En un mundo impulsado por el materialismo y los logros externos, “There Is a Man” ofrece un comentario profundo sobre los vacíos emocionales que a menudo quedan relegados. El último lanzamiento de [Nombre del Artista] invita a los oyentes a explorar el conflicto entre los valores racionales promovidos por la sociedad moderna y las conexiones emocionales más profundas que definen nuestra humanidad.
El Mensaje Detrás de la Música
“There Is a Man” pone de manifiesto la brecha cada vez mayor entre la búsqueda de poder, propiedad, riqueza y lujo, y los tesoros cotidianos que a menudo pasan desapercibidos: relajación, seguridad, amor, comprensión y unidad. Estos momentos fugaces, pero invaluables, forman el núcleo de la paz interior, aunque frecuentemente se sacrifican en el altar de las expectativas sociales.
A través de melodías envolventes y letras evocadoras, la canción se convierte en un espejo que refleja el desequilibrio que muchos experimentan. “Se trata de cuestionar los valores que nos enseñan a perseguir”, comparte el artista. “Debemos recordar la importancia de los pequeños momentos preciados que traen conexión y alegría genuinas.”
Un Viaje de Lanzamientos
Este tema marca el tercer hito en una serie de 16 lanzamientos del artista, mostrando un viaje musical ambicioso y lleno de reflexión. Cada canción teje una historia que refleja un espectro de emociones e ideas que resuenan profundamente con las audiencias contemporáneas.
De cara al futuro, el 2025 promete ser un año emocionante para los fanáticos. El artista ha anunciado planes para lanzar tres nuevos sencillos y dos EP, consolidando aún más su lugar como una voz de reflexión y autenticidad en el mundo de la música.
Una Invitación a Reflexionar
“There Is a Man” es más que una canción; es una invitación a detenerse y reconsiderar lo que realmente importa. En sus notas y palabras se encuentra un recordatorio sutil para abrazar las alegrías simples y las conexiones que dan sentido a la vida—un mensaje especialmente relevante en la sociedad acelerada y orientada al logro de hoy.
Mientras los oyentes sintonizan, probablemente encuentren un pedazo de sí mismos en la historia que la canción cuenta. Y quizá, solo quizá, se inspiren a buscar esos momentos de amor y comprensión que hacen que la vida valga la pena.
Escucha “There Is a Man” ahora y únete a la conversación sobre el equilibrio entre las aspiraciones modernas y las verdades emocionales atemporales.
Reimaginar una balada icónica es un desafío que pocos artistas se atreven a asumir, pero hacerlo con un toque contemporáneo y lleno de alma eleva este esfuerzo a una experiencia musical transformadora. Esta campaña busca rendir homenaje al inigualable legado de George Michael, introduciendo su arte único a una audiencia global mientras se celebra la vigencia de la música clásica en un contexto moderno.
El proyecto, impulsado por una profunda conexión cultural y una versatilidad musical destacable, busca resonar con una amplia gama de oyentes: desde los fieles admiradores de la obra original hasta los amantes de la música contemporánea. Este enfoque multifacético no solo destaca la perdurabilidad de la balada, sino que también posiciona a su intérprete como un artista integral capaz de aportar frescura y originalidad a clásicos inmortales.
Entre los objetivos principales de esta iniciativa se encuentra ampliar el alcance de la audiencia a través de plataformas de streaming y captar la atención de la prensa y profesionales de la industria musical. Más allá de un simple tributo, esta reinterpretación es una ventana a nuevas oportunidades: colaboraciones futuras, presentaciones en vivo y proyectos de gran escala que reafirmen el compromiso de revitalizar obras legendarias para nuevas generaciones.
Con cada nota, esta versión busca no solo celebrar a George Michael, sino también abrir un diálogo entre generaciones y estilos, recordándonos que el arte verdaderamente excepcional es eterno.
Con la energía vibrante que caracteriza los carnavales de Barranquilla, Mariángel Sarabia lanza su primera canción inédita del año 2025, titulada “Parranda en Carnaval”. Este nuevo sencillo promete convertirse en el himno de las festividades, llevando consigo el sabor, la alegría y el ritmo que solo el carnaval y su potente voz puede ofrecer.
La composición de Fernando Morillo, llena de referencias a la vibrante experiencia del carnaval más icónico de Colombia, transmite la alegría y el colorido de esta festividad. Los arreglos musicales, a cargo del maestro José Escobar, destacan por su maestría en la música tropical, creando un sonido envolvente que, desde los primeros compases, invita al baile y refleja la esencia de la tradición carnavalesca.
Mariángel, quien recientemente conquistó al público durante su participación en el reality show “La Descarga”, confiesa que esa experiencia fue el motor que encendió su inspiración para crear música original. “Salí de allí con toda la motivación para trabajar en mis canciones propias, y quise empezar con algo que represente lo que somos como barranquilleros”, afirma.
“Parranda en Carnaval” no solo celebra el alma festiva de Barranquilla, sino que también rinde homenaje a las mujeres de la región. “Aunque tenemos nuestra reina preciosa Tatiana Angulo, todas las barranquilleras nos sentimos las reinas del carnaval”, expresa Mariángel con entusiasmo. Este mensaje de empoderamiento y alegría promete resonar en los corazones de quienes disfrutan de estas fiestas.
La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, acompañada de un colorido videoclip que captura la esencia de las calles de Barranquilla durante el carnaval. Con “Parranda en Carnaval”, Mariángel Sarabia reafirma su compromiso con la música tropical y su pasión por llevar la cultura de su ciudad al escenario global.
¡Prepárate para bailar y vivir el carnaval en cada nota!
El Último Dinosaurio es un proyecto musical de indie rock formado en Buenos Aires por Boika (voz y guitarra), Michael (bajo) y Sebastián (baterista). La propuesta nace cuando Gerardo Zelada (Boika) se fue de su país natal, Bolivia, para mudarse a Argentina.
La propuesta de El Último Dinosaurio se basa en la exploración emocional mediante la música. EUD es el alma de las canciones, es un ente que le da vida al arte de sus integrantes.
«A través de nuestras canciones nos permitimos sentir, conocernos mediante las emociones, aprender a disfrutar los momentos de la vida, caerse y levantarse, estar bien y estar mal, aceptarnos como humanos tal y como somos», cuenta el grupo con influencias de rock progresivo, surf rock, indie pop, synthwave y rock psicodélico en bandas como Pink Floyd y Tame Impala.
‘Café sin azúcar’ es el nuevo lanzamiento de El Último Dinosaurio, una canción que Boika escribió cuando extrañaba a alguien. Aborda el amor y el sentimiento de extrañar a un ser querido.
«Extrañar a alguien a veces tiene un sabor amargo, pero al mismo tiempo es bonito, como el café sin azúcar que es muy amargo, pero me gusta tomarlo de esta forma como a la persona que extrañaba», agrega Boika.
‘Café sin azúcar’ explora sonidos rock pop y electro pop. El grupo experimenta con instrumentos digitales que suenan a electro pop, pero manteniendo sonoridades rock en las guitarras.
El video de la canción muestra cómo se puede dar vida a un recuerdo, incluso sentir la presencia de esa persona. En la habitación tocando guitarra el ambiente se torna cálido y nostálgico para recordar con amor a esa persona que fue tan especial. El clip fue dirigido por Manuel Ríos Bridoux.
«Es una canción perfecta para escuchar en un parque recordando a un ex amor y disfrutando del amargo sabor de un café sin azúcar», enfatiza EUD.
‘Café sin azúcar’ forma parte del primer álbum de El Último Dinosaurio titulado ‘No puedo ser normal’ que consta de 11 canciones, las cuales abordan temas profundamente personales, la búsqueda del ser y la angustia existencial. El disco fue producido por Boika y masterizado por José Rico Suárez.
La portada del disco la diseñó Verónica Pulfer y refleja la angustia que transmiten las canciones. Es una persona en una posición de meditación que siente angustia, pero trata de mantenerse calmada; ella acepta lo que siente y se permite sentirlo para canalizarlo con música.
«Queremos darle tiempo de digestión al disco, darnos el tiempo de disfrutarlo y tocarlo en vivo. Esperamos lanzar un segundo álbum a finales de 2025», enfatiza la agrupación.
El Último Dinosaurio busca conectar emocionalmente con las personas de manera genuina. El propósito de la banda, liderada por Boika, es seguir haciendo música de corazón.
«Es una alegría inmensa ver al público disfrutando de nuestra música, siempre pondremos todo nuestro esfuerzo para sacar el mejor resultado posible», concluye la banda.
Nicolás Gámez es un destacado bajista eléctrico colombiano, reconocido por su versatilidad y trayectoria en la escena del jazz y otros géneros musicales. Formado en la Pontificia Universidad Javeriana y actualmente en la Universidad Sergio Arboleda, ha participado en algunos de los festivales más importantes del país como Estéreo Picnic, Jazz al Parque, Rock al Parque y Cordillera, colaborando con artistas de diversos estilos.
La intención de su proyecto busca dar a conocer una propuesta de jazz con un enfoque norteamericano, pero con una raíz colombiana. Con una sólida formación y un estilo propio, Nicolás Gámez se posiciona como una de las figuras emergentes del jazz en Colombia.
«Mi objetivo es abrirle camino a esta propuesta dentro del ámbito internacional, destacando el talento y la creatividad que se está gestando en Colombia. Un elemento distintivo de mi próximo álbum ‘Augurio’ es la inclusión del bajo eléctrico, un instrumento que no forma parte del formato tradicional del jazz, pero que he integrado ya que es el instrumento que toco. Este proyecto refleja una búsqueda personal en la que quiero mostrar cómo el bajo eléctrico puede ser parte integral del jazz, expandiendo las posibilidades del género», cuenta el músico.
«Disfruto mucho escuchar jazz y a los artistas que admiro en este género. Quiero poder transmitir eso mismo que estos artistas me transmiten, desde las experiencias que he compartido con los músicos y amigos con los que llevo tocando hace tiempo», agrega Nicolás cuyas influencias hacen parte jazzistas de distintas corrientes como Lee Konitz, Warne Marsh, Joe Henderson, Dexter Gordon, McCoy Tyner, Peter Bernstein, Mark Turner, entre otros.
‘Augurio’ es el nuevo lanzamiento de Nicolás Gámez, es una composición propia en la que el músico busca evocar el lado más «blues» y «pesado» del hard bop. Al componer esta canción, el artista pensó en las sensaciones que le transmiten escuchar a McCoy Tyner y Joe Henderson.
Otro de sus sencillos es ‘Mentes estables’, una canción que surgió de la idea de querer componer un contrafact del standard «Stablemates». Un contrafact es una composición musical que se basa en la progresión de acordes de un standard ya existente, pero con una melodía y arreglos nuevos.
Esta canción busca esa sonoridad «hardbopera» que tiene el standard «Stablemates», pero desde una interpretación propia. El sencillo cuenta con un video grabado en una sesión en vivo.
«Estos sencillos son una muestra de lo que será el álbum ‘Augurio’ en donde busco integrar el bajo eléctrico como parte del formato del jazz y dar a conocer parte de la escena que se está gestando en el país», enfatiza el músico.
‘Augurio’, segunda producción discográfica de Nicolás Gámez, verá la luz el viernes 7 de marzo y está compuesto por 7 canciones. Este trabajo está inspirado en el jazz tradicional.
El arte de los sencillos y del álbum en general estuvo a cargo de Martín Sánchez Martínez, un artista que le ayudó al músico colombiano a conceptualizar la idea que tenía, buscando representar esas portadas clásicas de los discos de jazz de la disquera Blue Note de los años 50’s, 60’s y 70’s.
«Con este álbum pretendo expandir mi audiencia a nivel nacional e internacional. Pienso que este enfoque de jazz más «tradicional» no se ha explorado lo suficiente en el país. Además, creo que el bajo eléctrico no se ha explorado lo suficiente dentro de este enfoque, por lo menos en Latinoamérica, y pienso que es necesario darles visibilidad a propuestas de jazz en la región», concluye Nicolás Gámez.
El Estadio Romelio Martínez se prepara para ser el epicentro de la alegría y el ritmo este sábado 18 de enero, cuando más de 350 artistas iluminen el escenario con una espectacular puesta en escena titulada «Frenesí Barranquillero». La Lectura del Bando 2025, liderada por la Reina del Carnaval, Tatiana Angulo Fernández de Castro, promete enseñarle al mundo que “en Barranquilla se baila así”.
Las puertas del estadio se abrirán a las 5:00 de la tarde, dando inicio a una noche inolvidable en la que la ciudad celebrará sus tradiciones con un despliegue artístico que incluye cumbia, ritmos folclóricos, salsa, música urbana, reguetón y champeta, entre otros géneros que representan la riqueza cultural del Caribe.
Junto a la Reina, estarán presentes los embajadores de la alegría del Carnaval: el Rey Momo Gabriel Marriaga Tejada y los Reyes del Carnaval de los Niños, Victoria Ceballos Cure y Samuel Bermúdez Cepeda y Roca, quienes acompañarán la proclamación del goce máximo del Carnaval hasta el Miércoles de Ceniza.
La Lectura del Bando es una tradición que marca el inicio oficial del Precarnaval, una temporada que inunda las calles de Barranquilla con música, danzas y colores. Este año, bajo el lema «Frenesí Barranquillero,» los asistentes podrán disfrutar de una experiencia vibrante que destacará el talento local y la diversidad cultural que caracteriza a la ciudad.
La magia del Carnaval Este evento no solo celebra el espíritu festivo de los barranquilleros, sino que también reafirma el compromiso de preservar y compartir su patrimonio cultural con el mundo. La diversidad de ritmos y estilos que convergerán en el escenario refleja la esencia del Carnaval, una fiesta reconocida por la UNESCO como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad.
Un llamado a la fiesta Tatiana Angulo Fernández de Castro, Reina del Carnaval 2025, ha extendido una invitación a todos los barranquilleros y visitantes para que se unan a esta celebración: “La Lectura del Bando no es solo un evento, es una declaración de amor por nuestra ciudad y sus tradiciones. Este sábado, los espero a todos en el Romelio para que juntos encendamos la chispa de este Carnaval”.
¡Prepárate para bailar, cantar y vivir la mágia de Barranquilla como nunca antes! El Carnaval de Barranquilla 2025 ya está aquí, y promete ser un espectáculo inolvidable.
La música romántica tiene un nuevo himno que promete conquistar corazones: “Y si se cae una estrella”, una balada cargada de sentimiento que nos invita a viajar por la inmensidad del cielo nocturno y a soñar con el amor más profundo. Escrita y compuesta por Alberto Caicedo, esta canción captura la esencia del amor a través de una metáfora celestial, pintando un paisaje emocional tan vasto como el firmamento.
Una de las grandes joyas de este lanzamiento es la colaboración con la legendaria agrupación Herencia de Timbiquí, reconocida por su inconfundible sonido y su conexión con las raíces del Pacífico colombiano. Para Alberto, esta alianza es un verdadero honor, ya que Herencia de Timbiquí aporta su talento incomparable, fusionando los ritmos tradicionales con la intensidad emocional de esta historia de amor.
La canción, grabada en vivo, transmite la energía íntima y genuina del momento. Los versos románticos y melodías de Alberto se entrelazan con la profundidad del sonido característico de Herencia de Timbiquí, creando una experiencia musical que celebra el amor, la tradición y la magia del Pacífico.
“Y si se cae una estrella” no es solo una canción; es una celebración de raíces, emociones y la capacidad de la música para conectar almas. Es el reflejo perfecto de cómo el amor puede cruzar fronteras y tocar corazones con la fuerza de una estrella fugaz.
Teresa Terracota es el proyecto de Ana Teresa García, una artista colombiana que encarna la dualidad de la vida: la resistencia y la adaptación. El nombre ‘Terracota’ no es solo un seudónimo, sino un reflejo de cómo la arcilla, un material moldeable y resistente, simboliza un viaje artístico. La propuesta nace de una conexión profunda con la música, las artes visuales y la vida misma; una fusión de influencias personales y culturales que emergen desde su infancia en La Ceja del Tambo, Colombia. Terracota es una manifestación de vida y muerte, una mezcla de lo tangible e intangible, y una búsqueda constante de identidad y expresión.
«Desde mis primeros pasos en la música junto a mi hermana, hasta mi evolución como artista en solitario, Teresa Terracota representa la transformación constante. La arcilla, como símbolo, captura esta dualidad: maleable pero fuerte, frágil pero resistente. Mi propuesta busca ser un espacio de encuentro entre el oyente y sus emociones más profundas. La intención es crear una experiencia auditiva que no solo entretenga, sino que también invite a la introspección y al autoconocimiento. Cada nota y cada palabra está diseñada para resonar con las experiencias universales del amor, la pérdida y la búsqueda de significado. Quiero que cada canción sea un refugio, un espejo donde las personas puedan verse a sí mismas, confrontar sus emociones, y encontrar consuelo o inspiración en el proceso. Además, comprender que somos una obra de arte, somos porque creemos y porque creamos. La intención de mi propuesta musical ha sido salvar mi propia existencia», comenta la artista con influencias de los boleros, el rock, el rap, el indie y el alternativo en artistas como Amy Winehouse, Ella Fitzgerald, Etta James, Billie Holiday, Norah Jones y Mon Laferte.
El mensaje principal de las canciones de Teresa Terracota es la aceptación de la dualidad de la vida: amor y pérdida, presencia y ausencia, luz y sombra. Son un llamado a abrazar la complejidad de la vida y a encontrar belleza incluso en los momentos más oscuros.
«Quiero transmitir que está bien sentirse vulnerable, que el dolor y la alegría son parte de un todo que nos hace humanos. Mis canciones son un recordatorio de que cada emoción y experiencia tiene un propósito en nuestro crecimiento personal. Quiero que mi música inspire a las personas a ser valientes, a encontrar belleza en lo cotidiano y a aceptar su propia humanidad con todas sus imperfecciones», agrega la cantante colombiana.
‘Lo Etéreo’ es lo nuevo de Teresa Terracota, es una introspección poética que nos sumerge en la complejidad de las emociones humanas frente al paso del tiempo y las cicatrices del amor. La canción está cargada de simbolismo, reflexionando sobre la inevitabilidad del cambio y el poder transformador de las experiencias amorosas. La letra toca temas universales como el aprendizaje, el desapego, y la resiliencia emocional. Musicalmente, el tema explora texturas suaves y melancólicas, probablemente con una base de jazz y soul que se entrelaza con elementos de indie y alternativo.
Invita al oyente a abrazar la impermanencia y encontrar belleza en la capacidad de amar a pesar del dolor. Es una canción que, aunque íntimamente personal, resuena con cualquiera que haya enfrentado la pérdida o el cambio. La intención es llevar al oyente a una reflexión profunda sobre sus propios viajes emocionales, instándolos a encontrar luz en la oscuridad y a seguir adelante, a pesar de las cicatrices del corazón. Es un acto de catarsis, sanación y la liberación emocional.
Otro de sus recientes sencillos es ‘El Deseo’, una oda a la pasión y la conexión íntima, explorando la profundidad del anhelo y el deseo humano en su forma más pura. La letra refleja una narrativa sensual y emocional, donde cada palabra está cuidadosamente tejida para evocar imágenes de cercanía y vulnerabilidad. La canción invita a un viaje de descubrimiento emocional, en el cual no solo se busca la cercanía física, sino una conexión profunda y auténtica con el otro. La letra sugiere un balance delicado entre la intensidad del deseo y la calma de un amor consciente. La dualidad entre la luz y la oscuridad es otro tema central. Con referencias a la noche, la luna y la luz que emana de ella, la canción crea un ambiente íntimo y misterioso.
Musicalmente, la canción se sumerge en el mundo del gypsy jazz o manouche, un estilo que aporta una mezcla de ritmo y elegancia. Los vientos crean un diálogo musical que acompaña la narrativa lírica, ofreciendo momentos de tensión y liberación que reflejan la dualidad del deseo. El gypsy jazz aporta una sensación de movimiento y fluidez, con sus ritmos ágiles y acordes complejos que crean un ambiente de misterio y encanto. La inclusión de elementos de jazz proporcionan una sofisticación que refuerza el carácter elegante de la canción. El ritmo funky, por otro lado, inyecta una energía contagiosa, haciendo que el deseo se sienta vivo y vibrante. Es una experiencia sensorial y emocional que invita al oyente a sumergirse en el universo del deseo consciente. Es una reflexión sobre la naturaleza del deseo y la conexión humana, sugiriendo que cuando el deseo se vive con autenticidad y presencia, se convierte en una fuerza que puede iluminar incluso los rincones más oscuros de la experiencia humana.
«Con estos lanzamientos, espero no solo resonar a nivel musical, sino crear una experiencia emocional que invite a cada oyente a adentrarse en sus propios mundos internos. ‘Lo Etéreo’ y ‘El Deseo’ no son solo canciones; son puentes entre el corazón y la mente, entre la vulnerabilidad y la fuerza que todos llevamos dentro. A través de sus letras y su música, deseo ofrecer un espacio seguro para que las personas puedan reconocer sus deseos más profundos, sus miedos y sus anhelos, y abrazar la complejidad de sus emociones sin juicio ni temor», enfatiza Teresa Terracota.
‘Lo etéreo’ y ‘El deseo’ hacen parte del álbum debut de Teresa Terracota llamado ‘Entre el amor y la ausencia’ que constará de 9 canciones y que van desde donde nace algo, puede ser tan sólo un instante de felicidad o de belleza, hasta un momento a solas o una soledad insoportable. Es una obra profundamente introspectiva y emocional que refleja las complejidades de la experiencia humana.
«A través de 9 canciones, exploro desde la primera chispa de la vida, cuando todo comienza a surgir en nuestras emociones, hasta el inevitable vacío de la ausencia que nos acompaña. Cada canción tiene su propio espacio y propósito dentro del álbum, creado con la intención de guiar al oyente a través de los altibajos de la vida, sin miedo a las sombras, pero con la esperanza de hallar luz incluso en los momentos más oscuros», puntualiza la artista.
Además de la publicación de su primer álbum, ‘Entre el amor y la ausencia’, Teresa Terracota tiene en mente una serie de lanzamientos que enriquecerán su propuesta. Planea lanzar sencillos que continúen explorando las temáticas universales del amor, la ansiedad, la ausencia y la búsqueda de la paz. Además, sus otros 2 álbumes ‘Esencias’ y ‘En Carne y Hueso’ vienen en camino para aportar más crecimiento a su proyecto. También tiene en mente un Live Session acústico.
La música de Teresa Terracota es ideal para aquellos momentos en los que se busca conectar con su ser más profundo. Es perfecta para las noches solitarias, cuando las emociones afloran, o para los días de lluvia, cuando la melancolía y la reflexión parecen abrazarnos. También es una excelente compañía para momentos de introspección, viajes largos donde el pensamiento se pierde en el horizonte o meditaciones en busca de claridad mental. La música de Terracota está diseñada para resonar tanto en la alegría como en la tristeza, como un refugio emocional que nos ayuda a navegar las complejidades de la vida con serenidad y entendimiento. Esta propuesta busca ser esa compañía para los días grises, pero también en los momentos de expansión, de creación, de descubrimiento. Porque al final, tanto en el amor como en la ausencia, cada emoción tiene su lugar en la danza de la vida, y sus canciones son un reflejo de ese viaje emocional que todos compartimos.
«Mis expectativas con este proyecto son profundas y de largo alcance. En primer lugar, espero conectar con aquellos que buscan más que música superficial, con quienes anhelan una experiencia emocional genuina. Aspiro a crear un espacio donde la música no sea solo un conjunto de melodías, sino una herramienta para la introspección y el crecimiento personal. Quiero que mi música resuene profundamente en quienes están dispuestos a sentir, a vivir plenamente cada emoción, sin miedo a lo que nos hace humanos. Es crucial que las personas descubran a Terracota porque mi música nace de nuestras raíces, pero busca trascender las fronteras de la región. Mi propuesta tiene una carga emocional fuerte, una autenticidad que no se encuentra fácilmente en el panorama musical actual, y una sensibilidad que refleja las luchas, los sueños y las esperanzas de nuestra cultura. En estos tiempos, donde la ansiedad, la desconexión y la incertidumbre parecen dominar, mi música puede ofrecer un espacio de refugio, de sanación, y de reencuentro. A través de mi trabajo, quiero ser una voz que no solo lleve el mensaje de las canciones, sino que también inspire a otros a ser vulnerables, a compartir sus historias, y a encontrar consuelo en su propio ser. Mi música habla de lo que nos une como seres humanos: el amor, el dolor, la esperanza, la ausencia. Es un llamado a abrazar todo lo que somos, a reconocer la belleza de nuestras imperfecciones, y a recordar que, a pesar de todo, no estamos solos», concluye.
El clip audiovisual número 16 del proyecto musical de Rodrigo Bahamondes, Le Fruto, ya se encuentra disponible y lo podrás ver al final de la nota.
Se trata de ‘No Supe Amar‘, un honesto track rescatado desde la extinta banda Fruto Prohibido, original de Ignacio Espinosa, deconstruida y reversionada por el músico pop.
En palabras de Le Fruto, la canción es “una íntima obra musical que propone un viaje emocional lleno de honestidad y vulnerabilidad, con una interpretación vocal cruda, apasionada y cargada de sentimiento, que logra transmitir la lucha interna que narra la letra, una historia de amor perdido y arrepentimiento”.
El tema fue producido, grabado y mezclado por André Valenzuela en Indomito Récord, logrando una calidad sonora que realza la interpretación manteniendo la esencia de la obra, explorando texturas que la proyectan hacia una nueva generación de oyentes.
A través de un anuncio oficial, “esta canción que se mueve entre el pop alternativo y el rock suave, con tintes de balada contemporánea, une a Le Fruto con la historia de la música chilena […] y cuenta con voz y guitarra de Gastón Astorquiza, miembro fundador de Fruto Prohibido, icónica banda de los 90’s, creando una combinación que conecta dos épocas del rock nacional” afirma el sello.
Finalmente el video protagonizado por el reconocido actor nacional de Pacto de Sangre y Secretos de Familia (Canal 13), Hernán Contreras (también músico de Le Fruto), cuenta con la participación estelar de Renata Madrid y del mismísimo frontman en una desgarradora actuación a cargo de Sebastián Moscoso de G
•Lab Media (Camila Moreno, Personal Papers, NfX).
Este 2025 trae sorpresas importantes a la nutrida carrera de Le Fruto, y una de ellas es ‘No Supe Amar‘. Revísalo a continuación.
El cantante y compositor Beto More continúa en su cruzada por posicionarse como uno de los artistas pop destacados de nuestra escena, es por eso que caab de estrenar su álbum «Bloqueo Creativo», placa profundamente personal que captura la esencia del pop mientras relata un viaje emocional de ascenso y caída en el proceso artístico.
Inspirado en un período de insatisfacción y búsqueda creativa, «Bloqueo Creativo» representa el anhelo de superar barreras internas y transformar la desazón en arte. “Este álbum es un reflejo de mis luchas internas y mi deseo constante de crear algo que realmente me satisfaga. Espero que quienes lo escuchen encuentren algo que resuene con sus propias experiencias,” comparte Beto.
La creación de «Bloqueo Creativo» tomó un año y medio. Producido por Claudio Fredes, colaborador de confianza de toda la carrera de Beto More como solista, el proyecto también contó con el apoyo de Claudio Reyes como bajista y director musical, además del productor chileno KVRMV, quien aportó su visión en el tema «Mañana». El álbum incluye dos colaboraciones destacadas: el rapero chileno Maagover en «Y vo’?» y lorenzo pa desde Mendoza, Argentina, en «¿Cuánto Más?».
Musicalmente, «Bloqueo Creativo» explora la versatilidad del pop, combinando estilos y otorgando a cada instrumento un papel protagónico en la narrativa. “Lo que más disfruto del pop es su capacidad para mezclar estilos y crear algo único. Quise que cada elemento del álbum tuviera su momento de protagonismo para contar una historia a través de la música,”
Vølium se encuentra promocionando «Everything You Said», single que combina la intensidad del rock alternativo con la atmósfera envolvente del shoegaze. Esta canción aborda de manera visceral las inseguridades que surgen de cómo somos percibidos por los demás y las culpas que nacen a raíz de los comentarios del resto.
“La canción es una exploración de esas dudas internas y de cómo las palabras de otros pueden convertirse en una carga que llevamos día a día,” comenta la banda.
Musicalmente, «Everything You Said» se inspira en el sonido de bandas como Deftones y toma influencias del shoegaze, creando una mezcla única que transporta al oyente a una experiencia emocional profunda. “Queríamos capturar esa dualidad entre la potencia y la melancolía, y creemos que logramos transmitirlo en este tema,” añade la banda.
El single es parte de lo que será su álbum debut y fue grabado y producido entre abril y noviembre de 2024 en los estudios de Bym Records. La producción estuvo a cargo de Nes junto con la banda, quienes trabajaron en equipo para dar vida a esta pieza clave del próximo álbum.
«Everything You Said» está influenciado por el rock alternativo y el shoegaze de los años 90 y principios de los 2000, generando una atmósfera que resonará con los amantes de estos géneros. “Quisimos rendir homenaje a ese sonido que tanto nos marcó, pero dándole nuestro propio sello,” concluye Vølium.
