptos de ambas producciones mostrarán cómo en diferentes situaciones existen sentimientos en común y cómo salir adelante a través de ellos.

«Mí música está hecha para escuchar en cualquier momento del día y de la vida en la que el corazón se sienta más vulnerable, cuando las emociones parezcan superar a la razón y solo se necesite un espacio para gritar sin miedo a sentir, y validar esas mismas emociones para finalmente tomar aire y continuar con las adversidades de la vida con mayor determinación», explica la cantante.

La artista actualmente se encuentra trabajando en el lanzamiento de su primera colaboración musical. La canción hasta ahora va en un proceso de pre-producción, pero se espera que se lance entre los meses de abril y mayo.

«Con mi proyecto busco dar una voz a esas personas que durante su vida se han sentido invalidadas o poco valoradas por hablar con sinceridad sobre lo que sienten. Quiero que vean que en cada una de mis canciones hay un espacio para expresarse sin miedo y sin importar lo que otros quieran decir. Es importante que las personas se den una oportunidad de encontrar formas mucho más explícitas y profundas de hablar de las emociones que muchas veces parecen no tener palabras, con Sophie Angel existe ese espacio, de solo liberar esas cargas sin sentir culpa por cómo se dicen», concluye.

Libertad e independencia en Puerto Rico, así es ’23 de septiembre’ de Los Inconformes

Luego de tener un 2025 muy productivo lanzando los sencillos ‘Mi sol de verano’, ‘Platino ‘ y ‘Pura adrenalina’ y tocando en varios festivales, incluido el Ska Para Todos Fest en Bogotá, Colombia; la banda de ska y rock puertorriqueña Los Inconformes inicia el 2026 con nueva música y con la firme intención de seguir conquistando corazones y oyentes en Latinoamérica.

«Queremos seguir componiendo y lanzando nueva música, ese proceso creativo tiene un valor incalculable. Aspiramos hacer colaboraciones con otros artistas y en eso estamos trabajando. También buscaremos seguir presentándonos en vivo, es lo que nos apasiona hacer. Esperamos visitar otros países, conocer sus culturas, confraternizar con colegas músicos y compartir con los fanáticos», cuenta la agrupación.

’23 de septiembre’ es lo nuevo de Los Inconformes, es el relanzamiento de una canción que la banda puertorriqueña tocaba en vivo, pero que aún no estaba en plataformas digitales.

La canción hace referencia a la fecha en la que anualmente se celebra en Puerto Rico el ‘Grito de Lares’, que conmemora los acontecimientos ocurridos en el pueblo de Lares el 23 de septiembre de 1868. Ese día, bajo las consignas de «Viva Puerto Rico libre», «Abajo los impuestos», entre otras, cientos de puertorriqueños se tomaron el pueblo de Lares y proclamaron la independencia de Puerto Rico por varias horas.

Cada año, ese día en el pueblo de Lares se combina la memoria histórica con celebraciones culturales. Los eventos atraen tanto a turistas como a residentes locales, los cuales disfrutan de desfiles, conferencias educativas, y presentaciones en vivo de diferentes artistas. La lírica de la canción en efecto hace un recorrido del jolgorio que se forma al ir a la celebración de esa fecha.

’23 de septiembre’ explora sonidos de ska y plena de Puerto Rico. La canción desde su origen y cuando fue por primera vez grabada, siempre tuvo el elemento musical de plena en la parte del coro. Solo que, en este relanzamiento, y para darle un elemento novelesco a la canción, tiene al inicio unas estrofas y una ambientación musical estricta de lo que es la plena puertorriqueña.

«Esperamos que nuestros fans internacionales conozcan un poco más de lo que es la música tradicional de Puerto Rico. Nuestro país se conoce mucho por la salsa y los grandes artistas de pop y música urbana que han emergido, sin embargo, la música de plena es esencial en cada fiesta que se forma en nuestro país», enfatizan Los Inconformes.

Con ’23 de septiembre’, Los Inconformes cierran otra etapa en la evolución de la banda. Es posible que la canción esté incluida en un LP que incluya todas las canciones lanzadas en forma de sencillos.

«Seguimos creando música y creciendo como músicos, obviamente a nuestro estilo. Siempre trataremos de que cada canción tenga algún elemento novel diferente e interesante que la haga única. Por eso, este 2026 estaremos lanzando más música», menciona la agrupación.

Con la portada, Los Inconformes buscaron unir los elementos musicales de la canción: ska y plena. En el ska, la trompeta es quien la simboliza; y en la plena, el pandero es el protagonista.

«Para este año tenemos varios acercamientos para tocar en eventos locales e internacionales. Lo que sí es seguro es que estaremos presentándonos por primera vez en Perú en el Perú Ska Festival 2026 a celebrarse en la municipalidad de Ilo el 14 de febrero de 2026. Allí, compartiremos tarima con diferentes exponentes internacionales del ska», concluyen Los Inconformes.

Ska Punk Reggae Parties 2026: un circuito que fortalecerá la escena independiente en Bogotá

Bogotá se prepara para vivir el Ska Punkie Reggae Parties 2026, un circuito de seis conciertos que reunirá a destacadas agrupaciones de ska, punk y reggae, junto a nuevas propuestas de la escena independiente.

El circuito se desarrollará entre el 31 de enero y el 28 de marzo de 2026, en alianza con tres espacios clave para la música alternativa de la ciudad: Boro Room, Latino Power y Relevent Music Hall, todos ubicados en Chapinero.

El proyecto es una iniciativa liderada por El Punto Ska, agrupación ganadora de la Beca LEP Rutas Culturales 24/7 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD). Además de su trayectoria artística, El Punto Ska cuenta con una experiencia consolidada como productor cultural, siendo responsable de proyectos como el Ska Para Todos Fest y El Concierskazo Fest, cuya próxima edición se realizará el 1 de marzo de 2026 en el Teatro al Aire Libre La Media Torta.

Un circuito construido desde la escena

El Ska Punkie Reggae Parties 2026 nace a partir de una convocatoria abierta impulsada por iniciativa propia, con la intención de escuchar a la escena, conocer nuevos proyectos y ampliar el diálogo con artistas no solo de Bogotá, sino también de otras latitudes. La convocatoria recibió 58 proyectos inscritos, de los cuales fueron seleccionados 20 artistas mediante un proceso de evaluación claro y transparente. A estos se suman 4 artistas invitados, quienes participarán en la fecha especial Vol. 3 (21 de febrero).

Cada fecha del circuito contará con un cartel compuesto por una banda de ska, una de reggae, una de punk y un DJ, promoviendo el cruce de públicos, la circulación real de los proyectos y el fortalecimiento de la comunidad musical alternativa.

Carteles por fecha

Vol. 1 – 31 de enero | Boro Room
LEY SKA (Ska) · ASAMBLEA FEELING ROOTS (Reggae) · LOS SORDOS (Punk) · MR TOSH (DJ)

Vol. 2 – 14 de febrero | Latino Power
BIG BEATERS (Ska) · LOS MAKONNEN (Reggae) · DOSIIS (Punk) · DIEGO 25 (DJ)

Vol. 3 – 21 de febrero | Boro Room
EL PUNTO SKA (Ska) · ALTO GRADO (Reggae) · CHITE (Punk) · FAT BASTARD (DJ)

Vol. 4 – 28 de marzo | Relevent Music Hall
ATRAPAMOSKAS (Ska) · LOS CANDELARIANS (Reggae) · LOS HIGHROS (Punk) · MATJAHMAN (DJ)

Vol. 5 – 14 de marzo | Latino Power
LA FARSA (Ska) · JUAN CAMACHO & LA ROOTS STOP (Reggae) · KAOZ KAPITAL (Punk) · LA CALANDRIA (DJ)

Vol. 6 – 21 de marzo | Relevent Music Hall
DAMA JUANA (Ska) · FAUSTO MORENO (Reggae) · LOST TAKE (Punk) · ZETA PE (DJ)

Estas alianzas con los venues buscan garantizar condiciones técnicas adecuadas, buen sonido, organización profesional y una experiencia respetuosa tanto para artistas como para públicos, reafirmando el compromiso del circuito con el bienestar de quienes hacen parte de la escena.

PRECIOS Y PUNTOS DE VENTA

Uno de los pilares del Ska Punkie Reggae Parties 2026 es facilitar el acceso del público a los conciertos. En todas las fechas, la boletería tendrá un valor de $30.000 + servicio en preventa y $40.000 en taquilla. Se incluye cerveza.

Además, el circuito ofrece una PROMOCION ESPECIAL para quienes quieran vivir la experiencia completa:

Entrada a los seis conciertos por $170.000 + servicio, promoción que incluye seis cervezas.

Las boletas pueden adquirirse en los siguientes puntos físicos:

• Secta Colectiva – Carrera 17 #61A-40
• La Valija de Fuego – Carrera 7 #45-52, Local 3
• Fun Skateboards – Cra. 27A #52A-13
• Oi! Distro

También se puede obtener información y realizar la compra de boletería y promociones escribiendo al WhatsApp 310 493 8907.

SANA CONVIVENCIA, NO AL FASCISMO

Desde su concepción, el Ska Punkie Reggae Parties se plantea como un espacio antifascista, respetuoso y libre de cualquier forma de discriminación, alineado con el espíritu histórico del ska, el punk y el reggae como músicas de resistencia, encuentro y comunidad.

Al respecto, Pablo Marroquín, productor general del circuito e integrante de El Punto Ska, señala:

«Este circuito nace desde la experiencia real de estar en la escena: tocar, producir, girar y entender lo difícil que es sostener un proyecto independiente. Nos alegra ver cómo la escena está cada vez más fuerte y diversa. La invitación es a vivir estos espacios en paz, con respeto, entendiendo que la música también es una forma de unión y de postura frente a lo que pasa a nuestro alrededor. Hoy más que nunca necesitamos comunidad, apoyo mutuo y espacios donde la diferencia sume».

Con seis fechas, más de veinte proyectos en tarima, más de 100 artistas músicos en tarima y una apuesta clara por la circulación real e independiente, el Ska Punkie Reggae Parties 2026 se consolida como uno de los circuitos más importantes del primer semestre del año en Bogotá.

Un EP crudo, visceral y callejero en tono blues punk, así es ‘Estuario’ de Huella de Venado

Huella de Venado es una agrupación colombiana de blues punk que nace en el año 2014. El nombre surge de un mito de antiguas culturas mexicanas, donde el venado simboliza el renacer de la luz tras la oscuridad, una idea que atraviesa su identidad artística. El proyecto está concebido como un laboratorio, un desahogo y una terapia, donde exploran sonidos de su gusto al punto de convertirse la banda en un hábitat musical donde sus integrantes conviven de forma natural y orgánica.

En vivo, el grupo desata una descarga de energía visceral y callejera, inmerso en pseudónimos y personalidades de cada uno. Esteban Arazo es Señor Jazz, aportándole un toque de elegancia; Felipe González es Drunky Punky, ofreciendo pinceladas de punk al sonido y al estilo; y Alejandro Silva Spicy Black o Negro Navajas, dándole sabor y calle a la propuesta.

‘Estuario’ es el EP debut de Huella de Venado, es la recopilación de 5 canciones llenas de convicciones personales con un sonido orientado al blues crudo, al psychobilly y al punk rock.

Las letras del EP abordan temáticas introspectivas asociadas a la naturaleza, la vida y a sus contrastes como el agua del mar y del río. También hablan sobre la violencia de la calle, la represión del estado, pero sobre todo de cómo abordar la vida con convicciones propias.

«Con ‘Estuario’ queremos expresar musicalmente lo que esto significa en la naturaleza: El encuentro del agua dulce del río con el agua salada del mar; o sea, el encuentro del blues/jazz con el rock/punk. Estuario es también nuestro primer paso con huella firme. Queremos dejar huella en la escena del rock colombiano y expandirnos a cualquier frontera. Quizá es lo increíble del rock, que sobrepasa cualquier barrera», comenta la banda que produjo el EP con Juan Carlos Henao de Área 51 Estudios.

‘Estuario’ de Huella de Venado presenta un hit del verano con ‘Al fondo del mar’, una lucha social de blues y rock en ‘Agua de manantial’, una canción liberadora de rock n roll en ‘Caminaré’, un tema frenético para poguear en ‘El mozkito’ y una historia romántica de punk rock en ‘Volveré’.

«‘Al fondo del mar’ es una canción que habla de desamor, de cómo recorrer lugares nuevos y de cómo vivir experiencias cambia la forma de ver las cosas. En ‘Agua de manantial’ hablamos de experiencias violentas/eróticas en el estallido social del 2021 en Colombia. ‘Caminaré’ es una oda para sentirse bien y tiene un sentido liberador. El ‘Mozkito’ es para rascarse la roncha que deja al recibir las picaduras de las entidades del estado, las religiones y los dueños del dinero, y ‘Volveré’, una canción más punk rock, donde se habla de una despedida y a la vez de libertad», enfatizan.

«Mezclamos sonidos entre distorsiones punkeras, bajos de blues, psicodelia y baterías psycho-bailables; de ahí el nombre del EP, es la desembocadura de un río caudaloso en el mar, donde se junta el agua dulce con el agua salada; como la unión entre lo elegante del blues y lo contestatario del punk», agrega el grupo con influencias de Nirvana, Charly García, The Doors, Pink Floyd, Stevie Wonder, The Cure, Green Day, Chuck Berry, la Fania All Stars y Jimmy Hendrix.

Huella de Venado estará promocionando durante el primer semestre del año todas las canciones de su EP. De igual manera, el grupo está próximo a lanzar un video Live Session con el proyecto ‘Bandas de la Casa’ grabado en Plug Sala de Ensayo. De ese Live, la banda espera lanzar un disco en vivo. Finalmente, el proyecto continúa en la planeación de su primer disco de larga duración con canciones inéditas.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Huella de Venado en Colombia y Latinoamérica porque si las personas conectan con nuestros sonidos y letras habremos logrado un gran objetivo. La invitación es a seguir apostándole al rock and roll como estilo de vida», concluye el grupo colombiano.

Racimo lanza videoclip de ‘Sobrevivir’ Single perteneciente al próximo álbum “Landing”

La banda chilena Racimo acaba de estrenar el primer adelanto de su próximo álbum “Landing”. Se trata del videoclip del single ‘Sobrevivir’, una canción que reflexiona sobre una experiencia cercana a la muerte y el impacto emocional que deja enfrentar ese límite extremo.

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La Wilsaun presenta «Cumbia de Alto Impacto»

La Wilsaun presenta su EP “Cumbia de Alto Impacto”, trabajo que entiende la cumbia como descarga, rito y energía colectiva. Más que una temática única, el EP nace desde la intensidad que se genera al tocar estas canciones en vivo: una fuerza frenética, eléctrica y catártica que conecta directamente con el cuerpo y la emoción.

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Alannothing Revoluciona la música electrónica chilenacon «Dark Break»

El Productor y Dj Alannothing está marcando un hito en la escena de la música electrónica en Chile con el lanzamiento de su primer single llamado «Dark Break» en formato Dolby Atmos. Este innovador lanzamiento promete transformar la experiencia auditiva del público, ofreciendo una inmersión sonora sin precedentes.

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Oye Sebas y Alan Da Silva se unen para presentar su nuevo sencillo ‘Cocotera’

El cantante, compositor, productor musical y artista sonoro colombianoOye Sebas ha unido fuerzas con el artista, compositor, productor y multiinstrumentista afro-argentino Alan Da Silva para presentar su nuevo lanzamiento musical en conjunto titulado ‘Cocotera’.

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Panamá Crossroads y Beatport lanzan concurso global para descubrir nuevos talentos musicales

Panamá Crossroads, el festival multisensorial que reúne a más de 10.000 asistentes del mundo entero anuncia el lanzamiento del Panamá Crossroads Beat Battle, un concurso internacional en colaboración con Beatport que busca descubrir y empoderar talento emergente en la escena musical global.

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