La Armada llega a Colombia para realizar dos conciertos y anuncia nueva música

La Armada es una agrupación de hardcore punk originada en Santo Domingo, República Dominicana en 2001. Actualmente, la banda está radicada en Chicago, IL desde 2008 y está compuesta por miembros dominicanos y puertorriqueños. La intención de su propuesta musical es dejar una huella en la historia de la música pesada, representando al caribe en el rock latinoamericano y mundial.

La banda fusiona ritmos afrocaribeños—de forma sutil o explícita—para crear un sonido propio, fácilmente reconocible y que sirva como bandera musical de la región dentro del género, así como el merengue y la salsa han representado al Caribe internacionalmente en los géneros tropicales.

«Queremos que el público latino vea en nosotros una banda con calidad igual o mejor que cualquier otra de nivel internacional, y que a través de eso sirvamos de inspiración», cuenta el grupo.

«Como propósito ideológico, la banda recurre a la sátira y el auto-cuestionamiento para evidenciar los males socio-políticos que aquejan a la sociedad actual, como el neo-colonialismo en Latinoamérica, las guerras a nivel mundial, el control de las redes sociales y las formas inconscientes en que el modernismo conduce al autosabotaje», agrega la banda con influencias del punk, el metal y rock duro en bandas como La Polla Records, No Demuestra Interés. Bad Brains, Propagandhi y Death, Deftones y Alice in Chains.

‘500 años’ es uno de los más recientes lanzamientos de La Armada, es un rugido de indignación ante la renovada crisis mundial de refugiados por las guerras genocidas y la represión dictatorial.

«Es un tema donde denunciamos la indiferencia, el cinismo y la hipocresía de las naciones del primer mundo ante el desplazamiento humano. Con la misma, nos mantenemos en solidaridad con los pueblos de Gaza, Venezuela, y cualquier región en conflicto; en donde los ricos y poderosos ponen las bombas y la represión y el pueblo pone los muertos», enfatiza La Armada.

‘500 años’ es una fiel representación del tipo de crossover o mezcla que define musicalmente a La Armada. En menos de 3 minutos, la canción explora grooves nu metal, acordes grunge, el punk, y hasta lo caótico y experimental, pasando de un estilo al otro de manera sutil.

La Armada ya tiene grabado un nuevo EP titulado ‘Ofensas’, un trabajo de seis que será lanzado a finales de 2025 y cuenta con las composiciones más desafiantes de su trayectoria.

«Continuando nuestra misión de no solo ser participantes, sino innovadores dentro de la música pesada en español, estamos listos para presentar material nuevo», menciona el grupo.

‘Ofensas’ es un llamado a mirar hacia adentro, a cuestionar cómo la sociedad moderna ha influenciado al hombre hasta el punto de actuar en contra de su propio beneficio al igual que el de su prójimo. Musicalmente, la banda busca expandir sus capacidades hasta lograr un balance entre lo memorable y lo experimental; para ello han colaborado con percusionistas y compositores conocidos en los géneros Afrocaribeños.

‘Ofensas’ será lanzado con sencillos sucesivos, iniciando en octubre con la canción ‘Over’ la cual la banda ya la presentó en sus redes sociales con un video en vivo desde su sala de ensayos.

La Armada se estará presentando en Colombia por primera vez en su historia con dos grandes y expectantes shows, el primero en Bogotá el viernes 26 de septiembre en A Fuego Centro Cultural junto a las bandas Alta Agresión, Distracción y Sin Nadie al Mando con entrada gratuita. La segunda fecha será en Medellín el sábado 27 de septiembre en Club Líbido junto a los grupos Grito, Ahora o Nunca y Control. La entrada tendrá un costo de $30.000. En el mes de octubre, La Armada abrirá la gira de Strung Out y Agnostic Front por territorio estadounidense.

Dumomi The Jig Lanza «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx: Himnos de perseverancia y éxito

El artista nigeriano-británico Dumomi The Jig continúa marcando huella en la escena musical con el lanzamiento de sus nuevos temas «Hear About Me», «Jeje» y «Money (Hustle)» Ft. Psalmx, tres pistas que combinan motivación, autenticidad y celebración de los logros obtenidos a través del esfuerzo constante.

«Money (Hustle)», en colaboración con Psalmx, se posiciona como un himno inspirador sobre la perseverancia y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo pese a los desafíos. Con un estilo que mezcla narrativa personal, slang callejero nigeriano y referencias culturales, la canción celebra la resiliencia, la ambición y la gratitud, especialmente hacia la familia.

Las letras describen noches largas de trabajo, movimientos calculados y una determinación inquebrantable para no dejarse vencer por la negatividad o las mentiras. Este lanzamiento representa tanto una celebración del camino recorrido como una promesa de mayores éxitos por venir.

Adenuga Adedumomi, nombre real de Dumomi The Jig, es un artista apasionado por la música y las emociones que esta despierta. Su versatilidad le permite rapear, cantar y producir, resultado de años de persistencia y práctica. Con estas canciones, combina ritmos relajados con energía vibrante, creando un sonido que conecta con todos aquellos que persiguen sus sueños y trabajan duro para alcanzarlos.

[Estreno] Vehementes presenta ‘Narcótica’

Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo.

Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento.

«Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio», cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro. 

‘Narcótica’ es el nuevo lanzamiento de Vehementes, una canción que habla de esa ruptura donde el corazón está muy destruido y que, a pesar del odio, también existe amor. Transmite una sensualidad melancólica, como si flotara entre deseo, dependencia y delirio. Es un tema que explora bastantes sonidos, desde latin, hasta electro pop, incluso algo de son cubano con la trompeta.

«Le habla a ese sentimiento post ruptura que todos hemos vivido y lo lamentamos, es el momento cúspide del desamor. La canción nació por la ruptura de un amigo y su pareja y la creé como una forma de generarle un poco de paz en ese momento caótico de su vida, algo que él agradeció. En cuanto a lo que transmite, es un cóctel emocional de lo que se siente en ese momento del amor, donde hay tantas emociones mezcladas: tristeza, odio, desamor, amor, desesperación; todo eso en un shot fondo blanco», comenta la banda.

Es una canción perfecta para escuchar en esos momentos en donde queremos soltar todas esas emociones fuertes luego de una ruptura, donde queremos mandar todo a la ‘miércoles’ y gritar con fuerza «maldito el momento».

«Esperamos conectar con el público, que se sientan identificados con la historia que cuenta, que la hagan parte de la playlist de su vida y que la disfruten y la sientan, tanto como nosotros», agrega.

‘Narcótica’ hace parte de la producción de un disco que Vehementes espera lanzar en 2026. Será un álbum que le habla al amor en todas sus presentaciones, desde lo más inocente y emocionante, hasta lo más caótico y destructivo. Es un viaje por todo lo que esto representa y es una historia contada desde el cúmulo de emociones vividas. 

La siguiente canción que la banda lanzará se titula ‘Precisa’ y habla de un amor idealizado, de esa fase en la que vemos a la otra persona en un pedestal, cantada muy desde la inocencia. Es una precuela de lo que hoy es ‘Narcótica’.

La portada del sencillo es la imagen de una cabaña sola, buscando reflejar ese momento de dolor e intimidad, donde hay odio y tristeza en el corazón, pero también una pizca de amor, como lo que transmite la canción.

«Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Vehementes en Colombia y Latinoamérica porque creemos que, en un mundo tan saturado, donde las emociones humanas han pasado a un segundo plano, la gente no encuentra muchas veces un espejo en el cuál reflejarse. Vehementes es emoción pura como lo indica su nombre, un proyecto independiente que se desarrolla a raíz de la pasión, donde lo desenfrenado del corazón reina y no existe una norma clara para expresarlo, por eso no nos encasillamos en un género específico, porque un día te sientes como un blues cargado de nostalgia, y al siguiente, el amor te sorprende con algo más liviano, casi pop», concluye la agrupación.

Escucha ‘Narcótica’ de Vehementes, en tu plataforma musical favorita https://offstep.link/303036509294

Septon regresa a los escenarios con un concierto sinfónico de metal progresivo en Barranquilla

La fuerza del metal progresivo se fusionará con la sensibilidad de la música sinfónica en un concierto único que ofrecerá la banda barranquillera Septon este 22 de agosto a las 7:00 p.m. en el Auditorio Mario Santo Domingo del Complejo Cultural de la Antigua Aduana. Será una experiencia sonora y visual en la que relatos reales y fantásticos darán vida a personajes inspirados en la historia colombiana, exaltando la resiliencia y la capacidad de hallar belleza en medio del caos.

Septon nació en 2015 y está conformada por tres egresados del programa de Música de la Universidad del Norte: Angie Bula (voz y dirección general), Leonardo Utria (guitarra, composición y dirección musical) y Augusto Garavito (piano y dirección artística). Su propuesta, que combina rigor académico y sensibilidad artística, ha consolidado a la agrupación como un referente dentro del metal sinfónico en Colombia.

En esta ocasión, el grupo compartirá escenario con cuatro invitados especiales: Jorge Jurado (violín), Daniela Gómez (viola), Diego Brand (violonchelo) y Víctor Otero (percusión menor). Juntos darán vida a los arreglos creados por Utria en un formato acústico que resalta la riqueza de las composiciones de la banda.

“Hemos recibido comentarios muy emotivos por nuestro regreso, me hace muy feliz que nos recuerden con cariño y aún más que tengamos a varias personas poniendo su talento, trabajo e inversión en lo que queremos hacer en el concierto”, expresó la vocalista Angie Bula.

La gestación del evento tiene como punto de partida el conversatorio “Arte, Música y Voz: Herramientas de transformación social”, organizado por la Corporación Luis Eduardo Nieto Arteta (CLENA) y la Universidad del Norte. Allí, Bula compartió su experiencia como docente y artista, y recibió la propuesta de llevar a Septon nuevamente al escenario. “Todo comenzó con la pregunta mágica de Carlos Barraza, coordinador de proyectos culturales. Me dijo ‘¿Cómo hago para poner esa banda a sonar aquí?’… y aquí estamos, dándolo todo para hacerlo realidad”, recordó con entusiasmo.

Desde su primer álbum, Cradle of Deception, Septon ha explorado la memoria y los conflictos de la historia nacional a través de potentes riffs, armonías elaboradas y melodías emotivas. Su música bebe de las raíces culturales del Caribe colombiano, fusionadas con estructuras del metal y rock progresivo europeo y con influencias de la música clásica en estilos como el romanticismo, barroco e impresionismo.

La puesta en escena de la banda se caracteriza por una estética cargada de lo fantástico y lo ancestral, con una energía capaz de capturar al público y convertir cada concierto en una experiencia inmersiva.

Detalles del concierto

• Fecha: 22 de agosto de 2025
• Hora: 7:00 p.m.
• Lugar: Auditorio Mario Santo Domingo – Complejo Cultural de la Antigua Aduana (Vía 40 #36-135)
• Entrada: Libre

Sobre Septon

Fundada en 2015 en Barranquilla, Septon es una banda de metal progresivo sinfónico que combina música, memoria y reflexión social. Sus composiciones narran historias de resiliencia en medio de la adversidad y proponen un viaje artístico que trasciende lo musical para convertirse en una experiencia transformadora.

[Lanzamiento] Daniel Tapia revive un clásico del vallenato ‘Ojos verdes’ con un toque pop

El cantante y compositor panameño Daniel Tapia presenta su más reciente trabajo, una versión pop del icónico vallenato ‘Ojos verdes’, una canción que ha dejado huella en la historia musical de Colombia y Panamá.

Escrita por el legendario Rubén Darío Salcedo y popularizada por el colombiano Alfredo Gutiérrez en la época de los sesenta, esta reinterpretación es un tributo a la riqueza musical de la región.

Daniel Tapia, un artista conocido por su sonido latino, se enfrentó al reto de reinterpretar un tema de tal magnitud con un respeto profundo por su esencia. El resultado es una versión fresca que mezcla jazz y pop que le confiere un sonido atemporal. Con esta interpretación, Daniel Tapia logra un equilibrio perfecto: conectar con el público que conoce la canción original en su género original, vallenato y presentar a nuevas audiencias este clásico con un sonido fresco y sofisticado.

Además, la nueva versión está acompañada de un video grabado en vivo junto al cantante Némula. Esta colaboración es un reflejo de la hermandad y el cariño por la música de ambos artistas.

Este lanzamiento no es solo un cover, sino un puente entre dos épocas y dos géneros, que celebra el legado musical del autor, compositor y escritor conocido como El Rey del ‘Pasebol’.

[Lanzamiento] Vicente Jáuregui presenta su EP ‘Ternura Radical’

El artista mexicano Vicente Jáuregui presenta ‘Ternura Radical’, un EP conformado por cinco canciones que exploran las posibilidades del amor en una época caracterizada por el individualismo.

En un mundo hostil, la ternura radical representa la capacidad de ser «críticos y amorosos al mismo tiempo», es aprender a «utilizar la fuerza como una caricia».

Con destellos de psicodelia, dream pop, rock y sampleos, este EP refleja la amplitud de influencias musicales de Vicente Jáuregui.

«Ante una realidad atroz, ejercer la ternura se vuelve un acto radical porque es asumir una posición política en un mundo que nos quiere mantener insensibles hacia el dolor de otros. La ternura es cuidarnos y construir redes, es una invitación a derribar nuestros límites conceptuales para construir un mundo en el que todas y todos quepamos a pesar de nuestras diferencias», explica Vicente Jáuregui.

«Vivimos en una sociedad muy machista que enseña a los hombres a negar sus sentimientos. Dentro de estos límites, la ternura está vetada de lo que un hombre puede sentir. Esta canción busca ser la antítesis de eso. Pienso que la ternura no solo nos hace más humanos, sino que es el antídoto contra la crueldad y la violencia tan normalizada actualmente», explica el artista.

El EP está conformado por las canciones ‘Más Amor’, ‘Lava’, ‘Flechazo’, ‘Ataque de Pánico’ y ‘Ternura radical’.

Grabado en Cuernavaca y producido por Pepe Pecas (Malcriada) en su estudio, este álbum tiene un focus track homónimo que habla sobre vencer los demonios internos.

La canción, ‘Ternura radical’, apela a ser radicales en nuestros procesos internos, a retarnos para derribar los límites, pero sin dejar de ser lo suficientemente tiernos para cuidarnos a nosotros mismos y a quienes nos rodean.

Musicalmente, el track abre con un beat poderoso. Las guitarras, altamente distorsionadas, envuelven con suavidad y fuerza a la vez. Al final, la canción estalla en gritos mientras un sintetizador nos conduce hacia los terrenos del techno.

«El título fue inspirado en una acción poética que encontré en Internet. Leí la frase y me pareció muy poderosa. Me puse a investigar sobre el tema y encontré un manifiesto escrito por Dani D’ Emilia y Daniel B. Chávez; con el que me sentí muy identificado», comenta Vicente Jáuregui, sobre el origen de esta frase.

Escucha ‘Ternura radical’ de Vicente Jáuregui en tu plataforma favorita

https://ditto.fm/ternura-radical-vicente-jauregui

El 47 Salón Nacional de Artistas abre una invitación artística para curaduría en espacio público KAUKA

La invitación artística pública estará abierta del 31 de julio al 21 de agosto de 2025.

El Ministerio de las Culturas abre la invitación artística nacional para una curaduría en espacio público, en el marco del 47 Salón Nacional de Artistas – KAUKA, asamblea de mundos posibles, que se llevará a cabo entre el 25 de octubre y el 10 de diciembre de 2025. Esta invitación busca propuestas curatoriales vivas, afectivas y situadas, que reconozcan la potencia del espacio público como territorio de encuentro, memoria, cuidado y resistencia.

Un incentivo de $40.000.000 será otorgado a una propuesta curatorial que imagine, desde el arte, intervenciones performáticas o de exhibición en espacios públicos del suroccidente colombiano, especialmente en municipios como Popayán, Puerto Tejada, Villa Rica o Santander de Quilichao.

La convocatoria está dirigida a artistas, curadores, colectivos y agentes culturales —nacionales o extranjeros con al menos cinco años de residencia en Colombia— con experiencia en proyectos comunitarios, contextuales y de vocación territorial. No se exige trayectoria institucional ni formación académica formal: se valoran las prácticas enraizadas, el sentido colectivo y la pertinencia social.

”Estas invitaciones públicas son muy importantes en el marco del Salón porque permiten que nuevas propuestas se integren al componente curatorial y entren en diálogo o tensión con lo que ha sido propuesto por el Salón mismo. Esto permite una participación más amplia de voces y artistas. En este caso es especialmente importante que esa apuesta vaya a suceder como un proceso de intervención del espacio público en estos municipios del Cauca porque son territorios que encarnan las resistencias y luchas, tanto históricas como actuales, que allí se dan y por lo tanto permiten pensar el espacio público como espacio común de potencia colectiva”, afirma Alejandra Sarria, Coordinadora del Grupo de Artes Plásticas y Visuales.

Las propuestas seleccionadas deberán desarrollarse entre octubre y diciembre de 2025 en el marco de las fechas programadas para KAUKA, asamblea de mundos posibles, incluyendo actividades de montaje, mediación comunitaria y encuentros públicos. El arte se activa aquí como una práctica de cuidado, escucha y creación colectiva, que dialoga con los ciclos de la tierra y las espiritualidades vivas del territorio.

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Acerca del 47 Salón Nacional de Artistas

KAUKA significa “madre de los bosques” en nam-trik, lengua del pueblo Misak. Esta edición del Salón se desmarca de las grandes ciudades y se enraíza en el Cauca, configurándose como un proceso vivo, afectivo y asambleario que honra los saberes comunitarios, ancestrales y territoriales.

Con un modelo curatorial colaborativo y decolonial, el 47SNA será tejido por el equipo conformado por Carolina Chacón Bernal, Catalina Vargas Tovar, Consejo Ancestral Willka Yaku, Eblin Grueso Cuero y Laura Campaz Minota, cuyas trayectorias articulan creación, pensamiento crítico y acción situada en el territorio.

Desde su creación en 1940, el Salón Nacional de Artistas ha sido el programa estatal más longevo y visible de apoyo al arte contemporáneo en Colombia. Hoy, a 85 años de su inicio, continúa su apuesta por descentralizar, diversificar y transformar el campo artístico, en alianza con comunidades, artistas y gestores culturales. Más información en: @artesvisuales_mincultura y @salonesdeartistas.

Colectivo Sonoro celebrará su décimo aniversario con la exposición ’10 años desde la primera fila’

El medio de comunicación musical independiente colombiano Colectivo Sonoro cumple diez años creando cultura a través de la música alternativa. Periodismo, fotografía, video y diseño se han juntado en este espacio que durante más de una década se ha encargado de presentar contenidos con un lenguaje fresco, innovador y directo.

Por eso, el medio de comunicación digital fundado en 2015 por Marcela Giraldo, Julián Cabrera, Jhon Paz y Diego Báez realizará la exposición fotográfica inspirada en la música en vivo ’10 años desde la primera fila’ los próximos 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá.

«Así es amigos. Llegamos a 10 años de existencia digital hablando de la música que nos gusta. Colectivo Sonoro nació con la intención de ser un medio digital que se encargara de contar las historias y noticias de artistas de Colombia y de Latinoamérica y en donde amigos cercanos, aliados y colaboradores pudieran participar desde la creación de textos, fotos y videos. Una década después, este proyecto sigue latente y, aunque aún no vivimos de esto, es este Colectivo el que nos mantiene vivos», comenta el Colectivo Sonoro.

Este 29 y 30 de agosto en La Casa Rosada en San Felipe (Carrera 22 # 75 – 18) en Bogotá, la música unirá, pero de una manera diferente. 18 fotógrafos colombianos eligieron lo que representa para ellos la música en vivo a través de una foto de un artista o banda en tarima. El resultado hará parte de la exposición ’10 años desde la primera fila’ con la que todos los amantes de la música y los conciertos están invitados a hacer parte del aniversario.

La muestra será de entrada libre y estará abierta al público desde el viernes 29 de agosto a partir de las 6:00 p.m.

El sábado 30, además de la muestra fotográfica, tres DJs acompañarán la celebración de los 10 años de Colectivo Sonoro: Juan Jaramillo con un set que tendrá algo de rock, punk y esos himnos latinos infaltables del rock; Mauricio Pérez quien viajará a los tiempos ochenteros del rock y el new wave y Andrey RaBoombox con una tanda complementaria de punk y ska.

Estén pendientes de https://colectivosonoro.com/ y de sus redes sociales donde se revelará el line up de fotógrafos confirmados y más información del evento.

Un bolero para la memoria: la noche en que Barranquilla se vistió de recuerdos

Por: Azharys Hazbun

En la noche del 8 de agosto, el Teatro José Consuegra Higgins latía distinto. Afuera, la brisa caliente de la ciudad se mezclaba con el murmullo de una fila que parecía contener más emoción que impaciencia. Adentro, los focos iluminaban un escenario que no solo prometía música, sino también memoria y esperanza. Señor Bolero había llegado a casa.

No era una noche cualquiera: el barranquillero Ricardo Stevan, Rey Momo del Carnaval 2023 en Nueva York, regresaba a su ciudad natal con la obra que conquistó corazones en escenarios tan lejanos como Broadway y tan cercanos como Bogotá. Las entradas estaban agotadas y en las butacas se distinguían rostros familiares de la farándula local, figuras del carnaval, cantantes, actores, diseñadoras de moda y periodistas culturales que parecían listos para dejarse atrapar por el embrujo de un bolero.

La trama, inspirada en el Alzheimer, se desplegó como un álbum de fotografías antiguas que alguien hojea con cuidado. En un bar neoyorquino de los años 50, seis personajes cruzaban sus vidas entre boleros, confesiones y miradas que decían más que las palabras. El protagonista —un hombre que empezaba a olvidar— se convirtió en el espejo de la fragilidad humana, pero también en la prueba de que el amor es capaz de retener aquello que el tiempo insiste en borrar.

Los acordes en vivo de más de treinta boleros clásicos, desde Piel canela hasta La copa rota, hicieron que el público no solo escuchara, sino que viajara. Cada canción era una llave que abría puertas cerradas por décadas, despertando sonrisas y lágrimas al mismo tiempo. La estética retro, el vestuario cuidado al detalle y la química entre los actores, entre los que brillaron Yolanda Rayo, María Cristina Gálvez, Bruno Díaz, Nina Caicedo y Fernando Monge, crearon una atmósfera que parecía suspendida en el tiempo.

Pero lo más poderoso de la noche fue el silencio. Ese que caía sobre la sala en los momentos más íntimos, cuando las luces se volvían suaves y la voz de Ricardo Stevan, entre canción y diálogo, acariciaba la memoria colectiva. Era como si cada espectador guardara en su pecho un recuerdo personal que la obra había despertado.

Al final, los aplausos no fueron solo un gesto de cortesía. Fueron un abrazo largo, cálido, que reconocía no solo el talento de un elenco estelar, sino también el valor de hablar del Alzheimer desde la ternura, la música y la esperanza. Barranquilla se fue esa noche con el corazón lleno y la certeza de que, mientras haya canciones, habrá recuerdos que no se borran.

En video, ECO Medellín presenta ‘Un instante’, una canción que mira de frente a la nostalgia

ECO Medellín es un soñador y creador innato, amante por contar historias, imaginar utopías y respaldar causas aparentemente perdidas. Rimador por vocación, compositor por pasión, es una ‘nea’ ilustrada, una mezcla entre la calle y la carrera, ávido de conocimiento, pero con ganas de romper esquemas, sin temor a salirse del molde de lo que está establecido, siendo fiel a su estilo.

La intención de su propuesta musical busca fusionar ritmos como la salsa, el bolero, la cumbia, el rock y el guaguancó, con estilos musicales como el rap y el trap; contando en sus letras historias cotidianas desde una sonoridad contemporánea que tiene como base esos géneros que marcaron una época importante en diferentes generaciones latinoamericanas.

«Mis letras nacen como una respuesta genuina y poética a los tiempos que vivimos, abordando temáticas como la identidad, el amor, la memoria y la resistencia desde una perspectiva sensible y crítica, con un lenguaje cotidiano cargado de subtexto, convirtiendo historias personales en relatos con los que el público se siente identificado», cuenta el artista con influencias como Calle 13, WOS, LosPetitFellas, Trueno, Residente y Orishas. Adicionalmente, el proyecto está cargado de múltiples influencias sonoras gracias a la riqueza musical que lo compone como salsa, bolero, guaguancó, cumbia, bullerengue, música protesta, trova cubana, rock en español y rap en español.

‘Un instante’ es el nuevo lanzamiento de ECO Medellín, es una súplica por detener el tiempo, por aferrarse a los recuerdos que nos definen y nos salvan. En este sencillo el artista colombiano explora la nostalgia como una cárcel voluntaria: un lugar donde, aunque la salida es posible, muchas veces elegimos quedarnos con la esperanza de volver a sentir aquellos recuerdos que nos marcaron.

Musicalmente, ‘Un instante’ resulta de la conexión entre los fraseos contundentes y reflexivos característicos del artista, primando el género rap, sobre una instrumental de rock alternativo, con incluso influencias minimalistas de pop, cumbia y sonidos sintéticos en algunas de sus secciones.

«Desde pequeño siempre me he considerado un nostálgico empedernido, y esta canción nace justamente de ese momento de la vida en el que el peso de la adultez te confronta con la imposibilidad de revivir esos recuerdos de una infancia y adolescencia felices. Recordar esos pequeños detalles como las tardes jugando, las cenas en familia, las noches aprendiendo guitarra o las madrugadas improvisando con amigos me llenan de vida, pero a la vez generan vacío, al comprender que son momentos que ya no volverán», agrega el cantante y compositor colombiano.

El videoclip de ‘Un instante’, que ya fue anunciado en la selección de algunos festivales de cine en Colombia, fue realizado bajo la dirección del artista y explora la nostalgia como una prisión emocional. A través de un plano secuencia, seguimos a ECO Medellín, quien se encuentra preso dentro de una cárcel junto a algunos de sus recuerdos más emotivos, en una celda de la que no puede —o no quiere— salir, incluso cuando la puerta siempre ha estado abierta. El clip reflexiona sobre la decisión de permanecer en el pasado, aferrándose a vivencias irrepetibles, en busca de un instante que ya no volverá.

‘Un instante’ es perfecta para esas tardes y noches lluviosas, reflexivas o existencialistas. Esos momentos de la vida donde nos sentamos en la ventana, mirando a la nada pensando en todo.

«Con esta canción pueden sentirse identificadas esas personas nostálgicas como yo, que viven un presente con anhelos de revivir algunos de los momentos de su pasado, de detener el tiempo, aunque sea por un momento y sentir una vez más el calor de los instantes especiales que vivimos», enfatiza ECO Medellín.

‘Un instante’ Un Instante es el tercer sencillo del segundo EP de ECO Medellín titulado ‘Amanecerá y Veremos’, trabajo discográfico compuesto por 6 canciones, y cuyo lanzamiento está proyectado para octubre de 2025. Este EP es un compilado de canciones dedicadas a esas noches de insomnio existencialista, en las que sólo surgen mil preguntas sin respuesta acerca de lo que hicimos, lo que dejamos de hacer o lo que haremos. La única respuesta segura que el artista ha encontrado ante todas las incertidumbres es justamente que «Amanecerá y Veremos».

Una canción sobre las dualidades del amor, así es ‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall

‘No sé mañana’ de Checho SASA & Kandall es una canción que nace del sentimiento crudo y real que se vive en relaciones intensas, donde el amor y el dolor se entrelazan como si bailaran al mismo ritmo. Con sonidos que fusionan reggae, R&B y ritmos latinos la canción refleja esa dualidad emocional que todos en algún momento hemos sentido.

‘No sé mañana’ fue grabada en La Colmena Records en Bogotá junto al ingeniero Daniel Restrepo. La producción musical estuvo a cargo de Cfelo, productor de Medellín, con quien Checho ha trabajado en cuatro sencillos que serán parte de su próximo EP titulado ‘Pa’ Qué’.

La conexión entre los artistas surgió gracias a Unión Ska Colombia durante una visita de Kandall a nuestro país. Hicieron ‘clic’ de inmediato, co-escribieron la letra y el artista panameño grabó aportando su esencia y flow.

«Esa canción representa la nostalgia, el amor y los sentimientos encontrados en una relación. Aborda el viaje del amor cuando es correspondido y cuando no, la magia de sentir mariposas o murciélagos en el estómago», explica Checho SASA.

El videoclip de «No Sé Mañana» se rodó en DC Luxury MotorWorks, un espacio colorido y con mucha personalidad. La producción estuvo a cargo de StationRoots Company bajo la dirección de Sebastián Juyó.

«Hoy estoy en la luna, mañana en el infierno… Amarnos es un viaje sin rumbo, ni tiempo»

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 7

Love Ghost presenta Spirit Box – USA

“Spirit Box” evoca el misticismo de una caja espiritual: ese medio usado para comunicarse con el más allá. Esta canción hace exactamente eso. A través de su atmósfera envolvente y lírica inquietante, se convierte en un puente sonoro entre lo terrenal y lo trascendental. Una pieza que conecta emociones profundas con lo invisible.

Dj Oluteo ´presenta Summer Speaker Test – USA

“Summer Speaker Test” es un tema amapiano vibrante, impulsado por los característicos log-drum profundos, acordes de piano con tintes jazzy y ganchos vocales cargados de alma. Perfecto para playlists de atardeceres, sets relajados al final del día o momentos golden hour. Es mi producción más pulida hasta la fecha, y consolida el impulso que he ganado como nuevo talento en la escena sudafricana. ¡Gracias por considerar esta propuesta!

Caleb Hart presenta Golden Child (Remix) – Canada – Trinidad y Tobago

Golden Child (Remix) es una reinterpretación dinámica que fusiona la sensibilidad Caribbean-soul de Caleb Hart con la energía original de TK the Artist, elevada aún más por la producción precisa y fluida de Jayden Brown. Aunque más corta en duración, cada segundo cuenta: es un homenaje sincero, una inyección musical de energía positiva y un track con alto valor de repetición.

Ideal para quienes disfrutan de mezclas de géneros con profundidad emocional, entre el R&B y el reggae. La incorporación de Caleb Hart marca una colaboración poco común después del lanzamiento original, fruto de una auténtica admiración artística y una chispa creativa compartida. Su verso aporta calidez personal y un tributo sentido a TK, enriqueciendo la esencia del tema original. La combinación del estilo melódico de Hart y la energía inconfundible de TK le da nueva vida al track.

Erik Aronesty presenta Enter Weird – USA

PJ Sin Suela presenta Si Te Vas – PJ Sin Suela, Blessd, Sparrow & Barbossa – Colombia, Mexico y Puerto Rico

“Si Te Vas” es un vibrante Caribbean house de PJ SIN SUELA junto a BLESSD y el dúo de productores SPARROW & BARBOSSA. Un tema diseñado para encender cualquier fiesta y extender el verano durante todo el año. La percusión es contagiosa, los ritmos bailables y la vibra general te pone de buen humor desde el primer segundo.

Con un beat adictivo y un flow que cruza fronteras, esta colaboración promete convertirse en favorita para playlists tropicales, sesiones de sunset y fiestas con buena energía. ¡Espero que la disfruten, la compartan y la lleven donde sea que haya ganas de bailar!

O KANENAS presenta Godless – Grecia

Una canción de rock pesado en compás de 9/8 que expone la hipocresía presente en nuestra sociedad, donde la piedad y la supuesta devoción a lo divino son utilizadas por personas sin ética para alcanzar poder, estatus o ambiciones personales. El tema inicia con un drone inspirado en la música bizantina, estableciendo un ambiente denso y espiritual, que luego se transforma en guitarras poderosas que replican ese mismo patrón durante los coros. Es una crítica contundente envuelta en una estructura rítmica compleja y una intensidad sonora que no da tregua.

RΛYΛ ✕ ŦΞGØ presenta Static // Star – Reino Unido

«Static // Star» es el segundo sencillo del dúo afrofuturista RAYA ✕ TEGO, una experiencia sonora que fusiona potentes beats grime, capas vocales inspiradas en el K-pop y texturas hipnóticas de R&B electrónico. Este tema, nacido en el corazón del SignalVerse —un universo paralelo de ciencia ficción donde las identidades fallan y las señales estelares colisionan— es un estallido digital de adrenalina: audaz, cinematográfico y hecho para contar historias visuales. Con transiciones glitch y ganchos multilingües, la canción transporta al oyente a un mundo de movimiento, memoria y una desafiante resistencia interestelar.

Amerakin Overdose presenta Nothing (Without You) – USA

Les presentamos nuestro nuevo sencillo y videoclip: «Nothing (Without You)», que cuenta con la colaboración especial del nominado al Grammy Jonny Santos, vocalista de Spineshank y Silent Civilian, quien aporta voces invitadas y un solo de guitarra explosivo.

Martina Camargo presenta Ritmo De Los Tambores – Colombia

Los productores italianos D.J. Thor y Robbie Groove se unen en «Ritmo De Los Tambores» junto a la inigualable voz de la nominada al Latin Grammy Martina Camargo, reconocida por éxitos como “Me Robaste El Sueño”, “Guataquí” y su más reciente colaboración con Keinemusik en “The Dream”.

«Ritmo De Los Tambores» ofrece una experiencia sonora dinámica e inmersiva que fusiona magistralmente ritmos tribales con potentes grooves de house. La participación vocal de Martina eleva cada momento del tema, aportando profundidad emocional y un distintivo aire global. Su voz única armoniza a la perfección con las poderosas percusiones y líneas de bajo, convirtiendo este tema no solo en un himno para la pista de baile, sino también en un viaje emocional.

Damos presenta Saturday nite special – USA

charlie presenta Brilla-Shine – Argentina

Recomendado por su mensaje esperanzador y energía positiva, este lanzamiento invita a la reflexión y al disfrute. El artista nos recuerda que el mundo necesita buenas vibras, y que la música, combinada con palabras con propósito, puede ser un instrumento poderoso de transformación. Una propuesta sonora que busca tocar corazones y dejar huella.

Una canción inspirada en un amor detenido en el tiempo, así es ‘Haberte encontrado’ de Clandestino

Luego de presentar los sencillos ‘Será’ y ‘Nostalgia’, la banda colombiana de rock alternativo Clandestino regresa con nueva música para todos sus seguidores.  Se trata de ‘Haberte encontrado’, una canción que narra un amor que no debió ser, una historia que continúa detenida en el tiempo.  Es perfecta para escuchar en las noches cuando el nombre de esa persona resuena en la cabeza.

En ‘Haberte encontrado’ la banda se centró en sonidos más ásperos y densos basados en sintetizadores buscando una atmósfera que evocara grandes espacios, la ciudad y la sensación de soledad, de ruptura y de separación.

«La canción nace de una sensación de soledad en un momento de la vida en el que debemos enfrentar una separación, es un sentimiento que sabemos que la mayoría hemos experimentado. Es para las personas que han vivido historias de amores imposibles, reflexiones de la vida, recuerdos y emociones profundas», comentan Hana Loaiza y Alex Velásquez, líderes de Clandestino.

Para el video de ‘Haberte encontrado’, Clandestino buscó plasmar desde lo musical y lo visual la crudeza de un amor detenido en el tiempo. El Metro de Medellín, sus estaciones, vagones, pasillos y plataformas lograban la representación del tiempo, la temporalidad y la búsqueda de un hombre y una mujer de algo que no se ve, pero siempre está. El clip fue producido Jacobo Castro, Leonardo Guerrero y Sandra Bautista de la productora Duck Sessions.

«Esperamos llegar a nuevos públicos y conectar con muchos oyentes que vibren y se identifiquen no solo con la historia de ‘Haberte encontrado’ sino con lo que es Clandestino. Queremos que las personas conecten con lo que oyen, que lloren o sueñen, que recuerden a un ser querido o un momento importante de su vida, que reflexionen sobre cosas importantes y trascendentales de la vida y sobre todo que vuelen con las letras y los sonidos que de manera natural convertimos en canciones», puntualiza la agrupación con influencias de Massive Attack, Coldplay, Radiohead, Draco Rosa, Aterciopelados, Zoé, Siddharta y Carla Morrison.

‘Haberte encontrado’ hace parte del álbum ‘Supremacía‘, un trabajo que presenta una evolución sonora de Clandestino transitando por el rock alternativo, indie rock, neo soul, balada, entre otros. El disco, producido y mezclado en Estudio Naranja por Pedro Rovetto y masterizado por Camilo Silva, estará disponible en su totalidad a finales de 2025.

«Tenemos la fortuna de crear música de manera independiente y sin afán, por esto sentimos que nuestras canciones son honestas, sin más pretensiones que hacer música que refleje lo que verdaderamente sentimos acerca del amor y del desamor, de la existencia, de los seres amados, del dolor de las relaciones, de la necesidad de creer en algo superior (algo supremo). Sabemos que todos hemos pasado por estas reflexiones y por momentos de dolor, así que Clandestino es una excelente compañía para afrontar todo esto», concluye la agrupación.

MaYita presenta su disco ‘SOMOS’, un rezo por la unidad

La artista, cantante, compositora, mujer medicina y guardiana espiritual colombo americana MaYita regresa con nueva música. Se trata del disco ‘SOMOS’,un rezo que nos recuerda que estamos juntos en estos tiempos de profundo cambio. Es una invitación a reconocer que nos tenemos los unos a los otros, a sostenernos en comunidad, desde el corazón. Es una oración viva que representa lo que estamos atravesando como humanidad; una ofrenda que honra este momento crucial, como parte del cumplimiento de la profecía del nuevo tiempo.

«‘SOMOS’ no es solo un álbum, es una invocación colectiva, un canto sagrado por la unidad, el recuerdo profundo y la sanación de nuestra humanidad. Nace desde la raíz —desde la tierra, los saberes ancestrales, las abuelas, los rituales y memorias que nos habitan— y se eleva hacia las estrellas, hacia ese futuro que soñamos con el corazón despierto. Cada canción es una medicina cantada, un puente entre mundos y un tejido vivo entre culturas. Habla de volver a ser, de recordar lo esencial, de encender el fuego interno y caminar en comunidad hacia un nuevo tiempo, guiado por el amor, la conciencia, la belleza y la verdad», cuenta MaYita.

La inspiración del disco nace de múltiples fuentes: de la tierra misma, de los cantos medicina, de las ceremonias, de los encuentros con los pueblos originarios y de las voces sabias de los abuelos y abuelas; de la familia, la comunidad, los espacios rituales… También brota del dolor colectivo de la humanidad, y de la capacidad infinita de transformación.

«Este disco es para todos los corazones que estén listos para recordar, para los guardianes del nuevo tiempo, para los pueblos, las madres, los niños, los abuelos… para ti, que escuchas el llamado de volver al corazón», agrega.

‘SOMOS’ transmite un mensaje de amor, unidad, coraje, coherencia, soberanía e integridad, dirigido a todos los que resuenan con esta energía, para que podamos sentir la fuerza de nuestros corazones a través de cada uno de sus sonidos. El disco explora sonidos que fusionan lo ancestral y lo contemporáneo: cantos de medicina, mantras, rezos indígenas, electrónica sutil, tambores ceremoniales, cuencos, flautas y elementos orgánicos entrelazados con una producción moderna.

«Los sonidos de mi tierra natal, Colombia, que vibran muy cerca de mi corazón y resuenan en la energía de mis células, habitan en mí, las altas montañas con sus ríos y bosques, el exuberante Amazonas, del Altiplano, el Caribe… También en el disco honramos todo el cosmos que habitamos y nos habita, no solo mi lugar de nacimiento, sino toda esta esfera cósmica, nuestra madre tierra que es nuestro gran hogar. Rezando en cada territorio por donde pasamos, tejiendo cada relación, cada alianza con los Guardianes del Arcoíris, sembramos semillas de amor, paz y gratitud, y de cada uno también recibimos valiosísimos regalos, magia, arte, medicina y toda esta inspiración que nos invita a crear esta música para compartir», enfatiza la artista.

Cada canción emite una frecuencia viva, diseñada para sanar, despertar y elevar. Es una producción finamente tejida. Cada capa de sonido ha sido grabada y entrelazada para crear un portal sonoro que activa la frecuencia de la sanación en cada ser y nos recuerda el poder sanador que despierta cuando reconocemos que SOMOS parte de un tejido cósmico que nos sostiene.

«Este disco no me pertenece, nos pertenece. Es un obsequio para recorrer juntos los retos y revelaciones del nuevo tiempo, acompañados por la medicina de amor hecha música», puntualiza.

Este disco es medicina para los momentos de transición, búsqueda y sanación. Es ideal para rituales personales, despertares conscientes, meditaciones, caminatas por la naturaleza o simplemente para cuando necesites recordar tu luz interior. Perfecto para las mañanas con intención y para las noches de oración. ‘SOMOS’ es un fiel compañero en esos instantes en que el alma pide sostén o inspiración.

Según MaYita, «Mi mayor deseo es que este disco toque los corazones profundamente. Que sea una herramienta de sanación, un recordatorio de lo sagrado que habita en cada ser. Espero que inspire a muchas personas a reconectar con su esencia, con su cultura, con su camino espiritual. Que sirva como un puente vivo entre mundos, entre generaciones, entre tradiciones. Más que alcanzar un éxito comercial, sueño con que ‘SOMOS’ se convierta en un legado espiritual y artístico».

La portada del disco fue canalizada como un altar visual. Refleja la visión de un nuevo mundo, donde los guardianes —visibles e invisibles— se reúnen para sostener la vida. Contiene elementos de la tierra, el cosmos, el agua, el fuego; acompañada de los espíritus guías del colibrí y el jaguar, entretejidos con intención. Cada símbolo está ahí para recordar la unidad, la belleza y el equilibrio. Fue diseñada junto a un equipo que comprendió profundamente la misión del disco como una obra sagrada, y logró traducir su espíritu en imagen.

«‘SOMOS’ llegará a ceremonias vivas. Lo compartiremos en festivales de medicina, círculos íntimos y escenarios consagrados en América y Europa. También lanzaremos videoclips sagrados para cada canción, acompañados por un documental que narra el viaje espiritual detrás del álbum. Además, habrá encuentros virtuales para conectar con la comunidad global, tejiendo puentes entre corazones despiertos más allá de las fronteras», concluye la artista.

‘SOMOS’ no es solo música, es un espejo. Escucharlo es una oportunidad para recordar quién eres, de dónde vienes y hacia dónde se dirige tu alma. Es una invitación a volver al corazón, a sentirte parte del gran tejido de la vida. En medio de un mundo ruidoso, este disco es un rezo que trae de vuelta el silencio interior y activa la memoria espiritual. Escuchar ‘SOMOS’ es escuchar tu propia voz interior convertida en canto.

Escucha ‘SOMOS’ de MaYita en tu plataforma musical favorita https://distrokid.com/hyperfollow/mayita1/somos-2

Señor Bolero llega a Barranquilla: un musical sobre el amor, la memoria y la esperanza

El musical Señor Bolero, inspirado en el Alzheimer, llega a Barranquilla el 8 de agosto con doble función en el Teatro José Consuegra Higgins

El aclamado musical inspirado en el Alzheimer, con funciones agotadas en Nueva York y Bogotá, se presentará por primera vez en la ciudad natal de su creador, Ricardo Stevan, Rey Momo del Carnaval de Barranquilla en 2023 en Nueva York.

Después de emocionar a miles de espectadores en escenarios internacionales, el espectáculo musical Señor Bolero aterriza en Barranquilla con una función doble el próximo 8 de agosto de 2025, en el Teatro José Consuegra Higgins, como parte de su Gira Internacional 2025.

Un tributo musical al poder de los recuerdos

Escrito, dirigido y protagonizado por el barranquillero Ricardo Stevan, exalumno de la Escuela de Actores de Barranquilla y del Instituto La Salle, el musical ha sido reconocido con ocho premios teatrales en Nueva York, incluyendo los galardones a Mejor Producción Latina y Mejor Obra Original.

Señor Bolero, más allá de presentar una puesta en escena fascinante y simbólica, es un homenaje a quienes enfrentan el Alzheimer, a sus familias, y a la música como vehículo de memoria y emoción.

Ambientado en un bar neoyorquino de los años 50, el espectáculo entrelaza las historias de seis personajes cuyas vidas convergen entre boleros, confesiones y momentos inolvidables. Uno de ellos, un hombre que comienza a perder la memoria, se convierte en símbolo de la fragilidad humana y del poder del amor para sostener lo que el tiempo intenta borrar.

Con una cuidada estética retro, música en vivo y más de 30 boleros clásicos —entre ellos ‘Piel canela’, ‘Nuestro juramento’, ‘Contigo aprendí’ y ‘La copa rota’—, esta obra ha sido celebrada como un viaje emocional que conecta generaciones.

Elenco estelar

El musical cuenta con un destacado elenco que reúne talento colombiano y latinoamericano compuesto por Yolanda Rayo, Ricardo Stevan, María Cristina Gálvez, Bruno Díaz, Nina Caicedo y Fernando Monge.

Producido por la Fundación Fábrica de Estrellas, con sedes en Nueva York y Colombia, Señor Bolero continúa construyendo puentes entre la nostalgia, el arte y la salud emocional, despertando reflexión y empatía en cada función.

Funciones en Barranquilla

• ·        Lugar: Teatro José Consuegra Higgins
• ·        Fecha: viernes 8 de agosto de 2025
• ·        Funciones: 5:00 p.m. y 8:00 p.m.
• ·        Entradas: disponibles en línea | Taquilla del teatro

Funciones en Barranquilla

📍 Teatro José Consuegra Higgins
📅 Viernes, 8 de agosto de 2025
🕔 5:00 PM
🕗 8:00 PM

🎟️ Boletos disponibles en: www.eventu.co

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 6

DUPLEXITY presenta Love In Reverse – USA

“Love In Reverse” es una balada pop rock vibrante que explora el dolor del amor, capturando la angustia de alejarse incluso cuando parece la decisión correcta. Coescrita por Savannah y Luke Judy junto al renombrado compositor Trey Bruce, la canción fue grabada profesionalmente en The Sound Emporium (Nashville, TN) y combina melancolía con esperanza, transmitiendo la esencia agridulce de madurar a través del amor. Con un arte visual impactante y un sonido cautivador, DUPLEXITY consolida su reputación como una fuerza emergente tras compartir escenario con artistas como Benson Boone y Hannah Bahng.

Cristian Dujmović presenta Después, el origen – Argentina y España

MOUNTS presenta Suavemente – España

“SUAVEMENTE” es el nuevo himno veraniego de Mounts, Zaid y Seni520, producido por JNull. Con un sonido fresco y vibrante de funk reguetón, el tema mezcla ritmos contagiosos, letras amorosas y una atmósfera festiva que invita a bailar desde el primer segundo. Pensado para ser la banda sonora de fiestas, chiringuitos y noches estivales, este lanzamiento consolida a los artistas gaditanos como referentes de la escena urbana andaluza, combinando una propuesta comercial con la esencia del sur. Ya disponible en todas las plataformas digitales.

Cosme De La Cruz presenta Clash – Chile

Swamp Music Players presenta Weeping Dynamite – Canada, USA y Reino Unido

“Peace” es un tema de esencia Americana con una letra cargada de simbolismo y referencias potentes. Entre imágenes como dinamita llorando, uranio empobrecido, Kryptonita y el Agente Naranja, la canción mezcla lo íntimo y lo político para crear una reflexión sobre la violencia, el poder y la fragilidad humana. Con una atmósfera cruda y poética, “Peace” se convierte en una propuesta original que invita a dejar “bien suficiente en paz” antes de que todo estalle.

Nordstahl presenta Ragnarök in Berlin – Alemania

“Ragnarök in Berlin” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis moderno, narrado desde la perspectiva de alguien que ha dejado de luchar contra él. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es perfecto para fans de Rammstein y Eisbrecher. Este sencillo forma parte de un álbum conceptual que explora el relativismo moral y el colapso social a través de metáforas mitológicas. Disponible desde el 13.07.25, la banda busca espacios en playlists, cobertura mediática e interés de sellos discográficos.

Ala Nkolika presenta We hustle we fight -USA

Ala Nkolika mixes Classic Memphis sound with amapiano. Let’s work together and promote each other platforms. Music video for the song will release August 19th. Thank you so much for your time and consideration.

Cutterred Flesh presenta The King In Yellow -Czechia

Con “The King in Yellow”, Cutterred Flesh se adentra en la mitología perturbadora de Robert W. Chambers y el horror cósmico que inspiró a Lovecraft. Este nuevo sencillo combina su brutal death metal característico con elementos disonantes y atmosféricos, dando vida a una narrativa cargada de decadencia, fatalismo y locura. Riffs aplastantes, guturales en capas y cambios de tempo dinámicos acompañan el descenso del protagonista hacia la ruina psicológica en la mítica ciudad de Carcosa, bajo la omnipresencia del Rey Amarillo. Un tema intenso y cinematográfico que muestra el lado más narrativo de la banda sin perder la ferocidad que los define.

El Drez presenta Yayo – Liberia

NESTA presenta Be My Love – USA

NESTA, artista caribeño-estadounidense emergente de Queens, NY, fusiona el Lovers Rock reggae con soul y R&B contemporáneo en “Be My Love”. Este tema sensual y rítmico captura la esencia atemporal del reggae con la profundidad emocional de artistas como Brent Faiyaz y Chronixx. El sencillo ya está ganando tracción internacional y contará con un remix junto al ícono británico Wretch 32, previsto para el 1 de agosto. Con esta campaña buscan ampliar su alcance global a través de playlists, blogs, radios (especialmente en Reino Unido, Francia y África) e influencers, consolidando a NESTA como una voz global del reggae moderno.

MAXIIM presenta You Fly In My Spirit (Remix) – Francia

Tras conmover con la versión original de “You Fly In My Spirit”, el artista francés MAXIIM presenta un hipnótico remix electrónico creado en colaboración con el colectivo berlinés Theatrophone Music. Este nuevo lanzamiento mantiene la esencia emotiva del tema original, pero la transforma con una energía profunda y vibrante directamente desde la escena underground de Berlín. Un puente sonoro entre el pop francés y la electrónica europea, listo para encender las pistas de baile en Brasil y más allá.

Sonidos especiales descubiertos en Groover en Julio-25 – Vol 5

Westwell presenta If I’m not with you – USA

“Not With You” es una balada indie folk cinematográfica que se apoya en guitarras etéreas, texturas ambientales y voces melancólicas. La canción habla de la distancia y la ausencia emocional, desarrollándose como una reflexión de combustión lenta que envuelve con una intensidad serena y contenida.

LevyM presenta Lo Que Soy

“Lo Que Soy” es una vibrante colaboración entre el productor neerlandés de Afro House LevyM, el creador de hits latinos Michael Mendoza y la vocalista BĒNI. El tema fusiona la profundidad del Afro House con la calidez de las raíces latinas, a través de una línea de bajo bailable, percusión rica en matices y una interpretación vocal que combina spoken word con alma y emoción. Más que una canción, es un viaje intercultural que explora la identidad, la herencia y el ritmo, ideal para listas de reproducción con sonidos globales, sesiones junto al mar o selecciones de house con alma.

Cortez Lake presenta It’s Just Me – USA

“It’s Just Me” es un himno auténtico y optimista que celebra la individualidad, la seguridad en uno mismo y la fuerza de ser fiel a lo que eres sin disculpas. Con una producción enérgica, letras introspectivas y un hook contagioso, el tema invita a bailar y reflexionar al mismo tiempo. Perfecto para listas de reproducción con vibras positivas, mood playlists y para acompañar el creciente buzz de sus próximos lanzamientos.

COMMOTION presenta stargazing – USA

“Stargazing” es una canción cargada de emoción dedicada a quienes han perdido a alguien muy querido. Con vibras de alt/hip-hop, el tema combina una atmósfera introspectiva con un tono melancólico que invita a la reflexión y la conexión profunda. Es un homenaje sonoro al recuerdo y al proceso de sanar a través de la música.

Jack Horton presenta Never Know Why (feat. Vesper Stockwell) – Japon y USA

“Never Know Why” es un poderoso dúo extraído del EP Imperfections. La canción comienza de forma minimalista y va creciendo hasta desplegar una sinfonía completa, con armonías deslumbrantes entre la voz clara de Vesper Stockwell y la tonalidad áspera del intérprete principal. Este tema es una balada sobre el amor y la necesidad inexplicable de estar con alguien, incluso cuando no hay razones claras. Un viaje emocional que combina delicadeza e intensidad.

Groove Incorporated presenta Thinkin Of You – Nueva Zelanda

Con más de 75 mil visualizaciones en YouTube y 22 mil reproducciones en Spotify en su primer mes, este tema ya está generando un impacto notable. El éxito inicial respalda su potencial para una mayor promoción y consolidación como un lanzamiento destacado. Una propuesta cargada de emoción y autenticidad que sigue sumando oyentes alrededor del mundo.

Nordstahl presenta Mjölnir – Alemania

“Mjölnir” fusiona la mitología nórdica con un comentario social brutal sobre el apocalipsis contemporáneo. Con letras crudas en alemán y paisajes sonoros de metal industrial aplastante, el tema es ideal para fans de Rammstein o Eisbrecher que buscan una descarga intensa y reflexiva sobre la sociedad actual.

Nordstahl presenta Lokis Lügen – Alemania

TEAM A!MS presenta A!MS X ARRDEE – NEED SOMEBODY – Cyprus y Reino Unido

A!MS une fuerzas con el favorito del rap británico ArrDee en “Need Somebody”, un pegajoso y melódico tema veraniego con vibras de Afrobeats. Este sencillo anticipa el próximo álbum Peak Season, donde A!MS presenta su innovador género Global Street, que fusiona ritmos urbanos con influencias culturales de todo el mundo. Producido por Golden Boy (Colombia) y con letras coescritas por Stige, el track transmite un mensaje de escape, seguridad y unión. Tras el éxito de Light & Love junto a Julian Marley (más de 5 millones de reproducciones y candidatura al GRAMMY), A!MS confirma su proyección internacional con apoyo de medios como Billboard, BBC 1Xtra, BET y el propio legado Marley.

Piero Farho presenta Ya Sayidi

“Ya Sayidi” es un cautivador tema de Afro House que combina grooves profundos, percusión tribal y ricas influencias árabes y norteafricanas. La canción fusiona texturas tradicionales con ritmos afro modernos, creando una energía hipnótica y espiritual que es a la vez cruda y sofisticada. Es un homenaje sonoro a las raíces culturales y al movimiento, ideal para transportar a los oyentes a noches en el desierto, rituales sagrados y pistas de baile hasta el amanecer. Perfecto para amantes de los sonidos afrocéntricos con emoción, ritmo e identidad.

[Estreno] Farid Abauat lanza ‘Manos vacías’, una reflexión sobre las inseguridades del amor

El cantautor colombiano Farid Abauat estrena ‘Manos vacías’, un sencillo que retrata el contraste entre dos mundos: el de una persona que va lento y con dudas, frente al que parece tenerlo todo claro y controlado.

La canción nació de una reflexión personal sobre las inseguridades que vivimos cuando nos enfrentamos al amor. Aborda el sentimiento de no tener nada que ofrecer y llegar con las manos vacías, mientras la otra persona parece brillar y avanzar con una velocidad que no podemos seguir.

‘Manos vacías’ fue co-escrita por Farid Abauat y Alejandro Prias, quien estuvo al frente de la producción, mezcla y masterización.

A veces por inseguridades nos inhibimos de dar el primer paso hacia el amor, pero en este caso es una invitación a la aventura:

«Quise explorar ese tema desde un lugar honesto, por eso la canción tiene un sonido pop alegre, casi en contraste con lo que está diciendo la letra. En el fondo, es una canción sobre cómo el amor puede sanar inseguridades y enseñarte a vivir», comenta Farid Abauat.

Y agrega: «Queríamos ofrecer al público una imagen muy clara de lo que se siente estar enamorados. Hubo una frase que nos marcó: ‘¿Recuerdas cuando estábamos enamorados? Mis hombros a tu peso tan acostumbrados’, de ahí nace el resto de la canción. Pues no hay mejor momento para demostrar el amor que cuando dos personas se están conociendo y están emprendiendo un viaje amoroso».

La canción encaja de manera natural dentro del concepto del próximo álbum. Cada canción de este proyecto aborda una «patología emocional» distinta, contada a través de historias personales y metáforas médicas.

En este caso, ‘Manos vacías’ representa la inseguridad crónica, una especie de síndrome del impostor emocional que muchos sentimos cuando creemos que no somos suficientes para alguien que admiramos o que va mucho más rápido que nosotros.

Musicalmente, la canción aporta un color sonoro distinto: es más luminosa, más pop, contrastando con algunos temas más oscuros que tendrá el álbum.

Nadie llega a Bogotá para celebrar 30 años de carrera junto a Triple X y Victimized

La banda de punk rock colombiana Nadie, liderada por el cantante y guitarrista Julián Velásquez, regresa a Bogotá para celebrar 30 años de carrera el próximo sábado 23 de agosto en Boro Room (Calle 55 #13-51) en compañía de las agrupaciones capitalinas Triple X y Victimized.

«En esta gira 2025 celebramos los 30 años de la banda con un show de 30 temas que recorren toda la discografía desde ‘Nadie’ hasta ‘Monólogos de un perro con bozal’. Será la banda con su sonido crudo característico en formato power trío tocando sin parar y directo al hueso», cuenta Julián.

Compra tus entradas en línea acá

https://www.biciq.com/info-event/nadie-30-anos-en-bogota-23-de-agosto-2025-a6a3b013

Para el concierto de Nadie en Bogotá las boletas tienen un costo en Preventa de $80.000 y el día del evento de $100.000. Compra tus entradas en puntos físicos en La Valija de Fuego y Oi Distro (Chapinero), Sin Fronteras Discos (Corferias) y Blasting Records (Centro). 

La gira nacional de los 30 años de Nadie iniciará el 26 de julio en La Unión, Antioquia; el 2 de agosto en Andes, el 22 del mismo mes en Pereira, el 23 en Bogotá y para cerrar el mes el 30 en Medellín. Para septiembre, el grupo se presentará el 6 de septiembre en Chinchiná, el 13 en Rionegro, el 19 en Bucaramanga y el 20 en Cúcuta. El 12 de octubre la banda se presentará en Córdoba, el 18 en Cali, en Sogamoso el 16 y finalizará la gira el 22 de noviembre con el prelistening del nuevo disco en Medellín. La banda tendrá más fechas en diferentes ciudades del país que irán anunciando a través de sus redes sociales.

«Con esta gira nacional queremos mantener vigente la banda y continuar el camino de nuevo con firmeza y solidez, ya que los últimos 15 años han estado fragmentados por salidas de integrantes y asuntos personales de Julián, vocalista y guitarrista», agrega la agrupación.

Julián Velásquez se encuentra componiendo el nuevo álbum de Nadie titulado ‘Veneno’, el cual tendrá entre 10 y 12 canciones. Este disco llevará una temática general cargada de mensajes para un despertar muy necesario de la humanidad en una era de control total de la mente y del cuerpo.

«Estamos viviendo una guerra desde hace más de 150 años y esa guerra es contra la humanidad, por eso este disco es el llamado a los que ya están y a las nuevas generaciones para desobedecer todo lo que nos quiera controlar y creer en nosotros. Es una invitación a cuidarnos entre todos y hacernos el aguante para lo que viene que no será fácil y nos tocará pelearlo», enfatiza Julian.

«Queremos que muchas personas asistan a nuestros conciertos para que puedan disfrutar nuestra música, propuesta y mensaje, de paso verles las caras de satisfacción que tanto nos gusta ver cuando tocamos y nos escuchan lo cual es un regalo de la vida», concluye Nadie.

El concierto de Nadie en Bogotá es organizado por Lacopyrat Colectivo.

[Estreno] Ale G Queen le canta al amor incondicional en ‘Pa’ ti es bonito’ ¡Mira el video!

La cantante y compositora colombiana Ale G Queen regresa este 2025 llena de música que compartirá con el universo entero. La artista radicada en Italia ha publicado en los últimos meses colaboraciones musicales de gran importancia junto a artistas de la talla de Wilgenis Vergara, J8Man, Jhohan RM y el rapero italiano Eleven the King, entre ellos, el remix de su éxito ‘Narciso’.

‘Pa’ ti es bonito’ es el nuevo lanzamiento de Ale G Queen, una canción de amor incondicional para dedicarle a tu persona favorita. Es una canción especial que aborda una temática de amor puro y real, ideal para dedicarle a tu pareja o a esa persona que amas para que sepa que siempre estás ahí con ella a pesar de todas las adversidades.

«Me inspiré en las parejas que a veces discuten y arman problema por todo, es una invitación a darse cuenta de que hay que ser un equipo y deben apoyarse en las buenas y en las malas», cuenta Ale G Queen.

«Debemos siempre cultivar una relación a partir del amor y la amistad con nuestras parejas. No hay que hacerse drama. Debemos apoyarnos mutuamente con nuestros seres amados y estar listos para hacer un equipo y salir adelante juntos», agrega la cantante colombiana.

A nivel sonoro, ‘Pa’ ti es bonito’ es un merengue urbano que incorpora instrumentos como la conga, la tambora y el saxo para darle un sonido más universal al sencillo. Artísticamente, el tema está inspirado e influenciado por cantantes de la talla de Juan Luis Guerra y Manuel Turizo.

‘Pa’ ti es bonito’ de Ale G Queen es una declaración de intenciones en donde el amor prevalece. Es una invitación a tomar el camino de la felicidad.

«Quiero que con esta canción todo el mundo se preocupe más por amar que por pelear, que vivamos felices sin darle prioridad a los problemas y las preocupaciones. La vida es una sola y el amor es para siempre», enfatiza la artista.

‘Pa’ ti es bonito’ es el quinto lanzamiento de esta nueva etapa profesional de Ale G Queen. La artista prepara sus próximos lanzamientos ‘I was born to love’ y ‘Todo bien’, además del remix de su éxito ‘Menea’.

Humildad y sensibilidad son las principales características que Ale G transmite a través de sus canciones llenas de sentimiento y corazón, guiadas siempre por su productor musical y su entrenador vocal y compositor venezolano José Pepe Orta, conocido por trabajar con artistas de renombre como José Luis Rodríguez ‘El Puma’ y Nino Segarra.

Escucha ‘Pa’ ti es bonito’ de Ale G en tu plataforma musical favorita https://onerpm.link/890905473295