Descubrimientos de Xonny en Groover de octubre 2026 | Vol 16
Cinco canciones, cinco nuevos descubrimientos y cinco razones para darle play a sonidos que quizá todavía no conocías.
En FRECUENCIA ALTERNATIVA abrimos una ventana a nuevos artistas y propuestas que llegan desde distintos rincones del mundo. En cada volumen reunimos canciones que nos llamaron la atención por su sonido, su personalidad y aquello que las hace diferentes.
Dale play, descubre nuevos nombres y déjate sorprender por la música que encontramos en el camino.
La próxima canción que te guste podría estar aquí. ✨
1. Profiler presenta Therapy In Me
A veces, sanar comienza cuando dejamos de huir de nuestro propio pasado.
Con “Therapy In Me”, la banda británica Profiler explora el proceso de enfrentarse a las experiencias que nos han marcado y transformar las heridas en oportunidades de crecimiento. La canción nació durante una etapa en la que su vocalista, Mike, buscaba encontrar calma frente al peso del mundo, y esa necesidad de introspección atraviesa su mensaje.
La letra aborda la importancia de reconocer el trauma, encontrar espacios seguros para procesarlo y comprender cómo los errores pueden convertirse en aprendizajes. También se adentra en la manifestación personal, la búsqueda del éxito a través de la creatividad y la frustración ante el rumbo de la sociedad actual.
En el plano musical, Profiler combina riffs contundentes, una interpretación vocal intensa y una sensibilidad introspectiva que conecta con quienes encuentran en el rock y el metal una manera de expresar emociones complejas. La banda, procedente de Bristol, ha construido una identidad dentro de la escena underground gracias a sus letras reflexivas y a una propuesta sonora que equilibra la agresividad instrumental con la vulnerabilidad emocional.
“Therapy In Me” no plantea la sanación como un camino sencillo, sino como un proceso que requiere reconocer lo vivido y abrirse a nuevas posibilidades. Una canción para recordar que mirar hacia dentro también puede ser una forma de avanzar.
2. Alan-B-K & Johnny Novaro presenta Make It Real
Las ideas no cambian nuestra vida hasta que decidimos darles forma.
“Make It Real” parte de un mensaje directo: creer en lo que imaginamos, encontrar nuestro propio camino y dejar de aplazar aquello que queremos construir. La canción reúne a Alan-B-K y Johnny Novaro en una colaboración que combina sus diferentes perspectivas musicales para dar vida a una propuesta electrónica dinámica y optimista.
La letra, escrita por Jutta Elisabeth Rendler, aporta el centro emocional de la canción y refuerza la invitación a pasar de la intención a la acción. En lugar de quedarse atrapada en el terreno de los sueños y las posibilidades, la propuesta anima a confiar en las propias decisiones y convertir las ideas en experiencias reales.
Alan-B-K aporta su enfoque electrónico y una base rítmica orientada al movimiento, mientras que Johnny Novaro suma su sensibilidad melódica, su afinidad por los ganchos pegadizos y sus influencias del pop, la electrónica y el R&B. El encuentro entre ambos da forma a una canción que busca equilibrar energía, melodía y un mensaje personal.
Lanzada el 16 de octubre de 2026 a través de SMOPP Records, “Make It Real” funciona como un recordatorio de que avanzar exige algo más que imaginar un futuro diferente: también implica atreverse a construirlo.
Una invitación a dejar atrás el «algún día» y empezar a convertir los sueños en realidad.
3. Uncle Fester on Acid presenta Picky
A veces, el ritmo más hipnótico es el que sabe exactamente cuándo dejar espacio al silencio.
“Picky” forma parte de Dub Xcursions, un EP de cuatro temas publicado por Dubsyndrome Records que reúne al productor David Harrow con Uncle Fester on Acid en una exploración de las posibilidades del dub, el trip-hop y la electrónica experimental.
La pieza se apoya en una atmósfera profunda, líneas de bajo envolventes y ritmos que encuentran su fuerza en la repetición. Los ecos, las reverberaciones y los detalles de producción construyen un espacio sonoro en el que cada elemento tiene tiempo para desarrollarse, sin necesidad de saturar la mezcla.
El proyecto se relaciona con una tradición electrónica que privilegia la experimentación y el trabajo minucioso con el sonido. David Harrow, músico y productor con una larga trayectoria en la electrónica, aporta su experiencia en la construcción de texturas y estructuras rítmicas, mientras que la intervención de Uncle Fester on Acid renueva el material con una perspectiva contemporánea.
Dub Xcursions recupera una publicación originalmente lanzada en 2015 y presenta una nueva versión sonora, disponible en plataformas digitales y en una edición limitada de vinilo de 12 pulgadas. En este contexto, “Picky” ofrece una experiencia que puede funcionar tanto en sesiones de escucha nocturna como en selecciones de DJ que buscan explorar los rincones más atmosféricos de la música electrónica.
Una invitación a dejarse llevar por el bajo, los ecos y ese movimiento sutil que convierte la repetición en una experiencia envolvente.
4. Amanda Fagan presenta Breath on the Mirror
¿Qué sucede cuando la parte más oscura de nosotros deja de obedecer nuestras reglas?
Inspirada en la célebre novela gótica El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, “Breath on the Mirror”, de Amanda Fagan, explora el conflicto entre las facetas opuestas de la identidad humana. La canción y su videoclip parten de una idea inquietante: un hombre cree que puede separar su lado bondadoso de su parte maligna, permitir que esta última actúe y después regresar a quien era antes.
Pero esa separación, que inicialmente parece estar bajo su control, se convierte progresivamente en una amenaza. Mr. Hyde gana terreno hasta que el doctor Jekyll pierde su lugar, quedando simbólicamente atrapado en un espejo, como si ya no pudiera recuperar la identidad que alguna vez consideró propia.
La propuesta utiliza esta reinterpretación del clásico de Robert Louis Stevenson para explorar la dualidad, la pérdida de control y las consecuencias de intentar compartimentar aquello que forma parte de nosotros. El espejo se convierte en una imagen central: no solo refleja una apariencia, sino que también representa la frontera cada vez más frágil entre lo que mostramos al mundo y aquello que preferimos mantener oculto.
El videoclip acompaña la narración mediante la transformación del protagonista en dos personajes diferenciados, haciendo visible el conflicto que sostiene la historia.
“Breath on the Mirror” invita a mirar de frente las contradicciones humanas y plantea una pregunta incómoda: ¿hasta qué punto podemos controlar aquello que decidimos alimentar dentro de nosotros?
Una propuesta narrativa que transforma una historia gótica clásica en una exploración audiovisual de la identidad y sus sombras.
5. Conrado Cimino presenta Afuera
Hay acontecimientos capaces de cambiar nuestra manera de mirar el mundo para siempre.
Con “Afuera”, el músico argentino Conrado Cimino comparte una pieza instrumental profundamente personal, concebida como una oda al milagro de la vida y, en particular, al nacimiento de su hija. La canción forma parte de Prisma, un álbum de 16 temas publicado el 16 de octubre de 2026 y producido por Alejandro Staro y Nicolás Camarero.
Al tratarse de una composición instrumental, su historia no depende de palabras: la emoción se construye a través de los sonidos, las atmósferas y el espacio que la música deja para que cada oyente encuentre su propia interpretación. El nacimiento de una hija se convierte aquí en el punto de partida de una reflexión sobre la vida, la transformación y la llegada de alguien capaz de cambiarlo todo.
Entre sus referencias musicales aparecen nombres como Bonobo, Photay, Air, Kamaal Williams y OHMA, artistas vinculados a diferentes formas de explorar la electrónica, las texturas atmosféricas y los cruces entre géneros. Estas influencias sitúan el proyecto dentro de un universo sonoro abierto a la experimentación y a la construcción de paisajes musicales.
“Afuera” propone detenerse un momento y escuchar desde otro lugar: no como quien busca una historia explicada, sino como quien se permite sentir una emoción que puede ser distinta para cada persona.
En el contexto de Prisma, la pieza representa una celebración íntima de la vida y de esos instantes que reorganizan nuestras prioridades, abren nuevas perspectivas y nos recuerdan la capacidad de asombro que todavía conservamos.
Una composición para escuchar sin prisa y dejar que la música acompañe aquello que las palabras no siempre alcanzan a expresar.