‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall es una canción que nace del sentimiento crudo y real que se vive en relaciones intensas, donde el amor y el dolor se entrelazan como si bailaran al mismo ritmo. Con sonidos que fusionan reggae, R&B y ritmos latinos la canción refleja esa dualidad emocional que todos en algún momento hemos sentido.
‘No sé mañana’ fue grabada en La Colmena Records en Bogotá junto al ingeniero Daniel Restrepo. La producción musical estuvo a cargo de Cfelo, productor de Medellín, con quien Checho ha trabajado en cuatro sencillos que serán parte de su próximo EP titulado ‘Pa’ Qué’.
La conexión entre los artistas surgió gracias a Unión Ska Colombia durante una visita de Kandall a nuestro país. Hicieron ‘clic’ de inmediato, co-escribieron la letra y el artista panameño grabó aportando su esencia y flow.
«Esa canción representa la nostalgia, el amor y los sentimientos encontrados en una relación. Aborda el viaje del amor cuando es correspondido y cuando no, la magia de sentir mariposas o murciélagos en el estómago», explica Checho SASA.
El videoclip de «No Sé Mañana» se rodó en DC Luxury MotorWorks, un espacio colorido y con mucha personalidad. La producción estuvo a cargo de StationRoots Company bajo la dirección de Sebastián Juyó.
«Hoy estoy en la luna, mañana en el infierno… Amarnos es un viaje sin rumbo, ni tiempo»
“Spirit Box” evoca el misticismo de una caja espiritual: ese medio usado para comunicarse con el más allá. Esta canción hace exactamente eso. A través de su atmósfera envolvente y lírica inquietante, se convierte en un puente sonoro entre lo terrenal y lo trascendental. Una pieza que conecta emociones profundas con lo invisible.
“Summer Speaker Test” es un tema amapiano vibrante, impulsado por los característicos log-drum profundos, acordes de piano con tintes jazzy y ganchos vocales cargados de alma. Perfecto para playlists de atardeceres, sets relajados al final del día o momentos golden hour. Es mi producción más pulida hasta la fecha, y consolida el impulso que he ganado como nuevo talento en la escena sudafricana. ¡Gracias por considerar esta propuesta!
Caleb Hart presenta Golden Child (Remix) – Canada – Trinidad y Tobago
Golden Child (Remix) es una reinterpretación dinámica que fusiona la sensibilidad Caribbean-soul de Caleb Hart con la energía original de TK the Artist, elevada aún más por la producción precisa y fluida de Jayden Brown. Aunque más corta en duración, cada segundo cuenta: es un homenaje sincero, una inyección musical de energía positiva y un track con alto valor de repetición.
Ideal para quienes disfrutan de mezclas de géneros con profundidad emocional, entre el R&B y el reggae. La incorporación de Caleb Hart marca una colaboración poco común después del lanzamiento original, fruto de una auténtica admiración artística y una chispa creativa compartida. Su verso aporta calidez personal y un tributo sentido a TK, enriqueciendo la esencia del tema original. La combinación del estilo melódico de Hart y la energía inconfundible de TK le da nueva vida al track.
PJ Sin Suela presenta Si Te Vas – PJ Sin Suela, Blessd, Sparrow & Barbossa – Colombia, Mexico y Puerto Rico
“Si Te Vas” es un vibrante Caribbean house de PJ SIN SUELA junto a BLESSD y el dúo de productores SPARROW & BARBOSSA. Un tema diseñado para encender cualquier fiesta y extender el verano durante todo el año. La percusión es contagiosa, los ritmos bailables y la vibra general te pone de buen humor desde el primer segundo.
Con un beat adictivo y un flow que cruza fronteras, esta colaboración promete convertirse en favorita para playlists tropicales, sesiones de sunset y fiestas con buena energía. ¡Espero que la disfruten, la compartan y la lleven donde sea que haya ganas de bailar!
Una canción de rock pesado en compás de 9/8 que expone la hipocresía presente en nuestra sociedad, donde la piedad y la supuesta devoción a lo divino son utilizadas por personas sin ética para alcanzar poder, estatus o ambiciones personales. El tema inicia con un drone inspirado en la música bizantina, estableciendo un ambiente denso y espiritual, que luego se transforma en guitarras poderosas que replican ese mismo patrón durante los coros. Es una crítica contundente envuelta en una estructura rítmica compleja y una intensidad sonora que no da tregua.
«Static // Star» es el segundo sencillo del dúo afrofuturista RAYA ✕ TEGO, una experiencia sonora que fusiona potentes beats grime, capas vocales inspiradas en el K-pop y texturas hipnóticas de R&B electrónico. Este tema, nacido en el corazón del SignalVerse —un universo paralelo de ciencia ficción donde las identidades fallan y las señales estelares colisionan— es un estallido digital de adrenalina: audaz, cinematográfico y hecho para contar historias visuales. Con transiciones glitch y ganchos multilingües, la canción transporta al oyente a un mundo de movimiento, memoria y una desafiante resistencia interestelar.
Les presentamos nuestro nuevo sencillo y videoclip: «Nothing (Without You)», que cuenta con la colaboración especial del nominado al Grammy Jonny Santos, vocalista de Spineshank y Silent Civilian, quien aporta voces invitadas y un solo de guitarra explosivo.
Los productores italianos D.J. Thor y Robbie Groove se unen en «Ritmo De Los Tambores» junto a la inigualable voz de la nominada al Latin Grammy Martina Camargo, reconocida por éxitos como “Me Robaste El Sueño”, “Guataquí” y su más reciente colaboración con Keinemusik en “The Dream”.
«Ritmo De Los Tambores» ofrece una experiencia sonora dinámica e inmersiva que fusiona magistralmente ritmos tribales con potentes grooves de house. La participación vocal de Martina eleva cada momento del tema, aportando profundidad emocional y un distintivo aire global. Su voz única armoniza a la perfección con las poderosas percusiones y líneas de bajo, convirtiendo este tema no solo en un himno para la pista de baile, sino también en un viaje emocional.
Recomendado por su mensaje esperanzador y energía positiva, este lanzamiento invita a la reflexión y al disfrute. El artista nos recuerda que el mundo necesita buenas vibras, y que la música, combinada con palabras con propósito, puede ser un instrumento poderoso de transformación. Una propuesta sonora que busca tocar corazones y dejar huella.
Luego de presentar los sencillos ‘Será’ y ‘Nostalgia’, la banda colombiana de rock alternativo Clandestino regresa con nueva música para todos sus seguidores. Se trata de ‘Haberte encontrado’, una canción que narra un amor que no debió ser, una historia que continúa detenida en el tiempo. Es perfecta para escuchar en las noches cuando el nombre de esa persona resuena en la cabeza.
«La canción nace de una sensación de soledad en un momento de la vida en el que debemos enfrentar una separación, es un sentimiento que sabemos que la mayoría hemos experimentado. Es para las personas que han vivido historias de amores imposibles, reflexiones de la vida, recuerdos y emociones profundas», comentan Hana Loaiza y Alex Velásquez, líderes de Clandestino.
Para el video de ‘Haberte encontrado’, Clandestino buscó plasmar desde lo musical y lo visual la crudeza de un amor detenido en el tiempo. El Metro de Medellín, sus estaciones, vagones, pasillos y plataformas lograban la representación del tiempo, la temporalidad y la búsqueda de un hombre y una mujer de algo que no se ve, pero siempre está. El clip fue producido Jacobo Castro, Leonardo Guerrero y Sandra Bautista de la productora Duck Sessions.
«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con la historia de ‘Haberte encontrado’ sino con lo que es Clandestino. Queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida, que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», puntualiza la agrupación con influencias de Massive Attack, Coldplay, Radiohead, Draco Rosa, Aterciopelados, Zoé, Siddharta y Carla Morrison.
‘Haberte encontrado’ hace parte del álbum ‘Supremacía‘, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, indie rock, neo soul, balada, entre otros. El disco, producido y mezclado en Estudio Naranja por Pedro Rovetto y masterizado por Camilo Silva, estará disponible en su totalidad a finales de 2025.
«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la agrupación.
La artista, cantante, compositora, mujer medicina y guardiana espiritual colombo americana MaYita regresa con nueva música. Se trata del disco ‘SOMOS’,un rezo que nos recuerda que estamos juntos en estos tiempos de profundo cambio. Es una invitación a reconocer que nos tenemos los unos a los otros, a sostenernos en comunidad, desde el corazón. Es una oración viva que representa lo que estamos atravesando como humanidad; una ofrenda que honra este momento crucial, como parte del cumplimiento de la profecía del nuevo tiempo.
«‘SOMOS’ no es solo un álbum, es una invocación colectiva, un canto sagrado por la unidad, el recuerdo profundo y la sanación de nuestra humanidad. Nace desde la raíz —desde la tierra, los saberes ancestrales, las abuelas, los rituales y memorias que nos habitan— y se eleva hacia las estrellas, hacia ese futuro que soñamos con el corazón despierto. Cada canción es una medicina cantada, un puente entre mundos y un tejido vivo entre culturas. Habla de volver a ser, de recordar lo esencial, de encender el fuego interno y caminar en comunidad hacia un nuevo tiempo, guiado por el amor, la conciencia, la belleza y la verdad», cuenta MaYita.
La inspiración del disco nace de múltiples fuentes: de la tierra misma, de los cantos medicina, de las ceremonias, de los encuentros con los pueblos originarios y de las voces sabias de los abuelos y abuelas; de la familia, la comunidad, los espacios rituales… También brota del dolor colectivo de la humanidad, y de la capacidad infinita de transformación.
«Este disco es para todos los corazones que estén listos para recordar, para los guardianes del nuevo tiempo, para los pueblos, las madres, los niños, los abuelos… para ti, que escuchas el llamado de volver al corazón», agrega.
‘SOMOS’ transmite un mensaje de amor, unidad, coraje, coherencia, soberanía e integridad, dirigido a todos los que resuenan con esta energía, para que podamos sentir la fuerza de nuestros corazones a través de cada uno de sus sonidos. El disco explora sonidos que fusionan lo ancestral y lo contemporáneo: cantos de medicina, mantras, rezos indígenas, electrónica sutil, tambores ceremoniales, cuencos, flautas y elementos orgánicos entrelazados con una producción moderna.
«Los sonidos de mi tierra natal, Colombia, que vibran muy cerca de mi corazón y resuenan en la energía de mis células, habitan en mí, las altas montañas con sus ríos y bosques, el exuberante Amazonas, del Altiplano, el Caribe… También en el disco honramos todo el cosmos que habitamos y nos habita, no solo mi lugar de nacimiento, sino toda esta esfera cósmica, nuestra madre tierra que es nuestro gran hogar. Rezando en cada territorio por donde pasamos, tejiendo cada relación, cada alianza con los Guardianes del Arcoíris, sembramos semillas de amor, paz y gratitud, y de cada uno también recibimos valiosísimos regalos, magia, arte, medicina y toda esta inspiración que nos invita a crear esta música para compartir», enfatiza la artista.
Cada canción emite una frecuencia viva, diseñada para sanar, despertar y elevar. Es una producción finamente tejida. Cada capa de sonido ha sido grabada y entrelazada para crear un portal sonoro que activa la frecuencia de la sanación en cada ser y nos recuerda el poder sanador que despierta cuando reconocemos que SOMOS parte de un tejido cósmico que nos sostiene.
«Este disco no me pertenece, nos pertenece. Es un obsequio para recorrer juntos los retos y revelaciones del nuevo tiempo, acompañados por la medicina de amor hecha música», puntualiza.
Este disco es medicina para los momentos de transición, búsqueda y sanación. Es ideal para rituales personales, despertares conscientes, meditaciones, caminatas por la naturaleza o simplemente para cuando necesites recordar tu luz interior. Perfecto para las mañanas con intención y para las noches de oración. ‘SOMOS’ es un fiel compañero en esos instantes en que el alma pide sostén o inspiración.
Según MaYita, «Mi mayor deseo es que este disco toque los corazones profundamente. Que sea una herramienta de sanación, un recordatorio de lo sagrado que habita en cada ser. Espero que inspire a muchas personas a reconectar con su esencia, con su cultura, con su camino espiritual. Que sirva como un puente vivo entre mundos, entre generaciones, entre tradiciones. Más que alcanzar un éxito comercial, sueño con que ‘SOMOS’ se convierta en un legado espiritual y artístico».
La portada del disco fue canalizada como un altar visual. Refleja la visión de un nuevo mundo, donde los guardianes —visibles e invisibles— se reúnen para sostener la vida. Contiene elementos de la tierra, el cosmos, el agua, el fuego; acompañada de los espíritus guías del colibrí y el jaguar, entretejidos con intención. Cada símbolo está ahí para recordar la unidad, la belleza y el equilibrio. Fue diseñada junto a un equipo que comprendió profundamente la misión del disco como una obra sagrada, y logró traducir su espíritu en imagen.
«‘SOMOS’ llegará a ceremonias vivas. Lo compartiremos en festivales de medicina, círculos íntimos y escenarios consagrados en América y Europa. También lanzaremos videoclips sagrados para cada canción, acompañados por un documental que narra el viaje espiritual detrás del álbum. Además, habrá encuentros virtuales para conectar con la comunidad global, tejiendo puentes entre corazones despiertos más allá de las fronteras», concluye la artista.
‘SOMOS’ no es solo música, es un espejo. Escucharlo es una oportunidad para recordar quién eres, de dónde vienes y hacia dónde se dirige tu alma. Es una invitación a volver al corazón, a sentirte parte del gran tejido de la vida. En medio de un mundo ruidoso, este disco es un rezo que trae de vuelta el silencio interior y activa la memoria espiritual. Escuchar ‘SOMOS’ es escuchar tu propia voz interior convertida en canto.
El musical Señor Bolero, inspirado en el Alzheimer, llega a Barranquilla el 8 de agosto con doble función en el Teatro José Consuegra Higgins
El aclamado musical inspirado en el Alzheimer, con funciones agotadas en Nueva York y Bogotá, se presentará por primera vez en la ciudad natal de su creador, Ricardo Stevan, Rey Momo del Carnaval de Barranquilla en 2023 en Nueva York.
Después de emocionar a miles de espectadores en escenarios internacionales, el espectáculo musical Señor Bolero aterriza en Barranquilla con una función doble el próximo 8 de agosto de 2025, en el Teatro José Consuegra Higgins, como parte de su Gira Internacional 2025.
Un tributo musical al poder de los recuerdos
Escrito, dirigido y protagonizado por el barranquillero Ricardo Stevan, exalumno de la Escuela de Actores de Barranquilla y del Instituto La Salle, el musical ha sido reconocido con ocho premios teatrales en Nueva York, incluyendo los galardones a Mejor Producción Latina y Mejor Obra Original.
Señor Bolero, más allá de presentar una puesta en escena fascinante y simbólica, es un homenaje a quienes enfrentan el Alzheimer, a sus familias, y a la música como vehículo de memoria y emoción.
Ambientado en un bar neoyorquino de los años 50, el espectáculo entrelaza las historias de seis personajes cuyas vidas convergen entre boleros, confesiones y momentos inolvidables. Uno de ellos, un hombre que comienza a perder la memoria, se convierte en símbolo de la fragilidad humana y del poder del amor para sostener lo que el tiempo intenta borrar.
Con una cuidada estética retro, música en vivo y más de 30 boleros clásicos —entre ellos ‘Piel canela’, ‘Nuestro juramento’, ‘Contigo aprendí’ y ‘La copa rota’—, esta obra ha sido celebrada como un viaje emocional que conecta generaciones.
Elenco estelar
El musical cuenta con un destacado elenco que reúne talento colombiano y latinoamericano compuesto por Yolanda Rayo, Ricardo Stevan, María Cristina Gálvez, Bruno Díaz, Nina Caicedo y Fernando Monge.
Producido por la Fundación Fábrica de Estrellas, con sedes en Nueva York y Colombia, Señor Bolero continúa construyendo puentes entre la nostalgia, el arte y la salud emocional, despertando reflexión y empatía en cada función.
Funciones en Barranquilla
· Lugar: Teatro José Consuegra Higgins
· Fecha: viernes 8 de agosto de 2025
· Funciones: 5:00 p.m. y 8:00 p.m.
· Entradas: disponibles en línea | Taquilla del teatro
Funciones en Barranquilla
📍 Teatro José Consuegra Higgins 📅 Viernes, 8 de agosto de 2025 🕔 5:00 PM 🕗 8:00 PM
“Love In Reverse” es una balada pop rock vibrante que explora el dolor del amor, capturando la angustia de alejarse incluso cuando parece la decisión correcta. Coescrita por Savannah y Luke Judy junto al renombrado compositor Trey Bruce, la canción fue grabada profesionalmente en The Sound Emporium (Nashville, TN) y combina melancolía con esperanza, transmitiendo la esencia agridulce de madurar a través del amor. Con un arte visual impactante y un sonido cautivador, DUPLEXITY consolida su reputación como una fuerza emergente tras compartir escenario con artistas como Benson Boone y Hannah Bahng.
“SUAVEMENTE” es el nuevo himno veraniego de Mounts, Zaid y Seni520, producido por JNull. Con un sonido fresco y vibrante de funk reguetón, el tema mezcla ritmos contagiosos, letras amorosas y una atmósfera festiva que invita a bailar desde el primer segundo. Pensado para ser la banda sonora de fiestas, chiringuitos y noches estivales, este lanzamiento consolida a los artistas gaditanos como referentes de la escena urbana andaluza, combinando una propuesta comercial con la esencia del sur. Ya disponible en todas las plataformas digitales.
“Peace” es un tema de esencia Americana con una letra cargada de simbolismo y referencias potentes. Entre imágenes como dinamita llorando, uranio empobrecido, Kryptonita y el Agente Naranja, la canción mezcla lo íntimo y lo político para crear una reflexión sobre la violencia, el poder y la fragilidad humana. Con una atmósfera cruda y poética, “Peace” se convierte en una propuesta original que invita a dejar “bien suficiente en paz” antes de que todo estalle.
“Ragnarök in Berlin” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis moderno, narrado desde la perspectiva de alguien que ha dejado de luchar contra él. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es perfecto para fans de Rammstein y Eisbrecher. Este sencillo forma parte de un álbum conceptual que explora el relativismo moral y el colapso social a través de metáforas mitológicas. Disponible desde el 13.07.25, la banda busca espacios en playlists, cobertura mediática e interés de sellos discográficos.
Ala Nkolika mixes Classic Memphis sound with amapiano. Let’s work together and promote each other platforms. Music video for the song will release August 19th. Thank you so much for your time and consideration.
Con “The King in Yellow”, Cutterred Flesh se adentra en la mitología perturbadora de Robert W. Chambers y el horror cósmico que inspiró a Lovecraft. Este nuevo sencillo combina su brutal death metal característico con elementos disonantes y atmosféricos, dando vida a una narrativa cargada de decadencia, fatalismo y locura. Riffs aplastantes, guturales en capas y cambios de tempo dinámicos acompañan el descenso del protagonista hacia la ruina psicológica en la mítica ciudad de Carcosa, bajo la omnipresencia del Rey Amarillo. Un tema intenso y cinematográfico que muestra el lado más narrativo de la banda sin perder la ferocidad que los define.
NESTA, artista caribeño-estadounidense emergente de Queens, NY, fusiona el Lovers Rock reggae con soul y R&B contemporáneo en “Be My Love”. Este tema sensual y rítmico captura la esencia atemporal del reggae con la profundidad emocional de artistas como Brent Faiyaz y Chronixx. El sencillo ya está ganando tracción internacional y contará con un remix junto al ícono británico Wretch 32, previsto para el 1 de agosto. Con esta campaña buscan ampliar su alcance global a través de playlists, blogs, radios (especialmente en Reino Unido, Francia y África) e influencers, consolidando a NESTA como una voz global del reggae moderno.
MAXIIM presenta You Fly In My Spirit (Remix) – Francia
Tras conmover con la versión original de “You Fly In My Spirit”, el artista francés MAXIIM presenta un hipnótico remix electrónico creado en colaboración con el colectivo berlinés Theatrophone Music. Este nuevo lanzamiento mantiene la esencia emotiva del tema original, pero la transforma con una energía profunda y vibrante directamente desde la escena underground de Berlín. Un puente sonoro entre el pop francés y la electrónica europea, listo para encender las pistas de baile en Brasil y más allá.
“Not With You” es una balada indie folk cinematográfica que se apoya en guitarras etéreas, texturas ambientales y voces melancólicas. La canción habla de la distancia y la ausencia emocional, desarrollándose como una reflexión de combustión lenta que envuelve con una intensidad serena y contenida.
“Lo Que Soy” es una vibrante colaboración entre el productor neerlandés de Afro House LevyM, el creador de hits latinos Michael Mendoza y la vocalista BĒNI. El tema fusiona la profundidad del Afro House con la calidez de las raíces latinas, a través de una línea de bajo bailable, percusión rica en matices y una interpretación vocal que combina spoken word con alma y emoción. Más que una canción, es un viaje intercultural que explora la identidad, la herencia y el ritmo, ideal para listas de reproducción con sonidos globales, sesiones junto al mar o selecciones de house con alma.
“It’s Just Me” es un himno auténtico y optimista que celebra la individualidad, la seguridad en uno mismo y la fuerza de ser fiel a lo que eres sin disculpas. Con una producción enérgica, letras introspectivas y un hook contagioso, el tema invita a bailar y reflexionar al mismo tiempo. Perfecto para listas de reproducción con vibras positivas, mood playlists y para acompañar el creciente buzz de sus próximos lanzamientos.
COMMOTION presenta stargazing – USA
“Stargazing” es una canción cargada de emoción dedicada a quienes han perdido a alguien muy querido. Con vibras de alt/hip-hop, el tema combina una atmósfera introspectiva con un tono melancólico que invita a la reflexión y la conexión profunda. Es un homenaje sonoro al recuerdo y al proceso de sanar a través de la música.
Jack Horton presenta Never Know Why (feat. Vesper Stockwell) – Japon y USA
“Never Know Why” es un poderoso dúo extraído del EP Imperfections. La canción comienza de forma minimalista y va creciendo hasta desplegar una sinfonía completa, con armonías deslumbrantes entre la voz clara de Vesper Stockwell y la tonalidad áspera del intérprete principal. Este tema es una balada sobre el amor y la necesidad inexplicable de estar con alguien, incluso cuando no hay razones claras. Un viaje emocional que combina delicadeza e intensidad.
Con más de 75 mil visualizaciones en YouTube y 22 mil reproducciones en Spotify en su primer mes, este tema ya está generando un impacto notable. El éxito inicial respalda su potencial para una mayor promoción y consolidación como un lanzamiento destacado. Una propuesta cargada de emoción y autenticidad que sigue sumando oyentes alrededor del mundo.
“Mjölnir” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis contemporáneo. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es ideal para fans de Rammstein o Eisbrecher que buscan una descarga intensa y reflexiva sobre la sociedad actual.
TEAM A!MS presenta A!MS X ARRDEE – NEED SOMEBODY – Cyprus y Reino Unido
A!MS une fuerzas con el favorito del rap británico ArrDee en “Need Somebody”, un pegajoso y melódico tema veraniego con vibras de Afrobeats. Este sencillo anticipa el próximo álbum Peak Season, donde A!MS presenta su innovador género Global Street, que fusiona ritmos urbanos con influencias culturales de todo el mundo. Producido por Golden Boy (Colombia) y con letras coescritas por Stige, el track transmite un mensaje de escape, seguridad y unión. Tras el éxito de Light & Love junto a Julian Marley (más de 5 millones de reproducciones y candidatura al GRAMMY), A!MS confirma su proyección internacional con apoyo de medios como Billboard, BBC 1Xtra, BET y el propio legado Marley.
“Ya Sayidi” es un cautivador tema de Afro House que combina grooves profundos, percusión tribal y ricas influencias árabes y norteafricanas. La canción fusiona texturas tradicionales con ritmos afro modernos, creando una energía hipnótica y espiritual que es a la vez cruda y sofisticada. Es un homenaje sonoro a las raíces culturales y al movimiento, ideal para transportar a los oyentes a noches en el desierto, rituales sagrados y pistas de baile hasta el amanecer. Perfecto para amantes de los sonidos afrocéntricos con emoción, ritmo e identidad.
El cantautor colombiano Farid Abauat estrena ‘Manos vacías’, un sencillo que retrata el contraste entre dos mundos: el de una persona que va lento y con dudas, frente al que parece tenerlo todo claro y controlado.
La canción nació de una reflexión personal sobre las inseguridades que vivimos cuando nos enfrentamos al amor. Aborda el sentimiento de no tener nada que ofrecer y llegar con las manos vacías, mientras la otra persona parece brillar y avanzar con una velocidad que no podemos seguir.
‘Manos vacías’ fue co-escrita por Farid Abauat y Alejandro Prias, quien estuvo al frente de la producción, mezcla y masterización.
A veces por inseguridades nos inhibimos de dar el primer paso hacia el amor, pero en este caso es una invitación a la aventura:
«Quise explorar ese tema desde un lugar honesto, por eso la canción tiene un sonido pop alegre, casi en contraste con lo que está diciendo la letra. En el fondo, es una canción sobre cómo el amor puede sanar inseguridades y enseñarte a vivir», comenta Farid Abauat.
Y agrega: «Queríamos ofrecer al público una imagen muy clara de lo que se siente estar enamorados. Hubo una frase que nos marcó: ‘¿Recuerdas cuando estábamos enamorados? Mis hombros a tu peso tan acostumbrados’, de ahí nace el resto de la canción. Pues no hay mejor momento para demostrar el amor que cuando dos personas se están conociendo y están emprendiendo un viaje amoroso».
La canción encaja de manera natural dentro del concepto del próximo álbum. Cada canción de este proyecto aborda una «patología emocional» distinta, contada a través de historias personales y metáforas médicas.
En este caso, ‘Manos vacías’ representa la inseguridad crónica, una especie de síndrome del impostor emocional que muchos sentimos cuando creemos que no somos suficientes para alguien que admiramos o que va mucho más rápido que nosotros.
Musicalmente, la canción aporta un color sonoro distinto: es más luminosa, más pop, contrastando con algunos temas más oscuros que tendrá el álbum.
La banda de punk rock colombiana Nadie, liderada por el cantante y guitarrista Julián Velásquez, regresa a Bogotá para celebrar 30 años de carrera el próximo sábado 23 de agosto en Boro Room (Calle 55 #13-51) en compañía de las agrupaciones capitalinas Triple X y Victimized.
«En esta gira 2025 celebramos los 30 años de la banda con un show de 30 temas que recorren toda la discografía desde ‘Nadie’ hasta ‘Monólogos de un perro con bozal’. Será la banda con su sonido crudo característico en formato power trío tocando sin parar y directo al hueso», cuenta Julián.
Para el concierto de Nadie en Bogotá las boletas tienen un costo en Preventa de $80.000 y el día del evento de $100.000. Compra tus entradas en puntos físicos en La Valija de Fuego y Oi Distro (Chapinero), Sin Fronteras Discos (Corferias) y Blasting Records (Centro).
La gira nacional de los 30 años de Nadie iniciará el 26 de julio en La Unión, Antioquia; el 2 de agosto en Andes, el 22 del mismo mes en Pereira, el 23 en Bogotá y para cerrar el mes el 30 en Medellín. Para septiembre, el grupo se presentará el 6 de septiembre en Chinchiná, el 13 en Rionegro, el 19 en Bucaramanga y el 20 en Cúcuta. El 12 de octubre la banda se presentará en Córdoba, el 18 en Cali, en Sogamoso el 16 y finalizará la gira el 22 de noviembre con el prelistening del nuevo disco en Medellín. La banda tendrá más fechas en diferentes ciudades del país que irán anunciando a través de sus redes sociales.
«Con esta gira nacional queremos mantener vigente la banda y continuar el camino de nuevo con firmeza y solidez, ya que los últimos 15 años han estado fragmentados por salidas de integrantes y asuntos personales de Julián, vocalista y guitarrista», agrega la agrupación.
Julián Velásquez se encuentra componiendo el nuevo álbum de Nadie titulado ‘Veneno’, el cual tendrá entre 10 y 12 canciones. Este disco llevará una temática general cargada de mensajes para un despertar muy necesario de la humanidad en una era de control total de la mente y del cuerpo.
«Estamos viviendo una guerra desde hace más de 150 años y esa guerra es contra la humanidad, por eso este disco es el llamado a los que ya están y a las nuevas generaciones para desobedecer todo lo que nos quiera controlar y creer en nosotros. Es una invitación a cuidarnos entre todos y hacernos el aguante para lo que viene que no será fácil y nos tocará pelearlo», enfatiza Julian.
«Queremos que muchas personas asistan a nuestros conciertos para que puedan disfrutar nuestra música, propuesta y mensaje, de paso verles las caras de satisfacción que tanto nos gusta ver cuando tocamos y nos escuchan lo cual es un regalo de la vida», concluye Nadie.
El concierto de Nadie en Bogotá es organizado por Lacopyrat Colectivo.
La cantante y compositora colombiana Ale G Queen regresa este 2025 llena de música que compartirá con el universo entero. La artista radicada en Italia ha publicado en los últimos meses colaboraciones musicales de gran importancia junto a artistas de la talla de Wilgenis Vergara, J8Man, Jhohan RM y el rapero italiano Eleven the King, entre ellos, el remix de su éxito ‘Narciso’.
‘Pa’ ti es bonito’ es el nuevo lanzamiento de Ale G Queen, una canción de amor incondicional para dedicarle a tu persona favorita. Es una canción especial que aborda una temática de amor puro y real, ideal para dedicarle a tu pareja o a esa persona que amas para que sepa que siempre estás ahí con ella a pesar de todas las adversidades.
«Me inspiré en las parejas que a veces discuten y arman problema por todo, es una invitación a darse cuenta de que hay que ser un equipo y deben apoyarse en las buenas y en las malas», cuenta Ale G Queen.
«Debemos siempre cultivar una relación a partir del amor y la amistad con nuestras parejas. No hay que hacerse drama. Debemos apoyarnos mutuamente con nuestros seres amados y estar listos para hacer un equipo y salir adelante juntos», agrega la cantante colombiana.
A nivel sonoro, ‘Pa’ ti es bonito’ es un merengue urbano que incorpora instrumentos como la conga, la tambora y el saxo para darle un sonido más universal al sencillo. Artísticamente, el tema está inspirado e influenciado por cantantes de la talla de Juan Luis Guerra y Manuel Turizo.
‘Pa’ ti es bonito’ de Ale G Queen es una declaración de intenciones en donde el amor prevalece. Es una invitación a tomar el camino de la felicidad.
«Quiero que con esta canción todo el mundo se preocupe más por amar que por pelear, que vivamos felices sin darle prioridad a los problemas y las preocupaciones. La vida es una sola y el amor es para siempre», enfatiza la artista.
‘Pa’ ti es bonito’ es el quinto lanzamiento de esta nueva etapa profesional de Ale G Queen. La artista prepara sus próximos lanzamientos ‘I was born to love’ y ‘Todo bien’, además del remix de su éxito ‘Menea’.
Humildad y sensibilidad son las principales características que Ale G transmite a través de sus canciones llenas de sentimiento y corazón, guiadas siempre por su productor musical y su entrenador vocal y compositor venezolano José Pepe Orta, conocido por trabajar con artistas de renombre como José Luis Rodríguez ‘El Puma’ y Nino Segarra.
‘El Remedio’ nace de la fase más sincera del álbum de DIMC titulado ‘Rompecorazones’: el reconocimiento del error que detonó una relación.
Inspirada en la vibra latina-funk del álbum «El Madrileño de C. Tangana», la canción tiene una mezcla sonora entre la bachata y el funk brasilero.
Este es el último anticipo del álbum y sirve de vehículo para narrar el shock emocional de ver al ser amado con alguien más. El tema central de la canción es la culpa: «maldito el día en que un hombre le falló y ese hombre fui yo», así como la terapia de choque que supone enfrentar las consecuencias de nuestros actos.
‘El Remedio’ es una canción escrita, producida, mezclada y masterizada por DIMC (Diego Segura). Cuenta con la participación de Pipe Piedras en las guitarras y en las voces de apoyo con Sofía Baena y Nairobi Milanés.
La canción actúa como un foco emocional: cierra el ciclo de los tres sencillos introspectivos y prepara el terreno para un álbum que explorará a profundidad la responsabilidad afectiva, el desamor y la reconstrucción personal.
«Lo más duro de ‘El Remedio’ es que cuando la escuchas ves a esa persona a los ojos y sabes que nunca te va a volver a mirar de la misma manera. A veces hay que asumir las consecuencias y seguir adelante», comenta DIMC.
‘Rompecorazones’ es un álbum que te hará recorrer cada uno de los círculos del infierno, reconociendo los pecados que nos llevan a la muerte del amor. Inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri, el artista bogotano nos lleva canción a canción por el Limbo, la lujuria, la gula, la avaricia, la ira, la herejía, la violencia, el fraude y la traición.
El artista Tomy HZ presenta un poderoso trío de canciones que reflejan su esencia musical y su compromiso con un hip hop auténtico, sin filtros ni artificios. Con Amor al Movimiento, A Veces y Mañana, el músico nos invita a recorrer distintos paisajes sonoros donde se mezclan el funk, el reggae, el boombap clásico y letras llenas de sentido.
Amor al Movimiento destaca por su beat melódico con tintes espaciales y veraniegos, sobre el cual se despliega un flow versátil entre versos bien rapeados y coros cantados. La letra transmite esperanza y confianza en medio de la incertidumbre, convirtiéndose en un himno vitalista.
Por su parte, Mañana fusiona el reggae dub con el rap, en una propuesta que el propio artista define como “ragamuffin latino”. Una voz grave y carraspeada conduce el tema con lirismo rasta, acompañada por tramos de rap más acelerados que se deslizan con soltura sobre un beat elegante y estilizado.
Finalmente, A Veces es una pieza de rap clásico con beat de boombap, piano envolvente y una atmósfera de crítica social. El tema abre con un discurso del expresidente uruguayo Pepe Mujica, que sienta las bases para una letra introspectiva, directa y semi agresiva, en la que Tomy HZ reflexiona sobre las dinámicas sociales que atraviesan nuestras vidas.
“Cero inteligencia artificial. Es música hip hop orgánica”, afirma el artista, dejando en claro que cada palabra, cada beat y cada matiz provienen de la experiencia y la intención humana. Tomy HZ continúa consolidando su propuesta con una mezcla honesta y bien ejecutada de estilos, mensajes y emociones.
La banda Nordstahl irrumpe con fuerza en la escena musical con una serie de canciones que entrelazan la mitología nórdica y una estética sonora potente, oscura y envolvente. Los temas Lokis Lügen, Mjölnir, Bifröst brennt y Ragnarök in Berlin forman parte de este universo musical que canaliza antiguos relatos de dioses, engaños, batallas y finales apocalípticos.
En particular, Lokis Lügen se presenta como una pieza clave del proyecto: una canción que explora la dualidad entre la verdad y la mentira desde la mirada de Loki, el dios del engaño y la travesura. A través de un relato oscuro y seductor, Nordstahl invita a reflexionar sobre los límites entre lo real y lo ilusorio, encarnando el caos, el carisma y el poder de la perspectiva.
Con una narrativa cargada de simbolismo y referencias mitológicas, este lanzamiento posiciona a Nordstahl como una propuesta innovadora que no solo honra la tradición nórdica, sino que también la reinterpreta con una intensidad sonora contemporánea.
El primer semestre de 2025 ha sido el más importante para la banda colombiana de indie rock alternativo Una Noche en Bogotá desde su fundación. En materia de lanzamientos, el grupo fundado en 2022 por Gio Calderón (voz principal y guitarra rítmica), Carlos Polo (bajo), Darío Fernández (guitarra líder) y Nicolás Villamizar (batería y secuencias) ha lanzado tres sencillos de su álbum: ‘Despedida’, ‘Resolución’ y ‘Tiempo’ que, hasta el momento, han sido las canciones con mejor acogida en sus seguidores y nuevos oyentes, logrando desarrollar videoclips de gran calidad para estos sencillos; demostrando el gran compromiso que sus integrantes tienen con el proyecto.
En cuanto a presentaciones, la banda bogotana sigue nutriéndose de los shows en vivo, al punto de compartir tarima con artistas de la talla de V For Volume y Boca de Serpiente, además logrando ser el acto de apertura de la banda islandesa Kaleo en la capital colombiana en el Teatro Astor Plaza, siendo esta la presentación más importante en la carrera del grupo a la fecha.
Hoy Una Noche en Bogotá presenta nueva música para sus seguidores en Colombia y América Latina, se trata de su cuarto sencillo ‘Hacia mí’, una canción escrita por Darío, el guitarrista de la banda, que habla de una relación rota en la cual el protagonista dio todas sus fuerzas y amor por el otro, pero no fue correspondido. Ahora en el presente y en una etapa de duelo, la otra persona vuelve para tratar de reparar el daño, sin embargo, ya es muy tarde para hacerlo.
«Es una carta a esa persona que se fue diciéndole que su tiempo ya pasó y que no hay nada que pueda hacer para volver a empezar. La canción aborda una temática muy común en la actualidad, con la que muchas personas pueden sentirse identificadas. Todos hemos tenido una persona que nos rompió el corazón y después de un tiempo vuelve a pedir perdón cuando ya es muy tarde. Es una canción de un corazón roto que ya sanó y que no necesita al otro para seguir adelante. Es el típico (yo te di todo, no lo apreciaste y ahora eres tú la que viene hacia mi)», comenta la banda.
‘Hacia mí’ hace parte de la constante evolución de Una Noche en Bogotá, la banda explora sonidos de shoegaze, dreampop y postpunk, tomando como referentes a bandas como The Cure, Joy Division, Drab Majesty y New Order.
«Exploramos nuevos sonidos sobre todo en el bajo usando efectos como Chorus y Tremolo para darle un aspecto similar al de un sintetizador, usando guitarras atmosféricas e incluimos arreglos en cuerdas y sintetizadores compuestos por un gran amigo de la banda (Juan Matheus), siendo esta la primera vez que alguien externo a la banda pone su granito de arena en la composición», agregan.
El videoclip de ‘Hacia mí’ se hizo bajo el concepto en el que una mujer de edad que se siente miserable con su vida, encerrada en su casa lejos de ser feliz o sentirse apreciada hasta que se da cuenta que no necesita a su pareja para ser feliz y decide tomar las riendas del asunto. Al final, se llena de confianza, haciendo todo lo que siempre quiso, pero de una manera grotesca, fea y que incomoda al que está viendo el video.
Según UNB, «fue un reto encontrar una actriz adecuada para el video, necesitábamos a una mujer que pudiera aparentar edad, pero también vitalidad y energía para mostrar el contraste entre las dos facetas de nuestro personaje; la triste y amargada con la eufórica y vital. El segundo reto fue encontrar una locación, ya que queríamos una casa con decoración vintage y decidimos hacerlo en la casa de los papás de Darío. Para este video nos inspiramos mucho en la película de ‘Requiem For a Dream’, en el personaje interpretado por Ellen Burstyn donde hace el papel de la mamá del protagonista quien sufre un deterioro mental posterior a la muerte de su esposo. Nos encantó la estética y el detalle escenográfico y quisimos lograr algo parecido».
La portada del sencillo fue diseñada por Fabián Parrado y muestra los cambios de la Luna Roja, dándole la identidad visual de la banda, sobre todo en los shows en vivo.
Con ‘Hacia mí, cuarto sencillo de la banda colombiana, Una Noche en Bogotá anuncia el nombre de su disco debut: ‘Usaquén’. En los próximos meses la banda publicará dos sencillos más antes de lanzar de forma oficial el álbum el próximo 6 de septiembre en Ace of Spades en Bogotá.
Escucha ‘Hacia mí’ de Una noche en Bogotá en tu plataforma musical favoritahttps://ditto.fm/hacia-mi
Desde el corazón de Nueva York y con más de tres décadas marcando la historia del hip hop, la agrupación ONYX llega a Bogotá y Medellín.
Colombia vivirá un espectáculo cargado de furia, nostalgia y autenticidad. Con su estilo crudo y enérgico, Fredro Starr y Sticky Fingaz prometen una noche intensa, llena de clásicos inolvidables como ‘Slam’, ‘Last Dayz’, ‘Shiftee’ y más. Será un viaje directo a los años dorados del hip hop, donde el beat golpea el pecho y la lírica habla desde las entrañas.
La cita en Bogotá será el 19 de septiembre en el icónico Teatro Royal Center y en Medellín el 20 de septiembre en el Sky Center. Las boletas están disponibles para las localidades General, VIP y Palcos en www.ticketshows.co
Bogotá – Septiembre 19 de 2025
La noche se encenderá con la presencia de tres potencias del rap colombiano: Representando la crudeza de la vida con inteligencia y flow, llega el poeta callejero de voz grave y lírica aguda Granuja. Se suma la agrupación Yawar Cru con sus voces que emergen de lo profundo de los Andes, mezclando resistencia, identidad y beats contundentes.
El cartel se cierra con Hard Crew cargado de fuego puro en el micrófono, energía que conecta con el barrio y hace vibrar el alma. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.
Dos representantes clave del movimiento en habla hispana se suman a la agrupación neoyorquina. En el marco de su gira mundial, Penyaír presentará su nuevo disco titulado ‘Filantropía’, una propuesta lírica intensa y reflexiva. La carismática Gabylonia, conocida por su presencia escénica y rimas directas, también será parte de esta celebración del rap sin filtros ni concesiones. Las puertas del evento se abrirán a las 7:00 pm.
La banda barranquillera Back 2 School (B2S) regresa con más fuerza que nunca para presentar su nuevo EP “Apunta y Dispara”, una producción que mezcla la energía del pop punk, la melancolía del emo y la nostalgia de los 2000’s, con letras viscerales que hablan de amores rotos, emociones ocultas y puntos de quiebre.
“Apunta y Dispara” es el segundo sencillo del EP homónimo y retrata, con una intensidad brutal, el momento en el que todo se termina: cuando bajamos la guardia y la otra persona no duda en herirnos. Con un videoclip cinematográfico y una estética elegante pero caótica, B2S logra capturar esa catarsis emocional que muchos han sentido, pero pocos se atreven a decir en voz alta.
🎸 Un sonido que evoluciona
Desde su formación en 2012, Back 2 School ha construido una carrera sólida que los posiciona como una de las propuestas emergentes más auténticas del rock alternativo en español. Tras el EP “No Hay Tiempo Que Perder” (2018), el álbum KARMA (2022) y sencillos como “Sábado Sin Domingo”, la banda ha explorado nuevas sonoridades que consolidan su identidad: cruda, emotiva y sin filtros.
“Con este EP nos atrevimos a experimentar más que nunca, tanto musical como visualmente. Queremos que la gente se escuche en nuestras canciones, que digan ‘esto también me pasó a mí’”, afirma la vocalista y compositora Dayana Rico.
🔥 Lo que viene para B2S
El lanzamiento de “Apunta y Dispara” marca el inicio de una etapa más intensa y emocional para la banda. Próximamente, presentarán nuevos sencillos del EP y seguirán explorando colaboraciones con artistas de la escena alternativa.
“Este EP es solo el comienzo. Queremos que cada canción sea un puente para conectar con quienes nos han acompañado desde el inicio y con los que recién nos descubren”, comenta la banda.
Catalina Uscátegui es una cantante, arreglista vocal y compositora nacida en la ciudad de Bogotá, Colombia. La música ha sido parte de su vida desde temprana edad, habiendo crecido en una familia de músicos aprendió a cantar desde los 3 años y su voz ha sido siempre su instrumento favorito. También aprendió a tocar el piano, la guitarra y, posteriormente, el violín. El proyecto nace a partir de buscar libertad para ser. Es una mirada hacia el interior, aprendiendo a reconocer, expresar y aceptar lo que se encontró allí. Todo esto expresado por medio de canciones, de armonías vocales y letras que buscan contarlo todo con mucha autenticidad.
La intención de su propuesta musical se basa en buscar la libertad para ser, en su caso desde la emocionalidad pues Catalina Uscátegui es una persona sensible y expresa sus emociones sin juzgarlas, sin miedo y solo dejándolas ser. Por eso su nombre de artista es el mismo que su nombre de pila. Catalina no busca un alter ego, busca poder ser como es.
«A través de mis canciones quiero enviar mensajes en donde se refleja que está bien sentir muy fuerte las emociones, pues todos tenemos nuestra forma de habitar este mundo, a veces hay contradicciones, a veces sentimos ira, a veces tristeza y a veces felicidad, pero lo que todos merecemos es sentirlas con libertad para no envenenarnos tratando de reprimirlas», cuenta la artista con influencias de Coldplay, Lianne La Havas, Billie Eilish, Sam Smith y Daft Punk.
‘Constelaciones’ es el EP debut de Catalina Uscátegui, es una analogía de lo que es una persona en su totalidad, como el cielo, no es solo cada constelación por separado, son todos los fragmentos unidos los que nos dejar ver lo que es en realidad. Cada canción representa una de sus emociones (una constelación), por eso cada una lleva un nombre en latín al lado del título.
La inspiración de ‘Constelaciones’ vino del amor de la cantante por la fantasía y la mitología. En muchas historias las estrellas y constelaciones juegan un papel importante ya sea para representar la profundidad del mundo o el misticismo. En el EP Catalina habla con libertad de sus emociones y de lo que es, buscando crear una sensación mágica y que cuando escuchen su música las personas entrarán en su universo.
«Si escuchan solo una canción conoces solo una parte de mí, pero al ponerlas juntas en el EP pueden escucharme como un todo. Es un viaje emocional a mi interior y a lo que soy, aceptando lo que siento y reconociendo mis constelaciones», agrega la artista colombiana.
A nivel sonoro, el EP tiene mucho uso de pads vocales, armonías complejas y efectos vocales más allá de los coros y la voz principal. También hay una exploración dentro del género Synth Pop, sonidos electrónicos, sintetizadores, pero mezclados con instrumentos reales como guitarras acústicas, percusión menor y batería. La cualidad que la cantante buscaba era representar ese espacio en el que habitan las constelaciones, una sensación etérea, pero al mismo tiempo profunda.
‘Constelaciones’ de Catalina Uscátegui le canta a la esperanza y a encontrar la luz propia en medio de la oscuridad en ‘Stars (Spes)’, le habla a la sensación de sentirse abrumado y sin rumbo con el síndrome de burnout en ‘Espiral (Oppressus)’, invita a abrazar lo que es y a soltar lo que le hace pesada el alma en ‘Soltar (Gravis)’ y le habla al deseo y a la libertad por una conexión profunda que vas más allá de las palabras en ‘Hasta el cielo (secretum)’.
Este lanzamiento de Catalina Uscátegui incluye el estreno del sencillo en video ‘Hasta el Cielo (secretum)’, una canción que marcó un nuevo rumbo en su música y también en su vida, pues fue el momento en que decidió no tenerle miedo a expresarse libremente. Habla de querer encontrar una conexión emocional profunda y real que vaya más allá de las palabras.
«Es un sencillo muy íntimo y eso quise reflejarlo en mi forma de cantar, un poco suave, airosa como si estuviera contando un secreto. Busqué generar contraste en el coro al cambiar el color y aumentar el volumen para ilustrar esa sensación de libertad. En el video todo es grabado en vivo, incluido el loop del puente, con el fin de representar esa intimidad y autenticidad que tanto busco», agrega.
‘Constelaciones’ es un EP ideal para escuchar en medio de un viaje ya que habla sobre esa travesía emocional de conocernos que en muchos aspectos sucede cuando viajamos a nuevos lugares. También puede ser escuchado cuando queramos buscar una conexión con nosotros, momentos de introspección en los que busquemos poder sentir lo que venga con libertad.
«Quiero continuar dándome a conocer como artista, sin perder mi estilo e identidad. Espero que por medio de mi propuesta honesta y haciendo la música que me gusta pueda conectar con quien me escucha, que encuentren en mis canciones compañía, consuelo y les de la motivación suficiente para sentir sus emociones», enfatiza Catalina Uscátegui.
El diseño de la portada se basa en la estética de los mapas estelares ya que el EP es como un mapa estelar de la cantante. Se usaron colores como el azul oscuro para dar esa sensación del cielo cuando está anocheciendo sobre todo en el fondo, el amarillo cálido para representar la luz de las estrellas y sobre su piel están pintadas figuras que evocan esos mapas estelares con azules, dorado y blanco para ilustrar que las constelaciones de las que habla están en Catalina. El foco de la portada es la artista colombiana, pues es ella quien está contando su historia.
Actualmente, Catalina Uscátegui busca participar en conciertos junto a artistas emergentes, pero este proceso se encuentra en etapa de planeación. Para el segundo semestre del año, la artista lanzará una versión extendida de una de las canciones del EP, además, de un sencillo nuevo. Finalmente, la cantante prepara las versiones de un concierto en vivo en donde presentó el EP para tener contenido para sus seguidores en las redes sociales.
«Yo escribo mi música desde mi experiencia, desde mis emociones y lo que soy, busco ser auténtica y honesta y creo que hay muchas personas en el mundo buscando que lo que escuchen tenga ese componente humano con historias y emociones reales. Al mismo tiempo si están buscando un sonido pop más similar al pop anglo, pero que sea más cercano (en este caso por el idioma), estoy segura de que les va a encantar mi estilo y mis letras», concluye Catalina Uscátegui.
Andy Rosano es un músico independiente proveniente de Montevideo, Uruguay que le encanta el rock, el punk rock, el hard rock y los derivados de la rama del rock y metal. A través de sus canciones, Andy busca el desahogo emocional, emotivo, el odio, el amor, la crítica social y la comedia.
Sus influencias musicales son System of a Down, Marilyn Manson, KISS, Criss Angel, Guns and Roses y Ramones. Es una especie de sopa espesa cargada con de todo un poco y una pizca de filosofía de parte de Aristóteles, Platón, experiencias, placeres de vida y situaciones de la vida cotidiana.
«Mi propuesta se basa en expresarme principalmente, desarrollar personajes ficticios en gran parte de mis canciones, anécdotas, historias y representar las situaciones de la vida cotidiana. Al mismo tiempo, me gusta plasmar ideas con doble sentido, parodiar y darles giros tragicómicos», comenta el artista. «En mi primer disco, ‘Emocionalmente Inestable’, plasmé la filosofía de Nietzsche del ‘Superhombre ‘, siendo así mi primer disco de rock metal filosófico y esperen a ver el segundo el cual está en producción y se concentrará en lo bueno de lo malo y en lo malo de lo bueno. Será cómo ver ambas caras de frente y verlo de una manera más enajenada y contundente», agrega.
‘Lección de vida’ es el primer sencillo del nuevo disco de Andy Rosano, una canción que nació en una conversación entre el artista y su pareja cuando hablaban que la vida tiene múltiples caminos y experiencias y está en cada uno tomarlas o dejarlas. Metafóricamente hablando, el sencillo transmite mensajes de lo que es la vida, dispuesta a darte enseñanzas a partir de errores y te deja lecciones para no seguir cometiéndolos.
«La letra nació de un mensaje de WhatsApp que escribí para ella a modo de reflexión de lo que es la vida en sí. En un momento nos empezamos a reír porque sonó muy profundo, pero esa misma noche se me ocurrió agarrar la guitarra e improvisar acordes y salió todo en una hora muy natural y orgánico», menciona Andy Rosano.
‘Lección de vida’ explora sonoridades distorsionadas y acordes poderosos. Es la primera canción punk rock de su proyecto y será incluida en su segunda producción musical. Es una canción idónea para subir el ánimo y moverte.
El segundo disco de estudio de Andy Rosano cuenta con el apoyo del productor musical SantyDark Jett y en el arte para las portadas de los singles como del disco del artista Nahuel Revello, también conocido como Horrorshow en Uruguay.
«Con este lanzamiento y los que vienen en los próximos meses quiero desahogarme y generar emociones en la gente, que hablen y se muevan, que reaccionen con la propuesta. Busco que las personas se sientan, de cierto modo, identificadas; algo así como «Conozco a alguien así con esa descripción» o «Conozco a alguien así también»», puntualiza el músico uruguayo.
Para este 2025, Andy Rosano espera tener listas todas las canciones del nuevo disco que será distribuido en su totalidad en más de treinta plataformas de música en todo el mundo.
«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Andy Rosano en Colombia y Latinoamérica porque mi propuesta es fresca e innovadora, es un proyecto que te dejará emocionalmente inestable y te hará experimentar una maravillosa pesadilla», concluye.
