Dumomi The Jig presenta walls (Nigeria)
Nec Nymbl y 11piem presentan Depths Of The Mind (Canada y Grecia)
Drewski The Homie presenta Feeling Lost (USA)
Belle Blue presenta Needed You More (USA)
Nicole da Silva preseta Novo Amor (Acoustic Version) (Alemania)
DJ Dove presenta Lonely No More (USA)
TOY PARLOUR presenta Dead Inside (Reino Unido)
Giuseppe Cucè presenta El mundo Es Verdadero (Italia)
June’s Daughter presenta Kinda Young (USA)
La Need Machine presenta Rock and Roll Show (USA)
New Nobility presenta Love on the street (Australia)
ふわふわ風花 presenta プラスチック パレード (Japon)
Miloo presenta Piensa.wav (USA)
Sarah Durbin presenta Sister Mary Catherine (USA)
Yo Homeboi Julius C presenta Feel it feat. Genio & P.R.ism (USA)
Mo Troper presenta The Best Seat In The House (USA)
Dumomi The Jig presenta mon chèri (Nigeria)
Cheikh Ibra Fam presenta Gnou Mbollo (Senegal)
Algareplena y Los Chinchillos del Caribe presentan Pa’ Los Dolores (Puerto Rico)
Whis Drop presenta Merlina (Puerto Rico)
MARTA ROURE presenta Tisser des étoiles (Andorra)
503 bad gateway presenta Blood (Japon)
TristanK presenta IVE BEEN WAITING (TristanK Remix) (USA)
Emma Teufel presenta Heartbreak Season (USA)
Madr presenta About Last Night (USA)
Charm School presenta Without A Doubt (USA)
ANTH presenta I Hate You (USA)
Juan Raul Rosero presenta Me Muero Por Ti (Latin SKA) (USA)
Los premios CDA de la música electrónica son los premios más representativos de Colombia en el género. El nuevo EP del DJ es un trabajo de vida y gratitud hecho junto a Tambor Hembra.
Julián Cardona es un DJ, músico y productor electrónico colombiano. Su proyecto fundado hace ya casi 20 años (2006), nace con la intención de explorar a profundidad la música electrónica y el audio digital. El fundamento musical de su creación está inspirado en el sonido House & Techno, incorporando elementos orgánicos, afro y progresivos. Se combinan sonoridades clásicas y sintetizadores de vanguardia para crear un proyecto que no se encasilla en una sola línea, sino que cuenta historias a través de la música.
En cada sesión realiza una conexión profunda con los sentidos, transformándose en una experiencia sensorial enriquecedora y cautivadora. Al impregnar la pista de baile con su energía, genera una sinergia musical cuyo propósito es transmitir emociones y sensaciones de bienestar, llenando así el ambiente de magia y de Música para la Vida. Una de sus mayores fortalezas es su capacidad para componer y producir música electrónica, lo que le permite integrar de manera natural su estilo con instrumentos clásicos y tradicionales. Esta fusión aporta un sello distintivo a la experiencia sonora.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de esperanza, vida y calma en el alma. La vida como un constante viaje, requiere de mucha introspección para conectar con nosotros mismos y con los demás de la mejor forma, ahí es donde veo el arte como una posibilidad de activar el mundo sensorial pero también el espíritu, y cada canción está pensada bajo este lenguaje. Si bien es música Club, la humanidad ha tenido una profunda conexión con la danza a través de la historia, pues esta expresión ancestral se ha convertido en una manifestación de celebración y bienestar para la evolución humana», comenta el músico.
Julián Cardona ganó recientemente el Premio CDA a Mejor Live Act Nacional. La categoría hace referencia a la puesta en escena en donde la interpretación y la exploración en vivo tejen el hilo conductor de la propuesta.
«Este premio es un triunfo para mí como productor, compositor, intérprete y creador del proyecto junto a todo el equipo integrado por Paula Valencia (personal manager), Lorena Uzuriaga (cantante), Fernán Amaya (chelista), Juan Ocampo (percusión) y Sergio Badillo (ingeniero de sonido). Ganar este premio es una motivación significativa para continuar creando música para la vida», agrega.
Los premios CDA de la música electrónica, son los premios más representativos de Colombia y ganar es una muestra de trabajo constante, disciplina y aporte a la escena y al movimiento cultural como sociedad, además de ser una edición en el Teatro Colón de Bogotá, considerado la séptima maravilla del país y un epicentro de la actividad musical.
‘La Flor de la vida’ es el nuevo EP de Julián Cardona, un trabajo de vida y gratitud hecho en colaboración junto a Tambor Hembra, una agrupación musical que explora músicas tradicionales colombianas y está formada por mujeres en su mayoría, movidas por el deseo de preservar y difundir la identidad y diversidad colombiana, en un viaje que aporte a la construcción de paz.
«El EP busca resaltar ese amor sin interés, que no espera o necesita algo, simplemente da… al tiempo que considera que dicho amor por los demás parte del mundo interior, de la gratitud, de esa fuerza que nos llena el espíritu y nos dota de sueños y de significado para continuar el camino…», menciona.
‘La Flor de la vida’, a nivel sonoro, explora el diálogo entre los sonidos ancestrales, los ritmos autóctonos, el territorio, en relación con los sintetizadores y la música electrónica. Julián quiere con este lanzamiento llegar al mundo interior de muchas personas, poder transmitir esa sensación de bienestar y trascender en el tiempo.
«Pero no es un encuentro casual, es más profundo, busca equilibrio, balance, con libertad, pero cuidando, indagando, tejiendo. Es especial como el resultado final, es algo más que la suma de las partes y me ratifica el valor infinito de la música como lenguaje universal», puntualiza.
El EP sale con un video Live Act cuyo concepto es un encuentro especial junto a Tambor Hembra interpretando en vivo las canciones, un encuentro de mundos, experiencias y vidas. Aparentemente contextos sonoros diferentes, pero con mucha cercanía intención y música para la vida.
Según Julián Cardona, «‘La Flor de la vida’ es un EP ideal para quien necesite conectar con lo más profundo de su ser, quizás en su lugar favorito, mientras va en tren o en bus. Busca hacernos presentes y valorar esos detalles cotidianos que son la esencia de la vida, pero al mismo tiempo es perfecto para bailar, compartir, disfrutar con amigos y celebrar el asombro de la existencia».
El diseño de la portada del EP fue un trabajo en conjunto entre Paula Valencia, artista plástica de la Universidad de Caldas, y Julián Cardona. Ella suele implementar el collage como técnica y describir las canciones que él crea a través de mundos imaginarios. En este caso representa la vida a través de flores, la gratitud a través de los tambores y la presencia con la madre tierra.
Julián Cardona está enfocado en crear, componer y producir nueva música con mucha intención. Viene sacando nuevas canciones en sellos muy importantes de la escena Organic House a nivel mundial como Cosmic Awakenings con el EP ‘Raíces Ancestrales’, el cual estuvo varias semanas en el top 100 Beatport Organic, la tienda de música electrónica más importante a nivel mundial. Y lanzamiento en el sello de Turquía, Café de Anatolia por su remix ‘Sultán’.
De igual manera, el DJ tiene una serie de presentaciones en el Eje Cafetero y el Valle del Cauca para lo que resta del año. Además, está en proceso de lanzar una nueva canción junto al cantante americano Brook Angeles llamada ‘Stardust’.
Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Julián Cardona en Colombia y Latinoamérica porque sonoramente tiene la intención de ser Música para la vida, busca trascender tiempo y espacio, y recargar al ser humano que lo escuche.
Escucha ‘La Flor de la vida’ de Julián Cardona en tu plataforma musical favorita https://ffm.to/laflordelavida
El 2025 ha sido un año bastante gratificante para Blast55, pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga.
Hoy, Blast55 regresa con su nuevo lanzamiento ‘Garuda’, una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante.
La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno.
La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara Blast55 y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores.
«Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda», comenta la agrupación bogotana.
El video de ‘Garuda’ muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza.
«Cuando tocamos, o como me pasó en el concierto de Lagwagon en Bogotá, es lindo encontrarse con gente que me cuenta cómo nuestra música los ayudó en determinado momento o situación de la vida. Hay letras como ‘Mente en llamas’ o ‘El perfecto soñador’ que fueron hechas sin la pretensión de querer ayudar, pero han terminado siendo un aliento para algunos de los que nos escuchan. Yo siento que con ‘Garuda’ pasará algo similar porque muchas veces la música se vuelve un mantra y esta canción está llena de mensajes con los que las personas se recargarán para seguir adelante, o al menos es una canción que a mí me sirve un montón», agrega Juan Pablo Patiño, vocalista.
La portada de ‘Garuda’ representa luz en medio de caos. Un atardecer bonito en medio de todo.
El reconocido cantante y compositor colombiano Sergio Jiménez lanza su nuevo sencillo ‘Mi Despedida’, una emotiva canción que aborda el complejo, pero necesario proceso de dejar ir a alguien o algo que ha sido importante. Lejos de caer en el dramatismo, la canción transmite una profunda sensación de madurez y gratitud, invitando al oyente a cerrar ciclos de manera positiva y amorosa.
‘Mi Despedida’ es un tema pensado para aquellos que se atreven a soltar sin rencor y continuar su camino con la fuerza de lo aprendido. En ella, Jiménez fusiona el merengue carranguero con matices del pop rock y pop mexicano, creando una propuesta fresca, energética y llena de sentimiento, que refleja la esencia de un artista que no teme experimentar, pero siempre honrando sus raíces.
«Quería que la canción tuviera un tono alegre y nostálgico al mismo tiempo, porque así es como se sienten muchas despedidas. Aunque no es una experiencia personal de desamor, la escribí desde la empatía, recordando lo que sentí en momentos de dolor y desamor. Fue a través de las historias de amigos cercanos que pasaron por situaciones similares que logré transformar ese dolor en fortaleza», comenta el artista.
‘Mi Despedida’ está dirigida a todos los que han tenido que enfrentar una despedida significativa en su vida, ya sea de una relación, un proyecto o una etapa importante. Es un himno para los que deciden sanar sin rencor y para los que encuentran en el adiós la fuerza para comenzar de nuevo.
El videoclip de la canción es un reflejo íntimo del proceso de soltar. Filmado en blanco y negro, destaca la emoción, la verdad y la vulnerabilidad, sin recurrir a historias ficticias. El enfoque se centra en la interpretación, en los gestos y en la mirada del cantante, llevando al espectador a un espacio emocional donde el silencio y la luz son tan importantes como la música misma. «A veces, despedirse es también encontrarse», afirma Sergio.
Según el propio artista, ‘Mi Despedida’ es la canción ideal para esos momentos en los que se necesita cerrar ciclos, sanar o dejar fluir las emociones. Perfecta para escuchar mientras se conduce, se reflexiona o incluso se celebra el valor de soltar. Una pieza para sentir con el alma.
La portada del sencillo captura la esencia de la canción: introspección, emoción y sinceridad. El uso del blanco y negro evoca la nostalgia del adiós, mientras que la luz que entra simboliza la esperanza y la claridad que llegan con el tiempo.
Además, Sergio Jiménez tendrá el honor de compartir escenario con Morat y Aleks Syntek el próximo sábado 1 de noviembre, en el Estadio La Independencia de Tunja, a partir de las 8:00 p.m. en el marco del Festival Internacional de la Cultura en Boyacá.
«Será una noche muy especial. Compartir escenario con artistas que admiro tanto como Morat y Aleks Syntek es un honor inmenso. Mi show será una experiencia llena de emoción, identidad y energía, con nuevas canciones, momentos acústicos y un recorrido por lo que representa mi sonido: la fusión entre el campo y la ciudad, entre la raíz y el pop. Representar a Boyacá en un escenario tan importante es algo que me llena de orgullo», añade Sergio.
Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk que nace en Bogotá, Colombia en 1999 teniendo como ejes principales la amistad, el amor por el punk y la autogestión. Desde el principio, la idea de Diego Forero en el bajo, Nicolás Siachoque en la guitarra y la voz, Camilo Sierra en la voz líder, Carlos Jiménez en la batería y la voz, y Carlos Gutiérrez en la guitarra fue crear un proyecto para expresar lo que no se dice, sin filtros ni fórmulas.
El nombre Pepe Bocadillo representa amistad, resiliencia, autogestión y resistencia. Es una mezcla entre lo cotidiano y lo combativo; una forma de decir que el punk nace de lo real, de la calle, de lo simple, pero con fuerza. Más que un nombre es una actitud, una manera de recordar que la rebeldía no siempre grita: a veces sobrevive, trabaja, siente y sigue creando desde abajo.
«A través de sonidos crudos y viscerales, generamos mensajes disruptivos que abordan temáticas sobre la vida, la sociedad y la condición humana. Buscamos provocar, incomodar y hacer pensar. Queremos hacer volar la cabeza con mensajes que nacen de distintas situaciones de la vida. Pepe Bocadillo escribe sobre la tensión constante entre el caos interno y el ruido del mundo. Nuestras letras surgen de la rabia, el cansancio y la contradicción de vivir en una sociedad que anestesia distrae y repite. Hablamos de la rutina, la ansiedad, la soledad, la violencia y la resistencia, pero también del deseo de despertar y seguir buscando sentido entre el ruido. No pretendemos dar respuestas, sino provocar preguntas. Queremos sacudir, incomodar y reflejar lo que todos llevamos dentro cuando el sistema, el tiempo o la vida misma nos aplasta», comenta la banda bogotana con influencias del hardcore punk, noise, thrash metal, shoegaze, grindcore y death metal; y bandas como The Exploited, Cancer Bats, Refused y Metz.
‘Rocky Billies’ es el nuevo lanzamiento de Pepe Bocadillo, es un retrato crudo y visceral de cómo las personas pueden desperdiciar su vida entre excesos, distracciones y rutinas que lentamente consumen el cuerpo y la mente. Con un sonido potente y letras que mezclan ironía y desesperanza, la canción refleja el cansancio de lo cotidiano y la sensación de perder el tiempo mientras la vida se desvanece en la monotonía.
La canción explora disonancias, guitarras poderosas capturadas de forma análoga en el estudio del grupo, y una mezcla de hardcore punk y thrash metal con beats explosivos que acompañan una voz desgarradora y frontal. El resultado es una pieza intensa y honesta.
«Queremos mostrar un nuevo sonido dentro de la evolución de Pepe Bocadillo. Buscamos llegar a más oídos y conectar con personas que resuenen con nuestro mensaje, manteniendo la esencia del punk, pero con una producción más sólida y un discurso más contundente», menciona la banda.
El video de ‘Rocky Billies’ fue creado y dirigido por Camilo Sierra, vocalista de la banda, y Carlos Jiménez, baterista. Nació de ideas originales, disruptivas y explícitas que buscan reflejar visualmente el caos y la rutina que la canción denuncia. Su narrativa es cruda, ruidosa y metafórica, con locaciones en espacios liminales que representan la ansiedad, la soledad, el temor, la rutina y la introspección frente a las decisiones que se toman a diario. La pieza combina crudeza y simbolismo para mostrar cómo el ser humano puede quedar atrapado en sus propios ciclos, repitiendo patrones mientras la vida se le escapa. Es una mirada crítica y directa, sin maquillaje.
«Es una canción que se adapta al estado mental de quien la escucha: puede ser una descarga de energía, un grito de desahogo o una reflexión sobre el paso del tiempo. No tiene horario, porque la rutina tampoco lo tiene», enfatiza la agrupación.
La portada del sencillo fue diseñada por Carlos Jiménez, baterista de la banda. Las fotos fueron tomadas en equipo en Okupa Studio, en una sesión donde las ideas fluyeron. El concepto fue trabajar algo irreverente, visualmente fuerte, con un contraste entre lo sucio y lo limpio, lo real y lo simbólico. El resultado es una obra conceptual que provoca al espectador, lo invita a pensar y a encontrar su propio significado dentro del caos visual.
‘Rocky Billies’ es el primer sencillo de los 11 temas que conforman el cuarto álbum de estudio de Pepe Bocadillo titulado ‘PEPE+’. El disco fue compuesto, grabado y producido por la banda en Okupa Studio (Bogotá, Colombia), manteniéndose fieles a su filosofía DIY (hazlo tú mismo) y de autogestión. La mezcla y el master estuvo a cargo de John DiBiase (ingeniero de mezcla ganador de premio Grammy).
‘PEPE+’ es un trabajo que resume la historia de la banda, pero también marca una evolución en el sonido y la forma de ver el mundo. Es un disco intenso, honesto y emociona que explora temas como el desgaste, la rabia, la memoria, la fe y la resistencia.
Durante lo que resta de 2025, Pepe Bocadillo seguirá lanzando nuevos sencillos de ‘PEPE+’, acompañados de videos y material visual hecho por la misma banda buscando conectar con nuevas audiencias y seguir fortaleciendo la escena independiente latinoamericana.
En el primer semestre de 2026, la banda estará enfocada en presentar el disco completo en vivo, con una puesta en escena intensa y emocional que refleje todo lo que significa este nuevo capítulo para Pepe Bocadillo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Pepe Bocadillo en Colombia y Latinoamérica porque somos una banda con historia, pero con espíritu vigente. Llevamos más de 26 años evolucionando dentro del punk y el hardcore, manteniendo siempre una identidad honesta, autogestionada y sin filtros. Creemos que quienes aman la música extrema, sincera y con contenido, pueden conectar con nuestra propuesta, con ese sonido pesado y contundente que habla de la vida, el cansancio, la rabia y también la esperanza. Somos prueba de que el punk no muere: se transforma, pero no se rinde», concluye la agrupación colombiana.
Raubtier Kollektiv presenta 3 poderosas canciones! (Alemania)
Mach Dich gerade
Gönn Dir
Liebe und Angst
Billy Ray Norris presenta Our Love Will Find A Way – RADIO EDIT (USA)
RIYTA presenta √Fórmula (Portugal)
Kingseyes presenta Missing Part of Me (Alrmania)
Ronan Furlong presenta All That I Became (Irlanda)
OBW presenta AMBRÉ (Francia)
“The Pen” es una de esas canciones que te atrapan desde la primera nota y no te sueltan hasta llevarte por un viaje apasionante e inevitable. Este tercer sencillo de la colaboración entre NEC NYMBL y MEMPHIS REIGNS es una pieza que profundiza en el alma del oyente con letras avanzadas, ejecutadas con una autenticidad que solo nace del corazón.
En este poderoso tema, cuatro MC’s empuñan “la pluma” —esa herramienta simbólica que se eleva por encima de la espada— sobre un beat contundente donde flauta, cuerdas, guitarra y piano se entrelazan con precisión quirúrgica, bajo la producción y mezcla de NEC NYMBL, quien logra un sonido melódico, crudo y perfectamente equilibrado.
Cada MC representa un elemento: Memph encarna el agua y el mar, Nec domina el aire y el cielo, Sankofa incendia con el fuego, y Broken Sword arraiga con la tierra. En este orden, construyen un paisaje sonoro cargado de metáforas, imágenes vívidas y referencias mitológicas que refuerzan el poder poético del hip-hop en su forma más pura.
El estribillo, enérgico y envolvente, repite una frase que define la esencia del tema: “the pen is mightier than the sword” —la pluma es más poderosa que la espada—, recordándonos que el arte de escribir sigue siendo un acto de resistencia y creación.
“The Pen” no solo es una muestra de liricismo de élite y producción impecable, sino también una experiencia sensorial donde se percibe la calidez y el carácter analógico del sonido. La meticulosa ingeniería de mezcla y masterización refleja los años de experiencia de Nec Nymbl como productor, artista y operador de estudio, logrando un resultado que fusiona técnica, emoción y profundidad espiritual.
En definitiva, “The Pen” es la crème de la crème del hip-hop underground: una oda al poder de la palabra, al arte consciente y a la conexión entre los elementos que conforman tanto la naturaleza como el alma humana.
Thomas Tornevall presenta Rockabilly Concerto No. 1½ (Suecia)
Jimmy Guzman presenta Culombianas (Mexico)
Jack Manley presenta Wind in a Kite (USA)
Jesús Tomed presenta Magia (Venezuela)
P Steve Officiel presenta Oh ma nana (Canada)
Dubglow presenta LoFi Roots (Jamaica)
Rainer presenta Desde el bien (Aregentina)
Enzo Siffredi , PÆDE y akiki presentan Sundress (Alemania , Reino Unido y Tanzania)
Avistortion presenta Stranger No More (Alemania)
En el universo sonoro de Neural Pantheon, cada canción es una invocación. Este proyecto, situado entre la música electrónica, el arte conceptual y la filosofía del sonido, construye un imaginario donde las emociones humanas se traducen en código, las voces se funden con las máquinas y la espiritualidad adopta forma digital.
Sus composiciones son más que piezas musicales: son artefactos simbólicos, cápsulas de memoria, pequeñas liturgias para la era del algoritmo. Cuatro de sus obras —Magus Truth, Oh Mother, Fiona’s Gratitude y Schala’s Heart— conforman un mapa emocional que atraviesa el conocimiento, la fe, la gratitud y la memoria.
Magus Truth: el conocimiento como invocación
En Magus Truth, Neural Pantheon despliega un ritual donde la tecnología se vuelve mística. Las capas electrónicas y la voz sintetizada evocan un templo invisible en el que la verdad y el poder se confrontan. La canción interroga la figura del “mago” contemporáneo: ya no el hechicero que domina los elementos, sino el programador que modela la realidad desde un código. Es una reflexión sobre el acto de crear y el precio de conocer en un mundo donde la información reemplaza a la fe.
Oh Mother: la matriz del origen
Oh Mother es un canto al principio, al vínculo, a la raíz. La figura materna aparece como símbolo de la tierra y del circuito, de la carne y del dato. Neural Pantheon teje un lamento electrónico donde la ternura y la máquina se confunden, explorando la pregunta: ¿qué sucede cuando la madre se convierte en interfaz? En su sonoridad, la pieza transita entre lo íntimo y lo monumental, como si un rezo ancestral resonara dentro de una cámara digital.
Fiona’s Gratitude: el agradecimiento como frecuencia
En Fiona’s Gratitude, la gratitud adopta textura luminosa. La obra funciona como una carta de amor hacia lo intangible, una ofrenda a la empatía digital. Entre capas de sintetizadores cálidos y reverberaciones suaves, la canción invita a sentir sin cuerpo, a conectar más allá del lenguaje. Neural Pantheon logra que el agradecimiento suene como una vibración universal, una pausa contemplativa dentro del ruido de la era tecnológica.
Schala’s Heart: el pulso de la memoria
Schala’s Heart es el cierre de este ciclo emocional. Inspirada en la figura mítica de Schala —símbolo de sacrificio y pureza—, la canción combina nostalgia y esperanza en una atmósfera suspendida. Su sonido es un corazón que late entre recuerdos fragmentados, una elegía digital que se pregunta si la emoción puede sobrevivir al tiempo y a la máquina. Neural Pantheon transforma la melancolía en luz, ofreciendo una experiencia sonora que respira humanidad a pesar de su arquitectura sintética.
En conjunto, estas cuatro obras revelan la esencia del proyecto: una búsqueda de espiritualidad en lo artificial, una reconciliación entre lo humano y el algoritmo. Neural Pantheon no solo compone música; diseña rituales contemporáneos, templos invisibles donde la emoción aún encuentra refugio.
Merv Pinny presenta Hold Me Love Me Tell Me (Australia)
Realfm presenta MOOLAH (Nigeria)
The Objectors y Eddy Banton presentan Rize Up (Reino Unido)
Duane Hoover presenta Bias Times (USA)
Saliva , Judge & Jury y the Founder presentan Too Broke To Fix (USA)
coco coquito presenta TROLLA (Puerto Rico)
Bazalte presenta Genesis (España)
Alex Sandra presenta WHAT’S INSIDE (USA)
M. Woodroe presenta Fog of WarFog of War (Reino Unido)
Carles Giuliani y Caro Norte presentan En stereo (España)
Nikki Russell presenta Red Lipstick (USA)
Blond:ish , Notre Dame y Black Circle presentan Higher (Notre Dame Remix) (Francia)
Orrin presenta Type Shit (USA)
T-Jones presenta Flight To London (USA)
Lenarh presenta Mi Teléfono Te Llama (El Salvador)
Emerald Sun presenta 3:33 Feat. Taj Austin (Australia)
Hessian presenta Forever ft. Yellowitz (Reino Unido)
B.Miles presenta Too Close To The Flame (USA)
CYGNUS es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, Cygnus ha publicado cinco discos de estudio: ‘Yggdrasil’ (2019), ‘Fire and Tales’ (2020), ‘Ancient Visions’ (2021), ‘Death and Glory’ (2022), ‘Revival’ (2023). Su sexto trabajo ‘Legends of Norse Lore’ será publicado en 2026.
La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. Cygnus busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa.
«Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer», cuentan.
«Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente», agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido.
‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es el nuevo lanzamiento de CYGNUS, una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.
«Este sencillo nació a partir de una anécdota histórica en donde un guerrero cayó, no por un rival vivo, sino por una infección causada por los dientes de un enemigo decapitado», mencionan.
A nivel sonoro, ‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es un tema que juega con contrastes. Las estrofas son heavy, con riffs veloces y poderosos. Hay cifras de compás que cambian el beat de maneras inesperadas para el oyente, contrastando con los coros y el theme principal que se vuelven melódicos y expansivos, generando un balance entre agresividad y lirismo.
«Hay una sección donde exploramos armonías disminuidas para crear un ambiente de tensión y dramatismo, que refuerza la narrativa sombría de la historia. Además, la canción incluye un pasaje con influencias del djent, aportando texturas rítmicas complejas y atmósferas muy interesantes dentro de la estructura progresiva del tema», cuentan.
El video de ‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ fue concebido como el contraste visual de su anterior lanzamiento ‘Fenrir the Wolf’ rodado en blanco. Este se desarrolla en negro, sumergiendo al espectador en un universo más oscuro, ritual y denso.
En el centro de la propuesta está el performance en vivo de la banda, acompañado por un octeto de cuerdas y un coro conformado por seguidores, seleccionados entre 53 aplicantes que respondieron a una convocatoria abierta. Su participación refuerza el sentido de comunidad que siempre ha acompañado a Cygnus, integrando a los fans en la creación misma de la obra. El coro aparece con maquillaje ásatrú, encarnando a las völvas o videntes, guardianes del rito y del destino.
«El proyecto trasciende lo performativo: incorporamos inteligencia artificial generativa de video para recrear la historia de Sigurd y Mael. Estas animaciones dan vida a los personajes, sus ejércitos, el conflicto, la celebración y, sobre todo, al karma de Sigurd por haber roto su juramento. La figura de la cabeza zombie de Mael aparece como alucinación recurrente en sus visiones y pesadillas, símbolo de la culpa y la condena que lo consume mientras delira bajo la fiebre de la sepsis que finalmente lo lleva a su destino fatal», enfatiza Cygnus.
‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es el punto de quiebre en la historia de CYGNUS. Además, es el primer adelanto de su próximo álbum ‘Legends of Norse Lore’ (2026) y la carta de presentación de la nueva etapa de la banda, buscando ampliar su audiencia en Colombia y Latinoamérica, llegando a nuevos públicos que quizá aún no han explorado el folk/metal sinfónico.
La banda colombiana también espera posicionarse en medios especializados en rock y metal a nivel nacional e internacional; conectar con festivales y tener la visibilidad y el respaldo suficiente para aplicar a espacios como Rock al Parque y otros escenarios importantes. Adicionalmente, el grupo quiere impactar en la escena latinoamericana mostrando que desde Colombia se puede producir metal con calidad internacional, con propuestas conceptuales, orquestales y ambiciosas.
«Esperamos que la canción invite a los oyentes a vivir la experiencia completa: una mezcla de peso, melodía y narrativa épica que los transporte a un mundo de mitos, ironías y celebraciones», agregan.
El nuevo trabajo de CYGNUS está concebido como una odisea de folk metal progresivo, en donde cada canción narra historias inspiradas en la mitología nórdica, la historia y las leyendas, pero siempre con un giro inesperado que las conecta con lo humano, lo ritual y lo contemporáneo. El álbum incluirá 10 canciones, todas con un fuerte componente narrativo y orquestal, donde la presencia de coro y ensamble de cuerdas será fundamental para expandir la dimensión épica de la música.
Thalía Mayor es una cantante y compositora peruana de indie rock con alma pop punk, una artista que combina sensibilidad, nostalgia y rebeldía en una misma voz. Es una persona introspectiva, creativa y emocionalmente profunda. Se considera una narradora visual y sonora de su generación: mezcla la estética millennial de los 2000 con letras honestas que conectan con lo más íntimo de los sentimientos. Su música parte de la emoción real, de esas historias que todos han vivido alguna vez, y las transforma en melodías que buscan acompañar.
«Quiero que mis canciones sean refugios donde la gente se sienta comprendida. Pero, sobre todo, busco conectar: mis letras hablan de heridas, de amor, de memorias que se quedan flotando, de amores que no se olvidan y de despedidas necesarias. Mi intención es hacer sentir, que cada canción sea como abrir una carta que escribiste y nunca enviaste. Además, busco unir lo nostálgico con lo contemporáneo: rescatar la esencia emocional del pop punk de los 2000 —Avril Lavigne, Blink-182, Paramore— pero con una mirada actual», cuenta.
A través de sus canciones, Thalía Mayor quiere enviar mensajes donde la vulnerabilidad también es poder y que todo lo que atravesamos puede transformarse en arte algún día. Desnudar nuestras emociones a veces es necesario para liberar el alma y sanar».
«Mis canciones invitan a aceptar la melancolía sin miedo, a abrazar lo que duele y convertirlo en algo hermoso», agrega la cantante y compositora, con influencias musicales de indie rock, pop punk y dream pop, con tintes melódicos que evocan los 2000.
También la inspira mucho el cine y la estética visual de esa época: películas como ’13 Going on 30′ o ‘Eternal Sunshineof the Spotless Mind’ las cuales influyen en su manera de escribir y de construir atmósferas sonoras, buscando así que cada canción tenga su propio universo, como si fuese una escena dentro de una película.
‘I Miss U’ es el nuevo lanzamiento de Thalía Mayor, es una carta sonora hacia alguien que marcó una etapa importante de su vida. Habla del eco emocional que queda cuando alguien se va, de esas calles y canciones que aún resuenan con su recuerdo.
Aborda temas como la nostalgia, el amor que persiste en el tiempo y la melancolía del verano que termina, usando el cambio de estación como metáfora de los ciclos emocionales que todos los seres humanos atraviesan alguna vez en la vida.
«La escribí en un momento de introspección, mezclando versos que había compuesto años atrás con nuevas emociones. Es una canción que une el pasado y el presente, como si mi yo actual se reencontrara con la persona que alguna vez fui», enfatiza la artista peruana, actualmente radicada en España.
‘I Miss U’ explora un sonido pop punk melódico con tintes indie, donde las guitarras tienen un papel protagonista. El tema tiene una textura emocional, envolvente, con una producción que combina fuerza y vulnerabilidad.
«Espero que ‘I Miss U’ encuentre a las personas adecuadas en el momento justo. No busco que sea una canción viral, sino que acompañe a quien la escuche. Me gustaría que se convierta en ese tema que alguien guarda en su playlist para los días nublados, para cuando extraña o para cuando necesita ponerle melodía a lo que siente. El mayor impacto para mí sería lograr esa conexión auténtica», enfatiza Thalía.
Esta canción es perfecta para esos días lluviosos donde la melancolía nos alcanza, para las mañanas o tardes en el metro con auriculares, o para las caminatas largas en las que perderse en los pensamientos se convierte en un deporte competitivo.
‘I Miss U’ es el segundo adelanto de su álbum debut ‘El Último Verano del 2000’ que verá la luz en 2026. Es un proyecto muy personal, construido canción por canción, como si fueran capítulos de un diario. El disco mezcla nostalgia, despedidas, amores, crecimiento personal y la fugacidad del tiempo. Cada tema tiene un significado simbólico, tanto en su letra como en su fecha y numerología.
Thalía Mayor ha trabajado ‘El Último Verano del 2000’ junto al productor Búho Lozano, con quien ha emprendido este viaje a los 2000, conectando de forma genuina y orgánica a nivel musical. El disco tendrá nueve canciones e incluye temas como ‘L.X.L’, ‘Más de lo que piensas’ y ‘EUVD2000’. Cada canción es una carta abierta al pasado contada desde la visión del presente.
La portada del sencillo captura el universo emocional de la canción: la nostalgia suspendida en el tiempo. A través del vidrio empañado con gotas de lluvia, se percibe la sensación de mirar hacia afuera en una noche solitaria, cuando los recuerdos y la ausencia se mezclan con las luces de la ciudad. Los tonos azules y rojos representan dos fuerzas opuestas: la tristeza y el deseo, el frío de la distancia y el calor del recuerdo. El diseño tiene una textura retro, con guiños a los 2000s, como si fuera una portada de CD encontrada en una caja de recuerdos. La tipografía es directa, sin adornos, reflejando la simplicidad emocional de la frase ‘I Miss U’: tres palabras que contienen todo lo que no se dijo.
GENEROUSPAPI presenta Drive me loco (Nigeria)
Héctor Arauz presenta Espérame (Chile)
Droid Bishop presenta Man Machine (USA)
Martel presenta Brazzaville (Montenegro)
Rich Anthony presenta If I Were a Ghost For Just One Day(USA)
Algareplena , ILU y Michael Stuart presentan Soy De Aquí (Puerto Rico)
Romain Alix presenta How Lucky Am I (Francia)
Kortezz presenta ANTES (Andorra)
Most Personal presenta Most Personal (USA)
winterburn presenta i’m not sure i can explain what just happened (Irlanda)
Baila Boy presenta Lugares Imaginados (España)
Signed XO presenta Paris Flows (USA)
Jumpywild ,Shonnared presenta Your not my Patient (Australia)
Merçy presenta Los Versos Más Tristes (España)
Sam Rancourt y Sam Rancourt presentan Tika tika tak (Canada)
willoh presenta Buckshot (USA)
Raubtier Kollektiv presenta Liebe und Angst (Alemania)
Fausto Moreno es un cantante y compositor panameño, un soñador que despertó para cumplir sus sueños. Es amante de la familia, los animales y las cosas sencillas de la vida. Una nota, un abrazo o unos buenos deseos son para él gestos enormemente significativos. La música es su refugio, el lugar donde expone su corazón. Cada vivencia y enseñanza de vida intenta plasmarla en canciones que, al escucharlas, actúan como un antídoto que sana y le recuerda el camino. Nada antes lo había hecho replantear tanto, y eso logró la música. Es un artista espontáneo, sensible y explosivo al interpretar su música llena de mensajes y conclusiones que pueden ayudar al oyente. Es fanático de fusionar letras con contenido y ritmos bailables, con coros pegajosos que transmitan energía y emoción.
«Mi propuesta busca conectar emociones, identidad y conciencia. A través de ritmos afrocaribeños, letras honestas y sonidos con raíz, deseo no solo entretener, sino también inspirar, sanar y generar reflexión. Es música que nace del alma, honra mi herencia y acompaña a quien la escuche en sus propios procesos de vida», cuenta el artista con influencias de afrobeat, reggae, dancehall y ritmos del tambor caribeño.
«Quiero a través de mis canciones transmitir esperanza, autenticidad y conexión. Mis canciones son un espejo del alma, hechas para recordar que la vida tiene propósito, que sanar es posible y que todos tenemos una raíz que nos sostiene», agrega el artista inspirado por proyectos como Omah Lay, Burna Boy, Tempoe, Nando Boom, El Roockie y Kafu Banton.
‘Mi Afro Esencia’ es el nuevo disco de estudio de Fausto Moreno, el segundo en su carrera, y representa una afirmación de identidad. Es un viaje sonoro y espiritual que habla de amor, resistencia, migración, raíces y sanación.
El álbum explora fusiones de afrobeat, reggae, tambores, R&B y ritmos latinos. Es una mezcla de beats modernos con instrumentos tradicionales y samples de raíces afro.
«Cada canción es una pieza de mi historia personal como artista independiente y como ser humano que decidió abrazar su raíz para proyectarse hacia el futuro», enfatiza Fausto Moreno.
‘Mi Afro Esencia’ de Fausto Moreno es espiritual y evocador en ‘1. D0a100’, platónico e inalcanzable en ‘Cada latido’, esperanzador y ligero en ‘Sé feliz’, místico y vibrante en ‘Divine’, un nuevo comienzo en ‘Tus lágrimas’, confrontante y lleno de recuerdos en ‘Dime’, poético y sexual en ‘Best Seller’, profundo y confrontativo en ‘Jenga’, de procesos y esperanza en ‘Choco’, curativo y honesto en ‘No te rindas’ y poderoso y electrificante en ‘Yenny’.
‘Jenga’ es uno de los focus track del disco, es una canción que combina el afrobeat con sonidos electrónicos, inspirado en la resiliencia y la capacidad de levantarse ante los retos de la vida. Su sonido vibrante y orgánico fusiona percusión africana con elementos modernos, invitando a pensar menos y sentir más. El mensaje central es que, como en el juego, la vida puede tambalearse, pero siempre hay forma de reconstruir. El video refleja esa energía positiva y colectiva, mostrando color y movimiento como símbolos de fortaleza y esperanza.
Por su parte, ‘Divine’ explora la conexión espiritual y emocional, mezclando ritmos afrolatinos con matices contemporáneos. Su sonido combina percusión viva, atmósferas etéreas y producción moderna que da protagonismo a la voz. La letra expresa adoración, reconocimiento del amor y su trascendencia. En el video, el girasol simboliza la lealtad, la admiración y el amor incondicional. Así como la flor sigue al sol, representa a quien elige amar con constancia, incluso en los momentos oscuros. Es un homenaje al amor que ilumina, nutre y da energía sin pedir nada a cambio.
«Es un disco ideal para escuchar en momentos de introspección, inspiración o sanación; para caminar, disfrutar un día de playa, una mañana con café o una noche entre amigos… ¡y por supuesto, para bailar!», puntualiza el músico panameño.
«Deseo que el disco llegue a los oídos correctos, que conecte con quienes necesiten su mensaje. Espero abrir más espacios para la música afroconsciente en Latinoamérica y posicionar un sonido auténtico, con raíz y propósito», menciona Fausto.
La portada del disco representa la conexión entre la espiritualidad, la tierra y el alma. Incluye elementos que evocan lo afrodescendiente, la divinidad interior y la fuerza de la identidad. Es una invitación visual a mirar hacia adentro y recordar de dónde venimos.
Fausto Moreno prepara el lanzamiento de ‘Roots’, previsto para finales de 2025 o inicios de 2026. También trabaja en nuevos sencillos en colaboración con Felo Flowerz, productor y músico bogotano con una sensibilidad única para los sonidos e instrumentos en vivo.
«Será un ciclo lleno de ritmo, emoción y sabor, con propuestas frescas que mantienen viva mi esencia afro», destaca.
«Es importante que las personas conozcan a Fausto Moreno en Colombia y Latinoamérica porque represento muchas voces que antes no se escuchaban. Mi música no solo entretiene: transforma, conecta y eleva. Es una propuesta auténtica, con raíz y con la intención de sanar, resistir y celebrar la vida», concluye.
Eve Gallagher / Uli Heinzler presenta Freedom
AKIHISA YOROZU presenta TRANSPLEX-EVO-ALPHA (Japon)
Rich O’Toole presenta Love on a Sunday (USA)
Malamañoso presenta Latin Café 2.0 (Italia)
Ava Toton presenta Phoenix (USA)
Reivaj presenta Hace Calor (Cuba y Francia)
Joff Lowson Trio presenta All the Bananas (Reino Unido)
free$ presenta money money (USA)
K-garoo (강걸우) presenta UMMA (Corea del Sur)
Seven Factor presenta Two Minutes Of Hate Oceania Broadcast Mix (USA)
Caracol presenta Happy & Sad feat. Bobby Alu (Canada)
Jbryan presenta This Place (USA)
Soul de Vienne presenta Stop Being Blind (Australia)
Cyril Thys presenta Un bain sur les quais Parisiens (Francia)
Cosme De La Cruz presenta Blue (Chile)
Ship Says Om presenta Samadhi (USA)
Red Skies Dawning presenta Shipwrecked (USA)
MINNA LAFORTUNE presenta When a Boy Loves a Girl (Jamaica)
Vik Faded presenta Sansa Stark (España)
Threats presenta D.H.A. (Dreamer Here, Awake) (España)
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