Pascal Junior regresa mejor que nunca con su esperado segundo álbum llamado ‘Legacy’. Como testimonio de su madurez, ‘Legacy’ es un álbum que va más allá de la simple música; es una experiencia emocional que te transportará a un mundo de pura felicidad sonora y visión artística inquebrantable. Este álbum sirve como puerta de entrada a un nuevo capítulo, un momento crucial en la carrera de Pascal Junior. Abrazando la belleza de lo analógico, ‘Legacy’ no es sólo un álbum; es una obra maestra sonora, elaborada con pasión, dedicación y un compromiso inquebrantable con la integridad artística; donde tonos ricos y texturizados emanan de cada canción, creando una atmósfera nostálgica y progresista. Desdibujando las líneas entre géneros, Legacy es una exquisita fusión de Melodic Techno/House y el sonido Deep House característico de Pascal Junior.
Después de varios años de perfeccionar su capacidad para combinar elementos obtenidos de diferentes géneros musicales, incluida la música Highlife, Afrobeats, Jazz, Dancehall, Reggae, Soul, Hip Hop, Funk y otros, YARTTI, originalmente un productor musical, compositor y artista intérprete o ejecutante, finalmente es en una misión mundial para atacar cada rincón del planeta y más allá con su sonido inigualable.
Pascal Junior regresa mejor que nunca con su esperado segundo álbum llamado ‘Legacy’. Como testimonio de su madurez, ‘Legacy’ es un álbum que va más allá de la simple música; es una experiencia emocional que te transportará a un mundo de pura felicidad sonora y visión artística inquebrantable. Este álbum sirve como puerta de entrada a un nuevo capítulo, un momento crucial en la carrera de Pascal Junior. Abrazando la belleza de lo analógico, ‘Legacy’ no es sólo un álbum; es una obra maestra sonora, elaborada con pasión, dedicación y un compromiso inquebrantable con la integridad artística; donde tonos ricos y texturizados emanan de cada canción, creando una atmósfera nostálgica y progresista. Desdibujando las líneas entre géneros, Legacy es una exquisita fusión de Melodic Techno/House y el sonido Deep House característico de Pascal Junior.
Con su primer lanzamiento desde el álbum «I Know How To Dig» de él y Es-K, C.Shreve the Professor nos trae el sencillo «Splattermouth». Con una producción uptempo boom bap del beatmaker holandés Luciano Mattioli, Shreve nos recuerda que a veces rapear sobre rapear es todo lo que se necesita. Mientras apunta a «simples tontos que tontos cuando hacen símiles», suelta una serie de chistes dirigidos principalmente a raperos que no cargan con su propio peso. Los fanáticos y nuevos oyentes pueden esperar nueva música mensual de Shreve en 2024.
«Problems» llega junto con el anuncio del primer EP de Specific Coast, ‘Trying My Best’, disponible en abril. Una letra sacada directamente del gancho de «Problems», el EP ‘Trying My Best’ incluirá 4 temas inéditos; Problemas, El tú en mí, Miércoles Addams y Ohio. «Problems» es una canción irónica de indie rock/pop en la línea de Coconut Records y The Shins.
Specific Coast es el cantante, compositor y productor de Los Ángeles, Matt Dunne. SC ha estado construyendo silenciosamente durante años, lanzando sencillos cada pocos meses y tocando en espectáculos en el lado este de Los Ángeles. Conocido por el folk indie de dormitorio, Specific Coast ha aparecido en algunas de las series de televisión más importantes del mundo, incluidas ubicaciones destacadas en Ginny & Georgia en Netflix.
«Water» captura la esencia de frescura y fluidez, sumergiéndose en un mar de sonidos sintéticos que evocan sentimientos de serenidad y aventura. Las ondas electrónicas se fusionan con melodías envolventes, creando una atmósfera única que invita al oyente a perderse en una dimensión de sonidos futuristas.
Este sencillo se inspira en el elemento agua, símbolo de fluidez, misterio y reflexión. «Water» resume la belleza y el poder de este elemento a través de la magia de los sintetizadores, transportando al oyente a un mundo sonoro inexplorado.
El rapero/productor formado por Oaklands Izrell y DEAD PERRY no se anda con rodeos en este nocaut en el primer asalto que muestra un lanzamiento sencillo muy agresivo titulado «Defiance».
Ambos artistas de hip hop de primer nivel del Área de la Bahía han estado dando sentido a la música de los 90 y continúan puliendo sus habilidades con cada lanzamiento apegándose a su código de calidad sobre cantidad. El veterano maestro de ceremonias Izrell muestra diversas habilidades para jugar palabras y contar historias que compiten con lo mejor de lo mejor entre los raperos de alto nivel. No hay duda de que el productor DEAD PERRY mantiene los instrumentos de este dúo lo más sucios posible con un paisaje sonoro que rivaliza con cualquier productor que se mantenga firme en esta nueva ola de Hip Hop underground y valiente.
El dúo se unió por primera vez en Oakland durante la filmación del video de «The Art Of Reanimation», un álbum de larga duración de Casual del legendario Hieroglyphics Crew. DEAD PERRY se reunió con Casual en el complejo Hiero en Oakland para la filmación del video de «Run For Cover» y «When I Ain’t Around». Al principio se suponía que íbamos a grabar el segundo vídeo de «Never Say It To Us», así que Cas hizo que Izrell recorriera el recinto para obtener su metraje. Antes de empezar a filmar algo, estábamos pateando en el sofá del vestíbulo escuchando canciones de «The Art Of Reanimation». Primero jugué «Run For Cover» y recuerdo que Izrell dijo «parece que alguien está a punto de ser asesinado». A partir de ese momento nos conectamos y hasta el día de hoy somos amigos fuera de toda la música.
Izrell y DEAD PERRY están actualmente creando un álbum de larga duración titulado «Kill List», lanzando el álbum a través de Below System Records. No hay una fecha de lanzamiento oficial para el álbum, pero continuará entregando sencillos aplastantes hasta que se revele el proyecto.
Mik Mok se inspiró en la obra “Nuage” (Nubes) de Marine Berton y Clémentine Bugette, “Les demoiselles du Rocher”, para componer esta banda sonora. En esta historia de un cruce de Tam Tam y un encuentro de los elementos naturales de la tierra, Michael combinó algunos de su colección de instrumentos mundiales y experimentaciones con instrumentos virtuales.
Como músico independiente autodidacta, Michaël HERBAUT creó su composición utilizando un patrón melódico pentatónico simple, paisajes sonoros naturales y voces cálidas y reconfortantes.
Myriam Sidi es una cantante, profesora de canto y directora de coro polifónico franco-comorensa. Creció con melodías y ritmos africanos, jazz, franceses y clásicos. Se inspira en esta mezcla ecléctica de estilos musicales y mundos. Evocan, para crear temas musicales auténticos que conectan con su audiencia en un nivel más profundo.
La aventura de Nuage ha unido a dos viejos amigos en una creación afrolatina que destaca los problemas actuales y reconoce nuestros espíritus creativos.
Las estatuas están de vuelta con su enérgico indie/punk melódico. Esta vez una de sus canciones más melódicas pero aún con un sentido de urgencia y melancolía que puedes encontrar en bandas como Husker Du o The Reemplazos. Verdaderamente una banda para no perder de vista. Un crisol de ingredientes de la escena rock/indie/punk de finales de los 80 y sin duda muy influenciado por bandas como Husker Du o Sonic Youth…o simplemente todo el sello SST. No es nada nuevo pero nunca pasa de moda.
Sin pulir y espontáneo…Statues grabó su álbum debut con Fredrik Lyxzén y fue mezclado por Christian Ramirez (Mattias Alkberg BD, Park Hotel) y el sencillo debut se lanzará el 5 de enero de 2018.
Historia de origen: Los miembros fundadores de Estatuas solían tocar en la banda de poppunk de ritmo rápido Starmarket en los años 90. Una banda que quería tocar indiepop pero no podía, y por eso sonaba mucho a Husker Du / Sugar. También tocaron juntos en la banda de punk inspirada en Misfits, The Vultures.
Más tarde: Los mismos miembros fundaron la banda experimental más ruidosa KVLR y lanzaron 3 álbumes.
Ahora: Después de más de una década de ausencia de guitarras ruidosas, se forma la banda Estatuas.
Jezus Martinez es un dúo de hip-hop underground y fuera de lugar de Flagler Beach, Florida. Compuesto por el maestro de ceremonias Jezus Borgia y el MC/productor Mike Martinez, la pareja aporta un toque psicodélico y playero al género. Su noveno y último proyecto, «Back to the Basics», presenta 10 temas producidos íntegramente por Mike Martinez y que cubren una variedad de vibraciones y temas.
El sencillo principal/canción principal, «Back to the Basics», afirma la misión del dúo: llevar el hip-hop en sus elementos más crudos. El video dirigido por Derrick «Ransom» Mason presenta a Jezus y Mike en el estudio, en el escenario y afuera, ejerciendo su oficio y mostrando lo que hacen. Aquellos que no estén familiarizados con Jezus Martínez recibirán un curso intensivo sobre qué esperar de estos dos. ¡Mira el proyecto ahora en todas las plataformas digitales!
Looking Up – »En un mundo que cambia rápidamente, es fácil sentir que sólo existes si tienes la ropa más moderna, sólo para que quede obsoleta a la semana siguiente. Mirar hacia arriba es un recordatorio de que la vida es dura, pero que hay belleza a nuestro alrededor si podemos mantenernos humildes y no volvernos demasiado cínicos, incluso cuando la luz parece un punto en el horizonte. A pesar de todas las probabilidades, el amor hace que la vida sea algo sobre lo que vale la pena gritar”.
By the Waves es una banda dinámica de 4 integrantes con sede en Manchester. Una pizca singularmente ecléctica de soul, dream-pop, reggae, rock e indie hacen que su sonido sea emocionante e inolvidable a partes iguales. Traen letras bellamente construidas, entregadas con una combinación característica de líneas melódicas en falsete y estribillos de himnos, que se superponen a ritmos rítmicos y líneas de base llenas de ritmo, todo rematado con líneas de guitarra bañadas por el sol y empapadas de reverberación y una pizca de sintetizador. .
Su música tiene una calidad cinematográfica que te lleva a un viaje cautivador pero identificable con cada canción. La facilidad con la que By the Waves mezcla géneros es un testimonio de la diversidad de sus miembros y sus influencias. El rango vocal y la fraseología de Ben Thomas son un ejemplo impresionante de alguien en la cima de sus poderes, canalizando influencias desde Jim Morrison hasta Otis Redding y Sting. Sonoramente hermoso es el trabajo de guitarra proporcionado por James Murray, cuya habilidad para tocar riffs contagiosos y estructuras de acordes, inspirados en Johhny Marr y Robert Smith, hacen que las canciones sean instantáneamente identificables. Luke Finch proporciona sin esfuerzo una percusión pulsante y ritmos atractivos que proporcionan la precisión metronómica y el dinamismo de músicos como Ringo Starr, Jack Bevan y Nathan Followill. Su capacidad para provocar un cambio de tempo sin problemas crea el telón de fondo perfecto para que las líneas de bajo de Hristo Gerdzhikov impulsen la sección rítmica como un tren de vapor, al tiempo que entrelaza sonidos melódicos adicionales con su enfoque único del bajo. Como el latido del corazón de un velocista olímpico, nunca pierde el ritmo y recuerda la esencia de artistas como Bootsy Collins, Pino Palladino y Thundercat.
Con canciones que cuentan con voces multilingües escritas a partir de experiencias vividas en el extranjero, By the Waves logra hacer lo que muchos se esfuerzan por lograr, pero pocos pueden lograr: crear algo tan familiar como pasar un rato con amigos y aún así lograr mantenerse fresco. como la brisa del mar en un caluroso día de verano. Con muchos lanzamientos de canciones próximas, 2024 será un año emocionante para la banda.
AUS!Funkt es un colectivo de electro-post punk/disco austero concebido en el neo-laboratorio de grooves analógicos.
Rechazando los excesos líricos y musicales de la música rock, AUS!Funkt combina el ritmo de la música electrónica con la agresión subversiva del post-punk. Las letras, habladas y cantadas, provocan la mente con su realismo y repetición. Los ritmos electrónicos inducen al cuerpo a moverse, liberándolo de su letargo. En la parte superior, la guitarra lanza nubes de ruido, mientras que el bajo aporta la melodía. AUS!Funkt asalta los sentidos y desconcierta la mente mientras bailas al ritmo de sus inquietantes ritmos disco.
Producida y cantada por 4NALOG, «clean» es el primer single de 2024 para 4NALOG, el nuevo trapero disruptivo de la escena Argentina. Con letras pegadizas e irónicas sobre una base de trap fuerte, intensa y divertida, «clean» es una canción contagiosa con un sonido fresco para la escena del trap latino.
De mi Ghostwriter: Presentamos a la enigmática artista Zarah Westhouse, una fuerza musical proveniente de los cautivadores paisajes de Suiza. Impulsada por el deseo de difundir la felicidad a través de su música, Zarah encuentra su musa en los ámbitos de los géneros electrónico, dance y pop dance. En los próximos meses, Zarah se está preparando ansiosamente para revelar al mundo sus fascinantes creaciones. Aunque está envuelta en misterio, abraza la emoción del anonimato, lo que permite que su arte hable más que cualquier detalle personal. Inspirándose en la euforia de la música y la magia de lo desconocido, los paisajes sonoros de Zarah transportan a los oyentes a un reino de pura alegría y dicha. Sus ritmos y melodías contagiosos tejen un tapiz de emociones, dejando al público con ganas de más. Mientras el mundo espera ansiosamente bailar las cautivadoras melodías de Zarah Westhouse, ella permanece decidida en su misión de tocar corazones y elevar espíritus a través de su música, asegurando que su brillantez artística brille, incluso en las sombras.
El cantautor barranquillero (Colombia), Beko, conocido por su distintiva fusión de pop latino y música urbana, ha lanzado su más reciente sencillo titulado «La Última Noche», la última canción su más reciente trabajo discográfico “Mucho gusto, Beko”
La canción narra una emotiva historia de ruptura amorosa, ambientada en una romántica cita a la luz de la luna en Barranquilla. En ella, Beko, con convicción, expresa la certeza de que esta noche no será la última que compartirá con su amor, compartiendo un mensaje de esperanza en el reencuentro futuro.
«El título de la canción, ‘La Última Noche’, surge de esas experiencias que a nadie le gusta vivir. Imagina esta situación: estás en una cita romántica, todo parece perfecto, pero de repente, tu pareja te revela que la relación está llegando a su fin. Te quedas atónito, sorprendido, pero en ese instante surge algo dentro de ti, una certeza inquebrantable: esta no puede ser la última vez que estén juntos. Le afirmas con convicción que aún la amas, que nadie más podrá conocerla como tú lo haces. Es un momento cargado de emoción y verdad, y eso es precisamente lo que intento capturar con ‘La Última Noche’.«- comenta Beko
Beko se destaca como un artista integral, cuidadoso en la composición musical, visualizando cada escena en su mente para crear letras que evitan temas explícitos como sexo, drogas, dinero y malas palabras. Su enfoque en contar historias a través de la música ha definido su sello distintivo, ofreciendo a los oyentes una experiencia envolvente y significativa.
«La Última Noche» es parte de un trabajo discográfico más amplio que busca una evolución musical, manteniendo la esencia de los ritmos característicos de Beko. La combinación de géneros urbanos como el reggaeton y en esta canción el afrobeat con la cumbia colombiana representa un desafío creativo, donde se ha buscado mantener el estilo urbano único de Beko.
La producción de «La Última Noche» contó con la experiencia y el talento de Douglas M Pro como productor musical, Isai Rangel en la guitarra, y Tropical Films en la producción audiovisual, garantizando un trabajo de calidad que captura la esencia y la energía de la música de Beko.
«La Última Noche» ya está disponible en todas las plataformas de streaming. Únete a Beko en este emocionante viaje musical y descubre la magia de su última creación.
El famoso cantante venezolano Pawee se lanza como solista con “Tomó” e impone un género con el que marca diferencia en el mercado musical.
“Tomó” es una canción con la que el artista empodera a la mujer y llegó acompañada de su respectivo videoclip dirigido y producido por el grande Joseph Palacios.
“Es una canción que habla sobre las mujeres que no aguantan más desplantes de sus relaciones. Es una mujer que decide dejar atrás todo el sufrimiento. Habla del empoderamiento femenino. Una historia bastante cotidiana”, comentó Pawee sobre “Tomó”.
El audiovisual se grabó en diferentes locaciones en Miami – Estados Unidos y a pocos días de ser lanzado cuenta con más de 30 mil reproducciones en YouTube.
El talento de Pawee le ha abierto las puertas en Estados Unidos lo que le ha permitido compartir con artistas de la talla de Rey Ruiz, Gilberto Santa Rosa, Pollo Brito, Alexis y Fido, Arcangel, Nacho, Ronald y Luis Fernando Borjas, entre muchos más.
Pawee con el propósito firme de marcar pauta en la industria, se enfoca en fusionar géneros musicales como la cumbia, el trival, la champeta y el reggaetón. Países como México, Ecuador, Argentina, Colombia, Puerto Rico y Venezuela se unen a través de las canciones del afamado artista.
El cantante venezolano se encuentra trabajando en lo que será su próximo lanzamiento musical. Se tratan de dos canciones que van de la mano: “De Ti No Quiero Naa’” y “Soy Inmigrante”.
Pero por si fuera poco, Pawee asoma el lanzamiento de su primera placa discográfica como solista, misma que desprenderá siete temas de varios estilos musicales con la meta de romper récord en la historia de la música.
Para no perderse ni un solo paso de Pawee en el mercado musical, puedes seguirlo a través de todas las redes sociales y plataformas digitales como @paweemusic
La banda de rock barranquillera Los Monoplónicos. ha lanzado su tan esperado tercer trabajo discográfico, «Pardo Bandai», consolidando aún más su posición como una fuerza innovadora en la escena musical local.
«Pardo Bandai» presenta seis pistas que representan un viaje sonoro único, fusionando la naturaleza roquera distintiva de la banda con una exploración evidente de sonidos indie. A diferencia de sus álbumes anteriores, donde las guitarras eran protagonistas, en «Pardo Bandai», los teclados toman el liderazgo, impregnando cada canción con texturas y ambientes trascendentales.
La primera canción de este emocionante proyecto, «Cierta Devoción», se ha presentado como primer lanzamiento de seis canciones, ofreciendo un vistazo a la dirección musical y lírica de este nuevo álbum. “Cierta devoción es un grito de auxilio. Un llamado de urgencia. Es una persona dando brazadas tratando de salir de un pantano de comodidad peligroso en el que se fue metiendo poco a poco sin darse cuenta. Habla del hombre actual y su necesidad fabricada de seguridad y estabilidad que con el paso del tiempo se transforma en una pasmosa quietud de la que cuesta mucho salir”, comenta Ricardo.
Musicalmente, la canción tiene dos momentos: las estrofas corren sobre un tempo acelerado muy indie rock, reminiscente de The Strokes, que se abre en coros con pads ambientales y teclados dramáticos. Las guitarras acompañan siempre en el fondo, ya sea con desgarrados rasgueos o melódicos solos, para dibujar la trastienda de todo el tema.
Para «Cierta Devoción», hemos creado un videoclip con la ayuda de la Inteligencia Artificial, en el que se reflejan algunos de los conceptos sobre los que gira la canción: el trabajo, el dinero, el juego, el alcohol, la familia, el agotamiento espiritual… la redención.
El equipo detrás de este ambicioso proyecto cuenta con la creatividad y talento de Los Monoplónicos. La letra y la música son obra de la banda, compuesta por Ricardo Orozco (Guitarra y Voz), Domingo Sánchez (Bajo), Alex Martínez (Guitarra), José Barbosa (Batería) y Jorge Mario Suárez (Teclados y Loops).
Además, la grabación y producción del álbum se llevó a cabo bajo la dirección experta de Los Monoplónicos. en Stage Entertainment, en Barranquilla, Colombia. El proceso de creación también contó con la dirección de arte de Ricardo Orozco y la edición, guión y dirección del mismo.
Con «Pardo Bandai» y su primera canción “Cierta Devoción”, Los Monoplónicos. demuestran una vez más su capacidad para evolucionar y sorprender a su audiencia, ofreciendo una experiencia musical que promete cautivar y emocionar.
‘El Bolero’ es una canción de despecho, perfecta para pasar el mal de amor con sabrosura, gracias a su pregón pegajoso y su ritmo guapachoso.
Los artistas colombianos Iván Casilimas y Nicolás Ayala se unen para presentar ‘El Bolero’, una canción que representa una fascinante convergencia entre la rica tradición musical latinoamericana y un estilo contemporáneo. Una exploración de la naturaleza efímera del amor.
Este par de músicos forjan su complicidad artística en 2019 compartiendo las aulas del Palacio La Merced, sede de la Facultad de Artes de la Universidad Distrital en Bogotá, donde encontraron entre los ritmos de Nicolás y las melodías de Iván, una sinergia musical que dio origen a este proyecto. La personalidad de este dúo es un elemento que no se puede pasar por alto. Casilimas y Ayala son dos jóvenes talentosos que transmiten su carisma y alegría en cada presentación, creando una cercanía íntima con los oyentes yendo más allá de la música y creando comunidad.
«Con nuestra propuesta, buscamos ser muy honestos en nuestro crear musical. Asumiendo todas nuestras influencias, no estamos descubriendo nuevos ritmos, pero recogemos un collage cultural en nuestra identidad como latinoamericanos del siglo XXI, tomando prestada mucha de la herencia musical latina, fusionándola de forma innovadora con ritmos contemporáneos que le han dado la vuelta al mundo», comentan Iván Casilimas y Nicolás Ayala influenciados por el son cubano, bolero, funk, rap, pop y cumbia en artistas como La Fania All Stars, La Sonora Ponceña, Orishas, Edson Velandia, Alcolirykoz y Manuel Medrano.
La música de Iván y Nicolás está pensada desde y para el latino de a pie. Ellos, como bogotanos y personas del común, sienten como cualquier otro trabajador alegría, tristeza, enojo, indignación y amor. El mensaje en sus canciones es una invitación a reconocerse en el otro, asumir una voz en donde muchos se sientan identificados.
Iván Casilimas y Nicolás Ayala presentan ‘El Bolero’, una canción cuya letra teje una historia de desamor, utilizando el licor como el hilo conductor que ilustra el carácter bohemio de la trama. Aunque no se basa en experiencias personales, las letras revelan la destreza creativa de los compositores al ponerse en la piel de alguien que ha sufrido por desamor.
La canción invita a la reflexión sobre la fugacidad del amor y sus efectos en la vida de las personas, plantea la realidad del amor como algo efímero: el amor se acaba. Utilizan simbolismos ingeniosos para personificar el dolor y encarnarlo en el ser amado.
«Queremos enviar el mensaje de que estamos aquí. Que las personas y la industria conozcan nuestra propuesta. Ser exponentes de nuestra cultura y de la escena colombiana. Aquí estamos. Aquí nos quedamos», enfatizan los artistas.
La amplia gama de colores, los tonos elegidos y texturas utilizadas en la canción crean un ambiente colorido, lo que sumerge a los oyentes en un viaje emocional único. La meticulosa atención puesta
en la mezcla se traduce en una experiencia auditiva inmersiva, que se fusiona de manera perfecta con la narrativa visual presentada en el videoclip.
Si bien se respeta la estructura e instrumentación tradicional del bolero, el dúo logra incorporar efectos y transiciones contemporáneas, gracias al uso de herramientas digitales. Esta dinámica crea un contraste único que atrapa la esencia nostálgica del género, al tiempo que lo eleva a una dimensión actual.
El video de ‘El Bolero’, rodado en una casa tradicional de la Candelaria, ha sido nominado este año en la categoría de Mejor Videoclip Musical en dos festivales: el SWIFF – Student World Impact Film Festival, con sede en Nueva York, y en el Festival de Cortos Psicoactivos organizado por el colectivo Échele Cabeza, con sede en Bogotá. Este es un logro importante para este trabajo audiovisual de Iván Casilimas y Nicolás Ayala que introduce un contraste estético entre la elegancia y la decadencia, en perfecta sintonía con las emociones del protagonista. Mediante una estética inspirada en los años 50, el clip evoca una sensación de melancolía sin restringirse a una época específica.
Las imágenes cargadas de simbolismo añaden profundidad a la narrativa, incorporando referencias cinematográficas y artísticas que amplifican la experiencia visual. La historia no sigue una línea recta, así que cada quien puede interpretar y conectar con la historia de maneras diversas y personales.
Para este 2024, Iván Casilimas y Nicolás Ayala tienen en el radar el lanzamiento de su primer EP de tres canciones ‘Agua’, ‘Maracuyá’ y ‘Parchaita’, temas que muestran otra etapa del proyecto conservando la columna vertebral latina de la mano de sonidos digitales muy potentes.
«Buscamos satisfacer la necesidad transversal en nuestra vida como artistas, de hacer música como prioridad y motivación de nuestro primer motor rítmico, el corazón. Nuestra propuesta es una muestra del talento y la calidad que se encuentra en la escena bogotana actualmente, destacando por su originalidad. Somos una cara alternativa y creativa de ritmos de antaño. Música sabrosa con temáticas y lenguaje coloquial que seguro por algún lado se van a identificar. Queremos llegar lejos con nuestra música, ponernos en el radar de la industria y aportar al desarrollo de nuestra identidad artística sumando una pieza más a nuestro catálogo», concluyen los músicos bogotanos.
Es una canción melancólica que habla del anhelo de editar los momentos de la vida que nos marcaron para escribir una historia nueva.
Karen Rod es una cantante y compositora colombiana que funda su proyecto musical a mediados de 2023 después de varias vueltas de la vida en donde tuvo la oportunidad de madurar como escritora y publicista durante más de una década. Aunque empezó a cantar desde los 7 años, solo hasta los 20 empezó a grabar la maqueta de un disco que quedó truncado cuando su productor se radicó en Miami. Luego de una complicación de salud hace tres años, decidió dejarlo todo para reencontrarse con la música y empezar a producir su disco debut ‘Hechos de Tiempo’ que será lanzado en mayo de 2024.
«Mi misión como artista es hacer sentir y estremecer en una búsqueda que vaya más allá del mero entretenimiento y la música «para pasar el rato». Quiero hacer música tranquila y profunda que haga sentir y pensar. Que te haga cuestionarte en el buen sentido», comenta Karen Rod.
‘Cambiar la escena’ es el nuevo sencillo de Karen Rod, una canción que habla del anhelo de editar los momentos de la vida que nos marcaron para escribir una historia nueva. Cuando editas una escena en el cine o la televisión, tienes la oportunidad de cambiar la escena que no encaja y a partir de ese momento elegir otra secuencia y contar algo distinto.
En cuanto a sonido, ‘Cambiar la escena’ es una balada indie romántica. Puedes escuchar un nostálgico piano protagonista y un hermoso solo de guitarra eléctrica que acompañan la voz cálida de Karen.
‘Cambiar la escena’ es pura melancolía hacia un amor que te marcó. Aunque sabes que no puedes viajar en el tiempo para regresar y hacer las cosas diferente, quieres reconciliarte con el sentimiento de pérdida. Y solo anhelas una coincidencia con esa persona para cerrar ese capítulo.
«Quiero que la gente sepa que en Colombia se hace buen rock indie en español, que no todos tenemos que sonar igual y que podemos posicionarnos como ya lo hizo Argentina, quien es un gran referente en este género. También quiero que la gente se arriesgue a innovar y escuchar algo que no suene 100% colombiano. Por eso incluí en la producción a un músico británico. Amo a mi país, he estado en muchos lugares y siempre regreso. Creo que la música debe ser el reflejo de lo que somos en un mundo globalizado. Ciudadanos del mundo. Podemos ser internacionales sin tener que meter un currulao o una champeta en donde no caza», enfatiza Karen Rod.
‘Cambiar la escena’ está acompañada de un lyric video cuyo concepto es coherente con la música y la personalidad de Karen Rod. Es un fondo etéreo azul con movimiento suave que asemeja la galaxia, la niebla en medio del mar o lo que perciba tu imaginación.
«‘Cambiar la escena’ la puedes escuchar de camino a casa en tu bici, en el carro o en tu casa en tu lista de reproducción favorita mientras trabajas o simplemente te despejas en el balcón. Pero si estás
tratando de regresar con alguien a quien le rompiste el corazón o te lo rompió, es mejor que la escuches a solas», puntualiza la artista colombiana.
‘Cambiar la escena’ es la tercera canción del disco debut de siete tracks de Karen Rod titulado ‘Hechos de Tiempo’ que será lanzado en el mes de mayo. Es un trabajo de rock melancólico y ecléctico con guitarras y pianos muy bien logrados junto a sintetizadores y sonidos ambientales con la influencia etérea de la música electrónica. El álbum tendrá melodías y acordes minimalistas en su mayoría. El sonido de Karen Rod tiende a ser oscuro e intimista, pero también puede ser renovador y refrescante. En pocas palabras, será una producción con un sonido profundo, con cuerpo, frescura y atmósfera.
Para el primer semestre del año, Karen Rod planea una presentación íntima en Bogotá para lanzar el álbum. La artista trabaja fuertemente para participar en eventos distritales, bibliotecas y buscará conectar con el público de colegios y universidades en las principales ciudades del país.
«Quiero que mi música se sienta como un bálsamo, que puedas subirle todo el volumen en tus audífonos y te desconectes, que te sumerjas en la melodía y la letra. Que la puedas poner en tus estados de WhatsApp y la dediques sin que te de pena. Creo que las personas pueden darse la oportunidad de tener un viaje distinto al viaje al que están acostumbrados hoy con la música rápida. Mi música debe degustarse y entenderse, y eso requiere dedicarle intimidad y, sobre todo, tiempo. Mis expectativas son seguir haciendo canciones hasta que mi salud y creatividad me lo permita. Que mi música trascienda y no se quede en el hit del momento. Que una letra te movilice a cambiar de pensamiento o por lo menos a pensar algo que no habías pensado antes. Con eso me basta», concluye Karen Rod.
La inspiración de Falquez en ‘Solemn Eyes’ surge de experiencias personales y observaciones de las relaciones humanas. La canción captura la esencia de la intensidad emocional y la solemnidad que se experimenta en situaciones difíciles.
El 2023 fue un año excepcional en términos de lanzamientos para Falquez. Con tres sencillos lanzados, cada uno explorando diferentes facetas sonoras y líricas, se logró construir una narrativa musical cohesiva. La respuesta de la audiencia y la cobertura mediática, incluyendo destacadas menciones en Rolling Stone en Español, Caracol Radio y Exa FM, marcaron logros significativos. Entre los logros destacados se encuentran la finalización de la grabación del álbum ‘Known Behaviors’, la producción de diez videos (tres de los cuales fueron lanzados), y la colaboración con talentosos profesionales de la industria musical. Además, el privilegio de trabajar con su familia en algunos de los videos fue una experiencia especial y única. Ahora, el 2024 se presenta para el artista colombo estadounidense como un año expectante y retador, pues lanzará su disco debut y planificará una gira que lo llevará a conquistar nuevas audiencias.
‘Solemn Eyes’ es el primer sencillo del año de Falquez, una canción que explora la complejidad emocional y las conexiones humanas. La canción aborda el dolor, la distancia y la búsqueda de consuelo en medio de la adversidad. Es una invitación a abrir el corazón y enfrentar las emociones de frente. Aborda temáticas como la pérdida, el dolor, la distancia emocional y el anhelo de autoconexión. Este lanzamiento busca resonar con la audiencia a nivel emocional y generar reflexión sobre las complejidades de las relaciones.
‘Solemn Eyes’ combina elementos de post-grunge y rock alternativo, se destaca la incorporación prominente de la trompeta que juega un papel crucial en la canción. Este elemento musical rinde homenaje a la celebración del Día de los Muertos y añade una capa adicional de emotividad y autenticidad a la composición.
«Con ‘Solemn Eyes’ quiero conectar emocionalmente con la audiencia, ofreciendo una experiencia que resuene en momentos de introspección. El impacto deseado es crear un espacio para la reflexión y el entendimiento emocional compartido», comenta Falquez. «Este lanzamiento busca transmitir un mensaje de vulnerabilidad, conexión emocional y la importancia de enfrentar las complejidades de las relaciones con valentía y apertura», agrega el músico.
El video transporta a los espectadores a la atmósfera única del Día de los Muertos en Guadalajara, México. La historia visual refleja la conexión espiritual y emocional de las personas con sus difuntos, capturando la reverencia, el amor y la nostalgia que llenan el aire durante esta celebración.
La dimensión emocional y experimental de ‘Solemn Eyes’ marca un hito distintivo en la evolución sonora de Falquez. La canción abraza una autenticidad musical que resuena con la diversidad de las experiencias humanas, diferenciándose así de los lanzamientos anteriores y explorando nuevos
horizontes sonoros. Es ideal para momentos de reflexión, contemplación y conexión emocional. Su intensidad y profundidad invitan a los oyentes a sumergirse en la experiencia musical.
La portada del sencillo presenta un diseño que refleja la solemnidad y la intensidad emocional de la canción. La elección del diseño y el concepto buscan complementar la narrativa de la música y así ofrecer una representación visual que conecta con el arte de su disco debut ‘Known Behaviors’.
El álbum completo ‘Known Behaviors’ está programado para ser lanzado en abril de 2024. Los seguidores pueden esperar una obra completa que refleje la diversidad sonora y temática explorada por Falquez en este proyecto musical.
