Crudo, visceral y sin pedir disculpas, Hello Enemy lanza su esperado álbum debut, That Goes On There, ofreciendo una dosis feroz de revival grunge con un enfoque moderno. Lleno de himnos cargados de ganchos, riffs ardientes y letras emocionalmente intensas, el álbum es un reflejo de la vida vivida en los márgenes: desordenada, ruidosa y sin filtros.
El primer sencillo del álbum, “A Lot Like You”, lanzado el 6 de mayo, marca el tono. Un golpe directo al estómago con riffs de guitarra masivos, voces crudas e implacables, y letras que no se contienen, la canción se sumerge de lleno en temas de identidad, presión social y la escalofriante revelación de que, a veces, el enemigo se parece demasiado a tu propio reflejo.
Con 15 sencillos independientes ya lanzados, una gira autofinanciada y rotación en Rock Rage Radio (EE.UU.), Hello Enemy no está esperando permiso — están rompiendo las paredes del underground con una intención abrasadora. La banda mezcla el espíritu sucio y auténtico del grunge de los 90 con la urgencia del presente, inspirándose en leyendas como Alice in Chains, Soundgarden y Nirvana, pero forjando un sonido que es inconfundiblemente suyo.
Prepárate para baterías atronadoras, guitarras crujientes, voces desgarradoras y un núcleo lírico que se niega a esquivar la verdad. That Goes On There no es solo un álbum — es un grito de guerra para todos aquellos que alguna vez se sintieron invisibles, ignorados o rotos.
El dúo global Domino Saints presenta su nuevo sencillo “Aura”, una vibrante declaración musical que celebra la fuerza interior, la motivación y la autenticidad. Este lanzamiento forma parte de la iniciativa She Runs the Boards de Platoon, y destaca por ser el primer tema en español de este programa diseñado para impulsar y visibilizar a las mujeres en la música.
“Siempre es inspirador ver a mujeres unirse en el estudio, apoyarse mutuamente y crear música increíble. She Runs the Boards: Miami fue la primera edición latina que realizamos, y fue un gran éxito. El programa impulsa a las mujeres en la música a conectar, colaborar y desafiar el status quo—y este evento demostró lo poderoso que eso puede ser”, afirmó Guillermo Mordan, Head of Latin at Platoon.
“Aura” nació durante el campamento creativo She Runs the Boards en Miami, organizado por Platoon. Fue escrita por Giselle Ojeda, Elianette M. Marrero Torres, Ana Valeria Peñaranda Valda y Daymé Arocena Uribarri, y producida por Giselle Ojeda y Melissa Ángela Medina. La canción fusiona ritmos tropicales y electrónicos con una energía contagiosa y un mensaje claro: liberar el miedo, reconectar con nuestra esencia y dejar que brille nuestra luz interior. “Cuando las chicas nos juntamos siempre salen temas de conversación muy interesantes porque nos sentimos cómodas en hablar sin censura, especialmente si hay sinergia entre todas, la cual hubo esos días del campamento de “She runs the board” en Criteria Studios en Miami. Nosotras 5 empezamos a hablar de nuestras experiencias en la música siendo mujer y como sentimos la necesidad de hablar de cosas diferentes. Demostrar que somos innovadoras en el arte. Sentíamos que había demasiada pesadez y negatividad en el mundo y en la música. Por eso queríamos traer un mensaje uplifting, escribir una canción que le diera energía positiva y ganas de seguir sus sueños al mundo. Una canción que fuera para todos sin importar de dónde vienes, tu estatus social, género o creencias. Una canción que puedes dedicar a tu pareja como a un hijo. A song that just spread the love
” – Gigi (Domino Saints). Gigi, vocalista de Domino Saints, eligió lanzar esta canción bajo el nombre del dúo para destacar el apoyo y la unidad de su contraparte masculina, convirtiéndola en una expresión colectiva de fuerza, unión y propósito.
En un mundo donde la música es un reflejo del alma, «Hombre Solitario» nos presenta su nuevo sencillo «Sólo Tú», una canción de amor que brota del corazón y nos invita a reflexionar sobre las personas y cosas que nos hacen sentir vivos y felices.
«Sólo Tú» es una canción de amor que expresa gratitud hacia un ser que da alegría y logra sacar lo mejor del corazón de una persona. Puede ser una pareja, los padres e hijos, un animal o una creencia religiosa, lo importante es sentirse iluminado e inspirado por ese ser especial.
Con «Sólo Tú», «Hombre Solitario» sigue demostrando su capacidad para crear música que conecta con las personas y les inspira a reflexionar sobre las cosas que aman. Con su pasión y dedicación, sigue siendo un artista versátil y apasionado que ofrece música de alta calidad con sentimientos.
«Hombre Solitario», seudónimo de Ricardo González, es un nombre que se ha convertido en sinónimo de creatividad y pasión en la escena musical chilena. Con una carrera musical diversa y prolífica, ha transitado por géneros como el rock, la electrónica y la música folclórica. Con proyectos como «Delonelyman», «Acuario Oscuro» y «Hombre Solitario», ha demostrado su capacidad para crear música que conecta con diferentes públicos y estilos.
Con una producción musical impecable y una voz que emociona, «Sólo Tú» es una canción que te hace sentir vivo y que invita a reflexionar sobre las cosas que realmente importan en la vida. La canción fue grabada en El Gran Pez Estudio, en Providencia, bajo la producción musical de Claudio Quiñones, y masterizada por Chalo González, lo que garantiza un sonido de alta calidad y emoción.
El videoclip de «Sólo Tú» fue dirigido por Diego Álvarez, quien logró capturar la esencia de la canción y plasmarla en imágenes que hacen sentir al público la emoción y la pasión que «Hombre Solitario» agrega en su música.
«Sólo Tú» ya está disponible en todas las plataformas digitales, y Hombre Solitario está preparando presentaciones en vivo para promocionar su nuevo sencillo. No te pierdas la oportunidad de verlo en acción y experimentar la energía y la pasión que transmite en cada show.
No te pierdas la oportunidad de escuchar «Sólo Tú» y descubrir la música de «Hombre Solitario».
La artista integral Roxana Frontini, conocida como ROX, anuncia con orgullo el lanzamiento de su más reciente EP, “Como Yo Te Veo”, producido por el multipremiado y nominado al GRAMMY®, Arturo Cabrera Brambilla.
Este EP es el resultado de una colaboración entre esta talentosa artista y la división de producción de su agencia creativa CURATORS GROUP, que ha trabajado con prestigiosas marcas como Saks Fifth Avenue, PINKO, Silvia Tcherassi, Miami Fashion Week, Mercedes-Benz Madrid Fashion Week, y numerosas marcas de lujo en Europa, América Latina y los Estados Unidos, así como con celebridades de la talla de Gabriel Samra, Mónica Pasqualotto y María Alejandra Requena.
“Como Yo Te Veo” cuenta con cuatro cautivadores temas: la versión original de la canción, un fascinante tema instrumental, un remix de house y un remix instrumental. El video musical fue grabado utilizando la misma cámara empleada por el exitoso show de Netflix «Adolescencia», famoso por sus impresionantes tomas únicas o ininterrumpidas.
Como todo lo que ROX crea, esta canción está diseñada para elevar la mentalidad y recordar a los oyentes que podemos alcanzar niveles más altos de realización de nuestro potencial.
ROX cree en el poder de enfocarnos en lo que deseamos y en la música como una herramienta para potenciar ese enfoque. “Como Yo Te Veo” es una canción que invita a mirarnos con otros ojos, que nos permitan creer en nuestro brillo.
ROX utiliza la música como su vehículo principal para inspirar transformación. Y por su puesto, al ser artista integral, también se apoya en su arte plástico y diseños para inspirar a otros a triunfar.
En el caso del EP “Como Yo Te Veo” la artista también ha desarrollado obras de arte y diseños inspirados en la canción, disponibles para la venta en $ roxanafrontini.com$ .
Cada pieza ha sido cuidadosamente elaborada para inspirar a los coleccionistas a vivir vidas plenas y desbloquear su completo potencial.
Los emblemáticos Boricuas, Robertito Hernández y el reconocido productor y trombonista Maximino Rivera, regresan con fuerza y elegancia a las pistas de baile con su nuevo sencillo: «Pa’ Comer y Pa’ Acabar». Con el firme sello de “El dúo dinámico de la Salsa”, este tema promete convertirse en uno de los más movidos y disfrutados durante la Primavera y el inicio del Verano.Bajo la pluma y melodía del muy solicitado compositor cubano Jorge del Valle, y con los arreglos del maestro Tony Velázquez, la canción se viste de sabor auténtico y elegancia musical.
La magia en la mezcla y el sonido, a cargo del gran Nano Cabrera, se fusiona en un homenaje lleno de energía y respeto hacia las mujeres latinas, especialmente aquellas que nacen portando el fuego en su caminar. La inspiración surge de un pequeño pueblo al sur de Cuba, Quivicán, lugar donde la belleza y la gracia de las mujeres son motivo constante de elogio e inspiración.La propuesta musical cuenta con la inconfundible voz callejera y particular de Robertito Hernández, quien le imprime a esta “salsa brava” un toque distintivo y urbano.
Por su parte, Maximino Rivera deja en cada nota del trombón su sello personal, plasmando un sabor inigualable que realza cada compás de este tema vibrante. Además, las impecables armonías en los coros, interpretadas por Gerson Zayas, Kevin Gabriel y el propio Maximino Rivera, evocan la era dorada de las orquestas Fania, transportándonos a un universo musical clásico y atemporal.La constelación de estrellas que integra esta producción es amplia y de gran trayectoria:Antonio Tony Velázquez en el piano y como arreglistaOdanis Velázquez en el bajoJavier Alvarez (Tito Furia) en la percusiónMaximino Rivera Jr. en los trombonesLa grabación del sencillo se realizó en espacios de alta calidad y renombre:Furia Music en Villalba, Puerto RicoEstudio Cocolizos en Juana DíazNC Studios en Davenport, Florida, Estados UnidosEn un mensaje cargado de picardía y respeto, Jorge del Valle invita a la celebración y al reconocimiento de la fortaleza y la belleza de las mujeres, relatando una historia que resuena en lo cotidiano y que cualquier persona podría vivir.
Esta mezcla de ritmos y sentimientos, cargada de autenticidad, reafirma el compromiso del dúo con la esencia de la salsa y la cultura latina.«Pa’ Comer y Pa’ Acabar» es mucho más que un sencillo; es una declaración de identidad, un puente entre el ayer glorioso de la salsa y la energía vibrante del presente, destinada a encender las pistas de baile y los corazones de todos los que aman la música auténtica.«Pa’ Comer y Pa’ Acabar» se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.
El cantautor católico argentino Joaquín Chávez lanza oficialmente su esperado álbum “Simplemente Gracias”, una producción que invita a la reflexión, la oración y el diálogo profundo con Dios, a través de una propuesta musical de balada-pop contemporánea.
La producción musical estuvo a cargo del ganador del Latin GRAMMY® Juan Delgado bajo el sello Vía Cantus, y recoge el testimonio personal de Chávez en un recorrido sonoro lleno de fe, gratitud y entrega.
Conocido por sus primeros sencillos “Mi Medicina” (También con una versión acústica), “La Verdad”, «María» y “Venga lo que Venga”, el álbum completo incluye además tres nuevos temas: “Dios Está Aquí”, “Simplemente Gracias” y “Esto Que Soy Te Doy”.
El tema “Simplemente Gracias” autoría del cantautor cubano radicado en Miami, Lazaro Horta, es la carta de representación de este álbum que marca un nuevo inicio en la joven carrera del artista.
Este y otros temas del álbum tienen cuerdas en vivo grabadas en el icónico Ocean Way Nashville, cuidando cada detalle de producción y colocándolo al más alto nivel de la industria musical.
“Este álbum nace de un corazón que ha sido sanado y restaurado por Dios. Cada canción es una oración hecha canción, una historia real que espero toque el corazón de quienes la escuchen”, expresa Joaquín Chávez
El icónico artista dominicano Sergio Vargas, una de las voces más emblemáticas del merengue, lanza este 23 de mayo su nuevo álbum “El Ayer Es Hoy”, bajo el sello J&N Records, del Grupo Empresarial JN Music Group, dirigido por los hermanos Juan y Nelson.
El Ayer Es Hoy” es una producción especial que reimagina los grandes éxitos de Sergio Vargas, con nuevos arreglos, interpretaciones en vivo y la participación de músicos de alto nivel en estudio.
El proyecto representa un tributo a su prolífica trayectoria, combinando la nostalgia con el poder de la tecnología y la excelencia artística contemporánea.
La portada es una poderosa fusión entre arte y tecnología, donde presenta una imagen profundamente simbólica: su versión adulta, con la sabiduría que otorgan los años, abraza con ternura a su yo joven, el soñador que dio sus primeros pasos en la música. Esta imagen, creada con inteligencia artificial, trasciende lo visual para convertirse en un gesto poético de reconocimiento. Es el abrazo del presente al pasado, del artista consagrado al muchacho que creyó en sus sueños. Sergio no solo se abraza a sí mismo, sino también a su historia, a los desafíos superados, a las canciones que marcaron generaciones, y al público que lo ha acompañado con amor y fidelidad.
El arte estuvo a cargo de Nelson V. Muñoz, quien ha venido destacándose, junto con la dupla integrada por Oscar Enríquez y Alfredo Saavedra, en la generación de grandes tributos a través de videos creados con inteligencia artificial de sorprendente realismo. Esta portada es un homenaje a la memoria, a la música, y a ese recorrido que lo ha hecho ser quien es hoy
El álbum se lanza acompañado del estreno de un primer visualizer, dando inicio a una serie de lanzamientos semanales que permitirán al público ver a un Sergio Vargas en diferentes épocas y descubrir, canción tras canción, el universo emocional de esta nueva producción. Cada semana se revelará un nuevo visualizer, creando un puente constante entre la música, la imagen y la sensibilidad que caracteriza a Sergio Vargas, reafirmando así su compromiso de innovar sin perder la esencia de lo que siempre ha sido: un intérprete del alma popular.
Esta producción incluye versiones renovadas de temas inolvidables como: “Todo Aquello Que Escribí”, “Vamos a Dejarlo Todo Atrás”, “Dile”, “Yo Que Te Amé”, “La Quiero A Morir”, “La Ventanita”, “Si Algún Día La Ves”, “Ni Tú Ni Yo”, “Penas al Viento”, “Dile Más”, “Bamboleo”, “La Incondicional”, y una poderosa nueva versión del clásico “Madre”, ya disponible en todas las plataformas.
“Este proyecto es un puente entre lo que fuimos y lo que somos. Tomamos lo mejor del ayer y lo traemos al presente, con respeto a nuestra historia pero con los recursos tecnológicos de hoy”, expresó Sergio Vargas.
“El Ayer Es Hoy” marca un nuevo capítulo en la carrera de Sergio Vargas, reafirmando su compromiso con la música de calidad, el legado cultural y la evolución artística.
A través de diez canciones la artista chilena explora diversos géneros y sonoridades para canciones cargadas de emotividad.
Desde pequeña, Daniela Vivar se interesó por la música participando en coros y clases de guitarra, guiando así su vida al mundo de las canciones. En 2020, lanzó su primer sencillo «Huellas» para luego iniciar un largo y fructífero proceso de producción de un disco larga duración que hoy ve la luz. Tras publicar adelantos como «Una rosa con espinas» y «Aún nos queda la voz», Daniela estrena finalmente su álbum debut titulado «Canción para ella».
El primer disco de la cantante y compositora Daniela Vivar incluye 10 piezas que destacan por presentar una propuesta fresca y auténtica que fusiona diversos estilos musicales. Las letras son relatos honestos y emocionantes con una interpretación profunda y única, fortalecida principalmente por la gran voz de Daniela. El álbum recorre paisajes sonoros que nacen desde vivencias personales, abordando temas sentimentales, sociales y psicológicos. Cada canción revela un pedazo del alma de la artista, convirtiendo su esencia en melodías.
«Canción para ella» no solo muestra la versatilidad musical de Daniela, si no también su capacidad de conectar con quienes buscan sonidos con sentido y corazón. Es por eso que este disco se vuelve una interesante carta de presentación ideal para descubrir el talento de esta nueva voz de la música chilena. El disco ya está disponible en Spotify, Deezer y otras plataformas digitales.
«Algo Nuevo» no es sólo el nombre del nuevo álbum de Antonio Montenegro, es también una declaración vital. Tras el éxito de su debut «De las Cenizas Vendrá Algo Nuevo», el artista chileno regresa con una propuesta fresca, más luminosa y decididamente esperanzadora. Si el primer disco era un susurro dolido desde las cenizas del desamor, este segundo trabajo es el renacer de ese mismo corazón, ahora acompañado de una banda completa que imprime fuerza, ritmo y determinación.
Grabado en Estudios Madreselva bajo la co-producción de Alfonso Pérez y el propio Antonio, el disco se aleja del minimalismo clásico para adentrarse en un pop elegante y emocional, con influencias de Norah Jones y Tracy Chapman. La voz y la guitarra de Montenegro siguen siendo el alma de la propuesta, pero ahora arropadas por piano, batería, bajo eléctrico, coros, saxofón, armónica y guitarras que enriquecen cada tema con una atmósfera cinematográfica.
Cada canción del álbum funciona como un episodio emocional dentro de un viaje mayor:
«La vida que Ahora Vivo»: abre el disco con una calma luminosa. Es un manifiesto de haber encontrado un nuevo rumbo. Habla del presente sin miedo al pasado, de aceptar con serenidad lo que somos hoy. Como lo describe Antonio: «Después de tanto recorrer, aprendí a habitarme y encontrar mi propio rumbo. Esta canción es mi paz hecha melodía.»
«Perdón por no Pedir Perdón»: retoma uno de los primeros sencillos de su carrera con una fuerza renovada. El tema, introspectivo y directo, explora las contradicciones del arrepentimiento y la dificultad de sanar cuando no se encuentran las palabras. Su interpretación más madura revela la evolución emocional del artista.
«Claudita»: es una joya íntima, una canción tierna dedicada a una figura femenina que representa refugio y cariño. Con un arreglo delicado, es de esas canciones que acarician el alma. «Es una carta de amor que no necesita destinatario fijo. Todos hemos tenido una «Claudita» en nuestras vidas», afirma Antonio.
«Alerta de Tsunami»: sorprende con un ritmo liviano que contrasta con su mensaje emocional. Bajo una superficie pop se esconde una reflexión sobre lo que verdaderamente importa en la vida y cómo estar frente a la amenaza de perderlo nos hace valorarlo nuevamente. Su fuerza radica en cómo transita desde lo lúdico hacia lo profundo.
«Un Buen Final»: es el punto más alto del optimismo del disco. Alegre, rítmica y sanadora, es un himno a las despedidas en paz. La canción busca cambiar la narrativa del final triste por una versión más amable. Como dice su estribillo: «tuvimos una gran historia y yo le escribiría un buen final».
«De otra Forma»: abre la puerta a nuevas miradas sobre el amor y el perdón. De tintes más intensos y confesionales, esta pieza propone cambiar el ángulo desde el cual miramos nuestras emociones: más comprensión, menos juicio.
«Ojos Azules»: aporta frescura con un ritmo envolvente que acompaña un relato sobre encuentros reales, a veces incómodos, a veces necesarios. Es una canción romántica en su contenido, divertida en su forma.
«En el Borde de una Estrella»: es una balada emocionalmente expansiva. Es para quienes, aún en el cansancio, siguen luchando por sus sueños o afectos. Su melodía, íntima y poderosa, resuena como una promesa de que todo esfuerzo tiene sentido.
«La Hora Maldita»: nace desde la soledad nocturna. Jazzística, introspectiva, minimalista. Evoca esa hora en que las emociones se intensifican y los pensamientos no descansan. Una canción para acompañar la madrugada del alma.
«Algo Nuevo»: la canción que titula el álbum, mezcla bolero y pop con una producción envolvente. Es un canto de resolución, de mirar al futuro sin negar el pasado. «No se trata de olvidar y ya, sino de decidir avanzar», expresa Antonio.
El lanzamiento viene acompañado de una ambiciosa producción audiovisual dirigida por Pascal Krumm, culminando con el videoclip de «Un Buen Final», última entrega de una obra visual contada en cuatro capítulos. Una historia sobre dejar ir con gratitud, sobre aceptar que incluso los finales tienen su belleza. La portada del disco, que muestra a Antonio caminando, es un guiño a esa filosofía: para encontrar lo nuevo, hay que atreverse a seguir.
«Algo Nuevo» ya esta disponible en todas las plataformas digitales. Es un disco para quienes están listos para cambiar, para sanar y volver a creer. Una invitación a escuchar con el corazón abierto, a encontrar belleza en el proceso, y a recordar —como dice Antonio— «que la música sigue siendo uno de los pocos lugares donde el alma puede respirar sin miedo.»
Formados en Madrid a finales de 2023, Señor Pi es un cuarteto que combina influencias del indie español y el rock alternativo internacional para dar forma a una propuesta auténtica, directa y emocional. Su sonido recuerda a bandas como Lori Meyers o Vetusta Morla, pero con un enfoque más cercano y socarrón.
Compuesto por Juanma “Croki” (guitarra y coros), Oleguer (voz principal), Alberto “BloodyBert” (bajo) y Manu “Colibrí” (batería), el grupo ha sabido construir una identidad sólida publicando su álbum debut La cuarta pared single a single a lo largo de 2025.
Canción tras canción, Señor Pi demuestra que no hay prisa si el camino está lleno de historias que merecen ser contadas. Su música conecta tanto con quien necesita un himno para cerrar la noche como con quien viaja mirando por la ventana con auriculares puestos. Porque en su universo, la emoción y la ironía conviven en armonía.
Noizzy regresa con estilo con Dreamland, un álbum conceptual lanzado por Electric Funeral Records que va más allá de una simple colección de canciones: es un viaje intenso, emocional y visceral. Grabado 100% en analógico en el prestigioso Forest Lab Studio bajo la producción de Lisciel Franco, el álbum captura la esencia cruda de la banda, entregando al oyente la poderosa energía que ha consagrado el sonido del grupo desde su formación.
Dreamland profundiza en temas existenciales y contemporáneos con autenticidad y profundidad, creando un universo donde la línea entre la realidad y la ilusión se desafía constantemente. La narrativa sonora comienza con Fake, que cuestiona las apariencias engañosas, y Addiction, un análisis de los placeres fugaces y sus consecuencias destructivas.
El viaje continúa con Tiempo, una contemplación sobre el paso del tiempo y el vacío existencial, y Ciclo, que aborda patrones repetitivos y la lucha por romper viejos hábitos. El grito “STOP THE CYCLE” marca un punto de ruptura, dando paso a Here, un tema que aporta respiro, introspección y transición.
En la segunda mitad del álbum, la complejidad de las relaciones humanas toma forma en Faces, mientras que Sands regresa a las imágenes oníricas del disco, hablando de la memoria, la pérdida y la transformación. Despierta funciona como una llamada urgente a la realidad, antes de que Necesidad y No Suficiente cierre la obra con una reflexión sobre el deseo, la frustración y la libertad que nace de la aceptación.
Formada en 2009 en el interior de São Paulo, Noizzy está compuesta por Romeu Dreadcore (voz), Vitor Leandro (guitarra), Ivan Sismon (bajo) y Pepe DMarco (batería). Con raíces en el metal, la banda destaca por su autenticidad e identidad musical, además de intensas presentaciones en vivo y una admirable profesionalidad. Ya ha lanzado un álbum y cinco sencillos, habiendo destacado en festivales y recibido varios premios.
En 2022, Noizzy ganó atención con el video musical independiente Infinite Talking, lo que provocó una invitación de Lisciel Franco para grabar en su estudio. La banda también participó en el episodio inaugural del Tour Metal de Crash TV, donde fueron entrevistados por Marcello Pompeu (Korzus), ganador del Grammy e ícono del metal nacional, quien quedó impresionado con el trabajo de la banda y ya señaló su deseo de producir su próximo álbum.
Con Dreamland, Noizzy reafirma su relevancia en la escena del metal original brasileño, entregando un trabajo denso, honesto y artísticamente maduro. Prepárate para una experiencia musical que instiga, emociona y transforma.
Dos voces que están marcando el ritmo de la nueva escena musical española se unen en un tema que no dejará a nadie indiferente. Caluu C. y Guarino presentan «¿Quieres de VD?», un sencillo potente, íntimo y lleno de alma que desborda emoción desde el primer segundo.Esta nueva colaboración no es solo una canción: es una declaración de intenciones. «¿Quieres de VD?» nos lanza de cabeza a una historia de amor tan inesperada como magnética, en la que el deseo se convierte en necesidad y lo casual en destino. Con una narrativa honesta y visceral, el tema pone sobre la mesa una de las preguntas más crudas y reales del amor moderno: ¿esto es de verdad?
La producción mezcla atmósferas envolventes con una base rítmica seductora, donde cada verso es un latido y cada coro, un suspiro. La química entre Caluu C. y Guarino se siente, se escucha y se vive. Ambos artistas sacan lo mejor de sí para dar vida a un track que habla de lo que muchos callan: ese momento en el que lo inesperado se vuelve inevitable.Con este lanzamiento, los artistas no solo reafirman su lugar en la nueva ola musical urbana-pop, sino que también se atreven a tocar fibras sensibles con una estética sonora atrevida y una letra que golpea directo al corazón.»¿Quieres de VD?» ya está disponible en todas las plataformas digitales. No digas que no te avisamos: esta canción va a quedarse contigo.
Esta nueva canción de amor, narra la búsqueda de un joven por una chica del conurbano de la ciudad de Buenos Aires. Hay un juego irónico entre la idea de lo efímero de los encuentros en la rutina cotidiana y el intento extraño de querer buscar a una persona mediante la plataforma digital google maps. Se resalta la queja melancólica de quien no puede volver a ese momento mágico perdido en el tiempo.
«Google Maps» es el primer adelanto de «El Retorno«. Un disco que marcara el debut de Santiago Motorizado, un cantautor que ha sabido tocar el alma de sus seguidores con su solidaridad hacia otros artistas y sus emotivos covers. Tras una larga espera, finalmente llega este álbum, donde cada canción refleja sus pasiones: el cine, los héroes que lo han inspirado, el fútbol y las sutilezas del amor, entre encuentros y desencuentros.
Las piezas audiovisuales que lo acompañan son un reflejo auténtico de su esencia, capturando la melancolía y la belleza de lo efímero en la búsqueda de lo que realmente importa.
La música regional tiene una nueva historia que contar y un nuevo talento que continúa su ascenso a nivel nacional. «Tu Traición», composición de Pipe Trujillo y Ciro Quiñónez, es el nuevo sencillo de un artista que convirtió una experiencia dolorosa en el motor de su carrera.
Con una letra que narra la infidelidad vivida en carne propia durante su época escolar, «Tu Traición» es más que una canción: es una liberación emocional. La historia comienza con el impacto del engaño, pero evoluciona hasta alcanzar un mensaje de superación y aprendizaje. Lo que antes dolía, hoy son solo cenizas. Esa es la esencia de este sencillo, que nace desde lo más profundo del corazón.
«Con esta canción nació todo. Es una historia que me enseñó a madurar, sin esa infidelidad, quizá nunca hubiera escrito mi primera canción. Llamé a Ciro Quiñónez —un amigo me dio su número— y él me ayudó a terminar de componer y a hacer mi sueño realidad. Definitivamente le agradezco la tristeza que me causó, gracias a eso hoy vivo lo que siempre quise: cantar», comenta Pipe Trujillo
La canción fue producida y mezclada por el reconocido Sigi Salazar, con la masterización a cargo de Gabriel Rodríguez, sumando calidad técnica a una historia poderosa y auténtica.
El videoclip de «Tu Traición» fue grabado en Bucaramanga bajo la dirección del experimentado Oscar Gutiérrez, reconocido por su trabajo con artistas mexicanos como El Mimoso. Con una estética texana, sobria y directa, el video retrata fielmente la historia detrás de la canción: un amor que aparentaba ser sincero pero que escondía una traición. La narrativa muestra cómo, con el tiempo, el protagonista supera el dolor y se convierte en un artista reconocido, mientras quien lo traicionó lamenta haberlo perdido.
Las locaciones escogidas para la grabación fueron: Discoteca Delirio, Mi Tierra Llanera y Discoteca La Tremenda, todas en Bucaramanga. La producción audiovisual se realizó en una sola jornada, logrando capturar con precisión el contraste entre el amor idealizado y la dura realidad.
«Tu Traición» ya está disponible en plataformas digitales, y con ella, Pipe Trujillo abre un nuevo capítulo en la música regional. Una propuesta sincera, intensa y llena de verdad.
A Medias acaba de lanzar su nuevo single “Juguemos”, una canción de rock alternativo que ahonda en los límites de la confianza y el consentimiento dentro de una relación, el track se adentra en una experiencia íntima que da un giro inesperado. “La canción habla sobre probar nuevas experiencias en conjunto con una persona de confianza, pero, por diversas razones, una de las dos personas involucradas decide dar un paso al costado y no continuar con lo propuesto”, explican desde la banda.
El origen creativo de la canción se remonta a una escena específica de la cultura pop. “La canción se inspiró en un capítulo de la serie How I Met Your Mother”, comentan, “en el capítulo al protagonista se le ofrece probar algo, pero en la serie queda en misterio si lo hizo o no”. Esa ambigüedad narrativa se transforma aquí en un relato sonoro sobre acuerdos, deseos y sus consecuencias emocionales.
“Juguemos” fue creada en 2021 y grabada dos años después en Kubo’s Records, ubicado en Las Compañías, La Serena, Chile. El proceso contó con la colaboración de Luis Morales, mientras que la mezcla y masterización fueron realizadas de manera independiente por la propia banda a inicios de 2025.
En cuanto a las influencias que moldean su estilo, A Medias señala directamente dos referentes del rock contemporáneo: “El sonido de la canción y del EP en general fue influenciado netamente por el disco Endgame de la banda Rise Against y el disco All We Know Is Falling de la banda Paramore”.
El productor y baterista Binaural presenta Viral, un álbum que cruza las sonoridades del hip hop, la electrónica, el jazz moderno y el rock progresivo. Compuesto, grabado, producido, mezclado y masterizado por el propio artista, el disco nace en su home studio como un proyecto totalmente personal.
La génesis de Viral se remonta al año 2020 con la creación del primer track, Memento Mori, y se extiende hasta abril de 2025, momento en que finaliza el trabajo de mezcla y masterización. Según Binaural, «el disco trata del doble significado que puede tener esta palabra: por un lado, lo ‘análogo’, porque muchos de los tracks fueron compuestos en pandemia, y por otro, su sentido ‘digital’, vinculado a cómo hoy se consigue fama o masividad en Internet«.
Entre las canciones más representativas del álbum se encuentra “Fulcrum”, segundo single del disco, que destaca por utilizar la voz del reconocido divulgador David Attenborough para transmitir un mensaje urgente: «tenemos que cuidar la Tierra para que ella cuide de nosotros; si no lo hacemos, ella no desaparecerá, nosotros lo haremos«. Este track condensa una de las grandes preocupaciones del proyecto: el impacto humano en el planeta y la fragilidad de nuestra permanencia.
El tercer single, ya disponible, es “Idea”, que explora el mundo de los sueños y el inconsciente. Narrado con la voz del Agente Cooper de Twin Peaks, la canción indaga en cómo se forman las imágenes mentales y cómo estas pueden operar como señales de nuestra relación con el entorno. El estreno de Idea vino acompañado de una Live Session grabada por Planeta Estudio, destacando el carácter performático y espontáneo del proyecto.
Por su parte, el primer adelanto del disco fue “Liminal”, una pieza instrumental que introduce al oyente al mundo híbrido y experimental del álbum, conectando beats electrónicos con texturas atmosféricas y toques jazzeros.
Además del relato conceptual que recorre todo el álbum —inspirado también en la serie noventera Twin Peaks, y su idea de que lo que le sucede a uno afecta a muchos—, Binaural encontró en este proyecto la oportunidad de reconectar con su primer amor musical: la batería. «Influenció mucho el poder por fin incluir baterías reales. Siendo baterista, en mi música anterior no podía grabarlas. En ‘Viral’ se da por primera vez la mezcla entre lo electrónico y lo análogo, con un sonido más crudo y humano«, comenta el artista.
Desde Cromatóforo (2017) y el más reciente Máscara Beattape (2023), Binaural ha expandido su universo sonoro. Viral es su obra más ambiciosa hasta la fecha: una reflexión sobre la hiperconexión, el algoritmo, la memoria y la sensibilidad humana, envuelta en ritmos complejos y paisajes sonoros densos, pero emotivos.
Después de una pausa creativa y personal, Duda de Ariesregresa con fuerza al panorama musical con «Arrebol», una canción que renace desde lo íntimo para convertirse en un himno nostálgico. Originalmente escrita en 2020 en un proyecto previo, cobra hoy nueva vida bajo su identidad como solista, con una propuesta artística que entrelaza el pop alternativo, la nostalgia emocional y una estética sonora tan íntima como expansiva.
Inspirada en los atardeceres encendidos de Santiago —los arreboles—, la canción los utiliza como metáfora de aquellos encuentros que llegan con intensidad y desaparecen sin explicación. «Quise traducir esa imagen en sonido, como una relación hermosa pero efímera, que nos cambia sin pedir permiso», explica Duda. Así, Arrebol se convierte en una postal sonora que habla de lo fugaz, de lo que deja huella sin quedarse, de lo bello que no puede repetirse.
La producción y dirección musical estuvo a cargo de Franco Gabelo, con mezcla y producción adicional de Seba Gallardo (Estudios Fantasmas – We are the Grand). La letra es autoría de Duda de Aries, mientras que la composición fue desarrollada junto a Ricardo Riederer. Con una orquestación envolvente, arreglos de cuerdas e interpretaciones vocales cargadas de emoción, Arrebol invita a detener el tiempo y dejarse llevar por una experiencia sensorial y poética.
El videoclip, grabado en Santa Catarina, Brasil, fue dirigido por el cineasta Francisco Maestri, quién junto a Duda lideró también la edición del material. La pieza audiovisual complementa el universo sensible de la canción con imágenes que evocan la naturaleza, introspección y movimiento interior, proyectando a la artista como una narradora visual de sus propios relatos emocionales.
Este nuevo sencillo marca el regreso oficial de Duda a los escenarios chilenos, luego de dos años fuera del país. La artista se presentó en vivo en la Sala Master junto al artista Matías Lizama, dando inicio a una nueva etapa musical más madura, íntima y poderosa.
Ya puedes escuchar Arrebol en todas las plataformas digitales. Una canción que no se deja atrapar fácilmente, como los atardeceres que inspiran su nombre. Se siente, se vive… y deja una marca imborrable en el alma.
El aclamado pianista y compositor cubano-estadounidense, Kemuel Roig, se complace en anunciar el lanzamiento de su esperado nuevo álbum, «Dos Almas». Esta ambiciosa producción, disponible a partir del 23 de mayo de 2025, es un viaje íntimo y profundamente personal a través de nueve cautivadoras piezas, donde el piano se erige como el único y verdadero protagonista.
«Dos Almas» marca un retorno a las raíces de Roig, explorando sin artificios el poder emocional de su instrumento. El álbum entrelaza reinterpretaciones de clásicos del repertorio cubano con la maestría del clasicismo, la riqueza del jazz y otras sonoridades que han definido su trayectoria musical. El primer sencillo, «Convergencia», una emotiva adaptación de Marcelino Guerra y Bienvenido J. Gutiérrez, se lanzó el 9 de mayo de 2025, ofreciendo un primer vistazo a la profundidad de este proyecto.
Para Kemuel Roig, «Dos Almas» es una declaración sincera, un reflejo de su intimidad más profunda. «Grabé música que tiene mucho significado para mí, obras que han marcado mi vida a través de los años, de compositores cubanos que aprecio y que han sido fundamentales en mi historia,» comparte Roig. El álbum es un tributo a sus seres queridos y a su espiritualidad, con temas como «Historia de Amor [Para Noemí]», «Kenneth [Heaven’s Gift]», «Kendrick [Blessed Child]» y «Home» dedicados a su esposa e hijos, y «The Almighty» plasmando su fe.
La prestigiosa musicógrafa Rosa Marquetti destaca que en «Dos Almas» conviven interpretaciones líricas y emotivas, respetuosas y a la vez transgresoras. Cada corte es un viaje personal y universal, donde Roig reinventa clásicos como «Quiéreme Mucho» (de Gonzalo Roig) y «Alma con Alma» (de Juanito Márquez), permitiendo que el piano exprese la emoción en su forma más pura. En «Almendra» (de Abelardo Valdés), Roig expande las posibilidades expresivas del danzón clásico, resaltando su lirismo y el protagonismo percusivo del piano a través de improvisaciones de lenguaje jazzístico.
La carrera de Kemuel Roig ha estado marcada por un diálogo incesante con diversos formatos instrumentales y colaboraciones con leyendas como Al Di Meola, Arturo Sandoval, Ed Calle, Randy Brecker y Chris Potter. Su capacidad para respaldar a voces icónicas como Aymée Nuviola demuestra su versatilidad y maestría. Con «Dos Almas», Roig valida la necesidad de un diálogo íntimo entre el artista y su instrumento, invitando al oyente a sumergirse en un mundo de sentimiento, tradición y experimentación.
El álbum fue grabado en el Herbert & Nicole Wertheim Performing Arts Center en Miami, FL, el 11 de febrero de 2024, utilizando un Steinway & Sons Model D Artist Series y micrófonos de alta definición Earthworks, asegurando una calidad de sonido excepcional.
Track Listing:
Kenneth’s [Heaven’s Gift] – Kemuel Roig
Convergencia – Marcelino Guerra y Bienvenido J. Gutiérrez
Samylee y Rocco se juntan para presentarnos “Cómo te explico (Remix)”, single que habla de una historia de reencuentro con una ex pareja. Lo que comienza como un encuentro amoroso con intenciones claras, termina transformándose en una búsqueda de algo más profundo: un deseo de cariño que trasciende lo físico.
La canción se inspira en el sentimiento de tristeza, ruptura y reencuentro. Samylee comparte que “me inspiró recrear el arrepentimiento que se siente al terminar una relación, y a la vez, la sensación de felicidad que genera volver a ver a esa persona insuperable para conectar, aunque sea por última vez”.
El remix tuvo un proceso de creación que duró aproximadamente un año y un poco más. En él participaron Oxacusa (beat y grabación), Simón Pizarro (grabación) y bfour (mezcla y master).
En cuanto al sonido, Samylee explica que su principal influencia fue “el género de reguetón más melódico y sentimental, pero a la vez lo intenté mezclar con una letra más explícita y oscura”. Ese contraste define el carácter del remix: una base rítmica emocional que acompaña una historia intensa y cargada de sentimientos encontrados.
