El productor y compositor nigeriano radicado en el Reino Unido, Arche. A, se une nuevamente con Apazon para lanzar “Maadness”, una propuesta que reafirma su capacidad para crear paisajes sonoros auténticos, intensos y cuidadosamente elaborados.
Ashley Bazuaye, conocido artísticamente como Arche. A, ha construido su identidad musical a través de una pasión temprana por instrumentos como el piano y la batería, los cuales imprime con maestría en cada producción. Desde su primer lanzamiento en 2020, un cypher titulado “STFU, hating a*, nggas!”, Arche. A ha demostrado versatilidad y visión, expandiendo su catálogo con proyectos como ‘Exertion’ junto a YGB, ‘AA+’ con Apazon, y su instrumental ‘lotb’.
En 2022 lanzó ‘Sharpening Tools’, un LP con once piezas breves pero contundentes que mostraron su amplio rango como productor. Desde entonces, ha mantenido una racha de colaboraciones destacadas como «Jack & Jill» con Koyen, «OK!» con Apazon y DB, «KOKO» con Ubin y «LUDE» junto a Apazon.
Con “Maadness”, Arche. A y Apazon continúan explorando los límites del sonido, entregando una experiencia vibrante que confirma que apenas están comenzando. Este nuevo lanzamiento es un testimonio del potencial inagotable de un productor que entiende el poder del ritmo, la textura y la emoción.
Dè lanza “Who?”: Hip-hop crudo, auténtico y sin concesiones
Desde South Auckland y actualmente radicado en la Gold Coast, Dè presenta su nuevo lanzamiento “Who?”, una poderosa pieza que reafirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas del hip-hop actual.
Con una fusión impecable entre la esencia atemporal del boom-bap y la energía punzante del trap contemporáneo, “Who?” es más que una canción: es una declaración. A través de versos intensos y una entrega afilada, Dè explora la lucha interna, el crecimiento constante y una ambición que no se detiene. El resultado es un track que golpea con fuerza y deja huella.
Respaldado por figuras de la industria y con una base de seguidores internacionales en expansión, Dè demuestra con “Who?” que no está aquí para seguir fórmulas, sino para marcar su propio camino—con autenticidad, técnica y mucho corazón.
Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.
‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.
«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.
Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.
La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.
El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.
«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.
‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.
Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.
«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.
La banda de hard rock colombiana Mad Dogs estrena en plataformas digitales su disco ‘Never Too Late’, una producción que condensa el trabajo de muchos años desde la fundación del grupo hasta la fecha en donde han recogido historias, emociones y sentimientos en canciones. El álbum es una declaración de intenciones, donde, a pesar de ser Colombia un país el cual los géneros tropicales tienen más aceptación o que algunos dicen que el rock está muerto, para Mad Dogs está vivo.
El disco, producido por Oscar Javier Romero (Killcrops, Arzen) en On Axis Estudio y Mix Factory Estudio, mezclado y masterizado por Matthias Krieger en Pocket Audio, cuenta la evolución musical, iniciando con su lado festivo y rockero y avanza a un lado sensible a través de power ballads, llegando hasta una pieza progresiva. La composición de las letras es sobre temas complejos como: la dominación colectiva por el sistema actual, la renuncia a la libertad de manera voluntaria e inconsciente, las luchas internas y el desamor.
«Seguimos apostando por hacer hard rock en pleno 2025 recogiendo los tintes clásicos, pero con un sonido moderno. Nunca será tarde para hacer rock y que las nuevas generaciones tengan más y mejores opciones de música. Es un álbum para aquellos que se enamoraron de la música en vivo pero tocada de verdad, por humanos, busca inspirar a los que se enamoraron de este género, los que se rehúsan a dejarlo morir y los que pretenden construir una industria alrededor del mismo, donde el arte permita ser una forma de vida y de sustento. Narramos historias personales y reales de amor (o dolor), incluso de aspectos existenciales de la vida misma, sin dejar de lado que también la música debe divertir y que la vida es y debe tener su momento para celebrar», comenta Mad Dogs.
‘Never Too Late’, nombre homónimo del disco y primer sencillo del álbum de Mad Dogs es un himno; el grito ante el mundo donde se ratifica que no importa lo que digan, tú eres lo que haces y solo serás libre cuando sigues tus principios. ‘The way of the rocker’ es el camino para llegar al rock y la historia de cómo te convertiste en rockero, ‘Grabado en mi piel’ es cuero y látex; el lado oscuro del amor y la lujuria. El rock n’ roll es erotismo y sexualidad, siempre. ‘Stay through the night’ es amor, sensibilidad, dulzura y poesía; ‘Rock is on fire’ es una sensación de que el rock arde dentro de nosotros y por eso creemos a muerte en lo que hacemos. ‘Fear the world’ habla de la consciencia. El rock es y será antisistema y se enfrentará a todo método de dominación que quiera llevarse tu libertad. ‘Demons’ es la dualidad… donde hay luz, hay oscuridad, vive dentro de cada uno, pero cada quien elige quien quiere ser. ‘My love doesn’t need my pride’ habla del drama, es una historia personal y real… de amor. ‘Sabueso’ es el regreso a la fiesta, a la eterna juventud del rock; ‘Love born dead’ porque cuando se es el otro en el amor… duele.
«Es un disco perfecto para escuchar cuando quieras subir la mala onda o simplemente llenarte de energía. También cuando estás en uno de esos días de «malparidez existencial», tristeza o incluso odio. Las canciones de Mad Dogs siempre te van a subir el ánimo», agrega la banda bogotana.
‘Never Too Late’ es el álbum que consolida la propuesta de Mad Dogs en Colombia. Es el primer paso firme para tener un reconocimiento en Latinoamérica y así conquistar nuevas audiencias y tarimas a nivel nacional e internacional.
El borrador de la portada del disco fue diseñado por Germán Ducón y Fabián Martínez, y fue finalmente diagramada por Camilo Beltrán (@anglcam) usando la técnica Matte Painting, que consiste en realizar un montaje digital para recrear paisajes, espacios y escenas. La imagen pretende mostrar la realidad del rock desde sus inicios y es que siempre se ha enfrentado a un mundo agresivo y dominador, que busca someter a las personas a través de distintas hegemonías políticas, estéticas y religiosas, acompañado de la tiranía del paso del tiempo. Mad Dogs se levanta con su música y se enfrenta a todo lo que te quiera someter y quitar tu libertad, dejando un mensaje claro de lucha, pero sin olvidar que el rock debe ser para divertir y disfrutar.
2025 ha sido un año muy movido para Mad Dogs, estuvieron nominados a los premios Monster Music Awards 2025 en México como Mejor artista rock y se presentaron el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte del show central de los premios, siendo la primera vez que una banda de rock colombiana lograra este hito. Además, la banda fue elegida por la banda norteamericana W.A.S.P para ser su acto de apertura en su concierto histórico de los 40 años de su disco debut homónimo, el pasado 27 de abril en el Teatro Royal Center en Bogotá, ante más de 2.500 fanáticos y los medios asistentes. Para el segundo semestre de 2025, el grupo realizará una serie de conciertos promocionales del álbum en Bogotá, a nivel nacional y prepara una gira internacional en países como Panamá y México. Las fechas aún están por confirmar.
«La escena rock en Colombia ha crecido exponencialmente en los últimos 20 años, posicionándose como una de las de mayor potencial en Latinoamérica respecto a la calidad de sus bandas. El público colombiano aún es reticente a apoyar lo nacional, pero es más por desconocimiento que por falta de calidad. Esta es una razón suficiente para que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco ‘Never Too Late’, una vez lo hagan, sabrán que tenemos razón.
Hoy las bandas nacionales, con la correcta producción y apoyo en cuanto logística y montaje, pueden sonar tan poderosas como cualquier acto internacional; por eso es necesario apoyarlas para su financiación y el público es clave. Si el público gastara lo que invierte en conciertos internacionales en bandas nacionales sería una diferencia enorme. Es hora de dejar de vernos como enemigos por ser colombianos y entender que lo nacional merece una oportunidad como sucede en otros países de la región como México, Argentina o Estados Unidos», concluye Mad Dogs.
El Viajero es una agrupación colombiana que nace en el solsticio de 2020 en un viaje por diferentes veredas de El Carmen de Viboral, Antioquia, en un inicio en un formato solista que buscaba grabar y hacer memoria de la música creada desde el año 2002 y que conjugaría el cancionero ‘Tres cantos al sol’ y el poemario ‘De los viajes’. Un año después, en 2021, durante un circuito de conciertos se fueron conectando los demás viajeros que darían vida al formato banda que hoy permanece.
El Viajero nace en la cordillera del oriente antioqueño y recorre distintos paisajes con una instrumentación mestiza. Sus integrantes Alejandro Trujillo Moreno, autor y compositor, voz y guitarra eléctrica; Wilmar Trujillo, clarinete, saxofón, sintetizador, gaita, coros, director musical y arreglista; Wilson Arbeláez, bajo; Wilmar Arbeláez, percusiones, tambor alegre y caja vallenata; Jonathan Gómez Atehortúa, batería; Carolina Gómez Restrepo, coros; Daniela López, flauta traversa y coros; y Carlos Daniel Ossa, productor sonoro; con más de 20 años de trayectoria musical, han hecho parte de diferentes agrupaciones del oriente de Antioquia y en este tramo del camino, iniciaron un nuevo viaje de la música.
«Nuestra intención es viajar por las geografías sonoras de Colombia, caminar por las costas colombianas, los colores urbanos de la ciudad y algunas trochas montañeras herencias de nuestros abuelos. Intuimos la libertad del verso cantado y un amasijo de ritmos que se fusionan en el camino. Habitamos los paisajes del bullerengue, la cumbia y el bambuco. Nos encontramos en las trochas de la tambora, el vallenato y el porro chocoano. Y hacemos urdimbre y micelio con otras latitudes del mundo como el reggae, el funk y el rock», cuentan los integrantes de El viajero influenciados por la música de Carlos Vives, Daikiri, Puerto Candelaria, Bomba Estéreo, La Mojarra Eléctrica, Frente Cumbiero, Lucio Feuillet y Ondatrópica, Gustavo Santaolalla e Illya Kuryaki.
Con sus canciones, El Viajero busca conectar al público con su territorio a través del poema y la canción. Es una invitación para caminar la montaña, la ciudad y el mar y comprender la vida como un viaje, que no solo transita los paisajes y los lugares en su geografía, sino también el viaje interior que todo ser humano vive en sus emociones, pensamientos y dimensiones espirituales y etéreas. Es un viaje al sueño, al amor y a los ciclos de la vida, conectando esta experiencia a la sabiduría del azar, de la sincronicidad, del cambio y del asombro en el camino.
Live Session ‘Ocaso’ es su nuevo lanzamiento, es un formato de sesión en vivo de la tercera producción de El Viajero. Contiene seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor. Es una metáfora de la impermanencia y el movimiento cíclico de la vida. El concepto del live presenta un paralelo de un atardecer y el amor que se transforma.
«Este live en su producción tuvo como referencia el live de la agrupación brasilera Natiruts, siempre quisimos crear un formato en donde se reflejarán los paisajes de El Carmen de Viboral. Sus canciones hacen parte del cancionero ‘Tres cantos al sol’ que es un trabajo que recopila más de 100 canciones creadas desde el año 2002. Está dirigido a un público joven y que tenga conexión con la naturaleza y sus paisajes, también a quienes disfrutan y aprecian las fusiones de las músicas colombianas».
La sesión explora las sonoridades de las músicas colombianas y latinoamericanas fusionadas con los sonidos del rock y el reggae. Son estas tres vertientes musicales las que El Viajero camina y que han marcado el lugar creativo que fusionan.
En el Live Session ‘Ocaso’, ‘El viajero’ es el viaje que se baila, el inicio del camino; ‘Son del monte’ le canta a la montaña, a las memorias de los abuelos campesinos y al encuentro con el vallenato; ‘Volarán’ es el anhelo en la distancia entre colores de Latinoamérica; ‘La hoguera’ es la pasión de los amantes en llamas y el sonido de la sensualidad; ‘Hechicera’ le canta al espíritu de lo femenino, es una evocación a las selvas colombianas; y ‘Ocaso’ es el final del amor bailando la soledad al ritmo de tambora-tambora.
«Queremos conectar nuestra música con otras personas que quieran caminar con nosotros las canciones de montaña, ciudad y mar. Ampliar el mapa sonoro de Colombia desde la fusión que hacemos sonoramente, llevando nuestra música a territorios nacionales e internacionales. Es un trabajo para escuchar en las tardes, la metáfora del ocaso conecta con imágenes del atardecer que suceden en el Live. Por el erotismo de varias de las canciones, la noche también es un buen momento para conjugarse con estos sonidos», enfatiza la agrupación colombiana.
Para la portada, a partir de una fotografía, el diseñador gráfico Andrés Pérez recrea un paisaje de El Carmen de Viboral en donde el personaje de El Viajero contempla el territorio que somos y el punto de referencia donde inicia el viaje, enmarcando la metáfora «todos somos viajeros».
«Actualmente venimos trabajando en la construcción de una puesta en escena que integre lo poético, lo sonoro y lo audiovisual en una experiencia de viaje llamada «Montaña, Ciudad y Mar”. El plan es circular con este montaje en diferentes escenarios», remarca El Viajero.
El sencillo ‘Agua’, que acompaña la presentación de El Viajero, es una invitación a conectarnos con lo elemental y sus memorias. Sonoramente, es una cumbia vallenata con una instrumentación mestiza entre lo colombiano y lo eléctrico (Bajo, guitarra eléctrica, batería, clarinete, tambor alegre, caja vallenata, acordeón y voces) y un río de voces que le canta al agua. El video fue producido en el municipio de El Carmen de Viboral, Antioquia-Colombia, reflejando las fuentes hídricas de este lugar, como un homenaje a los guardianes del agua y su territorio.
Actualmente, El Viajero está en un ejercicio de difusión de la música creada: El EP ‘Solsticio’, el Video Lyric ‘Te guardo’ y el Live Session ‘Ocaso’, enfatizando en la circulación de la puesta en escena de ‘Canciones de Montaña, Ciudad y Mar’.
«Creemos que es importante que las personas escuchen El Viajero porque es una propuesta musical fresca y moderna, con una narrativa de viaje que dialoga con las geografías de Colombia y Latinoamérica. Escuchar nuestra música es encontrarse con nuevas sonoridades y con una poética que narra el territorio, que invita a transitar la vida desde una perspectiva viajera. Ir y venir, retornar: a otras músicas, a otras edades, a otros lugares y a otras posibilidades del ser», concluye.
El artista Monteriano Andrés Mejía inicia su carrera musical en el 2022, desde entonces ha lanzado 9 sencillos musicales que han resonado en las diferentes plataformas musicales tales como “CAMINANDO”, “BAILEMOS” y “NO VUELVAS”
Mejía ha tenido la oportunidad de presentarse en diferentes eventos culturales y privados de su departamento como artista central, tales como el Reinado de la Ganadería en 2022, shows en Galería 29 (2023 y 2025) y Casa Vieja (2024), los cuales han sido todo un éxito y han llenado el aforo de los venues mencionados.
Actualmente está promocionando su más reciente canción “Homo Deus”, el cual está disponible en todas las plataformas desde el miércoles 11 de junio.
Homo Deus es una canción que nació como fruto de la lectura de varios libros de Yuval Noah Arari, un reconocido historiador y pensador Judío a nivel mundial, a quien por primera vez Andrés Mejía le escucho por sus libros hablar del TRANSHUMANISMO, el plan de las elites científicas de fusionar el ser humano con la tecnología para crear un Homo Deus, un Superhombre con capacidades y habilidades mucho más elevadas que las de los Homo Sapiens y con nada más y nada menos que el don de la eternidad.
Una combinación de preocupación, inquietud y fascinación con respecto al Transhumanismo llevaron al artista a componer una canción que sintetiza a groso modo la historia de la especie humana, las problemáticas que trae consigo la tecnología, los algoritmos y la inteligencia artificial para con nuestra sociedad y pone sobre la mesa el Transhumanismo como la esperanza de muchos para poder vencer la extinción de nuestra especie y ser eternos, ser como Dios, esto con el fin de que cada quien reflexione y tome su posición frente a esta nueva temática.
Este sencillo es una propuesta musical y temática muy diferente a la fusión de pop con otros géneros y sonidos que anteriormente el artista venía trabajando, aquí Andrés Mejía muestra su faceta Rockera, con una canción del género Rock Progresivo, guitarras con atmosferas al estilo Cerati y una colaboración con una Leyenda del Rock Cordobés y del Caribe Colombiano como lo es Indian Sommer, quien con sus 15 años de trayectoria, capacidad interpretativa y talento llego a sumarle a esta canción y a poner la cereza en el pastel
Andrés Mejía se encuentra en este momento trabajando en la composición y producción musical de un EP, el cual pretende presentar a partir de agosto de este año y seguirá realizando diferentes shows en Montería, para luego cerrar el año con una gira de presentaciones y medios en Bogotá, Medellín y Barranquilla con el fin de dar a conocer su música a nivel nacional.
El Videoclip del performance en vivo de Homo Deus el día de su lanzamiento ya está disponible en el Canal de YouTube del artista
El sencillo que acompaña el lanzamiento del álbum ceremonial ‘El Guardián de la Noche’ de Chigasumanda es un puente entre la sabiduría ancestral del yagé y la experimentación sonora y visual contemporánea.
El colectivo Chigasumanda presenta su primer trabajo discográfico: ‘El Guardián de la Noche’, un álbum ceremonial que nace en el corazón del Putumayo, bajo la guía del taita Humberto Díaz, discípulo del legendario taita Querubín Queta. Este lanzamiento tiene como propósito principal preservar, honrar y compartir la sabiduría ancestral del yagé a través de la música, en un momento en que las tradiciones indígenas enfrentan amenazas culturales, sociales y ambientales.
El disco se estrena con el sencillo ‘La Ortiga’, en colaboración con el productor musical Juan Carlos Pellegrino y la artista visual Vanessa Gocksch, reconocidos por ser fundadores de Systema Solar, una de las agrupaciones más influyentes de la música alternativa en Colombia.
‘La Ortiga’ es una pieza onírica que busca abrir nuevos encuentros con la medicina del yagé, conectando la tradición espiritual con dimensiones sonoras y visuales contemporáneas», comenta Pellegrino.
El Guardián de la Noche: un testimonio musical del legado indígena
‘El Guardián de la Noche’, una historia de vida convertida en álbum que narra, a través de la música, las memorias del taita Humberto Díaz: su crianza en Jardines de Sucumbíos junto al taita Querubín, su paso por comunidades cofanes como Bocanas de Luzón, y su conexión profunda con la selva y el misterio de la existencia. El disco es un reflejo de lo que es una noche de ceremonia con el Taita Humberto Diaz. Las temáticas giran en torno a la espiritualidad, el respeto por la naturaleza, la sabiduría ancestral y el llamado a las nuevas generaciones para que se reconecten con sus raíces.
‘El Guardián de la Noche’ es más que un álbum: es un viaje sonoro durante una noche de ceremonia con yagé. Grabado con técnica binaural, el álbum recrea una experiencia inmersiva en 360 grados que transporta al oyente al interior de una ceremonia. El oyente, con audífonos, puede percibir la espacialidad de los cantos, los sonidos de la naturaleza y la selva viva. El álbum fue grabado por Juan Carlos Pellegrino, productor musical colombiano, que comenzó a tomar Yage desde el 2017 con Taita Humberto, y después de varios años se obtuvo el permiso para grabar al Taita Humberto en el espacio de una ceremonia.
Canción por canción de ‘El Guardián de la Noche’ de Chiga Su Manda
‘Cura yagé’ es un canto ancestral que hacen los taitas para conjurar la medicina de yagé, ‘ Armonica «La chuma»‘ es un viaje por las notas musicales que se transforman en colores; es armonía para el alma. ‘Jardines de Sucumbíos’ está dedicada al maestro, el abuelo Querubín; ‘Selvas del Amazonas’ es una dedicatoria al pueblo cofán, ‘La Ortiga’ es un canto de medicina natural, ‘Putumayo tierra hermosa’ es el himno de la medicina del yagé, ‘Qué lindo amanecer’ habla del color de la selva y sus cantos, ‘Padre Bendito’ es una alabanza a Dios, ‘Mis abuelos me enseñaron’ está dedicada a los taitas del Putumayo y el cierre ‘Armonica «Pinta Yage» ‘ es para llamar la pinta del yagé.
«Este disco es una ofrenda, un llamado a las nuevas generaciones a reconectarse con sus raíces. Es un mensaje de paz, sanación y respeto por la vida», afirma el taita Humberto Díaz.
‘La Ortiga’: canto medicina convertido en pieza audiovisual
‘La Ortiga’ es uno de los cantos más poderosos del álbum, dedicado a una planta sagrada usada en procesos de limpieza energética y física dentro del contexto ceremonial del yagé. En esta nueva versión, Juan Pellegrino transforma el canto original en una escultura sonora, resaltando los sonidos originales y agregando elementos electrónicos que acompaña con sutileza.
El videoclip, dirigido por Vanessa Gocksch (también conocida como Pata de Perro), fue grabado durante una noche de ceremonia en Chigasumanda. Con una mirada profunda y simbólica, Gocksch retrata el misterio, la belleza y el poder de la noche Yagecera, combinando estética ritual con sensibilidad cinematográfica.
«Quise dejar que la selva hablara, que el fuego, los cantos y las plantas nos guiara visualmente, sin imponer una narrativa. El video es un retrato de la experiencia sagrada que vivimos esa noche y el espacio de Chigasumanda en el Putumayo», dice Gocksch.
Chigasumanda: música medicina al servicio de la memoria espiritual
Chigasumanda es una asociación sin ánimo de lucro compuesta por tomadores de yagé que, bajo el liderazgo del taita Humberto, buscan preservar y visibilizar la tradición espiritual andino-amazónica. Su nombre significa en idioma cofán ‘Dios Manda’, y refleja la visión de un camino guiado por la divinidad, la naturaleza y el respeto profundo por los mayores sabedores.
La asociación trabaja con el Yagé y se abre ahora al uso de herramientas contemporáneas —música, grabación binaural, arte visual, redes sociales— para crear puentes entre la espiritualidad indígena y el mundo moderno. Su misión es sembrar conciencia sobre la importancia de proteger la selva, escuchar a los pueblos originarios y recuperar el vínculo espiritual con la madre tierra.
«Este proyecto no busca fama ni espectáculo. Es una memoria viva para las futuras generaciones, una invitación a recordar que la vida es sagrada», concluye Pellegrino.
Este lanzamiento cuenta con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes en el marco de Programa Nacional de Estímulos 2025.
El poeta y artista visual colombiano John Arango está de regreso con nueva música y hoy presenta ‘Impersonal’, una canción que lo retrata tanto como persona como artista.
Con ‘Impersonal’ el artista busca aceptarse tal como es, incluso en sus contradicciones. Utiliza la sátira como escudo y también como lanza. Se burla de las etiquetas, de los juicios, de las miradas que intentan reducirlo o encasillarlo. Se ríe de lo malo que puedan decir de él y celebra todo lo que es, aunque no encaje, aunque incomode. En ese gesto hay fuerza y, sobre todo, libertad.
«He escrito poemas y canciones durante años, inspiradas en situaciones, pérdidas, triunfos y personas que han dejado una huella en mí. Pero esta canción es distinta. Es la pieza que mejor me retrata, es una catarsis, un estallido sincero de todo lo que durante mucho tiempo llevé dentro», cuenta John Arango. ‘Impersonal’ habla de mí, de un ser humano fracturado, incómodo, feroz y profundamente honesto. De alguien que no encaja —y que ya no pretende hacerlo—. Es una exposición cruda de lo que soy, sin máscaras ni filtros, pero también un acto de autoafirmación: no busco aprobación, pero tampoco me escondo», agrega el artista paisa.
Siguiendo la misma línea de su anterior sencillo ‘Rojo Carmesí‘, ‘Impersonal’ llega con un sonido irreverente de rock, pero esta vez con una energía más alegre y vital. Tiene coros melódicos, interpretados —una vez más— por Alem y Cristian López, y en esta ocasión, John Arango también se atrevió a sumarse con su voz en algunas partes.
«Esta canción, en particular, me recuerda por qué amo tanto el rock. Su fuerza, libertad y capacidad de decirlo todo sin pedir permiso. Siento que Lelo Arango, productor de la canción, logró algo muy especial: le dio a esta pieza el sonido que he estado buscando por años. El sonido de «la bestia», ese alter ego poético que ha habitado mis letras desde siempre», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ cuenta con un video íntimo y personal. Desde muy joven, John Arango sintió cómo a su alrededor le intentaban imponer una idea rígida y parca de la masculinidad. En medio de ese intento por «ser un hombre», terminó improvisando. ‘Impersonal’ nace de esa lucha interna y de esa improvisación continua.
Según John Arango, «el concepto del video es sencillo y al mismo tiempo poderoso: mi mente es como un video de rock de principios de los 2000. Cada imagen proyecta mi universo interior, como un collage sensorial donde la realidad se entrelaza con la imaginación. Es una secuencia de percepciones fragmentadas pero conectadas, que construyen un viaje simbólico más que una narrativa lineal. Apostamos por locaciones minimalistas, espacios cotidianos que se transforman en paisajes oníricos. Lo impersonal se vuelve íntimo. Visualmente, nos inspiramos en los videos de bandas de rock de finales de los noventa y comienzos del milenio: una estética vibrante, con una fotografía que evoca el grano del 35mm y una paleta de colores brillante, casi nostálgica».
Este video es una exploración simbólica que desafía los cánones tradicionales de identidad y masculinidad. El artista reinterpreta su existencia desde la autenticidad y la rebeldía. La realidad y la imaginación se mezclan para cuestionar los modelos de belleza, las normas de lo masculino y las percepciones sociales sobre identidad y orientación sexual.
Para John Arango fue importante integrar a Alem al video como artista invitado, ya que él ha sido un alcahueta con todo lo que respecta a su álbum. Ha sido su compañero fiel en esta aventura, así que también es cómplice en el universo de Impersonal. Así como canta en los coros, también aparece en el video como un artista con el que se siente a la par; alguien a quien admira profundamente.
En este universo visual, ser impersonal es una defensa contra la crítica, un escudo frente a las etiquetas impuestas. Pero también es un manifiesto de libertad. El video culmina en un acto celebratorio, con personajes diversos y una energía que reafirma su mensaje central: ser uno mismo no debería depender jamás de la mirada ajena.
«La inspiración detrás de ‘Impersonal’ nace de mi experiencia enfrentando los moldes impuestos. Es una catarsis visual y sonora que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual. Va dirigida a quienes alguna vez sintieron que no encajaban, a quienes se atreven a ser auténticos pese al juicio ajeno. Mi mayor deseo es que la canción conecte con quien necesite escucharla. Si logra inspirar a alguien a sentirse libre y orgulloso de ser quien es, ya habrá cumplido su propósito. Con mi arte no busco masividad, sino conexión genuina», enfatiza John Arango.
‘Impersonal’ es el segundo sencillo del nuevo disco de John Arango titulado ‘Desde la sangre’, un proyecto experimental donde mezcla poesía con rock, coros melódicos y muchas emociones personales. Aún no hay una fecha exacta de lanzamiento porque el cantante quiere que cada sencillo tenga su propio universo antes de soltarlo completo.
«Esta canción es ideal para esos momentos en los que necesitas recordarte quién eres, cuando te sientes fuera de lugar o simplemente quieres ser tú sin filtros. Es perfecta para escucharse con el volumen alto, en un día de liberación, rebeldía o catarsis. También cuando te quieras reír de lo que otros opinan y abrazar lo que realmente eres», menciona el artista.
La portada del sencillo, producido por Lelo Arango en Volta Estudio, es una imagen de Santiago Piedrahita que muestra una expresión honesta de John Arango. El azul, en este contexto, representa esa calma que aparece en medio del caos, esa introspección en medio del ruido. Es una mirada azul y directa que conecta con el espíritu del video: vulnerable pero firme, confusa pero libre.
«Durante 2025, mi enfoque principal es ‘Impersonal’, seguido de dos sencillos más y finalmente el álbum completo en el último trimestre del año. Quiero seguir produciendo videoclips potentes, no solo para amplificar el mensaje, sino también para retarme a nivel visual y seguir creciendo como artista integral. Cada lanzamiento será una oportunidad para explorar nuevas ideas y narrativas que reflejen lo que realmente quiero comunicar», concluye John Arango.
Esta iniciativa busca fortalecer las alianzas dentro de los festivales de la costa caribe colombiana y visualizar todo el trabajo que realizan los artistas, bandas y proyectos musicales del género.
La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano renueva su compromiso con el fortalecimiento y la promoción de la música alternativa en la región. Luego de una pausa por diversos motivos desde el lanzamiento de esta iniciativa, la red de festivales hace su relanzamiento por todo lo alto con la participación de 16 festivales que hacen vida en la Costa Caribe, esta red busca consolidar un ecosistema vibrante que impulse el desarrollo artístico y cultural, promoviendo intercambios, formación, y cooperación estratégica entre gestores culturales, organizadores, promotores y artistas locales.
Una plataforma para el talento regional
Desde Santa Marta hasta Montería, la red agrupa festivales destacados como el Unimagdalena Rock Fest, Urbanarock Fest, Indierock Fest, Muralla Rock Fest, y otros en Cartagena, Sincelejo, Corozal, Sahagún y Montería. Estos eventos trabajan en conjunto para fortalecer la escena musical alternativa, promoviendo la circulación de artistas tanto a nivel nacional como internacional, y fomentando alianzas que generan oportunidades de crecimiento y consolidación para las bandas emergentes de la región.
Una misión compartida
La misión de la red es impulsar el desarrollo integral de los festivales de rock en la Costa Caribe, identificando sus fortalezas y necesidades, y diseñando estrategias que eleven su impacto cultural. Además, promueven espacios académicos y de formación que fortalecen las capacidades del sector musical alternativo, impulsando ideas innovadoras para asegurar la sostenibilidad y el crecimiento del movimiento.
Intercambio cultural y fortalecimiento comunitario
Uno de los pilares de esta iniciativa son los intercambios culturales que facilitan alianzas estratégicas entre los festivales participantes. Estos acuerdos permiten acoger propuestas artísticas de bandas de música alternativa, garantizando la circulación de talentos en diferentes escenarios y ciudades, enriqueciendo la oferta musical y fomentando un sentido de comunidad que refuerza la identidad cultural del Caribe colombiano.
Un compromiso con el arte y la cultura
Gracias a estas iniciativas, la región se posiciona como un referente en la escena musical alternativa, creando oportunidades que benefician a artistas emergentes y consolidando la presencia del talento regional en el ámbito nacional e internacional. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano continúa trabajando para mantener vivo el espíritu creativo y la innovación en el sector, promoviendo una cultura vibrante y diversa que refleja la identidad única de la Costa Caribe.
Este esfuerzo conjunto reafirma la importancia de las alianzas estratégicas en la consolidación de la escena de rock y metal en el Caribe colombiano. La colaboración entre festivales, artistas y gestores culturales es fundamental para fortalecer estos géneros en la región, permitiendo no solo la circulación de talentos, sino también fomentando una comunidad vibrante y un movimiento cultural que impulsa el crecimiento y la innovación musical. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano reafirma así su compromiso de seguir creando oportunidades y alianzas que catapulten a los artistas y enriquezcan el panorama artístico de la región, consolidando su lugar en la escena nacional e internacional.
Festivales que hacen parte de la RED DE FESTIVALES ROCK.
UNIMAGDALENA ROCK FEST (Santa Marta), URBANAROCK FEST (Barranquilla), INDIEROCK FEST (Barranquilla), PARATE DURO FEST (Barranquilla), CROWS ROCK FEST (Barranquilla), EMO NIGHT FEST (Barranquilla), MURALLA ROCK FEST (Cartagena), LA MÚSICA EN VENAS FEST (Cartagena), EL MONTICULO FEST (Cartagena), SABANEROCK FEST (Sincelejo), SABANEROOTS FEST (Sincelejo), ENTROPIA ROCK FEST (Corozal), BARAJI FEST (Sahagún), TUPA TUPA FEST (Montería), SKATER PARK AL RIO FEST (Montería), THE BUNKER ROCK FEST (Montería).
![[Estreno] Una catarsis que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual, así es ‘Impersonal’ de John Arango](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/06/John-Arango-Impersonal-1.jpeg)
