El músico y compositor argentino Joan Schmidt abre una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Las Palabras”, el primer adelanto de su próximo álbum Un jardín de un vago rosa. Se trata de una obra que explora los límites de la comunicación verbal para adentrarse en un territorio donde las emociones toman el protagonismo.
El productor, compositor y artista argentino Cristian López continúa consolidando su trayectoria en la industria musical tras ser invitado a formar parte del New Member Class 2026 de la Recording Academy, la prestigiosa institución responsable de los premios Grammy. Este importante reconocimiento marca un nuevo capítulo en su carrera y lo posiciona como una de las figuras argentinas con creciente proyección dentro del ámbito internacional de la producción musical.
Después de un semestre dedicado a la composición, producción y grabación de nuevo material, y de haberse presentado en el aniversario de SPR Shop junto a bandas como LAPM, Shiry y Odio a Botero en Bogotá; la banda colombiana Independiente 81 regresa con nueva música y hoy presenta ‘Anny’.
‘Anny’ es la historia de una mujer real que hace unos meses pasaba por una situación complicada en su vida. Con circunstancias emocionalmente difíciles, habla de una mujer que está en la búsqueda continua de encontrar su paz emocional. La canción también hace referencia a todas las mujeres que son víctimas de violencia de género.
A nivel sonoro, ‘Anny’ es una balada rockera y popera. Tiene sus momentos de pop punk, sobre todo en las estrofas, pero, en general, se trata de una balada pop. Son los sonidos rockeros y poperos que siempre han caracterizado a Independiente 81. La canción tiene unos arreglos especiales y el grupo juega con los tonos y la relación entre las cuerdas con algunos sonidos de sintetizador que sirven para darle más cuerpo a la canción.
«Es una canción muy personal dirigida a una persona que es especial para uno de los miembros de la banda. Se podría decir que esta canción es una forma de buscar sosiego a través de la música», comenta la agrupación.
El video de ‘Anny’ mezcla imágenes de una mujer que va caminando, como buscando algo, con los miembros de la banda tocando. Esta mujer va por diferentes lugares de la ciudad, hace diferentes actividades en busca de algo que nadie termina de comprender muy bien qué es. Se le ve inquieta, intranquila a ratos, con ganas de liberar energía sin ningún fin en particular; una persona que solo quiere estar y sentir sin necesariamente entender. Puede tener un dolor que la acompaña a todas partes o simplemente puede que esté aburrida y quiera liberar ese tedio.
La cantante Betzabeth presenta «La Culpa Fue Mía», un lanzamiento que apuesta por la vulnerabilidad y la honestidad emocional, llevando a los oyentes a recorrer una historia donde reconocer los errores se convierte en el primer paso hacia la sanación. Disponible ya en las principales plataformas digitales, el sencillo llega acompañado de un videoclip oficial que complementa la intensidad de su mensaje.
Con una interpretación cargada de sentimiento, Betzabeth deja de lado los discursos de orgullo para dar voz a quienes han comprendido que, en ocasiones, aceptar la responsabilidad es el acto más valiente dentro de una relación. La artista transforma esa reflexión en una propuesta musical que conecta con experiencias universales de amor, pérdida y aprendizaje.
Musicalmente, «La Culpa Fue Mía» combina una producción contemporánea con una interpretación cercana, permitiendo que la fuerza de la letra ocupe el papel protagonista. La canción invita a quienes la escuchan a identificarse con esos momentos en los que las palabras llegan demasiado tarde, pero aún conservan el poder de expresar lo que quedó pendiente.
El estreno también llega acompañado de un video oficial que potencia la narrativa de la canción mediante una propuesta visual centrada en las emociones y el desarrollo de la historia, reforzando el mensaje de introspección que Betzabeth busca transmitir.
Con este lanzamiento, la artista continúa consolidando una propuesta musical caracterizada por la autenticidad y la conexión emocional con su público, demostrando que las historias más personales pueden convertirse en canciones capaces de resonar con miles de personas.
«La Culpa Fue Mía» ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming y el videoclip oficial puede verse en YouTube.
El bachatero dominicano Nelson Nelson continúa consolidando su carrera con el éxito de «Duele», un sencillo que se ha convertido en uno de los temas más destacados del género en República Dominicana. La canción suma tres meses consecutivos dentro del Top 20 General de audiencia y tocadas del país, además de alcanzar el Top 5 de Bachata, reafirmando el crecimiento del artista en la escena nacional.
El compositor, arreglista y productor español Francisco Montalbán, conocido artísticamente como DJ Siscu, presenta «La Habana 2012», un álbum instrumental de Latin Jazz que convierte la memoria de un viaje por Cuba en una experiencia sonora cargada de matices, emociones y riqueza cultural.
Mustela Nivalis es un proyecto musical solista creado por el artista ecuatoriano Said Jhessua Moncayo Pérez y que nace del ímpetu por dar a conocer la música que ha creado desde muy joven. Empezó a componer a los 12 años y, desde entonces, siempre tuvo el deseo de compartir su arte y lograr que otras personas pudieran conectar con él. El proyecto se fundó en 2023 con el propósito de darle identidad y un espacio propio a sus ideas y composiciones.
Desde su creación, Mustela Nivalis ha sido un proyecto solista. Said se encarga de todo el proceso creativo: la composición, la producción musical y la creación de las portadas y la identidad visual que acompaña cada lanzamiento. La intención de su propuesta musical es crear una propuesta que se aleje de lo repetitivo y explore emociones y realidades que muchas veces son difíciles de expresar.
«Busco conectar especialmente con las nuevas generaciones y con aquellas personas que encuentran en la música una forma de sentirse comprendidas. Quiero que quien escuche una canción de Mustela Nivalis pueda encontrar esa sensación de semejanza, casi como escuchar un «yo te entiendo», y al mismo tiempo descubrir una propuesta musical que lo lleve hacia un lugar diferente», comenta el artista con influencias de The Growlers, Soundgarden, Extremoduro y Los Espíritus.
«El mensaje que quiero transmitir es que incluso las emociones más incómodas, oscuras y difíciles de expresar merecen tener un espacio. A través de mis canciones busco generar una sensación de identificación y compañía, una especie de «yo también he sentido esto». No pretendo ofrecer respuestas ni transmitir un optimismo forzado. Mi intención es transformar experiencias como el letargo, la monotonía, las adicciones, la muerte y el dolor en una forma de expresión artística con la que otras personas puedan conectar. Para mí, el arte también debe ser capaz de mirar de frente aquello que incomoda y duele», agrega el proyecto inspirado en sonoridades como el rock alternativo, la psicodelia, el post-punk y otros sonidos experimentales.
‘Mors Latens’ es lo nuevo de Mustela Nivalis, una canción que nació durante unos días grises de vacío y soledad, las horas pesaban y el artista encontraba pocas cosas en las que hallar consuelo. En uno de esos momentos tomó la guitarra para desahogarse y comenzó a improvisar. Mientras lo hacía apareció una melodía y, de forma casi espontánea, compuso toda la canción y su letra.
La canción habla de esa muerte latente que aparece cuando el ser humano existe, pero siente que algo dentro de él se apaga lentamente. La frase «la ciudad cementerio es ya de almas sin vida» lleva esa sensación más allá de lo personal, retrata un entorno lleno de personas atrapadas en la rutina, presentes físicamente, pero desconectadas de aquello que las hace sentirse vivas. Aborda el vacío existencial y la desconexión emocional, pero también la búsqueda de algo que, aunque sea por un instante, nos haga sentir vivos nuevamente.
A nivel sonoro, ‘Mors Latens’ es una atmósfera experimental y flotante, combina guitarra acústica y eléctrica, bajo, texturas lo-fi y saturaciones de cinta que dan un carácter cálido pero desgastado. No tiene batería, lo que ayuda a crear esa sensación etérea y melancólica. Tiene reverberaciones densas, delay y sonidos tétricos hechos con MIDI. Todos estos elementos buscan crear una sensación envolvente que acompañe el estado emocional de la letra.
El video de ‘Mors Latens’ es una pieza audiovisual que busca transmitir al espectador la sensación de estar observando algo inusual y fuera de lo cotidiano. A través de imágenes surrealistas y una narrativa ambigua, se construye un universo visual que acompaña y profundiza en la esencia de la canción. Aparecen elementos como paisajes surrealistas, ojos que observan, miradas expresivas y sujetos extraños, todo acompañado por una estética vintage tipo VHS con ruido y texturas desgastadas que refuerzan la atmósfera melancólica e inquietante. La intención no es contar una historia con una interpretación única, sino crear una experiencia visual que dialogue con la letra y permita que cada espectador encuentre su propio significado dentro de las imágenes.
«Con este lanzamiento espero llegar a más oyentes que puedan conectar emocionalmente con la canción y encontrar en ella una experiencia con la que se sientan identificados. También busco mostrar una propuesta musical diferente, donde la música, la letra y la parte visual se unen para crear una atmósfera propia. La intención es que Mors Latens pueda encontrar personas que valoren una expresión más introspectiva, experimental y profunda», menciona Said Moncayo.
Hay canciones que logran trascender generaciones gracias a la fuerza de su composición. Otras, además, encuentran nuevas formas de emocionar cuando son reinterpretadas desde una perspectiva diferente. Ese es el caso de «Manguito Biche», el nuevo lanzamiento de la agrupación vallenata de Folclore AlternativoSINTENDENCIAS, que convierte este clásico inmortalizado por Diomedes Díaz en una poderosa experiencia de rock sin renunciar a su esencia.
Las historias más profundas suelen nacer de los recuerdos. Esa es la esencia de «Hola Cómo Estás», el nuevo lanzamiento del cantante venezolano Oscar Castro, quien actualmente reside en Texas (Estados Unidos) y presenta una obra cargada de sensibilidad, nostalgia y gratitud hacia una de las personas más importantes de su vida: su abuela.
Después de un primer semestre de trabajo intenso en Madrid con productores como Carlos Almazan, Dabruk y Moisés Herrera en donde ha dado rienda suelta a su creatividad, la cantante, compositora y guitarrista colombiana Amparo Sandino, nacida en Bogotá y actualmente radicada en España, sigue construyendo lo que será su nuevo EP ‘Sesenta y Tres’ y hoy presenta su nuevo sencillo ‘Ella’.
‘Ella’ de Amparo Sandino, compuesta en 2002 en conjunto con el compositor y productor español José Manuel Moles, es una canción con una gran carga emocional que visibiliza la realidad de la violencia de género a través de una historia íntima y desgarradora de supervivencia y esperanza, de una mujer marcada por el miedo y la búsqueda de libertad.
A nivel sonoro, ‘Ella’ es una canción de pop latino con influencias de flamenco pop y sonidos de contrastes: guitarras acústicas junto a sintetizadores, sobre una percusión que marca la intensidad donde la voz lleva carácter propio.
«Más que una canción, ‘Ella’ es un homenaje a las víctimas y un llamado a romper el silencio, transformando la música en conciencia social. Es un mensaje claro para recordar que el amor jamás debe confundirse con el sufrimiento. Es una pieza que combina emoción y una narrativa capaz de conectar profundamente con el oyente», comenta Amparo Sandino. «La voz lleva carácter propio — ni grita ni suplica — y eso la hace magnética en cualquier en cualquier momento del día», agrega.
El video no fue construido solo para acompañar la canción, es una pieza con discurso visual propio. El espejo donde se reflejan las imágenes no solo representa dolor emocional, también es la memoria de ‘Ella’, de todo lo que vivió y de todas las señales que nadie quiso ver. Además, hay algo clave en cómo se plantea la violencia: no se enseña de forma explícita, más bien el enfoque simbólico genera más impacto emocional y universal para evitar caer en algo sensacionalista.
Isaac Victoria es un cantautor mexicano que desde 2012 cuenta historias a través de la música. Su trabajo es el punto de encuentro entre la solidez vocal y la pasión que da vida a sus letras. Con una trayectoria que ha resonado desde el Teatro Nacional en Santo Domingo hasta el Top 10 de las radios en Australia, se consolida como una de las voces más versátiles del pop contemporáneo. Cantautor y productor, fusiona la sensibilidad lírica con una producción de vanguardia.
Después de interpretar covers durante unos años en la República Mexicana, Isaac tuvo la necesidad de comenzar a componer canciones para contar su propia historia, su manera de ver la vida, de sentir el amor y el desamor, y de contar sus vivencias con su propia voz.
«Celebro la vida a través de mi música y mi canto. Quiero dejar bien presente que, si bien la vida no es perfecta, sí puede ser hermosa si cantamos nuestra historia desde el corazón», cuenta el músico.
«A través de mis canciones quiero contar historias, llevar buena vibra por esos tres minutos y cantar a plena voz alegrías y desamores», agrega el mexicano con influencias de Alex Filio, Ismael Serrano, Pedro Guerra, Raúl Paz y Pedro Capó.
‘Por si no hay mañana’ es el nuevo lanzamiento de Isaac Victoria, una canción que surgió en la época de la pandemia. Fueron momentos en los que el artista se replanteó «¿y si no hubiera un mañana? Es un recordatorio de que el amor y las palabras deben entregarse y vivirse en el momento presente.
La base de la canción nació como una balada suave con arpegios de guitarra de tipo folk pop o acoustic pop, donde la guitarra lleva el peso de la historia. En las sesiones de arreglos, Isaac le dio un toque de latin pop actual, intentando fusionar estos elementos para tratar de lograr un sonido fresco y emocional a la vez.
«Uno se enteraba de los miles de muertos en todo el mundo, pero también entre mis propios familiares y amigos. Entonces surgió la pregunta, ¿qué harías hoy si supieras que no habrá un mañana? A veces uno se guarda las cosas bonitas que uno siente por los amigos, la pareja o la familia», menciona el mexicano.
La narrativa del video de ‘Por si no hay mañana’ tiene un concepto claro: el amor como refugio. La intención principal es plasmar la honestidad y la entrega total en el amor. La idea de que, ante la incertidumbre del destino, lo único que importa es abrazar el presente y decirle a esa persona lo que se siente por ella. Visualmente, el director buscó recrear la atmósfera de un ‘castillo en ruinas’, como un símbolo de un mundo que se ha detenido, donde los dos protagonistas parecen ser los únicos habitantes. En medio de esa quietud y de los vestigios del pasado, el amor y la complicidad se convierten en el único refugio vivo, dándole una sensación de calidez, luz y esperanza a las ruinas.
Xonny te invita a desconectarte del ruido y conectar con nuevas emociones a través de la selección musical recomendada de hoy en FRECUENCIA ALTERNATIVA. Una curaduría pensada para descubrir sonidos que inspiran, artistas que merecen ser escuchados y canciones capaces de acompañarte en cualquier momento del día. Dale play, explora nuevos ritmos y déjate llevar por esta experiencia sonora que vibra con la esencia de nuestra comunidad.
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El artista barranquillero presenta un sencillo donde el deseo, la conexión y una producción de atmósferas oscuras consolidan una identidad cada vez más sólida dentro de la nueva escena urbana colombiana.
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La escena alternativa colombiana continúa expandiendo sus horizontes creativos y emocionales con el regreso de With The Lights Out, agrupación cartagenera de metal alternativo que presenta «Espías», el primer adelanto de su próximo EP y una poderosa exploración de los límites entre la percepción, la conciencia y la realidad.
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El dolor por una ruptura amorosa puede paralizar. Una persona expresa su desesperación tras perder a alguien que considera irremplazable: lo ha intentado todo para recuperarla, pero el recuerdo persiste y la vida, dice, ya no tiene sentido sin su presencia.
Frank GoDi es un cantante y compositor cubano, actualmente radicado en Canadá. Su proyecto nace de la inquietud de mostrar al mundo su música propia, expresando sus vivencias y sentimientos; y mostrando su talento para conquistar corazones en Colombia y Latinoamérica con su obra. La intención de su propuesta musical es adueñarse, en el buen sentido de la palabra, de los corazones y los oídos de todas las personas que conozcan su proyecto.
Frank GoDi es el eje principal del proyecto, sin embargo, cuenta con el apoyo de músicos profesionales y de gran trayectoria para darle vida a su obra musical como es el caso de Oswaldo Ospino y Edgardo Manuel Pomares, integrantes de la orquesta de salsa Grupo Niche.
«A través de mis canciones busco enviar un mensaje de unidad y humanidad, dentro de todas las melodías e historias que creo hay una persona que no creía que fuese posible emprender el camino de su sueño musical en solitario, pero que al final despertó y descubrió que todos podemos materializar nuestros sueños. Querer y actuar es poder», comenta el artista con influencias de Joe Arroyo, Óscar de León, Pablo Milanés, Marc Anthony, entre otros.
«Mi obra y yo como compositor e intérprete nos hemos dejado llevar por la influencia de todos estos grandes artistas, agregándole mi toque cubano para lograr una propuesta innovadora. La mezcla entre la salsa, el caribe, el son, la balada ha nutrido mi espíritu y mi alma», agrega Frank GoDi.
‘Cómo le hago’ es el nuevo lanzamiento de Frank GoDi, una salsa brava que invita a reflexionar y a asimilar la pérdida de alguien que se amó mucho. Es una canción perfecta para pensar en los errores cometidos y un aprendizaje de cómo se deberían afrontar futuras relaciones.
Las rupturas afectivas están entre las experiencias de mayor impacto emocional. Psicólogos coinciden en que el cerebro procesa la pérdida amorosa de forma similar al duelo por muerte. La ausencia activa circuitos de apego y recompensa, lo que explica la obsesión, la añoranza física y la sensación de vacío.
El testimonio de la canción refleja un fenómeno común: el cerebro se resiste a soltar vínculos que alguna vez fueron fuente de seguridad. La idealización del pasado bloquea la aceptación del presente. El sufrimiento no viene solo de la ausencia, sino de la lucha contra esa ausencia. Recuperar lo perdido o, al menos, dejar de sufrir, se convierte en la única meta visible.
Superar una ruptura no es borrar, es aprender a convivir con el recuerdo sin que duela. El primer paso suele ser dejar de intentar “volver atrás” para empezar a reconstruir un sentido propio, más allá de la otra persona. El dolor no avisa cuándo se va, pero cede cuando se deja de alimentarlo con esperanza de lo que ya no es.
Xonny te invita a desconectarte del ruido y conectar con nuevas emociones a través de la selección musical recomendada de hoy en FRECUENCIA ALTERNATIVA. Una curaduría pensada para descubrir sonidos que inspiran, artistas que merecen ser escuchados y canciones capaces de acompañarte en cualquier momento del día. Dale play, explora nuevos ritmos y déjate llevar por esta experiencia sonora que vibra con la esencia de nuestra comunidad.
