Luego de presentar los sencillos ‘Ayer morí’, ‘Ondas de calor’ y ‘Delirios en Paraguay’, la banda de indie rock brasilera Atalhos presenta oficialmente su nuevo disco ‘A Força das Coisas’, el quinto en su carrera y el más autobiográfico de todos.
Durante los 35 minutos del disco, el oyente es invitado a viajar con Atalhos a través de la memoria y la atmósfera onírica de canciones que hablan de rupturas, y términos de relaciones que se transforman en potencia y persisten en la «fuerza de las cosas». Sus canciones son evocativas, reflexivas, inspiradoras y soñadoras.
«‘A Força das Coisas’ es un álbum dirigido a todos aquellos que tuvieron que atravesar rupturas difíciles y que supieron crear e inventar nuevos caminos posibles para seguir adelante hacia nuevos sueños», cuenta la banda originaria de Sao Paulo.
El sonido característico de Atalhos en ‘A Força das Coisas’ es el dreampop rutero, guitarras con mucho reverb, baterías y drum beats como si fueran una larga recta de una ruta, y dulces melodías vocales que unidas a nubes de teclados y sintetizadores forman una atmósfera evocadora de memoria y sueño.
‘A Força das Coisas’, sencillo promocional del disco, es una canción que habla de un reencuentro de una pareja después de muchos años de distancia. La historia es sobre un momento luminoso generado a través de un encuentro casual y el darse cuenta de que toda la potencia del amor persiste y no se desvaneció a pesar del fin de la relación, solo que se transformó en fuerza y ahora vive en todas las cosas.
«El momento ideal para escuchar el nuevo álbum de Atalhos es cuando estamos soñando despiertos. Nuestros ojos están fijos en un objeto, pero nuestro pensamiento está lejos, muy lejos. Cuando sentimos que nuestra memoria está dominando nuestro pensamiento y estamos viajando a través de escenas e imágenes que no sabemos distinguir más la realidad, bueno, este es momento ideal para escuchar el disco», enfatiza la banda.
«Esperamos seguir construyendo un camino lindo por Latinoamérica, tenemos dos participaciones hermosas de artistas amigos, uno es la banda El Culto Casero de Paraguay y la otra es Antonia Navarro de Chile. El disco sale junto a un anuncio de una gira importante con más de 20 shows por Brasil y países latinos, además de fechas ya confirmadas para una temporada en Europa a principios de 2026», agrega Atalhos.
La portada del disco es una foto sacada en un estudio durante una grabación y tiene todo un aspecto misterioso de una sombra, algo que remite a la memoria, los sueños y al hecho de que no se puede identificar la persona en la portada también abre puertas a la imaginación.
https://youtu.be/m_WW9qO6NvM
«Vamos a tener muchos conciertos en los próximos meses, la idea es después reunir las mejores fechas y armar un compilado para sacar un EP en vivo en 2026», señala el grupo.
‘A Força das Coisas’ de Atalhos es un disco inspirador y consciente de lo absurdo de la vida, de la inevitabilidad de la muerte y del final de las relaciones, pero sobre todo es un disco que genera mucha potencia, que invita a abrazar las transformaciones de la vida y a atravesar momentos difíciles para finalmente abrir nuevas puertas y vislumbrar nuevos horizontes, nuevos comienzos.
Si manifestar es real, Ha$lopablito lo hace con todos los juguetes en el segundo sencillo de su álbum venidero con Pocket Tincho. ‘Tengo un sueño’ es un manifiesto aspiracional y una predicción de éxito musical. Al mejor estilo de Tony Soprano, Pablo tiene un sueño revelador: existe un futuro utópico en el que ‘coronó’ a punta de música.
La canción es una radiografía de sus anhelos más personales. Una producción mística que celebra el éxito futuro de ha$lopablito, en el que nos relata todo lo que logró gracias a la música. Sobre un beat perfecto para flexear, el artista colombiano se sumerge en detalle en todo lo que logró hacer gracias al dinero conseguido por una carrera musical triunfal.
‘Tengo un sueño’ fue escrita por ha$lopablito (Pablo Jaramillo Cavallazzi) y si bien, en gran parte es aspiracional y pone en palabras un futuro próspero, celebra el presente y el camino recorrido hasta ahora. Fue producida por Pocket Tincho quien también será el productor del nuevo álbum. La mezcla y masterización fue hecha por William Vizcaino.
‘Tengo un sueño’ sigue dibujando el universo de SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO. El oyente puede ir trazando el hilo conductor del proyecto y puede hacerse una idea de la temática de todo el disco.
«Se acerca el lanzamiento de mi tercer disco: SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO, quizá mi proyecto más personal hasta la fecha, un ‘baldado’ de realidad en el que convergen diferentes emociones, anhelos y miedos. Su hilo conductor es el dinero, un lugar común del que nadie se cansa de hablar, pues media, limita e intercede nuestra vida en todas sus dimensiones», explica ha$lopablito.
La historia detrás de la canción
«Se me ocurrió la idea de hacer una canción como las que hacen los artistas que ya están pegados. En estos temas de celebración hacen una apología a ese camino del héroe que logra su objetivo luego de una tortuosa odisea. Generalmente presumen sus pertenencias materiales y poder adquisitivo por medio del recurso de poner en comparación su situación de escasez antes de haberla logrado. A pesar de que no la he logrado, un día me puse a imaginar qué haría si tuviera mucha plata gracias a la música y de ahí nació la canción. Por ahora es un sueño.
La canción se sitúa en un sueño de hace un buen tiempo, en el que tampoco hubiera podido saber el camino que ya he recorrido. Desde que tengo memoria me apasionaba la idea de ser cantante. El sueño que tengo también narra mi presente, cosa que el Pablo de ocho o nueve años tampoco sabía. Para terminar el tema y que concluyera la ambientación de ser un sueño, le pedí a mi mamá que me enviara un audio despertándome como cuando era pequeño. Toda la vida he tenido un sueño muy pesado y eso fue un motivo de bastante estrés para ella en mis tiempos colegiales», concluye ha$lopablito.
El productor musical Lucus Lin lanza una nueva playlist en colaboración con Branson, Mitch Deville y Hailey Mitch Deville, una propuesta sonora que apuesta por lo auténtico, lo visceral y lo emocional. Más que una simple colección de temas, este proyecto es una ventana íntima al universo creativo de Lucus, donde cada canción actúa como un fragmento de vida convertido en sonido.
«Para mí, la música es una forma de expresión libre, sin reglas. Es instinto puro», afirma Lucus Lin. Con una filosofía artística que prioriza el sentimiento por encima de la perfección técnica, el productor deja claro que sus mezclas no buscan sonar impecables en todos los dispositivos, sino resonar honestamente con quien las escuche. «Cada track es un retrato de cómo me sentía en un momento específico. A veces la vida se desordena, y ese caos también termina reflejándose en la música.»
Esta playlist reúne momentos reales, sin adornos ni artificios. Si alguna canción suena «fuera de lugar», quizás es porque así también se sentía el autor en ese instante. El mensaje es claro: no todo tiene que ser pulido para ser verdadero.
En un panorama musical donde muchas veces prima lo pulcro y predecible, Lucus Lin y sus colaboradores apuestan por una propuesta distinta: sincera, libre y profundamente humana. «Tal vez conectes con estas canciones, tal vez no, y está bien. Pero si alguna logra acompañarte o darle un poco de color a tu vida, entonces ya habrá valido la pena», concluye el productor.
Con este lanzamiento, Lucus Lin reafirma que la música también puede ser refugio, diario y espejo. Una experiencia que va más allá de los géneros y conecta con lo más esencial: lo que sentimos.
🔥 Brandon Mitchell presenta tres nuevas canciones que elevan su propuesta artística: 🎧 Walking Bucket (feat. Nia Cheri)
🎧 TGBNU
🎧 Right Back
Desde Kansas City hasta Los Ángeles, Brandon Mitchell sigue demostrando que el talento no tiene límites. Bailarín, coreógrafo, actor, DJ y ahora artista hip-hop con un mensaje claro y poderoso. Su trayectoria incluye apariciones en So You Think You Can Dance, Step Up Revolution, y series como Insecure, The Rookie y The Upshaws.
Como músico, Brandon utiliza su voz para contar historias con propósito. Con beats que resuenan y letras que conectan, estas nuevas canciones son una muestra más de su versatilidad y visión artística.
Después de su estreno en el Black Nights Film Festival de Tallin, Estonia; La Estrategia del Mero, ópera prima del colombiano Edgar De Luque Jácome, llega a las salas de cine del país este 26 de junio para sumergirnos en las complejidades de las relaciones familiares, la diversidad, la aceptación y el amor.
Sinopsis
Samuel, el último pescador de meros a pulmón que vive en la isla de la aguja recibe la visita inesperada de su hija Priscila, ella busca la protección de su padre al que no ve desde que era un niño y se llamaba Samuelito. Sin lugar para escapar ambos deben aprender a conocerse nuevamente, superar la desconfianza y sanar las viejas heridas. El tiempo compartido y la necesidad de cuidado abren espacio para una transformación profunda; en el mar, donde los meros cambian al madurar, ambos comienzan a reconstruir de nuevo su vínculo.
El «mero» es un tipo de pez marino muy apreciado por su tamaño y el sabor de su carne. Una vez alcanzan la madurez, los meros pueden cambiar de sexo después de los diez años de edad. En este filme, Samuel y Priscila toman la oportunidad de sumergirnos en su vida cotidiana para sanar un pasado roto y que seamos espectadores de su cambio, tal como lo hacen los meros en lo profundo del mar.
Con un fuerte mensaje sobre las segundas oportunidades, que resuena en toda la película. «La Estrategia del Mero» nos invita a redefinir el concepto de familia y a construir un futuro distinto, teniendo en cuenta que no podemos cambiar el pasado, la película celebra la capacidad que tenemos como seres humanos para aprender y crecer, incluso en circunstancias difíciles.
“Esta película narra la relación entre un padre y una hija en el contexto machista y hostil del Caribe colombiano. Para los que hemos nacido frente al mar Caribe, que un niño aprenda a nadar es casi tan importante como que aprenda a caminar, y la misión de enseñar esta habilidad corresponde al padre o a quien encarne esta figura paterna. El pasado y la homofobia han separado a Samuel de su hija, lo que ha hecho que este importante momento de enseñar a nadar a su hija nunca se haya producido; por eso me atrevería a decir que esta película trata de un padre que tiene la última oportunidad de enseñar a nadar a su hija en su mar» – Edgar De Luque Jácome
«La Estrategia del Mero» obtuvo el premio “Best Actor Award” para Roamir Pineda en el Dominican Film Festival in New York y Mejor Ópera Prima en los premios LA SILLA de República Dominicana.
“La Estrategia del Mero” fue filmada entre Colombia y República Dominicana. Su post-producción se realizó entre Puerto Rico y Brasil. En la película participan los actores colombianos Roamir Pineda y Nathalya Rincón, con una participación especial del puertorriqueño Modesto Lacén y los dominicanos Erick Rodríguez Vásquez y Angela Bernal
«La Estrategia del Mero está basada en recuerdos de mi infancia, puntualmente en la nostalgia de mis abuelos por el mar. Ellos, como muchos pescadores fueron desplazados de sus playas para darle paso al “progreso”. A mis abuelos solo les quedaron sus recuerdos de su vida frente al mar. Una de ellas era la de los cazadores de meros, una antigua raza de pescadores, capaces de bucear a pulmón en lo profundo, armados únicamente de sus arpones para pescar “bestias” de tres metros. Luego, en mi época de estudiante, tuve la oportunidad de conocer a la comunidad trans de Santa Marta y fui testigo de cómo eran expulsadas de la zona turística de la ciudad hasta terminar en el último rincón de playa que les quedaba a pescadores con quienes terminaban compartiendo el mar.» – Edgar De Luque Jácome
SOBRE EL DIRECTOR EDGAR DE LUQUE JÁCOME
Graduado en Cine y Audiovisuales de la Universidad del Magdalena y Magíster en Comunicación por la Universidad del Norte. Con siete años de experiencia como docente catedrático en la Universidad del Magdalena, destacó como director administrativo del proyecto «La Piragua», financiado por el Sistema Nacional de Regalías y ejecutado en colaboración con la Universidad del César.
Como director, ha realizado cortometrajes destacados como «El hombre sin cabeza», «Piel de Mariposa», «La tranquilidad de los pájaros», «Bravo Pueblo», «Palomo» y «Sin regreso». Su trabajo incluye documentales regionales como «Los Alegres Kamkuamos» y «Los Hijos del Pueblo de Agua», así como la serie televisiva «La otra Gente». Además, ha colaborado como asistente de dirección en películas como “Ruido Rosa”, “Ella”, “El Faro” y “La Marcha del Hambre”.
Ha sido galardonado con el estímulo de escritura de guiones del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico en múltiples ocasiones desde 2016 hasta 2020. Sus guiones han recibido reconocimientos nacionales e internacionales, incluyendo el Premio Coral al mejor guión inédito en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana en 2024. “La Estrategia del Mero” es su ópera prima
Brandon Mitchell llega con tres nuevas canciones que combinan sentimiento, groove y propósito: Untitled Love, junto a Irv Da PHENOM, es una exploración del amor sin etiquetas; Sugar vibra con una sensualidad suave y elegante; y We Already Won se levanta como un himno de afirmación y victoria colectiva.
Originario de Kansas City, KS y ahora radicado en Los Ángeles, Brandon es mucho más que un artista musical: es un esposo devoto, padre orgulloso y filántropo comprometido. Su trayectoria multifacética está guiada por el servicio, la creatividad y la excelencia. Se dio a conocer mundialmente como finalista de la temporada 9 de So You Think You Can Dance, aunque ya contaba con experiencia en películas como Step Up Revolution y Honey 2.
Brandon no solo se expresa a través del movimiento, también lo hace con su voz. Como artista de hip-hop y DJ, ha lanzado proyectos como la serie Conditioning, contando historias que conectan con su audiencia. Su canción The Lesson fue destacada en MTV’s The Challenge, y sus sets como DJ destacan por su energía y autenticidad.
Como actor, continúa ampliando su influencia con apariciones en series como Dave (FX), Insecure (HBO), Blindspotting (Starz), Good Girls (NBC), The Rookie (ABC), Sistas (BET) y The Upshaws (Netflix). En cine, protagoniza Sinister Assistant (Tubi) y Like Blood (Amazon), demostrando su compromiso con el arte en todas sus formas.
Vymvn —se pronuncia a~men— presenta dos nuevas piezas sonoras que revelan su mundo interior: INNER CHILD y PRESENCE junto a Michael Go. Criado entre los sonidos vibrantes de Toronto, desde los artistas callejeros de Dundas Square hasta la elegancia de la Orquesta Sinfónica en Roy Thomson Hall, Vymvn creció rodeado de arte y música, una influencia que hoy transforma en paisajes sonoros auténticos y emocionales.
El músico colombiano David Mora ha tenido un 2025 lleno de música. El artista de la ciudad de Medellín ha mostrado durante el primer semestre canciones que estuvo trabajando el año anterior con el objetivo de seguir aprendiendo, compartiendo con músicos increíbles y conectando a través del arte con amigos, familiares y seguidores del proyecto que disfrutan sus canciones tanto como él.
Hoy, David Mora nos sorprende con tres nuevos lanzamientos que ingresan directamente a su catálogo musical: ‘Mi historia’,‘Cuánto te quiero’ y ‘Olvido y tiempo’.
‘Mi historia’, su primer lanzamiento del año, es una canción que da las gracias a todas las personas que se han ido sumando como audiencia en el proyecto. La particularidad de este sencillo es que el formato es con una guitarra resonador, una tabla de lavar (washboard), dedales, campanita de hotel, corneta de bicicleta, vibra slap, pandereta, cajón peruano, cucharas y cualquier cosa con la que David Mora y su equipo pudieran hacer ruido.
«Textualmente dice que para todas las personas que me escuchan voy a seguir cantando, hasta que se gaste la voz, con y sin errores, pero con todo el amor», cuenta el músico.
El segundo sencillo de 2025 es ‘Cuánto te quiero’, un tema en colaboración con el artista Monopop que habla de esas veces que no decimos todo el tiempo cuánto amamos a una persona, pero que, aunque no lo digamos, recordamos a la persona todo el tiempo y es una forma bonita de decir algo así como: «mira así no te lo diga, quiero que sepas que pienso mucho en ti y que te quiero mucho». Musicalmente es muy entretenida, tiene influencias de los artistas de bluegrass como Billy Strings y Trey Hensley quienes inspiraron a David Mora a escribir una guitarra en este estilo tan demandante.
«La letra aparece por que tiendo a ser un poco seco en el día a día y en alguna conversación con mi esposa fue una pregunta que me hizo, entonces escribí esta canción para explicar un poco cómo era la cosa», menciona. «El bluegrass es un formato muy interesante, se toca con una orquesta de cinco cuerdas (Contrabajo, Banjo, Mandolina, Violín y Guitarra) y quisimos respetar el estilo», agrega.
Su nuevo lanzamiento es ‘Olvido y tiempo’, un antojo musical que nació cuando David Mora escuchó el concierto de Andrés Cepeda hizo con guitarra y voz en el Teatro Colón. La temática de la canción es un despecho. Uno de los amigos de David pasaba por una ruptura amorosa y muchas de las palabras que le decía se convirtieron en la letra de la canción.
«Soy un fan del trabajo de D’artagnan (guitarrista de Andrés Cepeda), así que me propuse fusionar mi estilo blues rock con un poco de boleros latinoamericanos. La interpretación la hice en una guitarra con cuerdas de nylon (como debe tocarse el bolero) y fue todo un reto tocar lo que yo llamo «la guitarra difícil»», puntualiza el músico.
David Mora reunirá estas canciones y sus próximos lanzamientos en un disco, el tercero en su carrera, de múltiples formatos como blues rock, big band, country rock y guabina bebop.
«Ya tengo toda la música, pero aún no me decido por un nombre. Me gustaría llamarlo formatos, pero creo que es un poco académico llamarlo de esa forma.
David Mora está muy contento con un formato de conciertos que inició el año pasado denominado Cantautores y ya va por la tercera edición. Es un festival de 5 artistas donde en dos horas y media se muestra música original en un formato reducido de guitarra o teclado y voz.
«Tengo la causa perdida de recuperar la palabra cantautor como persona que hace canciones y las canta, no necesariamente como un género musical. Muchos de los artistas que hemos tocado en el festival somos artistas rock o pop y no tenemos nada que ver con los sonidos o las temáticas propuestas normalmente en el género al que se le atribuye este nombre», replica el artista.
David Mora tiene la firme intención de seguir creciendo, llevando su música a más personas y lugares. Está más interesado en conectar con las personas y que los que escuchen su propuesta sientan algo especial, así ese algo no sea bonito, pero la música debe hacerte sentir algo.
«No estoy tan preocupado por hacer parte de una tendencia, escribo música para aprender, para compartir y escribo sobre todo lo que me pasa y veo que le pasa a las personas que quiero. Tengo música para maridar con un buen trago, para ir en el tráfico, para bailar (soy un defensor de que todas las músicas se pueden bailar, de hecho, el jazz, el blues y el rock and roll eran músicas bailables y de fiesta, parece que lo olvidamos), o para enamorarnos. La música es una bonita forma de acompañar nuestra vida», concluye David Mora.
