El ska, el reggae y el punk serán protagonistas en El Concierskazo 2026

Del 22 de agosto al 3 de octubre, el circuito reunirá bandas, selectores y DJs en seis jornadas de música en vivo, cultura independiente y acción solidaria.

El circuito musical El Concierskazo regresa con seis fechas con agrupaciones, selectores, DJs, escenarios y públicos de las escenas ska, reggae y punk de la ciudad. La programación se desarrollará entre el 22 de agosto y el 3 de octubre en Boro Room, Latino Power, Secta Colectiva y La Sucursal Venue, combinando conciertos de bandas en vivo con jornadas centradas en la cultura del vinilo y la selección musical.

El proyecto fue seleccionado como ganador de la Beca LEP de Circulación – Circuitos de Música en Vivo 2026 del Programa Distrital de Estímulos de Idartes, y su edición 2026 continúa el trabajo que El Concierskazo viene desarrollando como plataforma de circulación para músicas alternativas en Bogotá.

El Concierskazo surgió en 2023 y realizó sus primeras versiones en 2024 en el Centro Histórico de Bogotá. Su recorrido se articula con experiencias de gestión y circulación como Ska Para Todos Fest y Ska Punkie Reggae Parties, fortaleciendo la relación entre artistas, espacios culturales y audiencias de la ciudad.

UNA PROGRAMACIÓN ENTRE BANDAS, SELECTORES Y DJs

La edición 2026 propone una programación que cruza agrupaciones de ska, reggae y punk con selectores y DJs. Entre los proyectos anunciados están El Punto Ska, Alma de León, La Fiskalia, Skandalo Oi, The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF, Urban Noise, Los Candelarians y Desorden Social, además de una banda sorpresa que será revelada para el cierre del circuito.

En las jornadas de selección musical participarán Alejo Sounds, Diego 25, Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero, Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot, La Calandria, Insectoi, Laura Casas y Big Dirty Beat. Esta combinación permite que cada fecha tenga una identidad propia y, al mismo tiempo, haga parte de un recorrido común por distintas expresiones de la escena independiente bogotana del ska.

PROGRAMACIÓN DEL CIRCUITO EL CONCIERSKAZO 2026

Vol 1. Sábado 22 de agosto en Boro Room. El Punto Ska, Alma de León, La Fiskalía, Skandalo Oi y Alejo Sounds. Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.

VOL. 2. Sábado 29 de agosto en Latino Power. The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF y Diego 25. Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.

VOL. 3. Viernes 4 de septiembre en Secta Colectiva. Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero y más por confirmar. Entrada libre.

VOL. 4. Sábado 19 de septiembre en La Sucursal Venue. Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot y más por confirmar. Costo $15.000 en preventa y $20.000 el día del evento.

VOL. 5. Sábado 26 de septiembre en Secta Colectiva. La Calandria, Insectoi, Laura Casas y más por confirmar. Entrada libre.

VOL. 6. Sábado 3 de octubre en Boro Room. El Punto Ska (Lanzamiento álbum ‘Contratempo’), Urban Noise, Los Candelarians, Desorden Social, Banda sorpresa y Big Dirty Beat, Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.

ENTRADAS QUE TAMBIÉN PUEDEN CONVERTIRSE EN AYUDA

Las entradas para las fechas pagas también podrán intercambiarse por mercados o donaciones destinadas a las familias y animales damnificados por el terremoto. Las donaciones pueden gestionarse a través de las bandas participantes o entregarse en los puntos aliados Lucky Cat Store, Oi Distro y Z4 Custom.

Esta acción solidaria hace parte del circuito y busca aprovechar cada fecha como un punto de encuentro para movilizar ayuda hacia las zonas afectadas, con especial atención a Chocó y a las comunidades que requieren apoyo.

Beauty Queen & Human Barbie — “Spaced”: una pausa para dejarse llevar

Hay canciones que parecen pedirte exactamente lo contrario de lo que exige el mundo: que bajes el ritmo, respires y simplemente te dejes llevar. “Spaced”, la colaboración entre Beauty Queen y Human Barbie, encuentra ese lugar entre el bedroom pop, el lo-fi y el slacker rock, construyendo una atmósfera relajada, cálida y ligeramente soñadora.

La producción avanza sin prisa, sostenida por líneas suaves y una interpretación vocal serena que mantiene todo en un estado de calma casi hipnótica. No busca grandes explosiones ni cambios dramáticos; su atractivo está precisamente en esa sensación de continuidad, como si la canción flotara durante unos minutos sin necesidad de llegar a ningún lugar concreto.

Ese carácter descomplicado conecta muy bien con el universo del bedroom pop: una música cercana, íntima y poco preocupada por las reglas del pop convencional. En “Spaced”, Beauty Queen y Human Barbie convierten esa sencillez en una virtud, creando un espacio sonoro que funciona casi como una pequeña escapada mental.

Lanzada a través de Beformer, la canción continúa el camino abierto por Blade of Light, el álbum debut de 2026, ampliando ese universo hacia un terreno todavía más relajado y contemplativo.

“Spaced” es, en esencia, una canción para no hacer nada por unos minutos: cerrar los ojos, dejar que el sonido avance y permitir que la mente viaje.

Ruben Spera — “Esta Noche”: una nueva voz para una historia que ya conocíamos

Con “Esta Noche – Stasera Spanish Version”, Ruben Spera recupera una de sus canciones para llevarla a un nuevo territorio lingüístico. El tema es la versión en español de “Stasera”, originalmente publicada por el músico italiano, y representa una interesante forma de acercar su propuesta a la audiencia hispanohablante.

Spera se mueve principalmente dentro del indie rock y el pop rock, combinando una sensibilidad melódica con una identidad claramente ligada a la canción italiana. En esta nueva versión, el cambio de idioma no funciona simplemente como una traducción: permite que la canción adquiera otra cercanía y encuentre nuevos matices en la interpretación.

“Esta Noche” conserva así el espíritu de la composición original mientras abre una segunda puerta de entrada a su universo musical. Es una propuesta especialmente interesante para quienes disfrutan descubrir cómo una misma canción puede transformarse cuando cambia de idioma, manteniendo su esencia pero adquiriendo una nueva personalidad.

El recorrido de Ruben Spera también muestra esa amplitud estilística. Su catálogo incluye trabajos que transitan entre indie rock, pop y diferentes aproximaciones al rock alternativo, mientras que “Esta Noche” se suma a una etapa en la que el artista explora también la conexión con el público de habla hispana.

Más que una simple traducción, “Esta Noche” puede entenderse como una segunda vida para una canción: la misma historia, otra lengua y una nueva oportunidad para encontrar oídos al otro lado de la frontera.

Ava Valianti — “alterations”: cuando cambiarte no consigue hacerte sentir suficiente

Con “alterations”, Ava Valianti se adentra en uno de los territorios más vulnerables de su escritura: la relación con el propio cuerpo y la presión de sentir que siempre hay algo que debería cambiar. La joven cantautora de Massachusetts convierte esa experiencia en una canción de indie pop/pop-rock profundamente personal, pero planteada desde una perspectiva que busca que el oyente pueda reconocerse en ella.

La canción retrata ese ciclo agotador en el que la comparación y el perfeccionismo empiezan a distorsionar la manera en que nos vemos. La idea de modificar el cuerpo para alcanzar una versión considerada “suficiente” se convierte en el centro de una narrativa que, lejos de glorificar esa lucha, expone el desgaste emocional que produce perseguir un estándar imposible.

Musicalmente, Valianti combina melodías de carácter íntimo con una producción indie pop-rock de mayor amplitud, dejando que la vulnerabilidad de la historia conviva con una energía creciente. Su estilo se caracteriza precisamente por unir letras introspectivas con melodías expansivas y una base guiada por guitarras.

Lo más valioso de “alterations” está en que no pretende ofrecer una solución sencilla. La canción abre una conversación sobre imagen corporal, autoestima y la manera en que aprendemos a mirarnos, invitando a reemplazar las expectativas imposibles por una mirada más amable hacia nosotros mismos.

A sus 17 años, Ava Valianti demuestra una madurez especial para convertir una experiencia íntima en una historia compartida. “alterations” no habla solamente de querer cambiar: habla del momento en que empezamos a preguntarnos por qué sentimos que tenemos que hacerlo para merecer sentirnos bien con nosotros mismos.

SHOSH x BEANIE — “Villain”: oscuridad, bajos y energía sin concesiones

Con “Villain”, SHOSH y BEANIE se encuentran en un terreno dominado por los bajos, la tensión y una energía oscura. Publicado por Bassrush Records, el track se mueve dentro del universo del dubstep y el bass music, con una estructura orientada claramente a la pista y a los momentos de mayor impacto en un set.

A 140 BPM, la producción mantiene un pulso rápido y contundente, mientras su tonalidad en E♭ menor refuerza esa sensación sombría que sugiere el propio título. El tempo permite trabajar con golpes secos, cambios de intensidad y espacios preparados para que el bajo tenga un papel protagonista.

La colaboración entre SHOSH y BEANIE apuesta por una estética que no busca suavizar el sonido: “Villain” se construye desde la actitud, utilizando el peso del low-end y la energía del dubstep para crear una experiencia agresiva y directa.

El lanzamiento también llega respaldado por una plataforma importante dentro de la escena bass. Bassrush, sello de Insomniac Music Group dedicado a sonidos como dubstep, drum & bass y bass music, sitúa el track dentro de una escena especializada en producciones de alto impacto.

“Villain” no necesita demasiadas explicaciones: entra oscuro, golpea fuerte y deja que el bajo haga el resto. Una propuesta para quienes prefieren la electrónica cuando abandona la comodidad y se mete de lleno en su lado más pesado.

Henri Bergmann, Y do I & Wennink — “Dark Darker”: una colaboración que lleva el house hacia territorio hipnótico

“Dark Darker” reúne a Henri Bergmann, Y do I y Wennink en una producción de house electrónico publicada por Interstellar Recordings, sello perteneciente al ecosistema de Insomniac Records. El lanzamiento se mueve entre el melodic house, progressive house y bass house, con una identidad orientada tanto al club como a los sets de electrónica de alto perfil.

Pero hay un detalle que hace especialmente interesante a este lanzamiento: “Dark Darker” comenzó a circular en programas de radio especializados incluso antes de su lanzamiento oficial. El track apareció en el episodio 731 de Protocol Radio, presentado por Nicky Romero, y posteriormente formó parte del tracklist de CYB3RPVNK Radio #724 de R3HAB.

También fue incluido por Ferry Corsten en Resonation Radio 299, compartiendo espacio con nombres como Marsh, Meduza & Kevin de Vries y Charles D.

Ese recorrido previo le da al tema una dimensión interesante: antes incluso de llegar oficialmente al público, ya estaba encontrando espacio dentro de algunos de los principales escaparates radiofónicos de la electrónica contemporánea.

Más allá de su presencia en estos programas, “Dark Darker” destaca por la convergencia de tres productores con sensibilidades distintas dentro del house. El resultado apunta hacia un sonido profundo, atmosférico y de construcción progresiva, donde la energía del club se encuentra con una estética más envolvente y oscura.

Lanzado el 21 de agosto de 2026 por Interstellar Recordings, “Dark Darker” llega así con un recorrido poco habitual para un lanzamiento reciente: ya había sido escuchado y seleccionado por algunos de los nombres más reconocibles de la escena electrónica antes de su llegada oficial.

ØZWALD — “Stream of Dreams”: entre los sueños y una realidad construida a mano

Con “Stream of Dreams”, ØZWALD abre una nueva etapa creativa con el primer adelanto de Strange Thoughts, el que será el octavo álbum del dúo formado por Jason Wade y Steve Stout. La canción nace de un proceso de varios años de trabajo en estudio y muestra una propuesta que combina sensibilidad indie rock con una producción cuidadosamente construida alrededor de instrumentos reales.

Uno de los elementos que distingue al tema es la incorporación de cuerdas y vientos interpretados por un cuarteto en vivo, cuyos arreglos estuvieron a cargo del músico y compositor Jordan Lehning. El resultado amplía el paisaje sonoro de la canción y aporta una dimensión casi cinematográfica a su estructura, alejándola de una producción puramente basada en capas digitales.

Ese enfoque forma parte de la filosofía de grabación que ØZWALD ha desarrollado para Strange Thoughts. Steve Stout ha explicado que gran parte del material fue construido con instrumentos grabados en vivo, utilizando muy poco MIDI o instrumentos sampleados, y combinando una cadena de grabación analógica con herramientas digitales para la edición y mezcla.

En “Stream of Dreams”, esa atención al detalle se encuentra con una idea tan sugerente como su propio título: un flujo de sueños, un espacio donde lo real y lo imaginado pueden convivir. La canción funciona así como una puerta de entrada al universo de Strange Thoughts, un proyecto que parece interesado tanto en la emoción de la composición como en la textura y profundidad de su sonido.

Más que un simple adelanto, “Stream of Dreams” deja entrever un álbum construido desde la paciencia, la colaboración y el gusto por los instrumentos que respiran dentro de una grabación. Y eso se nota en una propuesta que busca conservar algo esencial: que detrás de cada capa todavía se pueda sentir a las personas tocando. 🎶

Marti West — “Making My Way To You”: un camino de folk entre la distancia y el encuentro

Con “Making My Way To You”, Marti West continúa explorando ese territorio donde el folk introspectivo y las armonías etéreas se encuentran. El cantante y compositor anglo-italiano, nacido en la Toscana, ha construido su identidad alrededor de canciones sensibles y contemplativas, desarrollando una propuesta que puede moverse desde el indie folk hasta texturas más atmosféricas.

El nuevo single parte de una idea tan sencilla como poderosa: el camino hacia alguien que importa. Su propio título sugiere movimiento, distancia y deseo de encuentro, mientras la sensibilidad folk de West permite que la emoción permanezca en primer plano sin necesidad de recurrir a excesos.

Hay una cualidad especialmente cinematográfica en su manera de abordar la canción. La imagen de la portada —una figura frente al mar y un horizonte abierto— encaja con esa sensación de estar avanzando hacia algo todavía distante. Es una música que parece encontrar belleza en el trayecto, en ese espacio entre saber dónde queremos llegar y todavía estar haciendo el camino.

La trayectoria de West ayuda a entender esta sensibilidad. Desde su debut con Istanbul en 2016, el artista ha desarrollado una carrera marcada por el indie folk y las armonías etéreas, llegando incluso a colocar su música en producciones audiovisuales como The Village de NBC y Love in the Villa de Netflix.

Con “Making My Way To You”, Marti West vuelve a ese lugar donde la intimidad, la melodía y la sensación de movimiento se convierten en una misma historia. Una canción para escuchar sin prisa, especialmente cuando el camino hacia alguien todavía no ha terminado.

Zuhal Gözen — “The Turning Point”: cuando el dolor se convierte en fuerza

“The Turning Point” es una balada de pop cinematográfico que se mueve alrededor de uno de esos momentos capaces de cambiar el rumbo de una vida. Zuhal Gözen transforma el desamor y la pérdida en una reflexión sobre el autodescubrimiento, la fortaleza y la posibilidad de volver a empezar.

La canción parte de una combinación de piano íntimo, texturas atmosféricas y una interpretación vocal de gran carga emocional. La producción comienza desde un espacio contenido y vulnerable, permitiendo que la emoción se desarrolle progresivamente hasta alcanzar momentos de mayor intensidad. Ese crecimiento funciona como reflejo de la propia historia: del dolor inicial hacia una sensación de esperanza y resiliencia.

Más que quedarse en la tristeza, “The Turning Point” encuentra su identidad en ese instante en que algo se rompe y, al mismo tiempo, abre la posibilidad de construir de nuevo. Es una canción sobre aceptar que algunas experiencias nos cambian para siempre, pero también sobre descubrir que un final puede convertirse en el comienzo de una versión diferente de nosotros mismos.

DJ Vik — “The Night City Lights”: romance, neón y energía electrónica bajo el cielo de la ciudad

Con “The Night City Lights”, DJ Vik construye una postal nocturna donde la electrónica se encuentra con una estética futurista, romántica y ligeramente melancólica. El track se mueve entre Bass House y Deep Trance, tomando la noche de una gran ciudad como escenario para una historia de encuentros, movimiento y escapismo.

La producción está marcada por un tempo de 135 BPM, un groove de bajo contundente y capas de supersaws procesadas con sidechain, elementos que aportan amplitud y movimiento al arreglo. Los gated snares, el ping-pong delay, la percusión electrónica y los detalles de flauta ney amplían la paleta sonora, incorporando un matiz oriental dentro de una producción esencialmente electrónica.

Uno de los recursos más interesantes del tema es el contraste vocal. Una voz femenina de carácter sensual se encuentra con un registro masculino grave, generando una especie de diálogo entre dos personajes que parecen buscarse entre las luces de la ciudad. Los versos mantienen una atmósfera más contenida hasta desembocar en un estribillo de mayor intensidad, acompañado por una modulación que lleva la canción hacia su momento más expansivo.

Ese juego entre intimidad y explosión también define la identidad emocional de “The Night City Lights”. Aunque está construido para la pista de baile, existe una melancolía constante debajo de sus sintetizadores y bajos: la sensación de escapar por unas horas, perderse entre desconocidos y dejar que la ciudad se convierta en un universo paralelo.

El resultado es un track de electrónica accesible y cinematográfica, pensado tanto para una noche de club como para acompañar un recorrido nocturno por la ciudad. DJ Vik convierte el paisaje urbano en una experiencia sonora donde el neón, el romance y el ritmo parecen existir en el mismo espacio.

Video: https://pikabu.ru/video/story/the_night_city_lights__dj_vik_14230215/1724129

Translucent Veil — “Time We’re Moving On”: cuando llega el momento de seguir adelante

“Time We’re Moving On” se mueve dentro de un territorio de indie rock, con una energía que también recoge elementos del power pop y el glam rock. Desde su propio título, la canción plantea una idea de transición: reconocer que una etapa ha terminado y aceptar que ha llegado el momento de avanzar.

Su clasificación entre estos géneros sugiere una propuesta que combina la sensibilidad alternativa del indie con una actitud más directa y expansiva. Esa mezcla permite que el tema conserve un carácter accesible y melódico, mientras incorpora una energía propia del rock que acompaña la sensación de movimiento que atraviesa su concepto.

Hay algo especialmente interesante en la frase “Time We’re Moving On”: no habla únicamente de dejar atrás algo, sino de reconocer que el tiempo también participa en esa decisión. A veces avanzar no significa haber encontrado todas las respuestas, sino aceptar que permanecer en el mismo lugar ya no es una opción.

Con su enfoque de indie rock, power pop y glam rock, Translucent Veil convierte esa idea en una canción de impulso y transición: una invitación a dejar que el pasado ocupe su lugar y permitir que lo que viene tenga espacio para comenzar.

figuers & Embleton — “low”: una pausa entre el amor, el hogar y las estaciones

“low”, colaboración entre figuers y Embleton, es una íntima pieza de indie folk que reflexiona sobre tres elementos profundamente humanos: las estaciones, el hogar y el amor. La canción nace desde una mirada contemplativa, donde los cambios externos parecen convertirse también en una forma de hablar sobre nuestros propios ciclos emocionales.

Inspirada en el universo sonoro de artistas como SYML, RY X, Novo Amor y Bon Iver, la producción apuesta por la sutileza y el espacio. Las texturas acústicas y la construcción atmosférica dejan que la voz y las letras poéticas ocupen el centro, creando una sensación cercana, casi como escuchar una conversación en voz baja.

Con un tempo pausado, “low” evita la necesidad de grandes explosiones y encuentra su fuerza precisamente en la contención. Es una canción que parece avanzar lentamente, dejando que cada capa sonora acompañe una reflexión sobre aquello que permanece mientras todo alrededor cambia.

El resultado es una pieza cálida y melancólica, perfecta para quienes encuentran en el folk una forma de detenerse por unos minutos y mirar hacia dentro.

Kev’Laa – “Disco Biscuit”: psicodelia, funk y groove para perderse en la pista

Con “Disco Biscuit”, el productor británico Kev’Laa lleva el espíritu del disco hacia un terreno más psicodélico y electrónico, construyendo un track de funky tech house pensado claramente para el movimiento. La propia propuesta del artista lo define como un himno de club donde el groove y una dosis de extrañeza van de la mano.

La producción se apoya en la energía característica del house, pero incorpora una actitud juguetona que evita que el tema se sienta predecible. Bajo, ritmo y elementos disco se encuentran en una mezcla diseñada para mantener la pista activa, mientras la estética visual de Kev’Laa amplía el universo de la canción hacia un terreno deliberadamente surrealista.

El lanzamiento también demuestra el interés del productor por explorar diferentes versiones de una misma idea, con ediciones como “Radio” y “Funkin Dunkin” que ofrecen nuevas aproximaciones al concepto original.

Más que buscar solemnidad, “Disco Biscuit” abraza el lado divertido y ligeramente absurdo de la música electrónica: un track para bailar, desconectarse un rato y dejar que el groove haga el trabajo.

JAKI BLUE — “The Love You’ve Been Given”: aprender a reconocer el amor que ya está ahí

“The Love You’ve Been Given” funciona como una pieza especialmente significativa dentro del universo de JAKI BLUE: una mirada íntima hacia el amor, la identidad y ese proceso silencioso de aprender a aceptarnos. La canción forma parte del EP debut que lleva el mismo nombre, un proyecto construido alrededor de la búsqueda personal, la vulnerabilidad y el regreso hacia uno mismo.

Musicalmente, JAKI BLUE se mueve entre el Alternative R&B y el Alt-Soul, combinando una sensibilidad soul con una escritura profundamente personal. Su manera de construir canciones parte de melodías y palabras que surgen casi como confesiones, dejando espacio para que la emoción sea tan importante como la propia narrativa.

En “The Love You’ve Been Given”, esa búsqueda adquiere una dimensión particularmente humana: mirar el amor recibido, reconocer su valor y entender que el camino hacia la propia identidad también puede comenzar cuando dejamos de buscar respuestas únicamente afuera. Es una propuesta cálida, introspectiva y vulnerable, de esas que invitan a escuchar con calma y quedarse un rato dentro de la canción.

Y aquí tenemos una artista que no utiliza la vulnerabilidad como adorno: la convierte en el centro de su lenguaje musical. 💙

Wilbur Sargunaraj — “Dance Around The World”: cuando la música convierte las fronteras en ritmo

“Dance Around The World” es una celebración musical de la diversidad y de aquello que puede conectar a personas de culturas diferentes: el ritmo. Wilbur Sargunaraj construye esta propuesta desde su trabajo alrededor de la inteligencia cultural, llevando esa idea al terreno musical mediante una producción que reúne influencias y colaboradores de distintas partes del mundo.

Más que presentar una mezcla de estilos como simple recurso sonoro, el proyecto busca que cada encuentro cultural forme parte de la identidad de la música. El álbum fue desarrollado junto a productores como Roberto Linares Brown, Jean-Meyer y Mike Schlosser, y cuenta con músicos de diferentes procedencias, entre ellos el percusionista ganador del Grammy Keisel Jiménez, además de artistas vinculados con Nueva Zelanda, India y Hawái.

En “Dance Around The World”, esa filosofía se traduce en una experiencia dinámica, bailable y abierta al intercambio: una propuesta de world music con electrónica, groove y elementos provenientes de distintas tradiciones, donde el movimiento funciona también como lenguaje universal.

El lanzamiento llega como parte de un proyecto que entiende la música como una herramienta para acercarnos a otras culturas. Y quizá ahí está su mayor atractivo: no se trata solamente de bailar alrededor del mundo, sino de descubrir el mundo a través del baile. 🌎🎶

Un disco de metal que aborda las dualidades del ser humano, así es ‘Entre fuego y sombras’ de AIn Ad Hominem

‘Entre fuego y sombras’ es el disco debut de In Ad Hominem, un trabajo con un concepto que gira en torno a la dualidad del ser humano: la rabia y la esperanza, la destrucción y el renacer, la fe y la ausencia de ella.

Cada canción es una historia distinta, pero todas hablan de procesos internos. La banda chilena aborda temáticas como la crisis de fe, la muerte, la ira, la soledad, la crítica social y la búsqueda personal en un mundo que se cae a pedazos.

«El mensaje que queremos enviar con este lanzamiento es simple: está bien arder y está bien estar en la sombra. No todo es luz. Queremos que la gente que escuche el disco sepa que sus demonios también tienen música. Que gritar también es sanar», agrega el grupo austral.

‘Entre fuego y sombras’ explora sonidos desde el thrash metal rápido y cortante, pasando por pasajes progresivos con cambios de tiempo, hasta riffs más pesados y melódicos del heavy metal. Como power trio, In Ad Hominem busca que cada instrumento suene grande. Hay mucha guitarra líder, bajo presente y líder y batería aplastante que marca todo; pero también hay guitarras limpias y dinámicas para que no sea solo golpe tras golpe.

«La inspiración que tuvimos para este álbum viene de vivir en Chile post-estallido, de pérdidas personales y de ver cómo la gente se va apagando o encendiendo, de vivencias humanas que muchas veces son mucho más crudas que historias de fantasías y demonios. También de ensayar encerrados en San Sebastián con el mar al lado. El fuego y la sombra estaban ahí todo el tiempo», enfatiza IAH.

‘Entre fuego y sombras’ de In Ad Hominem presenta una canción desoladora en ‘Ciudad sin Dios’, una intensa y esperanzadora en ‘Renaciendo’, una melancólica y furiosa en ‘El Fin’, una ansiosa y crítica en ‘Esperando una opinión’, una fatalista y épica en ‘He de morir’, una oscura en ‘Ciego’, una melancólica e inspiradora en ‘Ecos de ausencia’ y una explosiva y liberadora en ‘Toda mi ira’.

‘Ciudad sin Dios’ es el focus track del disco, es una canción que nace de una pesadilla de uno de los integrantes y habla del sentir que estamos solos, que todo se derrumba y que cada uno se salva como puede. Es una crítica a la indiferencia social. Sonoramente, parte con un riff thrash muy directo, una batería agresiva y un coro que se queda pegado. Tiene un puente más groove antes de explotar de nuevo. La letra habla de una ciudad donde «Dios se fue de gira y no volvió».

El videoclip se grabó con imágenes IA editadas, dirigidas y producidas por el productor Matias Tapia (Mato), intercaladas con la banda tocando y actuando. El concepto es mostrar esa soledad colectiva: mucha gente, nadie se ve, nadie se ayuda, es solo caos en 4 minutos de intenso metal.

Según In Ad Hominem, «Esperamos que ‘Entre fuego y sombras’ nos abra puertas fuera de Chile. Queremos tocar en Colombia, Argentina, Perú, México y en todo el mundo. El impacto que buscamos es conectar con gente que está cansada del metal en inglés y quiere escuchar algo que le hable directo, en su idioma y con sus problemas. Que el disco se vuelva banda sonora de alguien que está pasando por sus propios «fuegos y sombras»».

Alexa Kate — “good for long”: cuando todo va bien, pero algo dentro de ti espera lo peor

“good for long” explora esa sensación tan humana de no poder disfrutar completamente de un momento feliz porque, en el fondo, existe el miedo de que algo salga mal. Alexa Kate convierte esa ansiedad silenciosa en una pieza de indie pop emocional, construida alrededor de la vulnerabilidad y la incertidumbre.

La canción comienza desde un lugar íntimo y contenido, reflejando esa calma aparente que poco a poco se transforma en tensión. Su desarrollo de suave a intenso acompaña perfectamente el conflicto emocional: querer confiar en que todo está bien mientras una parte de ti sigue esperando que llegue “el otro zapato”.

Con una propuesta centrada en la sensibilidad de la interpretación y unas letras introspectivas, “good for long” conecta especialmente con quienes conocen esa sensación de cuestionar la felicidad incluso cuando no existe una razón concreta para hacerlo. Es un retrato sencillo, honesto y emocional de la ansiedad que puede esconderse detrás de los momentos aparentemente perfectos.

Cap’n Marble – “Garden Dreams”: elegir el sueño antes que la realidad

“Garden Dreams”, de Cap’n Marble, explora el deseo de vivir en un estado de felicidad e ignorancia antes que enfrentarse a una realidad que puede resultar demasiado dura. La canción se construye alrededor de esa contradicción entre la comodidad de permanecer en un mundo idealizado y la necesidad de reconocer aquello que preferimos no ver.

Desde una propuesta de indie pop e indietronica, el tema transforma esta reflexión en una experiencia sonora de carácter soñador y envolvente. Su concepto encuentra fuerza precisamente en el contraste entre una atmósfera aparentemente luminosa y una idea mucho más inquietante: ¿qué ocurre cuando elegimos la ilusión porque la verdad duele demasiado?

“Garden Dreams” fue escrita, grabada y mezclada por Cap’n Marble en su estudio casero de Los Ángeles, un proceso que refuerza el carácter personal de la propuesta. El sencillo también funciona como adelanto de su segundo LP, previsto para este año, abriendo una nueva etapa en el universo creativo del proyecto.

Más que una invitación a escapar de la realidad, la canción parece preguntarnos cuánto estamos dispuestos a ignorar para conservar nuestro propio jardín de sueños.

Un manifiesto de resistencia que rinde homenaje a las raíces, así es ‘La Sangre Latina’ de Estado de Sitio

Estado de Sitio, una de las bandas más representativas del rock panameño, lanza su nuevo álbum ‘La Sangre Latina’, una producción que celebra más de tres décadas de trayectoria. Más que un disco de rock, es una declaración de identidad, fuerza y resistencia desde Panamá para toda Latinoamérica.

Con más de 35 años de historia sobre los escenarios, Estado de Sitio ha marcado un camino sólido dentro de la escena del rock en Panamá y la región. ‘La Sangre Latina’ es mucho más que un disco: es un manifiesto sonoro que rinde homenaje a las raíces, la resistencia y la unión de nuestros pueblos.

Integrada por Billy Mata, Luis Gotti y Juan Iribarren cada canción refleja el pulso de una generación que sigue creyendo en el poder del arte para transformar, unir y despertar conciencia.

«Este álbum es una celebración de nuestra identidad, de todo lo que somos como latinos. Es rock con alma, con historia y con corazón», cuenta Juan Iribarren baterista de Estado de Sitio.

El disco reúne poderosos riffs de guitarra, letras cargadas de contenido social y la madurez musical de una banda que ha sabido evolucionar sin perder su esencia. Grabado y producido por Nathan Bonalde de Venezuela y los estudios de Emilio Cárdenas de Panamá.

‘La Sangre Latina’ cuenta con colaboraciones especiales de músicos invitados, y consta de 12 canciones interpretadas junto a grandes colegas de la escena musical iberoamericana como Saurom de España en ‘Libertad’, Sinergia de Chile en ‘Revolución’, Antibanda de Uruguay en ‘Los Padres de la Patria’, Los Perros de Costa Rica en ‘La Revolución de las Masas’, Adaptados de Costa Rica en ‘Qué Hacen con el Dinero’, Fernando Madina de Reincidentes de España junto a Juan Cabrera de Acción Directa de Venezuela en ‘Estado de Sitio’, Notoken de Ecuador en ‘A la Mierda tu Vida’, Los Violadores de Argentina en ‘Viejos Patéticos’, Radiocrimen de País Vasco en ‘Caos y Muerte’, Mal Agüero y Desarme de Colombia en ‘En el Nombre de Dios’, Los Rabanes de Panamá en ‘La Historia de mi Vida’ y ‘La Sangre Latina’ en donde participan los músicos panameños Eric Pinzón de Cabeza de Martillo, Sidsagi Inatoy / Kuna Revolution y el percusionista Ademir Berrocal miembro de la Orquesta de Rubén Blades y la orquesta de Roberto Delgado.

Este nuevo disco incluye éxitos de la banda y 3 temas inéditos: ‘Libertad’, ‘La Revolución de las Masas’ y ‘La Sangre Latina’, que marcan un antes y lo que será el nuevo rumbo de la banda en términos musicales.

‘La Sangre Latina‘ es la canción que le da nombre al disco y cuenta con la participación de importantes músicos panameños como Eric Pinzón de Cabeza de Martillo, Sidsagi Inatoy /Kuna Revolution grupo de rap originario de Guna Yala y el percusionista Ademir Berrocal, miembro de la Orquesta del Maestro Rubén Blades yla Orquesta de Roberto Delgado.

El clip cuenta con las actuaciones especiales de la actriz Rosa García y el actor Lucho Gotti, conocido por sus apariciones en películas como El Sastre de Panamá, James Bond 007/ Quantum of Solace, Chance, Escobar, La Ruta de la Luna entre otras.

Realizado bajo el lente del equipo de Dirty Diablo Films Panamá y Musa Producciones, el videoclip muestra a Estado de Sitio como parte de una energía colectiva, con músicos, artistas, identidad visual, presencia escénica y una estética que conecta con Panamá y Latinoamérica.

El concepto de la portada está ligado al nombre del disco. Habla de raíces, historia, pueblos conectados, ataduras que se rompen, memoria y resistencia. La portada del álbum representa identidad, fuerza y unidad. Visualmente mantiene el carácter directo del grupo: un puño en alto rompiendo las cadenas en un claro gesto de lucha. Simboliza el anhelo de liberación de los pueblos en América Latina, no solo del yugo físico, sino el mental, invitando a romper las barreras colonialistas y las auto-impuestas e ir en la búsqueda de la verdadera libertad.

‘La Sangre Latina’ de Estado de Sitio presenta en ‘Revolución’ una consigna de protesta hecha canción, en ‘Estado de Sitio’, energía e identidad; en ‘Libertad’ muestra rebeldía y esperanza, ‘Viejos Patéticos’ es inspiradora y agresiva, ‘¿Qué Hacen con el Dinero’ es un cuestionamiento directo, ‘La Historia de mi Vida’ es la canción fiestera del grupo, ‘En el Nombre de Dios’ es oscura y cuestionadora, ‘La Revolución de las Masas’ es un análisis a la tecnología y el control popular, ‘Caos y Muerte’ es cruda y explosiva, ‘Los Padres de la Patria’ es sarcástica y política, ‘A la Mierda tu Vida’ es peligrosa y potente y ‘La Sangre Latina’ es un homenaje a la Pachamama.

COMOTUEX convierte su disco ‘La AnEXdota’ en una experiencia audiovisual que va más allá de la música

La banda panameña de rock alternativo COMOTUEX lanza su 2da producción, el álbum ‘La AnEXdota’, encabezando con el sencillo ‘Panty Water’, una canción que no solo llegará acompañada de música, sino de un universo narrativo que combina humor, cine y rock.

Como parte de esta propuesta, la banda también trabaja actualmente en la preproducción del videoclip de «La AnEXdota», una historia protagonizada por un Cupido convertido en un peculiar villano que dispara flechas para sembrar el caos sentimental. Con un tono cinematográfico y una estética inspirada en la comedia de acción, el video promete convertirse en una pieza central del proyecto.

La estrategia también incluye un Live Session grabado junto por Pulso Sinergia, donde la banda presentará versiones en vivo de sus canciones, acercando al público a la energía que caracteriza sus presentaciones.

Además, COMOTUEX desarrolló un formato original de «noticiero» en su canal de YouTube, una serie de contenidos audiovisuales que conectan las historias del álbum y amplían el universo narrativo de la banda, mezclando ficción, humor y música para ofrecer una experiencia diferente dentro de la escena del rock independiente.

Con esta apuesta multimedia, COMOTUEX demuestra que un álbum puede vivirse más allá del audio, convirtiéndose en una experiencia visual y narrativa que invita al público a descubrir cada canción desde distintas perspectivas.