El cantautor colombiano Pepe Cosme despide el año con nueva música. Luego de haber tenido dos giras por México, de lanzar un EP acústico titulado ‘Las luces del norte’, de publicar múltiples sencillos y de tocar en ciudades como Bogotá y Medellín con su banda Pepe Cosme & Los Antidepresivos’, el artista presenta su nuevo disco ‘Caja con forma de corazón’.
La banda colombiana Bonus Trak nos vuelve a entregar nueva música, se trata de ‘Si no fuera yo’, un sencillo que invita a reflexionar y que marca el inicio de una nueva etapa musical. Con un sonido más cercano al indie rock —sin perder la esencia que los caracteriza—, esta canción abre el camino hacia su próximo álbum de estudio y una serie de lanzamientos en vivo.
En ‘Saturación pop’, el artista argentino YSY A pone en palabras y sonidos una sensación que lo atraviesa hace tiempo: la saturación frente a una escena colmada de música vacía, sin alma, sin letra ni contenido, creada para complacer algoritmos en lugar de transmitir emociones reales.
La banda de punk rock colombiana Nadie, liderada por el cantante y guitarrista Julián Velásquez, ha iniciado con un balance positivo su gira nacional con mas de 20 fechas confirmadas de las cuales ha realizado 11 hasta el momento.
«La emoción del público al cantar las canciones, el acercamiento con ellos mismos desde que compran la boleta por whatsapp dicen cosas geniales hacia nuestro trabajo y la banda, lo cual nos permite cercanía para generar en ellos más cariño y gusto por lo que hacemos», comenta el grupo.
«Los asistentes han recibido a la banda con los oídos abiertos y con demasiado cariño, les ha gustado mucho el nuevo sonido de la banda, más fresco y oxigenado. La nueva formación con Juan Silva en la batería y Boris en el bajo, quienes le han dado un sonido contundente, ha sorprendido al arrancar los conciertos con 10 temas seguidos sin parar uno detrás de otro; además, ha gustado que estemos tocando más temas del primer álbum, y que a Julián no le pasen los años y ya con 50 tenga tanta energía para seguir saltando, sudando y gritando en el escenario», agrega Nadie.
Nadie regresa a Bogotá con un nuevo show denominado Lado A – Lado B, un show donde la banda estará tocando 2 álbumes completos de su discografía de principio a fin: su disco debut ‘Nadie’ 1997 y el último editado ‘Monólogos de un perro con bozal’ 2009.
La idea con este concepto es mostrar la evolución musical y lírica que ha tenido la banda durante 30 años y que seguramente muchas personas se van a emocionar al volver a escuchar esos temas como ‘No mires hacia arriba’, ‘Vida cotidiana’, ‘Respóndeme cabrón’ y ‘Tú me viste nacer’, entre otros.
«No queremos parar de tocar, además, Bogotá es una plaza para el rock and roll muy brutal y la energía vivida en Boro Room el pasado 23 de agosto la queremos volver a sentir muy pronto, con el apoyo de Lacopyrat. Vamos a recordar esa época del skateboard y de la Avenida 19 llena de tiendas para comprar los discos de las bandas nacionales donde inicialmente distribuimos nuestro primer disco el cual tuvo tanta acogida que no lo podíamos creer», enfatiza la agrupación.
El concierto de NadieLado A – Lado B se realizará el viernes 12 de diciembre en Capital Live Concerts en Chapinero. El precio de la boleta en preventa es de 90k + 5k servicio / Balcón 140k + 5k servicio y 120K día del concierto. Toda la información de canales de compra y puntos de venta físicos en los whatsapp 322 2644196 o 317 3745058.
El concierto tendrá la participación de dos agrupaciones bogotanas invitadas: Desarme y Poison the Preacher, las cuales han dejado huella en el rock nacional por su gran su calidad musical e interpretativa, aportando ese sonido ruidoso y sucio que tanto le gusta a Nadie.
Durante las próximas semanas, Nadie se estará presentando en el Loco Fest el 8 de noviembre, el Granada Fest el 15, Rock Al Río el 16, en Duitama el 22 y Cali el 29. En diciembre, la banda realizará un show acústico el 6 de diciembre, en Bogotá el 12 y cerrará la gira este año en Pereira el 19.
Left & Right es la fusión de dos almas opuestas pero complementarias, un proyecto que combina luz y oscuridad, fuerza y sensibilidad, racionalidad y creatividad. Es un sonido que habita entre el electro pop y el R&B, con matices de soul, synth, hip hop e indie, pensado para tocar el cuerpo y el corazón. El proyecto está integrado y creado por dos hermanas de Cundinamarca, Colombia, Linda Quevedo y Karol Quevedo. Nació de su pasión compartida por la música desde niñas y de la necesidad de crear un espacio donde pudieran expresarse auténticamente, contando historias propias a través de melodías y ritmos. El nombre refleja esa dualidad: Left y Right son polos distintos que se encuentran y se complementan para formar algo más grande.
La dualidad nace de sus múltiples talentos que son distintos, pero complementarios. Linda es rapera, vocalista, guitarrista, y productora musical. Por su parte, Karol es vocalista, pianista y compositora. El proyecto está activo desde el año 2020, momento en el que decidieron convertir su vocación en carrera. Cada canción es un reflejo de su camino, sus experiencias y de la conexión que buscan generar con quienes las escuchan. En esencia, Left & Right es música, autenticidad y energía transformada en ritmo, una propuesta que sigue creciendo y explorando nuevas formas de contar historias y mover emociones.
«Nuestra propuesta busca conectar con la fuerza interior de quienes nos escuchan, inspirarlos a enfrentar desafíos y perseguir sus sueños. Queremos crear un sonido propio que mezcle autenticidad y ritmo, donde cada canción se sienta cercana, motivadora y transformadora. Hacemos música para inspirar, empoderar y dejar huella, recordando que la resiliencia, el amor y la pasión pueden convertirse en energía para avanzar», comenta el dúo con influencias de The Weeknd, Imagine Dragons, Lady Gaga, Coldplay y Miley Cyrus.
Left & Right es la fusión de dos almas opuestas, pero complementarias. Es un universo de contrastes: entre la luz y la oscuridad, los beats que hacen vibrar el cuerpo y las letras que tocan el alma.
‘Different Worlds’ el nuevo lanzamiento de Left & Right, una canción que habla sobre dos almas que provienen de mundos distintos —ya sea por sus realidades, emociones o contextos— pero que, a pesar de las diferencias, siguen unidas por la esperanza, la fuerza y el deseo de resistir juntas. Es una historia sobre el poder de creer, de amar y de mantenerse firme incluso cuando todo parece en contra. Musicalmente tiene influencias del EDM del 2016 lo que genera ese ambiente nostálgico pero poderoso y energético. Es una historia de amor y resiliencia —un recordatorio de que incluso cuando todo parece distante, siempre hay un punto donde los mundos se encuentran.
«La letra nace de una conversación interna: no está dedicada a una persona, sino a un sueño, que de pequeña simplemente me repetía que no lo lograría y que era un mundo distinto para mí. Es el diálogo con mi yo actual y esa parte de mí, ese gran sueño que siempre estuvo rodeándome que es la música. ‘Different Worlds’ representa ese momento en el que decides no rendirte, cuando entiendes que las dificultades están inevitablemente en cualquier momento y contexto, y que el caos también puede transformarte y que una de las maneras de alcanzar tus sueños es atravesar la tormenta y resistir —eso significa «Ride it out», enfatiza Linda.
«Durante la producción, ocurrió algo que marcó profundamente el sentido de la canción: una noche lluviosa, una perrita abandonada apareció llorando frente a nuestra casa. Estaba débil, asustada, pero con una fuerza impresionante. Logramos ayudarla y hoy tiene una nueva familia que la ama mucho. Esa experiencia se volvió un símbolo de la canción: aguantar, sobrevivir y transformar tu realidad, pareciera que sus ojos me gritaran que venía de otro mundo y otra realidad diferente para cambiar su historia», agrega Karol.
Musicalmente, ‘Different Worlds’ explora un territorio nuevo para Left & Right. Es una canción construida sobre una base digital y envolvente, donde los sintetizadores reemplazan los instrumentos acústicos que usualmente acompañan sus composiciones más clásicas.
«Jugamos con kicks profundos y texturas electrónicas limpias, buscando ese sonido potente y expansivo que caracteriza a la electrónica del 2016. Cada capa de sintetizadores se entrelaza como si respirara, creando una sensación de amplitud y energía que se siente tanto en el cuerpo como en la mente. Queríamos capturar esa intensidad emocional y sensorial que tiene la música electrónica: cómo cada elemento, por más simple que parezca, contribuye a un todo monumental. Es nuestro experimento más digital hasta ahora, una nueva forma de expresar la dualidad que define a Left & Right entre el ritmo y la intención», puntualizan las hermanas Quevedo.
El video de ‘Different Worlds’ sigue la línea temática del EP y se presenta como una ilustración animada, lo que les permitió jugar con la infancia, la inocencia y la pureza del amor. La historia visual busca conectar de manera emocional, mostrando cómo los deseos y las metas se enfrentan a obstáculos, pero también cómo se transforman en fuerza y resiliencia. Al mismo tiempo, el video rinde homenaje a Moona, la perrita que apareció durante la producción de la canción y le dio un significado aún más auténtico. Su historia de lucha y superación refleja el corazón de la canción: resistir, avanzar y encontrar luz en medio del caos. En esencia, el video no solo acompaña la canción, sino que expande su mensaje, recordándonos que los sueños requieren coraje y que cada historia de amor, resiliencia y conexión puede ser transformadora.
Según Left & Right, «queremos conectar con quienes sienten que están luchando por sus sueños desde realidades distintas. Esperamos que esta canción sea un recordatorio de que no importa de dónde vengas, sino hasta dónde estás dispuesto a llegar. Más que cifras, anhelamos generar impacto a cada persona que la escuche y se vea reflejada en ella, que sienta esa fuerza interna que aparece cuando decides resistir, avanzar y creer en ti. Este lanzamiento marca el inicio de una nueva etapa: una más atrevida, más auténtica y con la determinación de mostrarle al mundo quiénes somos».
‘Different Worlds’ hace parte del nuevo EP de Left & Right titulado ‘Algorhythm’ y que nace de la fusión entre las palabras algoritmo y ritmo, porque representa exactamente eso: el equilibrio entre lo emocional y lo digital, entre lo que son y lo que descubren al experimentar con nuevos sonidos. Es una exploración desde la nostalgia y la emoción, hasta lo rítmico y lo comercial, donde el cuerpo y el alma se sincronizan con cada beat.
El EP marca una nueva etapa más arriesgada, intensa y auténtica. A lo largo de las canciones el dúo explora géneros como el house, EDM, dance pop, disco y soul, manteniendo ese ADN que define a Left & Right: dualidad, energía y evolución constante.
‘Different Worlds’ es perfecta para esos momentos en que el ruido del mundo te abruma, pero igual eliges mantenerte activo, rebelde y enfocado. Musicalmente, tiene una energía muy versátil: puedes escucharla en un viaje de noche, mientras estudias, trabajas, entrenas o simplemente te desconectas. Tiene esa vibra digital y emocional que te impulsa a resistir, brillar y reconectar contigo mismo, como si cada beat te recordará que no estás solo en esta historia.
La portada de ‘Different Worlds’ representa un viaje surrealista hacia lo desconocido. En el centro, un destello prismático se alza como un portal hacia otro mundo, mientras dos auras caminan sobre un edificio en dirección a esa luz. Es una metáfora visual del paso entre realidades: dejar atrás lo conocido para descubrir nuevas formas de sentir, de amar y de entender el mundo.
El concepto es artístico y profundamente simbólico, lleno de pequeños detalles que dialogan con la historia y la letra de la canción. La paleta de tonos azules y rosados refleja la energía emocional del tema: el contraste entre lo etéreo y lo humano, entre lo frío de la incertidumbre y lo cálido de la esperanza.
En contraste, ‘Back Home’ mostraba una atmósfera más cálida, con amarillos, naranjas y rojos, evocando la nostalgia del hogar. ‘Different Worlds’, en cambio, invita a atravesar el caos y la belleza del cambio, siendo la mayor representación del amor y la fuerza en medio del caos. La portada es una invitación a mirar más allá de lo evidente, a dejarse llevar por la emoción y la curiosidad, y a preguntarse: ¿qué pasaría si me atreviera a cruzar hacia mi propio «otro mundo»?
Después de presentar ‘Platino’ y ‘Mi sol de verano’ para las audiencias de Latinoamérica, la banda de ska y rock de Puerto Rico, Los Inconformes regresan con un nuevo sencillo para cerrar el año.
Se trata de ‘Pura Adrenalina’, una fusión de alto voltaje de ska y heavy rock que transmite la emoción de la música en vivo. La canción comienza con un ritmo ska vibrante y bailable que invita a todos a saltar y cantar, y luego explota en un potente final de rock que encarna la libertad y la pasión.
Líricamente, celebra la emoción pura de un concierto: el sudor, el sonido y el sentido de pertenencia. Producida en San Juan, Puerto Rico, muestra con orgullo la energía del rock latino y el ska, uniendo el espíritu rebelde con la adrenalina musical.
El video de ‘Pura Adrenalina’ contiene tomas de la banda tocando en vivo en dos diferentes eventos en Puerto Rico: el festival Remember The Longbranch y el Skaribe. Con este clip la banda busca plasmar lo que la lírica de la canción plantea; esa emoción que se siente cuando estás en un concierto de rock.
«Es una canción alegre. Por naturaleza propia te invita a bailar, brincar, disfrutar y a olvidarte de las cosas negativas. Es buena para escucharla en cualquier momento, pero si vas de camino a un concierto, mucho mejor», agrega la agrupación puertorriqueña.
‘Pura Adrenalina’ es el tercer sencillo de Los Inconformes durante este 2025. La banda tiene claro que para el próximo año seguirá publicando música de la forma constante en la que lo ha venido haciendo en el último tiempo.
Los Inconformes se presentarán en Colombia el próximo 21 de noviembre en Capital Music (carrera 13 # 48-90) en Bogotá en el marco del Ska Para Todos Fest.
The Rumba Madre es una banda multicultural y ecléctica que mezcla ritmos latinos como la rumba, flamenco o cumbia con elementos del punk, rock alternativo, y la electrónica.
Al frente de este proyecto tan ambicioso está David Vila Diéguez. Un conglomerado que puede recordarte a bandas como Amparanoia, Manu Chao u Ojos de Brujo por nombrar algunos símiles. La revista Billboard les coloca en el top cinco de bandas emergentes más interesantes del panorama internacional.
El trabajo, la vivienda, la educación, la sanidad… Ahora que todos los pilares que sustentaban nuestra antes robusta sociedad se tambalean, The Rumba Madre nos trae el producto definitivo que hará que te mantengas siempre en constante e ilimitado éxito. Ni la dieta keto, ni el ayuno intermitente, lo que The Rumba Madre nos trae es el “Vibaporú”: el remedio a absolutamente todos los males que impiden que alcances la felicidad y la satisfacción personal más plena. “Si te ha dejao tu baby, ponte Vibaporú; si te han echao del curro, ponte Vibaporú; si no tienes ni un duro, ponte Vibaporú”. Sea cual sea el mal que padezcas, aplícate un poco de Vibaporú y todo será tal y como siempre lo habías deseado. Nada más y nada menos que absolutely complete satisfaction, my friend.
En una época en la que los gurús del éxito insisten en que todo lo que nos pasa es culpa nuestra y que si comemos más proteína lograremos que todo nos vaya bien, con esta canción The Rumba Madre busca parodiar los anuncios de youtubers, influencers y demás, que nos venden la última ocurrencia de moda para, aprovechando la coyuntura, enriquecerse a nuestra costa. Por supuesto, siempre desde paraísos fiscales y sin jamás cuestionar las desigualdades de clase a las que contribuyen.
Para ello, en esta ocasión la banda nos trae un tema que mezcla dembow dominicano, con rumba flamenca (con unas palmas directamente llegadas desde Jerez de las manos de Lolo Morilla y Fae Ramos, palmeros oficiales de Los Delinquentes, entre otros) y con un despliegue fiestero electrónico que te levanta de la silla casi desde el segundo cero. Además, también cabe destacar que los elementos con los que se grabó la percusión de esta canción fueron sartenes, arados, cajas de pimientos, y otro puñado de instrumentos tradicionalmente utilizados en el folklore gallego y, por lo normal, tan alejados de este tipo de ritmos. Instrumentos, por cierto, grabados por Xosé Lois Romero (Baiuca, Vetusta Morla, Aliboria) y el conjunto Lilaina (Vetusta Morla, C Tangana, etc.), bajo la dirección de Juan de Dios Martín Antón (Pereza, Camarón de la Isla, Amaral, Albertucho, El Kanka, Xoel López, Barón Rojo).
Un tema que incluye además guiños paródicos a la estética de los anuncios de medicamentos, como por ejemplo el final de “lea las instrucciones de este medicamento y consulte con su farmacéutico”. Un trallazo de poco más de dos minutos que no dejará indiferente a nadie. Además, por si esto fuera poco, al single lo seguirá pronto un vídeo que nos aseguran que será aún más impresionante y desconcertante que la misma canción en sí. Lo dicho: lea las instrucciones de esta canción y consulte con su farmacéutico antes de escucharla.
El grupo jiennense El Niño Erizo anuncia el lanzamiento de su esperado nuevo álbum, “Único Objetivo”, un trabajo compuesto por siete canciones que reflejan una clara evolución en su sonido sin perder la intensidad y la profundidad lírica que siempre los ha caracterizado.
El disco verá la luz el 23 de octubre de 2025, bajo el sello FEP Producciones, y estará disponible en todas las plataformas digitales.
Tras el éxito de su anterior trabajo “ENE”, la banda ha vuelto a confiar la producción en Pachi García Alis (Alis Records). Esta segunda colaboración consolida una conexión creativa que se plasma en la riqueza sonora y la madurez musical del nuevo álbum.
La banda continua imparable presentando sus canciones en directo, recientemente han actuado en festivales de la talla de Oleosonica en Jaen junto a bandas como Lori Myeres o La La Love You o uno de los festivales co mas trayectria y prestigiopn de Andalucia como el SIerra Fest
Un cierre de ciclo:
cinco adelantos y dos nuevas canciones
A lo largo de los dos últimos años, El Niño Erizo ha ido desgranando parte de este nuevo proyecto con la publicación de cinco singles que han servido como adelanto de lo que hoy se presenta como un trabajo completo.
Ahora, con el lanzamiento de “Único Objetivo”, la banda reúne esas cinco canciones ya conocidas e incorpora dos temas completamente nuevos: “Acróbata” y “Equilibrio”.
Estas nuevas composiciones aportan frescura y una energía renovada, completando un disco que cierra una etapa y abre otra con más fuerza que nunca.
Exploración sonora y fidelidad a la esencia
En “Único Objetivo”, los erizos se adentran en territorios más eléctricos y orgánicos. Temas como “Equilibrio”, “La Ventana”, “Frases Inconexas” y “Dices que te vas” exhiben una energía rockera que convive con su habitual sensibilidad melódica y profundidad lírica.
Los seguidores de su vertiente más clásica encontrarán ese pulso característico en “Acróbata” y “Canción de rabia”, mientras que la gran sorpresa llega con “Cansada”, donde la banda experimenta con texturas cercanas al disco y al pop alternativo, demostrando su versatilidad y ambición creativa.
Una nueva etapa para los jiennenses
“Único Objetivo” promete convertirse en un punto de inflexión en la trayectoria de El Niño Erizo, reafirmando su lugar dentro del panorama indie-rock nacional. El disco es una colección de emociones, contrastes y melodías que conectan con la esencia del grupo y con el momento presente de la banda: madura, inspirada y en plena expansión.
DICE regresa con “Nena”, el tema que cierra la trilogía iniciada con Prototipo y Mañitas, consolidándolo como una de las voces más prometedoras del género urbano. En esta nueva canción, el artista vuelve a dejarse guiar por el amor, combinando sentimiento y ritmo en una propuesta irresistible.
Con “Nena”, DICE invita a sumergirse en una narrativa íntima sobre la vulnerabilidad, el deseo y la autenticidad emocional. La letra revela esos momentos de incertidumbre que todos hemos vivido, cuando el corazón anhela y al mismo tiempo teme.
Con una producción cuidada que mantiene el estilo característico del cantante, “Nena” encuentra el equilibrio perfecto entre lo moderno y lo sincero. Los arreglos y la instrumentación resaltan cada matiz de la interpretación, bajo la dirección del reconocido productor Gangsta, quien anteriormente ha trabajado con artistas de la talla de Kapo, Maluma y Fariana, aportó su sello distintivo al fusionar ritmos caribeños, afrobeat y sonidos urbanos.
DICE continúa consolidando su lugar en la escena urbana al alcanzar la posición número 1 con su segundo sencillo ‘Prototipo’ en el chart Hot Song de Monitor Latino, uno de los rankings más influyentes de la industria musical en América Latina. Desde el lanzamiento y posterior éxito de su primer sencillo “Mañitas” el artista reafirma su crecimiento dentro de la industria.
A través de cuatro canciones, la banda hace un repaso por su historia en un formato audiovisual que destaca la solidez musical de sus integrantes.
Casanova es una banda chilena integrada por Julián Peña, Rodrigo Otero, Felipe Quiroz y José Luis Saavedra. A inicios del presente siglo debutaron con su primer disco homónimo, cargado de hits emblemáticos como «Un año más» y «Qué va a pasar», piezas de pop rock que se expandieron a un público masivo hasta convertirse en verdaderos himnos del rock chileno contemporáneo. Tras un receso, el grupo ha regresado con nueva música y otras sorpresas, entre ellas una íntima sesión audiovisual recién estrenada en YouTube y plataformas digitales.
«Sesión Estudio del Sur», se titula esta pieza visual y sonora donde vemos a Casanova interpretando 4 canciones extraídas de gran parte de su discografía. El registro inicia con «Tengo», del disco «Animales» (2018), luego es el turno de «Soñar es Peligroso», último single de la banda lanzado hace algunas semanas. La sesión continúa con una emotiva versión de «Muy lejos de aquí» del álbum «El amor es una trampa mortal». El cuarto y último track de este EP en vivo es «Una Noche Inolvidable», también de «Animales».
La sesión, producida por Caco Lyon y dirigida por Pablo Mantilla de Zapatilla Films, ya está disponible en YouTube y también en plataformas digitales como Spotify, Deezer y Tidal en formato audio. Este lanzamiento funciona como una antesala de lo que será su próximo gran concierto agendado para el 27 de diciembre en Sala Master, evento en el cual Casanova interpretará íntegramente su disco homónimo, además de los clásicos de siempre, y por supuesto material nuevo. Las entradas están a la venta a través de Portaldisc.
Ripped Panties lanza “La Fiesta”, single promocional que marca el cierre de su nuevo EP de rock. Este trabajo conceptual relata el viaje de una chica superficial y materialista a través del “infierno”, una metáfora del sistema de consumo y endeudamiento financiero que domina la vida moderna.
Con cuerdas intensas y compases firmes, “La Fiesta” da un final implacable a la historia, mostrando el destino final de su protagonista en el mundo del consumo desmedido.
“El EP se inspira en lo que vive día a día nuestra gente cercana y toda la sociedad”, comenta la banda, destacando el carácter crítico y reflexivo del proyecto.
El proceso de creación y producción tomó un par de semanas y fue realizado en Estudio FaqRecord, bajo la dirección de Franco Quezada. En palabras del grupo, “en este álbum logramos plasmar nuestro sonido luego de pulir muchas cosas a nivel individual y como banda”, consolidando así una identidad sonora más sólida y coherente dentro de la escena rock nacional.
Bosque de Hualles presentó de manera audiovisual su primer larga duración «Remembranzas«, acompañado de los sencillos adelantos de su próximo trabajo (‘Niebla‘ y ‘Lluvia‘) disponibles al cierre de la nota. El disco, lanzado el 30 de septiembre de 2024, consolida la visión artística de un proyecto que emerge desde el sur de Chile con una propuesta única dentro del dark y neo folk nacional. El registro de su show debut, realizado el 14 de diciembre en The Farm Studio (Buin), marca la primera vez que la agrupación interpreta en vivo la totalidad de su catálogo. La producción visual estuvo a cargo de Luis Villegas y la productora El Jardín del Pulpo, quienes liberaron los videos progresivamente desde mayo de este año.
Formado entre los bosques de Panguipulli bajo el eclipse solar de 2020, el grupo está integrado por Javier Cerda, Nelson Vicencio, Juan Acevedo y Mario Urra (Weight of Emptiness), junto al músico rumano Andrei Oltean (Clouds, E-an-na). Su sonido fusiona elementos andinos y celtas en un viaje introspectivo donde la melancolía y la conexión con la naturaleza se entrelazan. Según Acevedo, la intención inicial era lanzar la música sin presentarla en vivo, “pero con el paso del tiempo nos dimos cuenta de que era tan linda que valía la pena mostrarla en directo”:
“Hace unos años atrás, Javier Cerda(voz) junto a otros músicos, estuvieron en el patio de mi casa haciendo un tributo al disco «Kveldssanger» de Ulver (1996), y salió tan espectacular, con la noche y las luces, que quise repetir la experiencia […] El álbum de Bosque de Hualles y la presentación en vivo, están especialmente dedicados a mis papás.”
«Remembranzas» fue grabado entre Chile y Rumania durante 2023 en The Farm Studio (guitarras, bajo, voces, percusiones) y flautas en Tel’aran’rhiod Studio (Cluj-Napoca). La mezcla y masterización estuvieron a cargo de Richard Iturra en Ripo Estudio (Arica), mientras que el arte gráfico fue desarrollado por Eduardo Poblete Ocampo desde España. El debut fue antecedido por los singles ‘Crepuscular‘ y ‘Madre Nutricia‘, este último acompañado por un videoclip filmado en la Patagonia chilena bajo la dirección de Lucho Villegas, reforzando el vínculo del grupo con los paisajes naturales del país.
Actualmente, Bosque de Hualles se encuentra preparando su segundo álbum de estudio, que incluirá la participación del propio Oltean en los vientos y promete una sonoridad más variada y emocional. La nueva producción está proyectada para el primer semestre de 2026 y será precedida por una serie de presentaciones en vivo y el estreno de un videoclip. Con «Remembranzas«, la banda se perfila como una de las propuestas chilenas más prometedoras dentro del folk contemporáneo, capaz de conectar la raíz del sur del mundo con la sensibilidad universal de la música.
El quinteto chileno de metalcorePlegaria vuelve con su nuevo single “Integridad”, una pieza que fusiona intensidad y reflexión espiritual en partes iguales.
Tras su última presentación en vivo el 14 de mayo de 2024, cuando abrieron el show de Bless the Fall, la banda marca su regreso con una propuesta que reafirma su identidad y propósito.
El mensaje detrás de “Integridad” apunta a la fuerza que otorgan las convicciones profundas frente a la adversidad. La canción nos invita a resistir cuando todo parece ir en contra, recordando que las verdaderas batallas se libran primero en la mente. “La verdadera valentía no consiste en no tener miedo, sino en pelear a pesar de él, confiando en quien da la victoria y es el autor y consumador de nuestra fe”, reflexiona la banda.
El sonido del tema se apoya en una base sólida de riffs precisos y una atmósfera cargada de emoción, donde el metalcore se funde con arreglos melódicos y pasajes introspectivos. Claudio Canessa (voz), Kano Sánchez (guitarra y voz), Rodrigo Badilla (guitarra), Jonathan Pinto (bajo) y Rodrigo Leiva (batería) dan vida a una interpretación intensa que refleja el compromiso del grupo con su mensaje.
El sencillo fue compuesto por Alejandro “Kano” Sánchez, con la colaboración de Benjamin Aranda y Jonathan Pinto en sintetizadores. La grabación, edición, mezcla y masterización estuvo a cargo de Erick Martínez en Orange Studio, consolidando un sonido potente y profesional que mantiene la esencia cruda del metalcore moderno. El arte de portada fue diseñado por Jonathan Pinto, y complementa visualmente el concepto de la canción.
Con este estreno, Plegaria reafirma su lugar dentro de la escena nacional como una banda que no solo busca conmover con su música, sino también inspirar a mantener la fe y la convicción frente a los desafíos. “Integridad” ya está disponible en plataformas digitales, abriendo un nuevo ciclo de energía, propósito y autenticidad para el quinteto.
Los premios CDA de la música electrónica son los premios más representativos de Colombia en el género. El nuevo EP del DJ es un trabajo de vida y gratitud hecho junto a Tambor Hembra.
Julián Cardona es un DJ, músico y productor electrónico colombiano. Su proyecto fundado hace ya casi 20 años (2006), nace con la intención de explorar a profundidad la música electrónica y el audio digital. El fundamento musical de su creación está inspirado en el sonido House & Techno, incorporando elementos orgánicos, afro y progresivos. Se combinan sonoridades clásicas y sintetizadores de vanguardia para crear un proyecto que no se encasilla en una sola línea, sino que cuenta historias a través de la música.
En cada sesión realiza una conexión profunda con los sentidos, transformándose en una experiencia sensorial enriquecedora y cautivadora. Al impregnar la pista de baile con su energía, genera una sinergia musical cuyo propósito es transmitir emociones y sensaciones de bienestar, llenando así el ambiente de magia y de Música para la Vida. Una de sus mayores fortalezas es su capacidad para componer y producir música electrónica, lo que le permite integrar de manera natural su estilo con instrumentos clásicos y tradicionales. Esta fusión aporta un sello distintivo a la experiencia sonora.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes de esperanza, vida y calma en el alma. La vida como un constante viaje, requiere de mucha introspección para conectar con nosotros mismos y con los demás de la mejor forma, ahí es donde veo el arte como una posibilidad de activar el mundo sensorial pero también el espíritu, y cada canción está pensada bajo este lenguaje. Si bien es música Club, la humanidad ha tenido una profunda conexión con la danza a través de la historia, pues esta expresión ancestral se ha convertido en una manifestación de celebración y bienestar para la evolución humana», comenta el músico.
Julián Cardona ganó recientemente el Premio CDA a Mejor Live Act Nacional. La categoría hace referencia a la puesta en escena en donde la interpretación y la exploración en vivo tejen el hilo conductor de la propuesta.
«Este premio es un triunfo para mí como productor, compositor, intérprete y creador del proyecto junto a todo el equipo integrado por Paula Valencia (personal manager), Lorena Uzuriaga (cantante), Fernán Amaya (chelista), Juan Ocampo (percusión) y Sergio Badillo (ingeniero de sonido). Ganar este premio es una motivación significativa para continuar creando música para la vida», agrega.
Los premios CDA de la música electrónica, son los premios más representativos de Colombia y ganar es una muestra de trabajo constante, disciplina y aporte a la escena y al movimiento cultural como sociedad, además de ser una edición en el Teatro Colón de Bogotá, considerado la séptima maravilla del país y un epicentro de la actividad musical.
‘La Flor de la vida’ es el nuevo EP de Julián Cardona, un trabajo de vida y gratitud hecho en colaboración junto a Tambor Hembra, una agrupación musical que explora músicas tradicionales colombianas y está formada por mujeres en su mayoría, movidas por el deseo de preservar y difundir la identidad y diversidad colombiana, en un viaje que aporte a la construcción de paz.
«El EP busca resaltar ese amor sin interés, que no espera o necesita algo, simplemente da… al tiempo que considera que dicho amor por los demás parte del mundo interior, de la gratitud, de esa fuerza que nos llena el espíritu y nos dota de sueños y de significado para continuar el camino…», menciona.
‘La Flor de la vida’, a nivel sonoro, explora el diálogo entre los sonidos ancestrales, los ritmos autóctonos, el territorio, en relación con los sintetizadores y la música electrónica. Julián quiere con este lanzamiento llegar al mundo interior de muchas personas, poder transmitir esa sensación de bienestar y trascender en el tiempo.
«Pero no es un encuentro casual, es más profundo, busca equilibrio, balance, con libertad, pero cuidando, indagando, tejiendo. Es especial como el resultado final, es algo más que la suma de las partes y me ratifica el valor infinito de la música como lenguaje universal», puntualiza.
El EP sale con un video Live Act cuyo concepto es un encuentro especial junto a Tambor Hembra interpretando en vivo las canciones, un encuentro de mundos, experiencias y vidas. Aparentemente contextos sonoros diferentes, pero con mucha cercanía intención y música para la vida.
Según Julián Cardona, «‘La Flor de la vida’ es un EP ideal para quien necesite conectar con lo más profundo de su ser, quizás en su lugar favorito, mientras va en tren o en bus. Busca hacernos presentes y valorar esos detalles cotidianos que son la esencia de la vida, pero al mismo tiempo es perfecto para bailar, compartir, disfrutar con amigos y celebrar el asombro de la existencia».
El diseño de la portada del EP fue un trabajo en conjunto entre Paula Valencia, artista plástica de la Universidad de Caldas, y Julián Cardona. Ella suele implementar el collage como técnica y describir las canciones que él crea a través de mundos imaginarios. En este caso representa la vida a través de flores, la gratitud a través de los tambores y la presencia con la madre tierra.
Julián Cardona está enfocado en crear, componer y producir nueva música con mucha intención. Viene sacando nuevas canciones en sellos muy importantes de la escena Organic House a nivel mundial como Cosmic Awakenings con el EP ‘Raíces Ancestrales’, el cual estuvo varias semanas en el top 100 Beatport Organic, la tienda de música electrónica más importante a nivel mundial. Y lanzamiento en el sello de Turquía, Café de Anatolia por su remix ‘Sultán’.
De igual manera, el DJ tiene una serie de presentaciones en el Eje Cafetero y el Valle del Cauca para lo que resta del año. Además, está en proceso de lanzar una nueva canción junto al cantante americano Brook Angeles llamada ‘Stardust’.
Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Julián Cardona en Colombia y Latinoamérica porque sonoramente tiene la intención de ser Música para la vida, busca trascender tiempo y espacio, y recargar al ser humano que lo escuche.
El 2025 ha sido un año bastante gratificante para Blast55, pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga.
Hoy, Blast55 regresa con su nuevo lanzamiento ‘Garuda’, una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante.
La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno.
La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara Blast55 y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores.
«Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda», comenta la agrupación bogotana.
El video de ‘Garuda’ muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza.
«Cuando tocamos, o como me pasó en el concierto de Lagwagon en Bogotá, es lindo encontrarse con gente que me cuenta cómo nuestra música los ayudó en determinado momento o situación de la vida. Hay letras como ‘Mente en llamas’ o ‘El perfecto soñador’ que fueron hechas sin la pretensión de querer ayudar, pero han terminado siendo un aliento para algunos de los que nos escuchan. Yo siento que con ‘Garuda’ pasará algo similar porque muchas veces la música se vuelve un mantra y esta canción está llena de mensajes con los que las personas se recargarán para seguir adelante, o al menos es una canción que a mí me sirve un montón», agrega Juan Pablo Patiño, vocalista.
La portada de ‘Garuda’ representa luz en medio de caos. Un atardecer bonito en medio de todo.
El reconocido cantante y compositor colombiano Sergio Jiménez lanza su nuevo sencillo ‘Mi Despedida’, una emotiva canción que aborda el complejo, pero necesario proceso de dejar ir a alguien o algo que ha sido importante. Lejos de caer en el dramatismo, la canción transmite una profunda sensación de madurez y gratitud, invitando al oyente a cerrar ciclos de manera positiva y amorosa.
‘Mi Despedida’ es un tema pensado para aquellos que se atreven a soltar sin rencor y continuar su camino con la fuerza de lo aprendido. En ella, Jiménez fusiona el merengue carranguero con matices del pop rock y pop mexicano, creando una propuesta fresca, energética y llena de sentimiento, que refleja la esencia de un artista que no teme experimentar, pero siempre honrando sus raíces.
«Quería que la canción tuviera un tono alegre y nostálgico al mismo tiempo, porque así es como se sienten muchas despedidas. Aunque no es una experiencia personal de desamor, la escribí desde la empatía, recordando lo que sentí en momentos de dolor y desamor. Fue a través de las historias de amigos cercanos que pasaron por situaciones similares que logré transformar ese dolor en fortaleza», comenta el artista.
‘Mi Despedida’ está dirigida a todos los que han tenido que enfrentar una despedida significativa en su vida, ya sea de una relación, un proyecto o una etapa importante. Es un himno para los que deciden sanar sin rencor y para los que encuentran en el adiós la fuerza para comenzar de nuevo.
El videoclip de la canción es un reflejo íntimo del proceso de soltar. Filmado en blanco y negro, destaca la emoción, la verdad y la vulnerabilidad, sin recurrir a historias ficticias. El enfoque se centra en la interpretación, en los gestos y en la mirada del cantante, llevando al espectador a un espacio emocional donde el silencio y la luz son tan importantes como la música misma. «A veces, despedirse es también encontrarse», afirma Sergio.
Según el propio artista, ‘Mi Despedida’ es la canción ideal para esos momentos en los que se necesita cerrar ciclos, sanar o dejar fluir las emociones. Perfecta para escuchar mientras se conduce, se reflexiona o incluso se celebra el valor de soltar. Una pieza para sentir con el alma.
La portada del sencillo captura la esencia de la canción: introspección, emoción y sinceridad. El uso del blanco y negro evoca la nostalgia del adiós, mientras que la luz que entra simboliza la esperanza y la claridad que llegan con el tiempo.
Además, Sergio Jiménez tendrá el honor de compartir escenario con Morat y Aleks Syntek el próximo sábado 1 de noviembre, en el Estadio La Independencia de Tunja, a partir de las 8:00 p.m. en el marco del Festival Internacional de la Cultura en Boyacá.
«Será una noche muy especial. Compartir escenario con artistas que admiro tanto como Morat y Aleks Syntek es un honor inmenso. Mi show será una experiencia llena de emoción, identidad y energía, con nuevas canciones, momentos acústicos y un recorrido por lo que representa mi sonido: la fusión entre el campo y la ciudad, entre la raíz y el pop. Representar a Boyacá en un escenario tan importante es algo que me llena de orgullo», añade Sergio.
Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk que nace en Bogotá, Colombia en 1999 teniendo como ejes principales la amistad, el amor por el punk y la autogestión. Desde el principio, la idea de Diego Forero en el bajo, Nicolás Siachoque en la guitarra y la voz, Camilo Sierra en la voz líder, Carlos Jiménez en la batería y la voz, y Carlos Gutiérrez en la guitarra fue crear un proyecto para expresar lo que no se dice, sin filtros ni fórmulas.
El nombre Pepe Bocadillo representa amistad, resiliencia, autogestión y resistencia. Es una mezcla entre lo cotidiano y lo combativo; una forma de decir que el punk nace de lo real, de la calle, de lo simple, pero con fuerza. Más que un nombre es una actitud, una manera de recordar que la rebeldía no siempre grita: a veces sobrevive, trabaja, siente y sigue creando desde abajo.
«A través de sonidos crudos y viscerales, generamos mensajes disruptivos que abordan temáticas sobre la vida, la sociedad y la condición humana. Buscamos provocar, incomodar y hacer pensar. Queremos hacer volar la cabeza con mensajes que nacen de distintas situaciones de la vida. Pepe Bocadillo escribe sobre la tensión constante entre el caos interno y el ruido del mundo. Nuestras letras surgen de la rabia, el cansancio y la contradicción de vivir en una sociedad que anestesia distrae y repite. Hablamos de la rutina, la ansiedad, la soledad, la violencia y la resistencia, pero también del deseo de despertar y seguir buscando sentido entre el ruido. No pretendemos dar respuestas, sino provocar preguntas. Queremos sacudir, incomodar y reflejar lo que todos llevamos dentro cuando el sistema, el tiempo o la vida misma nos aplasta», comenta la banda bogotana con influencias del hardcore punk, noise, thrash metal, shoegaze, grindcore y death metal; y bandas como The Exploited, Cancer Bats, Refused y Metz.
‘Rocky Billies’ es el nuevo lanzamiento de Pepe Bocadillo, es un retrato crudo y visceral de cómo las personas pueden desperdiciar su vida entre excesos, distracciones y rutinas que lentamente consumen el cuerpo y la mente. Con un sonido potente y letras que mezclan ironía y desesperanza, la canción refleja el cansancio de lo cotidiano y la sensación de perder el tiempo mientras la vida se desvanece en la monotonía.
La canción explora disonancias, guitarras poderosas capturadas de forma análoga en el estudio del grupo, y una mezcla de hardcore punk y thrash metal con beats explosivos que acompañan una voz desgarradora y frontal. El resultado es una pieza intensa y honesta.
«Queremos mostrar un nuevo sonido dentro de la evolución de Pepe Bocadillo. Buscamos llegar a más oídos y conectar con personas que resuenen con nuestro mensaje, manteniendo la esencia del punk, pero con una producción más sólida y un discurso más contundente», menciona la banda.
El video de ‘Rocky Billies’ fue creado y dirigido por Camilo Sierra, vocalista de la banda, y Carlos Jiménez, baterista. Nació de ideas originales, disruptivas y explícitas que buscan reflejar visualmente el caos y la rutina que la canción denuncia. Su narrativa es cruda, ruidosa y metafórica, con locaciones en espacios liminales que representan la ansiedad, la soledad, el temor, la rutina y la introspección frente a las decisiones que se toman a diario. La pieza combina crudeza y simbolismo para mostrar cómo el ser humano puede quedar atrapado en sus propios ciclos, repitiendo patrones mientras la vida se le escapa. Es una mirada crítica y directa, sin maquillaje.
«Es una canción que se adapta al estado mental de quien la escucha: puede ser una descarga de energía, un grito de desahogo o una reflexión sobre el paso del tiempo. No tiene horario, porque la rutina tampoco lo tiene», enfatiza la agrupación.
La portada del sencillo fue diseñada por Carlos Jiménez, baterista de la banda. Las fotos fueron tomadas en equipo en Okupa Studio, en una sesión donde las ideas fluyeron. El concepto fue trabajar algo irreverente, visualmente fuerte, con un contraste entre lo sucio y lo limpio, lo real y lo simbólico. El resultado es una obra conceptual que provoca al espectador, lo invita a pensar y a encontrar su propio significado dentro del caos visual.
‘Rocky Billies’ es el primer sencillo de los 11 temas que conforman el cuarto álbum de estudio de Pepe Bocadillo titulado ‘PEPE+’. El disco fue compuesto, grabado y producido por la banda en Okupa Studio (Bogotá, Colombia), manteniéndose fieles a su filosofía DIY (hazlo tú mismo) y de autogestión. La mezcla y el master estuvo a cargo de John DiBiase (ingeniero de mezcla ganador de premio Grammy).
‘PEPE+’ es un trabajo que resume la historia de la banda, pero también marca una evolución en el sonido y la forma de ver el mundo. Es un disco intenso, honesto y emociona que explora temas como el desgaste, la rabia, la memoria, la fe y la resistencia.
Durante lo que resta de 2025, Pepe Bocadillo seguirá lanzando nuevos sencillos de ‘PEPE+’, acompañados de videos y material visual hecho por la misma banda buscando conectar con nuevas audiencias y seguir fortaleciendo la escena independiente latinoamericana.
En el primer semestre de 2026, la banda estará enfocada en presentar el disco completo en vivo, con una puesta en escena intensa y emocional que refleje todo lo que significa este nuevo capítulo para Pepe Bocadillo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Pepe Bocadillo en Colombia y Latinoamérica porque somos una banda con historia, pero con espíritu vigente. Llevamos más de 26 años evolucionando dentro del punk y el hardcore, manteniendo siempre una identidad honesta, autogestionada y sin filtros. Creemos que quienes aman la música extrema, sincera y con contenido, pueden conectar con nuestra propuesta, con ese sonido pesado y contundente que habla de la vida, el cansancio, la rabia y también la esperanza. Somos prueba de que el punk no muere: se transforma, pero no se rinde», concluye la agrupación colombiana.
CYGNUS es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, Cygnus ha publicado cinco discos de estudio: ‘Yggdrasil’ (2019), ‘Fire and Tales’ (2020), ‘Ancient Visions’ (2021), ‘Death and Glory’ (2022), ‘Revival’ (2023). Su sexto trabajo ‘Legends of Norse Lore’ será publicado en 2026.
La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. Cygnus busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa.
«Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer», cuentan.
«Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente», agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido.
‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es el nuevo lanzamiento de CYGNUS, una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.
«Este sencillo nació a partir de una anécdota histórica en donde un guerrero cayó, no por un rival vivo, sino por una infección causada por los dientes de un enemigo decapitado», mencionan.
A nivel sonoro, ‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es un tema que juega con contrastes. Las estrofas son heavy, con riffs veloces y poderosos. Hay cifras de compás que cambian el beat de maneras inesperadas para el oyente, contrastando con los coros y el theme principal que se vuelven melódicos y expansivos, generando un balance entre agresividad y lirismo.
«Hay una sección donde exploramos armonías disminuidas para crear un ambiente de tensión y dramatismo, que refuerza la narrativa sombría de la historia. Además, la canción incluye un pasaje con influencias del djent, aportando texturas rítmicas complejas y atmósferas muy interesantes dentro de la estructura progresiva del tema», cuentan.
El video de ‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ fue concebido como el contraste visual de su anterior lanzamiento ‘Fenrir the Wolf’ rodado en blanco. Este se desarrolla en negro, sumergiendo al espectador en un universo más oscuro, ritual y denso.
En el centro de la propuesta está el performance en vivo de la banda, acompañado por un octeto de cuerdas y un coro conformado por seguidores, seleccionados entre 53 aplicantes que respondieron a una convocatoria abierta. Su participación refuerza el sentido de comunidad que siempre ha acompañado a Cygnus, integrando a los fans en la creación misma de la obra. El coro aparece con maquillaje ásatrú, encarnando a las völvas o videntes, guardianes del rito y del destino.
«El proyecto trasciende lo performativo: incorporamos inteligencia artificial generativa de video para recrear la historia de Sigurd y Mael. Estas animaciones dan vida a los personajes, sus ejércitos, el conflicto, la celebración y, sobre todo, al karma de Sigurd por haber roto su juramento. La figura de la cabeza zombie de Mael aparece como alucinación recurrente en sus visiones y pesadillas, símbolo de la culpa y la condena que lo consume mientras delira bajo la fiebre de la sepsis que finalmente lo lleva a su destino fatal», enfatiza Cygnus.
‘The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie’ es el punto de quiebre en la historia de CYGNUS. Además, es el primer adelanto de su próximo álbum ‘Legends of Norse Lore’ (2026) y la carta de presentación de la nueva etapa de la banda, buscando ampliar su audiencia en Colombia y Latinoamérica, llegando a nuevos públicos que quizá aún no han explorado el folk/metal sinfónico.
La banda colombiana también espera posicionarse en medios especializados en rock y metal a nivel nacional e internacional; conectar con festivales y tener la visibilidad y el respaldo suficiente para aplicar a espacios como Rock al Parque y otros escenarios importantes. Adicionalmente, el grupo quiere impactar en la escena latinoamericana mostrando que desde Colombia se puede producir metal con calidad internacional, con propuestas conceptuales, orquestales y ambiciosas.
«Esperamos que la canción invite a los oyentes a vivir la experiencia completa: una mezcla de peso, melodía y narrativa épica que los transporte a un mundo de mitos, ironías y celebraciones», agregan.
El nuevo trabajo de CYGNUS está concebido como una odisea de folk metal progresivo, en donde cada canción narra historias inspiradas en la mitología nórdica, la historia y las leyendas, pero siempre con un giro inesperado que las conecta con lo humano, lo ritual y lo contemporáneo. El álbum incluirá 10 canciones, todas con un fuerte componente narrativo y orquestal, donde la presencia de coro y ensamble de cuerdas será fundamental para expandir la dimensión épica de la música.
Thalía Mayor es una cantante y compositora peruana de indie rock con alma pop punk, una artista que combina sensibilidad, nostalgia y rebeldía en una misma voz. Es una persona introspectiva, creativa y emocionalmente profunda. Se considera una narradora visual y sonora de su generación: mezcla la estética millennial de los 2000 con letras honestas que conectan con lo más íntimo de los sentimientos. Su música parte de la emoción real, de esas historias que todos han vivido alguna vez, y las transforma en melodías que buscan acompañar.
«Quiero que mis canciones sean refugios donde la gente se sienta comprendida. Pero, sobre todo, busco conectar: mis letras hablan de heridas, de amor, de memorias que se quedan flotando, de amores que no se olvidan y de despedidas necesarias. Mi intención es hacer sentir, que cada canción sea como abrir una carta que escribiste y nunca enviaste. Además, busco unir lo nostálgico con lo contemporáneo: rescatar la esencia emocional del pop punk de los 2000 —Avril Lavigne, Blink-182, Paramore— pero con una mirada actual», cuenta.
A través de sus canciones, Thalía Mayor quiere enviar mensajes donde la vulnerabilidad también es poder y que todo lo que atravesamos puede transformarse en arte algún día. Desnudar nuestras emociones a veces es necesario para liberar el alma y sanar».
«Mis canciones invitan a aceptar la melancolía sin miedo, a abrazar lo que duele y convertirlo en algo hermoso», agrega la cantante y compositora, con influencias musicales de indie rock, pop punk y dream pop, con tintes melódicos que evocan los 2000.
También la inspira mucho el cine y la estética visual de esa época: películas como ’13 Going on 30′ o ‘Eternal Sunshineof the Spotless Mind’ las cuales influyen en su manera de escribir y de construir atmósferas sonoras, buscando así que cada canción tenga su propio universo, como si fuese una escena dentro de una película.
‘I Miss U’ es el nuevo lanzamiento de Thalía Mayor, es una carta sonora hacia alguien que marcó una etapa importante de su vida. Habla del eco emocional que queda cuando alguien se va, de esas calles y canciones que aún resuenan con su recuerdo.
Aborda temas como la nostalgia, el amor que persiste en el tiempo y la melancolía del verano que termina, usando el cambio de estación como metáfora de los ciclos emocionales que todos los seres humanos atraviesan alguna vez en la vida.
«La escribí en un momento de introspección, mezclando versos que había compuesto años atrás con nuevas emociones. Es una canción que une el pasado y el presente, como si mi yo actual se reencontrara con la persona que alguna vez fui», enfatiza la artista peruana, actualmente radicada en España.
‘I Miss U’ explora un sonido pop punk melódico con tintes indie, donde las guitarras tienen un papel protagonista. El tema tiene una textura emocional, envolvente, con una producción que combina fuerza y vulnerabilidad.
«Espero que ‘I Miss U’ encuentre a las personas adecuadas en el momento justo. No busco que sea una canción viral, sino que acompañe a quien la escuche. Me gustaría que se convierta en ese tema que alguien guarda en su playlist para los días nublados, para cuando extraña o para cuando necesita ponerle melodía a lo que siente. El mayor impacto para mí sería lograr esa conexión auténtica», enfatiza Thalía.
Esta canción es perfecta para esos días lluviosos donde la melancolía nos alcanza, para las mañanas o tardes en el metro con auriculares, o para las caminatas largas en las que perderse en los pensamientos se convierte en un deporte competitivo.
‘I Miss U’ es el segundo adelanto de su álbum debut ‘El Último Verano del 2000’ que verá la luz en 2026. Es un proyecto muy personal, construido canción por canción, como si fueran capítulos de un diario. El disco mezcla nostalgia, despedidas, amores, crecimiento personal y la fugacidad del tiempo. Cada tema tiene un significado simbólico, tanto en su letra como en su fecha y numerología.
Thalía Mayor ha trabajado ‘El Último Verano del 2000’ junto al productor Búho Lozano, con quien ha emprendido este viaje a los 2000, conectando de forma genuina y orgánica a nivel musical. El disco tendrá nueve canciones e incluye temas como ‘L.X.L’, ‘Más de lo que piensas’ y ‘EUVD2000’. Cada canción es una carta abierta al pasado contada desde la visión del presente.
La portada del sencillo captura el universo emocional de la canción: la nostalgia suspendida en el tiempo. A través del vidrio empañado con gotas de lluvia, se percibe la sensación de mirar hacia afuera en una noche solitaria, cuando los recuerdos y la ausencia se mezclan con las luces de la ciudad. Los tonos azules y rojos representan dos fuerzas opuestas: la tristeza y el deseo, el frío de la distancia y el calor del recuerdo. El diseño tiene una textura retro, con guiños a los 2000s, como si fuera una portada de CD encontrada en una caja de recuerdos. La tipografía es directa, sin adornos, reflejando la simplicidad emocional de la frase ‘I Miss U’: tres palabras que contienen todo lo que no se dijo.
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