[Nueva música] Andy Rosano lanza ‘Lección de vida’, una reflexión en tono punk rock

Andy Rosano es un músico independiente proveniente de Montevideo, Uruguay que le encanta el rock, el punk rock, el hard rock y los derivados de la rama del rock y metal. A través de sus canciones, Andy busca el desahogo emocional, emotivo, el odio, el amor, la crítica social y la comedia.

Sus influencias musicales son System of a Down, Marilyn Manson, KISS, Criss Angel, Guns and Roses y Ramones. Es una especie de sopa espesa cargada con de todo un poco y una pizca de filosofía de parte de Aristóteles, Platón, experiencias, placeres de vida y situaciones de la vida cotidiana.

«Mi propuesta se basa en expresarme principalmente, desarrollar personajes ficticios en gran parte de mis canciones, anécdotas, historias y representar las situaciones de la vida cotidiana. Al mismo tiempo, me gusta plasmar ideas con doble sentido, parodiar y darles giros tragicómicos», comenta el artista. «En mi primer disco, ‘Emocionalmente Inestable’, plasmé la filosofía de Nietzsche del ‘Superhombre ‘, siendo así mi primer disco de rock metal filosófico y esperen a ver el segundo el cual está en producción y se concentrará en lo bueno de lo malo y en lo malo de lo bueno. Será cómo ver ambas caras de frente y verlo de una manera más enajenada y contundente», agrega.

‘Lección de vida’ es el primer sencillo del nuevo disco de Andy Rosano, una canción que nació en una conversación entre el artista y su pareja cuando hablaban que la vida tiene múltiples caminos y experiencias y está en cada uno tomarlas o dejarlas. Metafóricamente hablando, el sencillo transmite mensajes de lo que es la vida, dispuesta a darte enseñanzas a partir de errores y te deja lecciones para no seguir cometiéndolos.

«La letra nació de un mensaje de WhatsApp que escribí para ella a modo de reflexión de lo que es la vida en sí. En un momento nos empezamos a reír porque sonó muy profundo, pero esa misma noche se me ocurrió agarrar la guitarra e improvisar acordes y salió todo en una hora muy natural y orgánico», menciona Andy Rosano.

‘Lección de vida’ explora sonoridades distorsionadas y acordes poderosos. Es la primera canción punk rock de su proyecto y será incluida en su segunda producción musical. Es una canción idónea para subir el ánimo y moverte.

El segundo disco de estudio de Andy Rosano cuenta con el apoyo del productor musical SantyDark Jett y en el arte para las portadas de los singles como del disco del artista Nahuel Revello, también conocido como Horrorshow en Uruguay.

«Con este lanzamiento y los que vienen en los próximos meses quiero desahogarme y generar emociones en la gente, que hablen y se muevan, que reaccionen con la propuesta. Busco que las personas se sientan, de cierto modo, identificadas; algo así como «Conozco a alguien así con esa descripción» o «Conozco a alguien así también»», puntualiza el músico uruguayo.

Para este 2025, Andy Rosano espera tener listas todas las canciones del nuevo disco que será distribuido en su totalidad en más de treinta plataformas de música en todo el mundo.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Andy Rosano en Colombia y Latinoamérica porque mi propuesta es fresca e innovadora, es un proyecto que te dejará emocionalmente inestable y te hará experimentar una maravillosa pesadilla», concluye.

“La tormenta”: una declaración de lealtad en clave indie rock de Niguiri 

Una nueva propuesta del indie rock en español llega con fuerza: “La tormenta”, una canción que invita a mantenerse al lado de alguien incluso en medio del caos. Lejos de ser una simple balada melancólica, este tema abraza la incertidumbre con guitarras envolventes, efectos de delay y reverb que crean una atmósfera introspectiva, ideal para esas noches solitarias en las que uno recorre la ciudad, ya sea caminando o al volante, tratando de ordenar sus pensamientos.

La voz, íntima y cercana, guía con honestidad una letra que apuesta por la fidelidad y la compañía en tiempos difíciles. La base rítmica constante sostiene una emoción que nunca se desborda, pero sí se siente. “La tormenta” se alinea con el sonido contemporáneo de bandas como Ultraligera, Arde Bogotá o solistas como Dani Fernández, posicionándose como una pista que puede conectar profundamente con quienes buscan algo más que un estribillo pegajoso.

El lanzamiento viene acompañado de contenido visual en TikTok e Instagram, con versiones acústicas y visuales nocturnos que potencian la narrativa íntima de la canción. Además, ya ha comenzado a circular en medios y prensa especializada del circuito indie. Por su carácter emocional y su sonido cuidado, “La tormenta” tiene todo para colarse en playlists como Indie Esp, Novedades Indie o Rock en Español.

Una canción para los que aún creen en estar, incluso cuando todo tiembla.

Abuelo Ácido presenta «Soles Fractales»

Abuelo Ácido estrena su nuevo single “Soles Fractales”, metal progresivo que reflexiona sobre los patrones infinitos que rigen el universo. Desde una mirada musical y conceptual, la canción explora la replicancia fractal que se manifiesta tanto en la naturaleza como en la tecnología y la conciencia humana.

«Soles Fractales es una metáfora del caos organizado, de cómo todo lo que parece aleatorio guarda una lógica profunda«, explican desde la banda, destacando que esta idea no solo habita en la letra, sino también en la estructura musical del tema. «Nos inspiramos en los fractales como reflejo de la eterna repetición y conexión entre lo que parece disperso«, agregan.

El proceso creativo del single tiene un valor especial para Abuelo Ácido ya que fue compuesto de forma completamente colectiva. «Cada integrante aportó su visión y su sensibilidad. Nos dimos la libertad de crear sin ataduras estilísticas, lo que permitió que emergiera una sonoridad auténtica que marca esta nueva etapa de la banda«, señalan.

La grabación, producción y edición del single tomó más de un año. «Nos dimos el lujo de trabajar sin apuro, dedicando muchas horas a lograr la textura sonora que buscábamos«, comenta el grupo. La grabación se realizó en Estudio 19, espacio clave para la banda desde sus inicios, y contó con la participación de Renzo Ferreira (voz y guitarra), Pablo Pacheco (bajo), Patricio Thezá (teclados), Nicolás Guajardo (batería) y Daniel Muñoz como invitado especial en la trompeta. La mezcla y masterización fueron realizadas por Víctor Hernaez, quien, según la banda, «fue una pieza fundamental para plasmar con precisión la complejidad del sonido que queríamos transmitir«.

En cuanto a las influencias, Soles Fractales se nutre del metal progresivo, el death metal, la música experimental y el jazz fusión, pero siempre desde una perspectiva propia. «Nos gusta movernos en los márgenes del género, expandir sus límites y permitir que las estructuras, timbres y atmósferas evolucionen sin seguir fórmulas establecidas«, afirman.

El arte del single fue diseñado por Tuzeta Navarro y la fotografía estuvo a cargo de Ricardo General.

Lutter presenta ‘Días Más Felices’, una canción para decir adiós sin resentimientos

La agrupación bogotana de pop-punk y punk rock en ‘Días Más Felices’, su nuevo lanzamiento, reivindica el amor después de la despedida

El final de una historia de amor no debe estar cargada de resentimiento; todo lo contrario, la despedida, es una oportunidad para agradecer por ese tiempo compartido en pareja. Es el mensaje que Lutter, agrupación bogotana de punk rock, nos entrega en su sencillo más reciente, ‘Días Más Felices’. 

Fiel a este concepto, la banda conformada por Jorge González en la voz, Alejandro Chacón en el bajo, Camilo Vargas y Julián Rojas en las guitarras, y Julián Moreno detrás de la batería, ‘Días Más Felices’, se proyecta como una canción alegre que toma diversas influencias sonoras para entregarnos una pieza sensible que bien podría retratar cualquier historia de amor que ha llegado a su final en paz; sin resentimientos, sin reproches.

Influenciada por Mad Caddies, Less Than Jake, Dirty Heads, Sublime, entre otros exponentes del ska, el punk y el reggae, Lutter ratifica su intención de explorar diversas atmósferas musicales sin perder la esencia de narrar historias personales en las que, en palabras de la agrupación: “cada letra y cada canción tiene nombre propio”.

Steven Baquero, integrante de la agrupación Apolo 7, estuvo a cargo de la producción de ‘Días Más Felices’, lo que permitió que Lutter experimentara otras posibilidades musicales, al tiempo que estrechaba lazos de fraternidad en el proceso. Los vientos, por su parte, estuvieron a cargo de Jeisson Mora, trompetista y Juan José Diaz, trombonista y músico de sesión de bandas como Los Petitfellas, Bacilos, Meghan Trainor, entre otros. 

“El resultado fue una canción hermosa con altos estándares de calidad”, afirma Lutter.

El video que acompaña el lanzamiento, se desarrolla en un escenario cotidiano que toma como punto de partida un estudio para simular un lugar que nos hace más felices: la playa, alternando imágenes de pequeños momentos que retratan la sensibilidad que permeó la relación de pareja que inspiró a ‘Días Más Felices’. 

Desde su formación en 2003, Lutter se ha proyectado como una agrupación representativa del punk rock, moviéndose por diversos escenarios nacionales e internacionales. Su presencia activa y sus producciones musicales le ha permitido contar con el respaldo de grandes marcas como Jameson, Red Bull, Monster, Apparel (México), Strike Force (Chile), Bunker, entre otras que se han sumado a lo largo de su extensa trayectoria en la escena musical.

Agox debuta con “Ojos de Cristal”: una puerta abierta a la vulnerabilidad

“Ojos de Cristal” es el primer sencillo de Agox, una exploración sonora de la fragilidad, la claridad y la textura emocional. Introspectiva, cruda y profundamente honesta, la canción marca el inicio de un viaje artístico que no busca la perfección, sino la verdad. Agox invita al oyente a habitar un espacio donde la vulnerabilidad se convierte en fuerza y cada nota es guiada por la emoción.

Cantautor de alma inquieta, Agox crea desde la resiliencia silenciosa de la memoria, la migración y la verdad emocional. Su camino comenzó a los once años con una guitarra acústica que le regalaron sus padres —un instrumento que lo acompañó a través del tiempo y la distancia, y que hoy resuena con la voz de quien ha aprendido a escucharse desde dentro.

Inspirado por la intimidad de la composición y la profundidad emocional de sus referentes musicales, Agox ofrece canciones cargadas de color, textura y una sensibilidad que conmueve. “Ojos de Cristal” es más que un debut: es la apertura de una puerta largamente esperada. Y Agox la cruza con intención, con alma y con verdad.

TiagoHad lanza “No sé qué hacer”: drill latino con alma y emoción

Con “No sé qué hacer”, TiagoHad ofrece una propuesta potente y diferente dentro del panorama urbano. La canción combina la crudeza rítmica del drill con una melodía emocional e introspectiva, logrando un contraste que impacta desde la primera escucha. Es un tema que conecta de forma especial con quienes han vivido la confusión y el vacío del desamor.

El sonido de TiagoHad es auténtico, envolvente y reflexivo, ideal para quienes buscan algo más que beats: buscan una historia. “No sé qué hacer” construye una atmósfera íntima sin perder fuerza, manteniendo un pulso constante que acompaña las emociones más profundas.

Perfecto para playlists de drill latino, nuevos talentos urbanos, noches de reflexión o emociones sinceras, este lanzamiento reafirma que TiagoHad no solo tiene voz, sino también algo real que contar.

Rafael Jannotti presenta “Grab Me by My Heart”: una entrega honesta desde las emociones

El cantautor Rafael Jannotti lanza “Grab Me by My Heart”, una pieza que abraza la vulnerabilidad con una fuerza melódica conmovedora. Con una interpretación sincera y una producción íntima, la canción se convierte en una invitación a sentir sin filtros, dejando que el corazón tome el control.

Fiel a su estilo, Jannotti construye paisajes emocionales donde la voz y la instrumentación se entrelazan con sutileza. “Grab Me by My Heart” es tanto un grito como un susurro, una súplica y a la vez una afirmación: el amor, en todas sus formas, tiene el poder de desarmarnos y revelarnos.

Con este nuevo lanzamiento, Rafael Jannotti reafirma su lugar como un narrador sensible y auténtico, capaz de transformar lo personal en una experiencia universal.

John Doe presenta “Time”: libertad creativa sin fronteras ni géneros

John Doe regresa con “Time”, una nueva producción que reafirma su esencia: crear sin límites, explorar sin etiquetas. Bajo este enigmático nombre se reúne un colectivo global de artistas —cantantes, beatmakers, productores, compositores e ingenieros de sonido— que colaboran en pistas originales, sin una alineación fija ni un estilo definido.

Cada lanzamiento de John Doe es una experiencia distinta, un experimento sonoro que celebra la diversidad creativa. “Time” no es la excepción. Esta nueva entrega refleja el espíritu del proyecto: dar voz a la libertad artística, fomentar la colaboración sin fronteras y borrar las líneas entre géneros musicales.

Todos los estilos. Ningún género. Así es el universo de John Doe: un espacio abierto para quienes se atreven a crear desde la autenticidad.

Arche. A y Apazon presentan “Maadness”: una explosión sonora desde el Reino Unido

El productor y compositor nigeriano radicado en el Reino Unido, Arche. A, se une nuevamente con Apazon para lanzar “Maadness”, una propuesta que reafirma su capacidad para crear paisajes sonoros auténticos, intensos y cuidadosamente elaborados.

Ashley Bazuaye, conocido artísticamente como Arche. A, ha construido su identidad musical a través de una pasión temprana por instrumentos como el piano y la batería, los cuales imprime con maestría en cada producción. Desde su primer lanzamiento en 2020, un cypher titulado “STFU, hating a*, nggas!”, Arche. A ha demostrado versatilidad y visión, expandiendo su catálogo con proyectos como ‘Exertion’ junto a YGB, ‘AA+’ con Apazon, y su instrumental ‘lotb’.

En 2022 lanzó ‘Sharpening Tools’, un LP con once piezas breves pero contundentes que mostraron su amplio rango como productor. Desde entonces, ha mantenido una racha de colaboraciones destacadas como «Jack & Jill» con Koyen, «OK!» con Apazon y DB, «KOKO» con Ubin y «LUDE» junto a Apazon.

Con “Maadness”, Arche. A y Apazon continúan explorando los límites del sonido, entregando una experiencia vibrante que confirma que apenas están comenzando. Este nuevo lanzamiento es un testimonio del potencial inagotable de un productor que entiende el poder del ritmo, la textura y la emoción.

Dè lanza “Who?”: Hip-hop crudo, auténtico y sin concesiones

Dè lanza “Who?”: Hip-hop crudo, auténtico y sin concesiones

Desde South Auckland y actualmente radicado en la Gold Coast, Dè presenta su nuevo lanzamiento “Who?”, una poderosa pieza que reafirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas del hip-hop actual.

Con una fusión impecable entre la esencia atemporal del boom-bap y la energía punzante del trap contemporáneo, “Who?” es más que una canción: es una declaración. A través de versos intensos y una entrega afilada, Dè explora la lucha interna, el crecimiento constante y una ambición que no se detiene. El resultado es un track que golpea con fuerza y deja huella.

Respaldado por figuras de la industria y con una base de seguidores internacionales en expansión, Dè demuestra con “Who?” que no está aquí para seguir fórmulas, sino para marcar su propio camino—con autenticidad, técnica y mucho corazón.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 2

Andrew Famous presenta jua – Alemania

Rapson Espinosa presenta Acalorado – Cuba y España

charlie presenta The soul never changes – Argentina

Adebayo Adiamo presenta Dodomayana – Nigeria y España

Will Dailey presenta My Old Ride – USA

DON Christoph presenta Don Di Don – Alemania

Yorke presenta VACIO – República Dominicana y USA

Senior Dunce presenta Face You – Corea Del Sur

Arquero presenta dolores lindos – España y Uruguay

Shyfrin Alliance presenta In the Shadow of Time – Reino Unido

ODC presenta My Only Fan – Francia

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 1

Westwell presenta Flowers in your hair – Reino Unido

Stefan Certic presenta In My Skin – Serbia y Reino Unido

Patrick Costello presenta YOU CAN’T ASK THE WIND NOT TO BLOW – USA

COMMOTION presenta booty calls (rewind remix) – USA

Love Ghost presenta Sandcastles – USA

Cristian Dujmović presenta Shock – Argentina y España

Yorke presenta Q BOOTY – Republica Dominicana y USA

Captain E presenta Drip – Nigeria

OG Huge presenta Party Tonight – Susafrica

Eltee Skhillz presenta Big Energy – Nigeria

Alea presenta ‘Goodbye’

Reconocida por su sonido latino alternativo y sus canciones sentidas y feministas en español, Alea explora un nuevo territorio con el lanzamiento de ‘Goodbye’, su primer sencillo completamente en inglés. La canción, que fue escrita durante una visita a su tierra natal, es un huapango electrónico y melancólico sobre el desamor, la esperanza y la autorrealización.

‘Goodbye’ es un mensaje poderoso sobre el acto de soltar, sobre el dolor de saber que una relación ha llegado a su fin, la lucha interna por quedarse demasiado tiempo, y el surgimiento silencioso de la esperanza tras una ruptura.

«Fue una canción muy difícil de escribir», confiesa Alea. «Cuando la empecé, ya me había ido muchas veces en mi mente. Me aferraba a una idea de alguien, no a quien realmente era. Pero mientras soltaba, también me convertía en una versión de mí que no sabía que existía», comenta.

Compuesta junto a la productora nominada al Grammy María Elisa Ayerbe, quien conectó de inmediato con la emoción cruda del tema, y el productor Edgar On The Beat, “Goodbye” logra una fusión potente entre lo tradicional y lo contemporáneo.

La canción se construye sobre el ritmo de un huapango electrónico, guiado por las cuerdas profundas de una jarana, con batería en vivo a cargo de Darwin Páez. El artista Víctor Murillo, de raíces mexicano-americanas, se suma en las jaranas, mientras que Carlos Freitas le da el toque final en la masterización.

El resultado es un retrato íntimo y melancólico del desamor y la sanación, con una fuerte inspiración en la música folclórica mexicana. La carátula, ilustrada por Tobías Arboleda, captura el espíritu de la canción y el proceso personal de Alea con una belleza conmovedora.

«Nunca pensé que la iba a lanzar», admite Alea, «Pero en cuanto María Elisa escuchó el demo, me dijo: ‘Esta es la que quiero trabajar.’ En el fondo, tenía la esperanza de que no la eligiera — pero supongo que el corazón roto tiene que servir para algo», agrega.

‘Goodbye’ marca el comienzo de un nuevo capítulo para Alea, quien se prepara para lanzar un álbum en 2026.

Reconocida por su conexión profunda con el público a través de una narrativa honesta y texturas musicales ricas, espera que esta canción llegue a esas “almas sensibles” que han seguido su trayectoria, incluso cuando el idioma ha sido una barrera.

«Si te resuena, si encuentras un poco de esperanza en ella, un poco de alivio, como me pasó a mí — entonces creo que vamos por buen camino», explica Alea.

Una obra maestra que revive el hard rock hecho en Colombia, así es ‘Never Too Late’ de Mad Dogs

La banda de hard rock colombiana Mad Dogs estrena en plataformas digitales su disco ‘Never Too Late’, una producción que condensa el trabajo de muchos años desde la fundación del grupo hasta la fecha en donde han recogido historias, emociones y sentimientos en canciones. El álbum es una declaración de intenciones, donde, a pesar de ser Colombia un país el cual los géneros tropicales tienen más aceptación o que algunos dicen que el rock está muerto, para Mad Dogs está vivo.

El disco, producido por Oscar Javier Romero (Killcrops, Arzen) en On Axis Estudio y Mix Factory Estudio, mezclado y masterizado por Matthias Krieger en Pocket Audio, cuenta la evolución musical, iniciando con su lado festivo y rockero y avanza a un lado sensible a través de power ballads, llegando hasta una pieza progresiva. La composición de las letras es sobre temas complejos como: la dominación colectiva por el sistema actual, la renuncia a la libertad de manera voluntaria e inconsciente, las luchas internas y el desamor.

«Seguimos apostando por hacer hard rock en pleno 2025 recogiendo los tintes clásicos, pero con un sonido moderno. Nunca será tarde para hacer rock y que las nuevas generaciones tengan más y mejores opciones de música. Es un álbum para aquellos que se enamoraron de la música en vivo pero tocada de verdad, por humanos, busca inspirar a los que se enamoraron de este género, los que se rehúsan a dejarlo morir y los que pretenden construir una industria alrededor del mismo, donde el arte permita ser una forma de vida y de sustento. Narramos historias personales y reales de amor (o dolor), incluso de aspectos existenciales de la vida misma, sin dejar de lado que también la música debe divertir y que la vida es y debe tener su momento para celebrar», comenta Mad Dogs.

‘Never Too Late’, nombre homónimo del disco y primer sencillo del álbum de Mad Dogs es un himno; el grito ante el mundo donde se ratifica que no importa lo que digan, tú eres lo que haces y solo serás libre cuando sigues tus principios. ‘The way of the rocker’ es el camino para llegar al rock y la historia de cómo te convertiste en rockero, ‘Grabado en mi piel’ es cuero y látex; el lado oscuro del amor y la lujuria. El rock n’ roll es erotismo y sexualidad, siempre. ‘Stay through the night’ es amor, sensibilidad, dulzura y poesía; ‘Rock is on fire’ es una sensación de que el rock arde dentro de nosotros y por eso creemos a muerte en lo que hacemos. ‘Fear the world’ habla de la consciencia. El rock es y será antisistema y se enfrentará a todo método de dominación que quiera llevarse tu libertad. ‘Demons’ es la dualidad… donde hay luz, hay oscuridad, vive dentro de cada uno, pero cada quien elige quien quiere ser. ‘My love doesn’t need my pride’ habla del drama, es una historia personal y real… de amor. ‘Sabueso’ es el regreso a la fiesta, a la eterna juventud del rock; ‘Love born dead’ porque cuando se es el otro en el amor… duele.

«Es un disco perfecto para escuchar cuando quieras subir la mala onda o simplemente llenarte de energía. También cuando estás en uno de esos días de «malparidez existencial», tristeza o incluso odio. Las canciones de Mad Dogs siempre te van a subir el ánimo», agrega la banda bogotana.

‘Never Too Late’ es el álbum que consolida la propuesta de Mad Dogs en Colombia. Es el primer paso firme para tener un reconocimiento en Latinoamérica y así conquistar nuevas audiencias y tarimas a nivel nacional e internacional.

El borrador de la portada del disco fue diseñado por Germán Ducón y Fabián Martínez, y fue finalmente diagramada por Camilo Beltrán (@anglcam) usando la técnica Matte Painting, que consiste en realizar un montaje digital para recrear paisajes, espacios y escenas. La imagen pretende mostrar la realidad del rock desde sus inicios y es que siempre se ha enfrentado a un mundo agresivo y dominador, que busca someter a las personas a través de distintas hegemonías políticas, estéticas y religiosas, acompañado de la tiranía del paso del tiempo. Mad Dogs se levanta con su música y se enfrenta a todo lo que te quiera someter y quitar tu libertad, dejando un mensaje claro de lucha, pero sin olvidar que el rock debe ser para divertir y disfrutar.

2025 ha sido un año muy movido para Mad Dogs, estuvieron nominados a los premios Monster Music Awards 2025 en México como Mejor artista rock y se presentaron el 19 de febrero en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México como parte del show central de los premios, siendo la primera vez que una banda de rock colombiana lograra este hito. Además, la banda fue elegida por la banda norteamericana W.A.S.P para ser su acto de apertura en su concierto histórico de los 40 años de su disco debut homónimo, el pasado 27 de abril en el Teatro Royal Center en Bogotá, ante más de 2.500 fanáticos y los medios asistentes. Para el segundo semestre de 2025, el grupo realizará una serie de conciertos promocionales del álbum en Bogotá, a nivel nacional y prepara una gira internacional en países como Panamá y México. Las fechas aún están por confirmar.

«La escena rock en Colombia ha crecido exponencialmente en los últimos 20 años, posicionándose como una de las de mayor potencial en Latinoamérica respecto a la calidad de sus bandas. El público colombiano aún es reticente a apoyar lo nacional, pero es más por desconocimiento que por falta de calidad.  Esta es una razón suficiente para que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco ‘Never Too Late’, una vez lo hagan, sabrán que tenemos razón.

Hoy las bandas nacionales, con la correcta producción y apoyo en cuanto logística y montaje, pueden sonar tan poderosas como cualquier acto internacional; por eso es necesario apoyarlas para su financiación y el público es clave. Si el público gastara lo que invierte en conciertos internacionales en bandas nacionales sería una diferencia enorme. Es hora de dejar de vernos como enemigos por ser colombianos y entender que lo nacional merece una oportunidad como sucede en otros países de la región como México, Argentina o Estados Unidos», concluye Mad Dogs.

Seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor, así es ‘Ocaso’ Live Session de El Viajero

El Viajero es una agrupación colombiana que nace en el solsticio de 2020 en un viaje por diferentes veredas de El Carmen de Viboral, Antioquia, en un inicio en un formato solista que buscaba grabar y hacer memoria de la música creada desde el año 2002 y que conjugaría el cancionero ‘Tres cantos al sol’ y el poemario ‘De los viajes’. Un año después, en 2021, durante un circuito de conciertos se fueron conectando los demás viajeros que darían vida al formato banda que hoy permanece.

El Viajero nace en la cordillera del oriente antioqueño y recorre distintos paisajes con una instrumentación mestiza. Sus integrantes Alejandro Trujillo Moreno, autor y compositor, voz y guitarra eléctrica; Wilmar Trujillo, clarinete, saxofón, sintetizador, gaita, coros, director musical y arreglista; Wilson Arbeláez, bajo; Wilmar Arbeláez, percusiones, tambor alegre y caja vallenata; Jonathan Gómez Atehortúa, batería; Carolina Gómez Restrepo, coros; Daniela López, flauta traversa y coros; y Carlos Daniel Ossa, productor sonoro; con más de 20 años de trayectoria musical, han hecho parte de diferentes agrupaciones del oriente de Antioquia y en este tramo del camino, iniciaron un nuevo viaje de la música.

«Nuestra intención es viajar por las geografías sonoras de Colombia, caminar por las costas colombianas, los colores urbanos de la ciudad y algunas trochas montañeras herencias de nuestros abuelos. Intuimos la libertad del verso cantado y un amasijo de ritmos que se fusionan en el camino. Habitamos los paisajes del bullerengue, la cumbia y el bambuco. Nos encontramos en las trochas de la tambora, el vallenato y el porro chocoano. Y hacemos urdimbre y micelio con otras latitudes del mundo como el reggae, el funk y el rock», cuentan los integrantes de El viajero influenciados por la música de Carlos Vives, Daikiri, Puerto Candelaria, Bomba Estéreo, La Mojarra Eléctrica, Frente Cumbiero, Lucio Feuillet y Ondatrópica, Gustavo Santaolalla e Illya Kuryaki.

Con sus canciones, El Viajero busca conectar al público con su territorio a través del poema y la canción. Es una invitación para caminar la montaña, la ciudad y el mar y comprender la vida como un viaje, que no solo transita los paisajes y los lugares en su geografía, sino también el viaje interior que todo ser humano vive en sus emociones, pensamientos y dimensiones espirituales y etéreas. Es un viaje al sueño, al amor y a los ciclos de la vida, conectando esta experiencia a la sabiduría del azar, de la sincronicidad, del cambio y del asombro en el camino.

Live Session ‘Ocaso’ es su nuevo lanzamiento, es un formato de sesión en vivo de la tercera producción de El Viajero. Contiene seis memorias musicales que hablan del ocaso del amor. Es una metáfora de la impermanencia y el movimiento cíclico de la vida.  El concepto del live presenta un paralelo de un atardecer y el amor que se transforma.

«Este live en su producción tuvo como referencia el live de la agrupación brasilera Natiruts, siempre quisimos crear un formato en donde se reflejarán los paisajes de El Carmen de Viboral. Sus canciones hacen parte del cancionero ‘Tres cantos al sol’ que es un trabajo que recopila más de 100 canciones creadas desde el año 2002. Está dirigido a un público joven y que tenga conexión con la naturaleza y sus paisajes, también a quienes disfrutan y aprecian las fusiones de las músicas colombianas».

La sesión explora las sonoridades de las músicas colombianas y latinoamericanas fusionadas con los sonidos del rock y el reggae. Son estas tres vertientes musicales las que El Viajero camina y que han marcado el lugar creativo que fusionan.

En el Live Session ‘Ocaso’, ‘El viajero’ es el viaje que se baila, el inicio del camino; ‘Son del monte’ le canta a la montaña, a las memorias de los abuelos campesinos y al encuentro con el vallenato; ‘Volarán’ es el anhelo en la distancia entre colores de Latinoamérica; ‘La hoguera’ es la pasión de los amantes en llamas y el sonido de la sensualidad; ‘Hechicera’ le canta al espíritu de lo femenino, es una evocación a las selvas colombianas; y ‘Ocaso’ es el final del amor bailando la soledad al ritmo de tambora-tambora.

«Queremos conectar nuestra música con otras personas que quieran caminar con nosotros las canciones de montaña, ciudad y mar. Ampliar el mapa sonoro de Colombia desde la fusión que hacemos sonoramente, llevando nuestra música a territorios nacionales e internacionales. Es un trabajo para escuchar en las tardes, la metáfora del ocaso conecta con imágenes del atardecer que suceden en el Live. Por el erotismo de varias de las canciones, la noche también es un buen momento para conjugarse con estos sonidos», enfatiza la agrupación colombiana.

Para la portada, a partir de una fotografía, el diseñador gráfico Andrés Pérez recrea un paisaje de El Carmen de Viboral en donde el personaje de El Viajero contempla el territorio que somos y el punto de referencia donde inicia el viaje, enmarcando la metáfora «todos somos viajeros».

«Actualmente venimos trabajando en la construcción de una puesta en escena que integre lo poético, lo sonoro y lo audiovisual en una experiencia de viaje llamada «Montaña, Ciudad y Mar”. El plan es circular con este montaje en diferentes escenarios», remarca El Viajero.

El sencillo ‘Agua’, que acompaña la presentación de El Viajero, es una invitación a conectarnos con lo elemental y sus memorias. Sonoramente, es una cumbia vallenata con una instrumentación mestiza entre lo colombiano y lo eléctrico (Bajo, guitarra eléctrica, batería, clarinete, tambor alegre, caja vallenata, acordeón y voces) y un río de voces que le canta al agua. El video fue producido en el municipio de El Carmen de Viboral, Antioquia-Colombia, reflejando las fuentes hídricas de este lugar, como un homenaje a los guardianes del agua y su territorio.

Actualmente, El Viajero está en un ejercicio de difusión de la música creada: El EP ‘Solsticio’, el Video Lyric ‘Te guardo’ y el Live Session ‘Ocaso’, enfatizando en la circulación de la puesta en escena de ‘Canciones de Montaña, Ciudad y Mar’.  

«Creemos que es importante que las personas escuchen El Viajero porque es una propuesta musical fresca y moderna, con una narrativa de viaje que dialoga con las geografías de Colombia y Latinoamérica. Escuchar nuestra música es encontrarse con nuevas sonoridades y con una poética que narra el territorio, que invita a transitar la vida desde una perspectiva viajera. Ir y venir, retornar: a otras músicas, a otras edades, a otros lugares y a otras posibilidades del ser», concluye.

Vanessa Gocksch y Juan Pellegrino —fundadores de Systema Solar— presentan ‘La Ortiga’ ¡Mira el video!

El sencillo que acompaña el lanzamiento del álbum ceremonial ‘El Guardián de la Noche’ de Chigasumanda es un puente entre la sabiduría ancestral del yagé y la experimentación sonora y visual contemporánea.

El colectivo Chigasumanda presenta su primer trabajo discográfico: ‘El Guardián de la Noche’, un álbum ceremonial que nace en el corazón del Putumayo, bajo la guía del taita Humberto Díaz, discípulo del legendario taita Querubín Queta. Este lanzamiento tiene como propósito principal preservar, honrar y compartir la sabiduría ancestral del yagé a través de la música, en un momento en que las tradiciones indígenas enfrentan amenazas culturales, sociales y ambientales.

El disco se estrena con el sencillo ‘La Ortiga’, en colaboración con el productor musical Juan Carlos Pellegrino y la artista visual Vanessa Gocksch, reconocidos por ser fundadores de Systema Solar, una de las agrupaciones más influyentes de la música alternativa en Colombia.

‘La Ortiga’ es una pieza onírica que busca abrir nuevos encuentros con la medicina del yagé, conectando la tradición espiritual con dimensiones sonoras y visuales contemporáneas», comenta Pellegrino.

El Guardián de la Noche: un testimonio musical del legado indígena

‘El Guardián de la Noche’, una historia de vida convertida en álbum que narra, a través de la música, las memorias del taita Humberto Díaz: su crianza en Jardines de Sucumbíos junto al taita Querubín, su paso por comunidades cofanes como Bocanas de Luzón, y su conexión profunda con la selva y el misterio de la existencia. El disco es un reflejo de lo que es una noche de ceremonia con el Taita Humberto Diaz. Las temáticas giran en torno a la espiritualidad, el respeto por la naturaleza, la sabiduría ancestral y el llamado a las nuevas generaciones para que se reconecten con sus raíces.

‘El Guardián de la Noche’ es más que un álbum: es un viaje sonoro durante una noche de ceremonia con yagé. Grabado con técnica binaural, el álbum recrea una experiencia inmersiva en 360 grados que transporta al oyente al interior de una ceremonia. El oyente, con audífonos, puede percibir la espacialidad de los cantos, los sonidos de la naturaleza y la selva viva. El álbum fue grabado por Juan Carlos Pellegrino, productor musical colombiano, que comenzó a tomar Yage desde el 2017 con Taita Humberto, y después de varios años se obtuvo el permiso para grabar al Taita Humberto en el espacio de una ceremonia.

Canción por canción de ‘El Guardián de la Noche’ de Chiga Su Manda

‘Cura yagé’ es un canto ancestral que hacen los taitas para conjurar la medicina de yagé, ‘ Armonica «La chuma»‘ es un viaje por las notas musicales que se transforman en colores; es armonía para el alma. ‘Jardines de Sucumbíos’ está dedicada al maestro, el abuelo Querubín; ‘Selvas del Amazonas’ es una dedicatoria al pueblo cofán, ‘La Ortiga’ es un canto de medicina natural, ‘Putumayo tierra hermosa’ es el himno de la medicina del yagé, ‘Qué lindo amanecer’ habla del color de la selva y sus cantos, ‘Padre Bendito’ es una alabanza a Dios, ‘Mis abuelos me enseñaron’ está dedicada a los taitas del Putumayo y el cierre ‘Armonica «Pinta Yage» ‘ es para llamar la pinta del yagé.

«Este disco es una ofrenda, un llamado a las nuevas generaciones a reconectarse con sus raíces. Es un mensaje de paz, sanación y respeto por la vida», afirma el taita Humberto Díaz.

‘La Ortiga’: canto medicina convertido en pieza audiovisual

‘La Ortiga’ es uno de los cantos más poderosos del álbum, dedicado a una planta sagrada usada en procesos de limpieza energética y física dentro del contexto ceremonial del yagé. En esta nueva versión, Juan Pellegrino transforma el canto original en una escultura sonora, resaltando los sonidos originales y agregando elementos electrónicos que acompaña con sutileza.

El videoclip, dirigido por Vanessa Gocksch (también conocida como Pata de Perro), fue grabado durante una noche de ceremonia en Chigasumanda. Con una mirada profunda y simbólica, Gocksch retrata el misterio, la belleza y el poder de la noche Yagecera, combinando estética ritual con sensibilidad cinematográfica.

«Quise dejar que la selva hablara, que el fuego, los cantos y las plantas nos guiara visualmente, sin imponer una narrativa. El video es un retrato de la experiencia sagrada que vivimos esa noche y el espacio de Chigasumanda en el Putumayo», dice Gocksch.

Chigasumanda: música medicina al servicio de la memoria espiritual

Chigasumanda es una asociación sin ánimo de lucro compuesta por tomadores de yagé que, bajo el liderazgo del taita Humberto, buscan preservar y visibilizar la tradición espiritual andino-amazónica. Su nombre significa en idioma cofán ‘Dios Manda’, y refleja la visión de un camino guiado por la divinidad, la naturaleza y el respeto profundo por los mayores sabedores.

La asociación trabaja con el Yagé y se abre ahora al uso de herramientas contemporáneas —música, grabación binaural, arte visual, redes sociales— para crear puentes entre la espiritualidad indígena y el mundo moderno. Su misión es sembrar conciencia sobre la importancia de proteger la selva, escuchar a los pueblos originarios y recuperar el vínculo espiritual con la madre tierra.

«Este proyecto no busca fama ni espectáculo. Es una memoria viva para las futuras generaciones, una invitación a recordar que la vida es sagrada», concluye Pellegrino.

Este lanzamiento cuenta con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes en el marco de Programa Nacional de Estímulos 2025.

[Estreno] Una catarsis que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual, así es ‘Impersonal’ de John Arango

El poeta y artista visual colombiano John Arango está de regreso con nueva música y hoy presenta ‘Impersonal’, una canción que lo retrata tanto como persona como artista.

Con ‘Impersonal’ el artista busca aceptarse tal como es, incluso en sus contradicciones. Utiliza la sátira como escudo y también como lanza. Se burla de las etiquetas, de los juicios, de las miradas que intentan reducirlo o encasillarlo. Se ríe de lo malo que puedan decir de él y celebra todo lo que es, aunque no encaje, aunque incomode. En ese gesto hay fuerza y, sobre todo, libertad.

«He escrito poemas y canciones durante años, inspiradas en situaciones, pérdidas, triunfos y personas que han dejado una huella en mí. Pero esta canción es distinta. Es la pieza que mejor me retrata, es una catarsis, un estallido sincero de todo lo que durante mucho tiempo llevé dentro», cuenta John Arango. ‘Impersonal’ habla de mí, de un ser humano fracturado, incómodo, feroz y profundamente honesto. De alguien que no encaja —y que ya no pretende hacerlo—. Es una exposición cruda de lo que soy, sin máscaras ni filtros, pero también un acto de autoafirmación: no busco aprobación, pero tampoco me escondo», agrega el artista paisa.

Siguiendo la misma línea de su anterior sencillo ‘Rojo Carmesí‘, ‘Impersonal’ llega con un sonido irreverente de rock, pero esta vez con una energía más alegre y vital. Tiene coros melódicos, interpretados —una vez más— por Alem y Cristian López, y en esta ocasión, John Arango también se atrevió a sumarse con su voz en algunas partes.

«Esta canción, en particular, me recuerda por qué amo tanto el rock. Su fuerza, libertad y capacidad de decirlo todo sin pedir permiso. Siento que Lelo Arango, productor de la canción, logró algo muy especial: le dio a esta pieza el sonido que he estado buscando por años. El sonido de «la bestia», ese alter ego poético que ha habitado mis letras desde siempre», enfatiza John Arango.

‘Impersonal’ cuenta con un video íntimo y personal. Desde muy joven, John Arango sintió cómo a su alrededor le intentaban imponer una idea rígida y parca de la masculinidad. En medio de ese intento por «ser un hombre», terminó improvisando. ‘Impersonal’ nace de esa lucha interna y de esa improvisación continua.

Según John Arango, «el concepto del video es sencillo y al mismo tiempo poderoso: mi mente es como un video de rock de principios de los 2000. Cada imagen proyecta mi universo interior, como un collage sensorial donde la realidad se entrelaza con la imaginación. Es una secuencia de percepciones fragmentadas pero conectadas, que construyen un viaje simbólico más que una narrativa lineal. Apostamos por locaciones minimalistas, espacios cotidianos que se transforman en paisajes oníricos. Lo impersonal se vuelve íntimo. Visualmente, nos inspiramos en los videos de bandas de rock de finales de los noventa y comienzos del milenio: una estética vibrante, con una fotografía que evoca el grano del 35mm y una paleta de colores brillante, casi nostálgica».

Este video es una exploración simbólica que desafía los cánones tradicionales de identidad y masculinidad. El artista reinterpreta su existencia desde la autenticidad y la rebeldía. La realidad y la imaginación se mezclan para cuestionar los modelos de belleza, las normas de lo masculino y las percepciones sociales sobre identidad y orientación sexual.

Para John Arango fue importante integrar a Alem al video como artista invitado, ya que él ha sido un alcahueta con todo lo que respecta a su álbum. Ha sido su compañero fiel en esta aventura, así que también es cómplice en el universo de Impersonal. Así como canta en los coros, también aparece en el video como un artista con el que se siente a la par; alguien a quien admira profundamente.

En este universo visual, ser impersonal es una defensa contra la crítica, un escudo frente a las etiquetas impuestas. Pero también es un manifiesto de libertad. El video culmina en un acto celebratorio, con personajes diversos y una energía que reafirma su mensaje central: ser uno mismo no debería depender jamás de la mirada ajena.

«La inspiración detrás de ‘Impersonal’ nace de mi experiencia enfrentando los moldes impuestos. Es una catarsis visual y sonora que cuestiona las normas sobre identidad, belleza y orientación sexual. Va dirigida a quienes alguna vez sintieron que no encajaban, a quienes se atreven a ser auténticos pese al juicio ajeno. Mi mayor deseo es que la canción conecte con quien necesite escucharla. Si logra inspirar a alguien a sentirse libre y orgulloso de ser quien es, ya habrá cumplido su propósito. Con mi arte no busco masividad, sino conexión genuina», enfatiza John Arango.

‘Impersonal’ es el segundo sencillo del nuevo disco de John Arango titulado ‘Desde la sangre’, un proyecto experimental donde mezcla poesía con rock, coros melódicos y muchas emociones personales. Aún no hay una fecha exacta de lanzamiento porque el cantante quiere que cada sencillo tenga su propio universo antes de soltarlo completo.

«Esta canción es ideal para esos momentos en los que necesitas recordarte quién eres, cuando te sientes fuera de lugar o simplemente quieres ser tú sin filtros. Es perfecta para escucharse con el volumen alto, en un día de liberación, rebeldía o catarsis. También cuando te quieras reír de lo que otros opinan y abrazar lo que realmente eres», menciona el artista.

La portada del sencillo, producido por Lelo Arango en Volta Estudio, es una imagen de Santiago Piedrahita que muestra una expresión honesta de John Arango. El azul, en este contexto, representa esa calma que aparece en medio del caos, esa introspección en medio del ruido. Es una mirada azul y directa que conecta con el espíritu del video: vulnerable pero firme, confusa pero libre.

«Durante 2025, mi enfoque principal es ‘Impersonal’, seguido de dos sencillos más y finalmente el álbum completo en el último trimestre del año. Quiero seguir produciendo videoclips potentes, no solo para amplificar el mensaje, sino también para retarme a nivel visual y seguir creciendo como artista integral. Cada lanzamiento será una oportunidad para explorar nuevas ideas y narrativas que reflejen lo que realmente quiero comunicar», concluye John Arango.

Se reactiva la RED DE FESTIVALES ROCK DEL CARIBE COLOMBIANO

Esta iniciativa busca fortalecer las alianzas dentro de los festivales de la costa caribe colombiana y visualizar todo el trabajo que realizan los artistas, bandas y proyectos musicales del género.

La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano renueva su compromiso con el fortalecimiento y la promoción de la música alternativa en la región. Luego de una pausa por diversos motivos desde el lanzamiento de esta iniciativa, la red de festivales hace su relanzamiento por todo lo alto con la participación de 16 festivales que hacen vida en la Costa Caribe, esta red busca consolidar un ecosistema vibrante que impulse el desarrollo artístico y cultural, promoviendo intercambios, formación, y cooperación estratégica entre gestores culturales, organizadores, promotores y artistas locales.

Una plataforma para el talento regional

Desde Santa Marta hasta Montería, la red agrupa festivales destacados como el Unimagdalena Rock Fest, Urbanarock Fest, Indierock Fest, Muralla Rock Fest, y otros en Cartagena, Sincelejo, Corozal, Sahagún y Montería. Estos eventos trabajan en conjunto para fortalecer la escena musical alternativa, promoviendo la circulación de artistas tanto a nivel nacional como internacional, y fomentando alianzas que generan oportunidades de crecimiento y consolidación para las bandas emergentes de la región.

Una misión compartida

La misión de la red es impulsar el desarrollo integral de los festivales de rock en la Costa Caribe, identificando sus fortalezas y necesidades, y diseñando estrategias que eleven su impacto cultural. Además, promueven espacios académicos y de formación que fortalecen las capacidades del sector musical alternativo, impulsando ideas innovadoras para asegurar la sostenibilidad y el crecimiento del movimiento.

Intercambio cultural y fortalecimiento comunitario

Uno de los pilares de esta iniciativa son los intercambios culturales que facilitan alianzas estratégicas entre los festivales participantes. Estos acuerdos permiten acoger propuestas artísticas de bandas de música alternativa, garantizando la circulación de talentos en diferentes escenarios y ciudades, enriqueciendo la oferta musical y fomentando un sentido de comunidad que refuerza la identidad cultural del Caribe colombiano.

Un compromiso con el arte y la cultura

Gracias a estas iniciativas, la región se posiciona como un referente en la escena musical alternativa, creando oportunidades que benefician a artistas emergentes y consolidando la presencia del talento regional en el ámbito nacional e internacional. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano continúa trabajando para mantener vivo el espíritu creativo y la innovación en el sector, promoviendo una cultura vibrante y diversa que refleja la identidad única de la Costa Caribe.

Este esfuerzo conjunto reafirma la importancia de las alianzas estratégicas en la consolidación de la escena de rock y metal en el Caribe colombiano. La colaboración entre festivales, artistas y gestores culturales es fundamental para fortalecer estos géneros en la región, permitiendo no solo la circulación de talentos, sino también fomentando una comunidad vibrante y un movimiento cultural que impulsa el crecimiento y la innovación musical. La Red de Festivales Rock del Caribe Colombiano reafirma así su compromiso de seguir creando oportunidades y alianzas que catapulten a los artistas y enriquezcan el panorama artístico de la región, consolidando su lugar en la escena nacional e internacional.

Festivales que hacen parte de la RED DE FESTIVALES ROCK.

UNIMAGDALENA ROCK FEST (Santa Marta), URBANAROCK FEST (Barranquilla), INDIEROCK FEST (Barranquilla), PARATE DURO FEST (Barranquilla), CROWS ROCK FEST (Barranquilla), EMO NIGHT FEST (Barranquilla), MURALLA ROCK FEST (Cartagena), LA MÚSICA EN VENAS FEST (Cartagena), EL MONTICULO FEST (Cartagena), SABANEROCK FEST (Sincelejo), SABANEROOTS FEST (Sincelejo), ENTROPIA ROCK FEST (Corozal), BARAJI FEST (Sahagún), TUPA TUPA FEST (Montería), SKATER PARK AL RIO FEST (Montería), THE BUNKER ROCK FEST (Montería).

Atalhos, de Brasil, estrena ‘A Força das Coisas’, un disco para reinventarse y redescubrirse

Luego de presentar los sencillos ‘Ayer morí’, ‘Ondas de calor’ y ‘Delirios en Paraguay’, la banda de indie rock brasilera Atalhos presenta oficialmente su nuevo disco ‘A Força das Coisas’, el quinto en su carrera y el más autobiográfico de todos.

Durante los 35 minutos del disco, el oyente es invitado a viajar con Atalhos a través de la memoria y la atmósfera onírica de canciones que hablan de rupturas, y términos de relaciones que se transforman en potencia y persisten en la «fuerza de las cosas». Sus canciones son evocativas, reflexivas, inspiradoras y soñadoras.

 «‘A Força das Coisas’ es un álbum dirigido a todos aquellos que tuvieron que atravesar rupturas difíciles y que supieron crear e inventar nuevos caminos posibles para seguir adelante hacia nuevos sueños», cuenta la banda originaria de Sao Paulo.

El sonido característico de Atalhos en ‘A Força das Coisas’ es el dreampop rutero, guitarras con mucho reverb, baterías y drum beats como si fueran una larga recta de una ruta, y dulces melodías vocales que unidas a nubes de teclados y sintetizadores forman una atmósfera evocadora de memoria y sueño.

‘A Força das Coisas’, sencillo promocional del disco, es una canción que habla de un reencuentro de una pareja después de muchos años de distancia. La historia es sobre un momento luminoso generado a través de un encuentro casual y el darse cuenta de que toda la potencia del amor persiste y no se desvaneció a pesar del fin de la relación, solo que se transformó en fuerza y ahora vive en todas las cosas.

«El momento ideal para escuchar el nuevo álbum de Atalhos es cuando estamos soñando despiertos. Nuestros ojos están fijos en un objeto, pero nuestro pensamiento está lejos, muy lejos. Cuando sentimos que nuestra memoria está dominando nuestro pensamiento y estamos viajando a través de escenas e imágenes que no sabemos distinguir más la realidad, bueno, este es momento ideal para escuchar el disco», enfatiza la banda.

«Esperamos seguir construyendo un camino lindo por Latinoamérica, tenemos dos participaciones hermosas de artistas amigos, uno es la banda El Culto Casero de Paraguay y la otra es Antonia Navarro de Chile. El disco sale junto a un anuncio de una gira importante con más de 20 shows por Brasil y países latinos, además de fechas ya confirmadas para una temporada en Europa a principios de 2026», agrega Atalhos.

La portada del disco es una foto sacada en un estudio durante una grabación y tiene todo un aspecto misterioso de una sombra, algo que remite a la memoria, los sueños y al hecho de que no se puede identificar la persona en la portada también abre puertas a la imaginación.

https://youtu.be/m_WW9qO6NvM

«Vamos a tener muchos conciertos en los próximos meses, la idea es después reunir las mejores fechas y armar un compilado para sacar un EP en vivo en 2026», señala el grupo.

‘A Força das Coisas’ de Atalhos es un disco inspirador y consciente de lo absurdo de la vida, de la inevitabilidad de la muerte y del final de las relaciones, pero sobre todo es un disco que genera mucha potencia, que invita a abrazar las transformaciones de la vida y a atravesar momentos difíciles para finalmente abrir nuevas puertas y vislumbrar nuevos horizontes, nuevos comienzos.

Ha$lopablito habla de sus anhelos personales en ‘Tengo un sueño’

Si manifestar es real, Ha$lopablito lo hace con todos los juguetes en el segundo sencillo de su álbum venidero con Pocket Tincho. ‘Tengo un sueño’ es un manifiesto aspiracional y una predicción de éxito musical. Al mejor estilo de Tony Soprano, Pablo tiene un sueño revelador: existe un futuro utópico en el que ‘coronó’ a punta de música.

La canción es una radiografía de sus anhelos más personales. Una producción mística que celebra el éxito futuro de ha$lopablito, en el que nos relata todo lo que logró gracias a la música. Sobre un beat perfecto para flexear, el artista colombiano se sumerge en detalle en todo lo que logró hacer gracias al dinero conseguido por una carrera musical triunfal.

‘Tengo un sueño’ fue escrita por ha$lopablito (Pablo Jaramillo Cavallazzi) y si bien, en gran parte es aspiracional y pone en palabras un futuro próspero, celebra el presente y el camino recorrido hasta ahora. Fue producida por Pocket Tincho quien también será el productor del nuevo álbum. La mezcla y masterización fue hecha por William Vizcaino.

‘Tengo un sueño’ sigue dibujando el universo de SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO. El oyente puede ir trazando el hilo conductor del proyecto y puede hacerse una idea de la temática de todo el disco.

«Se acerca el lanzamiento de mi tercer disco: SIEMPRE ES CUESTIÓN DE PANDEBONO, quizá mi proyecto más personal hasta la fecha, un ‘baldado’ de realidad en el que convergen diferentes emociones, anhelos y miedos. Su hilo conductor es el dinero, un lugar común del que nadie se cansa de hablar, pues media, limita e intercede nuestra vida en todas sus dimensiones», explica ha$lopablito.

La historia detrás de la canción

«Se me ocurrió la idea de hacer una canción como las que hacen los artistas que ya están pegados. En estos temas de celebración hacen una apología a ese camino del héroe que logra su objetivo luego de una tortuosa odisea. Generalmente presumen sus pertenencias materiales y poder adquisitivo por medio del recurso de poner en comparación su situación de escasez antes de haberla logrado. A pesar de que no la he logrado, un día me puse a imaginar qué haría si tuviera mucha plata gracias a la música y de ahí nació la canción. Por ahora es un sueño.

La canción se sitúa en un sueño de hace un buen tiempo, en el que tampoco hubiera podido saber el camino que ya he recorrido. Desde que tengo memoria me apasionaba la idea de ser cantante. El sueño que tengo también narra mi presente, cosa que el Pablo de ocho o nueve años tampoco sabía. Para terminar el tema y que concluyera la ambientación de ser un sueño, le pedí a mi mamá que me enviara un audio despertándome como cuando era pequeño. Toda la vida he tenido un sueño muy pesado y eso fue un motivo de bastante estrés para ella en mis tiempos colegiales», concluye ha$lopablito.