El talentoso artista BizzySixFour sorprende a sus seguidores con un poderoso estreno compuesto por tres nuevas piezas musicales: EightySix, I Don’t Mind y Next Step. Cada una de estas producciones refleja la versatilidad y frescura creativa que caracteriza su estilo, consolidándolo como una de las propuestas más llamativas en la escena actual.
Con EightySix, BizzySixFour explora sonidos intensos y llenos de energía; en I Don’t Mind apuesta por una vibra más introspectiva y emocional; mientras que Next Step proyecta un espíritu evolutivo y ambicioso, simbolizando el camino hacia nuevas etapas en su carrera artística.
Este lanzamiento no solo reafirma el compromiso del artista con la innovación musical, sino que también abre un nuevo capítulo en su trayectoria, invitando al público a sumergirse en un viaje sonoro diverso y lleno de matices.
Fumiro Kaneko, originario de Tokio, Japón, es un compositor especializado en música incidental y bandas sonoras para comerciales. Su más reciente trabajo, titulado “CO Kick”, refleja su estilo versátil y su capacidad para crear paisajes sonoros que transmiten emociones y acompañan narrativas visuales.
Con una trayectoria marcada por la persistencia y la sensibilidad musical, Kaneko busca que cada proyecto sea una experiencia única, donde la música se convierta en un puente entre la imagen y el espectador.
El DJ y productor DERON ha logrado un hito en su carrera con su más reciente lanzamiento: un remake de “Music”, el icónico éxito de Madonna. Esta nueva versión ha conquistado las redes sociales y rápidamente se ha convertido en tendencia gracias al apoyo de grandes nombres de la industria como Hugel y Diplo, quienes han incorporado el track en sus sets alrededor del mundo.
El entusiasmo del público ha sido clave para su ascenso, posicionando al remake en el TOP 1 de Beatport el mes pasado, justo tras su lanzamiento. Esta reinterpretación mantiene la esencia del clásico, pero con un sonido fresco y enérgico, ideal para la pista de baile actual.
Con este éxito, DERON reafirma su lugar en la escena electrónica internacional, ofreciendo a los fans una experiencia musical que conecta la nostalgia de un clásico con la fuerza de la música electrónica moderna.
Insómnica es una banda de pop rock alternativo fundada en Tunja, Colombia en el año 2020 bajo influencias del rock en español, el pop rock, el funk, el blues y la electrónica. A lo largo de los años, se ha consolidado como una de las agrupaciones más representativas del departamento de Boyacá, al llevar una continuidad en su proyecto con calidad, persistencia, pasión y amor por la música.
Conformado por Lamena (voz y bajo), Betty (teclados), Favarez (voz y guitarra electroacústica), Juancho (guitarra líder) y Walter (batería), el grupo logra conectar con su público al combinar influencias del rock clásico con una identidad propia, donde las canciones abordan emociones profundas y humanas a modo de dualidades entre el dolor y el amor, la depresión o las ganas de vivir, rendirse o seguir para cumplir los sueños del corazón; logrando acompañar a sus seguidores tanto en momentos de introspección como de catarsis, al crear una atmósfera emocional y energética en los oídos y el corazón de quienes escuchan su música.
La intención de Insómnica no es solo hacer canciones, sino crear un puente emocional entre lo clásico y lo alternativo, invitando al público a experimentar un viaje entre la introspección y la catarsis. Su visión apunta a ser una banda que acompaña emocionalmente y vibra energéticamente en cada escenario, a través de su sonido propio con potencial para resonar en Colombia y el mundo.
«Nuestra música busca reflejar dualidades humanas: amor vs dolor, depresión vs ganas de vivir, rendirse vs luchar por los sueños, nostalgia vs esperanza; busca ser un espejo donde la gente se reconozca viviendo en esas contradicciones, pero sintiendo a la vez que no están solas», comenta el grupo. «La intención de nuestras canciones es acompañar emocionalmente al oyente, tanto en momentos de introspección como en instantes de catarsis y liberación; aunque algunas de nuestras letras relaten dolor y tristeza, también contienen un impulso vital que invita a seguir construyendo sueños y renacer de las cenizas, para transformar esas emociones en fuerza y conexión», agrega el proyecto con influencias de Soda Stereo, Gustavo Cerati, Duncan Dhu, Red Hot Chili Peppers, Luis Alberto Spinetta, Zoe, Radiohead, Aterciopelados, The Mills y Diamante Eléctrico.
‘Muriendo por vos’ es el nuevo lanzamiento de Insómnica, una canción que narra la lucha interna de alguien atrapado en el recuerdo de un amor que dejó heridas. A pesar de haber intentado callar y ocultar el dolor, el vacío sigue presente y aquel protagonista vuelve una y otra vez al mismo punto; es la imposibilidad de olvidar y la contradicción entre querer soltar y seguir sintiendo.
Es la confesión de un amor que no termina, que se convierte en un ciclo emocional sin fin, donde el silencio no cura, sino que profundiza la herida. ‘Muriendo por vos’ retrata la batalla emocional de un amor inconcluso, donde la herida sigue abierta y el protagonista oscila entre la soledad, el recuerdo y la imposibilidad de dejar de sentir. Es un tema cargado de honestidad emocional, que invita al oyente a conectar con su propio dolor y convertirlo en catarsis.
‘Muriendo por vos’ explora un sonido de pop rock alternativo con tintes electrónicos, donde la melancolía de la voz y las atmósferas sintetizadas conviven con la fuerza de guitarras y batería. Es un tema diseñado para generar catarsis emocional, moviendo las fibras de los oyentes entre lo íntimo y lo explosivo.
Guitarras eléctricas con riffs melódicos, teclados atmosféricos envolventes, una batería marcada con tintes de bambuco, bajo con líneas que refuerzan el pulso y sostienen el dramatismo, con un tempo medio que genera una sensación de intensidad continua.
«Es perfecta para esos momentos íntimos y vulnerables, cuando el corazón está en duelo o atrapado en un ciclo de recuerdos. Es un tema de sanación emocional y de compañía en la soledad, ideal para escuchar cuando el silencio y la calma hacen más evidentes los recuerdos y las emociones; también en esos instantes de desvelo, cuando vuelven pensamientos sobre alguien que no se olvida», agrega.
La portada cuenta la historia de alguien marcado por las heridas del amor, pero que aún guarda en sus manos la posibilidad de transformarse y renacer. Es una metáfora visual perfecta del mensaje del sencillo: el dolor es real, pero también lo es la esperanza de seguir adelante. El dominó funciona como metáfora del destino, pues una pequeña ficha puede desencadenar un gran efecto, así como una relación o una herida emocional puede transformar toda la vida. Esta ficha es el número 7, posición que ocupa la canción en el álbum y es parte importante de la historia que se quiere contar.
«Este lanzamiento busca reafirmar el sonido propio de Insómnica: un pop rock alternativo emotivo y moderno, capaz de competir dentro del circuito latinoamericano. Con cerca de 15.000 reproducciones a la fecha en Spotify, la banda anhela que la canción siga posicionándose en playlists editoriales y colaborativas», cuenta el grupo. «Esperamos que la canción se convierta en un himno de catarsis para quienes atraviesan rupturas o procesos emocionales difíciles, que el público sienta que ‘Muriendo por vos’ representa aquellas palabras o mensajes que no pudieron decir.
‘Muriendo por vos’ es el primer sencillo del segundo disco de estudio de Insómnica. El album tendrá un relato propio, una historia real que contar, y que, conectados entre sí, formarán una historia de amor, dolor y resiliencia emocional. Es la puerta de entrada a un viaje sonoro y emocional de 8 canciones que narran una historia completa de amor, desilusiones y catarsis.
La banda planea lanzar otras canciones que mostrarán diferentes colores emocionales y sonoros del álbum. Mientras ‘Muriendo por vos’ se centra en la herida y el vacío tras la ruptura, la siguiente canción explorará la magia de la búsqueda del amor y la conquista, acompañada de ritmos del blues sin dejar a un lado el rock y los tintes electrónicos característicos de Insómnica.
«Es importante descubrir a Insómnica porque somos una banda que no solo hace música, sino que genera experiencias emocionales y colectivas, aportando una propuesta fresca y honesta al pop rock alternativo. Apoyarnos, es apostar por diversidad, resiliencia y calidad artística en la región.
En una escena musical donde muchas propuestas tienden a sonar parecidas, Insómnica ofrece una identidad fresca, pero con raíces sólidas en el rock en español, el funk, el blues y la electrónica; no es una copia de fórmulas comerciales; es una propuesta profunda, emocional y artística», concluye.
La cantante, compositora y productora neozelandesa-estadounidense Estella Dawn regresa este 29 de agosto con “I Like It Rough”, un sencillo oscuro y desafiante que late con energía pop cargada de poder, resistencia y una feminidad caótica e indomable.
El tema combina ganchos feroces, una producción cruda y una interpretación vocal que muerde con confianza, confirmando a Estella como una de las voces más audaces de la nueva escena pop. Entre la intensidad ardiente de BANKS, la franqueza narrativa de Jessie Reyez y la irreverencia de Doja Cat, Dawn consolida un estilo propio, tan arriesgado como magnético.
“Esta canción es para cualquiera que haya sido juzgado, subestimado o arrastrado”, explica la artista. “Se trata de transformar eso en combustible: plantar cara y cambiar la narrativa”.
Su música es un terreno donde la suavidad y la fortaleza conviven, y “I Like It Rough” lo evidencia con un espíritu de rebeldía que también es catarsis.
Nacida en Nueva Zelanda y actualmente radicada en San Diego, Estella Dawn es mucho más que una voz potente: escribe, produce y toca cada una de sus canciones, fusionando pop, soul, hip-hop y rock en una propuesta que desafía etiquetas.
Con más de 7 millones de reproducciones en lo que va del año y sencillos destacados como “514 Denim”, “Big Enough” y “Locked In”, ha logrado conectar con una audiencia global en crecimiento. Su música ha llegado a playlists de Spotify como New Pop Picks, The Drip y young & free.
Independiente, incansable e inolvidable, Estella Dawn se perfila como una de las artistas emergentes más prometedoras del pop actual.
Tres meses después de su debut con Acmé, el dúo SIIE regresa con ‘J’attends’, un corte demoledor que combina la crudeza del darkwave con la energía incesante del techno. El tema, cantado en francés, se adentra en reflexiones sobre la desaparición, el borrado y la pérdida de identidad en un mundo vacío de significado, levantando un espejo oscuro a la condición contemporánea.
Más allá de su inconfundible huella sonora, SIIE se mueve en esa frontera difusa donde la realidad se desdibuja y la fantasía comienza. Su propuesta, enigmática y seductora, conecta tanto con los seguidores del post-punk y la body music industrial de los años 80, como con la escena actual de clubes iluminados por estrobos, donde los beats hipnóticos de cuatro por cuatro parecen provenir de otra dimensión.
Las voces cargadas de magnetismo envuelven al oyente, mientras los sintetizadores pesados y las bases rítmicas —afiladas como una cuchilla— dibujan un viaje sonoro hacia las sombras de la noche.
En el lado A del EP, ‘À Travers’, SIIE cuenta con la colaboración de BadWolf, quien potencia el tema con líneas de bajo intensificadas y una simplicidad ultra-poderosa, tan sofisticada como arrolladora. Su aporte se siente como una ola expansiva que arrastra directamente a la pista de baile.
Con ‘J’attends’ y ‘À Travers’, SIIE reafirma su capacidad para conjugar misterio, contundencia y elegancia, consolidándose como una propuesta imprescindible dentro de la nueva ola electrónica que no teme abrazar la oscuridad.
Meredith O’Connor se ha consolidado como una de las grandes sensaciones del pop adolescente, cautivando a millones de oyentes con sus canciones que no solo conquistan las listas de radio, sino que también transmiten un mensaje poderoso. Reconocida como un ícono y pionera en la lucha contra el bullying, la artista ha logrado transformar su música en una plataforma de empoderamiento y esperanza.
Con conciertos agotados en diferentes partes del mundo, Meredith ha demostrado que su propuesta trasciende lo musical: sus letras han sido descritas por fans como un salvavidas, un refugio y una fuente de fortaleza personal. Cada tema refleja un compromiso genuino con levantar y motivar a quienes atraviesan momentos difíciles, convirtiéndola en una referente única dentro de la industria.
Meredith O’Connor no solo brilla en los escenarios, sino también como líder de una generación que encuentra en su música inspiración para vivir con confianza, resiliencia y autenticidad.
La Armada es una agrupación de hardcore punk originada en Santo Domingo, República Dominicana en 2001. Actualmente, la banda está radicada en Chicago, IL desde 2008 y está compuesta por miembros dominicanos y puertorriqueños. La intención de su propuesta musical es dejar una huella en la historia de la música pesada, representando al caribe en el rock latinoamericano y mundial.
La banda fusiona ritmos afrocaribeños—de forma sutil o explícita—para crear un sonido propio, fácilmente reconocible y que sirva como bandera musical de la región dentro del género, así como el merengue y la salsa han representado al Caribe internacionalmente en los géneros tropicales.
«Queremos que el público latino vea en nosotros una banda con calidad igual o mejor que cualquier otra de nivel internacional, y que a través de eso sirvamos de inspiración», cuenta el grupo.
«Como propósito ideológico, la banda recurre a la sátira y el auto-cuestionamiento para evidenciar los males socio-políticos que aquejan a la sociedad actual, como el neo-colonialismo en Latinoamérica, las guerras a nivel mundial, el control de las redes sociales y las formas inconscientes en que el modernismo conduce al autosabotaje», agrega la banda con influencias del punk, el metal y rock duro en bandas como La Polla Records, No Demuestra Interés. Bad Brains, Propagandhi y Death, Deftones y Alice in Chains.
‘500 años’ es uno de los más recientes lanzamientos de La Armada, es un rugido de indignación ante la renovada crisis mundial de refugiados por las guerras genocidas y la represión dictatorial.
«Es un tema donde denunciamos la indiferencia, el cinismo y la hipocresía de las naciones del primer mundo ante el desplazamiento humano. Con la misma, nos mantenemos en solidaridad con los pueblos de Gaza, Venezuela, y cualquier región en conflicto; en donde los ricos y poderosos ponen las bombas y la represión y el pueblo pone los muertos», enfatiza La Armada.
‘500 años’ es una fiel representación del tipo de crossover o mezcla que define musicalmente a La Armada. En menos de 3 minutos, la canción explora grooves nu metal, acordes grunge, el punk, y hasta lo caótico y experimental, pasando de un estilo al otro de manera sutil.
La Armada ya tiene grabado un nuevo EP titulado ‘Ofensas’, un trabajo de seis que será lanzado a finales de 2025 y cuenta con las composiciones más desafiantes de su trayectoria.
«Continuando nuestra misión de no solo ser participantes, sino innovadores dentro de la música pesada en español, estamos listos para presentar material nuevo», menciona el grupo.
‘Ofensas’ es un llamado a mirar hacia adentro, a cuestionar cómo la sociedad moderna ha influenciado al hombre hasta el punto de actuar en contra de su propio beneficio al igual que el de su prójimo. Musicalmente, la banda busca expandir sus capacidades hasta lograr un balance entre lo memorable y lo experimental; para ello han colaborado con percusionistas y compositores conocidos en los géneros Afrocaribeños.
‘Ofensas’ será lanzado con sencillos sucesivos, iniciando en octubre con la canción ‘Over’ la cual la banda ya la presentó en sus redes sociales con un video en vivo desde su sala de ensayos.
La Armada se estará presentando en Colombia por primera vez en su historia con dos grandes y expectantes shows, el primero en Bogotá el viernes 26 de septiembre en A Fuego Centro Cultural junto a las bandas Alta Agresión, Distracción y Sin Nadie al Mando con entrada gratuita. La segunda fecha será en Medellín el sábado 27 de septiembre en Club Líbido junto a los grupos Grito, Ahora o Nunca y Control. La entrada tendrá un costo de $30.000. En el mes de octubre, La Armada abrirá la gira de Strung Out y Agnostic Front por territorio estadounidense.
El artista nigeriano-británico Dumomi The Jig continúa marcando huella en la escena musical con el lanzamiento de sus nuevos temas «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx, tres pistas que combinan motivación, autenticidad y celebración de los logros obtenidos a través del esfuerzo constante.
«Money (Hustle)», en colaboración con Psalmx, se posiciona como un himno inspirador sobre la perseverancia y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo pese a los desafíos. Con un estilo que mezcla narrativa personal, slang callejero nigeriano y referencias culturales, la canción celebra la resiliencia, la ambición y la gratitud, especialmente hacia la familia.
Las letras describen noches largas de trabajo, movimientos calculados y una determinación inquebrantable para no dejarse vencer por la negatividad o las mentiras. Este lanzamiento representa tanto una celebración del camino recorrido como una promesa de mayores éxitos por venir.
Adenuga Adedumomi, nombre real de Dumomi The Jig, es un artista apasionado por la música y las emociones que esta despierta. Su versatilidad le permite rapear, cantar y producir, resultado de años de persistencia y práctica. Con estas canciones, combina ritmos relajados con energía vibrante, creando un sonido que conecta con todos aquellos que persiguen sus sueños y trabajan duro para alcanzarlos.
Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.
Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento.
«Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio», cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro.
‘Narcótica’ es el nuevo lanzamiento de Vehementes, una canción que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latin, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.
«Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco», comenta la banda.
Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la ‘miércoles’ y gritar con fuerza «maldito el momento».
«Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros», agrega.
‘Narcótica’ hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas.
La siguiente canción que la banda lanzará se titula ‘Precisa’ y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que vemos a la otra persona en un pedestal, cantada muy desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es ‘Narcótica’.
La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop», concluye la agrupación.
La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.
Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.
En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.
“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.
La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.
Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.
La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.
Detalles del concierto
Fecha: 22 de agosto de 2025
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
Entrada: Libre
Sobre Septon
Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.
El cantante y compositor panameño Daniel Tapia presenta su más reciente trabajo, una versión pop del icónico vallenato ‘Ojos verdes’, una canción que ha dejado huella en la historia musical de Colombia y Panamá.
Escrita por el legendario Rubén Darío Salcedo y popularizada por el colombiano Alfredo Gutiérrez en la época de los sesenta, esta reinterpretación es un tributo a la riqueza musical de la región.
Daniel Tapia, un artista conocido por su sonido latino, se enfrentó al reto de reinterpretar un tema de tal magnitud con un respeto profundo por su esencia. El resultado es una versión fresca que mezcla jazz y pop que le confiere un sonido atemporal. Con esta interpretación, Daniel Tapia logra un equilibrio perfecto: conectar con el público que conoce la canción original en su género original, vallenato y presentar a nuevas audiencias este clásico con un sonido fresco y sofisticado.
Además, la nueva versión está acompañada de un video grabado en vivo junto al cantante Némula. Esta colaboración es un reflejo de la hermandad y el cariño por la música de ambos artistas.
Este lanzamiento no es solo un cover, sino un puente entre dos épocas y dos géneros, que celebra el legado musical del autor, compositor y escritor conocido como El Rey del ‘Pasebol’.
El artista mexicano Vicente Jáuregui presenta ‘Ternura Radical’, un EP conformado por cinco canciones que exploran las posibilidades del amor en una época caracterizada por el individualismo.
En un mundo hostil, la ternura radical representa la capacidad de ser «críticos y amorosos al mismo tiempo», es aprender a «utilizar la fuerza como una caricia».
Con destellos de psicodelia, dream pop, rock y sampleos, este EP refleja la amplitud de influencias musicales de Vicente Jáuregui.
«Ante una realidad atroz, ejercer la ternura se vuelve un acto radical porque es asumir una posición política en un mundo que nos quiere mantener insensibles hacia el dolor de otros. La ternura es cuidarnos y construir redes, es una invitación a derribar nuestros límites conceptuales para construir un mundo en el que todas y todos quepamos a pesar de nuestras diferencias», explica Vicente Jáuregui.
«Vivimos en una sociedad muy machista que enseña a los hombres a negar sus sentimientos. Dentro de estos límites, la ternura está vetada de lo que un hombre puede sentir. Esta canción busca ser la antítesis de eso. Pienso que la ternura no solo nos hace más humanos, sino que es el antídoto contra la crueldad y la violencia tan normalizada actualmente», explica el artista.
El EP está conformado por las canciones ‘Más Amor’, ‘Lava’, ‘Flechazo’, ‘Ataque de Pánico’ y ‘Ternura radical’.
Grabado en Cuernavaca y producido por Pepe Pecas (Malcriada) en su estudio, este álbum tiene un focus track homónimo que habla sobre vencer los demonios internos.
La canción, ‘Ternura radical’, apela a ser radicales en nuestros procesos internos, a retarnos para derribar los límites, pero sin dejar de ser lo suficientemente tiernos para cuidarnos a nosotros mismos y a quienes nos rodean.
Musicalmente, el track abre con un beat poderoso. Las guitarras, altamente distorsionadas, envuelven con suavidad y fuerza a la vez. Al final, la canción estalla en gritos mientras un sintetizador nos conduce hacia los terrenos del techno.
«El título fue inspirado en una acción poética que encontré en Internet. Leí la frase y me pareció muy poderosa. Me puse a investigar sobre el tema y encontré un manifiesto escrito por Dani D’ Emilia y Daniel B. Chávez; con el que me sentí muy identificado», comenta Vicente Jáuregui, sobre el origen de esta frase.
Escucha ‘Ternura radical’ de Vicente Jáuregui en tu plataforma favorita
La invitación artística pública estará abierta del 31 de julio al 21 de agosto de 2025.
El Ministerio de las Culturas abre la invitación artística nacional para una curaduría en espacio público, en el marco del 47 Salón Nacional de Artistas – KAUKA, asamblea de mundos posibles, que se llevará a cabo entre el 25 de octubre y el 10 de diciembre de 2025. Esta invitación busca propuestas curatoriales vivas, afectivas y situadas, que reconozcan la potencia del espacio público como territorio de encuentro, memoria, cuidado y resistencia.
Un incentivo de $40.000.000 será otorgado a una propuesta curatorial que imagine, desde el arte, intervenciones performáticas o de exhibición en espacios públicos del suroccidente colombiano, especialmente en municipios como Popayán, Puerto Tejada, Villa Rica o Santander de Quilichao.
La convocatoria está dirigida a artistas, curadores, colectivos y agentes culturales —nacionales o extranjeros con al menos cinco años de residencia en Colombia— con experiencia en proyectos comunitarios, contextuales y de vocación territorial. No se exige trayectoria institucional ni formación académica formal: se valoran las prácticas enraizadas, el sentido colectivo y la pertinencia social.
”Estas invitaciones públicas son muy importantes en el marco del Salón porque permiten que nuevas propuestas se integren al componente curatorial y entren en diálogo o tensión con lo que ha sido propuesto por el Salón mismo. Esto permite una participación más amplia de voces y artistas. En este caso es especialmente importante que esa apuesta vaya a suceder como un proceso de intervención del espacio público en estos municipios del Cauca porque son territorios que encarnan las resistencias y luchas, tanto históricas como actuales, que allí se dan y por lo tanto permiten pensar el espacio público como espacio común de potencia colectiva”, afirma Alejandra Sarria, Coordinadora del Grupo de Artes Plásticas y Visuales.
Las propuestas seleccionadas deberán desarrollarse entre octubre y diciembre de 2025 en el marco de las fechas programadas para KAUKA, asamblea de mundos posibles, incluyendo actividades de montaje, mediación comunitaria y encuentros públicos. El arte se activa aquí como una práctica de cuidado, escucha y creación colectiva, que dialoga con los ciclos de la tierra y las espiritualidades vivas del territorio.
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Acerca del 47 Salón Nacional de Artistas
KAUKA significa “madre de los bosques” en nam-trik, lengua del pueblo Misak. Esta edición del Salón se desmarca de las grandes ciudades y se enraíza en el Cauca, configurándose como un proceso vivo, afectivo y asambleario que honra los saberes comunitarios, ancestrales y territoriales.
Con un modelo curatorial colaborativo y decolonial, el 47SNA será tejido por el equipo conformado por Carolina Chacón Bernal, Catalina Vargas Tovar, Consejo Ancestral Willka Yaku, Eblin Grueso Cuero y Laura Campaz Minota, cuyas trayectorias articulan creación, pensamiento crítico y acción situada en el territorio.
Desde su creación en 1940, el Salón Nacional de Artistas ha sido el programa estatal más longevo y visible de apoyo al arte contemporáneo en Colombia. Hoy, a 85 años de su inicio, continúa su apuesta por descentralizar, diversificar y transformar el campo artístico, en alianza con comunidades, artistas y gestores culturales. Más información en: @artesvisuales_mincultura y @salonesdeartistas.
El medio de comunicación musical independiente colombiano Colectivo Sonoro cumple diez años creando cultura a través de la música alternativa. Periodismo, fotografía, video y diseño se han juntado en este espacio que durante más de una década se ha encargado de presentar contenidos con un lenguaje fresco, innovador y directo.
Por eso, el medio de comunicación digital fundado en 2015 por Marcela Giraldo, Julián Cabrera, Jhon Paz y Diego Báez realizará la exposición fotográfica inspirada en la música en vivo ’10 años desde la primera fila’ los próximos 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá.
«Así es amigos. Llegamos a 10 años de existencia digital hablando de la música que nos gusta. Colectivo Sonoro nació con la intención de ser un medio digital que se encargara de contar las historias y noticias de artistas de Colombia y de Latinoamérica y en donde amigos cercanos, aliados y colaboradores pudieran participar desde la creación de textos, fotos y videos. Una década después, este proyecto sigue latente y, aunque aún no vivimos de esto, es este Colectivo el que nos mantiene vivos», comenta el Colectivo Sonoro.
Este 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá, la música unirá, pero de una manera diferente. 18 fotógrafos colombianos eligieron lo que representa para ellos la música en vivo a través de una foto de un artista o banda en tarima. El resultado hará parte de la exposición ’10 años desde la primera fila’ con la que todos los amantes de la música y los conciertos están invitados a hacer parte del aniversario.
La muestra será de entrada libre y estará abierta al público desde el viernes 29 de agosto a partir de las 6:00 p.m.
El sábado 30, además de la muestra fotográfica, tres DJs acompañarán la celebración de los 10 años de Colectivo Sonoro: Juan Jaramillo con un set que tendrá algo de rock, punk y esos himnos latinos infaltables del rock; Mauricio Pérez quien viajará a los tiempos ochenteros del rock y el new wave y Andrey RaBoombox con una tanda complementaria de punk y ska.
Estén pendientes de https://colectivosonoro.com/ y de sus redes sociales donde se revelará el line up de fotógrafos confirmados y más información del evento.
En la noche del 8 de agosto, el Teatro José Consuegra Higgins latía distinto. Afuera, la brisa caliente de la ciudad se mezclaba con el murmullo de una fila que parecía contener más emoción que impaciencia. Adentro, los focos iluminaban un escenario que no solo prometía música, sino también memoria y esperanza. Señor Bolero había llegado a casa.
No era una noche cualquiera: el barranquillero Ricardo Stevan, Rey Momo del Carnaval 2023 en Nueva York, regresaba a su ciudad natal con la obra que conquistó corazones en escenarios tan lejanos como Broadway y tan cercanos como Bogotá. Las entradas estaban agotadas y en las butacas se distinguían rostros familiares de la farándula local, figuras del carnaval, cantantes, actores, diseñadoras de moda y periodistas culturales que parecían listos para dejarse atrapar por el embrujo de un bolero.
La trama, inspirada en el Alzheimer, se desplegó como un álbum de fotografías antiguas que alguien hojea con cuidado. En un bar neoyorquino de los años 50, seis personajes cruzaban sus vidas entre boleros, confesiones y miradas que decían más que las palabras. El protagonista —un hombre que empezaba a olvidar— se convirtió en el espejo de la fragilidad humana, pero también en la prueba de que el amor es capaz de retener aquello que el tiempo insiste en borrar.
Los acordes en vivo de más de treinta boleros clásicos, desde Piel canela hasta La copa rota, hicieron que el público no solo escuchara, sino que viajara. Cada canción era una llave que abría puertas cerradas por décadas, despertando sonrisas y lágrimas al mismo tiempo. La estética retro, el vestuario cuidado al detalle y la química entre los actores, entre los que brillaron Yolanda Rayo, María Cristina Gálvez, Bruno Díaz, Nina Caicedo y Fernando Monge, crearon una atmósfera que parecía suspendida en el tiempo.
Pero lo más poderoso de la noche fue el silencio. Ese que caía sobre la sala en los momentos más íntimos, cuando las luces se volvían suaves y la voz de Ricardo Stevan, entre canción y diálogo, acariciaba la memoria colectiva. Era como si cada espectador guardara en su pecho un recuerdo personal que la obra había despertado.
Al final, los aplausos no fueron solo un gesto de cortesía. Fueron un abrazo largo, cálido, que reconocía no solo el talento de un elenco estelar, sino también el valor de hablar del Alzheimer desde la ternura, la música y la esperanza. Barranquilla se fue esa noche con el corazón lleno y la certeza de que, mientras haya canciones, habrá recuerdos que no se borran.
ECO Medellín es un soñador y creador innato, amante por contar historias, imaginar utopías y respaldar causas aparentemente perdidas. Rimador por vocación, compositor por pasión, es una ‘nea’ ilustrada, una mezcla entre la calle y la carrera, ávido de conocimiento, pero con ganas de romper esquemas, sin temor a salirse del molde de lo que está establecido, siendo fiel a su estilo.
La intención de su propuesta musical busca fusionar ritmos como la salsa, el bolero, la cumbia, el rock y el guaguancó, con estilos musicales como el rap y el trap; contando en sus letras historias cotidianas desde una sonoridad contemporánea que tiene como base esos géneros que marcaron una época importante en diferentes generaciones latinoamericanas.
«Mis letras nacen como una respuesta genuina y poética a los tiempos que vivimos, abordando temáticas como la identidad, el amor, la memoria y la resistencia desde una perspectiva sensible y crítica, con un lenguaje cotidiano cargado de subtexto, convirtiendo historias personales en relatos con los que el público se siente identificado», cuenta el artista con influencias como Calle 13, WOS, LosPetitFellas, Trueno, Residente y Orishas. Adicionalmente, el proyecto está cargado de múltiples influencias sonoras gracias a la riqueza musical que lo compone como salsa, bolero, guaguancó, cumbia, bullerengue, música protesta, trova cubana, rock en español y rap en español.
‘Un instante’ es el nuevo lanzamiento de ECO Medellín, es una súplica por detener el tiempo, por aferrarse a los recuerdos que nos definen y nos salvan. En este sencillo el artista colombiano explora la nostalgia como una cárcel voluntaria: un lugar donde, aunque la salida es posible, muchas veces elegimos quedarnos con la esperanza de volver a sentir aquellos recuerdos que nos marcaron.
Musicalmente, ‘Un instante’ resulta de la conexión entre los fraseos contundentes y reflexivos característicos del artista, primando el género rap, sobre una instrumental de rock alternativo, con incluso influencias minimalistas de pop, cumbia y sonidos sintéticos en algunas de sus secciones.
«Desde pequeño siempre me he considerado un nostálgico empedernido, y esta canción nace justamente de ese momento de la vida en el que el peso de la adultez te confronta con la imposibilidad de revivir esos recuerdos de una infancia y adolescencia felices. Recordar esos pequeños detalles como las tardes jugando, las cenas en familia, las noches aprendiendo guitarra o las madrugadas improvisando con amigos me llenan de vida, pero a la vez generan vacío, al comprender que son momentos que ya no volverán», agrega el cantante y compositor colombiano.
El videoclip de ‘Un instante’, que ya fue anunciado en la selección de algunos festivales de cine en Colombia, fue realizado bajo la dirección del artista y explora la nostalgia como una prisión emocional. A través de un plano secuencia, seguimos a ECO Medellín, quien se encuentra preso dentro de una cárcel junto a algunos de sus recuerdos más emotivos, en una celda de la que no puede —o no quiere— salir, incluso cuando la puerta siempre ha estado abierta. El clip reflexiona sobre la decisión de permanecer en el pasado, aferrándose a vivencias irrepetibles, en busca de un instante que ya no volverá.
‘Un instante’ es perfecta para esas tardes y noches lluviosas, reflexivas o existencialistas. Esos momentos de la vida donde nos sentamos en la ventana, mirando a la nada pensando en todo.
«Con esta canción pueden sentirse identificadas esas personas nostálgicas como yo, que viven un presente con anhelos de revivir algunos de los momentos de su pasado, de detener el tiempo, aunque sea por un momento y sentir una vez más el calor de los instantes especiales que vivimos», enfatiza ECO Medellín.
‘Un instante’ Un Instante es el tercer sencillo del segundo EP de ECO Medellín titulado ‘Amanecerá y Veremos’, trabajo discográfico compuesto por 6 canciones, y cuyo lanzamiento está proyectado para octubre de 2025. Este EP es un compilado de canciones dedicadas a esas noches de insomnio existencialista, en las que sólo surgen mil preguntas sin respuesta acerca de lo que hicimos, lo que dejamos de hacer o lo que haremos. La única respuesta segura que el artista ha encontrado ante todas las incertidumbres es justamente que «Amanecerá y Veremos».
‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall es una canción que nace del sentimiento crudo y real que se vive en relaciones intensas, donde el amor y el dolor se entrelazan como si bailaran al mismo ritmo. Con sonidos que fusionan reggae, R&B y ritmos latinos la canción refleja esa dualidad emocional que todos en algún momento hemos sentido.
‘No sé mañana’ fue grabada en La Colmena Records en Bogotá junto al ingeniero Daniel Restrepo. La producción musical estuvo a cargo de Cfelo, productor de Medellín, con quien Checho ha trabajado en cuatro sencillos que serán parte de su próximo EP titulado ‘Pa’ Qué’.
La conexión entre los artistas surgió gracias a Unión Ska Colombia durante una visita de Kandall a nuestro país. Hicieron ‘clic’ de inmediato, co-escribieron la letra y el artista panameño grabó aportando su esencia y flow.
«Esa canción representa la nostalgia, el amor y los sentimientos encontrados en una relación. Aborda el viaje del amor cuando es correspondido y cuando no, la magia de sentir mariposas o murciélagos en el estómago», explica Checho SASA.
El videoclip de «No Sé Mañana» se rodó en DC Luxury MotorWorks, un espacio colorido y con mucha personalidad. La producción estuvo a cargo de StationRoots Company bajo la dirección de Sebastián Juyó.
«Hoy estoy en la luna, mañana en el infierno… Amarnos es un viaje sin rumbo, ni tiempo»
“Spirit Box” evoca el misticismo de una caja espiritual: ese medio usado para comunicarse con el más allá. Esta canción hace exactamente eso. A través de su atmósfera envolvente y lírica inquietante, se convierte en un puente sonoro entre lo terrenal y lo trascendental. Una pieza que conecta emociones profundas con lo invisible.
“Summer Speaker Test” es un tema amapiano vibrante, impulsado por los característicos log-drum profundos, acordes de piano con tintes jazzy y ganchos vocales cargados de alma. Perfecto para playlists de atardeceres, sets relajados al final del día o momentos golden hour. Es mi producción más pulida hasta la fecha, y consolida el impulso que he ganado como nuevo talento en la escena sudafricana. ¡Gracias por considerar esta propuesta!
Caleb Hart presenta Golden Child (Remix) – Canada – Trinidad y Tobago
Golden Child (Remix) es una reinterpretación dinámica que fusiona la sensibilidad Caribbean-soul de Caleb Hart con la energía original de TK the Artist, elevada aún más por la producción precisa y fluida de Jayden Brown. Aunque más corta en duración, cada segundo cuenta: es un homenaje sincero, una inyección musical de energía positiva y un track con alto valor de repetición.
Ideal para quienes disfrutan de mezclas de géneros con profundidad emocional, entre el R&B y el reggae. La incorporación de Caleb Hart marca una colaboración poco común después del lanzamiento original, fruto de una auténtica admiración artística y una chispa creativa compartida. Su verso aporta calidez personal y un tributo sentido a TK, enriqueciendo la esencia del tema original. La combinación del estilo melódico de Hart y la energía inconfundible de TK le da nueva vida al track.
PJ Sin Suela presenta Si Te Vas – PJ Sin Suela, Blessd, Sparrow & Barbossa – Colombia, Mexico y Puerto Rico
“Si Te Vas” es un vibrante Caribbean house de PJ SIN SUELA junto a BLESSD y el dúo de productores SPARROW & BARBOSSA. Un tema diseñado para encender cualquier fiesta y extender el verano durante todo el año. La percusión es contagiosa, los ritmos bailables y la vibra general te pone de buen humor desde el primer segundo.
Con un beat adictivo y un flow que cruza fronteras, esta colaboración promete convertirse en favorita para playlists tropicales, sesiones de sunset y fiestas con buena energía. ¡Espero que la disfruten, la compartan y la lleven donde sea que haya ganas de bailar!
Una canción de rock pesado en compás de 9/8 que expone la hipocresía presente en nuestra sociedad, donde la piedad y la supuesta devoción a lo divino son utilizadas por personas sin ética para alcanzar poder, estatus o ambiciones personales. El tema inicia con un drone inspirado en la música bizantina, estableciendo un ambiente denso y espiritual, que luego se transforma en guitarras poderosas que replican ese mismo patrón durante los coros. Es una crítica contundente envuelta en una estructura rítmica compleja y una intensidad sonora que no da tregua.
«Static // Star» es el segundo sencillo del dúo afrofuturista RAYA ✕ TEGO, una experiencia sonora que fusiona potentes beats grime, capas vocales inspiradas en el K-pop y texturas hipnóticas de R&B electrónico. Este tema, nacido en el corazón del SignalVerse —un universo paralelo de ciencia ficción donde las identidades fallan y las señales estelares colisionan— es un estallido digital de adrenalina: audaz, cinematográfico y hecho para contar historias visuales. Con transiciones glitch y ganchos multilingües, la canción transporta al oyente a un mundo de movimiento, memoria y una desafiante resistencia interestelar.
Les presentamos nuestro nuevo sencillo y videoclip: «Nothing (Without You)», que cuenta con la colaboración especial del nominado al Grammy Jonny Santos, vocalista de Spineshank y Silent Civilian, quien aporta voces invitadas y un solo de guitarra explosivo.
Los productores italianos D.J. Thor y Robbie Groove se unen en «Ritmo De Los Tambores» junto a la inigualable voz de la nominada al Latin Grammy Martina Camargo, reconocida por éxitos como “Me Robaste El Sueño”, “Guataquí” y su más reciente colaboración con Keinemusik en “The Dream”.
«Ritmo De Los Tambores» ofrece una experiencia sonora dinámica e inmersiva que fusiona magistralmente ritmos tribales con potentes grooves de house. La participación vocal de Martina eleva cada momento del tema, aportando profundidad emocional y un distintivo aire global. Su voz única armoniza a la perfección con las poderosas percusiones y líneas de bajo, convirtiendo este tema no solo en un himno para la pista de baile, sino también en un viaje emocional.
Recomendado por su mensaje esperanzador y energía positiva, este lanzamiento invita a la reflexión y al disfrute. El artista nos recuerda que el mundo necesita buenas vibras, y que la música, combinada con palabras con propósito, puede ser un instrumento poderoso de transformación. Una propuesta sonora que busca tocar corazones y dejar huella.
Luego de presentar los sencillos ‘Será’ y ‘Nostalgia’, la banda colombiana de rock alternativo Clandestino regresa con nueva música para todos sus seguidores. Se trata de ‘Haberte encontrado’, una canción que narra un amor que no debió ser, una historia que continúa detenida en el tiempo. Es perfecta para escuchar en las noches cuando el nombre de esa persona resuena en la cabeza.
«La canción nace de una sensación de soledad en un momento de la vida en el que debemos enfrentar una separación, es un sentimiento que sabemos que la mayoría hemos experimentado. Es para las personas que han vivido historias de amores imposibles, reflexiones de la vida, recuerdos y emociones profundas», comentan Hana Loaiza y Alex Velásquez, líderes de Clandestino.
Para el video de ‘Haberte encontrado’, Clandestino buscó plasmar desde lo musical y lo visual la crudeza de un amor detenido en el tiempo. El Metro de Medellín, sus estaciones, vagones, pasillos y plataformas lograban la representación del tiempo, la temporalidad y la búsqueda de un hombre y una mujer de algo que no se ve, pero siempre está. El clip fue producido Jacobo Castro, Leonardo Guerrero y Sandra Bautista de la productora Duck Sessions.
«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con la historia de ‘Haberte encontrado’ sino con lo que es Clandestino. Queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida, que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», puntualiza la agrupación con influencias de Massive Attack, Coldplay, Radiohead, Draco Rosa, Aterciopelados, Zoé, Siddharta y Carla Morrison.
‘Haberte encontrado’ hace parte del álbum ‘Supremacía‘, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, indie rock, neo soul, balada, entre otros. El disco, producido y mezclado en Estudio Naranja por Pedro Rovetto y masterizado por Camilo Silva, estará disponible en su totalidad a finales de 2025.
«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la agrupación.
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