[Novedad] Un duelo emocional que apela a la necesidad urgente de sanar, así es ‘Hasta el final’ de Ariel Tobo

Ariel Tobo es un artista colombiano de la ciudad de Bucaramanga que cree profundamente en el poder de la música para transformar, para sanar y para acompañar los procesos humanos. Como persona, es un observador del mundo, un educador que trabaja con niños y jóvenes desde la sensibilidad artística. Como artista, es el resultado de muchos caminos: del jazz que estudió en la UNAB, de los boleros y la salsa que cantó en tarima, y del rock y el blues que descubrió en la universidad gracias a sus compañeros de guitarra y a los profesores que le abrieron los oídos y el corazón a nuevas sonoridades. Ese cruce de géneros lo definen como un artista que le gusta caminar entre lo clásico y lo contemporáneo, y entre lo técnico y lo visceral.

«A través de mis canciones quiero decir que el amor, el dolor, la nostalgia, la esperanza y la transformación son experiencias universales. Que no hay que tener miedo de sentir ni de decir lo que nos pasa por dentro. Mis canciones invitan a mirar hacia adentro, a abrazar lo vivido y a seguir adelante con el alma un poco más ligera», cuenta el músico colombiano.

‘Hasta el final’ es lo nuevo de Ariel Tobo, es una conversación interna. Es un diálogo entre dos voces que habitan dentro de un personaje: una que no quiere soltar, que sigue aferrada al recuerdo de alguien que ya tomó otro rumbo, y otra que grita por dentro, que pide soltar, que suplica volver a la vida, disfrutar el presente, reconocer que hay cosas más importantes que por el dolor han quedado invisibles. La canción aborda el duelo emocional, el apego, la lucha interna y la necesidad urgente de sanar, dentro de todo eso es también un mensaje de lucha interna constante.

‘Hasta el final’, grabada por Ariel Tobo (voz y guitarras), Jorge Ortiz (piano y sintetizadores), Hernán Lezama (bajo) Leonardo Parra (batería), es una exploración del blues rock contemporáneo, con una base sólida de batería y bajo, guitarras que dibujan melodías con sentimiento, un solo que canta desde el alma y texturas sutiles de sintetizadores que aportan profundidad emocional. La voz está al frente, con intención, sin artificios.

«‘Hasta el final’ nació de un momento de crisis personal. De estar frente al espejo emocional, reconociendo que por más que uno quiera algo, a veces hay que dejar ir. Va dirigida a todos los que han tenido una lucha interna entre quedarse o soltar. A los que se sienten partidos por dentro, pero que saben que tienen que elegir volver a vivir», enfatiza Ariel Tobo.

«Más que números, quiero generar conexión. Espero que esta canción llegue a personas que necesiten escucharla justo en el momento en que se están preguntando si seguir aferrados o dejar ir. Es un paso más en el proceso de consolidar un proyecto que cree en la música como espejo emocional», menciona el músico. «Espero tocar fibras. Que alguien diga: «esta canción soy yo ahora mismo». Quiero que mi música acompañe procesos reales. También espero que este lanzamiento me permita seguir abriéndome camino en la escena musical independiente de Colombia y Latinoamérica», agrega.

‘Hasta el final’, producida por Ariel Tobo y Juan J. Ortiz (mezcla y master), y grabada en Juan J. Ortiz Estudio, es una canción ideal para las noches silenciosas, los regresos a casa, los momentos en que se necesite entender lo que se siente. También para cuando se toma un café pensando en lo que fue, o cuando se está en carretera y el alma va manejando.

‘Hasta el final’ hace parte del disco debut de Ariel Tobo titulado ‘Jet Lag’ que se lanzará en septiembre de 2025. El álbum es un viaje emocional: habla de lo que queda después de amar, del desarraigo, de la búsqueda de sentido, del insomnio emocional y de los reencuentros consigo mismo. Incluirá 10 canciones, entre ellas ‘El Viaje’, ‘Hasta el final’ y ‘Tu Silencio’, que saldrá en julio. Cada tema es una estación de este viaje, una conversación íntima en medio del ruido.

La portada de ‘Hasta el final’ muestra a Ariel Tobo caminando solo, guitarra al hombro, como quien va dejando atrás una historia que dolió. Es un retrato sencillo pero poderoso: ese momento en que uno decide soltar, aunque cueste, y seguir adelante. La hicimos con Casa Liminal y fue tomada por Julián León, cuidando cada detalle para que se sintiera honesta. La luz, el camino, el silencio del entorno… todo habla de un diálogo interno, de esa voz que te dice: «vuelve a la vida».

En julio, Ariel Tobo lanza ‘Tu Silencio’, una canción muy honesta. Aunque la letra es emocional y habla desde lo más profundo, el sonido es fuerte, con una base rockera que le da carácter. No es una balada suave, es una canción que dice las cosas de frente, con energía. Es como cuando uno se cansa de callar y por fin lo dice todo. Luego, en septiembre, llega el álbum completo ‘Jet Lag’, con 10 canciones que hablan de momentos de confusión, decisiones difíciles y cambios personales. Para cerrar el año, Ariel planea una serie de conciertos pequeños y cercanos y un mini documental del proceso creativo.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme y descubrirme en Colombia y Latinoamérica porque lo que hago viene desde un lugar genuino. Porque mi música no es una fórmula: es una carta abierta, una confesión con acordes. Porque represento a muchos artistas que creen en el arte como lenguaje humano, no solo como industria. Y porque en medio de tanto ruido, creo que es valioso escuchar algo que viene desde el alma y va directo al corazón», concluye.

La Reforma estrena ‘El Power’, una canción de resistencia, tradición, identidad y revolución

La Reforma es una banda colombiana que nació hace 13 años con una visión clara: fusionar de manera innovadora el folclor colombiano con nuevos ritmos y lenguajes sonoros. Surgió como una necesidad artística y cultural, no solo musical, de crear un puente entre lo tradicional y lo contemporáneo. El proyecto está integrado por Christian Lacouture (voz principal), Sergio Lacouture (guitarra eléctrica), Daniel Reyes (bajo), Jhonatan Lacouture (batería), Jesús Sierra (percusión) y Fabián Dada (piano y sintetizadores), músicos que, más allá del virtuosismo, entienden que la música tiene el poder de mover una generación entera.

La Reforma tiene una propuesta tanto social como folclórica. Su música busca conectar al oyente con sus raíces, recordándole que la identidad cultural no es algo del pasado, sino un poder vivo que puede transformar realidades. No es solo entretenimiento, es expresión, memoria y resistencia. La Reforma eleva la voz del pueblo con sonidos que despiertan orgullo, conciencia y ritmo. La Reforma es herencia y evolución. Es un proyecto que mezcla raíz y revolución con una identidad propia.

«Con nuestras canciones no venimos a predicar, venimos a incomodar, inspirar y despertar. Hablan de identidad, fe, resistencia y propósito. Hablan del dolor que se transforma en arte, del barrio que se convierte en escenario, del pueblo que se vuelve un movimiento. Cada canción tiene el corazón de una historia real: la del que lucha, del que cree, del que no se rinde. No buscan que los entiendan todos, buscan que los sientan con fuerza porque lo suyo no es adornar el mundo, es confrontarlo con belleza», cuenta la agrupación que suena a cumbia tradicional, tambor de callejón, vallenato de parranda y rebelión costeña con influencias directas de Carlos Vives, Totó la Momposina, Joe Arroyo, Lucho Bermúdez, y la potencia moderna de Rescate y Calle 13.

La Reforma estrena ‘El Power’,una canción que no nació para ser un hit sino para ser un estandarte. Habla del poder interior que se despierta cuando decides no adaptarte a lo superficial. Toca temas como la autenticidad, la resistencia espiritual, la conexión con la tierra y el fuego interno que todos llevamos. No es una canción motivacional, es una bomba sonora con mensaje de fondo. Es para los que siguen de pie, aunque la vida les haya querido tumbar.

En ‘El Power’ se siente la cumbia tradicional colombiana en su forma más pura, con un acordeón que suena como si hablara por el Caribe entero. Esa base se fusiona con un ritmo irrepetible, una cadencia que solo La Reforma sabe hacer: una mezcla de guitarras eléctricas, tambores criollos y efectos contemporáneos que no rompen la tradición, sino que la empoderan. Es una obra de arte musical que suena a calle, a tradición y a revolución.

El video de ‘El Power’ es una explosión visual entre lo urbano y lo ancestral. Fue grabado entre Bogotá y locaciones emblemáticas de Cartagena como sus ruinas y su muralla colonial, en una apuesta por mostrar el contraste entre lo moderno y lo histórico. En la narrativa visual, la banda aparece como símbolo de resistencia, con imágenes que evocan lucha, identidad y calle. Al final, todos aparecen con máscaras de luchador, dejando claro que todos somos guerreros en la vida cotidiana. El director fue David Jassir de Parábola Films, quien logró capturar el mensaje con una estética poderosa y cinematográfica.

«Las expectativas que tenemos con ‘El Power’ son altas y estratégicas. Comercialmente, queremos posicionar a La Reforma como una banda pionera en una nueva ola de música latinoamericana con raíz y propuesta. No buscamos pegar un sencillo, buscamos construir una marca cultural. A nivel social, queremos que la canción despierte orgullo en lo local, inspirar a artistas emergentes y mover conciencias. Queremos que este sencillo se convierta en himno de quienes tienen algo que decir, pero no sabían cómo gritarlo. Es el inicio de un movimiento sonoro, visual y emocional», enfatiza.

‘El Power’ es el inicio de un movimiento. El proyecto completo incluirá varias canciones que explorarán temáticas sociales, espirituales y culturales con sonidos que van desde la cumbia hasta lo urbano experimental. Cada sencillo será un capítulo de una narrativa mayor. La Reforma prepara más lanzamientos, colaboraciones y piezas visuales que mantendrán vivo el concepto y expandirán el alcance del mensaje. No se trata de sacar música, se trata de construir un lenguaje nuevo.

«Es una canción perfecta para los días en los que necesitas levantarte con propósito, para cuando el mundo te quiera callar y tú decidas rugir. Es el track ideal para iniciar el día con actitud, para entrenar con convicción, para pensar en alto o simplemente recordar quién eres. Es música para cuando estás listo para dejar de sobrevivir… y empezar a vivir con poder», puntualiza la agrupación.

La portada del sencillo muestra un león con una bandera en alto, con una estética callejera y un grafiti latino. El león simboliza identidad, fuerza, resistencia. No es una imagen decorativa: es una declaración de guerra contra la apatía, el conformismo y el olvido cultural. El león no ruge por sonar fuerte, ruge para despertar. Es una invitación visual a sacar tu power, a no esconder tu fuego y a convertir tu voz en bandera.

Durante el 2025, La Reforma realizará una gira nacional con un show que no solo será música, sino una experiencia sensorial. La banda colombiana también prepara contenido con impacto y movimientos de comunidad. Cada escenario será una plataforma para algo más grande que un concierto: será una protesta artística, una celebración cultural y una provocación emocional.

«La Reforma representa lo que muchos sienten, pero no saben cómo expresar. En un continente que a veces olvida su poder, ellos lo recuerdan con cada verso, cada tambor y cada show. Son la voz de los que no caben en los moldes, de los que aman su cultura, pero no quieren vivir anclados al pasado. La Reforma no busca fans, busca aliados. Quien los escuche se une a un movimiento que no se vende, que no se rinde y que viene a encender una generación con el verdadero power», concluye la banda.

[Perú] Un disco que narra las etapas de una ruptura amorosa, así es ‘707 Metamorfosis’ de Santal

Santiago Alejandro López Arenas, más conocido como Santal, es un chico peruano de 17 años radicado actualmente en Argentina que desde los 12 años está inmerso en el mundo del Rap. Su carrera comenzó cuando iba a las plazas a batallar, acompañado de su padre. Santal se describe como un artista romántico y sentimental, ama escribir poesía y lo refleja en las letras de sus canciones las cuales tienen gran profundidad y emotividad. La intención de su propuesta musical es poder conectar con los jóvenes y personas en general mediante experiencias y sentimientos vividos. Santal exterioriza sus pensamientos y emociones y los convierte en canciones.

«Quiero retratar los procesos de toda persona, todos pasamos por momentos buenos y malos; y creo que tenerlos en canciones son una forma de preservar ese sentir, identificarlo, procesarlo y, posteriormente, aprender de él», cuenta el cantante con influencias del rap y el R&B, de artistas como Mac Miller, Mac Demarco e inclusive estéticas de artistas como Billie Eillish.

‘707 Metamorfosis’ es el disco debut de Santal, un trabajo conceptual que tiene una estética sombría, retratada tanto en los temas musicales, como en los visualizers. A lo largo del álbum se puede observar la vida de una persona sumergida en su propio mundo, viendo un breve concepto de su niñez. Los temas del disco tienen un enfoque hacia las mujeres de su vida, al inicio el amor de madre y al crecer la necesidad del afecto femenino, llevándolo a una serie de situaciones en los que sufre rupturas, intenta reconciliaciones, se obsesiona y se «transforma». Al final del viaje, la producción refleja un final feliz y realista.

«El disco está inspirado en momentos a lo largo de mi vida. Siempre fui una persona muy sentimental conmigo mismo incluso, y me gusta poder compartir esas experiencias con quienes podrían pasar algo parecido. Muchos de los temas fueron dedicados a chicas de las que me enamoré o situaciones mías muy profundas con las que siento que puedo conectar con el público», agrega Santal.

A lo largo del disco ‘707 Metamorfosis’ se perciben todo tipo de instrumentos y sensaciones, guitarras eléctricas que acompañan el álbum con un sonido único, dándole un ambiente especial a las percusiones y guitarras acústicas. Este trabajo también incorpora violines, viola, chelos, contrabajo, saxo y piano. El sonido de esta producción es una apuesta única del artista peruano, al ser su primer álbum quiso hacer algo fuera de lo normal, salir de lo midi y volver a lo vivo.

Según Santal, «es un disco en el que experimentamos mucho con el Rap y el R&B, dándole un toque único incorporando instrumentos de orquesta grabados en estudio. Quisimos hacerlo lo más orgánico posible y fue así como quedó, es como poner tu vida en un disco y dejar que fluya».

Del banano al bienestar: el impacto positivo de las productoras del Urabá colombiano

Desde la década de 1960, el Urabá antioqueño se ha consolidado como el principal epicentro de la producción bananera en Colombia, concentrando actualmente el 65 % de las exportaciones hacia mercados de Europa, Estados Unidos y Asia. Más allá de su relevancia económica, esta región se ha convertido en un ejemplo destacado de cómo la articulación entre el sector privado, las comunidades locales y las instituciones puede impulsar procesos de desarrollo regional sostenido e inclusivo.

En este proceso, empresas bananeras como Uniban, Banacol, y Banafrut han sido pieza clave en la construcción de un territorio más equitativo, productivo y sostenible para la comunidad.

A través de programas sociales, educativos, deportivos y culturales, estas empresas han demostrado que su compromiso trasciende la gestión productiva. Se han establecido como aliados constantes del talento local, apostando por la niñez, la juventud y las mujeres como pilares fundamentales de la transformación social. Este enfoque no solo fortalece el tejido social, sino que también fomenta un futuro más prometedor para las nuevas generaciones.

En el ámbito social, se destaca la labor de la Fundación Uniban en la promoción del desarrollo cultural en Urabá. Esta fundación lidera iniciativas que respaldan semilleros, grupos artísticos y talleres creativos, contribuyendo así a un enriquecimiento cultural que beneficia a toda la comunidad. Además, promueven la educación en los niños, niñas y jóvenes a través del instituto Uniban que cubre los niveles de preescolar hasta bachillerato, y su instituto técnico donde ofrecen educación para el trabajo y el desarrollo humano mediante la formación técnica laboral por competencias.

Por su lado, Banacol le apuesta al relevo generacional con la contratación de más de 900 jóvenes entre los 18 y 28 años, y a la inclusión de mujeres en el sector agrícola buscando duplicar su participación en sus operaciones. Además, desde su fundación trabaja en cuatro pilares estratégicos: formación para la vida; deporte social y competitivo; salud para el bienestar de las familias, y vivienda más allá de las paredes e infraestructura comunitaria, la cual ha beneficiado a más de 1,5 millones de personas.

Otro ejemplo es Banafrut, que por medio de su fundación Fundafrut, enfoca sus esfuerzos en el apoyo a instituciones educativas, facilidades de acceso de vivienda digna para sus empleados y familias y el apalancamiento de proyectos de infraestructura para contribuir a mejorar la calidad de vida de los habitantes de la región del Urabá.    

Cabe resaltar que los trabajadores bananeros tienen la remuneración más alta del sector agrícola del país. Cerca de dos salarios mínimos, más diez prestaciones extralegales y un contrato formal para todos sus colaboradores. Estas cifras se han logrado gracias a una concertación laboral entre los sindicatos y las empresas. Así, los trabajadores del sector bananero tienen un empleo digno.

La transformación de Urabá no es fruto del azar. Hoy se perfila como una región que apuesta por un desarrollo con identidad, donde la prosperidad se cultiva con responsabilidad, equidad y una visión a largo plazo.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Junio-25 – Vol 2

Simón presenta CAVE – USA

MINNA LAFORTUNE presenta Dance to the AfroBeat – Jamaica

Salatiel presenta Fine Pikin– Cameroun

249 presenta Remember Me (feat. 김인영) – Corea del Sur

Nicole Obarzanek presenta Toxic – Emiratos Arabes Unidos y Polonia

Mike Dem presenta Me Gustas Tu (from my new EP «ECHO OF THE EARTH») – Italia

charlie presenta Gira la Rueda – Argentina

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Junio-25 – Vol 1

LOS HERMANOS DEL ALMA presenta Todo Se Mezcla (Wichy de Vedado Remix)

Richard Savoie presenta Les feux de l’amour – Canada

Motsek presenta Mami Wata- Francia

TEAM A!MS presenta A!MS – Light & Love with Julian Marley & Antaeus feat. Hypertone – Reino Unido

Pk Project presenta My Love (First On Bass) – Alemania

Thread Voxel presenta Electric Hold On – USA

Chris Bello presenta Yayu – Argentina

Gan presenta Infinity – USA

Katya Burns presenta Best Man – Emiratos Arabes Unidos

Poppastep presenta Hard Day – USA

[Estreno] Una canción de desamor con sonidos R&B, así es ‘La condena’ de DIMC

El artista bogotano DIMC nos adentra en la historia de su próximo álbum con el lanzamiento de ‘La Condena’, una canción de desamor con un sonido que recuerda al R&B de principios de los años dos mil.

El sencillo acaba con las introducciones y va al nudo de su segunda producción discográfica ‘Rompecorazones’.

‘La Condena’ conecta profundamente con la sensación de pérdida, impotencia y frustración que todos experimentamos cuando hemos tenido el corazón roto a causa de un mal de amor.

El artista bogotano se inspiró en los videoclips que se hicieron populares en los 90’s y 2000’s. Esta es la primera canción escrita, producida y grabada en su totalidad por DIMC (Diego Segura).

«La intención era clara: supervisar cada fase de la producción de esta canción en pro de conservar la esencia del desengaño», comenta el artista.

La canción es un R&B con vibras ‘dosmileras’ que recuerda los ritmos de Hip-Hop y su estética, apelando a la nostalgia de esos años.

‘La Condena’ nos muestra el desengaño desde la perspectiva de un hombre en su forma más vulnerable: «Este tema es el reflejo de la premisa del ‘Rompecorazones’: detrás de cada canción del álbum, hay un corazón roto, esta vez es el mío», explica DIMC.

Tras este lanzamiento se espera el primer show en vivo de DIMC en Bogotá después de haber estado en tarimas como el Festival Estéreo Picnic y el BIME.

[Lanzamiento] Ese Zea presenta ‘Todos bailamos juntos’, una canción palpitante de post punk

Ese Zea es un proyecto colombiano nacido en la ciudad de Medellín de la mano del músico Santiago Zea Arrubla, originalmente como un proyecto unipersonal. Es una propuesta musical que explora diversos ambientes sonoros con la premisa de no coartar la creatividad del artista.

La intención de la propuesta de Ese Zea es convertir imágenes cotidianas en melodías y letras, transmitir a los oyentes emociones que conecten con sus historias personales, sublimar momentos que pueden ser comunes a muchas personas y enmarcarlos en una sonoridad especial; y crear imágenes en la cabeza del oyente en las que pueda proyectar sus propias vivencias, o fantasear.

«Con mis canciones quiero dejar un mensaje de que nos vamos a morir y es momento de hacer una pausa para ponerle atención a los pequeños momentos que nos brinda esta corta estancia. En este limitado tiempo que tenemos, deberíamos poder conectar con otros seres humanos, con nosotros mismos y con nuestros deseos; qué hacer con ellos ya es problema de cada quién, eso sí. Estamos en un mundo en el que constantemente, aunque estamos rodeados de gente, nos sentimos solos, y eso es muestra de que algo no está bien», cuenta el músico colombiano de la ciudad de Medellín con influencias de indie rock, shoegaze, post punk, bedroom pop e incluso el trap en proyectos como The Strokes, Molchat Doma, Tame Impala, Mac DeMarco, La Femme y Artemas.

‘Todos bailamos juntos’ de Ese Zea es una canción que habla de esa sensación, esa tensión placentera, la que algunos psicoanalistas relacionarían con la pulsión de muerte, y que además en la canción involucra a un otro; pero, por otro lado, también habla de esos instantes en el que aún en medio de algo que se disfruta, incluso en compañía de un otro, nos sentimos solos y vacíos.

‘Todos bailamos juntos’ tiene una sonoridad oscura y divertida. La guitarra utilizada en la grabación fue un Jackson King V con microfonía humbucker para darle potencia al sonido, se agregó distorsión a la guitarra rítmica y se utilizó un efecto de rotary en la melodía principal. El sonido de bajo es de un Warwick, haciendo más contundente la base de la canción, pero la percusión es de una caja de ritmos que utiliza sonidos de los 80’s, para darle un ambiente más post punk/darkwave y más bailable. Es una mezcla curiosa, porque suena muy denso, pero eso no impide que sea música que invita a mover el cuerpo.

«La temática de la canción y algunas de sus frases surgieron en medio de una conversación con una amiga cercana que disfruta, al igual que yo, de ambientes algo pesados para otras personas. Esa charla se dio mientras ambos pasábamos por una etapa emocionalmente complicada, y en ella estábamos describiendo escenas que veíamos en fiestas, sensaciones y experiencias que habíamos tenido en algún momento, algunas recientes. Creo que todos tenemos momentos de desenfreno, y aunque haya maneras más saludables de gestionar las emociones, a veces intentamos gestionarlas «disfrutando» de formas que podrían ser peligrosas o dañinas

El video de ‘Todos bailamos juntos’ es muy genuino. La base del visualizer nació antes que la canción, pues en algún momento alguien le envió al músico un video que podría interpretarse como erótico, pero que genuinamente le pareció muy artístico.

«Le pregunté a ella si podía conservar ese video para utilizarlo alguna vez en una canción y ella aceptó. Cuando terminé el proceso de composición de ‘Todos bailamos juntos’ ya sabía cuál iba a ser el visualizer. En el clip se puede observar la sombra de una mujer bailando lentamente en una habitación con luces bajas. Al trabajo se le agregaron efectos visuales de forma que complementara la música, además, de la letra de la canción», enfatiza Santiago.

Es una canción para escuchar en una fiesta, definitivamente; pero también, puede ser una canción para bailar solo en el cuarto y liberar tensiones. Si alguien se está sintiendo solo en algún momento difícil de su vida y la escucha, sentirá que alguien le entiende y ha pasado por lo mismo.

«Con ‘Todos bailamos juntos’ espero llegar a nuevo público, que la gente que escuche la canción la disfrute. No es una canción apta para todo público, pero sí veo que hay público en Colombia y Latinoamérica para estos géneros, y no tantas bandas los están explorando», menciona el artista.

En la portada del sencillo se observa la sombra de una mujer desnuda en un cuarto, centrando en su cabeza un bombillo para simbolizar que es un ser pensante. Es una mujer sensual, pero su cuerpo no es lo único atractivo que tiene por aportar, sino que su cabeza también es atrayente.

Ese Zea tiene pensado para lo que resta de 2025 publicar, por lo menos dos sencillos más. Respecto a shows, el proyecto tiene un par de negociaciones con algunos teatros en Medellín y está participando en convocatorias para festivales.

«Ese Zea es como esa persona que mira feo a todo el mundo, pero te acercas a hablarle y resulta ser super chévere y amable. Anhelo que sea un proyecto en el que esas personas que se sienten en un lugar extraño, o como que no pertenecieran o encajaran, se puedan reflejar, que podamos crear comunidad y empatizar entre nosotros. Además, es un proyecto que siempre intenta transmitir algo, hacer sentir, y no se encasilla en un tema, sino que puede transmitir amor, rabia, desazón, tristeza o tranquilidad», concluye el músico colombiano.

Sonidos Especiales de Mayo Vol. 37

Aloe Blacc presenta «Immortal» by Aloe Blacc and 2ŁØT – USA

TETHA presenta scary monsters and nice sprites (Skrillex Cover) – Francia

Eyjobeatz presenta Special – USA

Signal in the Static Presenta Signal in the Static (Bonus) – Alemania

Signal in the Static presenta Frequency Drift – Alemania

Holly Holden presenta Amor Incondicional – Reino Unido

Nemica presenta Fearless (feat. Obb4) – Filandia

Esenese presenta Me fui– Venezuela

Cam Be presenta Love is on the Way – USA

Hanna Andréa y Nuud presenta Starlight (NUUD Version)

Trío de rock australiano Hello Enemy lanza su nuevo álbum «That Goes On There»

Crudo, visceral y sin pedir disculpas, Hello Enemy lanza su esperado álbum debut, That Goes On There, ofreciendo una dosis feroz de revival grunge con un enfoque moderno. Lleno de himnos cargados de ganchos, riffs ardientes y letras emocionalmente intensas, el álbum es un reflejo de la vida vivida en los márgenes: desordenada, ruidosa y sin filtros.

El primer sencillo del álbum, “A Lot Like You”, lanzado el 6 de mayo, marca el tono. Un golpe directo al estómago con riffs de guitarra masivos, voces crudas e implacables, y letras que no se contienen, la canción se sumerge de lleno en temas de identidad, presión social y la escalofriante revelación de que, a veces, el enemigo se parece demasiado a tu propio reflejo.

Con 15 sencillos independientes ya lanzados, una gira autofinanciada y rotación en Rock Rage Radio (EE.UU.), Hello Enemy no está esperando permiso — están rompiendo las paredes del underground con una intención abrasadora. La banda mezcla el espíritu sucio y auténtico del grunge de los 90 con la urgencia del presente, inspirándose en leyendas como Alice in Chains, Soundgarden y Nirvana, pero forjando un sonido que es inconfundiblemente suyo.

Prepárate para baterías atronadoras, guitarras crujientes, voces desgarradoras y un núcleo lírico que se niega a esquivar la verdad. That Goes On There no es solo un álbum — es un grito de guerra para todos aquellos que alguna vez se sintieron invisibles, ignorados o rotos.

Domino Saints lanza “Aura”, un poderoso himno en español de empoderamiento y luz interior

El dúo global Domino Saints presenta su nuevo sencillo “Aura”, una vibrante declaración musical que celebra la fuerza interior, la motivación y la autenticidad. Este lanzamiento forma parte de la iniciativa She Runs the Boards de Platoon, y destaca por ser el primer tema en español de este programa diseñado para impulsar y visibilizar a las mujeres en la música.

“Siempre es inspirador ver a mujeres unirse en el estudio, apoyarse mutuamente y crear música increíble. She Runs the Boards: Miami fue la primera edición latina que realizamos, y fue un gran éxito. El programa impulsa a las mujeres en la música a conectar, colaborar y desafiar el status quo—y este evento demostró lo poderoso que eso puede ser”, afirmó Guillermo Mordan, Head of Latin at Platoon.

“Aura” nació durante el campamento creativo She Runs the Boards en Miami, organizado por Platoon. Fue escrita por Giselle Ojeda, Elianette M. Marrero Torres, Ana Valeria Peñaranda Valda y Daymé Arocena Uribarri, y producida por Giselle Ojeda y Melissa Ángela Medina. La canción fusiona ritmos tropicales y electrónicos con una energía contagiosa y un mensaje claro: liberar el miedo, reconectar con nuestra esencia y dejar que brille nuestra luz interior.

“Cuando las chicas nos juntamos siempre salen temas de conversación muy interesantes porque nos sentimos cómodas en hablar sin censura, especialmente si hay sinergia entre todas, la cual hubo esos días del campamento de “She runs the board” en Criteria Studios en Miami. Nosotras 5 empezamos a hablar de nuestras experiencias en la música siendo mujer y como sentimos la necesidad de hablar de cosas diferentes. Demostrar que somos innovadoras en el arte. Sentíamos que había demasiada pesadez y negatividad en el mundo y en la música. Por eso queríamos traer un mensaje uplifting, escribir una canción que le diera energía positiva y ganas de seguir sus sueños al mundo. Una canción que fuera para todos sin importar de dónde vienes, tu estatus social, género o creencias. Una canción que puedes dedicar a tu pareja como a un hijo. A song that just spread the love

” – Gigi (Domino Saints).
Gigi, vocalista de Domino Saints, eligió lanzar esta canción bajo el nombre del dúo para destacar el apoyo y la unidad de su contraparte masculina, convirtiéndola en una expresión colectiva de fuerza, unión y propósito.

Hombre Solitario presenta su nuevo sencillo «Sólo Tú»

En un mundo donde la música es un reflejo del alma, «Hombre Solitario» nos presenta su nuevo sencillo «Sólo Tú», una canción de amor que brota del corazón y nos invita a reflexionar sobre las personas y cosas que nos hacen sentir vivos y felices.

«Sólo Tú» es una canción de amor que expresa gratitud hacia un ser que da alegría y logra sacar lo mejor del corazón de una persona. Puede ser una pareja, los padres e hijos, un animal o una creencia religiosa, lo importante es sentirse iluminado e inspirado por ese ser especial. 

Con «Sólo Tú», «Hombre Solitario» sigue demostrando su capacidad para crear música que conecta con las personas y les inspira a reflexionar sobre las cosas que aman. Con su pasión y dedicación, sigue siendo un artista versátil y apasionado que ofrece música de alta calidad con sentimientos.

«Hombre Solitario», seudónimo de Ricardo González, es un nombre que se ha convertido en sinónimo de creatividad y pasión en la escena musical chilena. Con una carrera musical diversa y prolífica, ha transitado por géneros como el rock, la electrónica y la música folclórica. Con proyectos como «Delonelyman», «Acuario Oscuro» y «Hombre Solitario», ha demostrado su capacidad para crear música que conecta con diferentes públicos y estilos.

Con una producción musical impecable y una voz que emociona, «Sólo Tú» es una canción que te hace sentir vivo y que invita a reflexionar sobre las cosas que realmente importan en la vida. La canción fue grabada en El Gran Pez Estudio, en Providencia, bajo la producción musical de Claudio Quiñones, y masterizada por Chalo González, lo que garantiza un sonido de alta calidad y emoción.

El videoclip de «Sólo Tú» fue dirigido por Diego Álvarez, quien logró capturar la esencia de la canción y plasmarla en imágenes que hacen sentir al público la emoción y la pasión que «Hombre Solitario» agrega en su música.

«Sólo Tú» ya está disponible en todas las plataformas digitales, y Hombre Solitario está preparando presentaciones en vivo para promocionar su nuevo sencillo. No te pierdas la oportunidad de verlo en acción y experimentar la energía y la pasión que transmite en cada show.

No te pierdas la oportunidad de escuchar «Sólo Tú» y descubrir la música de «Hombre Solitario».

Lanzamiento del nuevo EP de ROX “Como Yo Te Veo”

La artista integral Roxana Frontini, conocida como ROX, anuncia con orgullo el lanzamiento de su más reciente EP, “Como Yo Te Veo”, producido por el multipremiado y nominado al GRAMMY®, Arturo Cabrera Brambilla.

Este EP es el resultado de una colaboración entre esta talentosa artista y la división de producción de su agencia creativa CURATORS GROUP, que ha trabajado con prestigiosas marcas como Saks Fifth Avenue, PINKO, Silvia Tcherassi, Miami Fashion Week, Mercedes-Benz Madrid Fashion Week, y numerosas marcas de lujo en Europa, América Latina y los Estados Unidos, así como con celebridades de la talla de Gabriel Samra, Mónica Pasqualotto y María Alejandra Requena.

“Como Yo Te Veo” cuenta con cuatro cautivadores temas: la versión original de la canción, un fascinante tema instrumental, un remix de house y un remix instrumental. El video musical fue grabado utilizando la misma cámara empleada por el exitoso show de Netflix «Adolescencia», famoso por sus impresionantes tomas únicas o ininterrumpidas.

Como todo lo que ROX crea, esta canción está diseñada para elevar la mentalidad y recordar a los oyentes que podemos alcanzar niveles más altos de realización de nuestro potencial.

ROX cree en el poder de enfocarnos en lo que deseamos y en la música como una herramienta para potenciar ese enfoque. “Como Yo Te Veo” es una canción que invita a mirarnos con otros ojos, que nos permitan creer en nuestro brillo.

ROX utiliza la música como su vehículo principal para inspirar transformación. Y por su puesto, al ser artista integral, también se apoya en su arte plástico y diseños para inspirar a otros a triunfar.

En el caso del EP “Como Yo Te Veo” la artista también ha desarrollado obras de arte y diseños inspirados en la canción, disponibles para la venta en $ roxanafrontini.com$ .

Cada pieza ha sido cuidadosamente elaborada para inspirar a los coleccionistas a vivir vidas plenas y desbloquear su completo potencial.

Maximino Rivera y Robertito Hernández lanzan su nuevo sencillo «Pa’ Comer y Pa’ Acabar»

Los emblemáticos Boricuas, Robertito Hernández y el reconocido productor y trombonista Maximino Rivera, regresan con fuerza y elegancia a las pistas de baile con su nuevo sencillo: «Pa’ Comer y Pa’ Acabar». Con el firme sello de “El dúo dinámico de la Salsa”, este tema promete convertirse en uno de los más movidos y disfrutados durante la Primavera y el inicio del Verano.Bajo la pluma y melodía del muy solicitado compositor cubano Jorge del Valle, y con los arreglos del maestro Tony Velázquez, la canción se viste de sabor auténtico y elegancia musical.

La magia en la mezcla y el sonido, a cargo del gran Nano Cabrera, se fusiona en un homenaje lleno de energía y respeto hacia las mujeres latinas, especialmente aquellas que nacen portando el fuego en su caminar. La inspiración surge de un pequeño pueblo al sur de Cuba, Quivicán, lugar donde la belleza y la gracia de las mujeres son motivo constante de elogio e inspiración.La propuesta musical cuenta con la inconfundible voz callejera y particular de Robertito Hernández, quien le imprime a esta “salsa brava” un toque distintivo y urbano.

Por su parte, Maximino Rivera deja en cada nota del trombón su sello personal, plasmando un sabor inigualable que realza cada compás de este tema vibrante. Además, las impecables armonías en los coros, interpretadas por Gerson Zayas, Kevin Gabriel y el propio Maximino Rivera, evocan la era dorada de las orquestas Fania, transportándonos a un universo musical clásico y atemporal.La constelación de estrellas que integra esta producción es amplia y de gran trayectoria:Antonio Tony Velázquez en el piano y como arreglistaOdanis Velázquez en el bajoJavier Alvarez (Tito Furia) en la percusiónMaximino Rivera Jr. en los trombonesLa grabación del sencillo se realizó en espacios de alta calidad y renombre:Furia Music en Villalba, Puerto RicoEstudio Cocolizos en Juana DíazNC Studios en Davenport, Florida, Estados UnidosEn un mensaje cargado de picardía y respeto, Jorge del Valle invita a la celebración y al reconocimiento de la fortaleza y la belleza de las mujeres, relatando una historia que resuena en lo cotidiano y que cualquier persona podría vivir.

Esta mezcla de ritmos y sentimientos, cargada de autenticidad, reafirma el compromiso del dúo con la esencia de la salsa y la cultura latina.«Pa’ Comer y Pa’ Acabar» es mucho más que un sencillo; es una declaración de identidad, un puente entre el ayer glorioso de la salsa y la energía vibrante del presente, destinada a encender las pistas de baile y los corazones de todos los que aman la música auténtica.«Pa’ Comer y Pa’ Acabar» se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Joaquín Chávez presenta su primer álbum “Simplemente Gracias”: un canto a la fe y la gratitud

El cantautor católico argentino Joaquín Chávez lanza oficialmente su esperado álbum “Simplemente Gracias”, una producción que invita a la reflexión, la oración y el diálogo profundo con Dios, a través de una propuesta musical de balada-pop contemporánea.

La producción musical estuvo a cargo del ganador del Latin GRAMMY® Juan Delgado bajo el sello Vía Cantus, y recoge el testimonio personal de Chávez en un recorrido sonoro lleno de fe, gratitud y entrega.

Conocido por sus primeros sencillos “Mi Medicina” (También con una versión acústica), “La Verdad”, «María» y “Venga lo que Venga”, el álbum completo incluye además tres nuevos temas: “Dios Está Aquí”, “Simplemente Gracias” y “Esto Que Soy Te Doy”.

El tema “Simplemente Gracias” autoría del cantautor cubano radicado en Miami, Lazaro Horta, es la carta de representación de este álbum que marca un nuevo inicio en la joven carrera del artista.

Este y otros temas del álbum tienen cuerdas en vivo grabadas en el icónico Ocean Way Nashville, cuidando cada detalle de producción y colocándolo al más alto nivel de la industria musical.

“Este álbum nace de un corazón que ha sido sanado y restaurado por Dios. Cada canción es una oración hecha canción, una historia real que espero toque el corazón de quienes la escuchen”, expresa Joaquín Chávez

Sergio Vargas presenta «El Ayer es Hoy», un viaje musical a sus grandes éxitos

El icónico artista dominicano Sergio Vargas, una de las voces más emblemáticas del merengue, lanza este 23 de mayo su nuevo álbum “El Ayer Es Hoy”, bajo el sello J&N Records, del Grupo Empresarial JN Music Group, dirigido por los hermanos Juan y Nelson.

El Ayer Es Hoy” es una producción especial que reimagina los grandes éxitos de Sergio Vargas, con nuevos arreglos, interpretaciones en vivo y la participación de músicos de alto nivel en estudio.

El proyecto representa un tributo a su prolífica trayectoria, combinando la nostalgia con el poder de la tecnología y la excelencia artística contemporánea.

La portada es una poderosa fusión entre arte y tecnología, donde presenta una imagen profundamente simbólica: su versión adulta, con la sabiduría que otorgan los años, abraza con ternura a su yo joven, el soñador que dio sus primeros pasos en la música. Esta imagen, creada con inteligencia artificial, trasciende lo visual para convertirse en un gesto poético de reconocimiento. Es el abrazo del presente al pasado, del artista consagrado al muchacho que creyó en sus sueños. Sergio no solo se abraza a sí mismo, sino también a su historia, a los desafíos superados, a las canciones que marcaron generaciones, y al público que lo ha acompañado con amor y fidelidad.

El arte estuvo a cargo de Nelson V. Muñoz, quien ha venido destacándose, junto con la dupla integrada por Oscar Enríquez y Alfredo Saavedra, en la generación de grandes tributos a través de videos creados con inteligencia artificial de sorprendente realismo. Esta portada es un homenaje a la memoria, a la música, y a ese recorrido que lo ha hecho ser quien es hoy

El álbum se lanza acompañado del estreno de un primer visualizer, dando inicio a una serie de lanzamientos semanales que permitirán al público ver a un Sergio Vargas en diferentes épocas y descubrir, canción tras canción, el universo emocional de esta nueva producción. Cada semana se revelará un nuevo visualizer, creando un puente constante entre la música, la imagen y la sensibilidad que caracteriza a Sergio Vargas, reafirmando así su compromiso de innovar sin perder la esencia de lo que siempre ha sido: un intérprete del alma popular.

Esta producción incluye versiones renovadas de temas inolvidables como: “Todo Aquello Que Escribí”, “Vamos a Dejarlo Todo Atrás”, “Dile”, “Yo Que Te Amé”, “La Quiero A Morir”, “La Ventanita”, “Si Algún Día La Ves”, “Ni Tú Ni Yo”, “Penas al Viento”, “Dile Más”, “Bamboleo”, “La Incondicional”, y una poderosa nueva versión del clásico “Madre”, ya disponible en todas las plataformas.

“Este proyecto es un puente entre lo que fuimos y lo que somos. Tomamos lo mejor del ayer y lo traemos al presente, con respeto a nuestra historia pero con los recursos tecnológicos de hoy”, expresó Sergio Vargas.

“El Ayer Es Hoy” marca un nuevo capítulo en la carrera de Sergio Vargas, reafirmando su compromiso con la música de calidad, el legado cultural y la evolución artística.

Daniela Vivar estrena su primer disco «Canción para ella»

A través de diez canciones la artista chilena explora diversos géneros y sonoridades para canciones cargadas de emotividad.

Desde pequeña, Daniela Vivar se interesó por la música participando en coros y clases de guitarra, guiando así su vida al mundo de las canciones. En 2020, lanzó su primer sencillo «Huellas» para luego iniciar un largo y fructífero proceso de producción de un disco larga duración que hoy ve la luz. Tras publicar adelantos como «Una rosa con espinas» y «Aún nos queda la voz», Daniela estrena finalmente su álbum debut titulado «Canción para ella».

El primer disco de la cantante y compositora Daniela Vivar incluye 10 piezas que destacan por presentar una propuesta fresca y auténtica que fusiona diversos estilos musicales. Las letras son relatos honestos y emocionantes con una interpretación profunda y única, fortalecida principalmente por la gran voz de Daniela. El álbum recorre paisajes sonoros que nacen desde vivencias personales, abordando temas sentimentales, sociales y psicológicos. Cada canción revela un pedazo del alma de la artista, convirtiendo su esencia en melodías.

«Canción para ella» no solo muestra la versatilidad musical de Daniela, si no también su capacidad de conectar con quienes buscan sonidos con sentido y corazón. Es por eso que este disco se vuelve una interesante carta de presentación ideal para descubrir el talento de esta nueva voz de la música chilena. El disco ya está disponible en Spotify, Deezer y otras plataformas digitales.

Antonio Montenegro abre el corazón en Algo Nuevo: un disco para sanar y avanzar

«Algo Nuevo» no es sólo el nombre del nuevo álbum de Antonio Montenegro, es también una declaración vital. Tras el éxito de su debut «De las Cenizas Vendrá Algo Nuevo», el artista chileno regresa con una propuesta fresca, más luminosa y decididamente esperanzadora. Si el primer disco era un susurro dolido desde las cenizas del desamor, este segundo trabajo es el renacer de ese mismo corazón, ahora acompañado de una banda completa que imprime fuerza, ritmo y determinación.

Grabado en Estudios Madreselva bajo la co-producción de Alfonso Pérez y el propio Antonio, el disco se aleja del minimalismo clásico para adentrarse en un pop elegante y emocional, con influencias de Norah Jones y Tracy Chapman. La voz y la guitarra de Montenegro siguen siendo el alma de la propuesta, pero ahora arropadas por piano, batería, bajo eléctrico, coros, saxofón, armónica y guitarras que enriquecen cada tema con una atmósfera cinematográfica.

Cada canción del álbum funciona como un episodio emocional dentro de un viaje mayor:

• «La vida que Ahora Vivo»: abre el disco con una calma luminosa. Es un manifiesto de haber encontrado un nuevo rumbo. Habla del presente sin miedo al pasado, de aceptar con serenidad lo que somos hoy. Como lo describe Antonio: «Después de tanto recorrer, aprendí a habitarme y encontrar mi propio rumbo. Esta canción es mi paz hecha melodía.»
• «Perdón por no Pedir Perdón»: retoma uno de los primeros sencillos de su carrera con una fuerza renovada. El tema, introspectivo y directo, explora las contradicciones del arrepentimiento y la dificultad de sanar cuando no se encuentran las palabras. Su interpretación más madura revela la evolución emocional del artista. 
• «Claudita»: es una joya íntima, una canción tierna dedicada a una figura femenina que representa refugio y cariño. Con un arreglo delicado, es de esas canciones que acarician el alma. «Es una carta de amor que no necesita destinatario fijo. Todos hemos tenido una «Claudita» en nuestras vidas», afirma Antonio.
• «Alerta de Tsunami»: sorprende con un ritmo liviano que contrasta con su mensaje emocional. Bajo una superficie pop se esconde una reflexión sobre lo que verdaderamente importa en la vida y cómo estar frente a la amenaza de perderlo nos hace valorarlo nuevamente. Su fuerza radica en cómo transita desde lo lúdico hacia lo profundo.
• «Un Buen Final»: es el punto más alto del optimismo del disco. Alegre, rítmica y sanadora, es un himno a las despedidas en paz. La canción busca cambiar la narrativa del final triste por una versión más amable. Como dice su estribillo: «tuvimos una gran historia y yo le escribiría un buen final».
• «De otra Forma»: abre la puerta a nuevas miradas sobre el amor y el perdón. De tintes más intensos y confesionales, esta pieza propone cambiar el ángulo desde el cual miramos nuestras emociones: más comprensión, menos juicio.
• «Ojos Azules»: aporta frescura con un ritmo envolvente que acompaña un relato sobre encuentros reales, a veces incómodos, a veces necesarios. Es una canción romántica en su contenido, divertida en su forma.
• «En el Borde de una Estrella»: es una balada emocionalmente expansiva. Es para quienes, aún en el cansancio, siguen luchando por sus sueños o afectos. Su melodía, íntima y poderosa, resuena como una promesa de que todo esfuerzo tiene sentido.
• «La Hora Maldita»: nace desde la soledad nocturna. Jazzística, introspectiva, minimalista. Evoca esa hora en que las emociones se intensifican y los pensamientos no descansan. Una canción para acompañar la madrugada del alma.
• «Algo Nuevo»: la canción que titula el álbum, mezcla bolero y pop con una producción envolvente. Es un canto de resolución, de mirar al futuro sin negar el pasado. «No se trata de olvidar y ya, sino de decidir avanzar», expresa Antonio.

El lanzamiento viene acompañado de una ambiciosa producción audiovisual dirigida por Pascal Krumm, culminando con el videoclip de «Un Buen Final», última entrega de una obra visual contada en cuatro capítulos. Una historia sobre dejar ir con gratitud, sobre aceptar que incluso los finales tienen su belleza. La portada del disco, que muestra a Antonio caminando, es un guiño a esa filosofía: para encontrar lo nuevo, hay que atreverse a seguir. 

«Algo Nuevo» ya esta disponible en todas las plataformas digitales. Es un disco para quienes están listos para cambiar, para sanar y volver a creer. Una invitación a escuchar con el corazón abierto, a encontrar belleza en el proceso, y a recordar —como dice Antonio— «que la música sigue siendo uno de los pocos lugares donde el alma puede respirar sin miedo.»

La banda Noizzy presenta el álbum conceptual “Dreamland”

Noizzy regresa con estilo con Dreamland, un álbum conceptual lanzado por Electric Funeral Records que va más allá de una simple colección de canciones: es un viaje intenso, emocional y visceral. Grabado 100% en analógico en el prestigioso Forest Lab Studio bajo la producción de Lisciel Franco, el álbum captura la esencia cruda de la banda, entregando al oyente la poderosa energía que ha consagrado el sonido del grupo desde su formación.

Dreamland profundiza en temas existenciales y contemporáneos con autenticidad y profundidad, creando un universo donde la línea entre la realidad y la ilusión se desafía constantemente. La narrativa sonora comienza con Fake, que cuestiona las apariencias engañosas, y Addiction, un análisis de los placeres fugaces y sus consecuencias destructivas.

El viaje continúa con Tiempo, una contemplación sobre el paso del tiempo y el vacío existencial, y Ciclo, que aborda patrones repetitivos y la lucha por romper viejos hábitos. El grito “STOP THE CYCLE” marca un punto de ruptura, dando paso a Here, un tema que aporta respiro, introspección y transición.

En la segunda mitad del álbum, la complejidad de las relaciones humanas toma forma en Faces, mientras que Sands regresa a las imágenes oníricas del disco, hablando de la memoria, la pérdida y la transformación. Despierta funciona como una llamada urgente a la realidad, antes de que Necesidad y No Suficiente cierre la obra con una reflexión sobre el deseo, la frustración y la libertad que nace de la aceptación.

Formada en 2009 en el interior de São Paulo, Noizzy está compuesta por Romeu Dreadcore (voz), Vitor Leandro (guitarra), Ivan Sismon (bajo) y Pepe DMarco (batería). Con raíces en el metal, la banda destaca por su autenticidad e identidad musical, además de intensas presentaciones en vivo y una admirable profesionalidad. Ya ha lanzado un álbum y cinco sencillos, habiendo destacado en festivales y recibido varios premios.

En 2022, Noizzy ganó atención con el video musical independiente Infinite Talking, lo que provocó una invitación de Lisciel Franco para grabar en su estudio. La banda también participó en el episodio inaugural del Tour Metal de Crash TV, donde fueron entrevistados por Marcello Pompeu (Korzus), ganador del Grammy e ícono del metal nacional, quien quedó impresionado con el trabajo de la banda y ya señaló su deseo de producir su próximo álbum.

Con Dreamland, Noizzy reafirma su relevancia en la escena del metal original brasileño, entregando un trabajo denso, honesto y artísticamente maduro. Prepárate para una experiencia musical que instiga, emociona y transforma.

Caluu C. y Guarino sacuden el escenario musical con su nuevo hit «Quieres De VD»

Dos voces que están marcando el ritmo de la nueva escena musical española se unen en un tema que no dejará a nadie indiferente. Caluu C. y Guarino presentan «¿Quieres de VD?», un sencillo potente, íntimo y lleno de alma que desborda emoción desde el primer segundo.Esta nueva colaboración no es solo una canción: es una declaración de intenciones. «¿Quieres de VD?» nos lanza de cabeza a una historia de amor tan inesperada como magnética, en la que el deseo se convierte en necesidad y lo casual en destino.
Con una narrativa honesta y visceral, el tema pone sobre la mesa una de las preguntas más crudas y reales del amor moderno: ¿esto es de verdad?

https://youtu.be/xnEteK5dXkc?si=a-xvyI4OgHgZrtql

La producción mezcla atmósferas envolventes con una base rítmica seductora, donde cada verso es un latido y cada coro, un suspiro. La química entre Caluu C. y Guarino se siente, se escucha y se vive. Ambos artistas sacan lo mejor de sí para dar vida a un track que habla de lo que muchos callan: ese momento en el que lo inesperado se vuelve inevitable.Con este lanzamiento, los artistas no solo reafirman su lugar en la nueva ola musical urbana-pop, sino que también se atreven a tocar fibras sensibles con una estética sonora atrevida y una letra que golpea directo al corazón.»¿Quieres de VD?» ya está disponible en todas las plataformas digitales. No digas que no te avisamos: esta canción va a quedarse contigo.