Hay preguntas que no pierden fuerza con el tiempo. “Xke’ non mi vuoi?” —¿Por qué no me quieres?— es una de ellas. Ruben Spera recupera esta canción de su catálogo y vuelve a ponerla en circulación dentro de una etapa marcada por su próximo álbum, Dangerous Water.
El tema, originalmente incluido en Call Me (2024), se mueve dentro del alternative rock y el pop rock, con una clara inclinación hacia el sonido del rock clásico. Con sus 3:33 minutos, la canción apuesta por una estructura directa y una identidad guitarrera que encaja con la faceta más rockera del artista.
Su regreso durante 2026 resulta especialmente interesante porque “Xke’ non mi vuoi?” ha comenzado a encontrar nuevos espacios de difusión. El tema apareció en Worldwide Millennial, un programa dedicado a descubrir música internacional, y también en Indie Gente, espacio especializado en rock independiente.
Cosmonauta Radio también destacó la canción en julio como un adelanto relacionado con Dangerous Water, el proyecto que Ruben Spera prepara para esta nueva etapa.
Y quizá esa sea la parte más interesante de esta historia: una canción no siempre necesita ser nueva para volver a sentirse nueva. A veces basta con que encuentre otro momento, otra audiencia y otros oídos dispuestos a escucharla.
“Xke’ non mi vuoi?” vuelve así a escena con una pregunta sencilla, emocional y universal: ¿por qué no me quieres? Y en el rock, algunas preguntas suenan todavía mejor cuando vienen acompañadas de guitarras.
Desde Minneapolis–Saint Paul, la banda latina Xawaro presenta “Clavos”, el primer sencillo de su EP debut homónimo. La propuesta entra de lleno en terrenos de heavy metal, con una combinación de guitarras pesadas, ritmos contundentes y una energía agresiva que también incorpora elementos asociados al death y black metal.
Pero lo que realmente distingue a “Clavos” está en su identidad. Toda la canción está interpretada en español, llevando las raíces latinas de la banda directamente al corazón de una producción metalera intensa y visceral. No se trata de un elemento decorativo: el idioma forma parte de la personalidad de Xawaro y refuerza la conexión emocional de sus letras.
La canción utiliza una estética oscura y agresiva para explorar emociones relacionadas con el dolor, la traición, la lucha y el deseo de venganza. Los “clavos” funcionan como una imagen central de las heridas emocionales y del conflicto entre dejarse consumir por el rencor o encontrar una salida a través del perdón.
Musicalmente, Xawaro apuesta por riffs densos, guitarras de gran peso, una base rítmica poderosa y voces cargadas de intensidad. El resultado tiene la musculatura del metal clásico, pero también una sensibilidad más extrema que acerca la canción al death y black metal, creando un sonido particularmente oscuro para una canción cantada íntegramente en español.
“Clavos” abre así el camino para un EP de seis canciones que gira alrededor de conceptos como perseverancia, identidad, transformación y resiliencia. Más que presentar solamente una nueva banda, Xawaro utiliza este debut como una declaración de identidad: demostrar que las raíces culturales también pueden sonar enormes, distorsionadas y furiosas.
Hay preguntas que aparecen después de una pérdida y que no tienen respuestas sencillas. “Love Left”, la nueva colaboración de Earshot y Judge & Jury, nace precisamente de una de ellas: ¿queda amor y esperanza cuando todo alrededor parece consumirse?
El tema tiene un origen especialmente personal para Wil Martin, vocalista de Earshot. La muerte de Chris Cornell en 2017 lo enfrentó con una realidad que le produjo un profundo impacto: incluso alguien que desde afuera parece tenerlo todo puede estar atravesando una batalla interna que nadie alcanza a ver. Esa experiencia terminó convirtiéndose en el punto de partida emocional de la canción.
Musicalmente, “Love Left” conserva la identidad de alternative rock/alternative metal de Earshot, con riffs contundentes, grandes melodías y una atmósfera pesada que acompaña el contenido emocional de la letra. La canción fue escrita por Martin junto a Blair Daly, mientras la producción estuvo vinculada a Howard Benson y Neil Sanderson, fundadores de Judge & Jury.
Pero el verdadero centro de la canción no está únicamente en la oscuridad. Está en esa pequeña chispa que permanece cuando todo lo demás parece perdido. Martin plantea que, aunque no podamos controlar lo que sucede a nuestro alrededor, todavía podemos intentar proteger el amor que llevamos dentro.
Esa idea cobra una dimensión visual muy potente en el videoclip oficial: un escenario oscuro y deteriorado sirve como representación de un mundo que se desmorona, mientras una bombilla encendida simboliza esa última chispa interior que alguien intenta mantener viva. La estética industrial y destructiva funciona como reflejo de una batalla que, en realidad, ocurre dentro de la mente.
El lanzamiento llega además en un momento de renovado interés por Earshot. Durante el último año, sus oyentes mensuales en Spotify se han más que duplicado y la banda supera actualmente los 700.000 oyentes mensuales, mientras su álbum Humaning ya superó el millón de reproducciones.
“Love Left” no intenta negar el dolor ni convertirlo en una historia de superación fácil. Su mensaje es mucho más humano: podemos estar rotos, agotados o perdidos y, aun así, conservar algo dentro de nosotros por lo que vale la pena seguir luchando.
Y quizás esa sea la verdadera fuerza de la canción: cuando todo se apaga, todavía puede quedar una luz.
Hay momentos en una relación en los que no ocurre una gran ruptura, ni existe necesariamente un culpable; simplemente algo cambia. “Change of Heart”, de McGraw Project, se instala justamente en ese territorio incómodo donde los sentimientos dejan de ser los mismos y aparecen preguntas para las que no siempre existe una respuesta clara.
El tema forma parte de Imaginary Rain, álbum debut del proyecto familiar liderado por David McGraw junto a sus hijos, una propuesta que recupera elementos del rock clásico y el indie rock para contar historias profundamente personales.
Con una duración de 3:58, la canción encuentra su fuerza en la composición y en una interpretación que mantiene el carácter orgánico del rock, sin necesidad de sobrecargar la producción. La guitarra tiene un papel protagonista —algo que incluso el propio envío destaca al señalar un solo especialmente memorable hacia el minuto 2:40— mientras la estructura permite que la canción avance desde una primera parte más contenida hacia un desarrollo instrumental de mayor intensidad.
El concepto de “Change of Heart” encaja perfectamente dentro del universo de Imaginary Rain: la incertidumbre, la transformación y esa sensación de intentar comprender cuándo y por qué algo dejó de sentirse igual. No es una canción sobre una respuesta definitiva, sino sobre ese momento en que empiezas a reconocer que las emociones también pueden cambiar de rumbo.
Y quizás ahí está su encanto: el rock sirve como vehículo para una historia sencilla, humana y reconocible, demostrando que incluso un cambio aparentemente pequeño puede convertirse en una canción completa.
Con “Young and Godless”, VamViper se mueve dentro de un universo de indie pop, synthpop y alt-pop, un territorio donde las melodías pop conviven con una estética más oscura y electrónica.
El tema forma parte de PHANTFM, un álbum de 13 canciones publicado en julio de 2026, dentro de una etapa especialmente activa del proyecto. El disco también incluye temas como “The Bad Moon”, “Supernatural”, “CROWN $hAKE” y “I go down with the ship.”, mostrando un imaginario artístico que se mueve cómodamente entre lo pop, lo alternativo y lo electrónico.
El propio título “Young and Godless” ya plantea una combinación interesante: juventud, libertad y una cierta distancia frente a las certezas establecidas. Dentro de una producción de synthpop/alt-pop, esa idea encuentra un espacio perfecto para jugar con contrastes entre melodías accesibles y una estética más provocadora.
Más que buscar una fórmula pop convencional, VamViper parece construir un universo propio alrededor de canciones de fuerte identidad visual y conceptual. “Young and Godless” funciona así como una pieza dentro de ese mundo: electrónica, alternativa y con una actitud que no parece interesada en pedir permiso.
Y eso es precisamente lo que hace que el track resulte atractivo: no necesita alejarse del pop para sentirse diferente. Le basta con darle un poco más de oscuridad, personalidad y riesgo.
Con “Stay”, Auro se mueve en un territorio donde el dance pop y la electrónica encuentran un punto de equilibrio entre melodía y energía. Con una duración de apenas 2:59, el track apuesta por un formato directo y accesible, pensado para entrar rápidamente en la atmósfera sin perder su carácter bailable.
La canción ha comenzado a aparecer en distintas selecciones recientes de EDM, dance pop, progressive y melodic house, lo que refleja su capacidad para moverse entre diferentes espacios de la electrónica contemporánea.
Hay algo especialmente interesante en el propio concepto de “Stay”: una palabra sencilla que puede contener muchas emociones. Quedarse puede ser una petición, una decisión o incluso una forma de aferrarse a un momento que sabemos que podría desaparecer. En el contexto de una producción electrónica, esa idea adquiere una dimensión diferente: el ritmo avanza constantemente, mientras el título parece pedir exactamente lo contrario.
Auro ya cuenta con otros lanzamientos dentro de un universo pop y electrónico, y “Stay” continúa esa línea, combinando accesibilidad melódica con una energía diseñada para funcionar tanto en playlists como en contextos de escucha más dinámicos. Su presencia en diferentes playlists de música electrónica durante estas últimas semanas confirma que el tema está encontrando espacio dentro de la escena dance.
“Stay” es, en definitiva, una canción que convierte una palabra sencilla en una sensación: la de querer prolongar un momento antes de que la música —o la noche— llegue a su final.
Con “El Mesías”, la artista argentina Mara V lleva su propuesta hacia un territorio más pesado, oscuro e industrial. La canción utiliza el lenguaje simbólico de las imágenes religiosas y apocalípticas para hablar de algo mucho más terrenal: el poder, las promesas de salvación y la facilidad con la que ciertos discursos pueden convertir a un líder en una figura mesiánica.
Musicalmente, el tema se instala en un alternative rock de mayor intensidad, incorporando elementos asociados al metal gótico y a la música industrial. Las guitarras densas y la atmósfera oscura acompañan una interpretación vocal que mantiene el componente melódico mientras aumenta la sensación de tensión y confrontación.
La fuerza de “El Mesías” está precisamente en ese contraste: una estética casi apocalíptica para hablar de problemas muy presentes. La canción pone en cuestión las promesas de quienes se presentan como la solución mientras persisten realidades como la desigualdad, el miedo, la violencia y la dependencia.
Este lanzamiento también representa una evolución dentro del recorrido de Mara V. Su catálogo anterior ya exploraba territorios oscuros y alternativos, pero “El Mesías” profundiza esa identidad desde una producción más contundente y una narrativa de marcado contenido social.
El resultado es una canción que no busca simplemente crear una atmósfera sombría: utiliza la oscuridad como lenguaje para cuestionar aquello que ocurre cuando dejamos de pensar por nosotros mismos y depositamos nuestra salvación en alguien más.
Y ahora viene un dato que me gusta muchísimo para cerrar la nota: “El Mesías” también cuenta con un visualizer producido por la propia Mara V, difundido a través de sus canales digitales.
Con “Temporary”, el trío sueco ViVii convierte una reflexión sobre la fugacidad de la vida en una canción luminosa, cálida y sorprendentemente bailable. Publicado por Dumont Dumont, el tema es el segundo adelanto del próximo álbum de la banda, previsto para comienzos de 2027.
La canción fue escrita y grabada en Estocolmo y construye su identidad a partir de un groove inspirado en el dansband, una tradición de música de baile sueca, combinado con líneas de guitarra vibrantes, armonías psicodélicas y melodías brillantes. El contraste es precisamente lo que hace especial a “Temporary”: debajo de una producción alegre y envolvente existe una reflexión profundamente introspectiva sobre el paso del tiempo y aquello que inevitablemente cambia.
En la letra aparece una idea poderosa: todo es temporal, y precisamente por eso importa. La canción no plantea la impermanencia como algo necesariamente triste, sino como una razón para vivir con mayor intensidad el presente. Es una invitación a disfrutar mientras el momento está sucediendo, incluso sabiendo que eventualmente terminará.
Musicalmente, las guitarras de aire psicodélico, los sintetizadores y las armonías vocales de Caroline y Emil Jonsson crean esa sensación casi suspendida que caracteriza a ViVii. En los créditos también aparecen Anders Eckeborn en bajo, guitarra y sintetizadores, además de Johan Eckeborn en batería, mientras Jack Lawtey participa como coproductor e ingeniero de mezcla.
El resultado es una canción que consigue algo muy bonito: hablar de lo efímero sin sonar triste. “Temporary” parece decirnos que saber que una canción terminará no debería impedirnos bailar mientras está sonando.
Y quizás ahí está su mayor encanto: no podemos detener el tiempo, pero sí podemos decidir qué hacemos mientras pasa.
Con “Floating”, Maple Sun continúa desarrollando una propuesta donde el progressive house y el melodic house se encuentran con una sensibilidad profundamente atmosférica. El productor italiano Fabio construye su música desde una perspectiva narrativa, combinando electrónica y elementos orquestales para crear piezas que buscan transmitir emociones más que simplemente ocupar la pista de baile.
El track avanza a 123 BPM, un tempo que permite que el groove se mantenga constante sin perder ese carácter contemplativo que define buena parte del melodic house. Su tonalidad en Sol bemol mayor contribuye a una sensación luminosa y expansiva, mientras la estructura mantiene el movimiento propio del progressive house.
El título “Floating” resulta especialmente apropiado para esta propuesta: la canción parece construirse alrededor de la sensación de flotar, avanzar sin resistencia y dejar que el sonido marque el camino. No necesita recurrir a una energía explosiva para mantener la atención; encuentra su fuerza en el desarrollo progresivo y en la relación entre melodía, atmósfera y ritmo.
La trayectoria de Maple Sun también ayuda a entender este enfoque. Su catálogo combina melodic house, progressive house y electrónica de inspiración orquestal, mientras sus composiciones suelen partir de momentos personales, paisajes y experiencias que después transforma en sonido.
Con “Floating”, esa filosofía se traduce en una pieza elegante y envolvente, capaz de funcionar tanto en una playlist de escucha contemplativa como dentro de una sesión de electrónica melódica. Es música para moverse, pero también para dejarse llevar.
Cinco canciones, cinco nuevos descubrimientos y cinco razones para darle play a sonidos que quizá todavía no conocías. En FRECUENCIA ALTERNATIVA abrimos una ventana a nuevos artistas y propuestas que llegan desde distintos rincones del mundo. En cada volumen reunimos canciones que nos llamaron la atención por su sonido, su personalidad y aquello que las hace diferentes. Dale play, descubre nuevos nombres y déjate sorprender por la música que encontramos en el camino.
La próxima canción que te guste podría estar aquí. 🎧
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Vittoria Constantino es una artista de pop latino bilingüe cuya música nace de los lugares, culturas y momentos que han marcado su camino. El proyecto surge como una evolución natural de una etapa anterior, buscando una identidad siempre honesta, emocional y más conectada con lo que significa crecer y descubrirse en los veintes. Esta nueva era comenzó a tomar forma en los últimos años, mientras encontraba claridad sobre el sonido y la narrativa que quería construir.
La intención de la propuesta de Vittoria es que su música se sienta real: canciones que hablen de emociones que todos viven, sin filtros ni perfecciones.
«Busco que mi propuesta sea un espacio donde la gente pueda verse reflejada, especialmente quienes están atravesando los momentos de transición, duda y crecimiento que marcan esta etapa de la vida», comenta la artista con influencias de pop latino, R&B y pop alternativo.
«Quiero transmitir que está bien sentirlo todo: lo complicado, lo fácil, lo que duele y lo que sana. Mis canciones hablan de aceptar la vulnerabilidad como parte del proceso de conocerse y de amar. No busco dar respuestas, sino acompañar a quienes están viviendo sus propias historias», agrega la cantante inspirada en artistas que trabajan la emoción desde la honestidad y la estética moderna, como Kali Uchis, Elena Rose, Young Miko, Karol G.
‘Difícil (VamohaceloREAL)’ es el nuevo sencillo de Vittoria, habla de esa dualidad que existe en las relaciones cuando todo puede sentirse complicado y fácil al mismo tiempo. Es una canción sobre la tensión entre querer mantener independencia y, aun así, sentir una conexión que te mueve. Aborda temas como la vulnerabilidad, la atracción, la duda y la honestidad emocional.
A nivel sonoro, ‘Difícil (VamohaceloREAL)’ explora una mezcla de pop latino con elementos de R&B, texturas modernas y una producción que busca equilibrio entre lo íntimo y lo energético. La canción tiene una vibra cálida, melódica y emocional, pensada para sentirse cercana y auténtica.
El visualizer de la canción estuvo a cargo de TES, quien ha sido fundamental en la parte visual del proyecto, además entendió la estética y la sensibilidad que Vittoria quería transmitir en ‘Difícil (VamohaceloREAL)’. Su trabajo ayudó a darle una identidad clara a esta nueva etapa y su aporte no fue técnico, sino emocional; logrando traducir la esencia de la canción en imágenes que acompañan y amplifican el mensaje.
El visualizer busca capturar la intimidad y la dualidad del tema. No pretende contar una historia literal, sino transmitir sensaciones: la mezcla entre lo vulnerable y lo fuerte, lo claro y lo incierto. La intención es que el espectador sienta la emoción de la canción sin distracciones, como si estuviera dentro del momento que la inspiró.
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Nonpalidece, una de las bandas más grandes del reggae en Latinoamérica, llega a Bogotá para presentarse en un concierto íntimo y pasional el jueves 8 de octubre en Lourdes Music Hall con su gira internacional ’30 Años, 30 Canciones’.
Conocidos popularmente como Nonpa, son una de las bandas más grandes y queridas del reggae en español. Formados en 1996 en Tigre, Buenos Aires, Argentina, y liderados por Néstor Ramljak (voz), su música tiene una base espiritual, consciente y positiva, con letras sobre el amor, la naturaleza y la perseverancia. De ahí su nombre: del lunfardo argentino «no palidecer», no aflojar.
Actualmente, la banda está conformada por Néstor Ramljak (voz), Facundo Cimas (bajo), Germán Bonilla (batería), Bruno Signaroli (guitarra), Martín Mortola (teclado) y Ariel Sciacaluga (percusión).
El público bogotano cantará en un mismo show en Lourdes Music Hall clásicos como ‘La Flor’, ‘Tu Sueño’, ‘Tu Presencia’, ‘Dame Luz’, ‘En El Río Es Mejor’, ‘Revolución’, ‘Love Song’, ‘Reggae En El Universo’, ‘Soy Latino’ y ‘La Alegría Manda’.
Nonpalidece ha llevado su reggae por más de 15 países, desde Rock al Parque en Colombia pasando por el Vive Latino en México hasta el Cosquín Rock en Argentina, compartiendo escenario con grandes estrellas del reggae mundial como The Wailers, Gondwana, Los Cafres, Protoje y Morodo.
Colombia siempre ha sido una parada fundamental en el camino de Nonpalidece y la cita para verlos en Bogotá será el próximo jueves 8 de octubre en Lourdes Music Hall.
Lourdes Music Hall, ubicado en la Carrera 13 No. 64-56, se consolida en 2026 como una parada obligatoria del circuito musical latinoamericano. Durante los próximos meses, el venue de Chapinero recibirá artistas de la talla de BloodBath, Masacre, Cassie Raptor, Todos Tus Muertos, Rey Gordiflón, Los Mirlos, Frente Cumbiero, Mad Professor, Queen Omega, Lucho al Attaque, Flema, Nepentes, Ky-Mani Marley y Miky Woz.
Del 22 de agosto al 3 de octubre, el circuito reunirá bandas, selectores y DJs en seis jornadas de música en vivo, cultura independiente y acción solidaria.
El circuito musical El Concierskazo regresa con seis fechas con agrupaciones, selectores, DJs, escenarios y públicos de las escenas ska, reggae y punk de la ciudad. La programación se desarrollará entre el 22 de agosto y el 3 de octubre en Boro Room, Latino Power, Secta Colectiva y La Sucursal Venue, combinando conciertos de bandas en vivo con jornadas centradas en la cultura del vinilo y la selección musical.
El proyecto fue seleccionado como ganador de la Beca LEP de Circulación – Circuitos de Música en Vivo 2026 del Programa Distrital de Estímulos de Idartes, y su edición 2026 continúa el trabajo que El Concierskazo viene desarrollando como plataforma de circulación para músicas alternativas en Bogotá.
El Concierskazo surgió en 2023 y realizó sus primeras versiones en 2024 en el Centro Histórico de Bogotá. Su recorrido se articula con experiencias de gestión y circulación como Ska Para Todos Fest y Ska Punkie Reggae Parties, fortaleciendo la relación entre artistas, espacios culturales y audiencias de la ciudad.
UNA PROGRAMACIÓN ENTRE BANDAS, SELECTORES Y DJs
La edición 2026 propone una programación que cruza agrupaciones de ska, reggae y punk con selectores y DJs. Entre los proyectos anunciados están El Punto Ska, Alma de León, La Fiskalia, Skandalo Oi, The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF, Urban Noise, Los Candelarians y Desorden Social, además de una banda sorpresa que será revelada para el cierre del circuito.
En las jornadas de selección musical participarán Alejo Sounds, Diego 25, Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero, Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot, La Calandria, Insectoi, Laura Casas y Big Dirty Beat. Esta combinación permite que cada fecha tenga una identidad propia y, al mismo tiempo, haga parte de un recorrido común por distintas expresiones de la escena independiente bogotana del ska.
PROGRAMACIÓN DEL CIRCUITO EL CONCIERSKAZO 2026
Vol 1. Sábado 22 de agosto en Boro Room. El Punto Ska, Alma de León, La Fiskalía, Skandalo Oi y Alejo Sounds. Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.
VOL. 2.Sábado 29 de agosto en Latino Power. The Toughers, Los Sordos, La Kumbia Skandela, La Brigada RPF y Diego 25. Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.
VOL. 3.Viernes 4 de septiembre en Secta Colectiva. Mr Tosh, Zozo Hell, Invasor Sonidero y más por confirmar. Entrada libre.
VOL. 4. Sábado 19 de septiembre en La Sucursal Venue. Black Rooster, Villana, Zeta Pe, Lord Harriot y más por confirmar. Costo $15.000 en preventa y $20.000 el día del evento.
VOL. 5. Sábado 26 de septiembre en Secta Colectiva. La Calandria, Insectoi, Laura Casas y más por confirmar. Entrada libre.
VOL. 6. Sábado 3 de octubre en Boro Room. El Punto Ska (Lanzamiento álbum ‘Contratempo’), Urban Noise, Los Candelarians, Desorden Social, Banda sorpresa y Big Dirty Beat, Costo $30.000 en preventa y $40.000 el día del evento.
ENTRADAS QUE TAMBIÉN PUEDEN CONVERTIRSE EN AYUDA
Las entradas para las fechas pagas también podrán intercambiarse por mercados o donaciones destinadas a las familias y animales damnificados por el terremoto. Las donaciones pueden gestionarse a través de las bandas participantes o entregarse en los puntos aliados Lucky Cat Store, Oi Distro y Z4 Custom.
Esta acción solidaria hace parte del circuito y busca aprovechar cada fecha como un punto de encuentro para movilizar ayuda hacia las zonas afectadas, con especial atención a Chocó y a las comunidades que requieren apoyo.
Hay canciones que parecen pedirte exactamente lo contrario de lo que exige el mundo: que bajes el ritmo, respires y simplemente te dejes llevar. “Spaced”, la colaboración entre Beauty Queen y Human Barbie, encuentra ese lugar entre el bedroom pop, el lo-fi y el slacker rock, construyendo una atmósfera relajada, cálida y ligeramente soñadora.
La producción avanza sin prisa, sostenida por líneas suaves y una interpretación vocal serena que mantiene todo en un estado de calma casi hipnótica. No busca grandes explosiones ni cambios dramáticos; su atractivo está precisamente en esa sensación de continuidad, como si la canción flotara durante unos minutos sin necesidad de llegar a ningún lugar concreto.
Ese carácter descomplicado conecta muy bien con el universo del bedroom pop: una música cercana, íntima y poco preocupada por las reglas del pop convencional. En “Spaced”, Beauty Queen y Human Barbie convierten esa sencillez en una virtud, creando un espacio sonoro que funciona casi como una pequeña escapada mental.
Lanzadaa través de Beformer, la canción continúa el camino abierto por Blade of Light, el álbum debut de 2026, ampliando ese universo hacia un terreno todavía más relajado y contemplativo.
“Spaced” es, en esencia, una canción para no hacer nada por unos minutos: cerrar los ojos, dejar que el sonido avance y permitir que la mente viaje.
Con “Esta Noche – Stasera Spanish Version”, Ruben Spera recupera una de sus canciones para llevarla a un nuevo territorio lingüístico. El tema es la versión en español de “Stasera”, originalmente publicada por el músico italiano, y representa una interesante forma de acercar su propuesta a la audiencia hispanohablante.
Spera se mueve principalmente dentro del indie rock y el pop rock, combinando una sensibilidad melódica con una identidad claramente ligada a la canción italiana. En esta nueva versión, el cambio de idioma no funciona simplemente como una traducción: permite que la canción adquiera otra cercanía y encuentre nuevos matices en la interpretación.
“Esta Noche” conserva así el espíritu de la composición original mientras abre una segunda puerta de entrada a su universo musical. Es una propuesta especialmente interesante para quienes disfrutan descubrir cómo una misma canción puede transformarse cuando cambia de idioma, manteniendo su esencia pero adquiriendo una nueva personalidad.
El recorrido de Ruben Spera también muestra esa amplitud estilística. Su catálogo incluye trabajos que transitan entre indie rock, pop y diferentes aproximaciones al rock alternativo, mientras que “Esta Noche” se suma a una etapa en la que el artista explora también la conexión con el público de habla hispana.
Más que una simple traducción, “Esta Noche” puede entenderse como una segunda vida para una canción: la misma historia, otra lengua y una nueva oportunidad para encontrar oídos al otro lado de la frontera.
Con “alterations”, Ava Valianti se adentra en uno de los territorios más vulnerables de su escritura: la relación con el propio cuerpo y la presión de sentir que siempre hay algo que debería cambiar. La joven cantautora de Massachusetts convierte esa experiencia en una canción de indie pop/pop-rock profundamente personal, pero planteada desde una perspectiva que busca que el oyente pueda reconocerse en ella.
La canción retrata ese ciclo agotador en el que la comparación y el perfeccionismo empiezan a distorsionar la manera en que nos vemos. La idea de modificar el cuerpo para alcanzar una versión considerada “suficiente” se convierte en el centro de una narrativa que, lejos de glorificar esa lucha, expone el desgaste emocional que produce perseguir un estándar imposible.
Musicalmente, Valianti combina melodías de carácter íntimo con una producción indie pop-rock de mayor amplitud, dejando que la vulnerabilidad de la historia conviva con una energía creciente. Su estilo se caracteriza precisamente por unir letras introspectivas con melodías expansivas y una base guiada por guitarras.
Lo más valioso de “alterations” está en que no pretende ofrecer una solución sencilla. La canción abre una conversación sobre imagen corporal, autoestima y la manera en que aprendemos a mirarnos, invitando a reemplazar las expectativas imposibles por una mirada más amable hacia nosotros mismos.
A sus 17 años, Ava Valianti demuestra una madurez especial para convertir una experiencia íntima en una historia compartida. “alterations” no habla solamente de querer cambiar: habla del momento en que empezamos a preguntarnos por qué sentimos que tenemos que hacerlo para merecer sentirnos bien con nosotros mismos.
Con “Villain”, SHOSH y BEANIE se encuentran en un terreno dominado por los bajos, la tensión y una energía oscura. Publicado por Bassrush Records, el track se mueve dentro del universo del dubstep y el bass music, con una estructura orientada claramente a la pista y a los momentos de mayor impacto en un set.
A 140 BPM, la producción mantiene un pulso rápido y contundente, mientras su tonalidad en E♭ menor refuerza esa sensación sombría que sugiere el propio título. El tempo permite trabajar con golpes secos, cambios de intensidad y espacios preparados para que el bajo tenga un papel protagonista.
La colaboración entre SHOSH y BEANIE apuesta por una estética que no busca suavizar el sonido: “Villain” se construye desde la actitud, utilizando el peso del low-end y la energía del dubstep para crear una experiencia agresiva y directa.
El lanzamiento también llega respaldado por una plataforma importante dentro de la escena bass. Bassrush, sello de Insomniac Music Group dedicado a sonidos como dubstep, drum & bass y bass music, sitúa el track dentro de una escena especializada en producciones de alto impacto.
“Villain” no necesita demasiadas explicaciones: entra oscuro, golpea fuerte y deja que el bajo haga el resto. Una propuesta para quienes prefieren la electrónica cuando abandona la comodidad y se mete de lleno en su lado más pesado.
