Volcán estrena ‘Ceros & Unos’, un álbum enérgico, introspectivo y psicodélico

Luego de lanzar los sencillos ‘Ver tus ojos mirándome’, ‘La ciencia de los sueños’, ‘Todos los perros van al cielo’, ‘01001’ y ‘Alma y olvido’, la banda de rock colombiana Volcán estrena su 3er álbum de estudio ‘Ceros & Unos’.

‘Ceros & Unos’ es un álbum que habla sobre la vida y la muerte desde varias perspectivas, no solo desde lo físico y terrenal, sino desde los nuevos inicios, las reconexiones, los cambios y las distintas muertes que vivimos a lo largo de la vida, además de abordar la vida desde la evolución natural del ser humano, cómo nos transformamos en una nueva persona a través de las experiencias que vivenciamos.  El todo y la nada. Desde el lenguaje binario el cero presenta la falta de información y el uno representa que hay información, todo se puede representar en función de ausencia y presencia, por eso el nombre del álbum. 

«Durante el proceso de este álbum notamos un crecimiento musical, una mayor conexión con el público y la energía entre los integrantes de la banda, además, hemos logrado llevar el proyecto a un nivel más sólido, sumando las experiencias para potenciar el sonido y el alcance de Volcán en la escena musical», comenta la banda.

«Las 12 canciones del álbum narran la sensación de ruta en la vida del ser humano, aceptando la muerte como parte de la vida. Volcán quiere compartir esta placa discográfica para establecerse como un proyecto musical sólido y relevante, incentivando a la escena alternativa como un espacio importante dentro de la industria musical nacional», agrega el grupo.

‘Ceros & Unos’ de Volcán es la exploración de un sonido enérgico y vintage, mezclado con tintes modernos, además recoge las influencias que David Ospina (voz, guitarra y producción), José Hernández (bajo, coros y dirección creativa), Sebastián Fuentes (guitarra, coros y colágeno) y Rodrigo Canal (batería y gestión) han escuchado durante toda su vida. El grupo llega a este sonido con influencias de sus artistas favoritos y música de los años setenta como Gang of four y Richard Hell and the Voidoids, un poco de The Misfits y algo del soul con instrumentación de cuerdas y vientos.

Volcán le canta en ‘Ceros & Unos’ a los sueños y la realidad en ‘La ciencia de los sueños’, explora el punk psicodélico en ‘01001’, describe como ensueño el sencillo ‘Fácil llorar, difícil reír’, denomina como una misión la canción ‘Se apaga el aliento’, habla de sueños invertidos en ‘Anarquía en celofán’, de contemplación y descanso en ‘Navegante’, se inspira en el amanecer en ‘Dame lumbre’, en el amor y los viajes en el tiempo en ‘Ver tus ojos mirándome’, le canta a las conexiones interdimensionales en ‘Todos los perros van al cielo’, a las experiencias eclécticas en ‘Esmeralda’, a la búsqueda en ‘Alma y olvido’ ft Los Balcones Amarillos, y a una playita ilógica en ‘Absurdo por ahora’.

Para Volcán, «es un disco hecho para escuchar en momentos de agradecimiento y apertura, en especial en días introspectivos. Todo depende del mood, pero lo ideal sería escucharlo mientras se experimenta la conexión con uno mismo. Este álbum es para recibir la vida y la muerte porque no tienen tiempo».

La portada del disco fue ilustrada por el artista bogotano Sako Asko como una interpretación visual del contenido musical y lírico del álbum. La producción, mezcla y master en cinta magnética se hizo en Brona Records.

‘Ceros & Unos’ de Volcán viene acompañado del sencillo destacado ‘Navegante’, una canción de amor y contemplación, su sonido es perfecto para un momento de relajación y espiritualidad; también tiene un toque tranquilo y sensual.

Volcán tiene como objetivo principal para el segundo semestre del año promocionar el nuevo álbum a través de un tour nacional de 9 fechas en donde visitarán: Bogotá, Tunja, Pereira, Cali, Pasto, Ipiales, Medellín, Barranquilla y Bucaramanga. La gira comenzará a finales de junio con un show en Bogotá que será el 28 de junio en Ace of Spades y en Tunja que será el 29 de junio en Loop Club.

«‘Ceros & Unos’ es la celebración de los primeros 5 años de la banda en busca de una consolidación, además conecta de principio a fin con la realidad de todo ser humano. Nadie es ajeno a la vida o la muerte, todos hemos experimentado cosas de las que habla y proyecta este disco», concluye Volcán.

Ocupante presenta ‘Ocelote’, una canción raizal y psicodélica

Ocupante es el proyecto musical en dúo del vocalista y compositor Andrés Suárez y el productor e instrumentista Andrés Morales, quienes logran su identidad sonora indie neotropical al navegar por diferentes universos sonoros musicales como el indie rock, synth pop, indie pop, chill hop y fusiones de percusiones con raíces afro y latinoamericanas.

La intención de su propuesta musical es crear un viaje sonoro, una experiencia que inspire y emocione, que invite al movimiento, a la energía y la reflexión. En resumen, música que se sienta y se experimente a profundidad; por medio de diferentes influencias sonoras que fusionan estéticas y géneros, pero con paletas definidas.

«A través de nuestras canciones queremos enviar un mensaje de vivir más livianos y conscientes, disfrutar de la vida y los diferentes estados emocionales que experimentamos en ciertos momentos, reconociendo la complejidad de las emociones y encontrando belleza en cada experiencia», comenta Ocupante. «Nuestras influencias musicales pasan por la escuela del rock e indie rock, así como artistas conocedores de la síntesis y los sonidos electrónicos elaborados. Hemos explorado con percusiones afro y del folclor colombiano», agrega el dúo.

‘Ocelote’ es el nuevo lanzamiento de Ocupante, remake de ‘Ocelote’ (Felino), una canción que mantiene la esencia respecto a la original, se basa en su mitología y en cómo se relaciona este animal astuto e imponente con la naturaleza. A nivel sonoro, mantiene su color, pero adaptando un beat más pegajoso fusionado con cumbia psicodélica.

«‘Ocelote’ es una exploración sonora que, a pesar de tener una estructura ternaria extraña, contiene mucha riqueza sonora, sonidos étnicos de nuestra cultura latinoamericana y fiesta psicodélica», enfatiza Ocupante.

‘Ocelote’ de Ocupante es un remake que parte de una relación entre Lucas Burgos (La Otra Esquina) y Monstruos del Mañana durante Fimpro 2021, quienes les permitieron trabajar con una de sus canciones. Poseen una propuesta muy firme de su cultura mexicana y qué decir de Lucas quien es un MC con una línea poética fuerte, perfecta para la construcción de esta canción.

‘Ocelote’ es la tercera canción del EP ‘Raizal’ de Ocupante compuesto de 3 canciones. En este trabajo el dúo explora las raíces colombianas de los litorales pacífico y atlántico, fusionando su concepto indietronic con dichos sonidos étnicos. En sus letras, el oyente se encontrará con historias de cotidianidad, relaciones, amores y desamores.

Ocupante hace parte de Grabaciones Tierranegra, un sello de músicas alternativas colombianas de la ciudad de Medellín con sonidos que van desde el folclor colombiano hasta las músicas electrónicas. El sello lleva desde 2015 publicando constantemente discos de diversos artistas y desarrollando proyectos como La Siembra (2023) con canciones de artistas colombianos alternativos inspiradas en la naturaleza y el medio ambiente.

Según Ocupante, «Este año estamos fortaleciendo el live set y seguimos enfocados en los lanzamientos, insumos iniciales para la posterior creación sonora en la que estamos centrados».

«Nuestras expectativas están dirigidas a dar a conocer un sonido que se transforma, pero que al mismo tiempo es atemporal, buscando que las personas se dejen ocupar con nuestra sonoridad y letras, que sean también ocupantes de nuestro viaje y descubran la calidad y diversidad musical que tiene Colombia para ofrecerles», concluye el dúo.

Ricardo Pita presenta ‘Tanto’, una canción de resistencia y perseverancia

Ricardo Pita es un viajero, nómada, caminante, amante de la vida, la naturaleza y la música. Una persona que propone unión, igualdad y reflexión, pero con ligereza y buen ánimo. Un contador de historias a través de canciones que conecten, comunique y que lleven mensajes de unión. A través de su propuesta, el músico ecuatoriano busca crear conciencia y decirles a los locos, a los alienados y a los reprimidos del mundo que no están solos.

Ricardo Pita creció en un hogar rodeado de mucha música en la que al mismo tiempo se escuchaba folclore y rock. Esa fusión y mezcla de ritmos se hace muy presente en toda su música. La influencia principal de su música son los viajes, las carreteras, la naturaleza, la gente y las comidas de cada ciudad visitada. Las luchas y las voces silenciadas. El humanismo como bandera.

«Me gustaría que quienes me escuchan sientan que son parte de algo. Que encuentren en mi música un espacio donde son bienvenidos. Me gustaría lograr que despierten, que dejen de aceptar lo que el convencionalismo nos propone como norma. Entregarles un mensaje potente, que los haga reflexionar, al mismo tiempo que divertirse y querer cantar a todo pulmón», comenta Ricardo Pita.

‘Tanto’ es el nuevo lanzamiento del músico ecuatoriano Ricardo Pita, una canción que habla de la necesidad de migrar e ir a buscar un futuro mejor teniendo que dejar atrás tu gente, tu vida, para luego encontrarse lejos, añorando regresar. Al mismo tiempo, el coro dice que todo el recorrido, todo lo caminado, lo bueno y lo malo te ha llevado a ser quién eres. Todo es aprendizaje.

La letra de ‘Tanto’ narra la historia de un migrante que, en su camino, por más que esté lleno de dificultades, también encuentra muchísimas alegrías y aprendizajes. La canción tiene una mezcla de ritmos que llevan al oyente por un paseo que viaja por África, ritmos latinoamericanos y tropicales. La idea es que las personas sientan el viaje que trajo esos ritmos africanos a ser arraigados en el continente americano. Beats volcánicos electrónicos.

«La música la empecé a hacer en la playa de Ipanema en Río, pero la historia de la letra es otra. En 2019 tuve una experiencia que me marcó mucho yendo por primera vez hacia México, país al que prometí no ir hasta tener un show de peso y así fue. Me invitaron a participar en un festival junto a Caetano Veloso, Natalia Lafourcade, Kevin Johansen, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, algunos de mis más grandes referentes en la música. En el aeropuerto fui llevado sin razón alguna a un calabozo con condiciones inhumanas, donde estaban hacinadas personas de muchas nacionalidades. Algunos llevaban varios días ahí. Pude experimentar de primera mano el abuso del poder de las personas de migración quienes maltrataban a la gente con golpes e insultos. Había una desinformación total del por qué estábamos ahí y cómo se solucionaría. Al mismo tiempo que veía la crueldad pude evidenciar el poder del espíritu humano y la bondad de la que somos capaces. La gente ahí encerrada se olvidaba de sus propias preocupaciones por ayudar e intentar tranquilizar a los nuevos que iban llegando, compartiendo la poca comida que se tenía. Pronto nos habíamos hecho buenos amigos. Escuché muchas historias de lucha, de gente que venía dejando su vida atrás para buscar una mejor oportunidad y darle un mejor futuro a sus familias», enfatiza Ricardo Pita.

El video de la canción es una bitácora de los viajes del nómada, protagonista de la canción, quien vive entre terminales y aeropuertos, y todas las alegrías y añoranzas que el viaje conlleva. A la vez, se muestra información sobre la migración a través de los años.

«Quiero crear un mensaje de empatía por nuestros hermanos latinoamericanos que luchan a diario lejos de sus familias, por buscar un mejor mañana. Al mismo tiempo está el mensaje de saber reír ante el infortunio, de no dejarse abatir por los problemas, de darle buena cara al mal tiempo y de poder controlar cómo reaccionamos ante las adversidades», puntualiza el artista ecuatoriano.

‘Tanto’ es el primer sencillo del nuevo disco de Ricardo Pita, donde hace un giro bastante notorio de su sonido anterior. Su cuarto álbum de estudio, que se lanzará a finales de agosto, es un trabajo en donde incorpora sonidos de música electrónica. Los beats volcánicos y los sintetizadores llevarán la base de las canciones.

Según Ricardo, «el disco narrará la experiencia latinoamericana. Es una mirada a todo lo que nos aqueja como sociedad ante los malos gobiernos y todo lo que nos puede ser arrebatado en un segundo, haciéndonos reflexionar de lo que es realmente importante: la familia y la unión. Al mismo tiempo, refleja lo que nos caracteriza como latinos, la alegría ante la adversidad. Nunca dejarnos abatir por lo que no podemos controlar, invitándonos a levantar la voz y hacernos escuchar».

«Es un momento importante para despertar. Vivimos en una sociedad que acepta como norma que debemos consumir y alimentar a ese monstruo que hoy llaman algoritmo y que nadie está buscando otras opciones de cómo conectarse con los demás. Nos tienen controlados y como humanos deberíamos intentar revolucionar y romper ese ciclo. No adaptarnos. Es hora de que Latinoamérica despierte como lo están haciendo sus volcanes», concluye Ricardo Pita.

Clara Yolks le canta al amor a distancia en tiempos digitales en ‘Videocall’

Clara Yolks es una artista peruana multidisciplinaria que explora diversas vertientes además de la música, como el dibujo en el que hace cómics, la poesía y la danza. Es una cantautora ecléctica a la que le gusta experimentar diversos géneros musicales como pop alternativo, electrónica y lo-fi con una base de rock pop. Actualmente se encuentra volviendo a sus raíces rockeras presentes en algunas canciones de su primer disco y algunos singles recientes.

La música de Clara Yolks se caracteriza por su autenticidad, buscando conectar con su público de la mejor y más real manera posible, generando un espacio seguro para toda su audiencia.

«Además de expresar lo que siento, trato de generar un abrazo sonoro o un puente de comunicación que pueda hacer sentir comprendido a alguien que quizás no encuentra donde calzar sus emociones», comenta la artista con influencias musicales actuales de Remi Wolf, Benee, Willow, Julieta Venegas, Zoe Gotusso y Girl Ultra.

‘Videocall’ es lo nuevo de Clara Yolks, es una canción hecha en colaboración internacional con Billy Miamor, artista mexicano de Monterrey. Habla sobre el amor a distancia en tiempos digitales.

Es una canción pop rock que empieza dulce, con una guitarra acústica y luego se introduce al pop rock. Hay elementos lúdicos de un vidrio roto, voces como si estuviesen en una llamada, notificaciones y más. Es una conversación entre Billy y Clara. Tiene influencias de Clairo, Still Woozy, Snail Mail, Sen Senra y Amaia.  Fue producida por Billy Miamor en Wordwide y coproducida por Edwin Black en The Glass Studio.

«El concepto se centra en esa sensación en la que sientes que al fin encontraste a alguien que es compatible contigo, pero vive al otro lado del mundo y existe la angustia del no saber qué pasará luego», agrega la artista peruana.

Clara, su mánager Maw y Billy se reunieron en el estudio de Worldwide en Monterrey (mismo en el que graban artistas como Bruses, Nsqk, Ivanna, entre otros) abrieron sus corazones y hablaron sobre lo cruel que puede llegar a ser el amor. Los tres estaban pasando por situaciones similares en las que Clara englobó «¿Por qué es tan cruel el amor?» y empezaron a trabajar la canción cuya portada fue realizada por Alejandra Cuack.

‘Videocall’ comenzó como un tema pop, producido por Billy Miamor en el que Clara Yolks tocó bongos y la guitarra del inicio. Había sonidos extradiegéticos como vidrios rompiéndose a modo de corazones rotos y sonidos del celular como si fuese una videollamada. Luego de algunos meses, al revisitar la canción, se decidió continuar la producción con Edwin Black e incursionar más en sonidos rockeros sin perder la base pop, además efectos como el desconectarse de la videollamada.

El video de la canción tiene como protagonista una pareja, representada por Clara Yolks y Billy Miamor, autores de la canción, que tienen una relación a distancia en tiempos digitales. Esta se va deteriorando con el tiempo y ese desprendimiento emocional se ve representado en la «mala señal» de la videollamada que los une hasta que uno de los personajes se vuelve un glitch (error).

El video de ‘Videocall’ fue dirigido por Ivanna León y Clara Yolks, la dirección de fotografía estuvo a cargo de Matías Wong, la dirección de arte por Jesús Aldana, contó con la asistente de arte Tayna Mujica, el asistente de iluminación Diego Rosado, la edición de Ivanna León, la post producción de Matías Wong e Ivanna León con el apoyo de la productora de Matías Wong, Patio @patio.av. En el clip también se contó con la participación del equipo de Honey, disquera de Worldwide a la que pertenece Billy Miamor en Monterrey, México.

Para Clara Yolks «siempre es buen momento para darle un abrazo a tu corazón con mis canciones. ‘Videocall’ es perfecta para escuchar en la noche cuando te preguntas «por qué es tan cruel el amor» como dice la canción».

‘Videocall’ hace parte de ‘Mar adentro’, el segundo álbum de estudio de Clara Yolks en el que están presentes algunos singles lanzados entre finales de 2023 e inicios de 2024 como ‘Perdón amé’, ‘Límites’ e ‘Inquilino’. Todas estas canciones invitan a introducirse al universo interno de Clara y su mar de emociones.

Durante los próximos meses, la artista peruana realizará nuevas colaboraciones con proyectos mexicanos y ultima detalles de su nuevo disco que complementa la narrativa actual de Clara, ofreciendo una experiencia sonora en donde juega con distintos géneros, pero siempre manteniendo la esencia del proyecto.

«Traigo una nueva y fresca propuesta que conecta de una manera especial con mi público, tengo un club de fans llamado La Familia Yolks en el que comparten entre sí actividades más allá de escucharme y apoyarme. Buscamos reforzar relaciones en Latinoamérica, sobre todo en México y Colombia, sin dejar de lado a Perú, manteniéndome auténtica a mi proyecto y mi personalidad. La idea de viajar gracias a mi música es un sueño del que no me quiero despertar», concluye Clara Yolks.

Aldeano de Neptuno presenta ‘Carreteras a media noche’, una canción reflexiva e introspectiva

Aldeano de Neptuno es el proyecto solista del músico, compositor, productor y multi instrumentista colombiano Juan Cuadros. La propuesta de R&B Alternativo nace en el año 2020, en medio de la pandemia, período durante el cual el confinamiento brinda a Juan la oportunidad de sumergirse en la exploración de diversas sonoridades. Este tiempo le permite no solo encontrar su voz como artista y compositor, sino también desarrollar un universo sonoro distintivo al componer las primeras canciones de su proyecto.

La esencia de su propuesta musical radica en contar historias y vivencias que resuenen profundamente con el público. A través de sus canciones, busca establecer una conexión emocional con los oyentes, utilizando la música como un medio de expresión y catarsis.

‘Carreteras a media noche’ es el reciente lanzamiento de Aldeano de Neptuno, una canción profundamente arraigada en una experiencia personal del artista. La canción explora el sentimiento de volver a transitar por lugares que evocan recuerdos de una persona que ya no forma parte de nuestra vida. A través de una nostálgica melodía, la letra invita al oyente a reflexionar sobre la complejidad del amor y el proceso de dejar ir. Es una obra que aborda de manera conmovedora el tema de la nostalgia, recordándonos que, a veces, el crecimiento personal implica aprender a seguir adelante.

‘Carreteras a media noche’ explora sonoridades del RnB y el Soul de los años 2000s acompañadas de baterías de hip hop y ritmos latinos como el bossa nova en los coros. La canción fue mezclada por Daniel Cortes, ganador de premio Grammy y fue producida por Christofer, productor del último trabajo de Manuel Medrano y Rawayana.

El video de ‘Carreteras a media noche’ nos sumerge en un viaje solitario e introspectivo a lo largo de los caminos que alguna vez recorrimos con esa persona en el pasado. En esta odisea visual, el personaje principal, encarnado por Aldeano de Neptuno, se embarca en un recorrido reflexivo a bordo de su automóvil, navegando por las carreteras que alguna vez estuvieron impregnadas de recuerdos compartidos. A medida que avanza, la cámara captura cada mirada perdida y cada suspiro de nostalgia, transmitiendo la complejidad emocional de dejar atrás el pasado mientras se enfrenta al presente y al futuro con valentía.

El video tiene un estilo aesthetic de la primera década del 2000s y fue grabado con una cámara análoga y otra handycam digital que da esa textura granulada de esta década.

«Es una canción perfecta para esos late night drives, para reuniones con amigos y para esos momentos de soledad e introspección», comenta Aldeano de Neptuno.

‘Carreteras a media noche’ es el primer sencillo del álbum debut de Aldeano de Neptuno titulado ‘Hotel Neptuno’, un disco conceptual que invita a la reflexión sobre la nostalgia, el amor y la lucha interna, ofreciendo una experiencia auditiva única en cada canción. El álbum saldrá en 2025 y contará con 11 canciones.

«Este trabajo nos sitúa en el mítico Hotel Neptuno, un lugar atemporal plagado de fantasmas del pasado los cuales nos retarán a enfrentar nuestros miedos y deseos más oscuros», agrega el artista.

Con este proyecto del ‘Hotel Neptuno’, el Aldeano de Neptuno busca posicionarse a nivel nacional e internacional como uno de los artistas que llevan la batuta de nuevas propuestas independientes. Crecer en números, audiencias y oportunidades de tocar en nuevos escenarios de Colombia y Latinoamérica. «Como artista independiente, el Aldeano de Neptuno ofrece una perspectiva única de RnB alternativo. Su enfoque creativo y su estilo distintivo pueden atraer a oyentes que buscan algo fresco y diferente en la escena musical. A través de su música, el Aldeano de Neptuno comparte historias íntimas y experiencias personales que pueden resonar con los oyentes. Su capacidad para transmitir emociones auténticas y profundas puede crear una conexión poderosa con la persona que se dé la oportunidad», concluye el artista.

Una noche en Bogotá estrena ‘Lugar’, una canción de esperanza, libertad y pasión

Una noche en Bogotá es una banda colombiana de indie rock alternativo que nace en el 2022 conformada por Gio Calderón (voz principal y guitarra rítmica), Carlos Polo (bajo), Darío Fernández (guitarra líder) y Nicolás Villamizar (batería y secuencias). El grupo se funda por la necesidad de encontrar un proyecto basado en el amor por la música y el deseo de crear sonidos que cautiven los exigentes oídos de la audiencia en la actualidad. Sus integrantes conciben la banda como una empresa en donde cada uno cumple un rol específico además de la interpretación musical.

La intención de la propuesta de Una noche en Bogotá es crear música que el público y la banda disfruten escuchar, mezclando los diferentes géneros y gustos musicales de cada integrante, logrando así, una identidad como grupo y un reconocimiento dentro de la industria.

«Queremos que nuestra música mueva emociones en las personas. No queremos definir un mensaje como tal, ya que nos encanta que el público interprete cada canción desde su punto de vista, pero es evidente que lo que queremos lograr con nuestras canciones es que, a través de ellas, se permitan liberar los diferentes tipos de sentimientos que tenemos como seres humanos; es decir, que el público se desahogue, libere, se alegre, tenga esperanza y vuelva a vivir o enfrentar la vida desde otro punto de vista», comenta Una noche en Bogotá cuyas influencias musicales viajan por el rock, indie, pop, metal, hardcore, punk rock y britpop.

‘Lugar’ es el nuevo lanzamiento de Una noche en Bogotá, es una canción que habla de la forma en como vemos y afrontamos la vida que muchas veces se vuelve monótona, dentro de una sociedad donde para muchos valen más las apariencias y en donde la información es demasiada, pero no hay certeza de nada, haciéndonos olvidar que las oportunidades siempre estarán ahí y es solo decisión nuestra tomarlas o dejarlas pasar. Transmite esperanza y lo que significa para Gio el hacer parte de UNB, siendo en este momento su mayor apuesta y su conexión con la libertad y su pasión, la música.

‘Lugar’ explora sonoridades pop rock con sonidos alternativos y frescos, tiene distorsiones no muy pesadas con guitarras pronunciadas, sobre todo en la guitarra líder donde se identifica esa influencia del rock de los 2.000 mezclada con el shoegaze actual.

El video de ‘Lugar’ de Una noche en Bogotá lo protagonizan sus integrantes y se filmó en la ciudad donde se formó la banda. El concepto del video se basa en mostrar la ciudad y varios de sus lugares más reconocidos para pasar ‘Una noche en Bogotá’. El registro se hizo durante un performance de la banda en una terraza donde tienen de fondo la ciudad y lo alternaron con un stop motion de fotos de los músicos de espalda recorriendo estos lugares frecuentados en la capital.

‘Lugar’ es el tercer sencillo de Una noche en Bogotá después de ‘Cicatrices’ y ‘Brújulas’. Estas canciones estarán incluidas en el disco debut del grupo que se lanzará a final de año.

«Lanzaremos el álbum completo a final de este año y tenemos pensado grabar un Live Session y de ahí sacar videos y posiblemente algunas canciones del álbum en vivo», cuenta la banda.

«Nuestra expectativa es vivir un par de minutos en el día a día de las personas, en donde podamos mover alguna emoción sin importar cuál, en que podamos transportarlos a recuerdos o futuros imaginados. Creemos que tenemos un sonido característico que a pesar de ser influenciado por muchos géneros tiene su propia identidad y es un poco distinto de lo que está actualmente en el Mainstream tanto local como latinoamericano. Nuestra propuesta puede trascender de una manera adecuada y hemos recibido muy buen feedback de medios en Latinoamérica y esperamos que siga así este crecimiento en la región», concluye Una noche en Bogotá.

Alé Kumá le rinde tributo al bullerengue con una versión electrónica de ‘La verdolaga’

Alé Kumá es un proyecto que comenzó como una banda, pero después se convirtió en el pseudónimo de Leonardo Gómez Jattin, destacado Dj y productor colombiano de música electrónica e integrante fundador del proyecto Cumbiáfrica.

Alé Kumá significa «Encuentro, unión sin ruptura», conceptos y filosofía que esta propuesta de música electrónica conserva desde sus inicios con el firme propósito de generar conexión entre culturas diversas en función del arte. 

Como antesala a su cuarto álbum de estudio, Alé Kumá presenta ‘La verdolaga’, un bullerengue tradicional de la costa colombiana, la canción habla de una planta medicinal que se llama la verdolaga. Totó la Momposina hizo popular esta canción y recientemente su versión se ha hecho viral en redes sociales. 

«Hace poco nos reunimos en un estudio de grabación en Frankfurt con el Dj y productor alemán Simon Fava y el productor italiano Yvvan Back, y decidimos hacer una versión electrónica de esta canción tradicional», cuenta Alé Kumá.

Además de los sintetizadores y los sonidos electrónicos, la canción tiene gaita y tambor alegre colombiano. Cuenta con la participación de la cantante africana Lauren Nguema, quien hizo una gran interpretación de la canción; ella es de Guinea Ecuatorial y habla español como lengua materna, pero también habla otras lenguas de origen bantú y ese acento que ella conserva de sus lenguas tradicionales africanas, le dio una magia especial a la canción.

«Siempre me ha gustado hacer música para bailar, para alegrar el espíritu. La Verdolaga es medicina para el alma, y creo que cualquier momento del día y de la semana es oportuno para escucharla, ya sea en un viernes de rumba o en un domingo de descanso», agrega el artista colombiano.

‘La Verdolaga’ está incluida en el disco ‘Puro Tambó’, una producción de once canciones que Leonardo hizo junto al tamborero Abelardo Jiménez, uno de los más grandes percusionistas folclóricos de todos los tiempos. 

«Quería volver a los inicios de Alé Kumá y que mejor forma que un álbum donde los tambores tradicionales fueran protagónicos, por eso el nombre del álbum. Allí, por supuesto, incluí ‘La verdolaga’, pero en versión bullerengue-chalupa y en formato folclórico de tambores.

Para los nostálgicos del sonido del comienzo de Alé Kumá, encontrarán un álbum muy afianzado a sus raíces; y para los que conocieron a Alé Kumá en su etapa electrónica, porque en este disco encontrarán muchas canciones que se han hecho éxito en las pistas de baile de los clubes, y vale la pena conocer el origen de este repertorio.

«Tengo muchas expectativas con la versión electrónica de ‘La verdolaga’ porque esta música tiene un público muy amplio y es un vehículo valioso para la difusión de la música colombiana; pero también es importante que siga existiendo la música de tambores en la que están inspiradas tantas canciones del género latin house. Por eso sé que el disco ‘Puro Tambó’, va a ser muy bien recibido en las comunidades de la costa donde nacieron el bullerengue, la tambora y los bailes cantaos», concluye.

Ciudad Vorágine muestra su evolución y metamorfosis en su disco debut ‘Entropía’

La banda colombiana de indie rock alternativo Ciudad Vorágine está de vuelta con nueva música para todos sus seguidores en Colombia y Latinoamérica. Se trata de su primer álbum de larga duración ‘Entropía’, un trabajo que refleja la evolución y madurez del grupo en los últimos años.

El concepto del disco ‘Entropía’ se desarrolla a partir de la idea de evolución y metamorfosis, ligando la evolución de la banda musicalmente con los procesos propios del ser humano de crecimiento y transformación; tocando temáticas como la frustración, el amor, el desamor, el deseo y la necesidad de salir adelante de situaciones difíciles a partir de la fuerza de voluntad.

«El álbum es un viaje en sí mismo, una oda a la juventud y sus formas de explorar el mundo, aún si ya se pasó esta juventud o si apenas viene en camino. Cada una de las canciones y sus temáticas aplican para cierto momento de este viaje. El mensaje que enviamos con este trabajo es de liberación, constante cambio y atrevimiento para afrontar los cambios que entrópicamente se avecinan sin avisar», comenta la banda conformada por Santiago Villegas (El Santi) en la voz, Alejandro Silva (Bob) en la guitarra y los coros, Jhon Vargas (Jhonas) en la guitarra, Camilo Velásquez (Camello) en el bajo y Alejandro Muñoz (Cucho) en la batería.

‘Entropía’ es un disco muy técnico musicalmente. En el EP anterior, Ciudad Vorágine se sumergió en el mundo de los efectos de modulación y repetición desde las guitarras, pero para este nuevo trabajo, la banda se atrevió a replantear estructuras y conceptos armónicos, usando poliacordes, cambios de métricas, arreglos corales, instrumentación orquestal combinados con sonidos modernos como loops, samplers, sintetizadores y demás que permiten presentar una sonoridad particularmente diferente en la escena actual indie y alternativa.

‘Entropía’ de Ciudad Vorágine hace reflexiones del pasado en ‘Desorbitado’, habla del crecimiento a partir de los errores en ‘Micropunto’, se apropia de los instintos en ‘Intención volátil’, le canta a la dualidad entre estar mal y sentirse mal en ‘Ruinas’, a una situación trascendentalmente cotidiana en ‘Lofi’, a la ansiedad por cosechar lo sembrado en ‘Desierto tropical’, al deseo y al misterio en ‘Cálido secreto’, a la ansiedad y el frenesí en ‘Torbellino’, al reconocimiento del valor propio en ‘Antídoto’ y cierra el disco haciendo una descripción cinestésica de un viaje en ‘Hongo del sol’.

«Es un álbum que se puede escuchar en cualquier momento del desarrollo de la vida, dejando reflexiones, preguntas y resignaciones a las diferentes situaciones del camino, tanto para quien entra con dudas de la juventud como para los que ya están en su adultez. El disco plantea reflexiones profundas que al mismo tiempo acompañan al oyente en las diferentes situaciones de la cotidianidad, permitiendo que se identifique con las canciones y las convierta en parte de su proceso», menciona el grupo.

El 27 de julio, Ciudad Vorágine realizará el lanzamiento oficial del disco con un show en vivo en Indie Universe junto a grandes artistas de la escena local independiente de Medellín que refuerzan la identidad callejera del grupo y su versatilidad en cuanto a los sonidos y estéticas locales que alimentan su exploración artística.

«Queremos seguir posicionando a la banda dentro de la escena nacional, a partir de la presentación de un trabajo conjunto desde lo sonoro y lo visual, enlazando conceptos como lo anaglifo, con las dualidades sonoras y líricas que presenta el álbum, dejando un concepto sólido y claro sobre la estética de la banda. Todo esto será materializado en diferentes shows en vivo que permitirán que no solo ampliemos las fronteras, sino que el público colombiano y latinoamericano también disfrute de este proceso», concluye Ciudad Vorágine.

Myuras debuta con ‘Versión de mí’, una canción introspectiva de reinvención

Myuras es un proyecto conformado en 2022 por tres músicos hermanos: Emanuel, Hans y Sebastián Gamarra, quienes cuentan con más de 10 años de experiencia en la escena alternativa del caribe colombiano, participando en varios proyectos importantes de la región. El grupo se compone de las vivencias de sus integrantes y el gusto y la química por tocar, con letras cargadas de anécdotas sobre el desamor, la amistad y las ganas de reinventarse.

Apasionados por la música desde temprana edad, los hermanos Gamarra, aprovechando el vínculo fraternal, logran sincronizar sus destrezas en una puesta en escena única que transmite emoción y ritmos de pop rock latinoamericanos que conmueven al público, generando una química única sobre el escenario y fusionando la esencia del pop con su espíritu rockero, el cual ha sido moldeado a lo largo del tiempo por su amor hacia este estilo de vida.

«Myuras nace del sueño de nosotros como hermanos de mostrar nuestra forma de componer, tener un espacio libre donde podamos mostrarnos con fraternidad y camaradería, y que nuestras ideas puedan reinventar la música rock/pop caribeña, utilizando los sonidos contemporáneos presentes en la escena latinoamericana», comenta el grupo con influencias de bandas como Los Mesoneros, Arawato, Diamante Eléctrico, Arctic Monkeys y 5 Seconds of Summer.

‘Versión de mí’ es el sencillo debut de Myuras, una canción que aborda el tema de la autoaceptación y las máscaras que a menudo usan las personas en las relaciones. Es una reflexión sobre los errores pasados de sus integrantes y cómo, a pesar de aparentar estar bien, en realidad estaban engañados y encerrados en una situación insatisfactoria.

‘Versión de mí’ explora una fusión de beats disco de los años 80 (Michael Sembello, A-ha) con melodías construidas desde una base pop y distorsiones características del blues rock. La intención de la agrupación fue crear un sonido introspectivo y enérgico, pero manteniendo un beat persistente en casi toda la canción.

«A veces hay que reconocer que no somos la combinación adecuada y que está bien estar solo. Concluyendo que la mejor versión de uno mismo es aquella en la que puede ser honesto consigo mismo, incluso si eso significa estar solo», agrega la banda.

El video de ‘Versión de mí’, dirigido por Emanuel Gamarra, tiene como concepto «el viaje del cambio» de ir a un punto A de una forma hasta llegar a un punto B donde el ser humano es distinto a lo que era cuando llegó.

«Fue un video muy retador a la hora de producir, ya que las grabaciones en exterior son difíciles. Escogimos como locación unas playas hermosas en Santa Verónica, Atlántico, con un increíble viento alisio. Quisimos que el clip se enfocara en nosotros, ser sus únicos protagonistas, también para dar un mensaje de reinvención de nosotros mismos», menciona Myuras.

‘Versión de mí’ es el primer sencillo de su EP debut homónimo ‘Myuras’ que consta de 3 canciones, el cual fue grabado y producido en la ciudad de Barranquilla en Mala Hora Studios y fue mezclado por Carlos Imperatori (Arawato, El Cuarteto de Nos, BTS, Los Mesoneros) de Custom Shop Studios en Miami, Florida. Además, fue masterizado por Reuben Cohen (Queens of the Stone Age, Pharrell Williams, Bruno Mars) de Lurssen Mastering en Burbank, California.

El EP, descrito por los integrantes de Myuras como «un trabajo muy personal que escribimos como hermanos, valiéndonos de todo lo que aprendimos estos años alejados de las tarimas», se lanzará en agosto de 2024. El grupo también prepara su primer Live Session.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Myuras en Colombia y Latinoamérica porque muchas veces preguntan sobre la música pop de Barranquilla, sus referentes más grandes, pero también queremos mostrar que la música alternativa e independiente tiene cabida en una región costera donde sabemos que es fuerte la música tropical, pero es una invitación a dejarse enamorar de otros sonidos del caribe», concluye el grupo.

La orquesta colombiana de salsa La Radio Bembé presenta ‘Radio Punk’ y ‘Jairito’

La Radio Bembé es una orquesta colombiana de música latina que nace en 2015 en Buenos Aires, Argentina y fusiona estilos provenientes de la música antillana para crear su estilo propio salsero. Se caracteriza por sus potentes shows en vivo y por ser una propuesta joven y diferente a lo que se ve en el mundo de la salsa en la actualidad, desde lo audiovisual hasta las composiciones y los arreglos de la música, escritas desde un punto de vista crítico y con un tinte de humor negro.

Conformada por Esteban Moscote (güiro y percusión menor), Santiago Navarro (timbales/drumset), Sebastián Muñoz (bongos y campana), Juan Acevedo (bajo), Gustavo Quiñonez (trombón 2), Alejo Osorio (trombón 3), Daniel Linero (voz), Gilbert Landa (voz), Juan Sebastián Poveda (trombón 1, voz, coros, arreglos y composición), Juan Camilo Camacho (coros, piano, arreglos y composición), The Big Jhonny (coros) y Joshua Soruco (coros, congas, arreglos y composición), La Radio Bembé tiene como intención en su propuesta la exploración musical, la fusión y la explosión de la descarga, el atreverse a plasmar los sentimientos y visiones personales de la vida con arreglos y composiciones que marcan un antes y un después en la escena salsera. Hacer del Guaguanpunk ese frenesí latino y bailable del cual todo el mundo se está contagiando.

«En nuestras canciones tratamos temas reales, sociales y de la calle, en donde usamos el plus de hacer música bailable para que el oyente digiera nuestro mensaje contundente con un poco de humor negro. También hablamos del día a día de lo que significa vivir en una ciudad como Bogotá. La Radio Bembé habla con la verdad y sin tapujos», comenta la agrupación que estrena dos nuevas canciones para su repertorio: ‘Radio Punk’ y ‘Jairito’.

‘Radio Punk’ es una canción con una historia real que, por seguridad, la banda mantiene encubierta la identidad de los personajes reales. Habla de Danilo, un bartender de Bogotá que aprovechaba esta profesión para llevar a cabo su negocio como ‘jíbaro’ (vendedor de drogas). Es una persona que piensa que nunca nada le va a salir mal, le gustan los excesos y las mujeres, y a pesar de tener advertencias de personajes imaginarios, hace caso omiso y continúa con su vida frenética y peligrosa hasta que, por creer que conquistó a una chica, termina encariñado con un agente de policía encubierta cuya única misión es traicionarlo y llevarlo a la cárcel.

‘Jairito’ cuenta la historia de un amigo de La Radio Bembé que es taxista encubierto y que utiliza esta profesión para desempeñar su trabajo de expendedor de drogas en Bogotá. La banda usa el humor negro para contar esta historia y de cómo entró a un mundo del cual no podrá salir. Musicalmente, es un tema bailable en donde la base es el son montuno con el toque de guaguanpunk de RB. Cuenta con trombones agresivos y un toque de fusión con bomba cubana, además de uno de los coros más pegajosos del álbum.

«La Radio Bembé es una experiencia auditiva única, es perfecta para escuchar y disfrutar en cualquier momento y a cualquier hora. Es música para pensar, bailar, dedicar y cantar a todo pulmón; es una propuesta para toda la familia y para todo aquel que disfrute de la música», enfatiza la banda.

‘Radio Punk’ y ‘Jairito’ harán parte del segundo disco de estudio de La Radio Bembé titulado ‘Adaiah’. La agrupación lanzará en los próximos meses los sencillos ‘Relojito’, ‘Fluido rosa’ para luego publicar en su totalidad el álbum. La producción contará con la participación del rapero colombiano El Kalvo en una de las canciones del disco.

«Queremos seguir llevando nuestra música a todos los lugares del mundo a través de historias reales y disfrutando siempre de la exploración y fusión. Es importante que el mundo entero nos conozca porque somos la nueva generación de la salsa con un concepto totalmente propio y original. Nadie puede perderse de escuchar nuestras canciones y de dejarse contagiar de nuestra propuesta en vivo y en estudio», concluye la orquesta La Radio Bembé.

Falquez explora las emociones humanas en su disco debut ‘Known Behaviors’

Luego de publicar los sencillos ‘Solemn Eyes’, ‘Severed Sun’, ‘The Platypus’, ‘Sometimes’ y ‘La separación’, cada uno con su respectivo video como pocos proyectos en la actualidad, el artista colombo estadounidense Falquez estrena su disco debut ‘Known Behaviors’.

‘Known Behaviors’ es un disco que aborda una variedad de temas que van desde el auto descubrimiento y el crecimiento personal hasta las complejidades de las relaciones humanas y las luchas internas. Cada canción cuenta una historia diferente, pero en todas hay un mensaje de positivismo y resiliencia. Incluso en las canciones que parecen tener connotaciones negativas, siempre hay un lado positivo y una luz al final del túnel.

El álbum debut de Falquez explora las emociones humanas en su totalidad, ofreciendo una experiencia auditiva profunda y reflexiva. Con letras introspectivas y melodías dinámicas, ‘Known Behaviors’ invita a los oyentes a un viaje de autoconocimiento y superación personal. Cada pista es un capítulo en una narrativa más grande que celebra la capacidad humana para adaptarse y crecer a pesar de las adversidades.

«Haber lanzado sencillos me ayudó a darle la importancia que cada canción se merece, ya que también se lanzaron con video. Aunque cada lanzamiento tiene su propia identidad, todos se atan al concepto del álbum. Fue gratificante ver la recepción que tuvieron las canciones, así como los videos, y cómo las personas se tomaron el tiempo de dejar mensajes o comentarios en las diferentes plataformas. Este proceso no solo me permitió conectar más profundamente con mi audiencia, sino también ajustar y refinar mi enfoque creativo para asegurar que el álbum final sea una representación auténtica y completa de mi visión artística», comenta Falquez.

‘Known Behaviors’ explora una variedad de estilos musicales, incluyendo rock alternativo, post-grunge, metal y power pop. Aunque en el disco se encuentran varios estilos, se siente una homogeneidad en el sonido gracias a la producción de Ferny Coipel y la mezcla del ingeniero ganador de un GRAMMY, Zach Ziskin. Durante la grabación del disco, Falquez y su equipo hicieron una actividad de análisis de influencias y exploraron varios trabajos alrededor del rock, pop, country y metal, ayudando a entender el proyecto más a fondo y definiendo el sonido y las intenciones del álbum sin alterar las composiciones originales.

«Con mi disco debut busco transmitir la importancia de la autenticidad y la autoaceptación. El álbum invita a los oyentes a reflexionar sobre sus propias experiencias, ofreciendo consuelo y compañía a través de la música. La idea es que cada persona encuentre un espejo de sus propias vivencias en las canciones», menciona el artista.

‘Known Behaviors’ de Falquez habla de los comienzos, la intriga y la curiosidad del viaje musical que inicia en ‘Huentitán’, le canta al amor y tranquilidad en una balada introspectiva que explora el vacío y la obsesión en la ausencia de un ser querido en ‘Sometimes’, aborda la tristeza y la depresión desde el dolor y la melancolía, ofreciendo un rayo de esperanza y aliento al final en ‘Solemn Eyes’. ‘The Platypus’ es una canción de rabia y aislamiento que expresa una profunda frustración y un sentimiento de aislamiento social, con un tono desafiante; ‘Kaleidoscope’ es introspección. Invita a la reflexión personal y a encontrar calma en medio del caos de la vida. ‘Severed Sun’ habla de tristeza y evoca una sensación de pérdida y desconexión con el entorno natural.

En el disco también encontramos canciones tranquilas como ‘El sol brilla por las noches’ junto a Karla Vega, una melodía que fusiona la serenidad de la naturaleza con la meditación interna y la paz; temas de reflexión como ‘Yo miro hacia el cielo para respirar’ que aborda temas espirituales y de automejora desde una perspectiva secular, cuestionando las creencias establecidas; historias de desamor y tristeza como ‘La separación’, un sencillo que captura el dolor de una ruptura amorosa y la tristeza que le sigue, explorando el proceso de separación; y un cierre melancólico con ‘Eternal Silence’, una reflexión sobre la depresión y el autoestima, dejando una impresión duradera.

‘Kaleidoscope’ es el sencillo promocional del disco, una canción que aborda la complejidad del autodescubrimiento y las emociones cambiantes, similar a un caleidoscopio de pensamientos y sentimientos. La canción combina elementos de rock psicodélico con melodías introspectivas. El video refleja este concepto mostrando a la banda tocando como niños y adultos, simbolizando el crecimiento y la percepción cambiante de la vida. La alternancia entre las etapas de la vida en el video representa cómo nuestras experiencias y emociones se transforman con el tiempo.

Durante el segundo semestre, Falquez tiene previsto seguir lanzando videos musicales de las canciones de ‘Known Behaviors’ y planea una serie de shows en vivo a nivel local y regional.

«‘Known Behaviors’ no es solo una colección de canciones, sino una experiencia completa que ofrece una reflexión honesta y auténtica sobre la vida y las emociones humanas. Escuchar este álbum permite a los oyentes embarcarse en un viaje emocional, encontrando consuelo y conexión en cada canción», concluye Falquez.