A través de cuatro canciones, la banda hace un repaso por su historia en un formato audiovisual que destaca la solidez musical de sus integrantes.
Casanova es una banda chilena integrada por Julián Peña, Rodrigo Otero, Felipe Quiroz y José Luis Saavedra. A inicios del presente siglo debutaron con su primer disco homónimo, cargado de hits emblemáticos como «Un año más» y «Qué va a pasar», piezas de pop rock que se expandieron a un público masivo hasta convertirse en verdaderos himnos del rock chileno contemporáneo. Tras un receso, el grupo ha regresado con nueva música y otras sorpresas, entre ellas una íntima sesión audiovisual recién estrenada en YouTube y plataformas digitales.
«Sesión Estudio del Sur», se titula esta pieza visual y sonora donde vemos a Casanova interpretando 4 canciones extraídas de gran parte de su discografía. El registro inicia con «Tengo», del disco «Animales» (2018), luego es el turno de «Soñar es Peligroso», último single de la banda lanzado hace algunas semanas. La sesión continúa con una emotiva versión de «Muy lejos de aquí» del álbum «El amor es una trampa mortal». El cuarto y último track de este EP en vivo es «Una Noche Inolvidable», también de «Animales».
La sesión, producida por Caco Lyon y dirigida por Pablo Mantilla de Zapatilla Films, ya está disponible en YouTube y también en plataformas digitales como Spotify, Deezer y Tidal en formato audio. Este lanzamiento funciona como una antesala de lo que será su próximo gran concierto agendado para el 27 de diciembre en Sala Master, evento en el cual Casanova interpretará íntegramente su disco homónimo, además de los clásicos de siempre, y por supuesto material nuevo. Las entradas están a la venta a través de Portaldisc.
Ripped Panties lanza “La Fiesta”, single promocional que marca el cierre de su nuevo EP de rock. Este trabajo conceptual relata el viaje de una chica superficial y materialista a través del “infierno”, una metáfora del sistema de consumo y endeudamiento financiero que domina la vida moderna.
Con cuerdas intensas y compases firmes, “La Fiesta” da un final implacable a la historia, mostrando el destino final de su protagonista en el mundo del consumo desmedido.
“El EP se inspira en lo que vive día a día nuestra gente cercana y toda la sociedad”, comenta la banda, destacando el carácter crítico y reflexivo del proyecto.
El proceso de creación y producción tomó un par de semanas y fue realizado en Estudio FaqRecord, bajo la dirección de Franco Quezada. En palabras del grupo, “en este álbum logramos plasmar nuestro sonido luego de pulir muchas cosas a nivel individual y como banda”, consolidando así una identidad sonora más sólida y coherente dentro de la escena rock nacional.
Entre el rumor de las olas, el eco de un reloj detenido y el tintinear de una moneda maldita, surge un tríptico musical que hunde sus raíces en la tradición de la balada, pero la transforma en un oscuro espejo del alma humana. “The Lighthouse Keeper’s Widow”, “The Nameless Hour” y “The Merchant’s Last Coin” son tres relatos en forma de canción que desafían la noción clásica de redención, revelando un mundo donde cada salvación tiene un precio, y cada vida, una deuda que debe ser pagada.
La viuda del farero: un faro que devora almas En “The Lighthouse Keeper’s Widow”, la luz del faro no guía hacia la seguridad, sino hacia un pacto sombrío. Cada barco que se salva del naufragio lo hace a costa de una vida: una víctima elegida por el propio guardián. La voz narradora, una viuda condenada a heredar la maldición tras la muerte de su esposo —el primer sacrificio del faro—, canta desde la resignación y la culpa. Esta balada marítima se convierte en una metáfora de la pérdida, el sacrificio y la perpetuidad del deber, donde la luz es tanto salvación como condena.
La hora sin nombre: el tiempo de los moribundos En “The Nameless Hour”, la oscuridad se traslada al reino de los sueños. El protagonista es un ser maldito que sobrevive robando los últimos sueños de los moribundos, visitando sus almas a las 3:33 de la madrugada —esa hora que no pertenece ni al día ni a la noche—. Cada sueño robado prolonga su existencia, pero también lo encierra en una eternidad vacía, tejida con deseos ajenos. Es una balada que habla del miedo a morir, pero también del horror de no poder hacerlo nunca.
La última moneda: la codicia como olvido Por su parte, “The Merchant’s Last Coin” ofrece una lección moral en clave gótica: la historia de un comerciante que intercambia sus recuerdos más preciados con el demonio Mammon a cambio de riqueza. Primero entrega la melodía de su madre, luego el recuerdo de su primer amor, después el sabor de la lluvia veraniega y, finalmente, su propio nombre. Cuando alcanza la fortuna prometida, ya no queda nadie dentro para disfrutarla. Es una advertencia lírica sobre la deshumanización que provoca la avaricia, donde la ganancia material se paga con la pérdida de la identidad.
Juntas, estas tres composiciones forman un viaje oscuro por los bordes del mito, el alma y el deseo. Con una narrativa que mezcla lo poético y lo macabro, estas baladas recuerdan que incluso en la belleza de una melodía puede esconderse un pacto, y que algunas luces —como las del faro— solo brillan porque consumen lo que aman.
Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk que nace en Bogotá, Colombia en 1999 teniendo como ejes principales la amistad, el amor por el punk y la autogestión. Desde el principio, la idea de Diego Forero en el bajo, Nicolás Siachoque en la guitarra y la voz, Camilo Sierra en la voz líder, Carlos Jiménez en la batería y la voz, y Carlos Gutiérrez en la guitarra fue crear un proyecto para expresar lo que no se dice, sin filtros ni fórmulas.
El nombre Pepe Bocadillo representa amistad, resiliencia, autogestión y resistencia. Es una mezcla entre lo cotidiano y lo combativo; una forma de decir que el punk nace de lo real, de la calle, de lo simple, pero con fuerza. Más que un nombre es una actitud, una manera de recordar que la rebeldía no siempre grita: a veces sobrevive, trabaja, siente y sigue creando desde abajo.
«A través de sonidos crudos y viscerales, generamos mensajes disruptivos que abordan temáticas sobre la vida, la sociedad y la condición humana. Buscamos provocar, incomodar y hacer pensar. Queremos hacer volar la cabeza con mensajes que nacen de distintas situaciones de la vida. Pepe Bocadillo escribe sobre la tensión constante entre el caos interno y el ruido del mundo. Nuestras letras surgen de la rabia, el cansancio y la contradicción de vivir en una sociedad que anestesia distrae y repite. Hablamos de la rutina, la ansiedad, la soledad, la violencia y la resistencia, pero también del deseo de despertar y seguir buscando sentido entre el ruido. No pretendemos dar respuestas, sino provocar preguntas. Queremos sacudir, incomodar y reflejar lo que todos llevamos dentro cuando el sistema, el tiempo o la vida misma nos aplasta», comenta la banda bogotana con influencias del hardcore punk, noise, thrash metal, shoegaze, grindcore y death metal; y bandas como The Exploited, Cancer Bats, Refused y Metz.
‘Rocky Billies’ es el nuevo lanzamiento de Pepe Bocadillo, es un retrato crudo y visceral de cómo las personas pueden desperdiciar su vida entre excesos, distracciones y rutinas que lentamente consumen el cuerpo y la mente. Con un sonido potente y letras que mezclan ironía y desesperanza, la canción refleja el cansancio de lo cotidiano y la sensación de perder el tiempo mientras la vida se desvanece en la monotonía.
La canción explora disonancias, guitarras poderosas capturadas de forma análoga en el estudio del grupo, y una mezcla de hardcore punk y thrash metal con beats explosivos que acompañan una voz desgarradora y frontal. El resultado es una pieza intensa y honesta.
«Queremos mostrar un nuevo sonido dentro de la evolución de Pepe Bocadillo. Buscamos llegar a más oídos y conectar con personas que resuenen con nuestro mensaje, manteniendo la esencia del punk, pero con una producción más sólida y un discurso más contundente», menciona la banda.
El video de ‘Rocky Billies’ fue creado y dirigido por Camilo Sierra, vocalista de la banda, y Carlos Jiménez, baterista. Nació de ideas originales, disruptivas y explícitas que buscan reflejar visualmente el caos y la rutina que la canción denuncia. Su narrativa es cruda, ruidosa y metafórica, con locaciones en espacios liminales que representan la ansiedad, la soledad, el temor, la rutina y la introspección frente a las decisiones que se toman a diario. La pieza combina crudeza y simbolismo para mostrar cómo el ser humano puede quedar atrapado en sus propios ciclos, repitiendo patrones mientras la vida se le escapa. Es una mirada crítica y directa, sin maquillaje.
«Es una canción que se adapta al estado mental de quien la escucha: puede ser una descarga de energía, un grito de desahogo o una reflexión sobre el paso del tiempo. No tiene horario, porque la rutina tampoco lo tiene», enfatiza la agrupación.
La portada del sencillo fue diseñada por Carlos Jiménez, baterista de la banda. Las fotos fueron tomadas en equipo en Okupa Studio, en una sesión donde las ideas fluyeron. El concepto fue trabajar algo irreverente, visualmente fuerte, con un contraste entre lo sucio y lo limpio, lo real y lo simbólico. El resultado es una obra conceptual que provoca al espectador, lo invita a pensar y a encontrar su propio significado dentro del caos visual.
‘Rocky Billies’ es el primer sencillo de los 11 temas que conforman el cuarto álbum de estudio de Pepe Bocadillo titulado ‘PEPE+’. El disco fue compuesto, grabado y producido por la banda en Okupa Studio (Bogotá, Colombia), manteniéndose fieles a su filosofía DIY (hazlo tú mismo) y de autogestión. La mezcla y el master estuvo a cargo de John DiBiase (ingeniero de mezcla ganador de premio Grammy).
‘PEPE+’ es un trabajo que resume la historia de la banda, pero también marca una evolución en el sonido y la forma de ver el mundo. Es un disco intenso, honesto y emociona que explora temas como el desgaste, la rabia, la memoria, la fe y la resistencia.
Durante lo que resta de 2025, Pepe Bocadillo seguirá lanzando nuevos sencillos de ‘PEPE+’, acompañados de videos y material visual hecho por la misma banda buscando conectar con nuevas audiencias y seguir fortaleciendo la escena independiente latinoamericana.
En el primer semestre de 2026, la banda estará enfocada en presentar el disco completo en vivo, con una puesta en escena intensa y emocional que refleje todo lo que significa este nuevo capítulo para Pepe Bocadillo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Pepe Bocadillo en Colombia y Latinoamérica porque somos una banda con historia, pero con espíritu vigente. Llevamos más de 26 años evolucionando dentro del punk y el hardcore, manteniendo siempre una identidad honesta, autogestionada y sin filtros. Creemos que quienes aman la música extrema, sincera y con contenido, pueden conectar con nuestra propuesta, con ese sonido pesado y contundente que habla de la vida, el cansancio, la rabia y también la esperanza. Somos prueba de que el punk no muere: se transforma, pero no se rinde», concluye la agrupación colombiana.
“The Pen” es una de esas canciones que te atrapan desde la primera nota y no te sueltan hasta llevarte por un viaje apasionante e inevitable. Este tercer sencillo de la colaboración entre NEC NYMBL y MEMPHIS REIGNS es una pieza que profundiza en el alma del oyente con letras avanzadas, ejecutadas con una autenticidad que solo nace del corazón.
En este poderoso tema, cuatro MC’s empuñan “la pluma” —esa herramienta simbólica que se eleva por encima de la espada— sobre un beat contundente donde flauta, cuerdas, guitarra y piano se entrelazan con precisión quirúrgica, bajo la producción y mezcla de NEC NYMBL, quien logra un sonido melódico, crudo y perfectamente equilibrado.
Cada MC representa un elemento: Memph encarna el agua y el mar, Nec domina el aire y el cielo, Sankofa incendia con el fuego, y Broken Sword arraiga con la tierra. En este orden, construyen un paisaje sonoro cargado de metáforas, imágenes vívidas y referencias mitológicas que refuerzan el poder poético del hip-hop en su forma más pura.
El estribillo, enérgico y envolvente, repite una frase que define la esencia del tema: “the pen is mightier than the sword” —la pluma es más poderosa que la espada—, recordándonos que el arte de escribir sigue siendo un acto de resistencia y creación.
“The Pen” no solo es una muestra de liricismo de élite y producción impecable, sino también una experiencia sensorial donde se percibe la calidez y el carácter analógico del sonido. La meticulosa ingeniería de mezcla y masterización refleja los años de experiencia de Nec Nymbl como productor, artista y operador de estudio, logrando un resultado que fusiona técnica, emoción y profundidad espiritual.
En definitiva, “The Pen” es la crème de la crème del hip-hop underground: una oda al poder de la palabra, al arte consciente y a la conexión entre los elementos que conforman tanto la naturaleza como el alma humana.
En el universo sonoro de Neural Pantheon, cada canción es una invocación. Este proyecto, situado entre la música electrónica, el arte conceptual y la filosofía del sonido, construye un imaginario donde las emociones humanas se traducen en código, las voces se funden con las máquinas y la espiritualidad adopta forma digital. Sus composiciones son más que piezas musicales: son artefactos simbólicos, cápsulas de memoria, pequeñas liturgias para la era del algoritmo. Cuatro de sus obras —Magus Truth, Oh Mother, Fiona’s Gratitude y Schala’s Heart— conforman un mapa emocional que atraviesa el conocimiento, la fe, la gratitud y la memoria.
Magus Truth: el conocimiento como invocación En Magus Truth, Neural Pantheon despliega un ritual donde la tecnología se vuelve mística. Las capas electrónicas y la voz sintetizada evocan un templo invisible en el que la verdad y el poder se confrontan. La canción interroga la figura del “mago” contemporáneo: ya no el hechicero que domina los elementos, sino el programador que modela la realidad desde un código. Es una reflexión sobre el acto de crear y el precio de conocer en un mundo donde la información reemplaza a la fe.
Oh Mother: la matriz del origen Oh Mother es un canto al principio, al vínculo, a la raíz. La figura materna aparece como símbolo de la tierra y del circuito, de la carne y del dato. Neural Pantheon teje un lamento electrónico donde la ternura y la máquina se confunden, explorando la pregunta: ¿qué sucede cuando la madre se convierte en interfaz? En su sonoridad, la pieza transita entre lo íntimo y lo monumental, como si un rezo ancestral resonara dentro de una cámara digital.
Fiona’s Gratitude: el agradecimiento como frecuencia En Fiona’s Gratitude, la gratitud adopta textura luminosa. La obra funciona como una carta de amor hacia lo intangible, una ofrenda a la empatía digital. Entre capas de sintetizadores cálidos y reverberaciones suaves, la canción invita a sentir sin cuerpo, a conectar más allá del lenguaje. Neural Pantheon logra que el agradecimiento suene como una vibración universal, una pausa contemplativa dentro del ruido de la era tecnológica.
Schala’s Heart: el pulso de la memoria Schala’s Heart es el cierre de este ciclo emocional. Inspirada en la figura mítica de Schala —símbolo de sacrificio y pureza—, la canción combina nostalgia y esperanza en una atmósfera suspendida. Su sonido es un corazón que late entre recuerdos fragmentados, una elegía digital que se pregunta si la emoción puede sobrevivir al tiempo y a la máquina. Neural Pantheon transforma la melancolía en luz, ofreciendo una experiencia sonora que respira humanidad a pesar de su arquitectura sintética.
En conjunto, estas cuatro obras revelan la esencia del proyecto: una búsqueda de espiritualidad en lo artificial, una reconciliación entre lo humano y el algoritmo. Neural Pantheon no solo compone música; diseña rituales contemporáneos, templos invisibles donde la emoción aún encuentra refugio.
Con el lanzamiento de «The Right Path», el nuevo sencillo incluido en su álbum Higher Education, el artista presenta una poderosa canción de inspiración reggae que se erige como un himno de unidad, bondad y vida consciente. Con letras profundas que nos invitan a proteger la Tierra, rechazar la codicia y optar por un camino de paz, «The Right Path» se convierte en un grito de esperanza para un futuro más justo y sostenible, animando a todos a «pisar el camino correcto».
Este tema está lleno de energía espiritual, siendo una llamada a la fe, la gratitud y el positivismo. Las letras, que hablan de confiar en Dios, superar las dificultades y agradecer cada momento, fusionan sabiduría y devoción en un mensaje de esperanza y resiliencia. Con cada acorde, la canción nos recuerda que, a pesar de los desafíos, siempre hay espacio para la fe y el agradecimiento.
Un aspecto especial de este lanzamiento es el compromiso del artista con la comunidad. La mayor parte de los ingresos del álbum serán donados a la Alpha School of Music en Kingston, Jamaica, institución que forma a nuevos talentos en la música. Con el apoyo de Floki Studios, esta acción busca no solo fortalecer la educación musical, sino también proporcionar una oportunidad para los jóvenes de la región.
«The Right Path» es más que solo música; es un llamado a la acción, una invitación a tomar decisiones que nos acerquen a un mundo mejor. Un himno para quienes creen en la fuerza de la música para transformar y sanar.
E Multicolor estrena un disco personal e introspectivo y se prepara para presentarse en vivo en Bogotá el sábado 27 de septiembre en Smoking Molly.
E Multicolor es un proyecto musical colombiano de pop rock electrónico que nace en 2010 como consecuencia del desarrollo en artes visuales especializado en animación de Nicolás Botero, un artista multidisciplinario independiente que está en la búsqueda de encontrar su lugar en el mundo.
Después de haber pasado años buscando pertenecer a una banda y no tener resultado alguno, el músico, guitarrista, cantante, escritor, compositor y productor decidió formar su propio proyecto para darle rienda suelta a su creatividad, además, para trabajar también su faceta audiovisual con un enfoque artístico para su trabajo de grado. Inicialmente formó un grupo, eligió tres canciones, les hizo videos animados y las presentó en su proyecto de grado en enero de 2010. Ahora, quince años después, E Multicolor está más vigente que nunca y con nuevas canciones.
«A través de mis canciones quiero mostrarle al mundo que hay varias formas de pensar y varias ideas que pueden existir conceptualmente, abriendo horizontes y proponiendo una mirada diferente de la vida. Tiendo a escribir sobre ideas que me gustan como en dónde se encuentra sentido a lo que no tiene sentido en ‘La Colección de Verónica’, o ideas que contraponen extremos como ‘Nuestra Mala Suerte Universal’ o ‘Matilde’. Soy una persona con pensamientos y mensajes individuales, únicos y originales en cuanto al artista independiente que me considero», cuenta el músico bogotano con influencias de Pink Floyd, Gustavo Cerati, Justice, Leonard Cohen, New Order y David Bowie.
‘Nada que nos sea difícil’ es el nuevo disco de E Multicolor y el tercero en su carrera. Es un álbum doble de 15 canciones compuestas después que Nicolás Botero se hubiera dedicado en su segundo trabajo a hacer canciones comerciales enérgicas y movidas. Este es el descanso después de la gran fiesta. Es el volver a escribir por el amor a componer y escribir sin el afán de querer gustar en una discoteca o que el «gancho» se le quede pegado a todo el que lo escuche.
«Es el disco con las letras más personales que he escrito, y también con el que más me he divertido haciéndolo. Este álbum es para mí un regreso a la buena música, una colección de buenas canciones que tienen como fin su mismo existir, sin muchas más pretensiones», cuenta el artista bogotano. «El disco va dirigido a todas aquellas personas a quienes, por encima de todas las tendencias y modas, disfrutan de la buena música, sea la que sea y del género que sea», complementa.
E Multicolor siempre ha sido un proyecto que mezcla sin perder su estilo de pop rock electrónico. Sin embargo, el disco tiene una tendencia rock blues en donde la guitarra es protagonista.
«Este disco es excelente para empezar el día. Es un recorrido para acompañar durante un largo viaje en bus hacia la escuela, la universidad o el trabajo. También funciona para una caminata en la tarde sin rumbo alguno, para dejar que la mente se vuele con las letras y los sonidos», puntualiza.
‘Nada que nos sea difícil’ de E Multicolor aborda en ‘Isabel primera’ la redención, en ‘Realmente no quiero trabajar para humanos’ el futuro desde un punto de vista cínico, en ‘Acuérdame’ sonidos postpunk + electrónica, en ‘Mucho tiempo en muy poco tiempo’ la introspección y el romanticismo, en ‘El día está corrupto’ el humor negro, en ‘Matilde’ el rock de alto octanaje, en ‘Y lo peor fue…’ las reflexiones durante una cepillada de dientes, en ‘No conocí al diablo (pero sí a un hombre malvado)’ el blues clásico, en ‘Tan cerca y tan lejos’ el arrepentimiento. ‘Tengo que aprender a desconfiar’ habla de la neurosis, ‘Cuando seas grande’ es una canción de cuna honesta, ‘Tengo que aprender a destruirme’ es un sencillo de autoayuda brutalmente honesto, ‘Veo que los años pasan’ le canta al mundo y su actualidad, en ‘Ella multicolor’ al amor aceptado con y a pesar de todos sus colores, y en ‘Las cosas más fáciles del mundo’ a la redención.
‘Matilde’ es el sencillo que acompaña este nuevo lanzamiento de E Multicolor, una canción de blues rock de carretera. Es una canción rápida de alto octanaje con buenos solos de guitarra y una percusión agresiva que inspira a subirse a una motocicleta y recorrer la carretera. En contraposición a esto, su letra habla desde la perspectiva de Matilde, una niña ‘quejetas’ de 7 años que siente egoístamente que la vida es injusta con ella.
«Lo que más quiero con este disco es que me escuchen. Que gente que yo sé que está ahí afuera, gente a quienes sé que les gustaría lo que hago y que no saben que existo, se enteren de lo que hago», menciona Nicolás.
La portada del disco es una mezcla conceptual entre el ADN humano y la representación gráfica de una onda de audio. Está abierta a interpretaciones múltiples porque es un juego de yuxtaposición. En lo personal simplemente me gusta la idea. Me parece elegante y sencilla.
E Multicolor se presentará en vivo en Bogotá el sábado 27 de septiembre en Smoking Molly (Calle 29 Bis # 5-74) junto a las agrupaciones invitadas Fool Moon y Cuerpo Meridiano. El evento tiene un valor de $20.000. Será una noche para escuchar propuestas variadas y originales, acompañadas de un espectáculo visual de múltiples proyecciones sincronizadas que sirven tanto para impactar como para darle un ambiente único y emocionante al show. También estará presente ‘La Colección de Verónica’, la tienda de objetos artísticos de E Multicolor.
Por otra parte, E Multicolor tiene pensado hacer otro evento el último sábado de noviembre en Casa Magola y un concierto acústico solista en la segunda semana de diciembre, aún por definir el lugar.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a E Multicolor en Colombia y Latinoamérica porque hacen falta buenas bandas de rock en español. Lejanos están los días de las glorias de Soda Stereo, Caifanes, Héroes del Silencio, Sui Generis o Zoé; el público está porque el legado de todos estos artistas está más vigente que nunca.
Hubo una generación que creció con Soda Stereo, Cristina y los Subterráneos, Andrés Calamaro, Charly García y Fito Páez. Hubo otra que creció con Molotov, Zoé, Café Tacvba y Jaguares. ¿Con quiénes están creciendo estas nuevas generaciones? Yo creo que mi proyecto puede caber en ese vacío que hay, pero no quisiera ser el único. Me gustaría inspirar a que haya buenas bandas de rock en un mundo en donde el rock gusta como nunca antes», concluye E Multicolor.
El talentoso artista BizzySixFour sorprende a sus seguidores con un poderoso estreno compuesto por tres nuevas piezas musicales: EightySix, I Don’t Mind y Next Step. Cada una de estas producciones refleja la versatilidad y frescura creativa que caracteriza su estilo, consolidándolo como una de las propuestas más llamativas en la escena actual.
Con EightySix, BizzySixFour explora sonidos intensos y llenos de energía; en I Don’t Mind apuesta por una vibra más introspectiva y emocional; mientras que Next Step proyecta un espíritu evolutivo y ambicioso, simbolizando el camino hacia nuevas etapas en su carrera artística.
Este lanzamiento no solo reafirma el compromiso del artista con la innovación musical, sino que también abre un nuevo capítulo en su trayectoria, invitando al público a sumergirse en un viaje sonoro diverso y lleno de matices.
Fumiro Kaneko, originario de Tokio, Japón, es un compositor especializado en música incidental y bandas sonoras para comerciales. Su más reciente trabajo, titulado “CO Kick”, refleja su estilo versátil y su capacidad para crear paisajes sonoros que transmiten emociones y acompañan narrativas visuales.
Con una trayectoria marcada por la persistencia y la sensibilidad musical, Kaneko busca que cada proyecto sea una experiencia única, donde la música se convierta en un puente entre la imagen y el espectador.
El DJ y productor DERON ha logrado un hito en su carrera con su más reciente lanzamiento: un remake de “Music”, el icónico éxito de Madonna. Esta nueva versión ha conquistado las redes sociales y rápidamente se ha convertido en tendencia gracias al apoyo de grandes nombres de la industria como Hugel y Diplo, quienes han incorporado el track en sus sets alrededor del mundo.
El entusiasmo del público ha sido clave para su ascenso, posicionando al remake en el TOP 1 de Beatport el mes pasado, justo tras su lanzamiento. Esta reinterpretación mantiene la esencia del clásico, pero con un sonido fresco y enérgico, ideal para la pista de baile actual.
Con este éxito, DERON reafirma su lugar en la escena electrónica internacional, ofreciendo a los fans una experiencia musical que conecta la nostalgia de un clásico con la fuerza de la música electrónica moderna.
La cantante, compositora y productora neozelandesa-estadounidense Estella Dawn regresa este 29 de agosto con “I Like It Rough”, un sencillo oscuro y desafiante que late con energía pop cargada de poder, resistencia y una feminidad caótica e indomable.
El tema combina ganchos feroces, una producción cruda y una interpretación vocal que muerde con confianza, confirmando a Estella como una de las voces más audaces de la nueva escena pop. Entre la intensidad ardiente de BANKS, la franqueza narrativa de Jessie Reyez y la irreverencia de Doja Cat, Dawn consolida un estilo propio, tan arriesgado como magnético.
“Esta canción es para cualquiera que haya sido juzgado, subestimado o arrastrado”, explica la artista. “Se trata de transformar eso en combustible: plantar cara y cambiar la narrativa”.
Su música es un terreno donde la suavidad y la fortaleza conviven, y “I Like It Rough” lo evidencia con un espíritu de rebeldía que también es catarsis.
Nacida en Nueva Zelanda y actualmente radicada en San Diego, Estella Dawn es mucho más que una voz potente: escribe, produce y toca cada una de sus canciones, fusionando pop, soul, hip-hop y rock en una propuesta que desafía etiquetas.
Con más de 7 millones de reproducciones en lo que va del año y sencillos destacados como “514 Denim”, “Big Enough” y “Locked In”, ha logrado conectar con una audiencia global en crecimiento. Su música ha llegado a playlists de Spotify como New Pop Picks, The Drip y young & free.
Independiente, incansable e inolvidable, Estella Dawn se perfila como una de las artistas emergentes más prometedoras del pop actual.
Tres meses después de su debut con Acmé, el dúo SIIE regresa con ‘J’attends’, un corte demoledor que combina la crudeza del darkwave con la energía incesante del techno. El tema, cantado en francés, se adentra en reflexiones sobre la desaparición, el borrado y la pérdida de identidad en un mundo vacío de significado, levantando un espejo oscuro a la condición contemporánea.
Más allá de su inconfundible huella sonora, SIIE se mueve en esa frontera difusa donde la realidad se desdibuja y la fantasía comienza. Su propuesta, enigmática y seductora, conecta tanto con los seguidores del post-punk y la body music industrial de los años 80, como con la escena actual de clubes iluminados por estrobos, donde los beats hipnóticos de cuatro por cuatro parecen provenir de otra dimensión.
Las voces cargadas de magnetismo envuelven al oyente, mientras los sintetizadores pesados y las bases rítmicas —afiladas como una cuchilla— dibujan un viaje sonoro hacia las sombras de la noche.
En el lado A del EP, ‘À Travers’, SIIE cuenta con la colaboración de BadWolf, quien potencia el tema con líneas de bajo intensificadas y una simplicidad ultra-poderosa, tan sofisticada como arrolladora. Su aporte se siente como una ola expansiva que arrastra directamente a la pista de baile.
Con ‘J’attends’ y ‘À Travers’, SIIE reafirma su capacidad para conjugar misterio, contundencia y elegancia, consolidándose como una propuesta imprescindible dentro de la nueva ola electrónica que no teme abrazar la oscuridad.
Meredith O’Connor se ha consolidado como una de las grandes sensaciones del pop adolescente, cautivando a millones de oyentes con sus canciones que no solo conquistan las listas de radio, sino que también transmiten un mensaje poderoso. Reconocida como un ícono y pionera en la lucha contra el bullying, la artista ha logrado transformar su música en una plataforma de empoderamiento y esperanza.
Con conciertos agotados en diferentes partes del mundo, Meredith ha demostrado que su propuesta trasciende lo musical: sus letras han sido descritas por fans como un salvavidas, un refugio y una fuente de fortaleza personal. Cada tema refleja un compromiso genuino con levantar y motivar a quienes atraviesan momentos difíciles, convirtiéndola en una referente única dentro de la industria.
Meredith O’Connor no solo brilla en los escenarios, sino también como líder de una generación que encuentra en su música inspiración para vivir con confianza, resiliencia y autenticidad.
El artista nigeriano-británico Dumomi The Jig continúa marcando huella en la escena musical con el lanzamiento de sus nuevos temas «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx, tres pistas que combinan motivación, autenticidad y celebración de los logros obtenidos a través del esfuerzo constante.
«Money (Hustle)», en colaboración con Psalmx, se posiciona como un himno inspirador sobre la perseverancia y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo pese a los desafíos. Con un estilo que mezcla narrativa personal, slang callejero nigeriano y referencias culturales, la canción celebra la resiliencia, la ambición y la gratitud, especialmente hacia la familia.
Las letras describen noches largas de trabajo, movimientos calculados y una determinación inquebrantable para no dejarse vencer por la negatividad o las mentiras. Este lanzamiento representa tanto una celebración del camino recorrido como una promesa de mayores éxitos por venir.
Adenuga Adedumomi, nombre real de Dumomi The Jig, es un artista apasionado por la música y las emociones que esta despierta. Su versatilidad le permite rapear, cantar y producir, resultado de años de persistencia y práctica. Con estas canciones, combina ritmos relajados con energía vibrante, creando un sonido que conecta con todos aquellos que persiguen sus sueños y trabajan duro para alcanzarlos.
Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.
Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento.
«Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio», cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro.
‘Narcótica’ es el nuevo lanzamiento de Vehementes, una canción que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latin, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.
«Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco», comenta la banda.
Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la ‘miércoles’ y gritar con fuerza «maldito el momento».
«Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros», agrega.
‘Narcótica’ hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas.
La siguiente canción que la banda lanzará se titula ‘Precisa’ y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que vemos a la otra persona en un pedestal, cantada muy desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es ‘Narcótica’.
La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop», concluye la agrupación.
La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.
Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.
En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.
“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.
La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.
Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.
La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.
Detalles del concierto
Fecha: 22 de agosto de 2025
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
Entrada: Libre
Sobre Septon
Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.
El artista mexicano Vicente Jáuregui presenta ‘Ternura Radical’, un EP conformado por cinco canciones que exploran las posibilidades del amor en una época caracterizada por el individualismo.
En un mundo hostil, la ternura radical representa la capacidad de ser «críticos y amorosos al mismo tiempo», es aprender a «utilizar la fuerza como una caricia».
Con destellos de psicodelia, dream pop, rock y sampleos, este EP refleja la amplitud de influencias musicales de Vicente Jáuregui.
«Ante una realidad atroz, ejercer la ternura se vuelve un acto radical porque es asumir una posición política en un mundo que nos quiere mantener insensibles hacia el dolor de otros. La ternura es cuidarnos y construir redes, es una invitación a derribar nuestros límites conceptuales para construir un mundo en el que todas y todos quepamos a pesar de nuestras diferencias», explica Vicente Jáuregui.
«Vivimos en una sociedad muy machista que enseña a los hombres a negar sus sentimientos. Dentro de estos límites, la ternura está vetada de lo que un hombre puede sentir. Esta canción busca ser la antítesis de eso. Pienso que la ternura no solo nos hace más humanos, sino que es el antídoto contra la crueldad y la violencia tan normalizada actualmente», explica el artista.
El EP está conformado por las canciones ‘Más Amor’, ‘Lava’, ‘Flechazo’, ‘Ataque de Pánico’ y ‘Ternura radical’.
Grabado en Cuernavaca y producido por Pepe Pecas (Malcriada) en su estudio, este álbum tiene un focus track homónimo que habla sobre vencer los demonios internos.
La canción, ‘Ternura radical’, apela a ser radicales en nuestros procesos internos, a retarnos para derribar los límites, pero sin dejar de ser lo suficientemente tiernos para cuidarnos a nosotros mismos y a quienes nos rodean.
Musicalmente, el track abre con un beat poderoso. Las guitarras, altamente distorsionadas, envuelven con suavidad y fuerza a la vez. Al final, la canción estalla en gritos mientras un sintetizador nos conduce hacia los terrenos del techno.
«El título fue inspirado en una acción poética que encontré en Internet. Leí la frase y me pareció muy poderosa. Me puse a investigar sobre el tema y encontré un manifiesto escrito por Dani D’ Emilia y Daniel B. Chávez; con el que me sentí muy identificado», comenta Vicente Jáuregui, sobre el origen de esta frase.
Escucha ‘Ternura radical’ de Vicente Jáuregui en tu plataforma favorita
La invitación artística pública estará abierta del 31 de julio al 21 de agosto de 2025.
El Ministerio de las Culturas abre la invitación artística nacional para una curaduría en espacio público, en el marco del 47 Salón Nacional de Artistas – KAUKA, asamblea de mundos posibles, que se llevará a cabo entre el 25 de octubre y el 10 de diciembre de 2025. Esta invitación busca propuestas curatoriales vivas, afectivas y situadas, que reconozcan la potencia del espacio público como territorio de encuentro, memoria, cuidado y resistencia.
Un incentivo de $40.000.000 será otorgado a una propuesta curatorial que imagine, desde el arte, intervenciones performáticas o de exhibición en espacios públicos del suroccidente colombiano, especialmente en municipios como Popayán, Puerto Tejada, Villa Rica o Santander de Quilichao.
La convocatoria está dirigida a artistas, curadores, colectivos y agentes culturales —nacionales o extranjeros con al menos cinco años de residencia en Colombia— con experiencia en proyectos comunitarios, contextuales y de vocación territorial. No se exige trayectoria institucional ni formación académica formal: se valoran las prácticas enraizadas, el sentido colectivo y la pertinencia social.
”Estas invitaciones públicas son muy importantes en el marco del Salón porque permiten que nuevas propuestas se integren al componente curatorial y entren en diálogo o tensión con lo que ha sido propuesto por el Salón mismo. Esto permite una participación más amplia de voces y artistas. En este caso es especialmente importante que esa apuesta vaya a suceder como un proceso de intervención del espacio público en estos municipios del Cauca porque son territorios que encarnan las resistencias y luchas, tanto históricas como actuales, que allí se dan y por lo tanto permiten pensar el espacio público como espacio común de potencia colectiva”, afirma Alejandra Sarria, Coordinadora del Grupo de Artes Plásticas y Visuales.
Las propuestas seleccionadas deberán desarrollarse entre octubre y diciembre de 2025 en el marco de las fechas programadas para KAUKA, asamblea de mundos posibles, incluyendo actividades de montaje, mediación comunitaria y encuentros públicos. El arte se activa aquí como una práctica de cuidado, escucha y creación colectiva, que dialoga con los ciclos de la tierra y las espiritualidades vivas del territorio.
***
Acerca del 47 Salón Nacional de Artistas
KAUKA significa “madre de los bosques” en nam-trik, lengua del pueblo Misak. Esta edición del Salón se desmarca de las grandes ciudades y se enraíza en el Cauca, configurándose como un proceso vivo, afectivo y asambleario que honra los saberes comunitarios, ancestrales y territoriales.
Con un modelo curatorial colaborativo y decolonial, el 47SNA será tejido por el equipo conformado por Carolina Chacón Bernal, Catalina Vargas Tovar, Consejo Ancestral Willka Yaku, Eblin Grueso Cuero y Laura Campaz Minota, cuyas trayectorias articulan creación, pensamiento crítico y acción situada en el territorio.
Desde su creación en 1940, el Salón Nacional de Artistas ha sido el programa estatal más longevo y visible de apoyo al arte contemporáneo en Colombia. Hoy, a 85 años de su inicio, continúa su apuesta por descentralizar, diversificar y transformar el campo artístico, en alianza con comunidades, artistas y gestores culturales. Más información en: @artesvisuales_mincultura y @salonesdeartistas.
El medio de comunicación musical independiente colombiano Colectivo Sonoro cumple diez años creando cultura a través de la música alternativa. Periodismo, fotografía, video y diseño se han juntado en este espacio que durante más de una década se ha encargado de presentar contenidos con un lenguaje fresco, innovador y directo.
Por eso, el medio de comunicación digital fundado en 2015 por Marcela Giraldo, Julián Cabrera, Jhon Paz y Diego Báez realizará la exposición fotográfica inspirada en la música en vivo ’10 años desde la primera fila’ los próximos 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá.
«Así es amigos. Llegamos a 10 años de existencia digital hablando de la música que nos gusta. Colectivo Sonoro nació con la intención de ser un medio digital que se encargara de contar las historias y noticias de artistas de Colombia y de Latinoamérica y en donde amigos cercanos, aliados y colaboradores pudieran participar desde la creación de textos, fotos y videos. Una década después, este proyecto sigue latente y, aunque aún no vivimos de esto, es este Colectivo el que nos mantiene vivos», comenta el Colectivo Sonoro.
Este 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá, la música unirá, pero de una manera diferente. 18 fotógrafos colombianos eligieron lo que representa para ellos la música en vivo a través de una foto de un artista o banda en tarima. El resultado hará parte de la exposición ’10 años desde la primera fila’ con la que todos los amantes de la música y los conciertos están invitados a hacer parte del aniversario.
La muestra será de entrada libre y estará abierta al público desde el viernes 29 de agosto a partir de las 6:00 p.m.
El sábado 30, además de la muestra fotográfica, tres DJs acompañarán la celebración de los 10 años de Colectivo Sonoro: Juan Jaramillo con un set que tendrá algo de rock, punk y esos himnos latinos infaltables del rock; Mauricio Pérez quien viajará a los tiempos ochenteros del rock y el new wave y Andrey RaBoombox con una tanda complementaria de punk y ska.
Estén pendientes de https://colectivosonoro.com/ y de sus redes sociales donde se revelará el line up de fotógrafos confirmados y más información del evento.
![[Novedad] La banda colombiana de pop rock electrónico E Multicolor presenta su disco ‘Nada que nos sea difícil’](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/09/E-Multicolor-2025-6.jpeg)
![[Estreno] Vehementes presenta ‘Narcótica’](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/08/Vehementes-Narcotica-8.jpeg)
![[Lanzamiento] Vicente Jáuregui presenta su EP ‘Ternura Radical’](https://frecuenciaalternativa.net/wp-content/uploads/2025/08/Vicente-Jauregui-2.jpg)
